El Invernadero Horror Podcast

Arranca el 2026 y volvemos con más energía que nunca. En este episodio le dedicamos el espacio que se merece a Laura Casabe, una de las voces más originales y fascinantes del cine argentino contemporáneo.Vamos a analizar dos de sus películas más destacadas y a descubrir cómo, a pesar de transcurrir en escenarios que no podrían parecer más distintos —la selva misionera de principios del siglo XX y el conurbano bonaerense en el contexto de la crisis del 2001—, existe una serie de puentes invisibles que las unen: la opresión, la enajenante marginalidad, el folclore, las supersticiones y mucho más.

Llega Halloween y que mejor manera de festejarlo con el inigualable Rey del Terror: Stephen King.Esta vez nos adentramos en novela debut de lo que seria este aclamado escritor, una idea solida, profunda y penetrante en su simpleza : estos personajes caminan, hablan, reflexionan sobre decisiones vitales (incluyendo la titánica tarea de cumplir con su "deber patriótico" al inscribirse en este juego) y luego muerenSe convierte más en una historia sobre el poder sanador de la camaradería y la amistad, en contraposición a la locura (y la crueldad sistémica) de la juventud desperdiciada.

Seguimos con una buena racha de pelicuas que tienen tela para cortar. En este caso nos metemos con un impactante debut cinematrografico por parte de Michael Shanks. Es simultaneamente una excelente pelicula de bodyhorro con grandes efectos especiales y edición de sonido y una crítica mordaz a las relaciones modernas y la codependencia tóxica.PD: estamos probando distintos lugares de la nueva casa y esta vez parece que salio con un poco de Eco, sepan disculpar! :)

Zach Cregger sigue demostrando que es un director con una cabeza unica, capaz de idear escenarios que al vista nos parecen conocidos pero que esconden puntiagudos secretos. En este especial nos podemos a analizar sus dos grandes peliculas :Barbarian y Weapons para empezar a pintar el lienzo de lo que podemos denominar como su impronta : narrativas entrelazadas, multiples personajes, protagonistas humanamente falibles y la paranonia de lo urbano.Con puntos en comun pero con grandes diferencias a la vez, uno pude dislumbrar una evolucion en este gran director que nos hacen sentirnos deseosos de sus proximos proyectos.

Nada nos da mayor placer que volver a tocar una obra de Kiyoshi Kurosawa, amigo de la casa.Hay algo en el aire en las películas de Kiyoshi Kurosawa: tras más de cinco décadas de una carrera definida a partes iguales por la prolificidad y la idiosincrasia, el cineasta japonés ha cultivado un dominio de la atmósfera tan palpable que podría ser un género propio. Podríamos llamarlo el cine del contagio, en el que ecosistemas urbanos cuidadosamente equilibrados se ven trastocados por alguna fuerza física o psíquica invasora. No todas las películas de Kurosawa entran en esta categoría, pero las que sí lo hacen tienen una cualidad especial de entropía que se siente fiel a nuestro momento de ansiedad y perpetuo doomscrolling.

Seguimos en una buena racha, no se decir si es buena o mala con lo mal que lo pasamos pero en defintiva, increible pelicula de la dupla de greco-australianos que ya nos habian maravillado con Talk to Me.Esta vez cambian el tono a algo mucho mas lugubre, incisivamente malvado en todo su esplendor, la maldad sobrenatural y la humana en una exploracion sobre el duelo, la muerte y hasta que punto estamos dispuestos a llegar con tal de poder seguir estando con nuestros seres queridos.

Volvimos luego de mucho tiempo con ganas de recuperar el tiempo perdido, por suerte no dejamos tanto tiempo pasar como si lo hizo este tercer entrega de la saga Exterminio.En un mundo pos-COVID, 28 Years Later reflexiona sobre la conexión humana, las divisiones generacionales e incluso el concepto mismo de la ira, manifestada por el trauma de una superviviente. Sean todos bienvenidos a la 5ta temporada del Invernadero Horror Podcast.

Damos inicio a nuestra cuarta temporada con una de las mejores películas del año: la coreana "Exhuma". Como es habitual en el cine coreano, "Exhuma" trasciende las fronteras de un solo género. La trama se inicia de manera intrigante, presentando un misterio sobrenatural que envuelve a una acaudalada familia coreana residente en Los Ángeles. Convencidos de estar bajo una maldición, recurren a un reconocido chamán para investigar, desencadenando una serie de eventos que revelan oscuros secretos familiares. Nos encontramos ante un complejo entramado de subtramas meticulosamente entrelazadas que se irán desarrollando hasta alcanzar un clímax sobresaliente. "Exhuma" logra fusionar a la perfección el folclore con la modernidad, como dos caras de una misma moneda: una visible y otra oculta. La película se enriquece enormemente gracias a un elenco excepcional, que incluye tanto a actores legendarios como a talentos contemporáneos. Destacan especialmente las interpretaciones de Choi Min-sik como un geomante, Kim Go-eun en el papel de una chamana astuta e ingeniosa, y Lee Do-hyun como un talismán humano, evocando el espíritu de "Kwaidan". La narrativa en torno a la tumba y los horrores que desencadena resulta impredecible, entretejiendo eventos históricos con elementos esotéricos de una manera raramente vista en otras películas del género. Sean todos bienvenidos a la cuarta temporada del Invernadero Horror Podcast. ¡Los estábamos esperando!

Con una seductora cinematografía en blanco y negro, Rainer Sarnet captura vívidamente estas vidas variopintas mientras se esfuerzan por existir, pero debe preguntarse si la existencia vale algo si carece de alma. Una reinvención romántica del período posterior a la Gran Guerra del Norte proporciona su telón de fondo. Una época en la que Estonia cayó bajo el control burocrático de la nobleza alemana que hizo todo lo posible por reintroducir el feudalismo y la servidumbre mientras asimilaba la cultura local. Pero en November la superstición se superpone al mundo cotidiano. Sean todos bienvenidos al final de la temporada 3 del Invernadero Horror Podcast.

Dando los ultimos pasos de esta tercer temporada tenemos la grata oportunidad de hablar uno de nuestros directores favoritos : Yorgos Lanthimos.

