CONTRASTE_FADTX

La historia de la Bauhaus, como en la ópera, el teatro, o las sinfonías clásicas, tuvo un preludio y tres actos; una trama de intrigas y un desenlace trágico –wagneriano– parecido al ocaso de los dioses. Antonio Toca Fernández l pasado 1º de abril de 2019 se conmemoró el centenario de la fundación de la icónica escuela multidisciplinar en la ciudad de Weimar, Estado de Thüringen, Alemania, conocida como Staatliches Bauhaus, un espacio académico innovador e idealista, visionario en sus intereses y siempre acosado por sus convicciones políticas, a tal grado que fue obligada a trasladarse a tres diversas sedes durante su existencia: Dessau, en Sachsen Anhalt como su segunda y más reconocida estación, y para culminar su existencia en Berlín, Brandenburg.

De Weimar a Taxco · 100 años de diseño "La historia de la Bauhaus, como en la ópera, el teatro, o las sinfonías clásicas, tuvo un preludio y tres actos; una trama de intrigas y un desenlace trágico –wagneriano– parecido al ocaso de los dioses." Antonio Toca Fernández El pasado 1º de abril de 2019 se conmemoró el centenario de la fundación de la icónica escuela multidisciplinar en la ciudad de Weimar, Estado de Thüringen, Alemania, conocida como Staatliches Bauhaus, un espacio académico innovador e idealista, visionario en sus intereses y siempre acosado por sus convicciones políticas, a tal grado que fue obligada a trasladarse a tres diversas sedes durante su existencia: Dessau, en Sachsen Anhalt como su segunda y más reconocida estación, y para culminar su existencia en Berlín, Brandenburg.

La dirección de arte es el área que diseña, produce y dirige estéticamente una producción de cine o televisión. Requiere de profesionales que saben interpretar un guión en toda su extensión y lo plasman creando universos visuales con elementos estilísticos y recursos artísticos adecuados. Se deben generar escenografías diferentes, crear locaciones con estilo, recrear diversos ambientes y caracterizar adecuadamente un personaje con el vestuario, peinado y maquillaje. Cualquier objeto o mobiliario que aparezca en escena, será supervisado por la dirección de arte. Por lo tanto, se ha de trabajar en conjunto con la dirección de fotografía, para seguir una misma línea en términos visuales.

La palabra caligrafía es de origen griego y se conoce como tal al arte de escribir con una letra cuidada, delicada y con un gran sentido estético. Algunos autores consideran que la caligrafía es el procedimiento de escribir con letra bella y artística. La caligrafía occidental data de la Edad Media cuando los monjes copistas escribían diversas obras sobre pergamino, fue entonces cuando surgió el alfabeto latino u occidental, como lo conocemos. Siglos más tarde, cuando Johannes Gutenberg inventó la imprenta en el siglo XIV, la caligrafía fue poco a poco perdiendo importancia, a medida que la impresión con tipos móviles iba ganando terreno. La caligrafía es la combinación de diversos elementos: maestría en el gesto, destreza de la mano, respeto por las proporciones, armonía de las formas y conjunción con los grandes movimientos culturales y artísticos correspondientes a diferentes épocas. De tal suerte que la escritura no tardó en transformarse en una expresión estética diversa, pues tanto puede aparecer apegada estrictamente a las formas ortodoxas de la letra, como mostrarse independiente, rebelde, expresiva y planteando una forma heterodoxa de los fundamentos de la letra.

El año de 1985 marcó una cicatriz indeleble en el recuerdo de los habitantes de la Ciudad de México. La causa: el sismo acontecido en la mañana del 19 de septiembre. Las 7:19 am será siempre la hora en que el reloj dejó de avanzar de forma habitual y atestiguamos como los segundos se transformaron en siglos. El movimiento telúrico no cesaba y la ciudad en colapsó se desmoronaba. A raíz del aquel terremoto de 1985 se crearon los primeros grupos voluntarios de rescate en estructuras colapsadas llamados TOPOS, David Chávez Huitrón (Diseñador Gráfico egresado de la entonces ENAP) se integró como voluntario en los trabajos de rescate desde el inicio en diversas estructuras colapsadas como el edificio Nuevo León en Tlatelolco, el edificio de las costureras en San Antonio Abad, en la recuperación de fallecidos del edificio del CONALEP y otros. En 1986 el grupo de voluntarios se protocolizó legalmente y se nombró oficialmente como Grupo de Rescate Internacional 19 de septiembre, A.C. (TOPOS BR-19). Desde entonces el grupo se ha capacitado y especializado en diversas disciplinas siendo la más destacada en estructuras colapsadas y espacios confinados. Actualmente David Chávez Huitrón es el Comandante de operaciones y vicepresidente de la organización (como anteriormente fue su madre, la Sra. Juanita Huitrón, quien le ha cedido el cargo). Él es Técnico en Urgencias Médicas, especialista en búsqueda y rescate en estructuras colapsadas, certificado internacionalmente en rescate y combate de incendios. David se ha dedicado a fomentar una cultura de protección civil para la disminución de riesgos, capacitando y motivando la responsabilidad entre la ciudadanía a través de programas de prevención y concientización.

El pasado 16 de noviembre se presentó en la FAD Taxco el libro La mirada de Toledo. Colección Internacional de Estampa, publicado por esta Facultad, una obra que recupera el esfuerzo realizado por la Coordinación de Investigación, Difusión y Catalogación de Colecciones ubicada en la Antigua Academia de San Carlos y que es consecuencia de la exposición del mismo título, una selección de la extensa colección de gráfica del renombrado artista oaxaqueño Francisco Toledo. La muestra estuvo abierta al público entre los meses de marzo y mayo del 2018 en las galerías de la Antigua Academia de San Carlos en el marco del convenio celebrado entre la UNAM, a través de la Facultad de Artes y Diseño, y el Centro de las Artes de San Agustín. Una exhibición que contó con una selección de 92 piezas pertenecientes al Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y el Instituto Nacional de Bellas Artes. La importancia de este acervo radica en la excelencia de los autores que ha reunido ya que son, de alguna manera, ecos de la sensibilidad del coleccionista, brindándonos así la posibilidad de adentrarnos en su visión del mundo. Para ello se reunieron en esta sede el Dr. José de Santiago Silva (Coordinador de CIDYCC[1]), el Dr. Gerardo García Luna Martínez (Director de la FAD), el Mtro. Daniel Brena (Director del Centro de las Artes de San Agustín, ubicado en San Agustín Etla, Oaxaca[2]), y el Mtro. Demián Flores, artista visual egresado de nuestra Facultad.

Todos lo sabemos, 1968 es un año de contrastes, de luces y sombras. Los momentos sombríos son tenebrosos y los pasajes luminosos son prístinos. En octubre se conmemora otro acontecimiento relevante en el devenir histórico de México: la inauguración y celebración de los XIX Juegos Olímpicos en la cd de México. Un evento que marca un parteaguas en la historia visual de nuestro país. Primeros Juegos Olímpicos que contaron con una identidad visual, de la que derivó una robusta arquitectura visual. Un equipo de trabajo con múltiples integrantes bajo el comando del Arq. Pedro Ramírez Vázquez, en el siguiente nivel de mando estuvieron tanto el Arq. Eduardo Terrazas como la Sra. Beatrice Trueblood, coordinando a un gran grupo de creativos. Entre ellos tenemos a José Luis Ortiz Téllez, un joven diseñador, egresado de esta casa de estudios, de gran sensibilidad y capacidad de trabajo, mano derecha del famoso Lance Wyman, quien ventajosamente se ha adjudicado la autoría total de la creación de dicha identidad visual. Logo Mexico 68 Oficialmente conocidos como los Juegos de la XIX Olimpiada, fueron celebrados en la Ciudad de México, entre el 12 y el 27 de octubre de 1968. La Ciudad de México había sido candidata a los Juegos Olímpicos en 1956 y en 1960, sin embargo, en ambas ocasiones las candidaturas fracasaron al recibir un mínimo de votos durante la elección. Finalmente en 1963, la ciudad fue seleccionada como sede de los Juegos. A partir de ese momento se constituyó formalmente el Comité Organizador que trabajó de manera conjunta con el Gobierno Mexicano y algunas secretarías de Estado en la organización de los Juegos. Estos fueron los primeros Juegos organizados por un país en vías de desarrollo, por una nación hispanohablante y los primeros realizados en Latinoamérica. Fueron también los terceros celebrados en otoño y los primeros con controles antidopaje y de género. Además, hizo su aparición la Olimpiada cultural. Cuenta con grandes hitos dentro de las gestas olímpicas, como el del atleta norteamericano Bob Beamon, quien impuso una monumental marca en el salto largo con 8.90 metros. O el caso de Dick Fosbury, quien creó una innovadora técnica llamada “Fosbury flop”. Otro de ellos es el del corredor de velocidad norteamericano James Hines, quien en la final de los 100 metros planos logró un registro oficial de 9.95”. A decir del Comité Olímpico Internacional la candidatura de México a los Juegos Olímpicos de 1968 “se basó fundamentalmente en las instalaciones existentes y la experiencia en eventos anteriores”. El Comité Olímpico Mexicano designó en un principio al ex presidente Adolfo López Mateos, pero renunció en 1965 por razones de salud. En su reemplazo se eligió al Arq. Pedro Ramírez Vázquez, cuya visión integral permitió alcanzar niveles nunca antes vistos en la celebración de estos Juegos. El programa olímpico de esa época presentaba 20 competencias, en rememoración a los juegos celebrados en la antigüedad en la península Helénica, el Arq. Ramírez Vázquez propuso la creación de una Olimpiada cultural compuesta también de 20 eventos.

