Ecoutez! – 30 Werkgeschichten aus dem Aargauer Kunsthaus

Cuno Amiet (1868-1961), originario di Soletta, ritrae sua moglie Anna, incinta al momento della realizzazione del quadro Die Hoffnung (La speranza) (1901). La gioia dei futuri genitori viene distrutta, dopo una gravidanza trascorsa felicemente, dalla nascita di un bambino nato morto. Nel 1902 Amiet crea un’altra versione, ma mantiene la prima e amplia l’allegoria in un trittico con ali laterali. L'opera risale a un periodo in cui Amiet, sotto l'influenza di Ferdinand Hodler (1853–1918), si confronta intensamente con il simbolismo e l'Art Nouveau. L'impronta stilistica si riflette nel tema allegorico dell'immagine, nel tratto decorativo e nella rappresentazione piuttosto piatta e spiritualizzata della figura femminile.Per saperne di più sull'opera, consultare il nostro catalogo online.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Cuno Amiet (1868-1961), originaire de Soleure, réalise le portrait de son épouse Anna, qui est enceinte au moment de la création du tableau Die Hoffnung (L'Espérance) (1901). La joie des futurs parents est anéantie par la mort-né de l'enfant, après une grossesse qui s'était bien déroulée. Amiet réalise une autre version en 1902, mais conserve la première et développe l'allégorie en un triptyque avec des volets latéraux. L'œuvre s'inscrit dans une période où Amiet, sous l'influence de Ferdinand Hodler (1853–1918), s'intéresse de près au symbolisme et à l'Art nouveau. Cette empreinte stylistique se reflète dans le thème allégorique du tableau, le tracé décoratif des lignes et la représentation plutôt plane et spiritualisée de la figure féminine.Pour en savoir plus sur l'œuvre, consultez notre catalogue en ligne.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Der Solothurner Cuno Amiet (1868 – 1961) porträtiert seine Ehefrau Anna, die zur Entstehungszeit des Bildes Die Hoffnung (1901) schwanger ist. Die Freude der werdenden Eltern wird nach einer glücklich verlaufenden Schwangerschaft durch die Totgeburt zerstört. Amiet erschafft 1902 eine weitere Fassung, lässt aber die erste Version bestehen und erweitert die Allegorie zu einem Triptychon mit Seitenflügeln. Das Werk fällt in eine Zeit, in der sich Amiet unter dem Einfluss Ferdinand Hodlers (1853–1918) stark mit dem Symbolismus und Jugendstil auseinandersetzt. Die stilistische Prägung spiegelt sich im allegorischen Bildthema, der dekorativen Linienführung und der eher flächig gestalteten, vergeistigten Darstellung der Frauenfigur.Mehr zum Werk erfahren Sie in unserem Katalog Online.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Franz Gertsch (1930–2022) è noto soprattutto per i suoi dipinti fotorealistici, per lo più di grande formato, realizzati a partire dal 1969. Spesso utilizza come modello le proprie fotografie, come nel caso del dipinto Kranenburg (1970). Da sinistra a destra, il dipinto raffigura l'artista Markus Raetz, il direttore del museo Jean-Christophe Ammann, le mogli degli artisti Monika Raetz e Maria Gertsch, il gallerista Pablo Stähli, il fotografo Balthasar Burkhard e il pioniere del teatro olandese Ritsaert mentre si recano a un vernissage a Kranenburg. Il quadro è emblematico della scena artistica svizzera degli anni '70 in piena trasformazione. Per realizzare il dipinto, Gertsch proietta la fotografia sul supporto e dipinge l'immagine in modo meticoloso e diretto sulla tela con colori coprenti.Per saperne di più sull'opera, consultare il nostro catalogo online.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Franz Gertsch (1930-2022) est surtout connu pour ses peintures photoréalistes, généralement de grand format, réalisées à partir de 1969. Il s'inspire souvent de ses propres photographies, comme c'est le cas pour le tableau Kranenburg (1970). Celui-ci représente, de gauche à droite, l'artiste Markus Raetz, le directeur du musée Jean-Christophe Ammann, les épouses des artistes Monika Raetz et Maria Gertsch, le galeriste Pablo Stähli, le photographe Balthasar Burkhard et le pionnier du théâtre néerlandais Ritsaert, en route pour un vernissage à Kranenburg. Cette image est emblématique de l'émergence de la scène artistique suisse dans les années 1970. Pour réaliser ce tableau, Gertsch projette la photographie sur le support et peint l'image minutieusement et directement sur la toile avec une peinture opaque.Pour en savoir plus sur l'œuvre, consultez notre catalogue en ligne.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Franz Gertsch (1930–2022) ist vor allem bekannt für seine ab 1969 entstehenden fotorealistischen, meist grossformatigen Gemälde. Als Vorlage dienen ihm häufig eigene Fotografien – so auch für das Gemälde Kranenburg (1970). Dieses zeigt von links nach rechts den Künstler Markus Raetz, Museumsleiter Jean-Christophe Ammann, Künstlergattinnen Monika Raetz und Maria Gertsch, Galerist Pablo Stähli, Fotograf Balthasar Burkhard und den holländischen Theaterpionier Ritsaert auf dem Weg an eine Vernissage in Kranenburg. Das Bild steht geradezu sinnbildlich für die aufbrechende Schweizer Kunstszene der 1970er-Jahre. Für das Gemälde projiziert Gertsch die Fotografie auf den Bildträger und malt das Bild akribisch und direkt mit deckender Farbe auf die Leinwand.Mehr zum Werk erfahren Sie in unserem Katalog Online.