GRANDES DEL JAZZ

Ella Jane Fitzgerald (Newport News, 25 de abril de 1917 - Beverly Hills, 15 de junio de 1996), conocida como Ella Fitzgerald y apodada Lady Ella y The First Lady of Song (La primera dama de la canción), fue una cantante estadounidense de jazz. No obstante esta condición básica de jazzista, el repertorio musical de Ella Fitzgerald es amplísimo e incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, canciones navideñas, pop, etc. Junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, está considerada como la cantante más importante e influyente de la historia del jazz..

Ella Jane Fitzgerald (Newport News, 25 de abril de 1917 - Beverly Hills, 15 de junio de 1996), conocida como Ella Fitzgerald y apodada Lady Ella y The First Lady of Song (La primera dama de la canción), fue una cantante estadounidense de jazz. No obstante esta condición básica de jazzista, el repertorio musical de Ella Fitzgerald es amplísimo e incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, canciones navideñas, pop, etc. Junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, está considerada como la cantante más importante e influyente de la historia del jazz.

"Monk in Oslo" 1966. Thelonious Monk - piano Charlie Rouse - tenor sax Larry Gales - bass Ben Riley - drums.

Thelonious Sphere Monk (Rocky Mount, Carolina del Norte, 10 de octubre de 1917 - Weehawken, Nueva Jersey, 17 de febrero de 1982), más conocido como Thelonious Monk fue un pianista y compositor estadounidense de jazz. Su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947, apenas varió en los 25 años siguientes. Pianista fundador del bebop, tocó también bajo el influjo del hard bop y del jazz modal. Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios temas clásicos del repertorio jazzístico, destacando "Round About Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk".

Kind of Blue es un álbum de estudio del músico estadounidense de jazz Miles Davis editado en 1959.La grabación tuvo lugar en el 30th Street Studio de la Columbia Records en la ciudad de Nueva York en apenas diez horas repartidas en dos días, el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959. Acompañaron a Miles el legendario saxofonista John Coltrane y el contrabajista Paul Chambers, el equipo se completó con Julian "Cannonball" Adderley, en el saxofón alto, Jimmy Cobb a la batería y Bill Evans al piano. Su lanzamiento se produjo el 17 de agosto por el sello discográfico Columbia en formato mono y estéreo. 1. So What 2. Freddie Freeloader 3. Blue in Green 4. All Blues 5. Flamenco Sketches.

Blue Train es un álbum de jazz de John Coltrane, publicado en 1957. Es considerado por muchos como el primer álbum auténticamente de solos de Coltrane, el primer grabado con músicos y canciones exclusivamente de su elección. Todas las piezas fueron compuestas por Coltrane, excepto una ("I'm Old Fashioned", de Jerome Kern y Johnny Mercer). La pista que da nombre al disco es larga, un blues rítmicamente heterogéneo con un melancólico tema en tonalidad menor que gradualmente cambia a tonalidad mayor durante el primer coro de Coltrane. "Locomotion" también es una melodía en clave blues...

Charles Christopher Parker Jr. (Kansas City, 29 de agosto de 1920 - Nueva York, 12 de marzo de 1955), conocido como Charlie Parker, fue un saxofonista y compositor estadounidense de jazz. Apodado Bird, es considerado uno de los mejores intérpretes de saxofón alto de la historia de ese género musical, siendo una de las figuras claves en su evolución y uno de sus artistas más legendarios y admirados.

Eunice Kathleen Waymon (Tryon, Estados Unidos, 21 de febrero de 1933 - Carry-le-Rouet, Francia, 21 de abril de 2003), conocida como Nina Simone, fue una cantante, compositora y pianista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues y soul. Se la conoce con el sobrenombre de «High Priestess of Soul».

Eunice Kathleen Waymon (Tryon, Estados Unidos, 21 de febrero de 1933 - Carry-le-Rouet, Francia, 21 de abril de 2003), conocida como Nina Simone, fue una cantante, compositora y pianista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues y soul. Se la conoce con el sobrenombre de «High Priestess of Soul».

Este trío, formado por gran trompetista Dizzy Gillespie y el saxofonista jugadores Sonny Rollins y Sonny Stitt , dado a conocer por lo menos tres álbumes juntos durante el apogeo del Bebop - Duets, con Sonny Stitt y Sonny Rollins y Sonny Side Up "THE ETERNAL TRIANGLE

Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz.

Ella Jane Fitzgerald (Newport News, 25 de abril de 1917 - Beverly Hills, 15 de junio de 1996), conocida como Ella Fitzgerald y apodada Lady Ella y The First Lady of Song.Louis Armstrong(Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – Nueva York, 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.-Dream a Little Dream of Me.

Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz.

Eleanora Fagan Gough (Filadelfia, 7 de abril de 1915 - Nueva York, 17 de julio de 1959), conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz.

Benny Goodman - su nombre completo era Benjamín David Goodman - nació en Chicago el 30 de mayo de 1909 en el seno de una numerosa y humilde familia judía de origen polaco. Benny era el noveno de doce hermanos. Empieza a estudiar música en la sinagoga "Kehelah Jacob" formando parte de su orquesta juvenil. En aquella época visita Chicago algunos músicos provenientes de New Orleáns, y cuando les escucha, Benny Goodman adopta el jazz como su música para siempre. Con catorce años obtiene el carné del sindicato de músicos y es contratado en la orquestad de baile de Bill Grimm. Allí conoce al legendario cornetista, Bix Beiderbecke, que actúa en la sala de fiestas: "Midway Gardens". En 1925, logra entrar por fin en una gran orquesta: la del batería, Ben Pollack. Allí estaría durante cuatro años que le sirvieron para coger experiencia sobre el funcionamiento de una bigband. Hasta 1934 no logra formar su primera propia orquesta. Lo contrata el empresario Billy Rose, y a continuación la emisora de radio NBC, lo llama para dar un programa semanal emitido a todo el país titulado: "Let's Dance". Pronto se convertirá en el director de orquesta preferido por la clase media americana, loca por bailar en los años treinta. Está comenzando la "Era del swing" y Goodman, esta muy bien colocado. Conoce al productor y brillante cazatalentos, John Hammond y comparte con él la actitud antirracista de este personaje miembro de una de las familias mas ricas de los Estados Unidos. Comienza a integrar en su banda a famosos solistas negros, como el maravillosos pianista, Teddy Wilson, o el vibrafonista, Lionel Hampton, con quienes compartirá su celebre cuarteto completado con el explosivo, Gene Krupa a la batería. Goodman, fue un valiente pionero en la idea de imponer a los empresarios de los clubes y locales que sus músicos tocaban con el, con independencia del color de su piel. La orquesta de Goodman, vive un periodo esplendoroso en el que desfilan excelentes solistas como los trompetistas: Bunny Berigan, Ziggy Elman o Harry James; los trombonistas: Vernon Brown o Red Ballard; los saxofonistas, Vido Musso, Bud Freeman o Babe Russin; o los bateristas, Gene Krupa o Dave Tough y las vocalistas: Helen Ward, Peggy Lee o Martha Tilton. En 1937 participa en Los Ángeles en la película musical: "The Big Broadcast" y su carrera va imparable hacía el acontecimiento que le proclamaría para siempre: "El rey del swing", el concierto de enero de 1938 en el Carnegie Hall. En 1939, Goodman se va de RCA y ficha por Columbia. Es el año en que se le marchan varios instrumentistas destacados, entre ellos, el espectacular, Gene Krupa, pero también es el año en que incorpora a su banda a un joven guitarrista de Oklahoma, llamado Charlie Christian. Un músico que no solo va a revolucionar el arte de la guitarra en el jazz, sino que es un músico fundamental para la música que venía en la década posterior. Benny Goodman, es nombrado a finales de 1939 mejor solista y y su banda y el sexteto que forman ocupan los números unos, en las votaciones de la prestigiosa revista, Down Beat. Charlie Christian, es elegido mejor guitarrista. Ya en 1942, logra a duras penas sobrevivir al empuje del bebop, y finalizada la "era del swing" resiste como puede. Llega la II Guerra Mundial y con ella el final de las bigbands. En 1955, Hollywood, realiza la película de su vida, "The Benny Goodman Story", dirigida por Valentine Davis, con Steve Allen, en el papel de Benny. Como casi siempre, la película es bastante mediocre, pero el montaje musical es sobresaliente. Aupado por esta nueva bocanada de aire fresco, sale de gira por Europa, por Oriente Medio a cuenta del Departamento de Estado, quien le proporciona la frivolidad de dar un concierto de jazz en la misma Unión Soviética y en pleno auge de la guerra fría. Fue en Moscú en 1962. Benny Goodman, murió el 13 de junio de 1986, a los setenta y siete años. Su vida hasta el último momento estuvo dedicada honestamente a la música de jazz

Sin restarle meritos a toda una serie de grandes guitarristas del jazz como Barney Kessel, Tal Farlow, Kenny Burrell, Jim Hall o Jimmy Rainey, es sin duda, Wes Montgomery, (1923-1968), quien recoge con mas fuerza y propiedad el testigo que dejara en la guitarra de jazz, el gran maestro, Charlie Christian. Nacido en el seno de una amplia y modesta familia, Wes Montgomery, se trasladó con su padre a Ohio junto a su hermano mayor Monk, cuando el matrimonio se separó. Con diecinueve años compró su primera guitarra y se maravillaba del solo que Charlie Christian había grabado con Benny Goodman titulado "Solo Flight". Dotado de un oído excepcional, tuvo sus primeros trabajos como guitarrista en algunos clubes de Indianápolis como el "440 Club". En mayo de 1948, Lionel Hampton lo incorpora a su banda con quien permaneció durante dos años lo que le valió la posibilidad de tocar con Charles Mingus, Fats Navarro e incluso acompañó a la guitarra a la gran Billie Holiday y pudo grabar sus primeros discos con Hampton y con su vocalista, Sonny Parker. Padre de familia numerosa, sus obligaciones domesticas le condicionaban a trabajar muchas horas al día para mantener a su familia. Sus hermanos, Buddy Montgomery (vibrafonista y pianista) y Monk (contrabajista eléctrico) le prprpusieron formar un grupo para tocar en la Costa Oeste y en 1957 formaron el cuarteto "The Mastersounds" consiguiendo algunos contratos de grabación con el sello "Pacific Jazz". Wes Montgomery, participó en cinco álbumes, el primero de ellos titulado: "The Montgomery Brothers plus Five Others" que fue también la primera grabación del trompetista, Freddie Hubbard. A pesar de su calidad, el éxito tardó en llegar. Tuvo que intervenir casualmente el saxo alto, Cannonball Adderley, que venía de un concierto en Indianápolis y había escuchado a Wes, tocar en el "Missile Room", un club local, para recomendárselo al director musical de sui compañía de discos. Así empezó una fructífera relación de Wes Montgomery con el sello Riverside que duro cinco años. Dos semana después de firmar, Wes Montgomery grababa en New York su primer disco para Riverside con el organista, Melvin Rhyne y el baterista, Paul Parker, el mismo acompañamiento que tenía en el "Missile Room". En 1960 realiza la grabación del que muchos consideran el mejor disco de su carrera titulado "The Increíble Jazz Guitar". La aparición de aquella grabación entusiasmo a críticos, especialistas y aficionados y las revistas, Down Beat y Metronome le otorgaron los premios anuales al mejor guitarrista de jazz. Con el éxito alcanzado, volvió a tocar con sus hermanos grabando otros tres discos como "The Montgomery Brothers" y otro mas con el pianista ciego, George Shearing. Durante 1961 y 1962 participó en el Festival de Jazz de Monterey y también tocó con el cuarteto de John Coltrane. Cuando el sello Riverside se colapsó tras la muerte de su presidente, Bill Grauer, Wes ficha por la compañía Verve quien en aquella época era dirigida por Creed Taylor, propietario poco tiempo después del sello CTI. Con Verve consiguió un premio Grammy al álbum "Goin' Out Of My Head" en 1965, un registro demasiado edulcorado, pero antes había dejado grabado en directo en el club neoyorkino "Half Note" un álbum extraordinario titulado: "Smokin' at The Half Note". Ya apenas tuvo tiempo pra grabar su ultimo disco titulado "Road Song" grabado a primeros de mayo de 1968 y que fue publicado tras la muerte del guitarrista, fallecido repentinamente de un ataque al corazón apenas veinte días después, el 15 de junio de 1968 con tan solo 45 años. En palabras del critico de jazz, Ralph Gleason, "....Wes Montgomery fue lo mejor que le sucedió a la guitarra de jazz desde la muerte de Charlie Christian." Y hoy en pleno Siglo XXI, esa frase conserva plena vigencia