968 es un año que ha dejado marcado a nuestro país. En el verano de ese año un notable acontecimiento hizo presencia, se desarrolló a lo largo de varias semanas, creció velozmente, rondó en el ánimo de la población y fue capaz de estremecer al México autoritario. Los viejos esquemas nacionales y las viejas formas de proceder no percibieron la trascendencia de aquel acontecimiento: el movimiento estudiantil de 1968 en México. El régimen emanado de la sacrosanta revolución de 1910 se cimbró hasta lo más profundo, palideció ante la idea de no controlar más a las conciencias de los estudiantes, careció de argumentos para sostener un diálogo nutrido de ideas y en una colérica respuesta, el dinosaurio soltó un coletazo iracundo sobre los preparatorianos y universitarios que lo confrontaban. Los agredió con violencia, los acusó de alterar el orden y pretender derrocarlo.

Asdrúbal Letechipía es Maestro en Artes Visuales, nacido en la Ciudad de México. Cursó la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (UNAM), gracias a esta llegó a la fotografía (en un principio quería ser ilustrador pero las clases de fotografía le mostraron otro camino), comenzando por la toma a través de la cámara, pasando por la alquimia del revelado y ampliación de los negativos. asdrubal_ Continuó sus estudios cursando la Maestría en Artes Visuales de la UNAM, obteniendo el grado con mención honorífica, llevó a cabo los estudios del último semestre y continuando con la investigación de su proyecto titulado La fotografía como vehículo generador de sensaciones y empatías. Las sensaciones en el mundo de la agorafobia, claustrofobia y acrofobia, en la Universidad Complutense de Madrid, gracias a la beca de movilidad otorgada por la UNAM. Además de tomar diversos cursos, diplomados y talleres con grandes fotógrafos y retocadores de imágenes. Ha participado en coloquios, concursos y exposiciones. Ha realizado proyectos para diversas instituciones como la Asociación Mexicana de Estudios Clásicos, la Secretaría de Comunicaciones y Transportes, el Registro Agrario Nacional, el Fondo de Cultura Económica entre otras. Cabe señalar que Asdrúbal Letechipía define su labor con estos conceptos: casual, inmediata y fuerte. Actualmente desarrolla su labor fundamentalmente en la fotografía de retrato.

El pasado 31 de julio del presente año, previo al arranque del ciclo escolar, tuvo lugar la ceremonia de apertura de cursos para la Generación 2019 llevada a cabo en la Facultad de Artes y Diseño plantel Taxco, en ella participaron las autoridades encabezadas por el Dr. Gerardo García Luna Martínez (recién designado Director de la FAD, el pasado mes de mayo para el periodo 2018-2020), acompañado por la Dra. Olga América Duarte Hernández, Secretaria General; el Lic. Porfirio Antonio Díaz Rodríguez, Secretario Administrativo; la Mtra. Mayra Uribe Eguiluz, Coordinadora de las Licenciaturas en la FAD Plantel Taxco; y el D.I. Jorge Soto Curiel, Coordinador de la FAD Plantel Taxco. La ceremonia se contó con la presentación del Ensamble de Flautas YORU, agrupación que inició su actividad a principios de 2010 con los objetivos de difundir la música clásica tradicional y moderna con énfasis a la música mexicana y del resto de Latinoamérica a través de transcripciones y arreglos para ensambles de flautas. Este ensamble está formado por Luz Arcelia Suárez, Alethia Morales, Iraís Urbán y Jorge Marín; egresados de la Facultad de Música de la UNAM. En este evento el Ensamble de Flautas YORU interpretó las piezas: Se equivocó la paloma, Duerme Negrito, Aire – para flauta contralto y Piel Canela. Además, es muy relevante señalar que se proyectaron un par de videos institucionales, el primero con el mensaje de bienvenida del Rector, el Dr. Enrique Graue Wiechers para esta Generación 2019; el otro con una presentación de nuestra Universidad, que ha sido reconocida este año –de acuerdo con rankings internacionales– como una de las tres mejores universidades latinoamericanas. En esta emisión de Contraste escucharemos las piezas musicales Se equivocó la paloma basada en un poema de Rafael Alberti, musicalizado por el compositor argentino Carlos Guastavino, y en la interpretación del Ensamble de Flautas YORU y Piel Canela del músico y cantante puertorriqueño Bobby Capó. Posteriormente el mensaje de nuestro Rector, el Dr. Enrique Graue Wiechers, enseguida, el mensaje de bienvenida de nuestro Director, el Dr. Gerardo García Luna Martínez, y a continuación escucharemos el mensaje de la alumna María del Pilar Roalandini Jenner dirigido a los nuevos integrantes de la comunidad de la Facultad de Artes y Diseño. Por mi raza hablará el espíritu.

Fundamentalmente la impresión de gran formato significa la posibilidad de producir materiales cuyos tamaños son mayores a aquellos que pueden realizar las imprentas convencionales y con alta calidad de resolución. Debe aclararse que en cuanto a los tamaños no hay medidas determinadas para la impresión, puesto que varían de una impresora a otra, así como de un sustrato a otro. macario En este tipo de impresión se utilizan rollos o bobinas de papel o vinil, en vez de hojas o pliegos de papel, esto ofrece gran variedad de posibilidades de uso en espacios grandes, antes inimaginables para resolver. Todo ello sin olvidar la posibilidad de imprimir en superficies rígidas. Puede ser útil en medios publicitarios, y también en señalización o en algún entorno relacionado con la enseñanza. La impresión de gran formato como medio publicitario ha crecido: se producen lonas, viniles, carteles, banderas, posters y mucho más. La impresión de gran formato surgió como respuesta a las transformaciones que las artes gráficas experimentaron con los avances digitales de la mano de las nuevas necesidades de comunicación. Deben tomarse en cuenta varias consideraciones para utilizar este tipo de impresión: es decir, las características del material a imprimir, el soporte y el tipo de espacio en el que se colocará. Imaginemos, por ejemplo, vallas publicitarias, rotulación de vehículos de reparto o en la vía pública como pendones. Sin duda, el gran formato ofrece gran impacto visual, es capaz tanto de promover algún producto, tanto como ambientar espacios. En esta ocasión presentaremos la clase abierta que ofreció el diseñador Manuel Macario Martínez para los alumnos de la FAD Taxco.

De acuerdo con Nicholas Negroponte: el mundo ya ha cambiado y eso es irreversible. Hoy ya debemos estar ciertos de que no está compuesto por átomos, sino por bits, es decir por información. Vivimos una era de supercomunicaciones digitales y de superinformación; y hoy nos hallamos en el punto de partida de una revolución de tan enormes alcances, que sólo estamos empezando a atisbar. Por lo tanto, el mundo del futuro será digital. Ser digital es cambiar la materia por la energía. Una gran parte de los elementos que hoy nos rodean son susceptibles de ser digitalizados. Esto implica un cambio de mentalidad para aprovechar lo que la tecnología pone a nuestra disposición. Digital es un término asociado a la tecnología, y actualmente lo hemos extendido hacia todas aquellas interacciones que tiene el ser humano con las computadoras o cualquier artificio tecnológico similar: teléfonos inteligentes, tabletas, inclusive videojuegos y un extenso etcétera, capaz de ofrecer respuestas inteligentes ante algún evento dentro de un repertorio previamente configurado. De este modo, lo digital comprende hoy un mundo enteramente tecnológico. La vida cotidiana ha sido “simplificada” significativamente desde la aplicación de la tecnología digital. Digital –por lo tanto– ya es un término de la vida cotidiana, la sociedad ha aceptado mecanismos para vivir en él, tanto lo simple como lo complejo hoy es digital, y transitamos cotidianamente en este nuevo ámbito: gran parte de nuestra existencia se ha trasladado al mundo on-line, tanto que parece que aquello que era ciencia ficción, hoy es realidad. En esta ocasión conversaremos con el Dr. Jorge Alberto Hidalgo Toledo, quien es Doctor en Comunicación Aplicada por la Universidad Anáhuac. Presidente del Consejo Nacional para la Enseñanza e Investigación de las Ciencias de la Comunicación. Vicepresidente de la Asociación Mexicana de Investigadores de la Comunicación. Además Coordinador Académico de Posgrados de la Facultad de Comunicación e Investigador del Centro de Investigación para la Comunicación Aplicada CICA. Coautor de la siguientes publicaciones: Medios y mediaciones e la cultura digital (2018); Signo vital: comunicación estratégica en la promoción de la salud (2011); y Comunicación Masiva en Hispanoamérica: Cultura y literatura mediática (2005

En esta ocasión presentaremos a ustedes la conversación que sostuvimos con José Luis Rogel Luna. Él es un fotógrafo originario de Taxco, cuya formación profesional consiste en la licenciatura en Arquitectura y Urbanismo impartida por la Universidad Autónoma del Estado de Guerrero, entre los años 2000 y 2005. Y es ahí mismo (en la UAGro) donde se inicia en la disciplina fotográfica asistiendo a diversos cursos. Asimismo, ha fortalecido su formación con cursos de diseño ofrecidos por la entonces ENAP, hoy Facultad de Artes y Diseño. Es muy importante señalar que pocos años más adelante, en 2007, cursó el Diplomado de Fotografía en el Instituto Morelense de las Artes, para perfeccionar el oficio.

En esta ocasión presentaremos la conversación que sostuvimos con el profesor Francisco Abad Terrones. Él es un pintor y escritor originario de Teloloapan, Guerrero; una población ubicada en la región norte de esta entidad. Es cabecera del municipio del mismo nombre. Realizó su formación académica en el Centro Regional de Educación Normal de Iguala, Gro. y posteriormente en el Instituto Regional de Bellas Artes de Cuernavaca, Mor. El profesor Abad Terrones, quien nació en esta localidad en 1955, cuenta con dos libros publicados: “Del pensamiento a la palabra” y “Alas de infancia”; asimismo parte de su obra pictórica se halla en el Museo Regional Jesús H. Salgado. Abad Terrones es un autor que utiliza la pintura y la escritura fundamentalmente para comunicar las tradiciones de la región, en su obra pictórica transmite leyendas como la de los “Diablos” y o la de “Telate Campana”, y así mismo preserva diversos momentos vinculados con la historia de su Estado natal: Guerrero.