Aviso importante : el audio salio con eco, espero sepan disculpar. Se nos metió un embichado mientras grababamos 🤗 Volvimos!! Para gastar los últimos cartuchos de esta tercera temporada, está vez explorando cine local con Cuando Acecha la Maldad de Demian Rugna. Es digno de elogio presenciar la dedicación pura de un director empeñado en hacer que te retuerzas de angustia. Acompañado de un talentoso director de fotografía, cada imagen de esta película parece meticulosamente diseñada para desencadenar la inevitable fatalidad. En medio de cada imagen cruel, se entreteje sutilmente un comentario social, revelando cómo el sistema respalda y protege a los poderosos mientras deja sin respuestas a los olvidados y marginados. Rugna aborda de manera impactante la cruda realidad de los problemas generados por los pesticidas entre los trabajadores marginados de las cosechas. Extrapolando esta problemática de manera hiperbólica, nos sumerge en la pesadilla que surgiría si esa maldad se desatara en esos rincones remotos, esos lugares donde "nunca llega nadie", aquellos incidentes que leemos en las noticias, pero que olvidamos al día siguiente en el frenesí de la vida citadina.

Volvemos al pais del sol naciente para explorar Kotoko, del cineasta de culto Shin'ya Tsukamoto. La película plantea muchas preguntas, no solo sobre cómo las personas con enfermedades mentales perciben el mundo, sino también sobre cómo las percibe la sociedad japonesa y cómo esto puede empeorar significativamente las cosas. Invita la audiencia a desarrollar una relación similar a la realidad como protagonista del metraje. Al principio, la distinción entre las personas reales y sus contrapartes malvadas parece simple, por lo que experimentamos la angustia del personaje al no poder ignorar las alucinaciones y enfocarnos en lo que es real. Kotoko nos muestra la enfermedad mental desde adentro, dividiendo a los espectadores entre la simpatía por la protagonista y un nerviosismo persistente ante la posibilidad siempre presente de que lo que vemos que ella y otros hacen puede ser real en lugar de una mera ilusión.

Luego de un breve receso estamos devuelta para hablar de uno de los estrenos mas comentados de este 2023 : la australiana Talk to Me. Gran parte de la película se basa en las realidades de la Internet moderna: si, por ejemplo, alguien comenzara a pasar la mano recortada y embalsamada de un médium y afirmara que podía comunicarse con los muertos tocándola, se convertiría instantáneamente en una tendencia viral. El maquillaje manchado de negro ahumado en los espectros aviva una ansiedad enloquecedora, mientras que el rostro de una cara hinchada y astillada provoca náuseas de la mejor manera. Estos componentes, junto con el trabajo de sonido en el que los gritos se apilan sobre los gritos, mas la una interpretacion fisicamente exigente y emocionalmente agotadora de Wilde, hace de esta pelicula una obra que sabe darle una frescura original a tropos ya transitados en tematicas similares.

La película no es fácil de categorizar; no solo es enigmática, sino que está bellamente filmada con imágenes profundamente poéticas. Refleja el miedo a lo desconocido, experimentado por un chico en la cúspide de la adolescencia. “Evolución” es un cuento de hadas de pesadilla sobre la infancia, la pubertad, la alienación, el abuso de los roles de género y la reproducción sexual. Eso es bastante evidente, pero el enfoque de "mostrar, no decir" del cineasta exige algo de paciencia, una mentalidad contemplativa y un estómago fuerte para absorber las imágenes inquietantes.

Por fin pudimos completar una entrada en cada uno de los continentes del planeta tierra, algo que queríamos hacer desde el principio del podcast y si bien el a;o pasado vimos (y disfrutamos) del a senegalesa Saloum, lamentablemente no pudimos grabar nuestra tercera temporada por cuestiones de agenda. Gaia es una pelicula sudafricana del 2021 que captura muy bien el eco horror y la dualidad de la naturaleza, bella y cruel, aunque sean características antropomórficas que le asignamos a una serie de sistemas interconectados que no tienen razón y por ende ningún tipo de brújula moral.  Al mismo tiempo, Gaia explora de manera muy interesante la espada de Damocles que pende sobre el dogmatismo (religioso y no) y como en nuestra actualidad buscamos símbolos y deidades en lugares como la tecnología o la naturaleza. Gaia se basa en gran medida en la narración visual para transmitir profundidad y sentimiento. Hay una cualidad casi abstracta en la narrativa a medida que revela lentamente los secretos del bosque

Como es característico del estilo de dirección de Kurosawa, el misterio de “Retribution” no se resuelve solo, sino que se vuelve más surrealista y psicológicamente complejo a medida que avanza. El mensaje de Kurosawa se dilucida cuando la película llega a su clímax: a veces, los fantasmas más aterradores acechan el futuro de un individuo en lugar de su pasado, y cuando ocurren estas premoniciones, el peso de la propia mente hace que la vida sea insoportable. Al igual que sus otras películas "Cure" y "Séance", Kurosawa avanza en la narrativa de "Retribution" al mostrar las vidas de múltiples personas con problemas de una manera similar a un estudio de personajes. La película sigue a Yoshioka mientras interactúa con varias personas que están obsesionadas por una mujer espectral con un vestido rojo. Sin embargo, lo paranormal no se manifiesta como una interrupción del pasado; en cambio, los fantasmas representan una ansiedad sobre lo que vendrá en el futuro personal y respectivo de aquellos que están embrujados.

Luego de una pequeña pausa volvemos para explorar la ultima temporada de Black Mirror, centrandonos principalmente en los capitulos que mas se prestan a ser discutidos en el Invernadero : Loch Henry & Beyond the Sea.

