Espagueti Track Podcast

Nuevo capítulo de Espagueti Track PodcastHay canciones que simplemente suenan bien… y hay otras que te atraviesan. “Back to Black” de Amy Winehouse es de esas que no se escuchan: se sienten.En este capítulo nos metemos de lleno en una de las canciones más intensas y elegantes del soul moderno. Un tema que mezcla dolor, nostalgia y belleza en partes iguales, y que terminó convirtiéndose en una obra fundamental del pop del siglo XXI.Hablamos de cómo Amy Winehouse, junto al productor Mark Ronson, logró construir un sonido profundamente inspirado en el soul de los años 60 —con ecos de Phil Spector, The Supremes y Shangri-Las— pero con una crudeza emocional completamente contemporánea. También revisamos el trabajo musical detrás de la canción: la producción minimalista, el groove oscuro de la banda The Dap-Kings, los arreglos que recuerdan al soul clásico y esa interpretación vocal quebrada que solo Amy podía entregar.En este capítulo desmenuzamos la canción desde todos sus ángulos: su contexto, su producción, su música y el legado que dejó una de las voces más auténticas de la música moderna.Porque “Back to Black” no es solo un hit.Es una herida convertida en canción.#AmyWinehouse #BackToBlack #Soul #MarkRonson #HistoriaDeLaMúsica #AnálisisMusical #PodcastDeMúsica #DapKings #Música #Melómanos #MusicPodcast

En este capítulo de Espagueti Track Podcast nos metemos en una de las composiciones más delicadas y profundas de Led Zeppelin. Una canción que baja la velocidad, abre espacio y demuestra que el rock también sabe susurrar cuando hace falta.Hablamos del contexto de Houses of the Holy (1973), de la madurez creativa de la banda y de cómo Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham construyeron una pieza que se siente más cercana a una obra cinematográfica que a una balada de rock tradicional.Analizamos la guitarra en afinación alternativa, el rol clave de John Paul Jones y sus arreglos de cuerdas creados con Mellotron, la contención brutal de Bonham en la batería y la interpretación vulnerable de Plant. También repasamos versiones en vivo, anécdotas de gira y por qué esta canción se convirtió en un momento sagrado dentro del repertorio de Zeppelin.Un capítulo para escuchar con audífonos, sin apuro, y dejar que la música haga lo suyo.Porque a veces el rock no tiene que golpear.A veces solo tiene que acompañar.

Hoy en Espagueti Track Podcast nos pusimos melómanos modo oscuro 😎🎧
Porque suena “Obstacle 1” de Interpol y, loco, es como que la noche se te meta en los audífonos. Esa mezcla perfecta entre post-punk, elegancia triste y guitarras que te miran fijo desde la penumbra.Hablamos de cómo estos neoyorkinos agarraron toda la herencia de Joy Division, la pasaron por su propio filtro existencial y terminaron creando un himno moderno. Analizamos la letra, el sonido, las guitarras, el bajo que manda y esa voz grave de Paul Banks que te deja pensando más de la cuenta.Todo muy en la volá, como conversa en un bar con una chela en la mano 🍻
Anda a escuchar el capítulo nuevo… y después me contai qué te pasó cuando sonó este temazo 👇🎙️ Espagueti Track Podcast
🎵 Episodio: Obstacle 1 — Interpol#Interpol #Obstacle1 #TurnOnTheBrightLights #PostPunkRevival #IndieRock #RockAlternativo #MusicPodcast #PodcastChile #PodcastMexicano #espaguetitrackpodcast #Melomanos #AnalisisMusical #NuevaYork #PaulBanks #IndieMusic #CancionesQueMarcan #MusicaQueAmo #Vinilos #Rock2000s #MusicaIndependiente #PodcastEnEspañol

En este nuevo capítulo nos subimos a “Aviation”, una de las canciones más elegantes y cinematográficas de The Last Shadow Puppets, el proyecto paralelo de Alex Turner (Arctic Monkeys) y Miles Kane.Lanzada en 2016, como single adelanto del disco Everything You’ve Come to Expect, esta canción marca el regreso del dúo con una ambición sonora enorme: cuerdas protagonistas, dramatismo pop, letras cargadas de ironía y ese aire de película europea que siempre los ha rodeado.En el capítulo hablamos de cómo Turner y Kane dejaron atrás el sonido más crudo del debut para meterse de lleno en un pop barroco, influenciado por Scott Walker, Serge Gainsbourg y el cine de espías sesentero. Analizamos el rol clave de las orquestaciones, los arreglos de cuerdas que empujan la canción todo el tiempo hacia arriba, y cómo la producción convierte “Aviation” en algo que se siente más grande que una simple canción de rock.También nos metemos en la letra: relaciones que no despegan, promesas que se caen en la pista y ese tono medio cínico, medio romántico, tan propio de Alex Turner. Todo contado como conversa entre melómanos, sin pose académica, pero con harto dato bueno, contexto y análisis musical.Un capítulo para escuchar con audífonos, subir el volumen y dejarse llevar

Hay canciones que no solo suenan: también respiran, miran, observan. Y “Sour Times” de Portishead es exactamente eso. Un viaje lento, melancólico y elegante que marcó para siempre el sonido del trip-hop en los 90.En este episodio de Spaguetti Track Podcast nos sentamos a conversar —con calma y audífonos puestos— sobre la historia detrás del tema, el contexto de Dummy (1994), la atmósfera oscura que construye la banda, la voz única de Beth Gibbons y el famoso sampler que conecta esta canción con el mundo del cine y Lalo Schifrin.Analizamos la letra, el sonido, la producción y por qué “Sour Times” sigue siendo uno de esos temas que te acompañan, incluso cuando el mundo se pone medio gris.Si la música también es refugio para ti, dale play.Análisis musical con cariño melómano.