Rodrigo Rafael Espino Hernández es Doctor en Estudios Latinoamericanos por la UNAM, fue investigador en el Proyecto de Historia de América Latina y el Caribe en el Instituto de Investigaciones Dr. José María Luis Mora. Es autor y coautor de varias publicaciones. Espino, R. (2017) Historia de la Hacienda El Chorrillo. Ciudad de México, UNAM. ISBN 978-607-02-8180-8 Espino, R. (2017) Historia de la Hacienda El Chorrillo. Ciudad de México, UNAM. ISBN 978-607-02-8180-8 Ha impartido cursos de historia a nivel licenciatura en la Universidad Iberoamericana y en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Su área de especialización es la historia de la minería colonial de Taxco y actualmente se desempeña como profesor de Historia y Ciencias Sociales en el Centro de Enseñanza para Extranjeros en Taxco. Ha laborado como investigador de tiempo completo adscrito al Proyecto de América Latina y del Caribe en el Instituto de Investigaciones Doctor José María Luis Mora, en la Ciudad de México, entre los años 1984 y 1993, y como profesor asociado B de tiempo completo en el Área de Historia y Ciencias Sociales del Centro de Enseñanza para Extranjeros, UNAM, Campus Taxco.

En esta ocasión presentamos la entrevista que realizó recientemente Yazmin Rosales Espinoza (alumna egresada de la Licenciatura en Artes Visuales en nuestro plantel) al Dr. Arturo Miranda Videgaray, quien fue el primer Coordinador de estas instalaciones, conocidas anteriormente como: el Centro de Extensión Taxco. La razón obedece a que en este año, en la Facultad de Artes y Diseño estamos celebrando 25 años de presencia de la Universidad Nacional Autónoma de México en el Estado de Guerrero, 25 años de actividad de nuestra Facultad en la labor de la enseñanza de las artes y el diseño en la ciudad de Taxco. autorretrato pintura web Autorretrato. Óleo/Tela. 60 x 55 cm. 2003. México. A principios de 1990, el entonces Gobernador del Estado de Guerrero, el Lic. José Francisco Ruiz Massieu decidió formalizar la enseñanza que se impartía en la Ex Hacienda del Chorrillo, ofreciéndola en comodato a la UNAM. Anteriormente, la ex hacienda había albergado al Centro de la Gastronomía Guerrerense y posteriormente al Instituto de Artes Plásticas de Taxco. En marzo de 1992 el rector de la UNAM, el Dr. José Sarukhán Kermes y el gobernador guerrerense firmaron un convenio de comodato para el uso de las instalaciones de la Ex Hacienda del Chorrillo, que a partir de esa fecha fueron utilizadas por el Centro de Enseñanza para Extranjeros CEPE y la entonces Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP. A partir de entonces la ENAP ha hecho presencia en Taxco, en la parte sur de la Ex hacienda del Chorrillo, con el nombre de Centro de Extensión Taxco; espacio en el que se ofrecían diversos cursos en la modalidad de Educación Continua.

Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos, Zaragoza. Se formó en el taller de José Luzán y posteriormente viajó a Roma, donde estudió el barroco italiano. Francisco de Goya y Lucientes (1746, Zaragoza, España–1828, Burdeos, Francia) Francisco de Goya y Lucientes (1746, Zaragoza, España–1828, Burdeos, Francia) Su boda con Josefa Bayeu en 1773, hermana de los pintores Francisco y Ramón Bayeu, facilitan su instalación en la Corte, donde bajo la dirección de Mengs comienza a pintar cartones para la Real Fábrica de Tapices. Los primeros cartones para tapiz revelan la influencia de Francisco Bayeu, Tiépolo, Mengs y Velázquez. Representa temas populares, costumbristas, ofreciendo una visión fresca y amable de la vida madrileña, ferias, fiestas, romerías, verbenas y juegos como La pradera de San Isidro o La gallina ciega. A lo largo de los cartones el tema irá adoptando una atención crítica sarcástica. En 1785 se convierte en pintor del rey Carlos III y en 1799 en pintor de cámara del rey Carlos IV. Inicia grandes retratos, La marquesa de Solana o La Duquesa de Alba, que culminarán en La familia de Carlos IV. Todas estas obras, aunque siempre de compromiso por las exigencias de su clientela, revelan los cambios estilísticos de Goya. Algunos de estos retratos destacan por la penetración psicológica, no capta simplemente los rasgos físicos, sino que traspasa la apariencia para indagar en los rasgos anímicos y mostrar su antipatía o simpatía por el personaje.

Como parte de las actividades conmemorativas por el 25 aniversario del Museo de Arte Virreinal de Taxco, se convocó a alumnos y egresados del plantel Taxco de la FAD, al concurso de diseño de la nueva identidad de dicho museo. Se recibieron 22 propuestas, resultando ganadora la de Emiliano Mendoza Pliego, alumno egresado de la licenciatura en Diseño y Comunicación Visual. La propuesta de Emiliano está organizada a partir de un módulo de la teselación y una composición tipográfica. Su diseño estuvo inspirado en el decorado de ajaracas de estuco utilizado en la fachada principal del edificio que alberga el museo y que data del siglo XVIII. En este concurso, celebrado el 8 de mayo de 2017, se otorgaron dos menciones honoríficas a los alumnos egresados: Itzel Aguilar y Diego Luis Ventura. Previo al cierre de propuestas de la convocatoria, los profesores de la FAD Taxco: Irasema Chávez, Eduardo Álvarez del Castillo, Uriel Pérez, Gerardo Esquivel y Ricardo González, impartieron al interior del plantel diversas charlas y asesorías sobre las características del diseño de identidades gráficas, del que se obtuvieron muy buenos resultados. En nombre de la FAD Taxco, expresamos nuestro reconocimiento a alumnos y maestros de esta institución y el agradecimiento a la directora del Museo de Arte Virreinal de Taxco, Lic. Marisa Pineda y al Secretario de Cultura del Estado, Lic. Mauricio Leyva, por la consideración en tan importante proyecto.

El pasado 10 de agosto de 2017 se llevó a cabo la ceremonia de bienvenida para la nueva generación de estudiantes de la Facultad de Artes y Diseño del Plantel Taxco. Dicho evento estuvo encabezado por la Directora, la Dra. Elizabeth Fuentes Rojas, así como por algunos de los responsables de las distintas áreas que colaboran con el proyecto de la Dra. Fuentes: Dr. Aureliano Sánchez Tejeda, Secretario Académico Mtro. Roberto Paz Neri, Secreatario Administrativo Mtra. Mayra Uribe Eguiluz, Coordinadora de las Licenciaturas en la FAD Taxco D.I. Jorge Soto Curiel. Coordinador del Plantel Taxco La Dra. Fuentes dirigió un mensaje a los alumnos asistentes señalando la relevancia de haber ingresado a esta Universidad, lo cual además de ser un logro, un parte aguas en sus vidas, también es –sin duda– una responsabilidad. Nuestra directora hizo hincapié de algunos puntos trascendentales de esta nueva etapa en la formación académica de los estudiantes.

Es un proyecto que mezcla la gráfica, el arte urbano y el mural con el objetivo de sacar de cada individuo su capacidad creativa a través de una actividad artística comunitaria. Para lograrlo, en un lapso de 3 meses se han recorrido 20 puntos del sur de la República mexicana a través de 7 estados (Oaxaca, Chiapas, Tabasco, Campeche, Yucatán, Quintana Roo y Ciudad de México) en los cuales se realizaron actividades en torno al grabado, lo colectivo y la identidad. Viajaron a bordo de una camioneta que además funcionó como taller ambulante equipada con todo lo necesario para realizar las actividades y llevarlas fácilmente a las comunidades y espacios participantes. Éste es un Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA)

Tendencia en el diseño La industria de la moda está en constante evolución, puesto que es un negocio obligado a reinventarse. Las personas utilizan la moda para reflejar su identidad y personalidad. En el sector de la moda es el que conecta más con los consumidores debido a que existe una aproximación emocional y esto les aporta valor. Por esta razón, el marketing de la moda se enfoca en generar emociones y para eso emplea los canales sociales modificando los comportamientos del usuario. Desde hace unos años, los consumidores, diseñadores, marcas y directores han asistido a la evolución del fast fashion. Se trata de un nuevo enfoque del marketing de la moda que ha obligado a las grandes marcas a estar al día con las tendencias.

La Dra. Penny Morrill, a través de entrevistas a diseñadores y maestros plateros y de la recopilación de material original, ha desarrollado la historia de la platería Mexicana moderna. Fundó la Colección Spratling-Taxco en la Biblioteca Latinoamericana de la Universidad de Tulane y fue co-fundadora de la Colección permanente de Platería Mexicana Moderna en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles con el fin de continuar el estudio de la tradición e innovación platera de México. Los libros de la Dra. Morrill sobre la materia incluyen Mexican Silver (Platería Mexicana) (1994, 4a edición, 2007), (Silver Masters of Mexico) Maestros Plateros de México (1996), Maestros de Plata: William Spratling and the Mexican Silver Renaissance) Maestros de Plata: William Spratling y el Renacimiento de la Platería Mexicana, el catálogo de una exposición itinerante (2002-2004); y Margot Van Voorhies: The Art of Mexican Enamelwork (Margot Van Voorhies: El Arte del Esmalte Mexicano) (2011). La Dra. Morrill además mantiene su compromiso de apoyar a los diseñadores de plata contemporáneos en México. Es también una apasionada del Arte Mesoamericano Colonial Temprano. Su monografía sobre la Casa del Deán, un palacio urbano del siglo XVI, fue publicada en 2014 por la Universidad de Texas (University of Texas Press). Actualmente, Morrill enseña Historia del Arte Precolombino en la Universidad George Mason.