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Il pittore zurighese Fritz Glarner (1899-1972) è uno dei più noti esponenti europei dell'arte geometrica astratta. Nel 1936 si trasferisce a New York, dove incontra l'olandese Piet Mondrian e altri seguaci del neoplasticismo. Questi ultimi puntano alla riduzione del linguaggio pittorico a linee orizzontali e verticali, ai colori primari rosso, giallo e blu, nonché ai non colori nero come motivo a griglia e bianco come sfondo dell'immagine. Glarner ne è influenzato. Tuttavia, come dimostra la sua opera “Relational Painting, Tondo 31” (1954), nei suoi quadri rompe la rigorosità della struttura, fa scontrare sempre più le superfici colorate e, ad esempio, scegliendo un supporto rotondo, ammette anche segmenti circolari.Per saperne di più sull'opera, consultare il nostro catalogo online.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Le peintre zurichois Fritz Glarner (1899-1972) compte parmi les représentants européens les plus renommés de l'art géométrique abstrait. En 1936, il s'installe à New York, où il rencontre notamment le Néerlandais Piet Mondrian et d'autres adeptes du néoplasticisme. Ceux-ci s'attachent à réduire le langage pictural à des lignes horizontales et verticales, aux couleurs primaires rouge, jaune et bleu, ainsi qu'aux non-couleurs noir comme motif en treillis et blanc comme fond. Glarner s'en inspire. Cependant, comme le montre son œuvre « Relational Painting, Tondo 31 » (1954), il rompt dans ses tableaux la rigueur de la structure, laisse les surfaces colorées s'entrechoquer de plus en plus et autorise également des segments circulaires, par exemple en choisissant un support rond.Pour en savoir plus sur l'œuvre, consultez notre catalogue en ligne.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Der Zürcher Maler Fritz Glarner (1899–1972) zählt zu den namhaften europäischen Exponenten der geometrisch-abstrakten Kunst. 1936 übersiedelt er nach New York, wo er mitunter auf den Niederländer Piet Mondrian und andere Anhänger des Neoplastizismus trifft. Diesen geht es um die Reduktion der Bildsprache auf horizontale und vertikale Linien; die Grundfarben Rot, Gelb und Blau, sowie die Nichtfarben Schwarz als Gittermuster und Weiss als Bildgrund. Glarner lässt sich davon beeinflussen. Wie sein Werk Relational Painting, Tondo 31 (1954) jedoch zeigt, bricht er in seinen Bildern die Strenge des Gerüsts auf, lässt die Farbflächen zunehmend aufeinanderprallen und lässt etwa durch die Wahl eines runden Bildträgers auch Kreissegmente zu.Mehr zum Werk erfahren Sie in unserem Katalog Online.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Hermann Scherer (1893–1927) è considerato uno dei più importantirappresentanti dell'espressionismo svizzero. Cresciuto nella Foresta Nera, compie un apprendistato come scalpellino e poi intraprende un viaggio di formazione, che lo porta anche in Svizzera. Intorno al 1923 strinse amicizia con il pittore espressionista Ernst Ludwig Kirchner, dal quale apprese i fondamenti della pittura e che visitò più volte a Davos. A Davos realizzò anche la scultura «Mutter» (Madre): tracce visibili dello scalpello si incidono nel legno e scolpiscono una figura femminile segnata dalla paura e dall'orrore, alla cui gamba si aggrappa un bambino in cerca di aiuto. La nudità delle figure sottolinea l'espressione di vulnerabilità e abbandono, sentimenti che traspaiono in molte delle opere in legno di Scherer.Per saperne di più sull'opera, consultare il nostro catalogo online.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Hermann Scherer (1893-1927) est considéré comme l'un des principauxreprésentants de l'expressionnisme suisse. Ayant grandi dans la Forêt-Noire, il suit une formation de tailleur de pierre, puis part en voyage, notamment en Suisse. Vers 1923, il se lie d'amitié avec le peintre expressionniste Ernst Ludwig Kirchner, qui lui enseigne les bases de la peinture et qu'il rend visite à plusieurs reprises à Davos. C'est là qu'il réalise la sculpture « Mutter » (Mère) : les traces visibles du ciseau creusent le bois et font apparaître une figure féminine marquée par la peur et l'horreur, à la jambe de laquelle s'accroche un enfant en quête d'aide. La nudité des personnages souligne l'expression de vulnérabilité et d'exposition – des sentiments qui transparaissent dans de nombreuses œuvres en bois de Scherer.Pour en savoir plus sur l'œuvre, consultez notre catalogue en ligne.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Hermann Scherer (1893–1927) gilt als einer der wichtigsten Vertreter des Schweizer Expressionismus. Im Schwarzwald aufgewachsen, macht er eine Lehre als Steinmetz und begibt sich anschliessend auf Wanderschaft – u.a. in die Schweiz. Um 1923 befreundet er sich mit dem expressionistischen Maler Ernst Ludwig Kirchner, von dem er die Grundlagen der Malerei erlernt und den er mehrfach in Davos besucht. In Davos schafft er denn auch die Skulptur "Mutter": Sichtbare Spuren des Meissels graben sich ins Holz und schälen eine von Angst und Entsetzen gezeichnete Frauengestalt heraus, an deren Bein sich ein hilfesuchendes Kind klammert. Die Nacktheit der Figuren unterstreicht den Ausdruck von Verletzlichkeit und Ausgesetzt-Sein – Gefühle, die in vielen von Scherers Holzarbeiten aufscheinen.Mehr zum Werk erfahren Sie in unserem Katalog Online.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

