三分慵懒-耳朵的旅行

耳光乐队成立于1998年，乐队以“新民俗主义”的音乐风格在中国摇滚乐坛上被众多的音乐爱好者所喜爱。从乐队成立以来，长达七年的音乐岁月，耳光经历了无数次的光荣和比无数次更多的坎坷，他们用爱与青春书写生活，歌唱理想，批判伪道德，呼吁着民族精神和民族自尊，无论嬉笑怒骂、爱情、理想，在他们的音乐中无不体现了典型中国人的豪迈和东方人特有的细腻。耳光的作品，摒弃了边缘摇滚乐那曲高和寡，晦涩难懂的低调诗人境界，“曲之于民，歌之予人”的宗旨，让这种音乐充满了醇厚的民俗性，使人欣赏后能够会心一笑，津津乐道且耐人寻味。在律动性最强的Funk节奏下，耳熟能详的中国式旋律浑然其中，直面人性，直面现实的唐人言论扑面而来，耳光乐队用其特有的音乐和惊奇的拍案，诉说着我们每一个炎黄子孙那五千年的民族情感，呼唤着我们每一个龙的传人把被物欲渐渐冷漠的热血，再次沸腾。作品大多取材于我们周围的市井生活，在理解耳光乐队凡人你我在生活中所遭遇的迷惘、艰辛的同时，又以一针见血的辛辣讽刺抨击不平等待遇、直面人性中存在的美丑。 他们用最“三俗”的语言，中国特色的旋律描绘出一幅市井众生态的动人画卷。当然耳光乐队的作品，并不是一味的发着阴暗的牢骚，他们通过对真实生活的描述，警醒在迷雾中求索的人们，要积极的面对我们并不理想的环境并且带有乐观的态度去发现生活的美好。

2014年10月不可撤销乐队将发行他们的首张专辑《她 千鸟》。专辑中共收录10首单曲，其中《幻》和《女孩儿》为早期作品再版，其余8首全部为新歌。与之前的EP《致敬梦想》相比，这张专辑仍延续迷幻最初的味道，但是在编曲的框架上做了很多新的尝试。　　这张专辑从录音到缩混及后期都是由经验丰富的制作人范川亲自制作，更是邀请到了好友曾经为Lenka制作单曲的制作人Didi-dig担任弦乐编曲制作。　　8首新歌8个味道：　　《启程》即是远行的开始，唱出了年轻人对旅行的向往，渴望享受沿途的美景，同时也寓意人生如一场旅程，要充满希望的去生活；　　《寻找女朋友》是作为本张专辑第一首单曲发布的，迷幻和实验噪音的结合，歌词简单曲调俏皮，唱出了很多男孩儿的心声，渴望爱情同略带淡淡无奈；　　《她》讲述暗恋的甜美并心酸，让我们不由自主的也想起那青涩的学生时代；　　《侠》顾名思义，这是一首中国风与迷幻相结合的歌曲，听歌同时脑海里会浮现表面光鲜亮丽的侠客却孤独的身影，一种凄凉的美，无论是歌词还是旋律都极为大气；　　《迷幻世界》依然是轻快悠扬的曲风，朗朗上口，迷离精致，简单但大气的乐器编配加上主唱辨识度极高的嗓音，使整首歌儿充满画面感；　　《燃烧》讲述了新郎和不幸遇难的未婚妻举办了生死相隔的婚礼后再举办葬礼，感人肺腑；　　《千鸟》鸟儿对自由的向往，迷茫中略带忧伤，天空才是他们的归宿；　　《冬春说》冬去春来，冰雪初融，大地复苏，享受变暖的时刻，如同一幅会动的画。　　他们的歌曲依然清新温暖，无论是吉他，贝司，还是鼓都能感受到出自几个阳光男孩儿的手。他们的旋律时常回荡的耳边，每首歌儿都如一首生机勃勃的画。时而沉稳低调时而色彩斑斓，正如他们绚丽的人生，正直且阳光。

沉默或许是他唯一的标志，音乐以实验性为主，前卫、默声，充当着乐手的角色。当在网络上看到一些对窦唯新专辑的评价后，我才知道原来有这么多人都找不到曾经的窦唯了，他沉浸在自己“默声”的时代里，顺着自己的心意做音乐。或许他的那份自我从来没有变过，只是这一次的觉醒过于强烈。在一副眼镜下面，他安心做着鼓手的角色，将演出一丝不苟地完成，哪怕舞台下的观众们一次次的呼喊，期盼他引领起这个舞台的疯狂。也许他认为已经带给了观众此刻想表达的一切，但是台上与台下已完全站在了两条平行线上，不再交集。只能这般相望着，让人唏嘘不已。2008年7月5日，“魔岩三杰”再次聚在一起，携手姜昕一起举行了“树生长的声音”大型演唱会，重现了那个中国摇滚最辉煌的时刻。十四年，这其中的变化太多，但十四年后，无数青年依然期盼着能重温“魔岩三杰”的辉煌。十多年的时间让这个时代变化与进步了许多，但不曾改变的是我们对记忆中美好时刻的幻想。可现实就像一击无法忽视的重拳那样重重地砸在了我们的脸上，让人如梦初醒，原来只有记忆和幻想是最美与最牢固的。在那一天的舞台上，有的只是一个幻想的尾巴罢了，依然是那个人，却不曾再现相似的盛况，窦唯早已经远离了黑梦时期，只剩我们还在痴痴地期盼着。在与媒体的对话中，他已不止一次表达了反感曾经由歌唱带来的辉煌，也不希望有更多的人抓着这一点不肯放弃，否则只会让这种排斥感在他身上体现得更加强烈。如果窦唯选择从“不一定”开始，去营造另一个音乐王国，建立另一座城池，收拢另一杆旗下的城民，我们只能静静地等候了。当窦唯以音乐艺术家的身份涉及电影和舞台音乐剧的领域后，开辟了新的天地，探索的世界愈发广泛。看到窦唯加入张艺谋的舞台剧《印象刘三姐》的编曲组时，电视机前的我激动不已。希望在另一片领域里，窦唯能尽情施展自己的才华。这时，沉默依然在我们心里，只是这味道是甜蜜的！

