Almanaque

La chanson française representa una institución cultural, un vehículo de identidad nacional y un campo de batalla donde se han visto las tensiones entre la tradición literaria francesa y la modernidad anglosajona. A diferencia de las tradiciones pop más convencionales, donde la melodía, el ritmo o la producción sonora es lo que importa; la chanson se ha definido históricamente por la supremacía del texto, la "poésie chantée"; esto les permitía a los artistas crear historias más elaboradas, recitar poesía y expresar sentimientos mediante la lengua. Por ejemplo, que algunos artistas ni siquiera canten, solo reciten, aunque no es lo común.

Al año se está acabando, y con ello, se cierran las listas de éxitos, en particular, los famosos rankings de Billboard. Estas, más que simples listas, son un reflejo de la sociedad en los doce meses que se fueron. Para este episodio especial, escarbamos las listas y juntamos las canciones que más les gustaron de lo popular de este año.

Es la época del frío, de la nieve (que vemos en la tele, porque en San Luis se ocupa un milagro), del recalentado, de empacharse hasta donde el cuerpo aguante y, para nuestros dos melómanos de confianza, el momento ideal para hundirse en la cama con una taza de chocolatito caliente, poner las bocinas hasta que truenen y el corazón este contento. En este episodio especial, Cisco y David traen canciones que evocan la época, pero no son las típicas canciones de Navidad.

En la segunda mitad de la década de los setenta, un género musical que se convertiría en un movimiento, tuvo una explosión sin precedentes. De la mano de The Ramones en Estados Unidos y los Sex Pistols, el punk se esparció rápidamente entre las librerías musicales de la juventud. La prensa no estaba segura de cómo encapsular al movimiento. Mientras que algunos sí le llamaban punk, otros lo nombraron como la new wave. Mientras que el término se esparcía entre revistas y periódicos, aparecieron bandas que tomaban ideas del punk, incorporando sintetizadores y estructuras que resultaban atípicas para el género. Así surgirían bandas que, o venderían mucho más que las lumbreras del punk, u obtendrían un reconocimiento enorme por la crítica.

Pocos movimientos tienen la dicha de no solo cambiar la historia de la música, sino la historia en términos generales. Algunos de estos momentos son la llegada del Rock n Roll o la música electrónica danzable. Entre estos, no hay uno más rebelde y contestatario que el movimiento punk de finales de los setenta. Un movimiento que generó controversia por sus letras controversiales, su estética juvenil y su evidente carencia de tecnicidad a la hora de componer o tocar.

Mientras que el Gangsta Rap se adueñaba de las listas de ventas, de la controversia y de los oídos del público estadounidense, en estados como Atlanta y Nueva York se estaba gestando una forma diferente de ver el género. Tocando temáticas como la identidad afroamericana, la diferencia de clases y la violencia institucional, y tomando samples del jazz y el R&B, el Hip Hop Progresivo planteaba una forma diferente de ver y escuchar las cosas.

A principios de los años setenta varios grupos de jóvenes, influenciados por el rock progresivo que había impulsado los límites de la música en la década pasada, buscaban formas de llevar el género a un punto más artístico, no solo en lo sonoro, sino en lo teatral. Esto daría como resultado el Art Rock, impulsado, en sus inicios, por artistas como David Bowie, Brian Eno y Pink Floyd que, por medio de experimentación sónica y narrativa, crearían obras que trascenderían la mera escucha, y se convertirían en nuevas formas de entender la música.

Antes de 1981, el concepto del video musical era apenas pensable. Si bien, desde los setenta existían programas dedicados a éstos y los británicos eran pioneros con Top of the Pops, no fue hasta que MTV llegó que fue algo tomado enserio. Empezó humilde, con una selección pequeña y siendo mostrada en pocos lugares de Estados Unidos, pero, para 1983, ya se había convertido en un titán de la televisión. En 1987 llegó a Reino Unido y para el 93 ya se había expandido a Latinoamérica. Sin embargo, a casi 44 años del nacimiento del que alguna vez reinó el cable, hoy estamos viendo su muerte con el cese de sus transmisiones en Europa, Asia, Oceanía y Latinoamérica. Algunos argumentarían que llevaba alrededor de 20 años siendo una sombra de lo que alguna vez fue.

Cuando los Beatles se separaron en 1970, se abrió un enorme hueco dentro de la música británica. Los medios se quedaron sin sus figuras titánicas que mostrar ante el mundo, y las frecuencias británicas se inundaron de música estadounidense. Esto cambiaría en los 90 cuando, aprovechando un influjo de bandas jóvenes haciendo pop jovial y cómico, los medios encontraron los nuevos personajes que hacer más grandes que la vida misma.