Acompañenos en este episodio a explorar lo  que desde nuestra humilde morada consideramos el mejor slasher."Dream Home" utiliza la crisis de la vivienda como telón de fondo para examinar temas de desigualdad social, presiones económicas y hasta que punto pueden llegar las personas para lograr sus sueños, tomando acciones extremas que pueden surgir de una sensación de desesperanza y frustración.Los ataques de Lai-sheung son tan largos y agotadores como brutales. Y con cada nueva víctima, su tensión física alcanza su agotamiento mental.La compasión no es fácil en una película no lineal y retorcida , sin embargo, por cada vida que lleva Lai-sheung, se revela un poco más de su interioridad. Los tonos comienzan a chocar a medida que los espectadores se mueven entre el pasado y el presente  tensionando los cables de nuestra brujula moral y empatica para ver hasta que punto somos capaces de comprender y empatizar con un personaje asi

Cambiamos de medio pero no de género para desentrañar la icónica Uzumaki, del maestro del terror Junji Ito. Un concepto que papel se reduce automáticamente al absurdo como lo puede ser que la forma de la espiral está progresivamente deformando toda la realidad de un peque;o pueblo, es llevado al extremo producto del imaginario del mangaka y de su incomparable talento para dibujar la imposibilidad : aquellas cosas que no deberían poder hacer, el lo hace posible Claramente inspirado en el cosmicismo de Lovecraft vemos varios de los elementos recurrentes en las obras de este ultimo como la presencia de una entidad o una fuerza de otro mundo que desafía la explicación racional y atrapa a la gente del pueblo en sus garras. Las espirales y sus manifestaciones evocan una sensación de pavor cósmico, enfatizando la insignificancia y la impotencia de la humanidad. Adicionalmente, se vislumbra con el correr de los capítulos como el mero conocimiento de lo que está ocurriendo , el intentar conocer esta cosa aparentemente oculta e incomprensible los vuelve cada vez más obsesivos volviéndose locos, prácticamente. Al mismo tiempo que vemos un creciente sentimiento de inevitabilidad y de convergencia hacia un solo posible desenlace (uno que no parece ser particularmente bueno). Sean todos bienvenidos a esta espiral descendente hacia la locura mas extrema, espero que podamos salir cuerdos luego de este episodio.

En el episodio de hoy nos trasladamos a Australia para analizar una pelicula que ya ha adquirido la categoría de culto. Joel Anderson utiliza a la perfección las convenciones del documental para crear una obra que por momentos es prácticamente indistinguible de la realidad, uno se termina creyendo que está viendo relatos reales de una familia que luego de experimentar la tremenda pérdida de una hija y hermana comienzan a sentir y a percibir sucesos paranormales. Esconde varias trampas y giros narrativos dentro de su historia que van recontextualizando lo que previamente creíamos como la verdad, enfatizando el hecho que a veces las apariencias engañan y que lo que por más que hayan risas y caras felices en la superficie, tal como en la profundidad de un lago, puede esconderse algo mucho más siniestro, triste y complejo. Lago Mungo explora la necesidad humana de cierre y los extremos a los que puede llegar la gente para descubrir la verdad , pudiendo forzar cualquier tipo de plausibilidad a que tome carácter de verdad como una herramienta de supervivencia que tenemos codificada dentro nuestro. A medida que los Palmer profundizan en la vida de Alice y los misteriosos eventos que rodearon su muerte, se obsesionan cada vez más con encontrar respuestas. La película sugiere que la búsqueda de la verdad y el cierre puede ser difícil de alcanzar y que, a veces, la aceptación y el dejar ir son necesarios para la curación.

En este episodio nos movemos al territorio escandinavo para analizar Koko Di Koko Da.El título de la película proviene de una canción infantil y hace referencia al sonido de una caja de música, un elemento central en el film, una representación de la naturaleza cíclica del trauma y el duelo. La película explora temas de pérdida, duelo y las formas en que tratamos de escapar o sobrellevar nuestro dolor. El drama deviene en un horror del que no parece haber escapatoria, que con cada repetición acrecienta más y más el núcleo del relato: la impotencia. Nyholm moldea los recursos del cine de terror para elaborar una metáfora de la pasividad, de aquella prisión en la que se convierte la mente cuando no consigue procesar la pérdida de un ser querido. 

Volvimos!! Luego de un breve receso de 2 semanas, donde recargamos pilas , volvimos a poner el pie en territorio surcoreano, uno que nos ha dado muchas alegrías para explorar la reverenciada obra de Na Hong-jin. The Wailing logra no solo ser una excelente pelicula de genero (aunque al tratarse de una producción coreana, mezcla con total proeza el policial, el drama familiar, una pelicula de posesión y hasta le da tiempo para darnos unas pinceladas de zombies) sino que dentro de sus capas más profundas esconde una profunda reflexión acerca de nuestro sistema de creencias y como nos valemos de estas para intentar darle sentido a aquel caos que surge de la azarosidad de la vida, donde muchas veces las desgracias no parecen (ni tienen) una razón aparente para existir. En general, la película explora el poder y la influencia de las creencias religiosas en la sociedad, destacando el potencial tanto para el bien como para el mal. También puede interpretarse como un comentario sobre la impotencia y el miedo que sentimos ante la muerte y la incertidumbre. A lo largo de la película, los personajes se enfrentan al misterio de los asesinatos y al mal sobrenatural que parece estar obrando en su comunidad. Son impotentes para detener los asesinatos, y su miedo e incertidumbre crecen a medida que aumenta el número de muertos. Edit: el audio salio con un poco de eco, sepan disculpar :)

Pongase un impermeable y un paraguas para evitar llenar de sangre al explorar la nueva entrada del universo Evil Dead. Lee Cronin reconfigura la formula ya conocida del franquiicia, primero y principal quita la caracteristica ambientacion de una cabaña en el bosque, trasladandose a la gran ciudad, donde sigue a una familia atormentada por Deadites. A partir de esta configuracion puede ya explorar los temas que hemos visto en su debut Hole in the Ground: el terror de lo domestico, que aquel victimario quien ejerce la violencia no sea solo alguien que conoces, sino alguien que amas profundamente. La diferencia principal entre ambas peliculas es que en su debut este era un changelling haciendose pasar por un hijo y aca es una madre de 3 convertirta en un sadistico demonio. Parrafo aparte para la interpretacion de Alyssa Sutherland como Ellie, ella ES la pelicula, una vez que se convierte en un no-muerto poseído por un demonio, Sutherland se metamorfosea en una criatura grotesca que infunde miedo en nuestros corazones pero aún es lo suficientemente humana como para ser inquietantemente reconocible. Juegos mentales estan a la hora del dia , a la vez que cualquier blasfemia o vulgaridad dirigida a su familia con el solo fin de infundir el mas profundo terror mientras intentan desesperadamente escapar de ese decriptio complejo departamental convertido momentanemante en una especie de portal infernal.