Uno de los pilares del revivalismo del dixieland en Gran Bretaña, es este magnifico trompetista nacido en Buckinghamshire, Inglaterra. Humphrey Lyttleton, basa su éxito en un sonido de trompeta fuerte y aderezado con el vibrato justo y el fraseo relajado. Lyttleton, inició su carrera inmediatamente después de que terminó la guerra con los "Dixielanders" de George Webb, y en 1948 constituyó su propia orquesta, a la que pertenecían el clarinetista, Wally Fawkes, el trombonista, Harry Brown, el pianista, George Webb, el banjoista, John Robinson, y él mismo. Con este grupo actuó primero en el Festival de jazz de Niza y después en el "Londonder Jazz Club". En 1949 con su orquesta en la cresta de la ola, tuvo el privilegio de acompañar al clarinetista criollo, Sidney Bechet en uno de sus múltiples conciertos por Europa. De 1949 a 1951, Humphrey Lyttleton, modificó su orquesta dando entrada en la misma a Keith Christie, al trombón en lugar de Harry Brown, entre otros. En 1951 grabó con la orquesta del pianista australiano, Graeme Bell y poco después, con su propia orquesta, cumplio su sueño de realizar su primera gira a los Estados Unidos. Lyttleton, además de músico es periodista, profesión que ha aprovechado para escribir varios libros acerca de los primeros años del jazz. Entre sus discos mas importantes hay que destacar de su primera época el titulado: "Gatemouch Blues" y de su época mas reciente, "Motenn Swing".

Nacido en Los Ángeles, el que fuera uno de los mejores saxofonistas tenores del bebop y el hardbop, el joven Dexter Gordon, aprendió teoría musical y clarinete, antes de escoger, el saxo alto a los quince años y, definitivamente el tenor dos año después. Su carrera comenzó con la orquesta de Lionel Hampton, con la cual permaneció tres años. Después de actuar durante seis meses con la orquesta de Louis Armstrong (1944), fue contratado por Billy Eckstine, por un periodo de un año y medio. De nuevo en Los Ángeles, participó en un sexteto al lado de Charlie Parker y Miles Davis, para, seguidamente, crear su primer cuarteto, con el que desarrolló una intensa actividad entre Los Ángeles y Nueva York. Durante esta época grabó con Dizzy Gillespie, Fats Navarro, Charlie Parker, J.J. Johnson y Tadd Dameron, antes de asociarse con Wardell Gray, con quien protagonizó interesantes duelos entre 1947 y 1952 y de los que nació el disco "The Chase" (1947) . Después de pasar unos años en prisión (1953-1955) por un asunto de drogas, grabó tres discos, "Daddy Plays The Horn", "Stanley The Steamer" y "Dexter Plays Hot and Cool", al que siguió un periodo de olvido para volver en 1960 cuando escribe la música para la obra de teatro, posteriormente pasada al cine, "The Connection" y graba el disco "The Resurgence of Dexter Gordon". Seguidamente firmó un contrato con Blue Note que daría siete excelentes discos, entre los que destacan "Doin' Allright", "Dexter Calling" (ambos de 1961), "Go" y "A Swingin' Affair" (ambos de 1962) y sobre todo, "Our Man In Paris" en 1963. Dificultades laborales le impidieron el poder desarrollar todo su talento expresivo. Fue providencial la invitación a actuar al Ronnie Scott's de Londres, que significó el inicio de un largo exilio europeo. A partir de 1962 se instala en Dinamarca, donde es tratado con respeto y afecto, grabando muchos discos para el sello SteepleChase con músicos que viven o están de paso por Copenhague, como Kenny Drew, Horace Parlan o el pianista español, Tete Montoliu. Al mismo tiempo se presenta en muchos festivales europeos (Malmoe, Molde, San Remo, Berlín, Lugano) y también en pequeños clubes, dejando su magistral huella en París a través de dos discos históricos de Blue Note, el ya citado, "Our Man in París" (1963, con Bud Powell) y "One Flight Up". Sin embargo siguió yendo a Nueva York por cortos periodos de tiempo; en 1976, por ejemplo fue contratado por el Village Vanguard, en un regreso que significó el renacimiento del Bebop en los Estados Unidos. A partir de entonces, su vida se dividió entre Estados Unidos y Europa. Su estelar participación en una de las obras cumbres del jazz y el cine como fue la película dirigida por el cineasta francés, Bertrand Tavernier en 1986 y titulada "Round Midnight" fue el punto y final glorioso a una vida llena de música y sensibilidad.

Joe Henderson (1937-2001) quizás sea el saxofonista tenor mas importante del jazz surgido tras la estela de John Coltrane y Sonny Rollins. Durante su juventud, el saxofonista mantuvo una actividad constante y de resultados brillantes en formaciones y grupos muy sólidos y diversos como cuando estuvo con el pianista, Herbie Hancock, o Donald Byrd. Su estilo, elegante y discreto y sus estudios en el "Kentucky State College" y en la "Wayne State University", sirvieron para modelar a un músico que estaría destinado a ser alguien importante en la escena del jazz. Pocos músicos de jazz podrán esgrimir una carta de presentación tan rotunda y de tanta calidad como cuando Joe Henderson se metió en los estudios de grabación para grabar en el sello Blue Note una obra maestra de jazz imperecedera como fue el titulo de su primer álbum titulado significativamente "Page One". Apenas dos meses antes de esa histórica grabación, Joe Henderson había entrado por primera vez en una sala de grabación para acompañar al gran trompetista, Kenny Dorham -que posteriormente lo incorporaría a su grupo durante dos años, 1962 y 1963- en su álbum titulado "One More Time". Poco después también grabó con el guitarrista, Grant Green una sesión que dio como resultado el disco "Am i Blue". La participación de Henderson no pasó inadvertida para los directores musicales de Blue Note y rápidamente paso a engrosar la nomina de artistas del exquisito sello azul. En Blue Note grabó junto a Lee Morgan, Horace Silver (estuvo dos años en su grupo entre 1964 y 1966), Freddie Hubbard o McCoy Tyner, infinidad de excelentes discos y eso le abrió las puertas para lo que vendría después. En 1967, dejó la Blue Note y ficho por el sello "Milestone" donde debutó con un disco excelente titulado "The Kicker". Su carrera es imparable y se convierte en uno de los pocos instrumentistas del jazz que pudo escoger su propio destino y grabaría decenas de buenos discos con varios sellos discográficos. En 1985, vuelve nuevamente a grabar para la Blue Note para editar un gran álbum doble grabado en directo en el Village Vanguard de New York titulado: "The State of the Tenor" . En 1991 es con el sello Verve donde graba un disco enorme dedicado a la música de Billy Strayhorn titulado "Lush Life" y con el que ganó por primera vez un premio Grammy. Al año siguiente vuelve a grabar otra obra maestra dedicada en esta ocasión a la música de Miles Davis, titulado: "So Near, So Far" con el que consigue dos premios Grammy mas. Casi al final de su carrera y coincidiendo con la muerte del gran guitarrista y compositor, Antonio Carlos Jobim, sacó al mercado para el sello Verve, el álbum titulado "Double Rainbow" un monumento a la fusión entre el jazz y la música brasileña. Joe Henderson, murió el 30 de junio de 2001 con su ultimo álbum todavía caliente en la calle y que se tituló: "Porgy and Bess". Cuando murió era el saxofonista de jazz vivo mas importante junto al gran Sonny Rollins. Fue un músico sincero, honrado y dotado de una maestría indiscutible.

Stan Kenton (1911-1979), evidenció desde pequeño su pasión por el jazz. Sus modelos eran, el pianista, Earl Hines y el saxofonista, Benny Carter, un gran arreglista de la era del swing. Desde 1933, año en que comenzó a trabajar profesionalmente, hasta 1940, anduvo deambulando por distintas orquestas de jazz en diferentes estados americanos, destacándose principalmente en la bigband de Vido Muso, un saxofonista tenor de calidad contrastada. Cuando tuvo la oportunidad de dirigir su propio grupo, tuvo la valentía de incorporar a una cantante blanca de jazz llamada, Anita O'Day, con la que obtuvo un éxito impresionante, hasta el punto de convertirse en la mejor bigband blanca de su época, al nivel incluso de la del gran Woody Herman. Kenton, al frente de su orquesta, intentó fusionar la música clásica europea y la tradición jazzistica. De ese esfuerzo y enorme trabajo, quedó entre 1947 y 1956, infinidad de discos interesantísimos y de incuestionable sabor jazzistico, y además sacó a la luz, un par de cantantes blancas extraordinarias: la ya citada, Anita O'Day y poco después para sustituirla, a la magnifica, June Christy. En ese periodo grabó para Capitol, el corpus musical mas interesante de su carrera recogido en varios Lp's y recopilados en un cofre de cuatros compactos reeditados por el sello Capitol en 1994, su "alter ego" fue el arreglista, Pete Rugolo, un músico extraordinario nacido en Sicilia y educado en los Estados Unidos, que cumplió con Kenton, un papel análogo al que hizo, Billy Strayhorn con Duke Ellington. A partir de 1947, en la música de Stan Kenton, hubo de todo; desde el impresionismo debussiano, hasta el expresionismo de Stravinsky, pasando por la grandilocuencia wagneriana e incluso los ritmos y sonidos latinos del cono sur americano. En 1953, Kenton y su orquesta, viajaron a Europa y aunque el recibimiento en Paris fue extraordinario, la apoteosis de la orquesta se produjo en Dublín, donde hubo incluso manifestaciones publicas de sus fans por las calles dublinesas. En 1958, después de dos o tres años con la orquesta languidecida, un concierto en el "Rendez Vous Ballroom" de la localidad californiana de Balboa Beach, recuperó la orquesta a los niveles de los días de los grandes éxitos. Parecía que Kenton volvía a recuperar el tiempo perdido, pero la deserción de algunos de sus mejores solistas, hizo que aquel lucimiento fuera efímero. Durante casi veinte años mas, Kenton continuará experimentando y ensayando con su laboratorio-orquesta (en muchas ocasione formadas con músicos recién graduados de la Universidad), los sonidos mas dispares, pero una fractura de cráneo le apartó del jazz, muriendo el 25 de agosto de 1979. Por sus pupitres pasaron la flor y nata del jazz de la Costa Oeste americana: Conte Candoli, Art Pepper, Zoots Zims, Shelly Manne, Mel Lewis, Bud Shand etc, etc. Hoy a Stan Kenton, con la perspectiva que da el tiempo, se le reconoce la capacidad para generar espacios creativos, creador de sonidos nuevos y haber sido un líder de orquesta carismático e inventivo.