L'espressionista tedesco Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) si trasferì a Davos, in Svizzera, nel 1917. Tuttavia, l'opera in questione risale ancora al suo periodo berlinese. All'epoca realizzava principalmente scene notturne di strada che riflettevano l'atmosfera frenetica della metropoli moderna. Un contrappunto a queste opere sono i dipinti realizzati durante i suoi soggiorni estivi sull'isola tedesca di Fehmarn, nel Mar Baltico. Anche “Erna con ombrello giapponese” è stato realizzato durante una vacanza. L'opera raffigura la compagna di Kirchner, Erna Schilling, davanti a un ombrellone giapponese. Dominano i colori primari rosso, giallo e blu. Il colore verdastro del viso e la fisionomia simile a una maschera, che ricordano le cocotte delle scene di strada di Kirchner, hanno un effetto straniante. Il taglio di capelli severo e le linee curve conferiscono a Erna un aspetto giapponese, da cui il titolo “giapponese”.Per saperne di più sull'opera, consultare il nostro catalogo online.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

L'expressionniste allemand Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) s'installe à Davos, en Suisse, en 1917. Cependant, cette œuvre date encore de sa période berlinoise. À cette époque, il peint principalement des scènes de rue nocturnes qui reflètent l'atmosphère trépidante de la grande ville moderne. Les peintures réalisées lors de ses séjours estivaux sur l'île allemande de Fehmarn, dans la mer Baltique, constituent un contrepoint à ces œuvres. « Erna avec parasol japonais » a également été peint pendant les vacances. On y voit la compagne de Kirchner, Erna Schilling, devant un parasol japonais. Les couleurs primaires rouge, jaune et bleu dominent. La couleur verdâtre du visage et la physionomie masquée, qui rappellent les cocottes des scènes de rue de Kirchner, semblent étranges. La coupe au carré stricte et les lignes courbes donnent à Erna un aspect japonais, d'où le titre « Japonaise ».Pour en savoir plus sur l'œuvre, consultez notre catalogue en ligne.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Der deutsche Expressionist Ernst Ludwig Kirchner (1880 – 1938) zog 1917 ins schweizerische Davos. Das vorliegende Werk stammt jedoch noch aus seiner Berliner Zeit. Damals schuf er vorwiegend nächtliche Strassenszenen, die die hektische Atmosphäre der modernen Grossstadt widerspiegeln. Einen Gegenpol dazu bilden Gemälde seiner Sommeraufenthalte auf der deutschen Ostseeinsel Fehmarn. Auch «Erna mit Japanschirm» ist im Urlaub entstanden. Darauf ist Kirchners Partnerin Erna Schilling vor einem japanischen Sonnenschirm zu sehen. Die Grundfarben Rot, Gelb und Blau dominieren. Befremdlich wirkt die grünlich schimmernde Gesichtsfarbe und maskenhafte Physiognomie, die an die Kokotten von Kirchners Strassenszenen erinnern. Der strenge Pagenschnitt und die geschwungenen Linien verleihen Erna ein japanisches Aussehen – daher der Titelzusatz «Japanerin».Mehr zum Werk erfahren Sie in unserem Katalog Online.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

L'artista bernese Markus Raetz (1941-2020) ha creato ripetutamente i cosiddetti “paesaggi marini”, rappresentazioni di paesaggi marittimi. Ha sperimentato diversi materiali e tecniche. Per quest'opera, ha modellato una lastra di latta lucida per ottenere la sagoma di un binocolo. La superficie non verniciata e una piega orizzontale permettono alla luce di riflettersi, creando l'illusione del mare, del cielo e dell'orizzonte. L'impressione dell'opera cambia a seconda dell'incidenza della luce e dell'ambiente circostante. Anche il titolo “Zeemansblik” gioca con le ambiguità: da un lato, si riferisce allo sguardo di un marinaio e, dall'altro, alla parola olandese ‘blik’, che significa “lamiera” e sottolinea il materiale artistico.Per saperne di più sull'opera, consultare il nostro catalogo online.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