起初，有一支名为Alice Cooper的乐队，由一个叫Vincent Damon Furnier的主唱领导。在这个主唱的一手策划下，乐队在开发重金属的戏剧性和暴力色彩方面领先一步，他们把音乐搞成了恐怖电影和杂耍，他们在舞台表演方面的吓人玩艺包括：电椅、断头台、鲜血(假的)、大蟒蛇和Furnier阴森的扮相。　　当然事实不仅如此。他们在音乐上也有相当的成就，只是噱头太多影响了人们的注意力。取自六十年代吉他流行乐生猛简单的Riff和旋律表现了摇滚乐最基本但又最迷人的地方，甚至在乐队探索迷幻音乐和艺术摇滚时也是一样。　　在原来的乐队解散后，Furnier开始以Alice Cooper为名进行独立发展，此时他的音乐不再像以前那样充满夸张活跃，而是转化成了直来直去的重金属。不过他在舞台表演中保留了那些令他获得“休克摇滚之王”称号的小道具。　　Furnier的第一支乐队称作the Earwigs后来在1965年改名the Spiders，之后又用过Nazz的名字。The Spiders和the Nazz都曾在当地发行过小有一名的单曲。1968年他发现已经有一支叫作Nazz的乐队后，将队名改为Alice Cooper。关于这个名字，据说来源于Furnier在一次占卜中获得的启发，在那次占卜中他被告知他是17世纪一个同名女巫的转世化身。乐队包括主唱Furnier(后来他自称Alice Cooper)、吉他手Mike Bruce和Glen Buxton贝司手Dennis Dunaway和鼓手Neal Smith。1968年乐队前往加州并遇见了Frank Zappa的经纪人Shep Gordon，他将Alice Cooper收归他的新公司Straight Records。　　Alice Cooper1969年发行了他们的处女作《Pretties for You》，1970年初又发行了《Easy Action》但均石沉大海，乐队在洛杉矶看不到前途，于是来到Furnier的家乡底特律。乐队将他们古怪的舞台风格进行了精炼，1970末乐队签约于华纳唱片，在制作人Bob Ezrin的协助下，乐队在第三张专辑《Love It to Death》中发展了他们经典的重金属风格。这是张金唱片，出现了“Eighteen”这样既能反映青少年反叛情绪又可以打入排行榜的佳作。成功也使乐队可以将他们的现场搞得效果更专业，这又使他们的演唱会成为美国最受欢迎的演出之一。1972的《School's Out》是Alice Cooper在商业上的突破之作，名列专辑榜NO.2，同名单曲进入美国单曲榜Top10名列英国单曲榜首位，销量达百万。而紧随其后的《Billion Dollar Babies》更是火得不得了，在英美两地均居榜首。1973年，在发行了专辑《Muscle of Love》后，Furnier割袖绝情地将乐队其他全部解雇，自己占有了Alice Cooper这个名字，而其他成员则以Billion Dollar Babies为名发行了一张不成功的专辑。　　1974年秋，Alice Cooper的精选《Greatest Hits》打入Top10。为了他的首张个人专辑《Welcome to My Nightmare》，Cooper雇用了Lou Reed的伴奏乐队为自己工作。这张专辑发行于1975年春，保持了一贯的风格和商业成功。在又发行了一张金唱片后Cooper的事业开始走下坡路，这里有风格改变的原因，也有Cooper个人生活恶习的原因。1978年，Cooper康复后创作了专辑《From the Inside》，并且在歌中与Elton John的歌词作者Bernie Taupin一起描绘了他的治疗过程。八十年代初，Cooper仍不断发行专辑并进行巡演，但影响力已大不如前，不过在八十年代后几年，由于他在恐怖电影中的表现和一些流行金属乐队对他公开表示敬意，他的好日子又来了。在金曲机器Desmond Child和一些客座大牌明星的帮助下，1989年的专辑《Trash》成了一张白金唱片，同时令Cooper重回Top10和聚光灯下。九十年代，Cooper仍不时出演一些电影也演出和出专辑，但在音乐上已经失去了影响力

不需面容美丽，言语动人，无边闪亮的星空仍可让人感受到心灵的深邃。人都会为不被欣赏不被宠爱而失望伤心，如vincent or Mclean.但是上天总会给予我们一个天赋，让别人看到心灵的内在。 　　 　　当被现实压得如溺水的卫生纸般僵硬无味时，听听starry night,你头上还有一片浩瀚的空间让你思绪缥缈。

每次在迷笛音乐节，几乎都会看到身着海魂衫的摇滚歌迷。原来，何勇在许多摇迷的心中一直都没有消失。1994红磡演出中，何勇的海魂衫和脖间系着的红鞋带，就是他的标志。这标志留在了每一个热爱“魔岩三杰”时代的人们心中。何勇的沉浮就像是一颗有着绚丽光尾的流星，突然间就淡出了人们的视线，直到成为故事，叙述在摇滚乐迷的口中，也定格在1994年——中国摇滚最辉煌的一年。“魔岩三杰”中最欢腾的一位，也是那个时代摇滚舞台上玩的最为任性的一位，用他赤诚的音乐唤醒了很多人沉睡的梦想，大家将其作为一个标志般而去记忆