En este capítulo nos metemos de lleno en “In the Air Tonight”, ese temazo donde Phil Collins convierte la pena, la rabia y el desahogo en una atmósfera que todavía hoy se siente como un puñetazo emocional a la primera escucha.Revisamos toda la historia detrás del tema: el contexto personal que tenía Collins al borde del colapso, la forma casi accidental en que se armó esa base minimalista y oscura, y cómo un experimento de estudio terminó creando el mítico gated reverb, el sonido que definió a una década entera. Sí, hablamos del famoso “fill” de batería: ese golpe que aparece de la nada, te sacude la columna y todavía nadie ha logrado replicar con la misma magia.Desmenuzamos la letra, su ambigüedad, su catarsis y, por supuesto, desarmamos la eterna leyenda urbana que la rodea: la supuesta historia del ahogado, el concierto, el reflector y la confesión en vivo que nunca existió. Collins la ha negado mil veces, pero la cultura pop decidió adoptarla igual.Una canción que no solo marcó los 80: marcó la forma en que entendemos el silencio, la tensión y el golpe emocional en la música.Ponte los audífonos, apaga la luz… y quédate con nosotros in the air tonight.

Hoy en los Tallarines de Pantera nos pusimos serios, pero con la buena onda de siempre, para desentrañar un verdadero enigma del folk: "River Man" de Nick Drake.En este capítulo, nos sentamos a conversar como si estuviéramos en un bar, con un schop en la mano, para ir más allá de la melodía y meternos en las profundidades de esta obra maestra.Analizamos todo: desde la trágica historia de Nick Drake, el genio detrás del misterio, hasta la locura de grabar una canción con un compás cojo en 5/4. ¿Sabían que un director de orquesta la comparó con Debussy?Y, por supuesto, nos sumergimos en la letra. ¿Quién es Betty? ¿Quién es el hombre del río? Te damos las claves para entender por qué este tema es mucho más que una canción.Así que pónganse cómodos, súbanle el volumen y acompáñenos a navegar por las aguas profundas de "River Man", una canción que te habla al alma. ¡Esto es Tallarines de Pantera, directo al hueso!#NickDrake #RiverMan #FiveLeavesLeft #Folk #Musica #PodcastChile #TallarinesDePantera #MusicaIndie #AnalisisMusical

En este capítulo nos sumergimos en uno de los clásicos más potentes y oscuros del Príncipe de las Tinieblas: “Bark at the Moon” de Ozzy Osbourne. Lanzada en 1983 como parte del disco del mismo nombre, esta canción no solo marcó el regreso triunfal de Ozzy después de la muerte de Randy Rhoads, sino que también se convirtió en un himno del heavy metal de los 80.Con riffs afilados de Jake E. Lee, un sonido más moderno y un videoclip que mezclaba terror gótico con la figura de Ozzy convertido en hombre lobo, “Bark at the Moon” consolidó su imagen como el personaje más teatral y extremo del rock. La canción habla de una criatura que regresa de la tumba para vengarse, pero también puede leerse como una metáfora del propio Ozzy: caído, criticado y resurgiendo con más fuerza que nunca.En este episodio conversamos sobre la creación del tema, la polémica en torno a los créditos de composición, la importancia de Jake E. Lee en la banda y cómo este single definió gran parte del legado de Ozzy. Una mezcla perfecta entre música, historia y oscuridad.

🎙️ En este capítulo nos lanzamos de cabeza a desmenuzar uno de los himnos más oscuros y crudos del rock argentino: “Mejor no hablar de ciertas cosas” de Sumo.Una canción directa, incómoda y magnética, que refleja como pocas el lado más nihilista y salvaje de Luca Prodan y compañía.🔥 Hablamos de la historia que hay detrás de esta canción, de ese bajo hipnótico que te atrapa desde el primer segundo, del tono casi burlón y desesperado de la letra, y de por qué Sumo terminó convirtiéndose en una banda de culto que rompió todos los moldes de la escena argentina de los 80.🧠 También nos metemos en la mente de Luca, en su historia marcada por la adicción, el exilio, la poesía urbana y esa actitud de “todo me da lo mismo” que terminó siendo su sello. Un repaso a las influencias, anécdotas y secretos de la grabación que transformaron este tema en algo mucho más grande que una simple canción.Un viaje por la rabia, la ironía y la genialidad de Sumo, contado a nuestro estilo: sin filtro, con humor y con todo el cariño por la música que nos vuela la cabeza.

Hay canciones que no se escuchan, se respiran.
Que aparecen en algún rincón de tu memoria con olor a asado, pebre picante, y una mesa llena de primos bailando entre sillas plásticas.
“Pedacito de mi vida” de Tommy Rey no es solo una cumbia, es una cápsula del tiempo.
Y en este capítulo de Tallarines de Pantera, le metemos oído, alma y corazón.¿De dónde sale esta joyita? ¿Quién la escribió realmente? ¿Qué tiene esa letra que, aunque sea media picarona, igual la tarareas con lágrimas en los ojos cuando suena en la fonda?
Nos vamos de cabeza en su historia, arreglos musicales, estilo, y lo que hace que esta canción siga pegando como combo en el corazón.Porque sí, esta cumbia tiene marimba, vientos con swing, y ese timbre inconfundible de Tommy Rey que podría cantarte la lista del supermercado y aun así sonar romántico.
Pero más allá del fiato de la banda, Pedacito de mi vida conecta porque todos tenemos a alguien a quien le diríamos eso mismo... incluso si no estamos seguros de querer decirlo.Dale play, sube el volumen, y prepárate para redescubrir un clásico de esos que suenan en todas las fiestas, pero que nunca habías escuchado así.

🎙️ Nuevo episodio: "Last Train to London" - Historia y análisis 🚆🎶En este episodio, viajamos en el último tren a Londres junto a nuestra invitada especial, Jazmín Trincado @jazmin_astromarina, quien nos trae este clásico de Electric Light Orchestra (ELO) para analizarlo a fondo.Hablamos sobre la historia detrás de la canción, su contexto en la música disco de finales de los 70 y cómo ELO logró fusionar rock sinfónico con ritmos bailables. Exploramos su letra, su impacto y la influencia que ha tenido en la música a lo largo de los años.Si eres fan de la banda o simplemente te encanta este temazo que nunca pasa de moda, ¡no te lo pierdas! Dale play y súmate a esta conversación llena de música, anécdotas y buen ritmo.🔊 Disponible en todas las plataformas de podcast.