L'artiste bernois Markus Raetz (1941-2020) a toujours créé ce qu'il appelle des « Seestücke », des représentations de paysages maritimes. Il a expérimenté différents matériaux et techniques. Pour cette œuvre d'art, il a façonné de la tôle d'étain polie pour lui donner la forme d'une paire de jumelles. La surface non peinte et un pli horizontal permettent à la lumière de se refléter de manière à créer l'illusion de la mer, du ciel et de l'horizon. L'impression de l'œuvre change en fonction de l'incidence de la lumière et de l'environnement. Le titre « Zeemansblik » joue lui aussi sur l'ambiguïté : d'une part, il fait référence au regard d'un marin, d'autre part, il renvoie au mot néerlandais “blik”, qui signifie « tôle », et met en évidence le matériau artistique.Pour en savoir plus sur l'œuvre, consultez notre catalogue en ligne.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Der Berner Künstler Markus Raetz (1941–2020) schuf immer wieder sogenannte „Seestücke“, Darstellungen von maritimen Landschaften. Dabei experimentierte er mit verschiedenen Materialien und Techniken. Für dieses Kunstwerk formte er poliertes Zinnblech in die Umrissform eines Fernglases. Die unbemalte Oberfläche und ein horizontaler Falz lassen das Licht so reflektieren, dass die Illusion von Meer, Himmel und Horizont entsteht. Je nach Lichteinfall und Umgebung verändert sich der Eindruck des Werks. Auch der Titel „Zeemansblik“ spielt mit Mehrdeutigkeiten: zum einen verweist er auf den Blick eines Seemanns, zum anderen auf das niederländische Wort „blik“, was „Blech“ bedeutet, und das künstlerische Material hervorhebt.Mehr zum Werk erfahren Sie in unserem Katalog Online.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

L'artista zurighese Adrian Schiess (*1959) coltiva uno stile pittorico che viene spesso classificato come arte minimale. Le sue opere principali sono caratterizzate da superfici dipinte lisce e monocromatiche. Anche l'opera esposta all'Aargauer Kunsthaus è composta da 42 pannelli di truciolato dipinti industrialmente. Fino all'inizio degli anni Novanta, l'artista creava addirittura le superfici a mano, utilizzando una tecnica di pittura estremamente meticolosa. Il modo in cui le opere sono presentate è particolarmente importante. A volte sono appoggiate alla parete, altre volte sono collocate sul pavimento. L'architettura e la luce dell'ambiente circostante si riflettono sulle superfici e permettono di sperimentare la colorazione, apparentemente univoca, in diverse sfaccettature.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

L'artiste zurichois Adrian Schiess (*1959) cultive une peinture que l'on classe volontiers dans l'art minimal. Ses œuvres clés se caractérisent par des surfaces lisses et peintes en monochrome. C'est ainsi que l'œuvre exposée au Kunsthaus d'Argovie se compose de 42 panneaux de bois laqués industriellement. Jusqu'au début des années 1990, l'artiste a même réalisé les surfaces à la main en utilisant une méthode de peinture extrêmement minutieuse. La manière dont les œuvres sont présentées est particulièrement déterminante. Elles sont tantôt appuyées contre le mur, tantôt placées au sol. L'architecture et la lumière de l'environnement se reflètent sur les surfaces et permettent de découvrir les différentes facettes de la couleur prétendument univoque.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Der Zürcher Künstler Adrian Schiess (*1959) pflegt eine Malerei, die gerne der Minimal Art zugerechnet wird. Seine Schlüsselwerke zeichnen sich durch glatte und monochrom lackierte Flächen aus. So setzt sich auch das im Aargauer Kunsthaus befindliche Werk aus 42 industrielackierten Spannplatten zusammen. Bis Anfang der 1990er hat der Künstler die Oberflächen sogar von Hand mittels einer äusserst sorgfältigen Malweise erzeugt. Besonders entscheidend für die Werke ist die Art ihrer Präsentation. Mal werden sie an die Wand gelehnt, mal am Boden platziert. Die Architektur und das Licht der Umgebung spiegeln sich in den Flächen und lassen die vermeintlich eindeutige Farbigkeit in verschiedenen Facetten erleben.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