Chet Baker, nació en el ambiente de una granja rural típica de la región de Oklahoma. Hacía 1940, su familia se traslado a California, y allí su padre, aficionado a la guitarra, le inculcó la afición por el jazz a través de los discos de Jack Teagarden, un trombonista de la época del swing. Su primer instrumento fue lógicamente un trombón, pero su futuro no estaba escrito para deslizar varas, sino para presionar pistones. En el conservatorio de su ciudad, el "Glendale High Shool", aprendió nociones básicas de trompeta y enseguida empezó a tocar en las bandas juveniles imitando a los grandes trompetistas blancos de la época, Bix Beiderbecke y Harry James. Con 16 años se alistó en el ejercito y cuando se licenció, estudio teoría musical en el "Camino College", de Los Ángeles. Allí entró en contacto con los mejores trompetistas del bebop: Fast Navarro, Dizzy Gillespie, Red Roney, etc. Como el trabajo no abundaba, se reenganchó en el ejercito en 1950 aunque un destino nada cómodo en el desierto de Arizona le separó definitivamente de la vida militar. Vuelve a California y tuvo la fortuna de que Charlie Parker, que estaba de gira por la zona, necesitaba un trompetista para su grupo. Chet Baker, se puso a la cola de los mas de cincuenta aspirantes al puesto que esperaban turno de audición en el "Tiffany's Club". Después de escucharle, "Bird" tuvo bastante, suspendió la audición y lo contrató para varios conciertos en su gira californiana y también en Canadá. Tan impresionado quedo Charlie Parker de aquel joven, que a la vuelta a New York, advirtió a Dizzy Gillespie y a Miles Davis, que anduvieran con cuidado con aquel joven trompetista blanco. Conoció a Gerry Mulligan, en 1952 y formaron un peculiar cuarteto, el magnifico, "Gerry Mulligan Quartet" en el que por primera vez, desaparecía el piano para dejar paso a una línea de vientos ágil y contundente al mismo tiempo. Aquél sonido se hizo tan popular que fue tomado como insignia del del jazz que se hacía en la Costa Oeste de los Estados Unidos, a pesar de que Mulligan procedía de New York y Baker tenía todos sus admiradores en la Costa Este. Cuando Baker y Mulligan se separaron, el trompetista encontró a su siguiente socio, el magnifico pianista, Russ Freeman, con el que graba discos importantísimos. Viaja a Europa en 1955, y lleva al piano a Dick Twardzik, sustituyendo a Freeman que prefirió no viajar. Tiene problemas por asuntos de droga, y es detenido en Italia y posteriormente en Alemania, acusado de traficar con heroína. Graba unas excepcionales grabaciones en Paris y vuelve a New York donde con motivo de una brutal paliza, pierde los dientes y la facultad de embocar bien la trompeta. Se recuperó lenta y dolorosamente y en la última etapa de su carrera grabó numerosos y magníficos discos especialmente para sellos europeos. Su muerte se produjo en extrañas circunstancias - dicen que alguien lo arrojó por una ventana, el 13 de mayo de 1988. Con su muerte, el jazz perdió a un músico excepcional.

El saxofonista Hank Mobley no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores mas sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y mas tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: "Horace Silver and the Jazz Messengers"; Mobley entró en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ése quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach). Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly. Este quinteto, con excelentes rendimientos de Mobley, actuó en solitario y con el acompañamiento de la orquesta de Gil Evans. En los años sesenta, con la incorporación de los jóvenes rítmicos Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, ingresaría en el nuevo quinteto el tenor George Coleman, instrumentista de una pulcra sonoridad y gran inventiva. Hank Mobley por tanto, tuvo el honor de ser uno de los saxos tenores que formaron parte en algún momento del grupo de Miles Davis, pasando junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter, Dexter Gordon, George Coleman, Sam Rivers y John Coltrane a formar ese cuadro de honor que siempre constituyeron los saxos tenores de Miles. La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Por orden cronológico, la primera, y para nosotros la mejor, es el disco grabado en 1960 para Blue Note titulado: "Soul Station" con Paul Chambers al bajo; Art Blakey en la batería y Wynton Kelly al piano. El segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería. Un disco conceptualmente ya en línea con la vanguardia jazzistica que venia pidiendo paso y representado en el baterista Billy Higgins, uno de los músicos mas importantes en la batería del jazz contemporáneo. Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986.

Kenneth Earl Burrell, nació en una de las grandes localidades del blues en los EE.UU. la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser mas propicio para un joven que pronto se agarró a la guitarra de su hermano adoptando desde entonces el instrumento de cuerdas. Pronto empezó a tocar semiprofesionalmente con orquestas locales y estudiaba las composiciones de sus ídolos, Charlie Christian y Django Reinhardt. En 1951, le llega el primer contrato serio de la mano de un genial trompetista llamado Dizzy Gillespie, que por aquel entonces dirigía un sexteto donde también tocaba el vibrafonista Milt Jackson, y un jovencísimo saxo tenor que años mas tarde revolucionaría el mundo del jazz llamado, John Coltrane. Interrumpe brevemente su carrera musical para terminar los estudios de guitarra clásica en la "Wayne University" donde termina graduándose en 1955 con un diploma de "Bachelor of Music". Al año siguiente lo llaman para acompañar a Billie Holiday, en un magno concierto en el Carnegie Hall grabado por el sello Verve. Como recompensa a su buen hacer, empieza a ser llamado por diferentes grupos de jazz de distintos estilos. Así toca con los "Jazz Prophets" de Kenny Dorham, con Gene Ammons, y sobre todo con el organista, Jimmie Smith, con quien ha grabado numerosos y espléndidos disco para Blue Note. Pero Kenny Burrell, tiene también una amplia y excepcional discografía como líder de grupo y para los sellos mas prestigiosos como: Prestige, Verve, Cadet o Blue Note. Ya consolidado, le sale un dificilísimo competidor en la persona de Wes Montgomery, quien es prácticamente el mejor guitarrista en aquella época. En 1965 graba para Verve, el que es considerado uno de sus mejores discos: "Guitar Forms". Abre un local de jazz al que bautizó como: "The Guitar" y en los años setenta y ochenta viaja por todo el mundo para establecerse definitivamente en la Costa Oeste de los EE.UU. donde vive retirado en la actualidad.

Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión. Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington. En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria. Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta. En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto" A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.

Ciego de nacimiento y músico de formación clásica, George Shearing se acercó al jazz en la adolescencia, después de escuchar algunos discos de Art Tatum, Fats Waller y Teddy Wilson, pianistas por los que siempre sintió admiración. Sus comienzos fueron en algunos locales nocturnos de Londres con pequeñas formaciones irrelevantes y el salto a la fama lo dio cuando fue invitado a participar en la gran orquesta de Ted Heath. Poco después también tocó en las formaciones de Berg Ambrose y Claude Bampton. Afirmado ya como uno de los pianistas mas brillantes de Londres, fue descubierto por Leonard Father, que le ayudó a grabar sus primeros discos lo que acrecentó su fama convirtiéndose en el mejor pianista británico de su epoca. En 1939 grabó una serie de solos al piano destacando el tema: Prety Girl is Like a Melody" que algunos críticos consideraron como uno de los mejores temas del jazz europeo de aquellos años. Durante la II Guerra Mundial, tocó y grabó en Londres con el violinista, Stephane Grapelli en una sesiones inolvidables. En 1946, e invitado por su descubridor, Leonard Father, se trasladó durante el tiempo que duró la guerra de los Estados Unidos decidiendo posteriormente afincarse definitivamente en New York. Su actividad musical en América comenzó acompañado a la cante Sarah Vaughan y también ofreció algunos conciertos con Oscar Petifford, Kenny Clarke o Buddy de Franco. En 1949, reunió un quinteto a su nombre para participar en una grabación para la Discovery. Tuvo tal éxito ésa iniciativa, que decidió mantener activa esa formación, consolidando su quinteto entre los mejores combos de New York. Aquel grupo estaba formada por el vibrafonista, Margie Hyams, el guitarrista, Chuck Wayne, el contrabajista, John Levy y el baterista, Denzil Best. Con ése grupo grabó en la década de los cincuenta, un repertorio musical extraordinario, destacando: "East of the Sun", "September in the Rain" o el clásico "Lullaby of Birdland", convertido después en un estándar del jazz moderno. Por su quinteto pasaron entre otros, músicos como Cal Tjader, Toots Thielemans o Don Elliot. Sus grabaciones discográficas fueron siempre exquisitas, destacando el disco grabado con la cantante Peggy Lee en 1959 "Bauty and the Beat" para el sello Capitol. Al año siguiente formó un trío con el contrabajista Israel Crosby y el baterista Vernel Fournier. En 1961 tuvo un maravilloso encuentro con el pianista y cantante, Nat King Cole grabando uno de los ultimos discos de Cole en clave jazzistica. Antes, en 1960, también tuvo otro encuentro extraordinario con una cantante; fue en el disco grabado con Nancy Wilson titulado: "The Swingin's is Mutual" para Capitol. Con el paso del tiempo su faceta jazzistica fue decayendo poco a poco y actualmente está retirado de toda actividad.

El hombre que iba a ser líder de una de las mas extraordinarias orquestas de jazz de toda la historia y haría de ella el paradigma absoluto de "swing band" a imitar, empieza a recibir sus primeras clases de piano de su madre, una lavandera enamorada de la música. En 1923 se marcha a New York y escucha a los grandes pianistas del estilo "stride" imperante en la época: Fats Waller, James P. Johnson y Willie "The Lión" Smith, principalmente. Su primer trabajo profesional importante llega en 1925 cuando le contratan en el grupo que acompaña a la cantante y bailarina, Katie Krippen. Poco después participa en el "vaudeville", un género de música con letras picantes, que realiza el famoso "circuito TOBA" siglas del "Theatre Owners Booking Association", sindicato de empresarios especializados en espectáculos para negros en los EE.UU. En 1929, en Kansas City, entra a formar parte de una de las mejores bandas de la ciudad, la del pianista, Bennie Moten, de la que al poco tiempo es su pianista titular y desde donde graba sus primeros solos en discos. Cuando la banda se disuelve tras el fallecimiento de Bennie, le contratan en el Reno Club de la ciudad desde donde empieza a exportar el sonido que le haría famoso en el mundo entero y en esa orquesta ya estaba en la cuerda de saxos, un músico que revolucionaría la forma de tocar el instrumento: el gran Lester Young. El club Reno, tenía un acuerdo con una radio local que varios días a la semana conectaba en directo con el club y dado que esa emisora estaba conectada a una cadena de programas que se oían por todo el país, el promotor neoyorquino, John Hammond, escucha una noche de 1935 en el radio de su coche aquélla orquesta y se queda impresionado por el swing que generaba la banda de Count Basie. Apenas unas semanas después, Count Basie firma un contrato discográfico con la compañía DECCA, y comienza así una fulgurante carrera musical que le hizo famoso y popular. La II Guerra mundial apareció en el escenario y aquélla banda con solistas espléndidos como el ya citado saxofonista, Lester Young o Hershel Evans, los trompetistas, Buck Clayton o Harry Edison, tuvo una época de transición que una vez terminado el conflicto bélico explotó de nuevo. Norman Granz, el famoso productor lo contrata para su sello Verve en 1952 y Basie resurge como el Ave Fénix de sus cenizas con un concepto de música ya muy maduro y en la que introduce cambios importantes en su orquesta. Amplía la banda con cuatro trompetas, tres trombones, cinco saxos y cuatro de rítmica. El volumen sonoro aumenta y el sonido está mas trabajado. Incorpora grandes solistas, entre ellos el magnifico, Freddie Green y también al cantante, Joe Williams. Así a partir de aquellos años, y durante toda la década de los sesenta y durante los últimos veinte años de su vida, Count Basie se va a transformar junto con su orquesta en toda una institución y ya no pasará un año en que no realice giras por todo el mundo e incluso participe en algunas películas. Count Basie fallece mientras dormía el 26 de abril de 1984, y con el se fue el más grande, junto con Duke Ellington, líder de bigband de toda la historia del jazz.