En este episodio desmenuzamos a los Empire of the Sun y su tema "Cherry Blossom". Lanzado el 21 de junio de 2024, forma parte de su esperado álbum "Ask That God", publicado el 26 de julio de 2024. La canción fue coescrita por Luke Steele y Nick Littlemore, junto con GRANT (SWE), Fat Max Gsus, Vincent Pontare y Salem Al Fakir. La producción estuvo a cargo del dúo en colaboración con Vargas & Lagola y Fat Max Gsus Musicalmente, "Cherry Blossom" presenta una fusión de melodías etéreas y letras introspectivas, características distintivas del estilo de Empire of the Sun. La canción envuelve al oyente en una atmósfera electrónica y nostálgica, con sintetizadores delicados que crean un ambiente onírico. La voz de Luke Steele se desliza suavemente sobre la instrumentación, entregando letras cargadas de emoción con una mezcla de suavidad e intensidad. "Cherry Blossom" es un testimonio de la habilidad del dúo para combinar lo etéreo con lo tangible, creando música que no solo entretiene sino que también invita a la reflexión sobre temas profundos de la vida.

"Crazy" es una de esas joyas que desafía el paso del tiempo, y aunque lleva décadas en el mundo, sigue teniendo una intensidad que pocos han logrado igualar. Esta canción, lanzada en 1990 como el primer sencillo del álbum debut homónimo de Seal, nos sumergió a todos en un viaje de sintetizadores, letras profundas y una voz que te atrapa desde la primera nota. En este episodio, desmenuzamos no solo el significado detrás de las frases memorables ("But we're never gonna survive unless we get a little crazy"), sino también cómo el sonido y la producción, llevada por Trevor Horn, moldearon este tema que casi se siente profético. "Crazy" no es solo una canción: es una declaración, un recordatorio de que tal vez la locura no sea solo una forma de sobrevivir, sino una manera de abrazar lo incierto. Hablaremos de la conexión de Seal con esta pieza, del impacto que tuvo en la música alternativa de los '90 y cómo aún resuena en las listas y en los corazones de quienes necesitamos un poco de "loco" en nuestras vidas para encontrar sentido.

En este nuevo episodio de @tallarinesdepantera, nos sumergimos en el universo de "Seven Nation Army" de The White Stripes, una canción que ha trascendido generaciones y fronteras. Analizamos el icónico riff que ha resonado en estadios de todo el mundo, exploramos el poderoso mensaje de desafío y perseverancia en su letra, y desglosamos cómo Jack y Meg White lograron crear un himno del rock con su estilo minimalista pero contundente. Acompáñanos mientras descubrimos las curiosidades y el legado duradero de esta joya musical. #SevenNationArmy #PodcastDeMúsica #TheWhiteStripes #RockAnálisis

En este nuevo capítulo te invitamos a conocer la historia detrás de The Fat of the Land de The Prodigy. Un monstruo sonoro que nació en 1997, y desde el primer beat, dejó claro que venía a destrozar todo y a sacudir las mentes. Este disco es como un asalto sonoro, una mezcla explosiva de breakbeat, techno, punk, y hasta un toque de rock que convirtió a The Prodigy en los reyes del rave. Liam Howlett, el cerebro detrás de todo, mezcló ritmos agresivos con samples insólitos, creando un paisaje sonoro que te atrapaba por completo. Y no se puede hablar de este disco sin mencionar los trallazos que son "Firestarter" y "Breathe", dos himnos que definieron una era y rompieron las listas de éxitos a nivel mundial. Son como gritos de rebelión, con Keith Flint al frente, desatando su energía salvaje y desquiciada. Cada track es una declaración de guerra contra lo convencional. Desde el groove oscuro de "Smack My Bitch Up", que levantó polvareda por su título provocador, hasta la frenética "Fuel My Fire", el álbum es un viaje a lo más profundo del sonido rave, llevado al límite. Y luego está "Narayan", un tema que te envuelve en su trance místico, demostrando que The Prodigy también sabía llevarte en un viaje más allá de la furia. Este álbum fue un hito, un símbolo de la cultura rave que rompió las barreras entre el underground y el mainstream. Aunque hoy algunos lo tienen en el cajón del olvido, su impacto sigue retumbando. "The Fat of the Land" no solo definió una era, sino que es el legado inmortal de una banda que desafió las normas, y lo hizo a lo grande. Es un disco que todavía arde, esperando a ser redescubierto por una nueva generación que quiera sentir el verdadero poder del sonido rave.

"Voto Latino" de la banda mexicana Molotov, incluida en su álbum debut "¿Dónde Jugarán las Niñas?" lanzado en 1997. Con una mezcla de ironía y crítica social, Molotov resalta la importancia de la participación política de los latinos y denuncia las injusticias que enfrentan. "Voto Latino" combina elementos de rock, rap y funk, característicos del estilo ecléctico de Molotov. En este nuevo capitulo de los @tallarinesdepantera te contamos detalles sobre este tema y de como Molotov llegó a ser una de las bandas mas populares de México y todo Latinoamérica. Disfruta de este episodio... y Que viva México Cabrones...!!!