Después de tanto tiempo, volvemos a nuestra segunda casa, el cine asiatico, en este episodio nos vamos a adentrar al tortuoso infierno del Terror Blanco, aquel periodo que sufrió la población de Taiwán teniendo que padecer por más de 40 años la más profunda represión, censura y todo acto atroz que es capaz de llevar a cabo un estado autoritario. Detention es una pelicula estrenada en el 2019 que adapta un juego del mismo nombre que tomó dicho periodo para mostrar dos realidades igualmente terroríficas, un mundo pesadillesco que hará recordar a más de uno a Silent Hill y la cruenta realidad de lo que es vivir en completa paranoia dentro de un régimen militarizado. Como suele ocurrir, sin importar lo detallado y hasta original que pueden ser las monstruosas creaciones que como dije previamente nos recuerdan a Silent Hill o hasta Fatal Frame, no pueden compararse con los elementos de horror genuinamente aterradores, aquellos que provienen de la humanidad misma: los terrores forjados por el odio, el miedo y la opresión

Nos amarramos fuerte los borcegos para evitar salpicarse (demasiado) a la hora de taclear el pedazo de obra que es Manticora. Carlos Vermut en su afán provocador pero precioso como reloj suizo , se mete de lleno con uno de los tabúes más profundos de nuestra sociedad y con ello pretende generar una discusión acerca de la comunión entre los deseos, los impulsos y la realidad. Hay una reflexión constante en la película acerca de la vinculación existente entre ficción y vida, ya sea a través de los videojuegos, la pintura, el cine o la propia imaginación, es decir, entre lo que deseamos y lo que realmente hacemos. Vermut utiliza el oscurísimo secreto de Julian como una hipérbole de las sombras junguianas que tenemos y la tortuosa tarea de luchar contra nuestras bestias internas con el fin de mantenerlas controladas frente a una sociedad donde cada vez es más complicado presentar ninguna debilidad o flaqueza.

En este episodio nos volvemos a reencontrar con las brujas y los aquelarres, nos toca explorar un remake hecho y derecho, o como le gusta decir a Luca Guadagnino, un cover de la Suspiria original. Es de lo más interesante lo que logra Luca en esta pelicula, invierte constantemente todo lo que sabíamos de la original, desde el punto de vista estilístico con la paleta de colores hasta la caracterización de sus personajes e inclusive del final mismo. Pero al hacer esto logra crear un producto con valor propio, una interesantísima exploración acerca de la ambición, la maternidad, los conflictos de poder, la psicología y la culpa. Acompáñenos a este viaje de delirio y autodescubrimiento que aborda temas serios con gran ironía e inteligencia. Explora las partes más profundas del alma de una persona y saca lo peor. Se trata de descubrir quién eres cuando te sacan del grupo y tienes que asumir la responsabilidad de las elecciones que haces. Se trata de aceptar las partes más feas de ti mismo, incluso si eso significa estar solo. Plantea preguntas sobre el bien y el mal e incluso cuestiona nuestras percepciones de la memoria y la realidad.

En este episodio vamos a estar explorando el debut en largometraje de una dupla que admiramos profundamente: Justin Benson y Aaron Moorhead , dos alquimistas de lo finito, pudiendo maximizar sus presupuestos acotados sin que esto afecte en lo mas minimo tanto la calidad tecnica como narrativa. Con Spring no solo logran mezclar exitosamente algunos generos que podrian parecer antagonicos como lo son el romance con el terror o la ciencia ficcion, sino que en el transcurso de dicho brebaje plantean preguntas filosoficas y hasta existenciales como el amor o la eternidad a la par que van introduciendo elementos de body horror increiblemente realizados. Abrochense los cinturones para adentrarse junto con nosotros al mundo presentado en Spring, donde la belleza y lo grotesco confuyen ininterrumpidamente.

En este capitulo revisitamos una de los filmes ue marcaron los comienzos de este proyecto, cuando todavia no era nada mas que una lista de excel hecha por dos amigos amantes del genero que se juntaban todas las semanas para mirar peliculas de todos los lados del mundo, puntuandolas con nuestros criterios mega arbritrarios. A Dark Song difumina las líneas entre lo sobrenatural con lo real, la magia negra con la religión. Gavin usa los adornos profundamente atmosféricos de un ritual místico "real" para profundizar más y más en una emoción humana indescriptible, para retratar sin palabras viscerales algunas de las formas en que se puede sentir el dolor, cómo puede encarcelar, aislar e inmolar a una persona. 

Ale y Jesu se quitan los diales y la tecnologia ucronica de Brandon Cronenmberg para entrar de lleno al mundo fabulesco de fantasia folclorica que se nos presenta en la Macedonia del Siglo XIX. Goran Stolevski crea una exploración acerca de lo qué significa y simboliza la humanidad, el ciclo de la vida y la muerte, el miedo, la alegría y todo lo que hay en el medio. Durante nuestra charla denotamos como esta es una pelicula profundamente humana que se convierte en una meditación sobre la identidad, la empatia y el género. Dentro de sus fronteras místicas, la ternura y el salvajismo caminan juntos, donde una palma extendida en amistad puede ocultar la garra de una bruja. Espero que esten todos y todas preparados para que exploremos en conjunto esta excelente opera prima.

Las puertas de la tercera temporada se han abierto de par en par y nos reencontramos luego de un largo receso con nuestro género favorito, en este caso analizando dos grandes obras de Brandon Cronenberg, un director que esta afilando su ojo y su tecnica con cada sagaz pelicula que realiza no necesitan recaer en el nombre de su padre para demostrar su talento. Ambas peliculas exploran temas centrales a nuestra condición humana tratando de abordar problemáticas ancestrales como el concepto del ser o la identidad. Possessor nos invita a reflexionar sobre la fabricación de impulsos y como a veces realmente las cosas que nos gustan,no nos gustan particularmente por nuestra propia voluntad sino que es posible que existan mecanismos que están moviendo diales en nuestro cerebro para hacernos creer que esos gustos o ideas son orgánicos y propios de cada uno. Hasta qué punto nuestras ideas y por consiguiente la "forma" que uno tiene de su propia personalidad o identidad es realmente propia ? En Infinity Pool las cosas son un poco más claras, no existe tanta ambigüedad deliberada como en Possesso dado que el mensaje que deja el director es más claro. Su aguda crítica a cómo la alta sociedad, con su riqueza , poder y consecuente impunidad, puede vestirse de barbarie quitándose sus máscaras que llevan en su dia a dia para mostrarse como realmente son, no teniendo problema luego en volverse las a poner, casi como sociópatas funcionales, dejando carcomidos a todos aquellos que no pertenecen a su "estirpe" Bienvenidos y Bienvenidas al Invernadero Horror Podcast: Temporada Tres, los estamos esperando!!!