Wayne Shorter (Newark, 1933), tocó el clarinete, pasándose al saxo tenor hacia el final de su adolescencia. Estudió música en la Universidad de New York a mediados de la década de 1950 antes de prestar servicio durante dos años en el ejercito norteamericano. En sus días de estudiante había tocado con varias bandas, incluyendo la que dirigía Horace Silver, y al ser dado de baja del ejército conoció a John Coltrane y juntos desarrollaron muchos enfoques teóricos sobre la música. En 1959 ingresó en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, permaneciendo con esa escuela de jazz hasta 1963. Con Blakey grabó mas de veinte álbumes ganándose un merecido prestigio. 1959 fue también el año en el que grabó su primer disco a su nombre, el espléndido "Blues a la Carte" (Affinity, 1959). Una etapa esencial de su carrera artística fue cuando en 1964 ingresó en el quinteto de Miles Davis, en el que estuvo hasta 1970. Allí coincidió con músicos de altísimo nivel como Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Las contribuciones de Shorter fueron muy importantes para el quinteto de Davis, el cual experimentó una expansión en los parámetros jazzisticos muy innovadores, comparables con los cambios acontecidos por el bebop en los años cuarenta. La influencia de Shorter a su maestro dio frutos en 1968 con la publicación de "Miles in the Sky" y "Filles de Kilimanjaro", que incorporaban elementos a su banda tan comunes en el rock como el teclado, la guitarra y el bajo eléctrico. Al año siguiente, Shorter participaría en el álbum considerado fundacional del jazz eléctrico, también, como no, liderado por Miles Davis, el extraordinario "In a Silent Way" (Columbia, 1969). Fruto de esa extraordinaria colaboración con Miles, el selecto sello "Blue Note", le abrió las puertas y comenzó una relación musical entre ambos extraordinariamente fructífera para el jazz. El debut de Shorter en ese sello fue en 1964, y no pudo ser mas extraordinario. El saxofonista, debutó con toda una obra maestra absoluta del jazz de todos los tiempos. "Speak No Evil" fue el fruto de una logradísima originalidad, de una capacidad creativa magistral y el disco pasó muy pronto a formar parte de la mejor historia de esta música. A ese disco le siguieron varios mas entre 1965 y 1970 de pareja calidad. En 1970 Wayne Shorter, cubriría otra importantísima etapa en su carrera profesional, cuando formó junto al teclista Joe Zawinul (con el que coincidió en su etapa con Miles) el grupo Weather Report. Este grupo se encargaría de formar un nuevo sonido de jazz-rock, atrayendo a una gran audiencia. Consecuencia de todo esto es la venta en 1978 de más de un millón de copias de su disco "Heavy Weather", que obtuvo cinco nominaciones a los premios Grammy. Los años con Zawinul ampliaron aun mas el ámbito de Shorter, destacando su apreciación de las formas mas libres y dando rienda suelta a su deleite por el exotismo musical. Si bien el grupo "Weather Report" sentó las bases para muchas bandas de jazz fusión que siguieron, fundamentalmente por el paso de Jaco Pastorius por el mismo, su mayor virtud fue la capacidad del grupo para absorber la calidad individual de sus componentes en beneficio del colectivo. Shorter fue un innovador importante que ejerció gran influencia sobre los músicos de hard bop y de jazz fusión y hoy todavía en activo y con la capacidad creativa intacta, sigue siendo uno de los músicos mas imaginativos dentro del jazz, buscando constantemente nuevos horizontes pero, gracias a sus amplios conocimientos musicales, conservando lazos identificables con el pasado. En este sentido es encomiable la aparición en este tercer milenio de varios y magníficos trabajos que confirman que la fuente creativa de este extraordinario músico no esta todavía agotada.

El padre de Woody Herman, artista frustrado, quería que su hijo llegase adonde el no había podido y cuando el chico cumple ocho años, lo sube a un escenario para cantar y bailar un numero infantil de un show itinerante de "vaudeville". desde entonces, Woody Herman no abandonará los escenarios para el resto de su vida. Estudia música y aprende a tocar el saxo alto con once años, el clarinete a los catorce y empieza a tomar fama de niño prodigio. Con quince años recién cumplidos, encuentra su primer trabajo como profesional haciendo por Texas una gira con la banda de Joe Lictcher. En 1929 consigue su primer contrato importante y duradero con la orquesta de Tom Gerum, con quien se queda hasta 1933 cuando inicia un poeriodo algo errático pasando sucesivamente por las orquesta de Harry Sosnick, Gus Arnheim, Joe Moss y por fin la de Isham Jones cuando este decide disolverla en 1936. Con cuatro músicos de esta ultima banda logra formar su primera bigband que debuta en el "Roseland "Ballrom" de New York el 8 de noviembre de 1936. El éxito le acompaña y la grabación de 1939 titulada "Woodchopper's Ball" es la consagración de la critica hacia su grupo que le empiezan a llamar "The Herd" (El rebaño) denominación que le acompañara durante toda su vida. Durante la década de los cuarenta, sucesivas formaciones darían lugar a que la orquesta de Herman fuera un semilero de grandes músicos que compite en igualdad de condiciones con su banda rival, la del cantante, Billy Eckstine. A finales de esa década decide tomarse unas vacaciones y disuelve la orquesta pero solo por un año ya que en 1947 presenta al público la denominada "The Second Herd" también conocida como "The Four Brothers Band" con los celebres "cuatro hermanos": Stan Getz, Herbie Stewrad y Zoot Sims a los tenores y Serge Chaloff al barítono. Aquella orquesta, con los arreglos de Ralph Burns, produce una conmoción en el mundo del jazz sobre todo con la grabación del tema que Stan Getz inmortalizaría para siempre: "Early Autumn". En la década siguiente, la tónica es la misma; sucesivos cambios de músicos y formación mantiene a la orquesta en el primer nivel del jazz. Viaja a Europa en 1954 y a la vuelta ofrece un extraordinario concierto en el Festival de jazz de Monterey y en los años sesenta graba un disco enorme titulado "Woody's Winners" (Columbia 1965). En 1976 celebra su 40º aniversario como líder de la banda y sus músicos y amigos le ofrecen un extraordinario concierto homenaje en el Carnegie Hall de New York (Bluebird 1976). Su salud empieza fallarle y no tiene mas remedio que reducir su actividad y eso mezclado con sus problemas con Hacienda -murió en la ruina y sin dinero para pagar el alquiler de su vivienda - le retiró definitivamente de la escena del jazz. Eso fue el 29 de octubre de 1987 y el jazz perdió a un músico extraordinario.

Stanley Turrentine (Pittsburgh, 5 de abril de 1934 - Nueva York, 12 de septiembre del 2000) fue un saxofonista (tenor) estadounidense de jazz. Figura legendaria del saxo tenor, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la fusión. Su forma de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Su obra más característica son sus sesiones de soul jazz para Blue Note en los años sesenta y una popular aproximación a la fusión a comienzos de los setenta. Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R&B, muy influido musicalmente por Illinois Jacquet. Tocó con Ray Charles en la banda de Lowell Fulson durante 1950-1951, y en 1953 reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz y R&B de Earl Bostic. Tras su paso por el servicio militar a mediados de los cincuenta, Turrentine se unió al grupo de Max Roach; conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente. Tras trasladarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, acompañándole en el clásico de Smith de 1960 Back at the Chicken Shack, entre otros discos. También en 1960, Turrentine empezó a grabar como líder para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz, tocando temas clásicos como "That's Where It's At", pero también grabajando con los Three Sounds (en el disco Blue Hour de 1961) y experimentando con más amplios conjuntos a mediados de los sesenta. A comienzos de los años setenta, Turrentine y Scott se separaron y Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello de Creed Taylor, CTI, orientado a la fusión; grabó cinco discos. Tuvieron una buena aceptación popular y fueran artísticamente valiosos, y la opinión crítica fue más favorable que la que recibió a finales de los setenta por su trabajo para Fantasy. Por lo demás, Turrentine siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los ochenta y en los noventa. Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Fue enterrado en el cementerio de Allegheny de Pittsburgh

El trompetista, Blue Mitchell empezó su carrera en la primera mitad de la década de los cincuenta tocando en varios conjuntos de Rhythm and Blues entre ellos, los de Earl Bostic y Red Prysock. Su estilo, limpio y vibrante, le facilitó sus comienzos y fue el pianista, Horace Silver, siempre con el oído presto para escuchar a los jóvenes músicos emergentes, quien le ofreció entrar en 1958 en su grupo. Antes había tocado con el saxo alto, Cannnonball Adderley y lo que parecía un contrato de poca duración, se prolongó por espacio de mas de seis años (1958-1964). Con Horace Silver, Mitchell recorrió medio mundo participando en infinidad de grabaciones, algunas de ellas verdaderas obras maestras del hardbop. Cuando se separó de Horace Silver fue para formar su propio grupo que mantendría activo hasta 1969 pasando por él, solistas de la talla de Chick Corea, Júnior Cook o Al Foster. Entre 1969 y 1971, Blue Mitchell formó parte de la orquesta de Ray Charles y cuando terminó esa colaboración, entró en el grupo del bluesman británico, John Mayall, colaborando activamente en el éxito de algunos discos emblemáticos de Mayall, entre ellos el celebérrimo: "Jazz Blues Fussion" o el magnifico "Movi'n On". La década de los setenta la abordó como sideman de Bill Berry, Bill Hollman o Louis Bellson con quien realizó en 1974 una larga gira. Una grave enfermedad le truncó la carrera y sus apariciones se hicieron cada vez menos frecuente. Sin dinero para afrontar el cáncer, sus amigos hicieron una colecta para sufragar los gastos de hospital falleciendo en Los Ángeles a la edad de 49 años. Trompetista de estilo finísimo y adscrito a la escuela del hardbop, tuvo como muchos otros trompetistas de su epoca, a Clifford Brown como maestro, de quién aprendió a desarrollar de manera creativa sus inspirados solos.

Hijo de un profesor de música y hermano de un concertista de piano, el saxofonista tenor, Sonny Stitt (Boston, 1924), empezó a estudiar piano para después pasarse al clarinete y al contralto. Afincado en Saginaw, empezó a trabajar con Thad Jones, hasta que se trasladó con su familia a Detroit donde contacto con Mel Lewis y Lucky Thompson. En la ciudad de Newark, obtuvo algunos contratos intrascendentes y en aquélla época empezó a escuchar a Charlie Parker cuando el saxo alto de Kansas, trabajaba en la orquesta de Jay McShann. Poco después conoció personalmente a "Bird" en Kansas City, donde ambos se juntaron para tocar en una sesión privada en la que Parker pudo comprobar lo que se decía de Sonny Stitt, (Miles Davis confirmó que Stitt tocaba como Parker, incluso antes de que este conociera al genio de Kansas). Entre 1945 y 1946 y en New York, tocó con Dizzy Gillespie, grabando varios temas para el sello "Musicraft" y tambien con el pianista, Bud Powell. A su vuelta a Detroit, tuvo que interrumpir su actividad a consecuencia de su adicción a la droga. Afortunadamente siguió un severo proceso de desintoxicación en Lexington y en 1949, ya estaba de vuelta a New York. Adoptó el saxo tenor en esta segunda etapa -probablemente tras comprobar que Parker era el rey indiscutible del saxo alto- y formó un pequeño grupo que codirigió con Gene Ammons, durante un par de años. 1949 fue tambien el año de su debut discográfico con el tema: "All God's Chillun Got Rhythm" (Prestige) un sello con el que grabó durante dos años (1949-1950) una serie de espléndidos discos. A finales de los años cincuenta, fue contratado por el productor Norman Granz, para su famoso espectáculo "Jazz at the Philharmonic" con el que recorrió varios países europeos. En 1964 realizó otra importante gira, esta vez a Japón con un gran sexteto que incluía entre otros grandes músicos, a Jay Jay Johnson y Clark Terry. De vuelta a los Estados Unidos, formó un quinteto con Zoot Sims, de duración efímera. En 1971 fue llamado por George Wein para formar junto a Dizzy Gillespie, Kai Winding, Thelonious Monk, Al McKibbon y Art Blakey el sexteto "The Giants of Jazz" con el que realizó una larguísima y extensa gira por Nueva Zelanda, Australia, Japón, Israel y Europa con un resultado de critica y publico extraordinario. En 1974 participó en el Festival de Newport dentro del espectáculo "The Musical Life of Charlie Parker". Claramente influenciado por Charlie Parker, la discografía de Sonny Stitt es abundantísima -grabó sólo a su nombre cerca de ciento cincuenta álbumes- y espléndida y su muerte en 1982 dejó un vacío importante entre los saxofonistas importantes del jazz.

