Investigadores ParaPreClaros

Intérprete y actor, Aceves Mejía nació en Chihuahua el 15 de noviembre de 1915. Formó parte de una compañía teatral ambulante y en 1938 grabó por primera vez con el trío Los Porteños. Esta actividad la alternaba con la mecánica, en la ciudad de México. Cantaba en la radio boleros y ritmos afrocubanos. En 1945 se dedicó exclusivamente a cantar y, luego de la muerte de Jorge Negrete y Pedro Infante, incursionó en el cine. Sus más de mil canciones abarcan todos los géneros folclóricos del país. Historia musical El gerente de catálogo de Sony-BMG, Jorge Ibarra, quien mantuvo con Aceves Mejía una relación amistosa y profesional desde 1967, estuvo con él el sábado pasado. "Sólo se comunicaba apretando las manos. Lo último que publicamos de él fue un álbum con un dvd y un cidí, titulado Las número 1 de Miguel Aceves Mejía, con 25 grandes éxitos. Este producto fue el último del que estuvo al tanto. Desde hace dos meses y medio su salud se deterioró. "Siempre estuvo en la disquera RCA Víctor, a la que llegó en 1945. Fueron 61 años de ser artista exclusivo. Muchas canciones suyas se pasaron de grabación de pasta a cinta magnetofónica y otras se perdieron. Fue uno de los artistas que más han grabado. Compuso El pescado nadador y Oh, gran Dios. Su fuerte no fue la composición, pero brilló como intérprete. "Sus discos se siguen vendiendo, como los de Amalia Mendoza La Tariácuri, en grandes volúmenes; cada vez que sale uno se superan 8 mil o 10 mil unidades. Grabó unos 35 LP, aunque muchas canciones se quedaron en discos de 45 RPM y otros en pasta dura de 78 RPM." Para Ibarra, Aceves Mejía es considerado, con Jorge Negrete y Pedro Infante, uno de los tres grandes de la época dorada de la canción ranchera. "Nadie mejor que él llevó la música ranchera al exterior. Fue el primero que la hizo triunfar, aunque en algunos países había estado antes Jorge Negrete. Aceves Mejía no se inició como cantante de ranchero, pues en 1945 cantaba boleros y tangos. Empezó a grabar rancheras en 1948. Algunos conocedores, como Rubén Fuentes, descubrieron sus cualidades". El gerente de Sony-BMG destacó la impresión de verlo con sondas y débil en la habitación 401 del Santa Elena. "Su esposa, la argentina Rita Martínez, apenas podía comunicarse de la impresión. Recuerdo su alegría cuando vio su disco de la colección Las cien grandes de RCA, en la Hacienda Los Morales, en 2001. Pero hace tres años y medio comenzaron a complicarse sus afecciones. Tanto, que Juan Perea, su asistente, es quien cobraba las regalías". Ibarra agregó que Aceves Mejía "conquistó" primero que nadie en Mexico a los argentinos. Negrete llevó la canción ranchera por primera vez, pero fue él quien provocó el boom en 1951. "Llevaba una gran amistad con el general Juan Domingo Perón. Llenaba todos los lugares donde se presentaba. En España también fue grande; ahí la versión No volveré, de Aceves Mejía, fue un éxito de dimensiones mayores." Nació en Ciudad Juárez, aunque sus padres eran de los Altos de Jalisco. "Sus duetos son inolvidables, como los que hizo con Libertad Lamarque, Marco Antonio Muñiz y Pedro Vargas. Como actor... no era su fuerte. Fue el creador del falsete (nota falsa) y lo oficializó mundialmente. Los huapangueros también se echaban su falsecito, pero quie lo perfeccionó y lo proyectó fue Aceves Mejía. Luego lo reforzó con el mariachi." Para Ibarra, "Aceves Mejía fue un hombre hecho en la vida. No tuvo título universitario, pero estudió cuando cursar la primaria era equivalente a secundaria o preparatoria de ahora. Sabía mucho, pero de la vida. Fue muy noble. En 1968 iba con mucha prisa a la RCA, en Cuitláhuac; lo abordaron varios muchachos, a quienes les dijo que no podía atenderlos. Regresó y les dio 20 pesos a cada uno, y ordenó que les dieran un disco. Así era él. Les dijo: 'Esto les va a servir más que las rayas que hago yo'." El reportorio Es difícil decir cuáles son sus mejores canciones. "La más representativa fue La malagueña, pues fue la más difundida. Pedro Infante y Jorge Negrete grabaron temas que estuvieron primero en la voz de Aceves Mejía. A José Alfredo Jiménez lo dio a conocer. La obra del autor de Camino de Guanajuato la dio a conocer nacional e internacionalmente Miguel Aceves Mejía. "Fue