Moby原名理查德 梅尔维尔 霍尔(Richard Melville Hall)，1965年9月11日生于美国纽约哈林区。受纽约这个全美最大的文化艺术中心影响，他的作品始终游走于流行与电子之间，音乐路线迎合了大多数年轻人的聆听品位。他在电子乐界颇有建树，兼任制作人、创作家、DJ，曾是个朋克乐手，甚至还是一家素食餐馆的老板。因为家人跟《白鲸记》(Moby Dick)的作者赫尔曼 梅尔维尔(Herman Melville)有亲戚关系，所以他从小就被人叫做“Moby”。Moby正是现实世界里永远长不大的孩子。少年时迷恋朋克乐，组建过自己的乐队，在多个摇滚场所演出。后来他玩上了电子乐，虽然起初默默无闻，但他一直坚信最终会被人们所欣赏。上帝注定眷顾那些锲而不舍的人，1992年，他推出了个人首张同名专辑《Moby》。这之后，他经历了长达7年的低迷状态，然而他却毫不气馁，继续摸索制作自己喜欢的音乐。1999年对他来说，绝对算是扬眉吐气的一年，是他人生中的一个重要转折点。这一年，他被歌迷和乐评的惊叫与赞美所包围。 Moby还曾创过吉尼斯世界纪录。专辑《一切皆错》(Everything Is Wrong)中的单曲“感觉如此真实”(Feeling So Real)，因速度高达每分钟1015拍，成为吉尼斯纪录史上最快的歌，这似乎也在暗示着他永不停息的脚步。 如果说Moby是电子音乐界的鬼才或顽童，我想是没有人会反对的。不按常理、无法捉摸的音乐型式始终是世人对其作品的见地，从单曲“Thousand”得到金氏世界记录“史上最快的歌曲”就可得到映证。对他的作品，要以单一种音乐型式呈现是较为少见的，总是尝试性的融合各种不同类型的音乐型式，又能将旋律诠释的如此完美，就拿专辑《Play》来说，取样自1925年史学家Alan Lomax的田野录音作、黑人灵歌与蓝调福音，搭配着Hip-Hop的节奏和凄美的弦乐与钢琴旋律，再加上Moby透过效果器的人声献唱与轻迷浪漫的民谣吉他，总是很怀疑他的构想来源是如此的精湛及诡异，毕竟天才仍旧是少数的。

Lynyrd Skynyrd，1970年代风靡一时的美国南方摇滚乐队，风格和Eagles比较接近，1963年成立于佛罗里达州Jacksonville，1973年走红。最出名的特点是他们的吉他合奏。可惜乐队的灵魂人物Ronnie Van Zant在1977年因空难去世，1984年重组其弟John成为乐队新主唱。2006年3月23日Lynyrd Skynyrd乐队进入摇滚名人堂。到2010年乐队原始成员仅剩Gary Rossington一人。Free bird实在太酣畅淋漓了，已经成为LS的压轴曲目，开头的那句“明天我如果离去，你是否会怀念我”，是Allen Collins女朋友说的，曲尾的solo是向英年早逝的吉他天才Duane Allman （Allman Brothers ）致敬

 听着那首孤独患者，突然觉得所长唱的就是自己，现在的他，或许唱什么都有人愿意去听，但是此时的欢笑声、欢呼声还是最初最直接的鼓励么？当他站在风口浪尖时，哭或笑都不是他能选择得了的了。 　　 看着有时候他出现在各种媒体，各种新闻上，还是那种玩世不恭的笑容，但却有点心酸。现在的所长，或许有那么一种疲惫，无论是声音还是心态，在一种瓶颈期，要他怎么突破自己？我清楚地听到《孤独患者》最后那声叹息声。 　　 不能否认，国语歌永远唱不出所长那特有的沙哑与嘶吼，所以，只希望在我们都在成熟的过程中，陪所长走过人生难免的曲线。

《音渡神游》是板砖乐队的第三张专辑，本张专辑分为现实与幻想两部分：现实部分与专辑同步推出的乐队主唱麦田先生的小说《糖衣炮弹》相结合，专辑中《Bean Bean King》这首歌就是以小说女主角王豆豆为原型创作。 　　主打曲目《印度神油》以及《远在小河的对岸》等歌延续了乐队朋克摇滚为基调的创作理念，更丰富的器乐编配并没有减弱板砖的音乐中的冲劲。歌词上延续了乐队一贯的嬉笑怒骂的风格，反英雄，反文艺，同样反对假大空的口号式的假愤青。在专辑中我们可以在《侠风》等歌中听到出彩的管乐部分，犹如一个充满理想的革命者为你描绘着他心中那副浪漫的风情画， 激情澎湃又不失理性。“张弛有度”是本张专辑与之前作品的重要区别，也是乐队在音乐造诣上的一次重要转身。 　　在专辑中也有《SKA SKA SKA》《GO DOWN LONG STREET》《GREEN PEACE SKA》等歌组成的幻想部分，这一部分的音乐主题与国内主流的成活方式不符，所以只能称之为幻想部分。 录制完这张专辑后，牙买加宣布对中国免签，板砖的这张专辑感动了上苍！ 　　板砖乐队成立的第14年推出的这三张专辑明显在录制水平上较之前的专辑有质的区别，专辑还是由本土厂牌MLGB荣誉出品，当然同样之前一张专辑《村口朋克的派对》同样出自于MLGB。 对比一下可以看出5年来板砖的进步，MLGB的进步，在坚持保持独立性，坚持DIY的精神方面可圈可点，可歌可泣！