Eduardo Casillas. Nacido en México, D.F. en 1979, reside desde hace 20 años en la Ciudad de Cuernavaca, Morelos. La mayor parte de su formación como artista visual es auto-didacta en su necesidad de conocer distintas técnicas y medios. su obra gráfica ha sido publicada en diferentes medios de distribución nacional, (destacan las revistas Migala, Picnic, Milmesetas y Art Graffitti Editorial. Ha presentado varias exposiciones individuales y colectivas, entre las cuales se destacan: “Pastizales de Luto, Una Mirada Artística a la Violencia”, en 2011 (Museo de la Ciudad de Cuernavaca), “… Sur la Mort” en las Festividades del Miquixtli Día de Muertos junto a otros artistas en el Museo Diego Rivera Anahuacalli. Participante de La Calaca Press 2011, 2012 y 2013 con exposiciones en: Oak Park, Ill., Corpus Christi, y McAllen, Tx., Lauderhill, Fla., en los Estados Unidos. Además a expuesto su obra en Granada, Nicaragua, Argentina, Hong Kong, Pakistán, Australia y España. Fue Becario del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico en Morelos (PECDA) 2012 en la categoría de Gráfica. Cuenta con obra en diferentes colecciones públicas y privadas dentro y fuera del país. Durante 2012 y 2013 organizó la muestra itinerante “Grabado Grabado” exhibiendo en museos de los estados de Morelos, Querétaro, Aguascalientes y Guerrero. En abril y mayo de 2015 expuso de manera colectiva en Alejandría, Egipto en el marco de “The Bibliotheca Alexandrina International Biennale for Miniature Graphics Fourth Round”. Durante 2016 fue seleccionado para participar en la exposición internacional "The IX Bienniallnternational Miniature Print Exhibition (BIMPE IX)" con sede en Vancouver, Canadá. Fue seleccionado en la “9th International Triennial of Small Graphic Forms Vilnius 2016” en Vilnius, Lituania. Participó en la Quinta Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda 2016 exhibiendo en los estados de Veracruz, la Ciudad de México, Durango, Yucatán y McAllen, Tx. Además, ha expuesto individualmente en el Centro Cultural Taxco Casa Borda la muestra “Superficies”. Durante ese mismo año, también se desempeña instructor del Taller de Grabado en el Museo de Arte Indígena Contemporáneo, ofreciendo la enseñanza de Grabado No Tóxico en metal por primera vez en Morelos. En 2017 Es participante de la Carpeta Gráfica POP DER organizada por Carlos Flores Rom junto con diversos artistas. Contacto y mayor información en: www.eduardocasillas.com

Gérard Fontaine es doctor en filosofía y estética por la Universidad de Paris-Sorbonne e historiador de arte especializado, entre otros, en la arquitectura y el arte francés del siglo XIX. Ha ocupado importantes cargos en el Ministerio Francés de Cultura y en el de Asuntos Exteriores de su país; para el primero, promovió la difusión del patrimonio y de las ciudades de arte francesas, y posteriormente fue el Secretario General de la Academia de Francia en Roma (Villa Médicis).Para el Ministerio de Asuntos Exteriores, fue el Secretario General de Intercambios Artísticos, luego ocupó la dirección de los 170 establecimientos culturales franceses en el extranjero y finalmente, la Dirección de Cultura. A partir del año 1989, su carrera prosiguió sobre todo en el extranjero y fue consejero en las áreas de cultura, ciencias y de cooperación en los Países Bajos, en la República Checa y finalmente en México, donde fue también Director del Instituto Francés de América Latina (IFAL). Desde el 2007, se jubiló y ahora reparte su tiempo entre México y Francia, continúa sus investigaciones sobre el arte y la artesanía mexicana, en particular sobre la platería mexicana del siglo XX, de la cual es coleccionista; publica en revistas, da regularmente conferencias sobre el resultado de sus investigaciones, las más recientes: "Tane, un hilo de plata entre México y Francia" para Raíces Francesas, Ciudad de México y Crear un registro de los talleres grandes y familiares en la historia de la platería de Taxco y de México, conferencia Inaugural de la 76a Feria Nacional de la Plata, 2013 en el Palacio Borda en Taxco, Guerrero.

A través de la experiencia del Laboratorio de Investigación Sonora y del Imaginario (LISI), coordinado por el Mtro. René Contreras Osio, se imparten las asignaturas Laboratorio de Investigación-producción en arte Hipermedia para la Licenciatura en Arte y Diseño, de la FAD Taxco. LISI es un espacio de producción e investigación mediante la práctica experimental con instrumental de síntesis analógica; microfonía para el registro en campo o en estudio; equipo de sonorización en espacios abiertos o cerrados y software de registro y edición. En LISI se estudian las teorías, técnicas y tecnologías de los últimos 100 años dedicados a la investigación y creación sonora como: Intonarumori, Concrete music, Electronic music, Acusmática Ambientsound, Art Noise, Soundscapes, Diseño Sonoro, Instrumentos preparados, Objetos sonoros, Instalación sonora, Escultura sonora, Live cinema, Videoarte y Radioarte, así como del IMAGINARIO formulado desde las fuentes tecnologías de registro y generación del sonido en la cultura. Se abordan los principios y lenguajes del Arte Sonoro, a partir de la práctica inter y multidisciplinaria del arte y la ciencia en la Escultura, Instalación, Imagen, acústica, electrónica, arquitectura y paisaje. Mediante la presentación de proyectos individuales o colectivos, los participantes de LISI podrán ampliar y formular criterios propios que les permitan contextualizar la práctica artística en los entornos creativos contemporáneos, desde el conocimiento y comprensión de sus fundamentos históricos.

La Dra. María Tania de León Yong es egresada de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) Hoy FAD, de la UNAM como licenciada en Artes Visuales. Cuenta con un doctorado en Bellas Artes del Programa Componentes Expresivos, Formales y Espacio-Temporales de la Animación, otorgado con honores por la Universidad Politécnica de Valencia (UPV), España, en la que también obtuvo el grado de Máster en Aplicaciones Multimedia para Internet.

En esta ocasión presentaremos la conferencia que ofreció la Dra. Lucrecia Infante Vargas, Doctora en Historia por la Universidad Nacional Autónoma de México el pasado 21 de octubre en la FAD Taxco, denominada “Mujeres y cultura impresa del siglo XIX”. 14682153_10154626239944231_8039812898513890739_o La Dra. Infante es profesora de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM en donde imparte las asignaturas Literatura Histórica e Introducción a la Historia de las Mujeres y de Género. Las líneas de investigación de la Dra. Infante son las siguientes: Historia cultural y política de las mujeres en México, siglos XIX y XX Mujeres y cultura impresa, siglos XIX y XX Vínculos teórico-metodológicos de la Historia y la Literatura Literatura de viaje decimonónica como fuente para la historia

José Luis Ortiz Téllez es egresado de la carrera de Dibujante Publicitario, que se impartió en la Antigua Academia de San Carlos entre 1959 hasta la creación de la licenciatura en Comunicación Gráfica en 1973, de la cual José Luis es –por cierto– es miembro fundador. mexico-68-jlo-2 José Luis Ortiz Téllez. José Luis Ortiz Téllez formó parte del vasto equipo de trabajo que generó la identidad gráfica (logo, señalética, tipografía, etcétera) de los XIX Juegos Olímpicos de la era moderna celebrados en la Ciudad de México en 1968, un proyecto comandado por el Arq. Pedro Ramírez Vázquez, además de Beatrice Trueblood y Eduardo Terrazas. Ortiz Téllez fue asistente y mano derecha del afamado diseñador neoyorquino Lance Wyman, de tal modo tuvo la oportunidad de participar y presenciar en una posición privilegiada todo el desarrollo del proyecto. Él ha sido diseñador, director de arte, artista, director creativo, organizador, consultor en múltiples proyectos de carácter local e internacional, educador, colaborador con artículos y notas para periódicos y revistas. Cuenta con amplia experiencia en diseño y sus ramificaciones con la comunicación; educación en el diseño, diseño gráfico, mercadotecnia, publicidad, diseño corporativo, e informacional.

Leposava Miloševi? Sibinovi? (Lepa) nacida en Cacak, Serbia, 1950. Se graduó en la Academia de Artes Plásticas de Belgrado, con el escultor Miodrag Zivkovic en 1974. Durante los siguientes 3 años hizo el posgrado de escultura en la misma Academia. Se trasladó a México en 1977, donde residió hasta 1982, gracias a una beca del Gobierno Mexicano dentro del intercambio cultural con la ex Yugoslavia.

477° ANIVERSARIO DE LA LLEGADA DE LA IMPRENTA A AMÉRICA. Desde 2002 cada 25 de septiembre se celebra un relevante evento: la llegada de la imprenta a América, el Día del Tipógrafo (DDT), también es conocido como el Día Nacional de las Artes Gráficas. El establecimiento de la imprenta en México significó una empresa necesaria e indispensable para la divulgación del pensamiento occidental. Como figuras centrales de este acontecimiento se encuentran fray Juan de Zumárraga (primer obispo de México), Antonio de Mendoza (primer virrey de la Nueva España), además de Juan Cromberger (impresor alemán establecido en Sevilla, dueño de una imprenta) y Juan Pablos (oficial del taller de Cromberger).

Los efectos especiales son un conjunto de técnicas utilizadas en el mundo del espectáculo y en el medio audiovisual. La finalidad de estas técnicas específicamente es crear una ilusión. Dentro de esta clase de efectos se encuentra el maquillaje aplicado sobre los actores que participan en una producción audiovisual. Ciertos maquillajes necesitan volumen o producir impresiones exactas y esto no siempre se puede lograr con maquillaje teatral, por ello es necesario crear distintos aditamentos como prótesis y/o máscaras o réplicas de partes del cuerpo hiperrealistas ya sea mediante copia directa del actor o modelándolas si no fuese posible. A este tipo de maquillaje se le conoce como Special Makeup Effects. Este tipo de maquillaje es de los más complejos, puesto que se necesita tener conocimientos en el dibujo, escultura y pintura para dominarlo, así como poseer nociones básicas de maquillaje de belleza y de fantasía. Para realizar estos efectos se utilizan diferentes materiales: • Prostéticos (látex, hule, plástico, gelatina) • Makeup fx (diversos materiales que añaden fuerza a las cualidades visuales de unas características determinadas) • Silicón (para crear moldes , piel sintética o adhesivos) • Látex Natural: Aplicado como líquido, se seca, quedando semi-rígido. Se utiliza en mezclas especiales para crear casting látex y foam látex. • Foam Látex (espuma de látex): El material por excelencia de la industria de maquillaje de efectos especiales. • Gelatina: Era el material para efectos de piel y carne translúcida antes del silicón. • Sangre Falsa: Es una mezcla que tiene todas las propiedades físicas de la sangre real, material de uso diario en el mundo del cine.