Ale y Jesu dan por concluida su segunda temporada con este especial donde repasan y votan lo mejor que nos dio el genero en el 2021. Ponderan sus elecciones para premiar cosas como mejor debut cinematografico, serie, actuacion, diseño de criatura y por su puesto, la pelicula del año.  En este especial tambien fuimos compartiendo las respuestas de ustedes que fueron plasmadas en el formulario que presentamos asi que va a ser muy interesante que vean el contraste entre nuestras elegidas y las suyas. Esperamos que ustedes, nuestros invernademons, hayan disfrutado de esta segunda temporada al igual que nosotros y vamos a volver con la proxima muy pronto.

Pelicula: The Feast (2021). Ale y Jesu hacen su última parada antes del especial de fin de año llegando al desconocido territorio gales para hablar de Gwledd o The Feast. La ópera prima de Lee Haven Jones, es una combustión lenta de tormento psicológico que termina en un crescendo de sangrienta venganza. La película de terror folclórico en galés se construye lentamente hacia un crescendo triunfal de caos y derramamiento de sangre alegre. El sonido melodioso y gutural del idioma galés es tan extraño y hermoso como el entorno idílico. La escena inicial por sí sola transmite un mensaje de que será una pesadilla moral mordaz. Un taladro gime y grita mientras vacía la Tierra de su sangre vital. Un cuerpo sangrante que se tambalea nos recuerda que no somos la fuerza más poderosa, no importa lo que pensemos. Ese es solo uno de los muchos mensajes en la película de Jones que logra ser reflexivo, sin pretensiones y horripilante. The Feast  castiga con su violencia y recompensa con su justicia. The Feast no es una película sutil. Golpea profundo y con gusto el corazón de la codicia y el desprecio. La majestuosidad de la campiña galesa te induce a una falsa sensación de paz antes de que el brutal y sangriento acto final no deja piedra sin remover ni ningún hombre en pie.

Pelicula: The Innocents (2021). Ale y Jesu vuelve a las tierras escandinavas para explorar una pelicula que estuvo cosechando elogios y buenas criticas en los festivales. The Innocents combina con éxito tres elementos: un concepto fuerte y original destilado a través de un guion inteligente; excelentes actuaciones de jóvenes; y una puesta en escena que coloca al público en la visión circular de la niñez , diminuto por la naturaleza de la infancia misma, en el que las áreas más pequeñas son insondablemente grandes, y también por las circunstancias en una urbanización autónoma. Este es el marco para explorar una temática explorada en películas como Goodnight Mommy, The Lodge o ¿Quien puede matar a un Niño?.  Es acaso la niñez una demostración pura de la esencia humana cuando esta despojada de una construcción social y cultural? La moralidad, en un término simple, es un proceso de toma de decisiones sobre lo que está bien y lo que está mal y el desarrollo moral es algo que esta íntimamente relacionado con nuestro crecimiento conforme dejamos de recibir dogmas de las figuras de autoridad y empezamos a implementar una moralidad autónoma donde podemos discernir las reacciones causa-consecuencia de nuestros actos. Pero los personajes de esta pelicula todavía no se encuentran en este momento y es por eso que cuando se ven actos de maldad y crueldad en la misma genera en la audiencia una dicotomía muy interesante. En primer instancia Vogt logra un realismo y una naturalidad en su pelicula que tiene como resultado un rechazo inicial ante muchas de los actos que desarrollan los niños que parecían ser primeros indicadores de psicópatas en potencia pero conforme avanza la pelicula empezamos a ver que algunos de estos niños empiezan a tomar dimensión de la progresiva oscuridad que esta bañando sus actitudes y acciones mientras que otros solo pueden devolver dolor y abuso con mas abuso solo que este potenciado por el elemento sobrenatural de la trama. Este desconcierto queda enfatizado con un gran uso de cámara y la cinematografía que, aunque numerosas escenas tienen lugar al aire libre en el patio de recreo, se siente bastante claustrofóbico gracias a la yuxtaposición de las tomas amplias del bosque que rodea el complejo de apartamentos con primeros planos constantes para enfatizar lo grande que es el mundo y lo poco que le importa. sobre lo que les está pasando a nuestros personajes.

Pelicula: The Sadness (2021). Ale y Jesu se ponen calzan el impermeable y el paraguas para adentrarse al delirio perverso y macabro que plantea el director debutante Rob Jabbaz en este Taiwan alternativo. La experiencia de ver esta pelicula en al pantalla grande durante el festival Rojo Sangre sin lugar a dudas fue algo único. The Sadness captura un colapso social a través de lo peor de la humanidad. No son solo las atrocidades salpicadas de sangre cometidas las que sirven de advertencia, sino la velocidad a la que todo sucede. La película debe ser elogiada por este enfoque exclusivamente aterrador y totalmente comprometido: cada mordisco, puñalada y tajada deja una impresión tangible en la piel, la vulgar amenaza de desmembramiento genital de cada zombi sorprendentemente sensible se corta como una afrenta personal. Con giros violentos tan gráficos e inequívocos, cada uno escalando la desviación del anterior, The Sadness transmite su coreografía enfermiza directamente al cuerpo del espectador, jadeando de horror, con las manos sobre la boca, descubriendo en uno, paradójicamente, una sonrisa engrampada desde el comienzo del metraje hasta los créditos finales.