quien grabó, primero que nadie, El jinete. Luego siguieron Ella, Guitarras de media noche, Serenata huasteca y muchas más. Otro éxito fue Virgen de Zapopan. Su segundo disco ranchero fue con sólo temas de José Alfredo. También dio a conocer a Tomás Méndez, con Gorrioncillo pecho amarillo". Miguel Aceves Mejía, El rey del falsete, falleció a las 13 horas en el hospital Santa Elena del Distrito Federal a la edad de 90 años, luego de permanecer dos semanas en el nosocomio, afectado por neumonía, informó ayer Miguel Santiago Aceves, hijo del artista vernáculo y de su viuda, Rita Martínez. Grabó más de mil canciones en 90 discos e intervino en más de 60 películas. Entre sus éxitos destacan La barca de Guaymas, El pastor, La del rebozo blanco y Se me hizo fácil. Otras melodías que interpretó son Yo tenía un chorro de voz, Vaya con Dios y Cuatro caminos. Fue uno de los grandes representantes del género ranchero y estrella del cine mexicano en la época de oro, las autoridades del Palacio de Bellas Artes no descartaban que el cuerpo de Aceves Mejía recibiera un homenaje en el recinto.

Inicio Portada de la Enciclopedia Monografías Las figuras clave de la historia Reportajes Los protagonistas de la actualidad Buscador Encuentra rápido la biografía que buscas Novedades Suscríbete a nuestro boletín Índices Los personajes por orden alfabético Michael Jackson (Gary, Indiana, 1958 - Los Ángeles, 2009) Cantante estadounidense, máxima estrella del pop de los años ochenta. Excelente bailarín y vocalista, dotado de un atractivo indudable para sus incontables seguidores en todo el mundo, Michael Jackson demostró también un talento especial para los negocios relacionados con el mundo de la música y el espectáculo. Su vida privada fue constante fuente de noticias -no siempre positivas- reflejadas con profusión de titulares por las revistas y demás publicaciones de información general. Michael Jackson Hermano de la también estrella del pop Janet Jackson y de la cantante La Toya Jackson, el pequeño Michael se incorporó con sólo ocho años a The Jackson Five, el grupo familiar del que, en uno u otro momento, formaron parte todos los hijos varones de la familia Jackson. Sus excelentes aptitudes para el baile y el canto lo convirtieron pronto en el líder y vocalista de la banda familiar. Su niñez en Gary, sin embargo, fue difícil, por no decir traumática; sufrió los continuos maltratos de su padre, hecho que determinó su inestable y autoexigente personalidad y explica en parte su ambiguo apego a la infancia. Arropado por Diana Ross y otros artistas de categoría, The Jackson Five experimentó un ascenso fulgurante: tras un primer sencillo en 1967, Berry Gody los contrató para el sello Motown, que hasta 1975 editó los sucesivos y exitosos singles que, junto con las apariciones televisivas y los conciertos, lanzaron el grupo al estrellato. Sin llegar a desvincularse de sus hermanos, con quienes seguiría compartiendo grabaciones y escenarios, Michael Jackson inició una trayectoria individual en 1971, año en que editó Got to Be There (1971), al que siguió Ben (1972). Ambos álbumes entraron con fuerza en las listas; con la canción que dio título al segundo álbum, Ben, alcanzó su primer número uno en Estados Unidos. Con la discográfica Motown grabó todavía dos álbumes más (Music and Me, 1973, y Forever, Michael, 1975), de menor éxito. Michael Jackson (izquierda) con The Jackson Five (1969) En 1975, tras romper con Motown y fichar por Epic Records, The Jackson Five pasaron a llamarse The Jacksons. Aunque hasta 1985, y tanto en sus giras y conciertos como en las grabaciones en estudio, el grupo pudo contar con la presencia y aportaciones de su líder, Michael Jackson fue progresivamente concentrándose en su carrera en solitario, especialmente después de la fama que le reportó su intervención en la película musical de Sidney Lumet El Mago (1978), un remake de El Mago de Oz en el que, interpretando el papel de Espantapájaros, cantó a dúo con Diana Ross. Aunque el filme no fue un gran éxito de taquilla, su director musical, Quincy Jones, quedó fascinado por el talento de aquel joven de veinte años y se convirtió en el principal artífice de la meteórica carrera que impulsaría a Michael Jackson hasta cotas de popularidad nunca