El Origen de "Los Tallarines de Pantera" se remonta al año 1992 cuando la banda de groove metal "Panera" lanza el álbum "Vulgar Display of Power". Este disco es una verdadera joya del metal que sacudió los cimientos del género y dejó una huella imborrable en la historia del metal. "Vulgar Display of Power" desde el primer momento en que lo escuchas, te das cuenta de que estás ante algo especial. Este álbum es una avalancha de riffs aplastantes, ritmos atronadores y la voz inconfundible de Phil Anselmo rugiendo con furia y pasión. Entre las canciones destacadas y con su intensidad inquebrantable, cuenta con canciones como "Walk", con ese riff icónico que te hace querer levantarte y golpear algo. No olvidar "Fucking Hostile", una oda al enojo y la agresión, o "This Love", una balada llena de angustia y desesperación que te perfora el corazón con su poder emocional. Más allá de las canciones, el álbum en sí es una declaración de principios. Pantera irrumpió en la escena del metal con una actitud de "toma lo que quieras y lucha por ello", y eso se refleja en cada nota de este disco. Fue un golpe en la mesa, una afirmación de que el metal no se trata solo de música, ¡sino de una forma de vida! "Vulgar Display of Power" es más que un simple álbum de metal. Es una declaración de guerra, un puñetazo en la cara, un grito de rebelión. Pantera son leyendas del metal que cambiaron el rock para siempre. ¡Con este álbum nació nuestro nombre! "Los Tallarines de Pantera"

!Bienvenidos a otro episodio lleno de buena música y charlas relajadas aquí en Los Tallarines de Pantera! Hoy estamos más emocionados que nunca porque vamos a hablar de la vuelta triunfal de los íconos chilenos, ¡Los Tres! Acomódense porque vamos a sumergirnos en el universo de "Hojas de Té", una joya que resuena en el álbum "La espada y la pared". Y, ¿qué hace esta versión tan especial? Pues que, ¡es interpretada por los miembros originales de Los Tres! La nostalgia está a mil, un reencuentro que para muchos ha sido una verdadera fiesta de emociones. ¿Quién no recuerda la época dorada de Los Tres? Esos acordes pegajosos, las letras poéticas que te llegaban al alma, ¡ese sonido que te hacía sentir en casa! Pues bueno, están de vuelta, y más fuertes que nunca. "Hojas de Té" es como ese viejo libro que encuentras en tu estantería y te transporta a momentos que creías olvidados. Pero esta vez, la historia es diferente. Los Tres nos traen una versión fresca, con la madurez y la experiencia que solo el tiempo puede dar. Es como si la canción hubiera crecido junto con nosotros. Los acordes inconfundibles de Ángel Parra, la voz inigualable de Álvaro Henríquez, la energía única de Roberto Lindl y la triunfal vuelta de Pancho Molina. ¡es una combinación mágica que nos hace sentir vivos! La química entre ellos es palpable, como si nunca hubieran dejado de tocar juntos. Así que, mientras escuchamos esta nueva joya, recordamos por qué nunca hemos dejado de escuchar a Los Tres. Es como si estuviéramos compartiendo unas chelas con viejos amigos, riendo de las historias del pasado y emocionándonos con las nuevas. En resumen, esta vuelta de Los Tres es como un abrazo musical. "Hojas de Té" es la prueba de que la buena música trasciende el tiempo, y estos locos lo siguen demostrando. Así que, a ponerse cómodos y disfruten de este viaje musical con nosotros. Andrew y Miguel "Los Tallarines de Pantera"

¡Sumérgete en la Emoción! ¿Listos para una experiencia musical única de la mano de Cabaretta?, banda chilena que nos trae su versión lenta y seductora de "Fiesta" de Raffaella Carrá. Este viaje musical fusiona el encanto nostálgico de Los Ángeles Negros con la misteriosa elegancia de Portishead. La canción es parte de la banda sonora de la serie de culto "La Sangre del Camaleón" de Tvn, y te llevará a un mundo de intriga y pasión. Descubre la magia de "Fiesta" a través de los oídos de Cabaretta y prepárate para una experiencia auditiva que no olvidarás. Y para un análisis en profundidad de esta joya musical, no te pierdas el último episodio de nuestro podcast "Los Tallarines de Pantera". ¡Sintoniza nuestro podcast y adéntrate en el mundo de sonidos únicos que solo Cabaretta puede crear! ¿Listos para la fiesta?

Esta vez conversamos con el gran Patricio Cuevas @cuevaspato periodista, locutor en @futurofm y con una gran carrera radial. Y que hace poco acaba de lanzar su primera novela llamada "La lluvia borra todo" junto a @penguinlibroscl. Una novela llena de nostalgia de los años '80 en la que Patricio nos lleva a un viaje de un joven para poder entender mas de su vida llena de aventuras y sobre todo de música. De ahí que patricio quizo compartir con nosotros esta canción que forma parte de la banda sonora de esta gran novela. Una entretenida y amena conversación con @cuevaspato en la que hablamos de música, literatura, historia y mucho mas. "Brass in Pocket", canción de la The Pretenders, que fue lanzada el año 1979 como parte del algún debut de la banda. Escrita por Chrissie Hynde y James Honeyman-Scott, y producida por Chris Thomas. "Brass in Pocket" llegó a ser un gran éxito de la banda alcanzando el número uno en el Reino Unido. Además el video de este tema fue uno de los primeros en ser transmitido por MTV el año 1981. Una canción que nos habla sobre el poder de la confianza en uno mismo. Tener "brass in pocket" es un modismo inglés que significa tener suficiente confianza en uno mismo para hacer lo que uno se proponga. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de Brass in Pocket junto a Patricio Cuevas. Disponible ahora en @spotifychile @applepodcast como Tallarines de Pantera, o a través del link en la bio. Salud, y buena música para todos..!

"We are Sudamerican Rockers" Un verdadero himno de los años noventa de la mano de Los Prisioneros. Canción que destacó por su ironía y que nunca fue incluida oficialmente en ningún disco de Los Prisioneros. Solo en recopilaciones y en la edición latinoamericana del álbum "La cultura de la basura". Un tema que no solo significó mucho para músicos chilenos si no que también para todos los del patio trasero a USA. Está canción destacó también por ser el primer video clip en ser emitido por la cadena MTV Latino, siendo la elegida entre muchas para representar la música en español o de esta lado del mundo. Escrita por el gran Jorge Gonzales refleja toda la onda rokabilly de la época. Con una letra llena de ironía riéndose en la misma cara de Elvis. Quien mas que Los Prisioneros podrían hacer esto. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de We are Sudamerican Rockers.