El Primer Encuentro de Arte Sonoro pretende reunir y presentar ante la comunidad estudiantil universitaria y al público en general, a los grupos y sus respectivos proyectos que operan en cada una de las sedes de la Facultad de Arte y Diseño, UNAM con la finalidad de divulgar y generar interés por los lenguajes y formas creativas del Arte Sonoro. El Laboratorio de Investigación Sonora y del Imaginario (LISI) es el proyecto de investigación de Carrera del Maestro René Contreras Osio que opera desde 2014 en la FAD Taxco y en su cede propia; en él participan los egresados de la licenciatura en Artes Visuales: Stuart Alarcón y Alejandra González, también colaboran permanentemente los profesores Carmen Tapia Martínez, Zazilha Lotz Cruz e invitados especiales como el Maestro Eduardo Álvarez del Castillo y Hugo Contreras en la guitarra. LISI Cuenta hasta el momento con obras y grabaciones sonoras y visuales presentadas en las instalaciones de la FAD Taxco, en el Coloquio sobre arte sonoro en la Unidad de Posgrado de la FAD en Ciudad Universitaria, en el Centro Cultural Casa Borda de Taxco y en el Fuerte de San Diego en Acapulco Guerrero. LISI colabora con piezas electrónicas en el Podcast “Contrastes” de la FAD; impartió recientemente el curso intersemestral de arte sonoro. El Maestro René Contreras Osio Imparte la asignatura LABORATORIO DE INVESTIGACIÓN-PRODUCCIÓN EN ARTE HIPERMEDIA en la Licenciatura Arte y Diseño cuyo objetivo pretende sensibilizar y generar una actitud creativa en los alumnos, partiendo de la práctica experimental propia del arte sonoro, mediante el cruce de lenguajes y disciplinas de procedencias diversas como la ciencia, tecnologías, escultura y música; así mismo, pretende dar a conocer y aplicar los principios básicos de la generación y manipulación de recursos sonoros mediante las aproximación técnicas del el Arte y la tecnología. También pretende actualizar las opciones creativas de investigación y producción en el contexto de la complejidad de la cultura visual y sonora contemporánea. PARTICIPANTES Colectivo Hypertropos Pedro Miguel Alberto Alayón Ruiz, Académico y José Ricardo Guzmán Colectivo Modular Mood Ensamble Alejandro Alcántara y Daniel Alvarez Live Cinema y Arte Sonoro: Performance sonoro-visual en tiempo real. Edgar Olvera Yerena y Hector Ivan Navarrete, Laboratorio de Investigación Sonora y del Imaginario René Contreras Osio, Alejandra González, Stuart Alarcón, Carmen Tapia Martínez y Hugo Contreras

Taxco El pasado 4 de agosto la Facultad de Artes y Diseño plantel Taxco dió una cordial bienvenida a los alumnos de nuevo ingreso. Es un placer para esta institución de la UNAM recibir a una nueva generación de alumnos que formará parte del ámbito profesional en las artes visuales y el diseño. La Facultad de Artes y Diseño es heredera de una larga tradición artística que data desde la fundación de la Academia de San Carlos en 1781. La FAD tomó forma en el siglo XX. Esta escuela ha sido casa de notables artistas mexicanos y ha contado con la participación de trascendentes profesores que han formado –día con día– a generaciones de artistas, diseñadores y productores visuales. En 1929, cuando la Universidad Nacional de México obtuvo su autonomía, la Academia se dividió en: Escuela Nacional de Arquitectura y Escuela Central de Artes Plásticas y en 1933 ésta última cambia de nombre a Escuela Nacional de Artes Plásticas, con sede en el Centro Histórico, en la Academia de San Carlos, hasta 1979, cuando se mudó al Barrio de la Concha, en Xochimilco. En abril de 2014, hace poco más dos años, la Escuela Nacional de Artes Plásticas cambió de denominación y carácter y se transforma en Facultad de Artes y Diseño. Muchos son los personajes y travesías que han conformado a esta escuela, la más antigua academia de arte del continente americano, dignos todos ellos de revisarse de manera pausada y con atención en sus aportes personales y colectivos a la academia, a México y a las artes y el diseño.

Hablar de tarjetas postales es referirnos a objetos históricos únicos, en los que se conjugan imágenes y textos, y a través de los cuales se reflejan los imaginarios de una época. La tarjeta postal, inicialmente creada con como un medio de correspondencia barato, accesible a todo el público, pronto alcanzó gran popularidad en todo el mundo al ser utilizadas como el medio idóneo para enviar saludos y mensajes breves, acompañados por una imagen. La producción de tarjetas postales se mostró siempre dúctil a las transformaciones y cambios que fueran necesarios para satisfacer el gusto del público. De tal modo que se produjeron tarjetas postales panorámicas o de vistas urbanas, de eventos históricos, figuras públicas, estrellas de teatro y pantalla, caminos ferroviarios, carreteras, “tipos populares”, imágenes folklóricas, retratos de artesanos con sus productos, imágenes religiosas, vistas fronterizas, de publicidad, poesía, tarjetas de felicitación, con aplicaciones plumarias y hasta tarjetas postales eróticas. El costo accesible de la tarjeta postal, así como la diversidad temática, de técnicas, e imágenes, originó casi de manera inmediata un hábito por coleccionar, facilitando al grueso de la población la creación de sus propios álbumes fotográficos o de recuerdos. Por otro lado, el gusto y demanda de las postales fueron generando un mercado de millones de compradores, lo que promovió un mayor número de productores, tanto de compañías productoras de postales como de pequeños empresarios independientes. Estos y otros temas son los que serán analizados por diversos especialistas, historiadores, fotógrafos, investigadores, coleccionistas y restauradores durante el 9° Congreso Mexicano de Tarjetas Postales. Este evento tendrá por sede la ciudad colonial de Taxco, Guerrero y se compone de un programa 22 conferencias distribuidas en dos días, 17 y 18 de junio, a realizarse en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Hotel Posada la Misión; una exposición temporal: Viajar a través de postales, presentada en el Museo Spratling, talleres infantiles, mesas de intercambio, cancelación de timbres y envío de postales por el Servicio de Correos de México, durante los días del congreso. CONGRESOS REALIZADOS • 1er CONGRESO MEXICANO DE TARJETAS POSTALES. Monterrey, Nuevo León, México, del 15 a 17 de Agosto de 2008. Sede: Museo de Historia Mexicana. • 2º CONGRESO MEXICANO DE TARJETAS POSTALES. Tepoztlán, Morelos, México, del 8 a 10 de octubre de 2009. Sede: Museo y Centro de Documentación Histórica Ex Convento de Tepoztlán. • 3er CONGRESO MEXICANO DE TARJETAS POSTALES. Guadalajara, Jalisco, México, del 29 a 30 de octubre de 2010. Sede: Fundación Jesús Álvarez del Castillo. • 4º CONGRESO MEXICANO DE TARJETAS POSTALES. Querétaro, Querétaro, México, del 29 y 30 de julio de 2011. Sede: Centro de Arte “Bernardo Quintana Arrioja” de la UAQ. • 5° CONGRESO MEXICANO DE TARJETAS POSTALES. Oaxaca de Juárez, Oaxaca, México, del 7 a 9 de junio de 2012. Sede: MUFI. Museo de Filatelia de Oaxaca. • 6° CONGRESO MEXICANO DE TARJETAS POSTALES. San Luis Potosí, SLP, México, del 15 a 17 de junio de 2012. Sede: Museo Francisco Cossío. • 8° CONGRESO MEXICANO DE TARJETAS POSTALES. Cd. De México, del 16 al 18 de julio de 2016. Sede: Palacio de Correos de México.

Licenciado en diseño y comunicación visual, especialista en producción editorial, cuenta con la Maestría en Ciencias y Artes para el Diseño por la UAM, y es pasante en la Maestría de Diseño Tipográfico por el Centro de Estudios Gestalt. Ha trabajado como diseñador y director para editoriales independientes como Editorial El trompo, periódicos como Reforma y La Jornada, ONG’s como Amnistía Internacional, y en el Programa Editorial de la UAM Xochimilco, entre otras. Su trabajo ha sido reconocido en congresos nacionales e internacionales siendo tal vez los más importantes: Premio Quórum XV, Bienal internacional de cartel socio político en Auschwitz, Polonia y Good 50x70 en Milán. Actualmente se desarrolla como docente en varias universidades de la Ciudad de México: FAD–UNAM, UAM–Xochimilco, Universidad Iberoamericana, y CENTRO, diseño, cine y televisión. Como diseñador destaca su trabajo como calígrafo, tipógrafo, diseñador editorial y cartelista. Armando Pineda presentó una clínica llamada Taller de Selección Tipográfica Aplicada a Textos de Alto Rendimiento, dividida en 4 apartados: 1. La tipografía tiene 3 niveles de uso: lingüístico, plástico y sensorial: • Lingüístico; la tipografía debe leerse, pese a que el término legibilidad está sujeto a muchas cosas, debemos asumir que es legible para el auditorio al que nos vamos a dirigir. • Plástico. La tipografía tiene impacto visual, y ese impacto estético puede ser hacia algo "bello, violento, agresivo..." • Sensorial. El contexto hace que nosotros como usuarios carguemos de significado a la letra, la letra no tiene la culpa de nuestros prejuicios y de lo que nosotros podemos ver en ella. 2. La forma de la tipografía está delimitada por su uso, la labor del diseñador es entender cuales son las necesidades que cada tipografía debe cumplir. 3. La anatomía de la letra va más allá de los patines. Los patines no hacen que una letra sea más legible que otra, si bien son una parte a tomar en cuenta, no significan todo. 4. Entre más sabe un diseñador acerca de tipografía, su labor tanto en el diseño editorial, como en otras áreas se verá potenciali