摇滚音乐人、制作人骅梓是中国摇滚乐发展史的见证人，从加入北京最早的“五月天”乐队便开始了自己与众不同的音乐人生。在先后加入了“1989”、“TOTO”等著名乐队之后，骅梓组建了自己的“自我教育”乐队。 从台湾人制作的第一张摇滚合辑《中国火1》到著名音乐人王晓京策划的首张内地摇滚合辑《摇滚北京1》，骅梓似乎总是被视为碟中新声的代表，作品《擦去眼泪》音乐阴冷中却营造出刚猛，让无数人为之深陷；而《摇滚北京1》中的作品《不要匆忙》则又将冷感化为了热情，却又与当时的港台旋律格格不入，他的音乐独到得隔绝了当时所有的媚俗和暴戾，却也几乎孤立了自己。在签约了拥有许巍、郑钧、小柯等日后如日中天的众多音乐人的香港唱片公司“红星生产社”后，骅梓出版了个人的首张专辑《不要匆忙》，使他成为了内地电子音乐的先锋，而当他转签到摩登天空唱片公司后，出版的第二张专辑《继续的意义》又使其成为了北京新声代音乐的代表人物，当人们还不能拿一个准确的概念去定位这位才华横溢的歌者时，骅梓却又出人意料的进入到音乐制作人的行列中，著名的“木马”乐队的首张专辑，“新裤子”乐队的专辑《我爱你》等均出自他的监制。在此之后，骅梓又与著名的电影导演张元合作，为其多部电影进行电影音乐的创作。 正当骅梓从台前渐渐转入幕后淡出舞台的时候，2006年又爆出他与《夜宴》裸替风波的主角邵小珊结婚的消息，一时间又成为众多媒体追逐的目标，与妻子的频繁出镜，博客的高点击率让他远离了音乐的宁静，也正是这种远离的浮躁感让骅梓意识到自己的对于自己的重要性，正像他自己所说的，“音乐能给我刺激，是因为我始终把她看做一种崇高的事情，音乐能够表现出我整体的本性，也正是这种动力让我重新返回舞台”。 2007年，骅梓率领重新组建的“自我教育”乐队的归来，将会重新诠释一种新音乐的理念，将艺术摇滚、电子乐、爵士、后朋克、HOUSE等多种元素相融合，使人们触摸到一种新的音乐类型。骅梓的音乐正如他的乐队名称“自我教育”一样，不断的创新，不断的否定和颠覆自我，不断的吸取各种养分来充实自我，这才是骅梓音乐最准确的定位。　时代的嬗变往往先于你我的知觉，有些人感知了，说了，但很多人还无动于衷。　在中国新音乐的短短历史中，一直在变化着的大概只有骅梓了。从《中国火I 》中的单曲“擦去眼泪（自我教育乐队）”，《摇滚北京I 》中的单曲“不要匆忙（新谛）”中，已不难发现骅梓对各种音乐形式的把握度和不拘一格的尝试精神。96年，骅梓出版了他真正意义上的首张个人专辑《不要匆忙》，并不再用他的本名蒋温华。封套上的骅梓冷漠、麻木，透着一丝悲伤，内页的平面设计在齿轮、天梯和羊群、游鱼及奔跑着的进化人群之间，让你隐隐联想到“历史”一词。音乐温柔地展开了，MIDI和键盘在整个过程中组织了每首歌的主干和最美好的旋律；除了在某些转折处，你几乎察觉不到骅梓的一丝情感流露，他不缠绵、不卑亢，只是不动声色地唱着，想把每一首歌都唱得毫无暇疵，不染尘埃。光看歌名你会觉得骅梓像是在安抚你失落的心，“不要匆忙”、“擦去眼泪”、“忘掉”、“莫回忆”。可穿过电子光亮的碎片，你应该可以听懂残酷的现实，痛彻心扉的心境和反戈一击的目的。　是的，生活的表面正像骅梓在这张专辑中给你的最初感受，平缓地流淌着，一去不回，日复一日。于是，我们真的无动于衷了，沉缅其中，正如骅梓刻意用他的声线营造的美好动听一样。可这毕竟是浮光掠影的假像，只是我们并不经常自己揭穿自己而已。所以，骅梓用精心编织的迷人风景完成了一次类似反讽的行为艺术，他跟你说，看，这儿有多美好，来吧，可其实呢，你明白的．．．．．．因此，电子合成器和键盘在这里就成为了一种力量，一种为了讥笑必备的东西。