A posteriori, il pittore ginevrino Wolfgang-Adam Töpffer (1766-1847) può essere definito un precursore della pittura all'aria aperta e della Scuola di Barbizon. Il suo interesse per la rappresentazione naturale e realistica della semplice vita quotidiana è visibile nel suo dipinto di genere “Matrimonio nel villaggio”. Per questo, l'artista studiò in modo vivido la popolazione e il pittoresco villaggio nel suggestivo paesaggio della Savoia. Töpffer si allontana così in larga misura da una pittura idealizzata creata interamente in studio. In parte, tuttavia, l'allegra celebrazione costituisce anche una controfigura della realtà, in quanto le reali difficoltà che il Ducato di Savoia dovette subire all'epoca sotto il dominio straniero francese sono lasciate fuori dal quadro.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Le peintre genevois Wolfgang-Adam Töpffer (1766-1847) peut être considéré rétrospectivement comme un précurseur de la peinture en plein air et de l'école de Barbizon. Son intérêt pour la représentation réaliste et proche de la nature du quotidien simple se manifeste parfois dans son tableau de genre « Mariage au village ». Pour ce faire, l'artiste a étudié de manière approfondie la population et le village pittoresque dans le paysage évocateur de la Savoie. Töpffer se détourne ainsi en grande partie d'une peinture idéalisante, entièrement réalisée en atelier. Mais la fête joyeuse constitue aussi en partie une contre-image de la réalité, dans la mesure où la misère réelle que le duché de Savoie devait subir à l'époque sous la domination étrangère française n'est pas prise en compte.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Der Genfer Maler Wolfgang-Adam Töpffer (1766–1847) kann rückblickend als ein Vorläufer der Freilichtmalerei und der Schule von Barbizon bezeichnet werden. Sein Interesse an der naturnahen, realistischen Darstellung des einfachen Alltags zeigt sich mitunter in seinem Genrebild „Hochzeit auf dem Dorf“. Der Künstler hat hierfür die Bevölkerung und das pittoreske Dorf in der stimmungsvollen Landschaft von Savoyen eingängig studiert. Töpffer wendet sich damit weitgehend von einer idealisierenden, gänzlich im Atelier entsprungenen Malerei ab. In Teilen bildet das fröhliche Fest aber auch ein Gegenbild zur Wirklichkeit, indem die tatsächliche Not, die das Herzogtum Savoyen unter der französischen Fremdherrschaft zum damaligen Zeitpunkt erleiden musste , ausgeklammert bleibt.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Meret Oppenheim (1913-1985) è una delle figure centrali dell'arte svizzera del XX secolo per la sua opera versatile e originale. È giustamente associata al Surrealismo. Tuttavia, la sua opera va ben oltre. I suoi dipinti, le sue sculture, i suoi oggetti, i suoi disegni e le sue poesie testimoniano una volontà creativa che non si impegna in uno stile particolare o in criteri estetici formali. Il dipinto Montagne scure, nuvole giallo-rosse a destra, 1977-1979, riprende un tema classico della storia dell'arte. La montagna è immersa in colori saturi e ridotta a forme geometriche elementari. Tuttavia, la sua presenza rimane riconoscibile.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Meret Oppenheim (1913-1985) est l'une des figures centrales de l'art suisse du 20e siècle en raison de la diversité et de l'originalité de son œuvre. C'est à juste titre qu'on l'associe étroitement au surréalisme. Mais son œuvre va bien au-delà. Ses tableaux, sculptures, objets, dessins et poèmes témoignent d'une volonté de créer sans se cantonner à un style particulier ou à des critères d'esthétique formelle. Le tableau Montagnes sombres, à droite nuages jaunes et rouges, 1977-1979, reprend un thème classique de l'histoire de l'art. La montagne y est plongée dans des couleurs saturées et réduite à des formes géométriques de base. Elle reste cependant reconnaissable dans sa présence.Pour en savoir plus sur l'œuvre, consultez notre collection en ligne ou, nouveauté, écoutez-la en toute décontraction dans notre podcast "Ecoutez ! 30 histoires d'œuvres de l'Aargauer Kunsthaus".Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Meret Oppenheim (1913–1985) gehört aufgrund ihres vielseitigen und originären Werks zu den zentralen Figuren der Schweizer Kunst des 20. Jahrhunderts. Zu Recht wird sie eng mit dem Surrealismus in Verbindung gesetzt. Ihr Schaffen greift aber noch viel weiter. Ihre Bilder, Skulpturen, Objekte, Zeichnungen und Gedichte zeugen von einem schöpferischen Willen, ohne sich auf einen bestimmten Stil oder formalästhetische Kriterien festzulegen. Das Bild dunkle Berge, rechts gelb-rote Wolken, 1977–1979 greift ein klassisches Thema der Kunstgeschichte auf. Dabei wird der Berg in satte Farben getaucht und auf geometrische Grundformen reduziert. In seiner Präsenz bleibt er jedoch erkenntlich.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Silvia Bächli (*1956) est une dessinatrice suisse de renommée internationale. Ses dessins sont basés sur des observations quotidiennes et des sentiments subjectifs. À partir des années 1990, elle s'aventure de plus en plus dans le grand format, comme avec le travail poétique et ludique Floréal n° 9, qui fait partie d'une série dans laquelle des fleurs s'enroulent et s'enchevêtrent en filigrane, presque comme des danseurs. Les lignes noires ainsi que les nuances de gris des fleurs confèrent aux dessins un caractère sculptural et flottant. Avec ce dessin, Silvia Bächli ne reproduit pas un entrelacs de fleurs réellement étudié, elle exprime plutôt une conception générale, presque intime, du caractère floral.Pour en savoir plus sur l'œuvre, consultez notre collection en ligne ou, nouveauté, écoutez-la en toute décontraction dans notre podcast "Ecoutez ! 30 histoires d'œuvres de l'Aargauer Kunsthaus".Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Silvia Bächli (*1956) è un'illustratrice svizzera riconosciuta a livello internazionale. I suoi disegni si basano su osservazioni quotidiane e sentimenti soggettivi. A partire dagli anni Novanta si è cimentata sempre più spesso nel grande formato, come nell'opera poeticamente giocosa Floréal No. 9, che fa parte di una serie in cui i fiori si attorcigliano e si intrecciano in modo delicato, quasi danzante. Le linee nere e le tonalità di grigio dei fiori conferiscono ai disegni un carattere scultoreo e fluttuante. Con questo disegno, Silvia Bächli non raffigura una composizione floreale reale e studiata, ma esprime piuttosto un'idea generale e quasi intima del fiore.Per saperne di più sull'opera potete consultare la nostra collezione online, o ora potete anche ascoltarla nel nostro podcast "Ecoutez! 30 storie di lavoro dalla Aargauer Kunsthaus".Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Silvia Bächli (*1956) ist eine international beachtete Schweizer Zeichnerin. Alltäglich Beobachtetes sowie subjektiv Empfundenes sind der Ursprung ihrer Zeichnungen. Ab den 1990er Jahren wagt sie sich vermehrt ins Grossformat – so auch mit der poetisch verspielten Arbeit Floréal Nr. 9. Diese ist Teil einer Serie, in der sich Blumen filigran, fast tänzerisch winden und ineinander verstricken. Die schwarzen Linien, sowie die graustufigen Schattierungen der Blüten verleihen den Zeichnungen skulptural schwebenden Charakter. Silvia Bächli gibt mit dieser Zeichnung kein real studiertes Blumengeflecht wieder, vielmehr bringt sie eine allgemeine, fast intime Vorstellung des Blumenhaften zum Ausdruck.Mehr zum Werk erfahren Sie auf unserer Sammlung Online, oder neu auch zum entspannten Anhören in unserem Podcast "Ecoutez! 30 Werkgeschichten aus dem Aargauer Kunsthaus".Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Alice Bailly (1872-1938) è una figura importante del modernismo classico svizzero. Intorno al 1900/1910 si orientò verso un linguaggio formale cubista, cioè geometricamente frammentato. Anche l'opera "Le thé" risale a questo periodo. Mostra lo sforzo di Bailly di rappresentare sulla superficie sequenze di movimenti semplici e quotidiani. Sono riconoscibili una figura dai capelli neri e una dai capelli castani. Oltre ai colori vivaci giallo, blu, rosso e verde, predomina il bianco delle mani e delle tazze, che sono ripetutamente dipinte per rappresentare il movimento del bere il tè.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Alice Bailly (1872-1938) est une figure importante du modernisme classique suisse. Vers 1900/1910, elle se tourne vers le langage cubiste, c'est-à-dire vers des formes géométriques décomposées. L'œuvre "Le thé" date également de cette époque. Elle montre les efforts de Bailly pour représenter en surface des séquences de mouvements simples et quotidiennes. On y reconnaît un personnage aux cheveux noirs et un autre aux cheveux bruns. Outre les couleurs vives jaune, bleu, rouge et vert, le blanc des mains et des tasses, peintes à plusieurs reprises pour représenter le mouvement de la dégustation du thé, prédomine.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Alice Bailly (1872–1938) ist eine wichtige Position innerhalb der schweizerischen klassischen Moderne. Um 1900/1910 herum wendet sie sich der kubistischen, sprich geometrisch zergliederten Formensprache zu. In diese Zeit fällt auch das Werk "Le thé". Sie zeigt Baillys Bemühen, einfache, alltägliche Bewegungsabläufe in der Fläche darzustellen. Erkennbar sind eine schwarz- und eine braunhaarige Figur. Neben den leuchtenden Farben Gelb, Blau, Rot, Grün herrscht das Weiss der Hände und Tassen vor, die zur Darstellung der Bewegung beim Teetrinken wiederholt gemalt werden.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Albert Anker (1831-1910) è considerato uno dei più popolari pittori svizzeri del XIX secolo. Divenne noto per i suoi dipinti di genere rurale e tardo-romantico. Nel 1862 creò una serie di opere in cui affrontò il tema della morte, sia come teologo che come persona colpita personalmente da essa. L'artista entra così in contatto con la morte in giovane età, talvolta come padre addolorato che deve accompagnare due dei suoi figli alla morte. Il dipinto "Kinderbegräbnis" (Funerale dei bambini) rappresenta una composizione sensibile e dettagliata di una comunità in lutto. Il pittore fa riferimento alla "leggenda di Inser", secondo la quale una ragazza si sarebbe ferita con una spina e sarebbe morta per avvelenamento del sangue.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