Reflexiones sobre la historia, el documental, la imagen en movimiento y la vida cotidiana. Artista visual que trabaja con la imagen en movimiento y animación de gráficos Nació en la Ciudad de México, estudió Artes Visuales en la ENAP, UNAM entre 2002 y 2006. Fue Miembro del Seminario de Medios Múltiples 2 y participante del colectivo Jokus entre 2006 y 2008. Fue Becario de Jóvenes Creadores en 2006. Publicó junto con el Seminario de Medios Múltiples el Compendio Ilustrado del Saber Vivido. Es Fundador del colectivo de animación Viumasters, quienes fueron nominados a un Ariel en 2011 por Xochimilco 1914. En 2013 presentó Made in Central de Abastos, cortometraje animado de la serie Ciudad Intervenida de Llamarada Estudio. Sus animaciones han sido proyectadas en festivales internacionales como Arte Video Night #4 en el Palais de Tokyo, el Festival de animación de Moscú y la Baixada Animada de Sao Paulo. Recibió el premio Indio 2012 por “Las fugitivas de überwasser” en el marco del Cut Out Fest. Desde 2011 se desempeña como técnico multimedia en la compañía de teatro Lagartijas tiradas al sol. Siendo el proyecto “Está escrita en sus campos” su cuarto montaje multimedia para la compañía. Es docente de la asignatura de Historia de los efectos especiales, Historia del Arte Moderno e Imagen digital en SAE Institute México desde 2014. Actualmente juega futbol como medio central, dibuja, ilustra, anima, mezcla videos en fiestas y subtitula en vivo obras de teatro.

Al coleccionismo de tarjetas postales se le conoce como cartofilia o deltiología. Estas cartulinas de 14 x 9 centímetros nacieron en Austria en 1869 como una alternativa ligera, barata, sencilla y resistente que las cartas (ya que se envía sin sobre), para enviar mensajes breves por correo. Con la popularización de la fotografía en el siglo XIX la percepción de las dimensiones del mundo se redujo y el conocimiento de lugares remotos se volvió accesible y cercano. Con ello, surgió la necesidad de comunicar esta nueva realidad por medio de un vehículo eficiente y adaptado para una sociedad diversa y demandante de información. De tal modo, el correo y las tarjetas postales resultaron uno de los mejores transmisores de tan importante reclamo. Hoy en día, las tarjetas postales permiten analizar la idiosincracia de las sociedades, así como percibir los cambios en algunos aspectos socioculturales, por tanto, las postales son un patrimonio que merece estudio, clasificación y preservación. La tarjeta postal fue una mercancía destinada a la comunicación breve y concisa, y tiene la característica de que pueden ser usadas en más de una forma y cumplir una o más funciones, como: comunicación, mercancía, recuerdo, documento histórico, objeto lúdico, arte, entre otras. Se han fabricado tarjetas postales sobre soportes de uno o más materiales: cuero, papel, cobre, aluminio, plástico, hojalata, celuloide, tela, seda, madera, etc. En México se editó la primera tarjeta postal en 1882, y tuvieron una época de oro a principios del siglo XX. Predominaron las vistas de sitios de interés, flamantes edificios porfirianos, iglesias, parques y monumentos; luego se sumarían temas como mercados, oficios, transportes y vendedores callejeros. Obras de notables fotógrafos como C. B. Waite, Guillermo Kahlo y Hugo Brehme ilustran algunas postales. El Congreso Mexicano de Tarjetas Postales se celebra ininterrumpidamente desde 2008 hasta la fecha, ha tenido como sedes a las ciudades de Monterrey, Tepoztlán, Guadalajara, Querétaro, Oaxaca, San Luis Potosí, Cd de México, y proximamanet taxco de Alarcón.

"El día de San Valentín de 1989, último día de su vida, Vina Aspara, la legendaria cantante popular, se despertó sollozando porque había soñado con un sacrificio humano en el que ella era la víctima prevista" Al comienzo de esta novela que nos lleva de la India a Inglaterra y de Inglaterra a América, Vina Apsara, cantante famosa y muy querida, de voz salvaje e irresistible, se ve atrapada en un terremoto devastador y desaparece para siempre. Ésta es su historia y la de Ormus Cama, su amante, que la encuentra, la pierde, la busca y vuelve a encontrarla a lo largo de su propia vida insólita, dedicada a la música. Es la historia de un amor que perdura toda la vida de los dos y se prolonga hasta más allá de la muerte. Rai, un fotógrafo amigo de la infancia de Ormus y amante ocasional de Vina, narra esa épica historia de amor, y su voz, llena de historias, rabia, sabiduría, amor y humor, es quizá la verdadera protagonista del Irbro. Rai es un hombre que se ve mezclado en los amores y desamores de los dioses y diosas de su época, pero al menos él vive para contarlo. Su mundo está poblado de gente inolvidable que, como los personajes principales, se ve encerrada en la historia iluminadora, vana y fabulosa del rock'n'roll, los sueños de la contracultura, la guerra de Vietnam, las emisoras de radio piratas, las marchas políticas, el aumento de poder de las empresas y una sociedad que se vuelve cada día más codiciosa. La historia “real” del mundo cambia; nuestros recuerdos cambian también, y el mundo mismo, inseguro, comienza a temblar y deshacerse. Hay vislumbres de abismos bajo la superficie de las cosas. Unos hermanos gemelos pueden hablarse desde el otro lado de la tumba, y tal vez pueden cometer asesinatos mediante instrucciones telepáticas. El suelo bajo sus pies es el acto de imaginación más audaz de Salman Rushdie, una visión de nuestros tiempos estremecidos y mutantes. El suelo bajo sus pies se articula en torno al mito de Orfeo y Eurídice, pero también la mitología oriental, Kama y Rati, está presente en la narración. A fin de cuentas, si algo queda claro en la obra es que las diferencias entre Oriente y Occidente son más formales que fundamentales. Los tres espacios narrativos en que se desarrolla la obra, India, Inglaterra y Estados Unidos, en un tiempo de 40 años, parecen sugerir las distintas etapas en la evolución de la persona. Ficha bibliográfica: The Ground Beneath Her Feet (El suelo bajo sus pies) Salman Rushdie Plaza & Janés Barcelona 1999 Traducción de Miguel Sáenz

Artista visual interesado en el dibujo como un medio tentacular a partir del cual bordea con otras prácticas (libro de artista, gráfica, pintura, escultura, intervención y fotoperformance). Su trabajo reciente, de carácter autobiográfico, busca evocar la emocionalidad de las experiencias vitales de las que parten las piezas, así como entablar un permanente diálogo matérico con la obra. Cuenta con estudios de licenciatura y maestría en artes visuales por la Facultad de Artes y Diseño (FAD) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Dentro de su trayectoria artística ha participado en diversas exposiciones, becas, concursos y publicaciones a nivel nacional e internacional: por ejemplo la muestra Hong Kong Graphic Art Fiesta, L1 y L0 Gallery, Jockey Club Creative Arts Centre, Central Courtyard, China; la beca Programa de Jóvenes Creadores del FONCA en la edición 2010? 2011 con el Proyecto Sepulcro Blanqueado, Rastros vitales en la Antigua Academia de San Carlos; Selección XXXIII Encuentro Nacional de Arte Joven; 6a Bienal Internacional de Arte Visual Universitario, así como la publicación de su trabajo en la Revista BEX Magazine de Argentina y el Fondo Editorial Tierra Adentro. En cuanto a su desarrollo académico es candidato a Doctor del Posgrado en Artes y Diseño de la FAD y dirige el Taller de Investigación-Producción de área de Dibujo del Posgrado en Artes Visuales de la FAD-UNAM.

Maestro René Contreras Osio Coordinador académico del Diplomado Es notoria la emergencia de los Diseños en los campos en que tradicionalmente ha predominado el Arte; esto es, el sistema cultural y el mercado, así como en los programas pedagógicos y académicos. Considerado aun por muchos como el hermano menor del Arte; para bien o para mal, el Diseño se ha abierto camino valiéndose de estrategias propias y otras semejantes a las del arte y los artistas: El culto a la personalidad del Diseñador como sujeto creador, la creación del Diseño como la “obra” de carácter experiencial, con “discurso” y trascendental, a la vez que a la capacidad de proporcionar al público/usuario experiencias más allá de la utilidad del objeto mismo. En su afán emergente y su propio carácter interdisciplinario, el Diseño ha incorporado a su vez, códigos y problematizaciones propias del arte; en ocasiones ha tomado distancia de la Artesanía, en otras se le acerca peligrosamente para parasitarle algo de su utilidad o esencia de sus procesos de producción, que le sirve de muleta para autodefinirse éticamente como “puro y honesto”. También, y dado su carácter de objeto de consumo, no tiene empachos en cotizarse al parejo de una obra de Arte, o bien, emulando al Arte, renuncia a sus fines utilitarios para situarse en el campo de la especulación simbólica y muy cercano a la especulación financiera en las ferias de Arte…y Diseño. Ahora que por fin tenemos una facultad de Arte y Diseño parece que ya es pertinente poner a discusión una serie de tópicos a los que la cultura global emergente del Arte y los Diseños nos empujan, entre otros: La relevancia o recuperación del oficio, utilidad de las técnicas y conocimiento de los materiales; la incorporación de nuevas tecnologías, la diferenciación en la actitud creativa del arte frente a la actitud prospectiva y de planeación de un objeto que debe estar concebido desde el principio como utilitario, es decir, la delimitación del carácter experimental e íntimo del arte frente a la planeación y objetivación necesaria del Diseño. Nuestra contribución a este debate fue la creación de este Diplomado en Diseño de platería con opción a titulación, es decir, que tuviera el valor y reconocimiento de las competencias profesionales necesarias para ejercerse en el campo del Diseño, y por otro lado, ampliar las posibilidades de Titulación de las Licenciaturas impartidas en la Facultad de Arte y Diseño Plantel Taxco.