"Buena" es la canción con la que la banda Morphine, liderada por Mark Sandman, se hizo conocida mundialmente. Una canción llena de misterio y que nos entrega todo el talento de una de las bandas de culto mas importante de la década de los años 90. Sandman y su bajo con solo dos cuerdas logró plasmar todo su talento, nostalgia y pasión en esta canción que está incluida en su segundo álbum del año 1993 titulado "Cure for Pain". Morphine sin duda es y será una de las bandas mas disruptivas de la historia, un bajo un saxo barítono y una batería sería la base para esta gran obra maestra. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de esta increíble canción, con datos y anécdotas de como se gestó todo esto. Disponible ahora en @spotifychile @applepodcast como Tallarines de Pantera, o a través del link en la bio. Salud, y buena música para todos..!

Tuyo. Un electrizante bolero escrito y compuesto por el cantautor brasileño Rodrigo Amarante para el tema de apertura de la serie ⁠Narcos⁠. Con una historia que eriza los pelos, inspirado en el pensamiento de qué tipo de música habría escuchado la madre de Pablo Escobar cuando criaba a su hijo. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de esta increíble canción, con datos y anécdotas de como se gestó este tema que la rompe en el streaming.

40 años se cumplen hoy del lanzamiento de este gran disco de nuestro legendario David Bowie. Y lo quisimos celebrar con un capítulo especial con la canción "Let`s Dance" que le da el nombre al álbum lanzado el 14 de abril del año 1983. Un disco que marcaría un antes y después en la carrera de David Bowie. Producido por el gran Nile Rodgers y con la gran participación en guitarras de increíble Stevie Ray Vaughan. Un disco lleno de éxitos y canciones que nos hacen salir a bailar y recordar lo grande que es y será nuestro gran "héroe" David Bowie. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de esta increíble canción, con datos y anécdotas de como se gestó todo esto. Disponible ahora en Tallarines de Pantera y en nuestros canales de @spotifychile @applepodcast como Tallarines de Pantera, o a través del link en la bio.

Nos pusimos románticos con este gran tema de la banda mexicana “Café Tacvba”. “Eres” fue el tercer single del álbum Cuatro Caminos lanzado en el año 2003. Interpretada y escrita por Meme (Emmanuel Del Real) y producida por el gran Gustavo Santaolalla. Una canción llena de magia, amor, con armonías perfectas y un mensaje que seguramente has escuchado. Aquí te contamos mas sobre este lindo tema. Esta canción está basada en el amor incondicional que se siente por ese ser especial. La letra menciona que siempre ha querido estar al lado de su amor (esa persona que ama), y ha pasado mucho tiempo deseando que ese afecto algún día ser fructuoso. Esta melodía es para esas personas que tienen un sentimiento escondido por alguien o simplemente esperaban el momento de expresarlo y que aun a pesar de saber que es un afecto hermoso por quien se ama, por fin lo logran demostrar que esa persona “es” lo que anhelan para ser felices. Te invitamos a revisar este nuevo capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de esta increíble canción, con datos y anécdotas de como se gestó todo esto. Esta canción obtuvo el número 38 en el Latin Pop Songs de la revista Billboard.1​ y ganó el Premio Grammy Latino en 2004 a la Mejor Canción de Rock y fue nominado a la Mejor Canción del Año y al Mejor Video.

Una muy entretenida conversación sobre música y sonidos que tuvimos el agrado de compartir en radio Valentín Letlier @rvletelier el viernes 17 de marzo en el programa @cafenegro97.3 que conduce Eduardo Drouillas @drouillas. Una entrevista y programación de canciones en la que @andrewontherocks de los @tallarinesdepantera junto al gran Javier Moraga @javiermoraga. Conversamos sobre quienes son Los Tallarines de Pantera, que es lo que buscamos trasmitir y de que manera. En esta entrevista podrás conocer un poco mas de nosotros y algunas canciones de las qie tenemos publicados algunos capítulos de nuestro podcast "Los Tallarines de Pantera" Nuestro manifiesto: No nos limitamos un estilo de música. Lo ecléctico, lo dispar y asimétrico es lo que nos mueve. Aquí escucharas desde Beethoven hasta el metal mas duro… pasamos por todo, escuchamos y hablamos de todo y para todos. ¿Por qué elegir un solo estilo musical si podemos disfrutar con todos..? Somos críticos, multidisciplinarios y buena onda. Si quieres ampliar tu cultura musical, aprender y descubrir artistas, intérpretes y creadores.. este es tu lugar.

En nuestro programa hemos hablado bastante de la tesitura, que es la tesitura, sobre todo cuando hablamos de cantantes. La tesitura es la extensión o el rango vocal en altura o frecuencia que tienen las voces, es decir, lo agudo que pueden ser o los bajas que pueden ser y está tienen diferentes categorías. Estas Son “soprano”, “contra alto”, “tenor” y “bajo” a veces agregando mas que es “mezzosoprano” y “barítono”. Aquí tenemos un ejemplo de @melhaller.composer que lo pueden seguir en todas las redes sociales de un tema próximo estrenar. Aquí tenemos un ejemplo de: Sopranos. Contra alto El tercer ejemplo es Tenores Y el último a mostrar Bajos Y todas este diferentes alturas de voces, alturas tonales crean un coro. Eso es amigos. Una pequeña cápsula de Los Tallarines de Pantera síguenos en nuestras redes sociales, compartan y disfruten nuestros programas.