vistas. La importancia del respaldo de Quincy Jones se puso en evidencia con los resultados del álbum Off the Wall (1979), que daría al nuevo ídolo del pop la nada despreciable cantidad de cinco singles de éxito consecutivos, con temas como Rock with You o Don't Stop 'Til You Get Enough. El álbum en sí no llegó a ser número uno, pero superó los ocho millones de copias vendidas antes de que acabase ese año. A partir de entonces empezaron a conocerse algunas de las manías y extravagancias de las que Michael Jackson haría gala a lo largo de toda su carrera, como sus personales ideas religiosas o la desmedida atención que prestaba a su salud y a su apariencia física; fueron, sin embargo, los años en que mejor concentró su talento y energías en la creación artística. El éxito de Off the Wall propició una nueva colaboración de Jackson con Quincy Jones, cuyo resultado, tras un largo e intenso trabajo, fue Thriller, que no salió al mercado hasta 1982. 1:03 Caracterizado como zombi en un fragmento de Thriller (1982) Thriller registró un éxito abrumador, pasando en poco tiempo a ser el disco de un solo artista más vendido de la historia de la música. Siete de sus nueve canciones se auparon como sencillos en las listas tanto americanas como británicas, y dos de sus temas, Billie Jean y Beat It, acompañados de atractivos vídeos, llegaron a ocupar sucesivamente el primer lugar del ranking de ventas en Estados Unidos. En Inglaterra lograría aún más fama con dos temas cantados con el ex beatle Paul McCartney, The Girl Is Mine (incluido en Thriller) y Say Say Say, que formó parte del álbum de McCartney Pipes of Peace (1983). Michael Jackson demostró su instinto comercial al idear la creación de un vídeo para potenciar la canción que daba título al álbum y que todavía no había aparecido en forma de single. Para su dirección contrató a John Landis, y lo produjo, en gran parte, pagándolo de su bolsillo, ya que la discográfica no creía que la inversión fuese necesaria; los responsables de la compañía opinaban, muy equivocadamente, que el disco estaba ya en su límite de ventas. La aparición del vídeo de Thriller, con sus novedosos efectos especiales y su elaborada coreografía, sacudió las estructuras habituales del mercado de la música. El álbum se disparó hasta los cuarenta millones de copias, doblando casi las ventas anteriores al vídeo. El propio vídeo en formato doméstico alcanzó también ventas millonarias, dejando de ser un mero instrumento de promoción del álbum para convertirse en un negocio en sí mismo. Tras recibir ocho premios Grammy por Thriller, todavía acompañó Michael Jackson a sus hermanos en los conciertos promocionales del penúltimo álbum de la banda, Victory (1984), así como en la gira final de The Jacksons en 1985, patrocinada por una importante compañía de refrescos. Junto a una impresionante nómina de consagrados artistas estadounidenses (Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Ray Charles, Bob Dylan, Tina Turner, entre otros), ese mismo año participó en la grabación del single We Are the World (tema compuesto por el propio Jackson y Lionel Richie), cuyos beneficios se destinaron a combatir el hambre y las enfermedades en África. No fue éste el primero ni el último de los proyectos altruistas en que colaboró el cantante; pero sus conocidas excentricidades, a menudo deformadas, y sobre todo las sospechas de pedofilia, por las que nunca llegó a ser condenado, pesarían luego como una losa sobre su imagen, haciendo olvidar que ninguna estrella musical entregó a organizaciones humanitarias tantas donaciones y recaudaciones de conciertos y discos como Michael Jackson. Michael Jackson en concierto (Kansas City, 1988) Centrado ya exclusivamente en su carrera en solitario, el artista siguió gozando de la admiración mundial y de ventas estratosféricas. Dos años después lanzó un nuevo álbum, Bad (1987), de casi idéntico éxito comercial que su anterior disco: cinco de los sencillos extraídos del álbum alcanzaron la primera posición en las listas. Al año siguiente publicó su autobiografía, Moonwalk (1988), y protagonizó Moonwalker (1988), filme articulado sobre una sucesión de números musicales con estética de videoclip. De esta época data la adquisición de la finca californiana en que mandó