Es un artista mexicano quien realiza trabajos de arte colaborativo, fotografía, dibujo, video, diseño, pintura, radio libre, instalación, gestión cultural y performance. Sus trabajos se despliegan en dos direcciones principales, una, que va dirigida hacia la reflexión del yo psicológico y la otra proyectada a confrontar las ideas que conforman el exterior que denominamos lo social. Trabaja de manera individual y en colaboración con diversos artistas. En esta ocasión vamos a presentar la grabación de la charla que ofreció Olar Zapata en la FAD plantel Taxco a finales del año pasado, en ella se tocaron diversos temas entorno a conceptos fundamentales en las líneas de investigación de Zapata, como el rostro, la identidad y la ciudad. Olar Zapata es una artista visual y además está involucrado con la docencia y al respecto afirma: “Docencia es arte, lo creo profundamente, me interesa la educación como un proceso esencial para la vida individual y la construcción de una sociedad consciente, crítica y libre. El modelo educativo que tenemos a veces es aburrido, a-crítico, conformista, me gusta que el aula se transforme en un laboratorio de arte donde pueda suceder todo, donde el conocimiento se acompañe con música, con imaginación y creatividad, me interesa que las alumnas y alumnos tomen la palabra y se den cuenta que son la parte más importante del sistema educativo, que su voz tiene un peso enorme”.

Lapiztola es un colectivo formado por los diseñadores Roberto Vega y Rosario Martínez, y arquitecto Yankel Balderas. La historia de este colectivo se remonta al año 2006 en el cual los movimientos sociales derivados a una crisis del magisterio local estallaron. La ciudad de Oaxaca fue escenario numerosas manifestaciones durante más de siete meses, puesto que la indignación social por la violenta respuesta del gobernador del estado a una huelga de maestros se desató. En este momento floreció un movimiento de arte urbano, que abordó a las paredes de Oaxaca que hablan en indignación. Fue a partir de este levantamiento social que nació Lapiztola. El Colectivo se formó en aquellos eventos en su ciudad natal, y les ha llevado a crear una obra que pone de relieve y denuncia las injusticias, principalmente la mayoría de su obra se crea con esténcil y serigrafía, producen arte en la calle para protestar y comunicar visualmente con la sociedad. Su labor se ha extendido mucho más allá de Oaxaca y los eventos de 2006. “Pintar una pared puede ser inclusive mejor que portar un pequeño cartel… es un grito el que está pintando la pared”, ha señalado Roberto Vega. De acuerdo con el diario británico The Guardian, en un reportaje sobre el colectivo callejero oaxaqueño: “El arte de la calle en México cuenta historias de dolor, rabia y resistencia”. Los artistas mexicanos “están poniendo de relieve en sus murales los problemas sociales y políticos de México, de los estudiantes desaparecidos por capos de la droga y de los migrantes”, indica el rotativo inglés.

Goretti Padilla, quien es una Artista Visual que realizó sus estudios en la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad Autónoma de Querétaro. De 2007 al 2009 estudió la Maestría de Artes Visuales con la especialidad en Pintura (se tituló con Mención Honorífica) de la Academia de San Carlos, UNAM. Cuenta con seis exposiciones individuales en diferentes ciudades de México y en Ecuador, desde 1993 ha participado en más de quince exposiciones colectivas a nivel nacional, Concursos y Bienales Mexicanas. Ha tomado varios talleres de dibujo, pintura y producción artística con diferentes artistas como Arturo Miranda, Jordi Boldó, Santiago Carbonell, Francisco Castro Leñero, Gilberto Aceves Navarro, Jazzamoart y Gabriel Macotela por medio de estos pintores se ha formado, en sus trabajos se puede ver que ha tenido influencia de las siguientes corrientes artísticas como Arte Barroco, Art Pop, Realismo Mágico y Arte Conceptual. En el 2013 hizo una Residencia Artística en No Lugar – Arte Contemporáneo, Quito, Ecuador. En 1993 obtuvo una mención Honorífica en Dibujo. “Dibujo y Pintura Agustín Rivera 1993”, Galería Libertad, Santiago de Querétaro, y en el 2005 otra mención honorifica en Dibujo en el “3er Concurso Imágenes de Vida, Diversidad, Derechos Humanos y VIH/SIDA”, en México, D. F. Goretti Padilla presenta actualmente una exposición individual en el Museo de Arte Virreinal Casa Humboldt de Taxco, denominada LAS YA RETRATADAS, un proyecto de producción e investigación en el que la artista seleccionó una serie de retratos de los que posteriormente se apropió mediante la técnica del bordado una tarea que por generaciones se ha considerado una “labor propia de la mujer”, de carácter totalmente femenino, o bien, como una artesanía menor. De esta forma, la artista busca brindar un homenaje a todas aquellas artistas mujeres que lucharon o luchan por un espacio en el ámbito cultural.

Abigail Pasillas Mendoza Candidata a doctor en Historia del Arte de la UNAM, maestra en Historia del Arte también por la UNAM y Especialista en Museografía por la ENCRyM (Escuela Nacional De Conservación, Restauración Y Museografía) - INAH. Actualmente se encuentra desarrollando su tesis doctoral, investigación en torno a la historiografía de la fotografía en México, las vanguardias fotográficas y los procesos de formación de colecciones fotográficas en museos de arte mexicanos, como el Museo Nacional de Arte y el Museo de Arte Moderno. Entre 2013 y 2015, colaboró en el Museo Nacional de la Estampa, como Jefa de Colecciones y curadora. Entre 2012 y 2013, se desempeñó como Jefa de Registro y Control de Obra en el área de Colecciones del Museo de Arte Moderno. Ha publicado artículos en revistas artibradas y libros, y ha sido ponente en eventos nacionales e internacionales. Recientemente participó en la coordinación del catálogo de la exposición Isidoro Ocampo. Artista y testigo del México posrevolucionario. Colección Ernesto Arnoux (MUNAE, INBA-IVEC, 2015), derivado de la exposición realizada en el MUNAL y presentada en la Ciudad de México y el Instituto Veracruzano de la Cultura, IVEC. Aysleth Corona Ochoa Estudió la licenciatura en Historia en la Escuela Nacional de Antropología e Historia y la especialidad en Museografía en la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía. Ha trabajado como investigadora en el Centro de Documentación e Investigación de la Comunidad Ashkenazí de México, en el Museo Nacional de Arte, en el Museo Franz Mayer y en el Museo de Arte Moderno, en donde se hizo cargo de la asistencia y gestión curatorial de varias exposiciones y encabezó la creación del Archivo Histórico del Centro de Documentación, espacio que dirige en la actualidad. Fue jefa de museografía del Museo Interactivo de Economía y trabajó en el diseño de museografías independientes. En 2013 fue acreedora de la Beca otorgada por la Getty Foundation en la Annual Meeting and MuseumExpo de la American Alliance of Museums, en la ciudad de Baltimore. Es miembro fundador de la Revista Mono Ilustrado y es editora de la sección "Dietario Cultural Antioxidante". En 2015 y 2016, impartió el taller “Producción de exposiciones a partir de una colección personal”, para niños y adolescentes.

Charla con Israel Torres Artista visual que desarrolla su investigación en torno a la intervención en el espacio público, asumiendo la práctica artística contemporánea como plataforma de diálogo e intercambio que visibiliza la polifonía social. Colectivo T+T Equipo de trabajo formado en la Cd. de México por Verónica Toscano e Israel Torres. La propuesta del trabajo del colectivo responde al interés de consolidar una práctica artística contemporánea enfocada en la retroalimentación y el crecimiento de las ideas, experimentan distintos formatos de colaboración. La obra de T+T es un tránsito constante entre el arte conceptual y el arte social pasando por procesos relacionales y de acción directa con comunidades en territorios específicos. Joseph Beuys: “Todo ser humano es un artista” Uno de los artistas más importantes del siglo XX, poseedor de un lenguaje único que raya entre lo inverosímil y la chamanería. Tanto su vida como su obra es una mezcla delirante de sucesos atípicos; pocas personas pueden contar historias similares. Piloto de la segunda guerra mundial, católico afiliado al partido Nazi, padre de familia, héroe de guerra condecorado dos veces con la Cruz de Hierro que, según cuenta la leyenda, en pleno combate fue derribado su avión sobre Crimea y lo rescató un grupo de Tártaros nómadas que lo envolvieron en grasa y fieltro para protegerlo del frío y así salvarle la vida. Material con el que trabajaría por muchos años y es indiscutible en su obra, principalmente en ensamblajes en los que relata las memorias de su experiencia. Más allá de su obra conceptual, Beuys es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XXI por sus aportaciones a la relación del arte como experiencia de vida y la política vista a través de éste.

Estudió Diseño Gráfico en la UNAM. Su primeras prácticas y experiencias en animación las realizó en el Estudio Dibujos Animados de México maquilando series para los estudios Hanna-Barbera Productions. Su labor ha sido objeto de diversos reconocimientos tanto a nivel nacional como internacional, entre los que destaca principalmente la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine en Cannes, Francia. Su profesionalismo ha dejado constancia en las empresas en las que ha laborado, como: Warner Bros. Animation (en el largometraje “Sapace Jam”), Heart of Texas Productions, Klasky Csupo (“The Simpsons”), Filmation Inc. Es fundador del Estudio Sky Toon Land y de la Universidad de la Animación Animart Academy.