Los Tallarines de Pantera Miguel @miguel_lara_riquelme y Andrew @andrewontherocks. Esta vez nos lanzamos con este gran tema de Jeff Buckley. "Grace" que le da el nombre a su único disco editado. Jeff Buckley tubo una trágica muerte pero nos dejo este disco lleno de canciones increíbles entre las que destaca “Grace”, de la que te contamos mas detalles sobre su historia y análisis musical. Grace del disco homónimo es perfecta y con una producción impecable, al igual todos y cada uno de los temas del álbum. El guitarrista Gary Lucas colaboró creando los riffs principales (uno de los puntos fuertes, por cierto), y la producción del propio Jeff Buckley junto con Andy Wallace, si bien no se corresponde con lo que luego eran capaces de llevar al directo, es impecable. A principios de los año 90, vemos que realmente era un tema bastante atemporal. Sobre esta canción, ya concretando, un análisis algo más detallado dará luz a sus virtudes. El sonido en general nos sitúa en un rock sólido, con el ritmo de batería bien marcado, guitarras de sonido limpio pero con riffs claros y acordes llenos. En este ambiente nos encontramos con un misterioso teclado apenas perceptible pero que aporta un contrapunto que oscurece el conjunto, así como las cuerdas, con un efecto similar. En la segunda estrofa se nos mete a lo banda sonora, para después puntualizar con pizzicato; posteriormente escucharemos el sonido de la madera de los arcos, tras el segundo estribillo… Sobre esta orquestación destaca la prodigiosa voz de cuatro octavas y media de Jeff Buckley, quien se reserva sus mejores agudos y potencia para terminar como es debido, en medio de la confusión del flanger, con pocos momentos de varias voces, aunque muy bien elegidos. Sin duda alguna una canción no deja a nadie indiferente. Un disco para escuchar una y otra vez.

Gossip la canción destacada del tercer álbum de estudio de la banda italiana Måneskin. Esta vez junto a al gran guitarrista Tom Morello destacado y legendario por ser parte de "Rage Against the Machine". 17 canciones vienen en el disco "Rush" de Måneskin siendo "Gossip" la que destaca por fuerza y letra. El tema de rock ‘n’ roll desenfrenado “ha traído la rabia a  Maneskin”, como declaró el baterista del grupo, Ethan Torchio. El tema nace de un riff que el guitarrista Thomas Reggi tenía entre  sus borradores hacía un buen tiempo y con la llegada de Morello, los  miembros de la agrupación decidieron echarle un ojo para descubrir que  tenía un gran potencial. “Se unió el icono Tom Morello y aportó algo más  a la clásica alegría uptempo de Måneskin”, señaló la bajista Angelis. A  esto, el vocalista Damiano David también dio sus declaraciones ante  semejante colaboración. “La enorme experiencia de Tom Morello nos ha  permitido aprender a trabajar en los temas sin darle demasiadas vueltas.  No podemos agradecerle lo suficiente que se haya unido a nosotros en  este tema. Es un honor para toda la banda”. Pero el honor no fue solamente por parte de la banda italiana, sino que el miembro de Rage Against the Machine halagó el  trabajo de los intérpretes de ‘Beggin’’. “Cuando me enteré de que había  una banda de rock and roll de Italia que estaba arrasando en todo el  mundo me dije: ‘¿En serio? Por favor’. Luego, cuando les vi tocar en  directo, me quedé alucinado. Son un grupo rotundamente ruidoso,  rotundamente sexy y rotundamente ROCK, y merecen ser uno de los  abanderados del rock and roll para las nuevas generaciones”.

"Bailando Solo" de Los Bunkers. Canción incluída en el disco La velocidad de la luz (2013). Esta canción tiene un estilo más moderno que canciones de los otros discos de esta banda, un tema muy bailable, con teclados y sintetizadores, manteniendo su estructura de rock clásico que siempre ha caracterizado a Los Bunkers. Fue lanzado como sencillo el 5 de abril de 2013, en formato de descarga digital, para promocionar el álbum La Velocidad de la Luz. El 7 del mismo mes llegó a la tienda en línea de iTunes. La canción además fue incluida en la gira que comenzó la banda en ese año, donde recorrieron todo Chile, comenzando con el sur. No quedan dudas de que Bailando Solo es una de las canciones más icónicas de la carrera de Los Bunkers. Como parte de La Velocidad de la Luz, este sencillo se consagra como uno de sus temas más exitosos de todos. Una Canción llena de buena onda, pero con una letra que digna de analizar. Mauricio Durán revela grandes secretos de la legendaria banda nacional. La canción icónica de Los Bunkers y su más escuchada actualmente en plataformas de streaming. Una canción con estilo bastante ochentero. Según Mauricio Durán se inspiró en dos canciones como Dancing With Myself de Billy Idol y Dancing in the Dark de Bruce Springsteen para dar nombre a este super tema. La canción describe muy bien la sensación física y sicológica de quien se mete estas drogas medias raras. La elevación de la temperatura corporal, la forma en la que se percibe la música y el placer que se siente no solo con la persona a tu lado, sino también con uno mismo, confesó Mauricio Durán.

Precursores del Protopunk el término no describe a un género musical sino a un grupo de bandas. Tampoco fue un movimiento musical propiamente dicho. Los Saicos fueron clasificados de esta manera y fueron inclasificables en su momento y esto no cambió hasta bastante tiempo después del surgimiento del punk, momento en que esta clasificación se empieza a usar retrospectivamente para unir bajo una sola palabra a todas estas bandas. Hasta este momento no había nada que uniera a las bandas lo suficiente. Los Saicos grupo surgido en el Perú de los sesentas que la mitología del rock ubica como uno de los precursores del punk, a partir de su música estridente, chirriante y poco complaciente. Los Saicos se fundó en 1964, en el distrito de Lince, en Lima. Estuvo conformada por César Castrillón, Rolando Carpio, Erwin Flores y ‘Pancho‘ Guevara, quienes por aquellos años apostaron por tocar una música con un estilo salvaje y rebelde. Tenían apenas 19 años cuando comenzaron a tocar y desde sus inicios llamaron la atención del público por sus canciones. Los miembros de Los Saicos han sido considerados en varias oportunidades los pioneros del punk en Perú y el mundo.Los gritos y el sonido crudo marcaron el rumbo del grupo. “Era algo totalmente lúdico, las canciones nos salían así porque simplemente nos queríamos expresar. Es más, cuando nos salían unos acordes romanticones, nos jodía. De sus sencillos, grabados entre 1965 y 1966, los más conocidos son «Demolición», «Fugitivo de Alcatraz», «Cementerio», «El entierro de los gatos», «Ana» e «Intensamente», los cuales se han convertido en himnos del rock peruano y, con el tiempo, han propiciado el reconocimiento de la banda internacionalmente. En esa época la gran mayoría de los grupos trataban de imitar el estilo de grupos británicos como The Beatles y cantar en inglés. Sin embargo Los Saicos no siguieron esa línea, tampoco hicieron covers de otras bandas y decidieron cantar en español composiciones propias y así definieron un estilo único. Solo tienen dos canciones en inglés que fueron hechas en sus inicios por ellos mismos: «Come on» y «Lonely star».