Películas: Mad God (2021), Los Huesos (2021) & La Casa Lobo (2018). Ale y Jesu se sumergen en el mundo artesanal del stop motion para explorar tres historias donde el talento, la pasión y la técnica son los personajes principales. Mad God es una visión extrema de la locura y lo macabro, ya que es un logro artístico no solo para empujar los límites. Gigantes cautivos, encapuchados y conectados a máquinas que los electrocutan repetidamente, cagan libremente en embudos que desembocan en la boca de una vasta entidad subterránea. Los trolls enmascarados sueltan casualmente una carga mientras se golpean entre sí con palas. Todo tipo de rarezas deformadas y tambaleantes vomitan, cagan y excretan sin siquiera una pausa para respirar a lo largo de la obra maestra en stop-motion de Tippett, una película que comienza con un acto de destrucción divina arbitraria y termina con una hazaña alquímica igualmente extraña y mareada. de la creación. En contraposición a la maestría con la miniatura de Phil Tippet, la dupla chilena de Joaquín Cociña y Cristóbal León se caracteriza por trabajar el stop-motion completamente escala y esto queda muy evidente tanto en su corto de Los Huesos pero en especial en su largometraje La Casa Lobo. Dos historias muy ricas en subtexto que tocan temas muy importantes de la historia y contexto de chile pero igualmente universales pudiendo ser aplicables a cualquier región o época. La Casa Lobo parece ser el experimento macabro de un dúo de Alquimistas que pueden manipular la materia a su antojo y es por eso que puede sentirse repugnante en algunos puntos, principalmente debido a las constante transformación  y deformación de los avatares que son María, Pedro y Ana. Sus formas corporales emergen toscamente moldeadas de arcilla, rezuman en las paredes y ventanas como figuras pintadas, se hinchan y se desarticulan como papel maché, cosidas y vestidas con fieltro y felpa. Timestamps: (00:00) Intro stop motion (09:00) Mad God (30:00) La Casa Lobo

Películas: Last Night in Soho (2021) y Post Mortem (2021). Ale y Jesu regresan luego de un pequeño break con una doble función de estrenos del año que a simple vista parecen no tener nada que ver pero existen mas de un elemento recurrente.   El primer destino es Inglaterra donde van a viajar a la Londres de los Swinging Sixties con la última pelicula de Edgar Wright, una que desborda de estilo con una paleta de colores vivida y un soundtrack descomunal.  El diseño de producción junto con atenta dirección de Wright crean un Londres de los 60 que encandila con sus luces de neón al ritmo del baile para agarrarte desprevenido y mostrar el verdadero Soho durante su apogeo, un lugar donde los hombres trataban a las mujeres como si fueran carne en la losa, y las mujeres eran masticadas y luego olvidadas.   La maquinaria de los sueños cumplidos que era Londres únicamente podía subsistir a costa de vidas destruidas y olvidadas. Last Night in Soho se siente como una declaración personal sobre amar lo que el pasado tiene para ofrecer y al mismo tiempo comprender que es mucho más complicado de lo que nuestra retrospección idílica puede plantear en un principio, tal como paso con Eloise existe la posibilidad de quedarnos encantados con el pasado y que este nos atrape imposibilitando poder disfrutar el presente y proyectarse hacia un futuro. Aprovechando que estábamos con una temática relacionado al pasado volvemos mucho mas en el tiempo hasta 1918 con la culminación de la Gran Guerra con Post Mortem, pelicula elegida por Hungria para representar al paisa como mejor pelicula extranjera.  La película funciona bastante bien por varios motivos. El primero es la autenticidad que destila: La puesta en escena del pueblo húngaro, los actores, efectivos pero poco conocidos para nosotros y sobre todo la representación del trabajo del protagonista como fotógrafo post-mortem , que implica una manipulación permanente de cadáveres, todo ello combinado, le da una gran sensación de veracidad a la situación, a la presencia cotidiana, pero no por ello menos inquietante, de la muerte en el pequeño poblado, a diferencia de cualquier pelicula de fantasmas, en este momento particular la muerte se encontraba en cada rincón desde los soldados caídos en la guerra, pasando por la hambruna y culminando con la Gripe Española.  Lo mas interesante que plantea la pelicula es la investigación paranormal al mejor estilo de Conjuring pero acotado al contexto histórico y la consecuente tecnológica analógica:  afrontan la amenaza fantasmal que tiene aterrados a todos los habitantes del pueblo, utilizando  fonografías, fotografía estenopeica, estratagemas para captar la presencia de fantasmas (cuerdas, campanas, harina en el suelo, restos de antorchas, placa fotográfica, etc).   Timestamps:   (00:00) Last Night in Soho    (41:15) Post Mortem

Pelicula: Lamb (2021). Ale y Jesu continuan por las tierras norteñas de Europa para hablar sobre otra película que ha sido seleccionada para representar a su país en los Oscars, sin dudas el género de terror y lo fantastico nunca estuvo tan presente en la gala. El debut cinematografico del islandés Valdimar Jóhannsson es una fábula con tintes de terror sobre el poder sobrenatural de la naturaleza y una meditación sobre el dolor, la pérdida y el tirón de los sentimientos de los padres. La ubicación, una casa de campo solitaria enclavada en un vasto tramo de la naturaleza salvaje de Islandia, se suma a la sensación de que María e Ingvar ni siquiera viven en la Tierra, sino en algún purgatorio fantástico.

Ale y Jesu festejan el dia maldito desentrañando Titane de Julia Ducournau, una directora que busca desdibujar todas las líneas que nos auto-imponemos para explorar una historia de amor incondicional y aceptación asi como la construcción de identidad. "Titane" , entre muchas cosas , es de hecho una historia de amor pero sigue siendo una historia de amor tremendamente subversiva que combina ideas sobre la maternidad, la paternidad, el género y la sexualidad, mientras se involucra en algunas de las violencias más brutales y transgresivas que se han visto.  Una vez más, Ducournau encuentra formas únicas y transgresivas de usar el horror corporal que desencadenan una repulsión instantánea pero que generan empatía instantánea. Alexia es una antiheroína, una sociópata y alguien que inicialmente cautiva por sus impactantes actos. Esos actos increíbles nunca se detienen realmente; solo se transforman en otra cosa cuando ella entra al cuidado de Vincent. Vincent no es exactamente normal tampoco, hay algo peligroso en él, pero también está profundamente roto por perder a su hijo hace tantos años. Estos dos personajes quebrados emocionalmente que conllevan pesadas anclas a sus espaldas estan encarnados por dos actores que han dado el 100% de su ser en unas performances exquisitas manifestando como aun en convirtiendose en irreconocibles en su fisicalidad deformada, Julia los hace inconfundibles en su humanidad sin importar cuán sombrío y espantoso se ponga Titane. Si bien las mentiras y el autoengaño los unen, es la verdad inevitable de su quebrantamiento compartido que eventualmente los une. Sean todos bienvenidos al capítulo 50 del Invernadero Horror Podcast, les deseamos un muy feliz Halloween.