4 Non Blondes成立于1989年，美国的San Francisco市，当时Christa Hillhouse（贝司手）和Shaunna Hall（吉他手）同为室友，他们当时和Wanda Day（鼓手）想组一个临时性的乐队，但缺一个主唱，Christa在一个名为Nightbreak的俱乐部的舞台上发现了Linda Perry，他立刻被Linda那充满力量和梦幻般的嗓音迷住了，于是他邀请Linda担当他们乐队的主唱，Linda当时并未当回事，直到她亲眼看到了他们三位的现场演出后，才决定加入乐队… 这首歌描述了25岁年轻人的心态，收录在4 Non Blondes的成名专辑《Bigger, Better, Faster, More！》之中，实际上这张专辑只有What’s up一首歌曲是最成功的，至今也未见乐队再出过其它唱片。4 Non Blondes是典型的凭借一首歌而且只有一首歌走红的乐队。但是他们留给摇滚界一个不朽的传奇，What&`&s Up成为90年代摇滚青年的圣歌，反复吟唱之后依然光彩夺目，动人心魄。歌词：25 years of my life and still 25年的人生已经过去 I&`&m trying to get up that great big hill of hope 我仍在竭力登攀那座希望的山脊 For a destination 为了人生有一个目的(为了生命有一点意义)。 I realized quickly when I knew I should 我早就看透 That the world was made up of this 这个世界是一张网 Brotherhood of man 它由权贵的裙带所编织 For whatever that means 随你爱怎么解释都可以。 So I cry somethimes when I&`&m lying in bed 我有时躺在床上哭泣 To get it all out what&`&s in my head 想把所有乱七八糟的念头从头脑里驱逐 Then I start feeling a little peculiar 于是有一天出现了奇迹。 So I wake in the morning and I step 早晨醒来，我走出户外 Outside I take deep breath 深深地吸了一口气 I get real high 我兴奋异常，我大声喊叫 Then I scream from the top of my lungs 用尽全身的力气 What&`&s goin&`& on 这是怎么回事？ And I say hey... 我说：嘿，这是为什么？ And I say hey what&`&s goin&`& on 我说：嘿，这是怎么回事！！ And I say hey... 我说：嘿，这到底是怎么回事！！！ I said hey what&`&s goin&`& on And I try, oh my God do I try 我努力，我挣扎，哦，我的老天，我从不偷懒 I try all the time 我每时每刻都努力 In this institution 在这弱肉强食的体制的牢笼里。 And I pray, oh my God do I pray 我祷告，我祈求，哦，我的上帝，我真的祷告 I pray every single day 我每日每夜都祈求上帝 For a revolution 快来一次翻天覆地的革命！

法国前卫力量金属乐队.最喜欢叙事型的音乐，一张专辑讲述一个完整故事，歌剧这好象是Heavenly的一贯作风。但是单从本张专辑的封面和名字上来看，似乎Heavenly要来一次大换血。这着实吓了我一跳。因为我们已经熟悉和喜欢上了越来越成熟和优秀的Heavenly，因此也习惯了Heavenly式的曲风以及Ben　sotto高亢且有力的动人歌喉。带着迷惑的心情开始静静聆听《Virus》。从首曲“The Dark Memories”的第一小节开始，我抛弃了最初所有的怀疑与不解，象从前一样，全然置身于Heavenly的音乐世界中。曲风一样的大气，速度一样的激进，旋律一样的优美，编曲一样的细腻，力量一样的强劲。可以说《Virus》几乎具备了一张优秀力量金属专辑所应拥有的所有特质。作为一支处于成长上升期的乐队，Heavenly在他们的新作品中向我们展示了自己更多之前没有发挥出来的音乐力量。细心感受《Virus》，然后和他们之前的三部作品做一个比较，你会发现Heavenly音乐中的音乐魔力更具吸引力。这样的整体效果又是通过构成一首歌曲的每一个部分以及整张专辑歌曲的安排及衔接决定的！《Virus》的歌曲中少了一些抑扬顿挫，每首歌曲来得都是那么直接和强劲，伴以恢弘的气势和优美的旋律向我们袭来。Ben Sotto独特优美的嗓音在音色细腻清晰的乐器的衬托下大放异彩。单曲中的流畅连接和整张专辑中歌曲的流畅连接让你在享受完《Virus》之后仍然意犹未尽。如今的Heavenly对自己音乐把握得更加恰倒好处，整体和局部的处理都体现出一支一线乐队应具备的实力

其实太多人喜欢他的歌。而每个人都会有他们的理由。适合戴上耳机。静静得听 　　一个中年男人的声音。 　　有些平淡，还带着一点点并不标准的普通话。 　　但那他的旋律却能够打动我 　　有上世纪苦情歌的味道。 　　浅浅的词，流露出时间的气息 　　口琴，吉他，鼓点 搭配他的吟唱。 　　很自然。和妥贴。 　　有一点点沉醉。 　　那是时间的味道。。。 “如果轮回真的存在，而这辈子肯定再也不能相聚了，会怎样想。就那样想。可万一轮回又不存在呢？” 那就别管它了。找一个胡同，还适合藏猫猫的，就先躲起来，看会不会被找到，那不是很有趣吗？ 就那样想。耍赖也没关系。 时间流逝的真快啊，一眨眼又一个夏天来了。在水样的仲夏夜里，无所事事，默默看梦想褪成黑白的背影，静静听皱纹爬上眼角的声音。呵，可是我不要就这样老去呀。

加拿大乐队,非常出色的Thrash,主唱的唱法也非常有特色,音色多变有味道,跟Megadeth唱法有的一拼.这张是他们第一张CD. 开曲第一首那叫一个好听啊..在我媒体库里放了30多遍..两把吉他交织,变调的地方尤其迷人.这张专辑是Thrash专辑中的至尊经典之一,一切都完美,制作清晰,配合天衣无缝,Jeff Waters在这张专集中创作了最原创和最富有想象力的吉他riff和solo,甚至在今天看起来仍旧那么经典和完美.主唱在Alice In Hell中唱的十分邪恶和狂野,尖嗓"Alice"配合的恰到好处.这份感觉是许多后来经典歌曲都无法达到的.