Pianista y compositor norteamericano, McCoy Tyner tuvo la fortuna de que su madre, pianista, le estimulara en sus comienzos y desde 1953 dirige su propia formación de jóvenes músicos. Vecino de los hermanos Powell, Richie y Bud, perfecciona con ellos el conocimiento de la armonía y del uso de los pedales. A mediados de los años 50 trabaja también con orquestas de Philadelphia, una ciudad particularmente viva desde el punto de vista de la improvisación musical gracias a la presencia en ella de instrumentistas tan sólidos como, Lee Morgan, Benny Golson o Helen Grimes. Durante este período acompaña a solistas de peso como Kenny Dorham, Jackie McLean, Benny Golson, Sonny Rollins o Max Roach. En 1956 conoce a John Coltrane, con quien toca en el "Red Rooster" durante una semana. Compone para el saxofonista, "The Believer", una de sus composiciones, y éste la graba al año siguiente. En 1959, ofrece algunos conciertos en San Francisco con Art Farmer y Benny Golson, quienes le contratan en el seno del "Jazztet", grupo con el que graba su primer disco. A continuación vuelve a encontrarse con Coltrane (1960-1965), ingresando en su cuarteto en sustitución de Steve Khun. Paralelamente grabaría como líder, a lo largo de estos seis años, varios álbumes con otros músicos: Roy Haynes, Clark Terry, Thad Jones, etc. Coltrane encontró en Tyner el tipo de pianista que a modo y semejanza de Bill Evans, se manejara con comodidad y soltura en el ámbito del jazz modal. En 1962, McCoy Tyner grabó para "Impulse!" su primer disco como líder, el titulado "Inception", con Art Davis al contrabajo, y Elvin Jones a la batería. En 1963, Tyner resultó vencedor en el referéndum anual de la revista "Donw Beat" dentro de la categoría de "newstar" y sus discos para "Impulse!", una vez fuera del grupo de Coltrane en esos años, son todos excepcionales destacando por su brillantez: "Night of Ballads & Blues" (Impulse, 1963) y "Live in Newport", tambien en ese mismo año. En 1966 funda su propio trío, e inicia una carrera como freelance que lo conduce a los confines del mundo y a tocar con los músicos mas diversos y en 1967, firmó un contrato con la Blue Note, y en su debut discográfico con el sello azul, dejó un extraordinario álbum titulado: "The Real McCoy". Tras su paso por Blue Note, y consagrado como uno de los grandes pianistas del hardbop, McCoy Tyner, firmó por el sello Milestone y ese mismo año graba una obra maestra titulada: "Sahara" considerado por Down Beat, como el mejor disco de jazz del año. En 1973, graba otro extraordinario disco "Enlightment" y sus contratos se multiplican por todo el mundo. En 1978 forma parte de una gira de "All Stars" del sello Milestone junto a Sonny Rollins, Ron Carter y Al Foster, y graba uno de los grandes discos en directos del jazz moderno. En 1987 es, evidentemente, uno de los principales músicos de una gira internacional en homenaje a Coltrane y se presenta en trío con el contrabajista, Avery Sharpe, y el baterista, Louis Hayes. McCoy Tyner, no solo es un extraordinario pianista, y extraordinario representante del estilo modal, sino que por la delicadeza de su toque, por la búsqueda de una sonoridad siempre brillante y el carácter ornamental de sus improvisaciones, es uno de los grandes músicos de jazz moderno. El rol que desempeñó en el seno del cuarteto de Coltrane, le ha marcado, sin duda, de forma irreversible, y siempre para bien: el pianista del sosiego, la suavidad, la serenidad y la certeza; lo contrario de los furores inquietos de su líder.

Hijo de dos pianistas profesionales, el organista, Jimmy Smith, (Norristown, 1925), ya ganó a los nueve años un concurso para pianistas aficionados. En 1942, formó con su padre un pequeño grupo que sirvió para aumentar su vocación de músico, no interrumpida ni siquiera por el servicio militar, obligación que cumplió en 1945. En la segunda mitad de los años cuarenta, profundizó sus conocimientos musicales matriculándose en la "Hamilton School of Music" donde dio clases de contrabajo. Debutó profesionalmente en 1952, con el grupo "Don Gardner and his Sonotone" donde ya tocaba simultáneamente el piano y el órgano. El paso definitivo al órgano lo dio tres años mas tarde, cuando en 1955, Jimmy Smith, formó su primer trío para tocar en el Café Bohemians de New York, logrando un gran éxito. Como era lógico esas actuaciones no pasaron desapercibidas para la critica especializada y en 1956, el prestigioso sello "Blue Note" lo añade a su nómina de músicos. Jimmy Smith y la Blue Note mantuvieron desde entonces una relación profesional y musical absolutamente extraordinaria y sus discos fueron saliendo con una regularidad constante. Su debut en los estudios fue con el álbum: "New Sound, A New Star: Jimmy Smith at the Organ, Vol. 1", un disco que sería el espaldarazo definitivo a su carrera como organista y lo convertiría en el mas prestigioso instrumentista de órgano del jazz, comparable incluso, con lo que llegó a hacer Charlie Christian con la guitarra eléctrica. Su formula preferida siempre fue en trío o cuarteto y entre 1956 y 1963, Jimmy Smith grabó para Blue Note, la friolera de treinta y dos álbumes, lo que da idea tanto de la capacidad creativa del organista en esos años, como la calidad y amplitud de su repertorio. Tras su extraordinaria etapa en "Blue Note", Jimmy Smith, que toca casi siempre rodeado de extraordinarios músicos, como Kenny Burrell, Stanley Turrentine y Philly Joe Jones, entre otros, da otro paso importantísimo en su carrera cuando decide fichar por el popular sello "Verve", donde también grabó entre 1962 y 1973, cerca de una treintena de discos, colocando varios de ellos en las listas de los mas votados del jazz. Al mismo tiempo, y de manera sistemática desde 1964, Jimmy Smith, gana por aplastante mayoría las votaciones de la prestigiosa publicación Down Beat en la sección de lectores y también la de críticos, como organista de jazz, categoría incluida en las votaciones a partir de ese año. La magnifica distribución internacional de Verve consiguió que el trabajo del organista se expandiera a los mercados europeos y japonés, en los que Smith se hizo rápidamente muy popular (sobre todo en Inglaterra) ayudado de sus actuaciones en directo y televisivas en las que quedaba bien patente su virtuoso y exhibicionista dominio del instrumento. De la extraordinaria, amplísima y excelente discografía de Jimmy Smith, a lo largo de su carrera profesional es obligatorio destacar tres discos que por orden cronológico son imprescindibles: "Back at the Chicken Shack" (Blue Note, 1960); "Bashin': The Unpredictable Jimmy Smith" (Verve, 1962) y el grabado a dúo con el maestro de la guitarra, Wes Montgomery titulado: "Jimmy & Wes: The Dynamic Dúo" (Verve, 1966). Jimmy Smith, es una referencia fundamental del moderno órgano de jazz, ganando un gran prestigio entre la crítica especializada e influenciando definitivamente en la música popular afroamericana a través de una auténtica legión de seguidores.

Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "Julliard School" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad. Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes inventa el nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Las jam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce a Coleman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonista Skippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk" Pero desgraciadamente los buenos tiempos se le acabaron pronto y en 1951 es arrestado junto a Bud Powell por consumo de estupefacientes. Tras dos meses de cárcel le retiran el permiso de trabajo, lo que le impide actuar en los clubes de Nueva York hasta 1957. Fue casi una sentencia de muerte para su creatividad. En 1954, y tras una malísima racha económica solo superada por malísimos contratos mal pagados fuera de New York, y con una voluntad de hierro y arropado por su familia, no dejó nunca de componer ni de tocar el piano en su domicilio, hasta que en 1954, se cruzó en su vida la baronesa, Pannonica "Nica" de Koenigswarter, quien le ayuda económicamente hasta que le devuelven en 1957 el carné de músico. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos. En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en el Hospital de Englewood de New Jersey, pero no a su historia. Thelonious Sphere Monk, sigue viviendo en su música.

Del mismo modo que Thelonious Monk, acertó a iluminar la escena del jazz moderno a través de composiciones no sujetas a modelo concreto alguno, Bud Powell (1924-1966), dictó las claves fundamentales del nuevo lenguaje pianístico sin necesidad de asirse a referencias palpables. Todavía hoy en día, constituye la cumbre técnica insuperada del piano "bebop" y se le recuerda como el músico mas influyente de este movimiento, después de Charlie Parker, pero por delante de todos los demás, Dizzy Gillespie, incluido. Su infancia estuvo saturada de música, su hermano mayor tocaba profesionalmente la trompeta y el violín y su abuelo, Zachary, fue el mejor guitarrista flamenco de Estados Unidos. Su padre, pianista adscrito al estilo "stride" apoyó su temprana vocación y le dio las primeras clases. Su progreso fue espectacular y en aquellas fechas, era frecuente verle interpretar junto a su amigo, Elmo Hope, composiciones de Bach y otros clásicos. No fue hasta 1939, cuando Powell, consiguió su primer contrato importante con los "Sunset Royals" de la cantante, Valaida Snnow, y en 1939 grabó su primer disco titulado "Reverse The Changers" para el sello "Duke" y bajo el liderazgo del saxofonista, Frank Sokolov. No fue hasta 1944, cuando animado por Thelonious Monk, ingresó en la orquesta de Cootie Williams y grabó un solo muy breve sobre "Blue Garden Blues", primera muestra real de su colosal talento. Ese mismo año sufrió su primera detención por escándalo publico y al años siguiente recibió una brutal paliza de la policía de Philadelphia que presumiblemente lo dejó tocado para siempre. Sus trastornos psíquicos se reprodujeron y fue enviado a un Hospital Psiquiátrico de Long Island. En 1946, recuperado, se incorporó al pequeño combo del contrabajista, John Kirby y la casualidad hizo que esa pequeña formación fuera contratada en el Minton's Playhouse de Harlem, el "templo" del bebop donde Powell entró en contacto con la plana mayor de aquel movimiento, lo que le permitió participar entre 1946 y 1947 en un buen numero de jam sessions con Dexter Gordon, Jay Jay Johnson, Sonny Stitt, Kenny Clarke y Sarah Vaughan, entre otros. Su debut como líder se produjo el 10 de enero de 1947 para el pequeño sello "Three Deuces", y en mayo de ese año, grabó el único registro en estudio para la Savoy con Charlie Parker. Un largo paréntesis de dos años, consumidos en su mayor parte internado en el "Creedmore Sanatorium", donde llegó incluso a recibir tratamiento de electrochoque, dio paso, paradójicamente, a su periodo mas fértil y artístico. A partir del 8 de agosto de 1949, bajo la supervisión de Alfred Lion y Francis Wolf, Bud Powell, dejó en las arcas del sello Blue Note, otra visión del pianismo moderno perfectamente compatible con la que apenas dos años antes había aportado, Thelonious Monk. Nuevamente ingresado durante diecisiete meses en en otro Hospital Psiquiátrico, cuando en febrero de 1953, recibió el alta, formo un trío estable con el contrabajista, George Duvidier y el batería, Art Taylor. El 15 de mayo de 1953, se produce un hecho histórico en la vida profesional de Bud Powell. Junto a Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Charles Mingus y Max Roach, participó en un multitudinario concierto celebrado en el Massey Hall de Toronto en Canadá, considerado el canto del cisne del bebop y quizás el mejor concierto de jazz de todos los tiempos. A partir de entonces, Powell, comenzó a entrar en una fase de profundo deterioro mental casi irreversible, pero en 1956 realizó un gira por Europa junto a Miles Davis, Lester Young y el Modern Jazz Quartet de Milt Jackson. Repitió visita al viejo continente en 1959, pero esta vez se quedó cinco años. Le acompañó Altevia Edwards, mas conocida como "Buttercup" y eligió Paris como lugar de residencia. Recibido con los honores de un grande del jazz, formó un trío regular conocido como los "Three Bosses" con el contrabajista, Pierre Michelot y el baterista, Kenny Clarke, que fueron la principal atracción del club parisino, "Blue Note". Fue un periodo de su vida importante gracias al cuidado que le proporcionó, Francis Paudras, un extraordinario aficionado al jazz y posterior autor de la biografía de Powell "The Dance Of The Infidels". Pero aquejado de tuberculosis aguda, incapaz de dejar la bebida, y nostálgico de New York, Bud Powell, regresó a los Estados Unidos. Su reaparición en el mítico "Birdland" provocaron uno de los momentos dulces de su carrera. Siete minutos de ininterrumpido aplauso demostraron que sus incondicionales no le habían olvidado, pero aquélla reaparición fue un cruel espejismo. Sus dos últimos años los pasó en un apartamento de Brooklyn acompañado por su hija Celia. Ya casia al final de su vida, participó en 1965 en sendos conciertos celebrados en el Town Hall y en el Carnegie Hall, este ultimo en homenaje al décimo aniversario del fallecimiento de Charlie Parker, pero el 31 de julio de 1966 falleció en el "Kings County Hospital" de Brooklyn. Más de cinco mil personas se echaron a la calle espontáneamente para homenajearle y en su entierro, Barry Harris y Lee Morgan, tocaron en su honor. Como decía Francis Paudras: ".... Bud Powell tenía dos personalidades. Una le impulsaba a luchar y superar sus problemas, para tocar y crear música. La otra le arrastraba a la autodestrucción, a la falta absoluta de respeto hacia si mismo y esta ultima ganaría la partida". En 1986, el Director de cine francés, Bertrand Tavernier, produjo una extraordinaria película que recoge con absoluta pulcritud y fidelidad la etapa parisina de Bud Powell. Su película: "Round Midnight", interpretada en su papel estelar por el saxofonista, Dexter Gordon, es una de las grandes películas relacionada con el jazz.