Película: The Trip (2021). Un viaje a Escandinavia puede tomar los giros más inesperados y violentos. Ale y Jesu discuten la nueva película del noruego Tommy Wirkola (What Happened to Monday y Dead Snow), un horrormedy que se anima a rescatar el humor cínico y políticamente incorrecto. Un matrimonio enfrascado en el tedio de su relación y las frustraciones laborales elabora en simultáneo un plan secreto para asesinar al otro. La genial Noomi Rapace y el histriónico Aksel Hennie protagonizan a esta pareja fría y calculadora que lleva al límite la violencia sin escatimar en recursos (martillos, escopetas tortura y desprecio). El guión es ejecutado como una melodía que fluye hacia situaciones donde los personajes parecen no tener salida y que se resuelven en un absurdo verosímil que da con la nota perfecta de la trama y su registro. Nazis, violaciones, relaciones de poder y racismo son los tópicos que el director aborda en una comedia negra y de perfume tóxico... https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici 

Película: V/H/S 94. Ale y Jesu dejan las pesadas temáticas del duelo y la muerte que venían siendo el eje central de los últimos dos episodios para relajarse un poco con una saga antológica que los ha interpelado desde la primera entrega. V/H/S 94 es la cuarta película de la franquicia, manteniendo las mismas fortalezas y debilidades que su predecesoras, una notable disparidad en términos de calidad entre los segmentos mostrados pero creo que encuentra picos muy altos dentro de los segmentos más interesantes. En esta entrega tenemos a Storm Drain" de Chloe Okuno, protagonizada por una perfecta Anna Hopkins como reportera de noticias de televisión durante el día asignada para cubrir una serie de misteriosos avistamientos alrededor del sistema de alcantarillado de la ciudad en búsqueda de que hay detrás de la leyenda urbana de "Ratman" Es un exuberante contrapunto a la entrega que la precede, "The Empty Wake" de Simon Barrett, que vibra con algo de la misma tensión nerviosa y subestimada del corto "The Gas Station" de John Carpenter, de la antología de terror de 1993 "Body Bags". Las cosas se ponen aún más deliciosamente grotescas  en "The Subject", la entrada sangrienta y ridículamente exagerada de Timo Tjahjanto quien completamente desatado hacer fluir la ultraviolencia ultravioleta en la mejor tradición de grindhouse. El final, "Terror", es una broma lúdica y de baja fidelidad centrada en una milicia extremista en posesión de un arma sobrenatural peligrosa, el segmento que se encuentra más atravesado por la actualidad. Https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Serie: Midnight Mass (2021). Ale y Jesu continuan explorando la intima relacion entre la muerte, el duelo y el terror. Esta oportunidad se reunen para hablar de la ultima serie de Mike Flanagan que como un buen vino no para de mejorar su calidad en terminos narrativos y directoriales.  Este es el proyecto mas personal de Mike que estuvo cocinando hace mas de 10 años y sin lugar a dudas Midnight Mass es mucho más que un escritor aceptando sus problemas con el catolicismo y la adicción al alcohol, es un interrogatorio profundamente arraigado sobre el funcionamiento interno de la sociedad actual, la mecánica de la ideología y la fe asi como la corrupción que puede crecer bajo la superficie y los males que hombres y mujeres pueden hacer bajo la influencia de ciertos conceptos que creen que son verdaderos . Es una historia bíblica de terror que muestra un espejo de nuestra sociedad actual, explorando las formas insidiosas en que la corrupción puede transformar un sistema de creencias y cambiar la psicología de la gente común y corriente para cometer actos abominables y asesinos.  Estan invitados a esta Misa del Invernadero XL hablando de esta increible obra.. De yapa ale les recomienda algunas peliculas explorando el poder corrosivo del fanatismo: Saint Maud, Stations of the Cross, The Lodge & Tore Tanz. Aqui les dejo el ensayo de Mike : https://bloody-disgusting.com/editorials/3684646/deeply-personal-horror-midnight-mass-guest-essay-filmmaker-mike-flanagan/ Https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Pelicula: The Night House (2020).  Las puertas de Halloween se abrieron nuevamente ; sean todos invitados al ritual que nuclea a los amantes del genero maldito. Ale y Jesu continuan explorando el dolor y el duelo como intimo aliado del terror, en este caso con la nueva película del director David Bruckner, que pueden conocer por su segmento en V/H/S o la genial The Ritual. Esta espeluznante historia de fantasmas captura la despiadada traición de los propios pensamientos, aquellos susurros depresivos que insidiosamente se meten en tu cerebro y, antes de que te des cuenta, estás envuelto en una oscuridad que cual agujero negro no permite la presencia de luz. Una actuación increíblemente potente por parte de Rebeca Hall es el puntapié para un mes repleto de horror aquí en El Invernadero, esperamos con ansias a aquellos valerosos que se atreven a dar el primer paso.. Https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Película: Martyr´s Lane (2021). Gabriel, Miguel y Luzbel, arcángeles y demonios se mezclan en una reyerta bíblica y se funden entre las penurias cotidianas de los mortales. Ale y Jesu analizan la nueva obra de Ruth Platt, una producción original de la plataforma Shudder que explora los tiempos del duelo y la pérdida. La historia retrata la inercia de una familia que quedó estancada en un momento de la vida al que no pueden regresar, ni siquiera con el mayor de los sacrificios. A través de los ojos de una niña que deambula por los recovecos de una antigua vicaría, veremos los límites que tendrá que superar para combatir su soledad. La compañía aparece con la forma de un inocente ser alado, la incógnita se eleva con su origen ¿Sus alas pertenecen a una criatura celestial o del infierno?...  https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Película: Landmine goes click (2015). Tic toc, tic toc, tic toc. Los latidos del corazón son el cronómetro de la vida y un paso en falso puede detener el contador. Ale y Jesu exploran el cine de la remota Georgia, un ex satélite de la Unión Soviética con una historia cargada de violencia, opresión y guerra. La película del director Levan Bakhia retrata los vestigios de los campos de batalla europeos, plagados de minas terrestres listas para detonarse con el descuido de cualquier viajero en la montaña que haya olvidado el pasado bélico. La venganza como condición humana se vuelve un camino de degradación y pérdida de conciencia donde las esquirlas sin control alcanzan a los inocentes. Tic toc, tic toc, tic toc, con la bomba desmantelada, la obra de terror de Bakhia demuestra que no hay explosión más potente que la de las emociones desatadas... https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Películas: Candyman (1992) y Candyman (2021). El Invernadero se inserta en el fantástico mundo de las leyendas urbanas explorando los orígenes, símbolos y posibles significados que pueden asociársele a Candyman.  Contextualizando el momento en cual surgió la primera película, Ale y Jesu hablan de que elementos la diferenciaba de varias propuestas contemporáneas y de algunos años antes y como creen que esta mal categorizada como un Slasher, al menos esta entrega. Con el reciente estreno del remake, surge la interrogante ¿Cómo se conectan estas dos películas y qué tanto cambia el mensaje o el tono teniendo en cuenta los casi 30 años de diferencia entre ambas? La pregunta mas importante termina siendo: ¿Es posible que tanto el mundo donde se ambientan ambas películas sea tan similar al nuestro donde existe un ciclo de violencia racial que loopea constantemente haciendo que las temáticas propuestas tanto en el 92 como el 2021 sean tan relevantes como necesarias? Ahora bien, ¿Te animarías a decir su Nombre? https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Película :The Hole in the Ground (2019). El invernadero agrega una entrada más en su extenso bestiario, esta vez se transportan a la mitología celta e irlandesa para hablar de las hadas oscuras llamadas "Changelings". ¿Que esconde la mitología de estos curiosos entes? ¿Hay algún propósito latente detrás de intercambiarse con niños? Luego de plantearse estas preguntas existenciales se adentran de una al bosque que envuelve al homónimo agujero indagando si realmente existe o es un mero elemento metafórico para representar de manera simbólica todos los temores que esconde Sarah al escaparse de un infierno en vida que fue la relación abusiva que tuvo con el padre de Christopher. Hay acaso algo peor que la creciente paranoia que pende como la espada de Damocles encima de Sarah que la hace dudar constantemente si estos paulatinos pero imperceptibles cambios que transita Cris son propios del hecho de crecer o son la respuesta a aquella pregunta que tanto la atormenta: ¿Es el mi hijo? https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Películas: Dread (2009) y The Last Shift (2014). El Invernadero estrena la primera doble función del año con una introspección a la obra del director norteamericano Anthony Di Blasi. Ale y Jesu discuten su obra debut donde trabajó junto al mítico Clive Barker (Hellraiser/ Candyman), creador de Pinhead y otras entidades infernales, para adaptar un cuento corto que experimenta con los catalizadores del miedo. Luego se adelantan en la cronología del director y analizan una película con una dirección más madura y técnica y que maneja con equilibrio un guión que mezcla cultos que homenajean a la familia Manson, policías novatos y espectros corroídos por una maligna venganza...  https://www.instagram.com/invernaderohorror/  Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Película: La Nuée (2020) ¡Llegó el día del tan esperado regreso de El Invernadero! Ale y Jesu estrenan la segunda temporada del podcast con un análisis profundo de la opera prima del director Just Phillipot, un "animal-horror" francés situado en la campiña europea donde los productores rurales llevan al límite sus recursos para subsistir. Una familia que transita un duelo tras la muerte del padre, explora el arte de cultivar langostas/saltamontes, una oportunidad de negocios exótica e innovadora que desafía sus intentos por mantener su estilo de vida. Los insectos pronto pierden el interés por alimentarse con hierba y agua y desarrollan una ávida fascinación por la sangre. Desde ahí ¿qué puede salir mal? La cinta es una obra sobre el orgullo, las frustraciones y las ambiciones egoístas, con una tensión que se construye lenta, concisa y guiños al extremismo francés. Espectadores fóbicos por favor abstenerse...  https://www.instagram.com/invernaderohorror/ Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici 