　十年前的独自旅行，睡在火车上，我听他的歌，磁带要一遍一遍倒。午夜列车突然停在一个连牌子都不挂的站台，我趴住窗边，迎着一盏昏黄的灯。没有一个人的陪伴，身边的旅客都沉沉地睡着。惟有这个男人的声音在耳边，告诉我他也是这样孤身上路，笑着讲即使寂寥也要骄傲。还有一回，乘坐的出租车突突地开在一片土路上，前后都是灰沙四起。我叫司机放了他的卡带，他在一辆破车里，就悠悠地唱起了：“这年的秋天来得早……” ，那是最诡异一次听他在那儿唧唧歪歪。 　　比起太多街头巷尾流行的歌曲，我突然在这个午后发现自己如此喜欢陈升这落日余晖般的氛围，品味他歌声中慵懒含蓄的情感。无论《鸦片玫瑰》还是《五十米深蓝》，还有《北京一夜》，仿佛都能看到这个老男孩，酒后微醺，弹着吉他，吹着口音，慢慢地唱，“脱了鞋在温暖的晚风里奔跑，像孩子的模样”。没有人与他是相似的，他的嗓音粗糙就像一坛老酒，愈是年头长远，愈是能打磨出悠长醇厚的质地。我听着他的歌，隐隐感受着时光的流逝，如蝶翼在耳畔振动，有画面质感，若要说准确些，就仿佛是将费里尼的电影灌入双耳多年来他就那样不咸不淡地出着自己的专辑，好像始终不温不火地在泡一壶茶，任何见过他专辑的人都不可能忘却那总是用鹅黄或天　　鹅绒蓝拼凑出的封面，大块大块的颜色如无所不在的口琴，愈发让这个带着啤酒肚的人，身影与微笑都显得和风瑟瑟。　　对于我来说，也许逃避老的办法之一，就是去听陈升的歌。那个永远不会老的人，那个四十岁还可以流下二十岁的眼泪的人，像行吟诗人一样谱写着生命。　　他是流行音乐史上一个闪亮的名字，而我，在键盘的敲打声里，也能“暂凭杯酒长精神”吧。就让我们顺着时间的长藤，轻轻梳理一遍陈升1988-2011年的18张专辑吧

《往生》，佛教中指人死后，精神前往极乐世界达到另外一层生的境界的说法。 　　王勇，此张专辑的创作者，你肯定无法相信他是摇滚出身，甚至还和崔健窦唯唐朝乐队有过合作，我只能说，这张专辑虽然是96年的作品，却能打破传统民乐，用通俗的乐器，却组合出了新的民乐风格，这张专辑真是不可多得的好作品，让人听过无法忘记的声音，有佛教敦厚的声音，也有小摇滚的气息，整张专辑充满了神秘的气息，极其符合“往生”这个主题，　　“往生”专辑自1994年12月开始录制，95年4月缩混完成，对王勇而言，这是长久以来对环境的省思，到音乐融合的一段完整体验，至于共同参与的民乐演奏家，这张专辑释放了民乐日益式微的包袱，也开发音色上的诸多可能。王勇从民乐中淬取精华，揉合西方音乐文化，创作了“往生”专辑，也跨过东西方音乐各自观望的界限，但在精神层次上，是否能因文化上的交流而产生相对的效应？也许我们都应该敞开心灵，接受更多的来自不同地区的文化洗礼。穿过幽幽的埙声，王勇展开他通向“往生”的经历。一个伴随古筝长大的少年，走进了中国最早的摇滚行列，这种高古与末世的碰撞，产生了他协助崔健所划的辉煌的一笔，人们尚未及惊叹，他已转身，笼罩在佛光之下了。深厚的古乐功底，以及驾驭西乐和Midi的经验和能力，注定他的音乐专辑是乐风杂呈，情趣各异，却又兼容并蓄，独成一统，但所有变化都指向同一个佛教精神的内核———往生。从大氛围来看，歌曲《让我飞》—《竹松》—《清泉》—《悦》，涌出一种南方气质或中原高古的况味，显得轻灵、淡泊和静静的欢愉。另一线歌曲《招魂》———《喜马拉雅》则显出沉郁、神秘的西藏风韵。前者是汉化佛教的氛围、透出禅意，后者是藏传佛教的氛围，浑然肃穆，但最终同结于《往生》，完成全篇的精神历程。

Step by step, 　　Heart to heart, 　　Left right left　　We all fall down 　　Like toy soldiers　　　　It wasn‘t my intention to mislead you　　It never should have been this way　　What can I say?　　......　　这是支很有旋律感的抒情歌，开始时低沉舒缓，到了后半部分高亢激情，到了结尾时那句“We never win”又特别伤感，刚好抓住了年少时的我的心。　　我反反复复地看那支歌，让人帮我录在磁带里，伴我度过无聊的夜自修。　　可是，在Toy Soldier之后，除了一首“More Than You Know”，我再也没有听到Martika的任何消息，我只知道她和我喜欢的Gloria Esterfan一样，都来自迈阿密；如今Gloria Esterfan成为了乐坛常青树，Martika却消失了。　　她到哪里去了？　　那时我不知道。　　但我有我的纪念方式：我尝试让周围的人和我一样喜欢这支歌，但失败了；我尝试向英语老师要求把英文名改作Martika，但失败了；我尝试留那样的头发，但失败了……　　后来，那盒录象带磁粉脱落，越来越模糊，Martika离我渐行渐远了，只有那支歌还留在我的心里。