construir su fantástica residencia, el célebre rancho bautizado como Neverland («Nunca Jamás», como la isla de Peter Pan en que los niños no crecían), una gran mansión rodeada por un parque de atracciones, un zoológico y un cine. En los años noventa apareció Dangerous (1991), promocionado, al igual que Bad, con una gran gira internacional que congregó sus millones de seguidores en todo el mundo. También el primer sencillo extraído del álbum, Black or White, ocupó el primer lugar en las listas; pero dos años después estalló un escándalo por las supuestas inclinaciones pederastas del cantante, que evitó el juicio mediante un acuerdo extrajudicial. Muchos años después, ya fallecido Michael Jackson, la presunta víctima de los abusos confesaría que, bajo la presión de su padre, había formulado acusaciones falsas para obtener una indemnización. Portada de Dangerous (1991) Todo ello llevó a la suspensión de algunos conciertos y a un retiro que sólo abandonó para divulgar su relación con la también cantante Lisa Marie Presley, hija de Elvis Presley. Se habían casado en secreto en mayo de 1994; el efímero matrimonio terminó a principios de 1996. En noviembre de ese mismo año, Michael Jackson volvió a contraer matrimonio con Debbie Rowe, una enfermera a la que había conocido quince años atrás, con la que tendría un niño y una niña; la unión concluyó también tempranamente en 1999, reteniendo el padre la custodia de los hijos. Antes, a mediados de 1995, Michael Jackson editó HIStory: Past, Present and Future, Book I. Este disco doble fue una recopilación de quince de sus grandes éxitos (en el primer disco, titulado HIStory Begins) y al mismo tiempo su quinto álbum de estudio, pues el segundo disco, titulado HIStory Continues, contenía otras quince canciones nuevas, entre ellas Scream, interpretado a dúo con su hermana Janet Jackson, y You Are Not Alone, su enésimo número uno en las listas. En agosto, el ídolo participó en una sesión de Internet, respondiendo, por espacio de una hora, a las preguntas de todos aquellos que tuvieron la posibilidad de acceder al servicio. Apoyado por una campaña publicitaria sin precedentes y otra gira mundial en 1996-1997, HIStory acabó siendo el disco doble más vendido de la historia. En la final de la Super Bowl (Pasadena, 1993) Después de seis años de silencio (si se exceptúa el álbum de remezclas Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix, 1997), el sello discográfico Sony Music anunció el lanzamiento mundial de Invincible (2001), el nuevo trabajo del rey del pop. Pese a que el enfrentamiento y posterior ruptura del cantante con Sony Music limitó su promoción, las copias vendidas siguieron contándose en millones. Pero dos años después, Michael Jackson volvió a protagonizar un escandaloso episodio mediático: la policía de Santa Bárbara emitió una orden de busca y captura contra él por un presunto delito de abusos sexuales a menores; Michael Jackson se entregó a las autoridades el 20 de noviembre de 2003, y, pese a la gravedad de la denuncia, quedó en libertad provisional después de pagar una fianza de tres millones de dólares. Su calvario no terminó ahí, pues en la primavera de 2004 volvió a ser acusado formalmente de abuso de menores, por lo que tuvo que volver de nuevo a los tribunales. En junio de 2005, tras un juicio que se prolongó por espacio de cinco meses, la sentencia absolvió al cantante de todos los cargos. Una imagen maltrecha, penurias económicas y problemas de salud marcaron sus últimos años. Las dificultades con la justicia provocaron la clausura de su residencia, el famoso rancho Neverland; para eludir la presión mediática, se trasladó a Bahréin, invitado por el príncipe de este pequeño país del Golfo Pérsico. Jackson trató de solventar sus problemas económicos lanzando recopilatorios como King of Pop (2008) y Thriller 25 (2008), una reedición de Thriller con algunos temas nuevos, mientras preparaba su regreso a los escenarios en un último intento de relanzar su carrera. Finalmente, en marzo de 2009 anunció una gira de conciertos denominada This Is It, que había de iniciarse en Londres en julio del mismo año. Su inesperada muerte de un ataque el corazón, pocas semanas antes del comienzo de la gira, causó gran conmoción en todo el mundo.