El arreglista, compositor, y líder de orquesta, Gil Evans, ha sido descrito a menudo como una especie de Svengali orquestal. Alguien que conjura sonidos casi místicos tomado de las grandes formaciones del jazz para proporcionar el fondo musical perfecto a solistas como Miles Davis o a la cantante, Helen Merrill. Evans, fue sin duda un complemento perfecto para esos artistas, pero también se embarcó en una incesante exploración de las posibilidades inherentes al campo de la composición y el arreglo orquestal en el ultimo tramo de su carrera y disfrutó incluso de una variedad de instrumentos electrónicos en su original paleta de sonidos. Nacido en Toronto de padres australianos, se dedicó en los primeros años de su juventud a viajar por numerosos países hasta que finalmente se estableció en Stockton (California) donde dirigió su propia banda como músico completamente autodidacta entre 1933 y 1938. Posteriormente, Skinnay Ellis, se hizo cargo del grupo y Evans se quedó como arreglista hasta 1941, año en que paso a formar parte de la orquesta de Claude Thornhill donde estuvo hasta 1948, dotando a la banda de un sonido evanescente y "flotante". A partir de su éxito titulado "Snowfall" Gil Evans, adquirió una sólida fama en los arreglos de estándares para orquestas convirtiéndose en una especie de "guru" para las nuevas generaciones de compositores y arreglistas de finales de los cuarenta. Junto a Gerry Mulligan, John Lewis, John Carisi, Lee Konitz, Miles Davis y otros músicos, lanzaron entre 1948 y 1950 el álbum que revolucionó todos los conceptos musícales de aquella época creando el llamado "estilo cool" y cuyo grupo fue y es conocido para la posteridad como el "Noneto Capitol". De allí salió el álbum "Birth of the Cool", uno de los títulos imprescindibles de la historia del jazz. Tras ese fértil periodo, Gil Evans, desapareció de la escena del jazz hasta mediados de los años cincuenta, cuando la cantante Helen Merrill, insistió en que fuese él quien se encargara de los arreglos de su álbum para Emarcy "Dream of You" en 1956. Los bellísimos, extraordinarios y exuberantes arreglos que Evans hizo para las canciones clásicas de ese álbum, le llevaron a retomar la colaboración con Miles Davis en el álbum "Miles Ahead" grabado en 1957 para la Columbia y donde Miles bajo la batuta de Evans, se sube a un escenario con cerca de una veintena de músicos, toda una autentica bigband extraordinaria. A ese álbum, le siguieron un extraordinario "Porgy and Bess", en 1958 y el álbum que inició el camino para la fusión entre el flamenco y el jazz "Sketches of Spain". Evans a la conclusión de este triple salto mortal era toda una personalidad influyente en el mundo del jazz. Tras la colaboración con Miles, Gil Evans produjo en la década de los sesenta sus mejores esfuerzos en solitario con tres discos grabados a su nombre: el primero y mejor de todos, grabado en 1959 para Pacific Jazz y titulado: "Great Jazz Standars" es una obra maestra absoluta, el segundo "Out of the Cool" grabado para Impulse! en 1961, fue el primero, el segundo dos años mas tarde en 1963 bajo el titulo de "The Individualims of Gil Evans" para el sello Verve. En ellos refleja claramente su fascinación por el compositor alemán, Kutrt Weill. También por aquélla época hace algún trabajo arreglando los discos de la cantante, Astrud Gilberto. En 1970, Evans, inicia una nueva etapa de su carrera cuando aparece con su propia bigband en el Village Vanguard de New York aunque la irregularidad predomina en esta ultima fase de su carrera. Vuelve a encontrarse con Helen Merrill, en un trabajo postrero de ambos y su vida terminó el 20 de marzo de 1988.

John Birks Gillespie, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas la notas. A los catorce años empezó a practicar con una trompeta de un vecino y su afición por el que sería el instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935, obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo del propio Gillespie: Roy Eldridge. Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a New York y allí conectó con la orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por vida y por el que sería conocido en la historia del jazz "Dizzy" que quería decir "alocado"· Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea en 1937 y allí ejecutó su primer solo en el tema "King Porter Stomp" dando pruebas en aquel entonces, de una gran inmadurez musical. A su regreso a New York, la banda firmo un contrato en la famosa sala "Savoy Ballrom" y las cosas comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny Clarke. Es en 1939, cuando Dizzy tiene su primer encuentro jazzistico con auténticos pesos pesados del jazz, como el vibrafonista, Lionel Hamptom, el saxo alto, Benny Carter, y tres formidables saxos tenores: Coleman Hawkins, Ben Webster y Chu Berry. El resultado fue que su estilo llamó la tensión de aquellos músicos que le pronosticaron un futuro prometedor. Al tiempo, su jefe, fue nombrado manager del celebre club "Myntons Playhouse", localizado en los bajos del Hotel Cecil en la calle 118 Oeste de Harlem. Un hecho que mas adelante cobraría un enorme significado, en la historia de Dizzy y en la del jazz. Recomendado por el trompetista cubano, Mario Bauzá, Gillespie entró a formar parte de la orquesta de Cab Calloway donde nunca se encontró a gusto dado el estilo de música que hacia el excéntrico showman. Pero el hecho que le cambió la vida y la música a Gillespie, fue el primer encuentro con el saxo alto, Charlie Parker, su autentico "alter ego". Tuvo lugar en Kansas City, cuando ambos pasaron a formar parte de la banda de Earl Hines, a principios de 1943. Allí empezaron a elaborar música de gran calidad y con una estética muy próxima a lo que muy pronto se llamaría bebop. En 1944, la Calle 52 de New York, se había convertido en la Meca del jazz, y en menos de dos manzanas, había nueve club que ofrecían música de alto nivel y además el Minton's, seguía en pleno auge, celebrando históricas jam session, animadas por el grupo del batería, Kenny Clarke, el saxofonista, Don Byas, el pianista, Thelonius Monk y como no, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, que venían desarrollando el nuevo idioma musical. Al tiempo que el bebop germinaba en los sótanos de Harlem, el que fuera vocalista en la orquesta de Earl Hines, Billy Eckstines, se lanza a la aventura de lanzar su propia orquesta y la convierte en la primera bigband del bebop. Dizzy fue su director musical y en ella se encontraban algunos de los jóvenes valores del momento: Charlie Parker al saxo alto, la cantante Sarah Vaughan, el saxo tenor, Gene Ammons, el batería, Art Blakey, etc. La orquesta de Eckstine era el laboratorio ideal para los boppers en busca de trabajo pero pronto Dizzy la abandonó en busca de aventuras musicales mas reducidas. Así forma un cuarteto con el contrabajista, Oscar Petifford, para cumplir un contrato en el club "Onyx" y en aquélla época, justo en 1945, Gillespie estaba consolidándose como la estrella del nuevo movimiento musical. Dizzy era de ideas fijas y siempre tuvo entre cejas la idea de formar su propia orquesta que formó en 1946 con la ayuda de varios músicos que creían en su proyecto. En 1947, la revista "Metronome" le nombró mejor trompetista del año, por delante de su ídolo, Eldridge y la RCA le ofreció un sustancioso contrato. Por aquélla época y dada la afición de Dizzy por los ritmos caribeños, llevó a su banda por aquellos derroteros grabando entre otros grandes éxitos, el celebérrimo "Manteca". Se va a Europa de gira en 1948 y a la vuelta es asesinado en Harlem su percusionista, Chano Pozo. Disolvió la banda en 1950 y sus pasos se dirigen hacía las grabaciones en estudio con Charlie Parker, Bud Powell, Monk y otros músicos afines grabando una serie de discos magníficos. En 1953 participa en Toronto en el conocido concierto del siglo en el Massey Hall junto a las grandes estrellas del bebop, Charlie Mingus incluido, que grabaría aquélla histórica sesión para su recién inaugurado sello "Debut". Actúa en el primer festival de Newport, imparte enseñanzas en la "Lenox Shool of Music". Las giras con la JATP de Norman Granz, se suceden y en 1956, el Departamento de Estado, le confía la labor de actuar como embajador musical de los EE.UU. por Oriente Medio, Grecia, Yugoslavia y finalmente Sudamérica en una banda formada expresamente para la ocasión y en que Quincy Jones y Norman Granz, le ayudan a organizarla hasta el punto de que alguna vez declaró que aquélla banda fue la mejor que tuvo. Los sesenta y la bossa nova también llamó la atención de Dizzy que incluiría algún tema en su repertorio. En los setenta forma parte de los "Giants of Jazz" formación estelar reunida por el productor, George Wein, para una serie de giras. Su actividad fue decayendo con los años pero todavía tuvo tiempo de grabar en 1989 un interesante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un concierto en Paris. Dizzy Gillespie, murió en 1993 y con su muerte se perdió a un inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva forma de enfocar la armonía. De su pluma han salido temas tan famosos como "Salt Peanuts"; "Groovin' High"; "Be-Bop"; "A Night in Tunisia" y muchísimas otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz. Dizzy Gillespie hizo y hace feliz a mucha gente con su música.