19岁的宋岳庭，因为朋友的栽赃而入狱，三年如居家隔离般的缓刑期，以音乐创作来宣泄他被压抑的心灵。2001年5月，就在缓刑期间宋岳庭发现罹患了骨癌，奋战了一年多，于2002年8月9日，结束了23岁的短暂生命。 感谢在天堂的宋岳庭，让我明白我接下来要如何珍惜不长的生命去实现自己。我还不能放弃自己的梦想。短暂青春即使像烟火，也要盛放。 实在不忍触碰这张专辑中的作品，因为这几乎是用鲜血和灵魂谱写出的丧曲。《Life&`&s A Struggle》是全碟的精髓所在，全篇数百字融合宋岳庭自身的悲惨经历，彻底揭露了社会的阴暗面，其无助、压抑以及对未来的绝望心态被刻画地触目惊心，令人闻之无法不痛心。他对社会的批判是尖锐的，正如他在《Taiwan Pop Sucks，2000》中唱到的那样“我骂人从来不带脏字”，当Rap恢复到最原始的谩骂作用的时候，才是最有爆发力的时候。音质的粗糙不能将这些情怀掩盖，即便是今天，它依然具有鲜明的现实意义。　宋岳庭去世后，他的《Life ’s a Struggle》获得流行音乐作品类最佳作词人奖，他妈妈的一番话打动了我：“非常感谢大家给一个没有进入录音室的年轻人一次机会，给他发表一张CD，他托梦给我的时候，他说他是天上的音乐天使，他有两个很大的翅膀，如果他的音乐能够感动一个人的话，他就能够长出一个羽毛，我想他一定希望将他的爱和鼓励、荣耀分享给全天下的母亲。” 听宋岳庭的音乐，再想到这些，便会想到那个远在天堂的音乐天才，那个同生命的无情作着不懈斗争的战士，独自黯然落泪。

空白的心情马兆骏词：马兆骏、胡治国　曲：马兆骏(OS)在一个还有点星星的夜晚 没有路灯我独自走在这空荡荡的街上不知道该问自己一些什么我问夜 夜什么都不肯说 也不回答我唉 我只能没有方向地晃荡如果现在能够下一场雨该有多好那个路口的红绿灯故障了有人闯红灯 有人挨了一耳光穿黑衣的机车少年把风老远地抛在背后朝无名的方向追去哼 我们好像彼此不认识而风里头还有一点点的汽油味雨为什么还不下呢白天的报纸被人撕走了 电影广告只剩一半鸡尾酒吧里有人好吵喝醉酒的客人对着Bartender叫喊着另外一个名字淡水的潮水应该还不错吧可是现在赶去好像也没什么心情-其实我也没有什么真正的心情好像每个人都可以对我大吼大叫她竟然摔我电话 哼 她摔我电话我真的不懂 涨价之前为什么没有人告诉我我很努力地在工作 你知道吗我不要再去过以前那种日子我不要 我不要 我不要为什么夜里总是睡不着为何我又会来到这里寻找没有人知道好多人都和我一样茫然我独自坐在角落一个人沉默 没人理睬我和她之间有种传说 其实都不是虚有面对着陌生的脸孔 我还能再说些什么现在不用去管对错再喝它一杯酒 体会更多冷漠把我的心情在喧哗里淹没那黑色 黑色 黑色 黑色的恐惧是来自 来自 来自白色的空虚是谁的心情那红色 红色 红色 红色的重击是来自 来自 来自无由的忧郁把心情占据谁不想在生活之中 按排自我的规律却因为自我的封闭 陷入命运的诡计中生活中又失去你再喝它一杯酒 过去总会过去把我的心情 随酒一起吞落