Almanaque se toma una pausa de revisitar momentos históricos a través de la música que sonaba en estos para hacer homenaje a cuatro artistas que nos marcaron y ya no están con nosotros. Entre los que se fueron este año, celebramos al Principe de las Tinieblas Ozzy Osbourne y a Ace "Spaceman" Frehley, guitarrista que marcó no solo el sonido de la primera étapa de Kiss, pero del hard rock en general. Entre los que se fueron antes, celebramos las letras íntimas y guitarras melancólicas de Elliott Smith y al eclectísismo personificado en Lou Reed, una de las figuras más innovadoras de la historia del Rock.

La era de Margaret Thatcher dejó muchos estragos en la cultura británica, aún después que dejara su cargo como Primer Ministra en 1990. Sus iniciativas orientadas a revitalizar la economía a través de políticas neoliberales causó destrozos para la clase obrera británica. Esto terminaría impactando la música que surgiría en Reino Unido en los noventas. Lejos del dominio londinense y de Manchester del Britpop, en la ciudad portuaria de Bristol, empezaba a tomar forma un movimiento que tomaba gran inspiración de los sound system jamaiquinos, y lo llevó a un sonido oscuro, casi gótico que tomaría de sorpresa al público no solo británico, pero mundial: el Trip Hop

Con la caída del franquismo en 1975, y los once años que siguieron llenos de complicaciones para tratar de concretar el regreso a España de la democracia, la juventud que había luchado tanto contra la dictadura se vio con una libertad, para ellos, sin precedentes. Tomando gran inspiración del punk stadounidense, el post-punk británico y el new wave (que ya dominaba frecuencias de todo el mundo), comenzaron a salir bandas, aparentemente, de todos lados. Y no solo eso, sino que muchas, a pesar de ser principiantes o poco conocidos, tuvieron la oportunidad de grabar álbumes de estudio, maquetas profesionales y de presentarse en televisión y festivales españoles importantes.

A principios de los años ochenta, una década usualmente recordada por sus luces brillantes y visión futurista, una de las ciudades más prometedoras de Estados Unidos se rescindía en una constante miseria. Detroit, que con el boom automotriz de los cincuenta se había convertido en un centro industrial importante, estaba pagando el precio de la paranoia por la guerra fría. Dentro del caos urbano en la decaída potencia, surgió un género musical que buscaba ayudar a los jóvenes a olvidarse de su realidad, aunque fuera por un par de minutos.

En 1976, un golpe de estado por parte del ejército argentino terminó con los últimos restos del legado de Juan Domingo Perón. Al principio el pueblo vio el cambio de forma positiva, pero pasó poco tiempo para que cambiara completamente de opinión. Siguieron siete años marcados por desapariciones, secuestros y asesinatos a un nivel tal, que no hay registro exacto del número de personas ejecutadas en ese periodo.

A mediados de los años sesenta, Brazil se enfrentó con un hecho que cambiaría su historia para siempre: el golpe de estado que daría como resultado la instauración de la dictadura de Humberto de Alencar Castelo Branco. Con ésta, se dio un auge económico, en parte gracias al cierre de las fronteras brasileñas para la importación. Siguieron 15 años de represión, donde quien hablara mal de la dictadura era torturado, exiliado o esaparecido. Junto a este cierre, en un curioso salto de eventos, el gobierno empezó a impulsar un estilo musical basado en la samba y el jazz que fue nombrado MPB, o Música Popular Brasileña, con el objetivo de dar una identidad nacionalista al país. Lo que no se esperaban es que muchos de los músicos que integraron el movimiento, disgustados por el momento político, lo aprovecharían para esconder protesta en sus metáforas.

A finales de la década de los ochenta, principalmente en Washington, comenzaron a difundirse fanzines que discutían el lugar de las mujeres en la escena musical independiente, y la importancia de que, en palabras de Terri Sutton "las mujeres tomen el escenario e inspiren algo de emoción". Algunas de las autoras de estos fanzines se reunieron y empezaron a formar bandas, creando un estilo de punk abrasivo que no solo hablaba sobre darles un lugar y denunciar los abusos masculinos en la escena, sino también darle apertura a temas tabú como el sexo y, con el alza de movimientos LGBT+, la sexualidad y la identidad. Como establecía un flyer de Bikini Kill "Por que necesita existir un espacio seguro para chicas donde podamos abrir nuestros ojos [...] sin ser amenazadas por esta sociedad sexista y las tonterías del día a día".

En la década de los cincuenta, en la isla de Jamaica, la llegada del RnB y el intento de los locales de replicar el género, dio como resultado el epítome de toda la música popular que conocemos de ese país: el uso de contra ritmos en la guitarra causó un ritmo pausado pero audaz, originado por callar las cuerdas generando un sonido cuya onomatopeya era "ska", dándole este nombre al nuevo estilo. En los ochenta y noventa se hizo enormemente popular en Reino Unido, Estados Unidos y Latinoamérica, territorio en el cual, a pesar de ya no estar en la cima, siguen apareciendo bandas con estilos sumamente distintos.