Aunque la colaboración entre el mítico grupo de rap Run DMC y la banda de rock Aerosmith no fue el primer crossover entre hip hop y rock, sí que fue la que más acabó cambiando en la historia de la música. A mediados de los ochenta, Run-DMC solía improvisar en los directos con el inicio de ‘Walk This Way‘ (la canción original de Aerosmith, de 1975) loopeada. A decir verdad, los integrantes del grupo no sabían muy bien ubicar a Aerosmith y puede que ni siquiera hubieran oído la canción entera, más allá de los primeros segundos sobre los que rapeaban improvisando frente al público. Fue de Rick Rubin (como tantas otras veces) la genial idea de ponerse en contacto con Aerosmith y grabar una colaboración que acabaría siendo histórica y sonando en todo el mundo. Tengan en cuenta que el rap en aquella época era algo mucho menos asentado a nivel global, aunque también un género considerado más novedoso, callejero, subversivo y refrescante. Lo curioso de la versión de ‘Walk This Way’ entre Run DMC y Aerosmith es que no solo escaló en las listas de ventas generales, sino también en las de rock y rap, es decir: gustó a gente aficionada a dos géneros musicales completamente diferentes y hasta entonces apartados. Por si fuese poco, la canción volvió a poner en el mapa a Aerosmith, que llevaba algunos años apartada del mainstream debido a los problemas de Steven Tyler con las sustancias ilegales. El genial videoclip (rodado en Nueva Jersey) también ayudó al éxito de la canción. Aunque hoy nos parece que está todo inventado, lo cierto es que la idea del histórico productor Rick Rubin (un tipo que ha ganado premios Grammy en tres géneros diferentes) no solo abrió las puertas a las colaboraciones entre rap y rock, sino que mostró los inicios de un género llamado rap metal que tendría bastante éxito veinte años después. Rubin, como siempre, no esperaba a que la historia sucediese, sino que la inventaba a tiempo real.

“Blinding Lights” la colaboración de Rosalía junto The Weeknd. Analizamos la versión que ambos artistas hicieron del gran éxito del 2019 que sigue entre lo más escuchado en Spotify. La polémica es que no a todos los seguidores quedaron conformes con el resultado. Blinding lights fue lanzada originalmente el 2019 y ha arrasado en todo el mundo: ha permanecido en las lista de los temas más escuchados en el streaming. Rosalía suma una segunda colaboración en cosa de días, ya que la semana pasada se estrenó su colaboración con Bad Bunny en La noche de anoche. El tema comienza con la voz de Rosalía, bastante más aguda que de costumbre, en español. Precisamente han sido las partes en castellano interpretadas por la catalana. La inserción de muletillas como "bebé" al final de algunas frases no acaban de encajar bien en el estilo de la canción que, en su versión original, es un grito desesperado de ayuda. La voz de la española con la de The Weeknd se fusionan en el estribillo donde sí parecen acoplarse bastante bien. Pese a arrasar en otros premios como los MTV Video Music Awards y los American Music Awards, no obtuvo ninguna nominación a los Grammy, algo que molestó al cantante: “Los Grammy siguen corruptos. Me deben a mí, a mis fans y a la industria la transparencia”. Una Canción bastante ochentena con bits y ritmos basados en sintetizadores que recuerdan a los A-Ha. Todos un a onda bailable que no te deja indiferente a pesar de que la letra del tema es un poco triste y dramática.

"Ruiner" es la sexta pista de The Downward Spiral, algún lanzado en el año 1994 por Nine Inch Nails "NIN". Un álbum conceptual que detalla la autodestrucción de un hombre desde el comienzo de su "espiral descendente" misantrópica hasta su punto de ruptura suicida. The Downward Spiral ha sido considerado por los críticos musicales y el público como uno de los álbumes más importantes de la década de 1990, y fue elogiado por su naturaleza abrasiva y ecléctica y sus temas oscuros, aunque fue sensacionalizado por los conservadores sociales por algunas de sus letras. El mismo Trent Reznor declaró que "Ruiner" había sido "la canción más difícil de escribir" para el este disco."Tengo una vibra tan mala de esa canción ahora, de que apesta de tantas maneras diferentes. Y declaró que en realidad "eran dos canciones diferentes pegadas". "Ruiner" se caracterizan por poseer sonidos industriales, capas y más capas de efectos de sonido muy procesados ​​que son increíblemente difíciles de identificar y tienen la distorsión y el ruido suficientes como para hacerte pensar que estás a punto de hacer mierda tus parlantes. Las «guitarras» se dejar entrever tímidamente, pero la influencia de la música rock es significativamente menos pronunciada cuando se compara con temas como «Heresy» o la enorme «March of the Pigs», las cuales tienen una estructura más fácil de seguir.

"Olor a Gas", canción incluida en su cuarto disco de estudio llamado “Fome” lanzado el año 1997. Un disco absolutamente redondo. Es homogéneo. Y es un álbum emocionalmente muy potente. Empieza y termina con instrumentales creados en la mente de “Titae”, que comparten un sonido y un ambiente (en blanco y negro, no?). ‘Claus’ es música de película, casi estilo James Bond, que parece dar inicio a un mundo lleno de suspenso e historias maravillosas; ‘Largo’, en cambio, es como el final de fiesta, también fácil de relacionar a algún film, que parece representar la satisfacción de todos los protagonistas de haber cumplido la tarea y no haber dejado cabos sueltos. Repito, jamás fue pensado como un álbum conceptual, pero detalles como estos lo ponen varios peldaños por sobre sus contemporáneos. “Fome” tiene como característica un sonido explosivo, agresivo, oscuro, rockero y variado. Se experimentan varias sensaciones cuando se escucha el álbum. La música habla por sí sola, siempre con la impecable interpretación de Álvaro Henríquez, Roberto “Titae” Lindl, Ángel Parra y Pancho Molina. ‘Olor a gas’ pese a lo trágico de la historia, su guitarreado comienzo es de lo más luminoso que hay en la placa. Y qué buena que es! Sublime melodía, con la delicadísima lap steel de Ángel, que llora mientras la banda llora por una historia que nadie más hubiese podido contar si no eran Los Tres.