Del saxofonista, Stan Getz, ya dijo en su famoso libro: "El jazz, de los orígenes a nuestros días", el famoso critico, Joachim E. Berendt, en los años cincuenta a propósito de este músico: "...Es un virtuoso que puede tocar lo que sea posible con un saxo tenor". Y en efecto, estamos ante uno de esos músicos que consiguen un dominio absoluto de su instrumento poniéndolo al servicio de una inspiración creativa, permanentemente renovada y casi sin limites. Pero también Stan Getz, es uno de los más originales estilistas de toda la historia del jazz y que para muchos es considerado uno de los cinco saxofonistas tenores verdaderamente revolucionarios en la historia de esta música. Con capacidad para producir emotividad sonora, sugerente en las baladas y creativo y espléndido en los tiempos rápidos, su arte estuvo influenciado en la forma de tocar de Charlie Parker por un lado - el mensaje de Bird caló hondo en Stan Getz- , y en las maneras relajadas y fluidas del saxo de Lester Young. Su infancia se desarrolló en el barrio neoyorquino del Bronx adonde sus padres emigraron desde la Filadelfia natal en 1931, recién cumplidos los cuatro años. A los quince años debutó como músico profesional en la orquesta de Dick Rogers y durante nueve largos años estuvo sucesivamente en una decena de bigbands en permanente aprendizaje, entre ellas, las de Jack Teagarden, Jimmy Dorsey, o incluso la del "rey del swing", Benny Goodman, con quien grabaría sus primeros solos en disco. Se trasladó a la Costa Oeste americana donde logró formar su propio trío con el que actuó en en el "Swing Club" de Hollywood. En 1947 y después de un largo periodo actuando en pequeñas formaciones, el director de orquesta, Woody Herman, los contrató a todos para su orquesta y así fue como Stan Getz, entra formar parte de una de las mejores bandas de jazz de la historia, y con ella, fue fundamental en el advenimiento del llamado "cool jazz", especialmente cuando un año mas tarde, en diciembre de 1948, grabó su histórico solo en "Early Autumn". De la noche a la mañana, su nombre saltó a la fama internacional, le pusieron el sobrenombre de "The Sound" y decenas de saxofonistas se lanzaron desaforadamente a tratar de imitarlo. Cuando dejó la orquesta de Woody Herman en 1949, su carrera ya era imparable y se adentró en la década siguiente cubierto de popularidad. En 1952 fichó como tantas otras estrellas del jazz por la organización de Norman Granz, donde recorrió medio mundo tocando el saxo. En aquel periodo tuvo sus primeros problemas con la droga, pero consiguió desintoxicarse en Suecia done permaneció alternando su presencia con otro país donde lo veneraban: Dinamarca. Cuando regresó a EE.UU., comprobó que la estrella de John Coltrane, brillaba con luz propia en el escenario musical del jazz y del saxo tenor, pero no se inmutó. Su respuesta fue la grabación de una obra maestra con su álbum grabado para Verve en 1961 titulado "Focus". Pero lo que realmente le devolvió a la primera fila de la actualidad jazzistica fue su viraje hacia los ritmos sudamericanos cuando grabó en 1962 junto al guitarrista, Charlie Bird, el disco de bossa nova "Jazz Samba", aunque todavía fue mejor y mas logrado el grabado el año siguiente con Gilberto, el guitarrista brasileño y que titulo "Getz/Gilberto" también para Verve. sin embargo, Stan Getz, no se dejó cautivar por los cantos de sirenas y el era sobretodo, un jazzman de los pies a la cabeza y por su grupo de los años sesenta pasaron futuras grandes generaciones de músicos como Chick Corea o Gary Burton. Los años setenta y ochenta se los pasó grabando infinidad de discos con una calidad alta y sólo interrumpió su trabajo en 1988 cuando le diagnosticaron un cáncer de hígado. Murió tres años después, el 6 de junio de 1991.

James Harrell McGriff, Jr. (Philadelphia, 3 de abril de 1936), Jimmy McGriff, organista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues, y soul jazz y jazz funk. Especialista en el órgano Hammond B-3. Sus padre tocaban el piano y entre sus familiares estaban el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin. Envuelto en la música religiosa de la iglesia de su familia, consiguió sus primeros instrumentos, una batería, a los ocho años. Hacia los diez, tocaba el saxo alto y el bajo acústico, y terminando el instituto aprendió también a tocar el vibráfono, el piano y la batería. El bajo llegó a ser su primer instrumento, aunque pronto se pasó al órgano Hammond tras ver a Richard "Groove" Holmes en un club en Camden, Nueva Jersey. No obstante, entró en el servicio militar y estuvo en la guerra de Corea como policía militar. Una vez de vuelta en Estados Unidos, decidió estudiar para el cuerpo de policía, y tras completar la formación necesaria, trabajó en la policía de Philadelphia durante dos años y medio. Con todo, en ningún momento perdió su interés en la música, y hacia 1955 ya tocaba como músico de bajo acompañando a cantantes como Carmen McRae y, más frecuentemente, a Big Maybelle.

Art Blakey, fue un músico de jazz entrañable, y entusiasta. Nació el 11 de noviembre de 1919 en la muy industrial ciudad de Pittsburgh. Prácticamente sin infancia, se caso a los 14 años y a los 15 ya era padre de familia. Trabajaba de sol a sol en una fundición y alternaba ese trabajo con la briega en una mina de carbón, pero el salario no le llegaba para sostener a su familia. Musicalmente hablando no tenía en su familia ningún antecedente musical y el piano lo sabia tocar de oído. Consiguió un trabajo como pianista y a base de propinas logró sobrevivir. Dejó el piano cuando en un ensayo el gran pianista, Erroll Garner le dio a entender que ese no era su instrumento. Se cambió a la batería por pura supervivencia y ahí siguió hasta el final. En 1939, entra en la banda de Fletcher Henderson y de ahí a la primera bigband de la pianista, Mary Lou Williams. En los años cuarenta, Art Blakey se introduce en los círculos del bebop y empieza a actuar en 1944 cuando el cantante Billy Eckstine, lo contrata para su orquesta. Desde la baqueta de la orquesta, entra en contacto con Parker, Dizzy, Thelonious Monk, etc. Es precisamente este último quien lo llama cuando el genial pianista firma un contrato con el sello Blue Note en 1947 participando en numerosas grabaciones en forma de trío, quinteto o sexteto. Cuando fallece su mujer se marcha por un periodo de dos años a África de donde regresa convertido al islamismo adoptando el nombre de Abdullah Ibn Buhaina. Los cincuenta empieza enrolándose en la banda del clarinetista, Buddy de Franco, donde permanece desde 1951 a 1953, y partir de aquí comienza la etapa mas fructífera, prolífica e interesante de toda su carrera cuando forma el grupo por el cual se le conocería e identificaría para siempre: Los "Jazz Messengers". La formación del mismo fue, según el critico Ira Gitler, de la siguiente forma. Tras un brillante debut en Blue Note, el pianista, Horace Silver fue requerido por la casa discográfica para volver a grabar. Silver en ese momento actuaba en New York con un cuarteto que incluía al saxo tenor, Hank Mobley, y al bajista, Doug Watkins. Llevó a ambos al estudio y llamó a Blakey y al trompetista, Kenny Dorhan, para completar un quinteto. Cuando se editó el disco, a sugerencia del pianista, lo llamaron: "Horace Silver and the Jazz Messengers". En cualquier caso, sea o no cierta esta versión, los "Jazz Messengers" son considerados como el epitome del Hardbop porque su repertorio abarcaba los elementos estilísticos que definían ese estilo surgido como respuesta al "amaneramiento" que se había apoderado del jazz, sobre todo por instrumentistas blancos a principios de los años cincuenta. De esa forma, desde mediados de los cincuenta y por mas de treinta largos años, Art Blakey, iba a conducir a golpe de bombo y platillo, a la serie mas impresionante de quintetos y sextetos de toda la historia del jazz en esa institución musical ejemplar que se llamaba: "The Jazz Messengers". A su muerte, ocurrida el 16 de octubre de 1990, la única mujer que formó parte de los "mensajeros del jazz, dijo: " ..Blakey vivió cinco o seis vidas en su vida. Hizo tantas cosas..."

Hijo de una pareja famosa del vaudeville americano, el baterista, Buddy Rich (1917-1987), a los cuatro años ya participaba en una comedia musical de Broadway. En 1928 dirigió su primera orquesta y diez años mas tarde debutó como baterista en el grupo del saxofonista y clarinetista, Joe Marsala. Ese mismo año fue contratado por Bunny Berigan y en 1939 después de una breve colaboración con Artie Shaw, ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, en la que permaneció hasta 1942 cuando se cambio a la de Benny Carter. En 1944, una vez licenciado del Servicio Militar, Buddy Rich, se reincorporó a la orquesta de Tommy Dorsey, hasta que en 1946 formó su propia orquesta. En 1953, una vez que disolvió su grupo, fue contratado por la banda de Harry James. Al unísono, el productor Norman Granz, lo llamaba de vez en cuando para participar en su formación itinerante los Jazz at the Philharmonic. En el seno del JATP, tuvo ocasión de tocar al lado de casi todos los grandes del jazz en distintos y variados formatos. Acompañó a la batería a Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, Art Tatum - con quien grabó un extraordinario disco a trío en su excepcional serie denominada "Art Tatum Group Masterpieces"- Roy Eldridge, y Ella Fitzgerald, entre otros grandes artistas. Una grave crisis cardiaca le obligó a estar retirado de la música durante aun amplio periodo de tiempo, aunque el gusanillo de los palillos, hizo que desobedeciendo los consejos de los médicos, volviera a la actividad formando, primero un pequeño combo y poco después un "All Stars" en una gira de conciertos por Extremo Oriente. En 1961, volvió a la orquesta de Harry James, con la que estuvo hasta 1966 cuando decidió reactivar su propia bigband. A pesar de que el rock y el pop dominaban la escena musical en el mundo, el no se amilanó y utilizó una formula ya empleada por Woody Herman, de crear una banda formada por músicos recién salidos del conservatorio para hacer él de alma mater de la misma, aportando su experiencia, su solidez y su creatividad en la batería. En sus filas se formaron músicos como Art Pepper, Steve Marcus, Mike Manieri, Danny Hayes y Pat La Barbera, entre otros. Buddy Rich, poseía una técnica perfecta, una inventiva inagotable y estaba dotado de recursos físicos que hacía extremadamente difícil superarle en la batería, a pesar de que se enfrentó musicalmente a baterías de la talla de Elvin Jones, Art Blakey, Gene Krupa o Max Roach. Buddy Rich, fue sin duda uno de los escasos baterías blancos de jazz, que tenían la virtud de poseer el "sonido y el toque negro"