A principios de la década de 2010 se empezaba a vivir un cambio de 180 grados. después de la crisis del 2008, se vivió cierta desilusión por el futuro, que en años pasados se prometía “luminoso”. Además de un internet global mejor establecido, permitiendo espacios digitales más profundos. A partir de esto, distintos artistas anónimos decidieron jugar con la idea de falsa nostalgia y consumismo desmedido. Rescatando samples de canciones ochenteras, elementos del diseño tecnológico noventero e íconos de la escultura griega, surgió el Vaporwave, que pasaría de una mirada a la nostalgia a un género poderoso en su propio mérito.

La cada vez mayor reducción de espacios culturales con el choque perfecto de géneros fuera de la norma como el shoegaze, el hardcore y el dreampop dieron como resultado una de las escenas más fascinantes de los últimos 30 años. Un género marcado por la catarsis de voces no entrenadas, la sobrecarga melódica y las claves temporales irregulares que sirvió como forma de escape para adolescentes que no tenían más que hacer música.

A finales de los años ochenta, las melenas largas (y los kilos de maquillaje) que caracterizaron el Hair Metal, con bandas como Motley Crew y Poison, iban en decadencia gracias a la aparición de un sonido que venía arrastrándose a la luz después de una década en el underground. en 1990, Alice in Chains publica su primer álbum de estudio, Pearl Jam en 1991 y, en 1992, “Nevermind” de Nirvana rompió la barrera de la popularidad, catapultando un género que venía de la autogestión al éxito masivo. Sin embargo, después de la muerte de Kurt Cobain en 1994, la incansable búsqueda de la siguiente gran banda del grunge por disqueras tanto asentadas como independientes, y un momentum económico positivo en Estados Unidos, cansaron al público del sonido emocionalmente pesado y lento del grunge, generando la caída del género.

La historia de la música pop en China es muy corta. Prohibida en los años cuarenta con la entrada del régimen de Mao Zedong, no sería hasta la década de los años setenta que una serie de reformas que fieron pie a una mayor apertura cultural dejaron que, inspirados por temas de Taiwán y Hong Kong, se buscara una identidad más allá de la música tradicional del país.

En medio de una Alemania dividida por los estragos de la Segunda Guerra Mundial e impactada cada vez más por el estilo americano por el Plan Marshall, grupos de jóvenes empezaron a experimentar con la música para darse su propia identidad. Tomando elementos del rock psicodélico, el jazz, la música clásica y los sintetizadores, antes que conquistaran el mundo, nacería el krautrock.

La década de los ochenta es recordada por gráficos brillantes, autos veloces, playas neón y música bañada en las cientas de capas de sintetizadores características del New Wave. Mientras Duran Duran conquistaba estadios, grupos de jóvenes se reunían en sus cocheras para crear un sonido que si bien, fue poco apreciado por el público en su momento, se convertiría en una revolución que influenciaría la forma del rock alternativo para siempre.

Al pensar en el Japón posguerra, lo primero que viene a la mente es el milagro de los setenta y cómo, de las cenizas de la bomba atómica, surge una super potencia a la vanguardia tecnológica. Pero tuvo momentos llenos de claroscuros, entre ellos, las protestas estudiantiles de finales de los 60, cuyo sonido característico serían experimentos sónicos qué terminarían moldeando mucha de la música alternativa de hoy en día.

En medio de las tramas de espionaje y posible guerra nuclear que marcaron la Guerra Fría, se encontraba una competencia que, en tan solo veinte años, causó avances tecnológicos sin precedentes. Estados Unidos y la Unión Soviética peleaban por ver quién sería el primer país en alcanzar la luna. Para este episodio, recorremos el Billboard Hot 100 de 1969, año del alunizaje, para saber qué vivía en el imaginario colectivo durante uno de los años más importantes en la historia de la humanidad.

Los finales de los años sesenta y los principios de los setenta fueron años tumultuosos para México en todos los aspectos. La disonancia entre tragedias como la matanza de Tlatelolco y el “halconazo” con eventos magnos como las Olimpiadas del ‘68 y el Mundial del ‘70 dejó una fuerte marca en la juventud que dió pie al “Movimiento de la Onda” que, inspirados por Woodstock, armarían un festival que sería tanto beneficio como detrimento para la cultura mexicana.

Desde la cortina de hierro hasta la caída del muro, la música soviética ha quedado encerrada entre los muros brutalistas de la vieja madre patria. En este episodio, desenterramos a los artistas que quedaron opacados por el mito de la guerra fría, y explicamos cómo la lenta apertura cultural dio pie al fascinante género de la Soviet Strada.