Albert Anker (1831-1910) est considéré comme l'un des peintres suisses les plus populaires du 19e siècle. Il est connu pour ses représentations de genre de style rural et romantique tardif. En 1862, il crée une série d'œuvres dans lesquelles il se consacre au thème de la mort en tant que théologien, mais aussi en tant que personne personnellement concernée. L'artiste a ainsi été très tôt en contact avec la mort - parfois en tant que père endeuillé qui a dû accompagner deux de ses enfants dans la mort. Le tableau "Kinderbegräbnis" décrit une communauté en deuil sensible et richement détaillée. Le peintre se réfère à la "légende d'Ins", selon laquelle une fillette se serait blessée avec une épine et serait morte d'une septicémie.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Albert Anker (1831–1910) gilt als einer der populärsten Schweizer Maler des 19. Jahrhunderts. Bekannt wird er für seine ländlich geprägten, spätromantischen Genredarstellungen. 1862 schafft er eine Werkreihe, in der er sich als Theologe, aber auch als persönlich Betroffener dem Thema des Todes widmet. So kam der Künstler bereits früh mit dem Tod in Berührung – mitunter als trauernder Vater, der zwei seiner Kinder in den Tod begleiten musste. Das Gemälde "Kinderbegräbnis" schildert eine feinfühlige und detailreich komponierte Trauergemeinschaft. Dabei bezieht sich der Maler auf die "Inser Legende", laut der sich ein Mädchen an einem Dorn verletzt haben soll und in Folge an einer Blutvergiftung gestorben sei.Mehr zum Werk erfahren Sie auf unserer Sammlung Online, oder neu auch zum entspannten Anhören in unserem Podcast "Ecoutez! 30 Werkgeschichten aus dem Aargauer Kunsthaus".Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