Miles Davis, creció en un acomodado barrio blanco del East St. Louis, ciudad a la que se habían trasladado sus padres desde Alton en Illinois donde nació en 1926. Sus primeros admiradores también fueron músicos blancos, fundamentalmente, Harry James y Bobby Hackett. Seriamente interesado en la música, tomó clases de Elwood Buchanan, trompetista ocasional de la orquesta de Andy Kirk, cuando aun no había cumplido los trece años. De este músico recibió su primer consejo que llevó a rajatabla durante toda su vida "..toca sin vibrato, ya temblaras cuando seas viejo". Ese fue el embrión de ese estilo liso y lírico, aparentemente frio pero emocionante hasta casi llorar. Con 16 años cumplidos, tuvo la oportunidad de salir de gira con la orquesta de Tiny Bradshaw pero la negativa del padre se lo impidió. En 1944 escuchó por primera vez a Charlie Parker y Dizzy Gillespie en la orquesta del cantante, Billy Eckstine. Hizo amistad con él y "Bird" le aconsejó que se trasladase a New York. Una vez en la ciudad, Miles fue testigo directo de la cruenta batalla estilística entre lo viejo del jazz - el swing- y lo nuevo- el bebop-. Después de varias actuaciones a uno y otro lado de la Calle 52 con los creadores del nuevo sonido, estuvo capacitado para dar un paso crucial en su carrera. En 1949, Miles germinó su primera obra capital en la historia del jazz. Junto al compositor Gil Evans y músicos de la talla de Gerry Mulligan y Lee Konitz entre otros, grabó "Birth Of The Cool", una obra que dio paso al celebre "Noneto Capitol" una empresa democrática que repartía responsabilidades entre solista, compositor y arreglista. En aquélla época sufrió su primera detención por consumo de droga y en 1951 fichó por el sello "Prestige" para el que grabó años después cuatro formidables álbumes que figuran entre lo mejor de su discografía. Atrás quedaban la tormentosa sesión de grabación con Thelonius Monk y su participación en el famoso quinteto de John Coltrane. Precisamente la colaboración de Miles con Coltrane convenció a los jefes de la Columbia para que Miles firmara con ellos. En la arcas de Columbia, están algunas de las mejores grabaciones de Miles, entre ellas el obligatorio, "Kind Of Blue" grabado en 1959, las grabaciones en directo en el "Plugged Níkel" de 1965, el mil veces referenciado como el primer disco del jazz-rock de la historia titulado: "Bitches Brew" o el disco que inauguró la etapa eléctrica de Miles titulado "In a Silent Way" de 1969. En aquella época, a su alrededor se precipitaban los acontecimientos y en los años sesenta la psicodelia, y el rock llamaban con fuerza a la juventud de entonces y Miles no quiso apearse del autobús. Sus discos empezaron tomar un sesgo cada vez ruidoso y en sus banda predominaban cada vez mas los bajos eléctricos y guitarras amplificadas y si bien eso le ayudó a aumentar su popularidad entre las nuevas generaciones, su creatividad disminuía notablemente. Poco después de un concierto celebrado en Madrid en 1990 se le manifestaron los primeros síntomas de una enfermedad que le llevó a la muerte. Falleció en Santa Mónica el 28 de septiembre de 1991. Nadie como Miles Davis, ha hecho corresponder las edad artísticas de su desarrollo estilístico con las distintas etapas del jazz. Su juventud estuvo ceñida al bebop, el tórrido sonido del hardbop, luego aliviado por la brisa del cool se apoderaron de el durante su adolescencia y las tentación otoñal del jazz eléctrico recrudecida en su ultima fase le ocupó hasta que le sobrevino la muerte. Miles se llevó el secreto de su música y de su vitalidad.

John Coltrane, era uno de esos pocos hombres, en arte o en otras cosas, que son capaces de hacer la revolución. Con su saxo se convirtió en uno de los creadores mas importantes de toda la historia del jazz. Coltrane, había comenzado a tocar el saxo siendo aun adolescente y en 1943, su familia se trasladó a Philadelphia donde obtuvo una beca para estudiar música. A su regreso del servicio militar en Hawai, -donde formó parte de una banda de música- Coltrane descubre el bebop y en 1947 formará parte de la orquesta de Eddie "Cleanhead" Vinson, donde descubre las posibilidades del saxo tenor. En 1949 se incorpora como saxo alto a la gran orquesta de Dizzy Gillespie, allí permanece incluso cuando la banda se disuelve al año siguiente ya con el saxo tenor en sus labios. Entre 1952 y 1954 trabaja con varios músicos de sideman y no es hasta septiembre de 1955 cuando el saxofonista contacta con Miles Davis para formar parte de su quinteto junto al pianista, Red Garland, el contrabajista, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones. Ese mismo año se casa con su primera esposa, Juanita Grubss (de nombre musulmán, Naima). Sus progresos se evidencian en el disco "Round Midnight" de septiembre de 1956 para Columbia en el quinteto de Miles. Su afición a las drogas se agudiza y Miles le despide de su grupo y el saxofonista aprovecha para trasladarse a Philadelphia con la intención de desintoxicarse de la heroína y el alcohol. En la primavera de aquel año, se incorpora al cuarteto de Thelonius Monk, que actuaba en el club Five Spot de New York. Vuelve con Miles Davis en 1958 y al año siguiente graban el inmortal álbum: "Kind of Blue". A partir de ahí, su carrera es meteórica y firma un contrato con el sello, Atlantic y deja dos discos inconmensurables: "Giant Steps" y "Coltrane Jazz". El primero se convierte por derecho propio en uno de los disco cumbres del Hardbop. Viaja por primera vez a Europa en 1960 donde es recibido multitudinariamente. A su regreso decide formar su propio grupo. Es en 1960 y lo forman el pianista, McCoy Tyner, el contrabajista, Steve Davis, sustituido luego por el definitivo, Jimmy Garrison, y el batería, Elvin Jones. El cambio a la música modal se inicia en octubre de 1960 cuando graba el tema: "My Favorite Things" y incorpora a su repertorio el saxo soprano, un instrumento que desde los tiempos de Sidney Bechet y con la excepción de Steve Lacy, nadie lo había incorporado al jazz moderno. Durante este periodo incorpora a su música el interés por folklores ajenos a la tradición europea: el flamenco (Olé Coltrane), la música y ritmos africanos (Dahomey Dance, África) la música india (Aisha) etc. En muchas de estas obras aparece el saxo alto, clarinete bajo y flautista, Eric Dolphy, que permaneció en su cuarteto desde 1961 hasta marzo de 1962 y a partir de ahí da comienzo un nuevo proyecto con su firma para el sello Impulse! donde graba en directo desde el Village Vanguard de New York, una serie de conciertos absolutamente geniales. Parte otra vez hacia Europa en 1963 y al año siguiente graba un álbum (Crescent) que indica el desplazamiento espiritual en su música que llega luego con su álbum quizás más conocido por el gran publico: "A Love Supreme". Un nuevo giro a su música en 1965 con un concepto mas radical es inaugurada con el disco "Ascensión" que señala su definitiva adscripción al movimiento "freejazz". John Coltrane, cambia a sus músicos en función de su nuevo sonido y su enfermedad le obliga a ralentizar sus grabaciones siendo lo mas destacable en sus últimos años otra actuación en el "Village Vanguard" y una gira por Japón. Las ultimas grabaciones de 1967 - incluidas las aparecidas tras su muerte - dan la impresión de que iban encaminadas en una dirección donde el protagonismo era la pureza del sonido pero su muerte en 1967 a consecuencia de una infección hepática le privó de alcanzar su sueño de visitar África.

Richard "Groove" Holmes (1931-1991) empezó su carrera profesional como pianista, pero tras escuchar tocar al gran organista, Jimmy Smith, adoptó el órgano Hammond como su instrumento. Fue descubierto para el jazz por el pianista de Soul, Les McCann. En 1961, firma un contrato de larga duración con el sello "Pacific Jazz" y ese mismo año graba su primer disco titulado genéricamente "Groove" el apodo con que sería conocido para siempre. El disco fue un gran éxito y le acompañaban, el guitarrista George Freeman, el propio Les MacCann al piano, Tricky Lofton al trombón, a la batería, Ron jefferson y al saxo tenor el maestro Ben Webster. En 1965, logró otro gran éxito con una nueva versión del tema "Misty" una melodía muy famosa compuesta por el pianista, Erroll Garner y que serviría para darle titulo a su nuevo álbum, esta vez para el sello, "Prestige". Holmes poseía una buena técnica y especialmente en el formato del trío: órgano-guitarra-batería. Era fácil tocar con el y sus compañeros de grupo siempre alababan su capacidad para dejar entrar a los demás instrumentos. Su "tempo" era perfecto y sus solos muy originales y creativos.

Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop, fusión, jazz modal, funk jazz, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a la música de baile. Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido. Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó. Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento, no el pasado.

Sonny Rollins (Nueva York, 7 de septiembre de 1930) es un saxofonista (tenor) y compositor estadounidense de jazz. Sonny Rollins.Junto con Coleman Hawkins, Lester Young y John Coltrane, está considerado uno de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz. Sus estilos son el bop y el hard bop, aunque se ha aproximado en varias ocasiones al free jazz en la estela de las innovaciones de Ornette Coleman, contando en ocasiones con la colaboración del cornetista de este, Don Cherry. En su estilo siempre se ha notado la presencia de Coleman Hawkins, por su sonido denso y voluminoso, y de Charlie Parker, por la libertad de improvisación. Por lo demás, es frecuente su recurso al folclore (el Caribe, los calipsos...), su exposición reiterada de temas, su prolongación de las introducciones, su tendencia a la cita musical (himnos, canciones infantiles...), etc.

Grant Green (San Luis (Missouri), 6 de junio de 1935 — Nueva York, 31 de enero de 1979), guitarrista y compositor estadounidense de jazz. Editada su amplia obra casi exclusivamente en Blue Note Records (como líder y acompañante), Green se aproximó tanto al hard bop como al soul jazz, bebop y latin jazz a lo largo de su carrera. Los críticos Michael Erlewine y Ron Wynn consideran que, aunque fue severamente infravalorado en vida, Green es uno de los grandes guitarristas, con un toque inmediatamente reconocible, en una medida superior a la de probablemente cualquier otro guitarrista.[

Frederick Dewayne Hubbard, conocido como Freddie Hubbard (Indianápolis, 7 de abril de 1938 - Sherman Oaks, California, 29 de diciembre de 2008), fue un trompetista estadounidense de jazz. Se trata de uno de los trompetistas más prestigiosos de la era post-bop; ha hecho relevantes aportaciones al hard bop y a la fusión del jazz con el soul y el funk. Freddie Hubbard formó su sonido a partir de la influencia de Clifford Brown y Lee Morgan, y a comienzos de los setenta su sonido era plenamente característico y original. No obstante, algunos discos de orientación comercial realizados a finales de esa década dañaron ligeramente su reputación . Por lo demás, justo cuando Hubbard, a comienzos de los noventa (al haber muerto ya Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente dispuesto a asumir su papel de veterano maestro del la trompeta, sus labios comenzaron a darle serios problemas

Sidney Bechet (Nueva Orleans, Louisiana, Estados Unidos,14 de mayo de 1897 - París, 14 de mayo de 1959) fue un músico y compositor de jazz estadounidense. Intérprete de saxofón soprano y clarinete. Nacido en Nueva Orleans el 14 de mayo de 1897, se inició con el clarinete a los 6 años de edad, siendo señalado por sus contemporáneos como un niño prodigio en aquel instrumento. Integró varias bandas callejeras ("brass bands") de New Orleans. En 1917 se trasladó a Chicago, donde tocó con Freddie Keppard y Joe "King" Oliver entre otros

Formado en sus inicios musicales en diversos grupos de Rhythm and Blues, el trompetista, Donald Byrd, comenzó su carrera profesional junto al extraordinario saxofonista, Jackie McLean y posteriormente en 1955 sucedió a Kenny Dorham, en el seno de los maravillosos "Jazz Messenguers" del batería, Art Blakey. Consagrado como un brillante instrumentista, colaboró a partir de entonces con numerosos y estupendos músicos, entre los que cabe citar a: Art Taylor, Lou Donaldson, Sonny Rollins, Lionel Hampton o el mismísimo, John Coltrane. Con este curriculum, era evidente que no pasaría mucho tiempo antes de que decidiera independizarse musicalmente hablando y formara su propio grupo Antes, en 1966, tras doctorarse en música, y dada su experiencia, pasó a presidir el Departamento de música negra de la Universidad de Howard, en Washington. Uno de su álbumes mas exitosos de venta y su primer gran éxito acogido no obstante con frialdad en los cenáculos jazzisticos por sus galanteos con el soul y el pop - fue el titulado: "Black Byrd" para el sello, Blue Note.