Fin de año y final de la primera temporada de El Invernadero, que Ale y Jesu celebran con un especial premiando lo mejor del cine de terror en el año 2020.  Se reparten galardones a las mejores criaturas, los scream queens y kings, las grandes revelaciones entre los directores debutantes y otras sangrientas categorías. La ansiedad se hace notar en la carrera por descubrir quién se llevará a casa El Invernadero de Oro a la mejor película del año. El podcast retomará su agenda en la segunda temporada a estrenar en 2021!!! Los esperamos para seguir honrando el terror en este oscuro ritual invocado desde La Lista... Para votar en nuestros premios del año en--> https://bit.ly/3mc3mhr - ALERTA SPOILERS a partir del minuto. 25 - Timestamps: Sin Spoilers (OO:00 a 25:05) (00:50) Intro Premios El Invernadero (06:05) Mejor Serie de terror (11:50) Mejor debut cinematográfico de director/a (16:30) Mejor actuación "Scream Queen/King" (22:00) Mejor Monster Design (diseño y creación original) Con Spoilers (25:05 a 54:00) (25:05) Mejor exponente de Subgénero (30:35) Mejor muerte (34:25) Mejor Survival Skills  (38:20) Mejor Plot twist (premio Night Shyamalan) (43:45) F#ck up scene (Que mal la estoy pasando!) (47:40) Mejor Película (El Invernadero de Oro 2020)  (54:00) Cierre primer temporada de El Invernadero Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici

Película: Hunter Hunter (2020). En la víspera de una Navidad roja y sangrienta El Invernadero presenta su último análisis de la temporada antes de la ceremonia final de los premios a lo mejor del año en el cine de terror. Ale y Jesu se meten a fondo con el filme  de Shawn Linden que explora el arte perdido de la supervivencia. Una familia misantrópica y relegada de la ciudad se enfrenta a la realidad cruda de la naturaleza. Un lobo acecha en las penumbras del bosque mientras que un depredador con forma humana es el testimonio de que no importa que tan elevado te encuentres en la cadena alimenticia, siempre hay un cazador más grande... No se olviden de votar en nuestros premios del año en--> https://bit.ly/3mc3mhr Timestamps: (00:50) Premios El Invernadero (02:00) Intro Hunter Hunter (04:00) Sinopsis Hunter Hunter (05:50) El arte perdido de la supervivencia (11:24) Las amenazas del bosque (35:50) Siempre hay un cazador más grande Soundtrack: "El Invernadero" por Matías Lerici