Down By The Water es el potente y sorprendente primer single del disco ‘To Bring You My Love‘ lanzado en 1995 por PJ Harvey. Una canción en cuya melodía se intuye cierta inspiración folclórica, amordazada por un teclado que chisporrotea negrura y que erizan el vello, mientras Polly susurra con ansiedad lo que interpretamos como una murder ballad. Inolvidable, también, ese vídeo con aspecto de mujer fatal. PJ Harvey ya le había mostrado al mundo su colección de fobias y perversiones en sus dos primeros álbumes, Dry y Rid of Me, por lo que, para su tercer disco, quería dejar de exponerse para escribir desde la más pura ficción. El resultado fue To Bring You My Love (1995), y el single "Down by the Water" en particular. El cambio también era sonoro: a la fórmula cruda de sus inicios, ahora la niña mala de Birdport tenía para agregar órganos procesados y ensambles orquestales. Así fue como Polly Jean decidió abandonar la autorreferencia, pero no el tono sombrío de sus composiciones, y es por eso que la letra de "Down by the Water" no es ni más ni menos que el relato de cómo una mujer ahoga a su hija en las aguas de un río y luego se arrepiente ("Ayúdame, Jesús, a volver desde la tormenta. Tuve que perderla, hacerle daño. La escuché gritar, la escuché gemir"). Como era de esperarse, al ser su primer relato ficcionalizado, varios interpretaron erróneamente el tema y no tardó en correrse el rumor de que Harvey efectivamente había cometido filicidio. Una canción en la que se incluyen violines, violas, celos, teclados y percusiones que te atemorizan y que te dejarán sin aliento. El primer single de este disco y también el que lanzó a PJ a la fama en todo el mundo.

En 1991 bajo la compañía Warner Bros Records sale al mundo el primer disco, homónimo, de Mr. Bungle. Tras este nombre se hallaba el cantante de Faith No More, Mike Patton, junto a unos amigos de la pequeña localidad californiana de Eureka que venían tocando desde el año 1985. De la producción del disco se encargó el saxofonista John Zorn, músico extravagante donde los haya. No es fácil definir la música incluida en este primer LP, que es una coctelera de estilos y donde predomina el caos. De un Vals pasamos -dentro de la misma canción- al más violento Thrash Metal, ruidos de grabaciones caseras, Free Jazz, música circense ... y silencios. Hoy hablamos de una de sus canciones, la segunda del disco y que casi 7 minutos te da vuelta la cabeza. Esta canción llamada "Slowly Growing Deaf" nos cuenta a historia de esta payaso y como comienza su decadencia. Es difícil escucharlo entero sin sufrir daños en el sistema nervioso, por lo que está contraindicado para personas a las que el médico haya recomendado sosiego, así como a los poco abiertos de mente en general. Se catalogó como Funk-Metal, etiqueta que les viene demasiado pequeña. En algún momento nos pueden recordar a los alocados Red Hot Chili Peppers de la primera época, a Fishbone, a Infectious Grooves o a Primus. El nombre de Mr. Bungle está inspirado en en el muñeco que aparecía en el programa The Pee Wee Herman Show.

Analizamos y conversamos sobre la canción mas feliz de la historia.  Don’t stop me now de Queen es un gran tema que viene en el álbum Jazz  lanzado en el año 1978. En esta oportunidad apreciamos y compartimos  nuestras opiniones sobre este gran tema. Disfruta, escucha y comparte. Don’t stop me now de Queen fue designada en 2018 como la canción más feliz de la historia. ¿Qué hizo que se llevara el título? La música nos acompaña a lo largo de nuestra vida. Tanto en los  momentos felices como en los más melancólicos siempre hay alguna canción  que evoca nuestros recuerdos. A pesar de que cada uno tenemos unas  preferencias musicales, existe un patrón respecto a la melodía que nos  provoca felicidad. Así lo determinó Jacob Jolij, un neurocientífico cognitivo de la  Universidad de Groningen (Holanda), que se propuso investigar cuáles  eran las canciones más felices del mundo. Para ello, ideó una fórmula  para calibrar la felicidad que produce una canción. Para su estudio contó con dos mil personas y examinó los beats por  minuto de las canciones, el ritmo, el análisis de las letras y la  temática de las mismas. De esta forma, determinó que Don’t stop me now  de Queen, con un promedio entre 140 y 150 beats por minuto, era la  canción más feliz de la historia. Esta canción realizada como sencillo del disco Jazz, y es la canción  número doce de ese álbum. El tema se basa en el piano tocado por  Freddie, mientras entraban a hacer acompañamiento Roger y John con la  batería y el bajo respectivamente, en la versión de estudio, Brian solo  interviene con la guitarra durante el solo, mientras que en la versión  en vivo que apareció durante el Jazz Tour y el Crazy Tour, tocaba  acordes para darle un sonido más inclinado hacia el rock. Si bien la canción alcanzó el noveno puesto en las listas británicas,  superando a Bicycle Race/Fat Bottomed Girls, que solo alcanzó el puesto  número ochenta y seis en Estados Unidos. La canción fue utilizada para un comercial de VH1 y para un anuncio  de Telefónica. También fue utilizada en la película Shaun of the Dead. En el 2005 fue elegida por los espectadores del programa de  televisión de la BBC Top Gear como «La mejor canción para conducir de la  historia».

Miguel y Andrés, las cabezas de este podcast llamado "Los Tallarines de Pantera". Nos presentamos y te contamos de como iremos abordando la música y la apreciación musical mediante invitados, análisis de canciones, artistas, obras célebres de la música, etc... Amigos melómanos en torno a una conversación sobre lo mas lindo que nos ha regalado la vida.. "La Música"...! sean todos bienvenidos.