　　1987年：崔健离开北京交响乐团，为ADO工作。崔健发行了--《新长征路上的摇滚》。  　　1988年他在为1988年汉城奥运会的全球现场广播中演唱了《一无所有》。  　　1989年：崔健前往英国伦敦参加在皇家阿尔伯特厅举办的亚洲流行音乐大奖赛，并前往法国巴黎参加"布尔日之春"艺术节。  　　1990年：崔健开始着手他的《新长征路上的摇滚》在中国的巡回演出。  　　1991年：崔健发行了第二盘个人专辑《解决》。  　　1992年：专辑《解决》当中的一首《快让我在雪地上撒点野》被制作成MTV，并得到国际MTV大奖，迅速在亚洲流行。同年，崔健第一次在东京演出。  　　1993年：崔健和第六代导演张元合作拍摄了实验性影片《北京杂种》。  　　1994年：崔健发行第三张专辑《红旗下的蛋》。  　　1995 年：崔健再次被邀请前往日本东京在著名的武道馆演出。秋季，崔健带着他的专辑《红旗下的蛋》到美国旧金山的Fort Mason Center、波士顿的Orpheum剧院和纽约的The Palladium、The Bottom Line和The Knitting Factory。此次巡回演出范围广泛并在许多媒体获得好评。  　　1996年：崔健和他的乐队参加了丹麦的Roskilde音乐节，并在国内和香港多次演出。  　　1997年：发行单曲《超越那一天》和从前的歌曲的精选集。  　　1998年：崔健发行了第四张专辑《无能的力量》。  　　1999年：第二次美国之行。并重新发行他的第一张专辑《新长征路上的摇滚》。  1986年，诗人北岛正式出版了他的第一本诗集，在他确立了一个类的人的价值时，整个中国社会刚刚从文革动乱里走出来不到10年，一切秩序都在重建中，政治改革稳步前进，经济改革势头渐起，各个领域都呈现出一片热闹情形。我的中文老师在提到那个年代的时候，总是满含羡慕地说道，要是自己能生活在那个年代就好了，那是一个崇尚英雄的年代，亦是一个精神文化被放置最高点的年代。 　　 在这热闹的80年代，文学作为显学兴盛了，西方哲学思想传入了，中国人高举尼采的超人学说、叔本华的唯意志论，美术上亦有达利的野兽派和毕加索的立体抽象。而1986年的5月9日，中国摇滚乐因为崔健在工人体育馆的一首《一无所有》从而登上了历史舞台。如果说听惯了也听腻了红色经典样板戏民族歌曲的中国民众仅仅只是被崔健那略带摇滚的现代抒情所打动，那远远不会造成当时举国震惊的效果的。抛去崔健在时人看来疯狂不羁的表演风格和表演形式的外衣，更多有价值的东西在于歌词里透露的迷茫和无奈。那确确实实是一个一无所有的年代，中国传统文化被消解得差不多，西方文化狂轰滥炸而来，在极度的焦虑中，中国人发现自己在精神和物质上都是空空荡荡，仅有的只是一腔被政治理念牵引的盲目热情。听到这样了解自己内心的歌儿，怎么不热泪盈眶。 　　 《一块红布》，虽然之前已听过无数遍，但是今天看这重播的好声音，即便不是崔健在唱，却也听得出神，眼角突然间也能蹦出泪花来，不为什么，因为是一块红布！我无法体会那个年代的青年们的那腔热情 　　 和理想主义，甚至也无法体会崔健在这歌声里想要表达与呐喊的深层之意来，只是这旋律着实动人，只是这情感太他妈的真，只是这心中有一团火在腾腾！！！  　　 张培仁说，当年在远处看着崔健眼蒙红布吹着小号唱《一块红布》，扶着树嚎啕大哭。我从来没有觉得张是在夸张的表达， 当年王朔听了一块红布也感慨——我们写了千言万语也不如这首歌来得更直接更有力， 崔健自己关于他的一块红布，他的回答是:做这首歌儿的时候，很多年轻人愿意挡住自己的眼睛，他们觉得这样自己舒服，因为你看到太多真实的东西，你不能自己骗你自己。很多文化也是这样，如果你真的看到了，你会觉得 　　 自己太弱，觉得这个社会太复杂。挡上一点好，你越是看不见，你越是幸福。这首歌儿并不是一首完全的政治歌曲。很多朋友记者也会问“艺术是不是就是政治？”他自己经常这样回答 “艺术是有政治的责任，但是没有政治的目的。”  　　 《再见，乌托邦》里张培仁说出了那时自己的想法——“你这辈子以为，这个民族可能就会掉在原来那个软绵绵的、没有生命力的、年轻人没有自主性的文化里面。你突然发现在北京，在当时一无所有的环境里，年轻人 在做这个事。” 这个事情也就是以崔健为旗手的那一代中国摇滚以及听着中国摇滚成长的年轻人们那时所做的事情，那时他们热血，他们激情，他们关心时局，他们热衷理想，他们笔下有诗歌，他们心中有情怀。就像胡德平在 南方周末中国梦晚会上评价白岩松讲常识讲道义，白岩松的回敬一样：作为一个1989年夏天毕业的大学生，我们与胡德平先生的家庭始终有一种不是血缘关系的血缘关系。＂，是的，他们是那样一群人，他们与那个时代有血缘关系！  　　  　　 二十年过去了，我们都过上了“幸福”的生活，梦里一样的生活，中国大梦！可是物质生活的富足，填补不了这一代人的不安全感与精神贫瘠，大多数人给自己的诊断是，我们还不够富足，就像我时常告诫自己的一样， 　　 理想算个屁啊，有钱了可以再买一个！甚至于对于爱情也是“多想成为一个有钱的人，开着奔驰宝马带你私奔……”，以至于夜里常常做梦，不能像老罗一样站着把钱挣了，哭醒了！  　　 我的老乡熊培云有一本书叫《这个社会会好吗》，以一如既往的乐观态度，唤回人们对理性的信心与热情，纵使人艰不拆，也有清风自来，每一代人都有每一代人要经历的痛苦，何况有些苦楚还是我等悲情之人唠叨出来的。就像他们70后看80后一样，当年对80后的全国范围的大讨论对比如今全民对90后的讨伐，有过之而无不及，但是突然到现在，大家回过头发现，80后是整个这30年来最悲情的一代，那时，他们张扬，他们轻狂，他们解放；如今，他们承重，他们忍辱，他们顺从！可这改变不了他们逐渐担负起这个社会的重担与责任，改变不了他们逐渐成为这个社会的主宰与中坚。同样，对于90后，00后，仅仅是个年代的划分，从来不必贴上识别的标签！就像老毛子那句话说的，世界是你们的，也是我们的，但终归还是你们的！所以，骚年们，有什么理由去悲情？有什么理由去沉沦？为什么我的眼里常含泪水，因为我对这土地爱得深沉！  　　  　　 我不能走我也不能哭  　　 因为我身体已经干枯  　　 我要永远这样陪伴着你  　　 因为我最知道你的痛苦 

Alice In Chains乐队都是90代一个重要的乐队。 它汲取了后“Van Halen”式重金属的吉他套路和后朋克的阴郁气质，从中发展了一种荒、虚无之，将硬摇滚和原声音乐结构进行了平衡。该乐队风格对金属乐迷而言已足够有力，而黑暗的主题朋克式攻击又将其推向了西雅图Grunge摇滚乐队的前列。

　　于是，夜晚，你摘下自己的面具，背上你自己的吉他，在一些人烟稀少的地方，弹起琴，仰望星空，寻找那一颗夜空中最亮的星。  　　繁星未泯，而你千万别想不起自己的名字。