La "Sera d'autunno" di Giovanni Giacometti (1868-1939) è la controparte autunnale del "Mattina d'estate". L'applicazione finemente tratteggiata della pittura mostra la fine della sua fase divisionista. I suoi dipinti di paesaggio testimoniano il suo forte attaccamento alla terra natale, alla selvaggia e romantica Val Bregaglia. A seconda dell'ora del giorno e della stagione, lo stesso paesaggio viene rappresentato come incantevole e morbido o come contornato e suggestivo.Voci: Marion Weik (Introduzione); Anna Sala (testo)

"Sera d'autunno" de Giovanni Giacometti (1868-1939) est le pendant automnal du paysage d'été "Mattina d'estate" (Matin d'été). L'application de la peinture en fines touches montre la fin de sa phase divisionniste. Ses paysages témoignent de son fort attachement à sa région natale - le Val Bregaglia au romantisme sauvage. Selon le moment de la journée et la saison, il décrit un seul et même paysage comme étant doux et agréable ou au contraire comme ayant des contours marqués.Les voix : Marion Weik (intro) ; Ash Goldeh (texte)

Giovanni Giacomettis (1868–1939) "Sera d'automne (Herbstabend)" ist das herbstliche Pendant zur Sommerlandschaft" Mattina d'estata (Sommermorgen)". Der fein gestrichelte Farbauftrag zeigt den Ausklang seiner divisionistischen Phase. Seine Landschaftsbilder zeugen von der starken Verbundenheit zu seiner Heimat – zum wildromantischen Val Bregaglia. Je nach Tages- und Jahreszeit schildert er ein und dieselbe Landschaft als lieblich-weich oder aber als konturiert-markant.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Le prime opere dell'artista argoviese Hugo Suter (1943 - 2013) sono entrate a far parte della collezione dell'Aargauer Kunsthaus nel 1966. Nel frattempo, sono presenti oltre 100 disegni, dipinti e oggetti. Una delle opere principali è l'installazione "Paravent". Si tratta di porte-finestre in legno dotate di vetri specchiati, incisi, dipinti e sabbiati. A volte opachi, a volte lisci, a volte nuvolosi, a volte trasparenti, vi si riflettono le mutevoli apparenze del lago di Hallwil.Voci: Marion Weik (introduzione); Anna Sala (testo)

Les premières œuvres de l'artiste argovien Hugo Suter (1943 - 2013) sont entrées dans la collection de l'Aargauer Kunsthaus en 1966. Entre-temps, il y a plus de 100 dessins, peintures et objets. L'installation "Paravent" compte parmi les œuvres principales. Celle-ci se compose de portes-fenêtres en bois sur lesquelles sont posées des fenêtres en verre réfléchissant, gravé, peint et sablé. Tantôt mates, tantôt lisses, tantôt troubles, tantôt claires, elles reflètent les apparences changeantes du lac de Hallwil.Voix: Marion Weik (introduction); Ash Goldeh (texte)