Marvick Núñez Aguilera Egresado de la Licenciatura en Comunicación Gráfica de la ENAP (Hoy FAD). En 1996 comenzó a trabajar dentro del ambiente de la animación tradicional realizando cortinillas para la barra sabatina “Alternet” del canal “Más” de Multivisión. Posteriormente trabajó como Storyboarad artista en diversas producciones comerciales y cinematográficas, y al mismo tiempo en diseño de arte y de personajes. En el 2003 estudió animación 3D en Eunoia Animation School, donde se especializó en animación de personajes. A partir de 2004 forma parte de Terrícola Studio, del cual es miembro fundador. En dicho estudio ha colaborado como Director de arte y de animación, así como animador 2D y 3D. Como ilustrador ha colaborado en libros de texto, cómics y revistas. En su participación en el ciclo de conferencias y talleres “Día Mundial de la Animación” llevado a cabo durante los pasados 26 al 28 de octubre en el plantel Taxco de la FAD, Marvick Núñez presentó parte de su carpeta de trabajos, así como una detallada descripción de la elaboración de de un proyecto de animación. De forma didáctica y detallada se aprecia en esta charla la forma que este experimentado comunicador visual aborda un proyecto desde un punto de vista integral para llevarlo con éxito a su término, sin importar la extensión o bien, el tiempo para producirlo, la explicación de Marvick Núñez indica pasos a seguir, aclara particularidades y expone con sencillez un sistema de trabajo ordenado y lógico, que ha desarrollado en sus años de experiencia en el medio de la animación.

En el escenario que Latinoamérica presenta actualmente Escenas locales: historia, política y ficción en la gestión de arte contemporáneo (Editorial Curatoría Forense, 2015), último libro del crítico y teórico de arte chileno Justo Pastor Mellado. Los ensayos, organizados a la imagen y semejanza de un diario de viaje, más que abordar las problemáticas específicas de los lugares tematizados parecen querer demostrar la capacidad de ciertos actores por establecer nuevas formas de investigación desde el arte contemporáneo basadas en su localización. En este sentido, los escritos apuestan no solo la construcción autónoma de un relato artístico-visual adherido al territorio, sino que también a la posibilidad de establecer nuevas relaciones entre el arte contemporáneo, la investigación-escritura sobre arte y las necesidades históricas, políticas y sociales del territorio que las aloja. Así, el libro se presenta como una suerte de espacio de reunión, reafirmando la preferencia del autor por un vanguardismo editorial en el arte comprendido como una metodología de investigación contemporánea. La Editorial Curatoría Forense, fundada en abril de 2013 por Jorge Sepúlveda T. e Ilze Petroni PhD., es una iniciativa del grupo de trabajo en arte contemporáneo Curatoría Forense - Latinoamérica. Mediante un sistema colaborativo de preventa edita periódicamente libros relacionados a modelos de trabajo de gestión autónoma e institucional de arte contemporáneo y escenas locales en Latinoamérica. http://www.curatoriaforense.net/niued/ Guillermina Bustos (Córdoba, 1988) Licenciada en Arte, con especialidad en Pintura por la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Artista, Investigadora de Arte y gestora independiente. Ha recibido becas y premios para investigación en artes. Es miembro del consejo de la administración de la Fundación Cultura Confines (Argentina), dedicada a la gestión y educación en arte contemporáneo en localidades rurales. Ficha bibliográfica: Pastor Mellado, J. (2015). Escenas locales: arte contemporáneo y déficit en América Latina. Carolina Olmedo C. (editora).

Destacado y muy activo diseñador de joyas, egresado de la Escuela de Diseño y Artesanías del Instituto Nacional de Bellas Artes, a su corta edad fungió como director de la primera escuela de platería en Matamoros y Parral Chihuahua donde enseñaba elaboración y diseño de joyas. Reconocido también por el Museo de Arte Popular por su excelente desempeño en la enseñanza de sus talleres de joyería y ahora ganador del concurso de Bellas Artes Ciudadela Beca Toledo. Además es un hábil artífice, pues conoce a la perfección distintas técnicas tradicionales como el cantoneado, repujado, sochapado, plateado, filigrana, esmaltado, cera perdida, joyería de vidrio, grabado al acido, entre otras. Ha participado en distintos eventos, como el concurso de Plata Siglo XXI organizado por industrias Peñoles en el 2008 donde obtuvo el reconocimiento por estar en las veinte mejores propuestas de joyería a nivel nacional y un lugar para exponer sus piezas en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México. Pertenece a la Asociación Mexicana de Autores de Joyas y ha expuesto su trabajo junto a Ofelia Murrieta, Andrés Fonseca y otros destacados diseñadores y Artistas de la plata. También con el propósito de concientizar a través de la de la moda en joyería, concreto un lazo con una plataforma de moda ecológica, dando como fruto una pasarela con joyería de materiales reciclados, metales preciosos y semipreciosos, fibras orgánicas y plantas vivas en mayo del 2011. En 2012 su trabajo aparecer en un libro que promueve el Museo de Arte popular llamado entre Artistas y Artesanos transmitiendo a los artesanos su formación artística. Para Pineda Damián es importante la enseñanza de la cultura joyera y es por eso que este joven talento se aventuró a crear su propia escuela, misma que lleva su nombre y el complemento perfecto llamado “Artífices en Plata” manejándose con el lema concepto y diseño. Sus diseños son siempre innovadores con un toque artístico compuestos por materiales tan diversos como el cuero, piedras semipreciosas, maderas, fibras naturales, textiles, plata y oro puro. Pineda Damián, es la marca y sello de autenticidad que este joven Artista le imprime a cada una de sus creaciones. Hoy funge como Director de la Escuela de Joyería “Palta Laguna” del Tecnológico de Monterrey, ITESM Campus Laguna. Pineda Damián es diseñador de joyería y directivo de la escuela de joyería Plata Laguna del Tec de Monterrey Campus Laguna, colaborador con 5 revistas del sector joyero, cuenta con una tienda de joyería donde se promueve el trabajo de varios diseñadores de joyería de autor y joyería contemporánea además trabajo con diferentes artistas de la plástica Mexicana como Francisco Toledo y el Maestro Sergio Bustamante. Él considera que la joyería se logra con talento y con principios éticos y estéticos.

Los distintos diseños tipográficos que aparecen a lo largo de la historia de la tipografía son “hijos” de su propia época y están enmarcados en los gustos, modas y estilos artísticos del momento por lo que una buena manera de clasificarlos es haciendo referencia a esos periodos artísticos. Esta forma de clasificación está basada en la creada por el tipógrafo canadiense Robert Bringhurst, autor del libro The elements of Typographic Style de lectura obligada para todos aquellos interesados en la tipografía y que a nosotros es la que más nos convence, aunque existen otras como la Thibaudeau realizada en 1921 y que se basa en la forma de los remates para crear cuatro grupos o la de Maximilien Vox de 1954, que más tarde fue adoptada y complementada por la AtypI que merecen ser conocidas. Tipos Renacentistas Los tipos renacentistas abarcan un amplio espacio cronológico, que va desde los creados por los primeros impresores venecianos a mediados del siglo XV, hasta los desarrollados a partir de ellos por los punzonistas franceses del siglo XVI. En su evolución podemos apreciar dos estadíos claramente diferenciados. Por un lado tenemos los primeros modelos venecianos, cuyo máximo exponente es el tipo cortado en 1470 por Nicolas Jenson. Y por otro los tipos derivados del romano cortado en 1495 por Francesco Griffo para Aldo Manucio (utilizado por primera vez en la obra del Cardenal Pietro Bembo De aetna), un tipo algo más estrecho que el de Jenson y en el que las mayúsculas son un poco más bajas que los trazos ascendentes de las minúsculas y los remates están un poco más extendidos y estilizados. Este tipo de Griffo fue el que sirvió de modelo a los punzonistas franceses del XVI Antonie Augereau y Claude Garamond que son los que consolidada la apariencia que todos conocemos de un tipo renacentista. Tipos Barrocos En esta categoría englobamos principalmente a los tipos creados en los Países Bajos durante el siglo XVII y que tiene por protagonistas a los punzonistas Reinhard Voskens y Christoffel Van Dijck. Estos diseños presentan una ligera variación respecto a los franceses del siglo anterior Con seguridad están pensados para evitar que la tinta llenara las contraformas y los remantes resistieran bien la presión de las prensas. En general se trata de tipos más modelados que sus antecesores franceses en los cuales quedan menos rastro de la herramienta de escritura. El ojo medio elevado podemos decir que es una “característica nacional” de los tipos de los Países Bajos ya que podemos seguir observando su presencia en los tipos cortados en el siglo XVII por Johann Fleischman para la importante firma de los Enschedé. Tipos Neoclásicos Al amparo de los nuevos tiempos auspiciados por la Ilustración y la Enciclopedia, se procede a racionalizar y sistematizar los conocimientos de las ciencias y las artes que existían en la época. La tipografía no se queda atrás y desde la primera gran revisión de la romana, que supone la aparición en Francia del Romain de Roi, el primer diseño modular de la historia de la tipografía, pasando por los tipos condensados de Fleischman (de gran éxito en toda Europa) hasta los diseños de Baskerville en Inglaterra (aunque más basados en el modelo de letra caligráfica en boga entonces en su país), se abre un periodo en el diseño de tipos marcado por la eficacia, la regularización de las formas y, dentro de ella, la vuelta a las líneas clásicas. Tipos Románticos El desarrollo estilístico de los tipos romanos de imprenta para uso editorial (variación en la modulación, en el grosor de los trazos y la configuración de los remates, anchura y contraste), alcanza su máxima expresión entre finales del siglo XVIII y principios del XIX durante el romanticismo. Es el punzonista francés Firmin Didot el que abre el camino a estos tipos sobre todo con el que presenta en 1798 que se configura como la máxima expresión de su estilo y encuentra un excelente continuador en el italiano Gianbattista Bodoni quien nos muestra unas creaciones en las que destacan el dramatismo del contraste entre los trazos, la belleza formal de unos tipos que reclaman que fijemos nuestra atención en ellos. En definitiva el contraste dramático del periodo romántico en todo su esplendor. Tipos Industriales Se trata de los tipos aparecidos al amparo de la Revolución Industrial y sus nuevas necesidades de comunicación: carteles publicitarios, horarios de ferrocarriles, catálogos industriales, etc que hacen que la imprenta tenga que buscar nuevas formas de expresión que logren captar la atención del público y que las encuentre en diseños tipográficos que muestran la desnudez del trazo, sin apenas modulación y, excepto en los egipcios, ausencia de remates. Los podemos clasificar en cuatro apartados: Grotescos, Geométricos, Humanistas y Egipcios