Die ersten Werke des Aargauer Künstlers Hugo Suter (1943 – 2013) fanden 1966 Eingang in die Sammlung des Aargauer Kunsthauses. Mittlerweile sind es über 100 Zeichnungen, Gemälde und Objekte. Zu den Hauptwerken zählt die Installation "Paravent". Diese besteht aus hölzernen Fenstertüren, die mit verspiegelten, geätzten, bemalten und sandgestrahlten Glasfenstern bestückt sind. Mal matt, mal glatt, mal trüb, mal klar spiegeln sich in ihnen die wechselnden Erscheinungen des Hallwilersees.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Il dipinto di Arnold Böcklin "Musa di Anacreonte" è una luminosa rappresentazione mitologica di mammelle epiche. Come musa della poesia tragica e lirica, è attribuita al poeta lirico greco Anacreonte (VI secolo a.C.), le cui canzoni d'amore e di bevute risuonano ancora nella poesia tedesca del XVIII secolo. Il dipinto entrò a far parte della collezione dell'Aargauer Kunsthaus nel 1873 e da allora fu una delle opere chiave del museo.Voci: Marion Weik (introduzione); Anna Sala (testo)

Le tableau d'Arnold Böcklin "Muse d'Anacréon" est une représentation mythologique lumineuse de pis de femme. Muse de la poésie tragique et lyrique, elle est attribuée au poète grec Anacréon (VIe siècle av. J.-C.), dont les chansons à boire et d'amour résonnent encore dans la poésie allemande du XVIIIe siècle. Le tableau entre dans la collection de l'Aargauer Kunsthaus en 1873 et compte dès lors parmi les œuvres clés du musée.Voix: Marion Weik (introduction); Ash Goldeh (texte)

Bei Arnold Böcklins Gemälde "Muse des Anakreon" handelt es sich um eine leuchtkräftige mythologische Darstellung von Euterpen. Als Muse der tragischen und lyrischen Dichtkunst wird sie dem griechischen Lyriker Anakreon (6. Jh. v. Chr.) zugeschrieben, dessen Trink- und Liebeslieder noch bis in die deutsche Lyrik des 18. Jahrhunderts nachhallen. Das Gemälde geht 1873 in die Sammlung des Aargauer Kunsthauses ein und zählt fortan zu den Schlüsselwerken des Museums.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Con l'opera "Am Sempachersee (Lebensfreude)", l'artista Robert Zünd (1827 - 1909) vince il concorso sul tema della "gioia di vivere" indetto dall'Aargauischer Kunstverein nel 1872. Zünd è un importante pittore di paesaggi svizzero del XIX secolo. Le sue opere si distinguono per la particolare vicinanza alla natura e per lo stile pittorico estremamente naturalistico e ricco di dettagli. Nei suoi dipinti di paesaggio, che mostrano per lo più sezioni dell'Altopiano centrale o delle Prealpi, la luce e l'ombra interagiscono in modo suggestivo. Voci: Marion Weik (introduzione); Anna Sala (testo)

Avec l'œuvre "Am Sempachersee (Lebensfreude)", l'artiste Robert Zünd (1827 - 1909) remporte le concours organisé en 1872 par l'Aargauischer Kunstverein sur le thème de la "joie de vivre". Zünd est un important peintre paysagiste suisse du 19e siècle. Ses œuvres se distinguent par une proximité particulière avec la nature, ainsi que par leur style pictural extrêmement naturaliste et riche en détails. Dans ses paysages, qui représentent généralement des fragments du Plateau ou des Préalpes, la lumière et l'ombre interagissent de manière évocatrice. Voix: Marion Weik (introduction); Ash Goldeh (texte)

Mit dem Werk "Am Sempachersee (Lebensfreude)" gewinnt der Künstler Robert Zünd (1827 – 1909) den 1872 vom Aargauischen Kunstverein ausgeschriebene Wettbewerb zum Thema "Lebensfreude". Zünd ist ein wichtiger Schweizer Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts. Seine Werke zeichnen sich durch eine besondere Naturnähe aus, sowie ihren äusserst naturalistischen, detailreichen Malstil. In den Landschaftsbildern, die meist Ausschnitte des Mittellands oder der Voralpen zeigen, treten Licht und Schatten in eine stimmungsvolle Wechselwirkung.  Mehr zum Werk erfahren Sie auf unserer Sammlung Online.Stimmen: Marion Weik (Intro); Laura Lienhard-Caltagirone (Text)

Hans Arp (1887-1966) a dit un jour : "Nous ne voulons pas imiter la nature. Nous voulons former, comme la plante forme son fruit, et non pas reproduire". La métamorphose est à cet égard un thème central dans l'œuvre d'Arp. La sculpture en plâtre colorée Erwachen illustre les efforts artistiques visant à rendre visibles les forces fluides - ou, comme le décrit l'artiste de manière imagée, à représenter "le processus naturel de densification, de durcissement, de coagulation, d'épaississement, de fusion".Voix: Marion Weik (introduction); Ash Goldeh (texte)

Hans Arp (1887-1966) ha detto: "Non vogliamo imitare la natura. Vogliamo formare, come la pianta forma il suo frutto, e non raffigurare". La metamorfosi è un tema centrale nell'opera di Arp. La scultura in gesso colorato Erwachen (Risveglio) mostra lo sforzo artistico di rendere visibili le forze che scorrono - o come lo descrive figurativamente l'artista - di raffigurare "il processo naturale di compressione, indurimento, coagulazione, addensamento, crescita insieme".Voci: Marion Weik (introduzione); Anna Sala (testo)