Nació el 9 de julio de 1935 en Tucumán, Argentina. Hija de un obrero de la industria azucarera y de una lavandera. En 1961 grabó su primer disco y en 1966 consiguió su primer éxito, Samba para no morir. Al año siguiente, realizó su primera gira por Europa recorriendo Holanda, Bélgica, Suiza y Alemania. Voz de la canción protesta en los años setenta durante las dictaduras latinoamericanas, cantó con Violeta Parra. Su canción "Gracias a la vida" se convirtió en un enorme éxito. También interpretó letras de Víctor Jara, como "Te recuerdo Amanda". En 1972 grabó La cantata sudamericana. Visitó España, Francia, Italia, México, Venezuela y Perú y en 1975 viajó a Japón. En febrero de 1978 falleció su marido y pocos meses después las autoridades argentinas le prohibieron cantar en público, por lo que decidió instalarse en París. En 1979 grabó un disco en portugués y tres años después regresó a Argentina llenando estadios de fútbol. En julio de 1984, anunció que se retiraba, pero volvió a realizar nuevas giras. Entre sus canciones de mayor éxito destacan "Volver a los diecisiete", "Canción de todos", "Alfonsina y el mar" o "Como la cigarra". En 1989 fue condecorada por el gobierno de Francia y en 1996 la UNESCO le concedió el Premio de la Música. Su último trabajo fue Cantora, un álbum doble donde interpretó 34 canciones a dúo con reconocidos cantantes iberoamericanos. Mercedes Sosa falleció el 4 de octubre de 2009 en una clínica de Buenos Aires víctima de una enfermedad hepática. Algunas de sus canciones: Escondido en mi país o mi país escondido Sueñero Gracias a la vida Alfonsina y el mar Solo le pido a Dios Luna de cabotaje Agitando pañuelos Viejo corazón Todo cambia Viejas promesas Si llega a ser tucumana Para cantar he nacido Del tiempo de mi niñez Bajo el sauce solo Zamba por vos Al despertar Mi madre y María Dejame que me vaya La villerita Vientos del alma Como pájaros en el aire Unicornio Un son para Portinari

Una melodía es una sucesión de sonidos que es percibida como una sola entidad. Se desenvuelve en una secuencia lineal, es decir a lo largo del tiempo, y tiene una identidad y significado propio dentro de un entorno sonoro particular. En su sentido más literal, una melodía es una combinación de alturas y ritmo, mientras que en sentido más figurado, el término en ocasiones se ha ampliado para incluir las sucesiones de otros elementos musicales como el timbre. Se puede considerar que la melodía es el primer plano respecto del acompañamiento de fondo. Pero una línea melódica o una voz no tiene necesariamente que ser una melodía en primer plano.

LA MÚSICA EN LOS 90 La década de los noventa ha sido la década de la revolución de Internet y de las telecomunicaciones, de la utilización de nuevas tecnologías, de la guerra en Yugoslavia, del efecto 2000, de la generación X, de la explotación masiva de la TV, de Barcelona 92, etc.. Todo esto ha tenido su influencia en la música que se ha hecho en estos años, o bien la música ha tenido su influencia en los acontecimientos sociales de esta década. Precisamente uno de los aspectos más importantes de esta década ha sido la reinvención de uno mismo. Triunfa la idea de que hay que romper con los lazos del pasado y volver a empezar para poder adaptarse a los cambios que están sucediendo a nuestro alrededor. Esta idea quedó perfectamente reflejada en un disco que apareció a finales de 1991: "Acthung Baby" de U2. Tras haberse convertido en una de las bandas más importantes del planeta con "The Joshua Tree", los irlandeses se vieron atrapados por la monotonía. Esto les llevó a estar casi cuatro años sin que se supiera nada de ellos. A su regreso presentaban un nuevo sonido que les volvió a poner de moda y que les convirtió en una de las principales bandas de la década, lo cual se debió también a su espectacular directo. Con una gran influencia de la televisión, realizaron una gira espectacular, ZOOTV, que llenó grandes estadios. Después se inventaron el Popmart, otro espectáculo impresionante. 1991 fue también el año del triunfo de REM. Manteniéndose fieles a sí mismos, con "Out of time", y sobre todo con su canción "Losing my religion" consiguieron por fin convertirse en una banda respetada y admirada por todo el mundo. Desde ese momento cosecharon éxito tras éxito, grabando buenos discos entre los que destaca "Automatic for the People", y aunque sufrieron algún pequeño bajón ("New adventures in the Hi-Fi"), ultimamente han demostrado que siguen estando al pie del cañón. Pero para entender lo que ha significado la música para la juventud de los años 90 hay que hablar necesariamente de la etiqueta que dominó la primera mitad de la década: el "grunge". La filosofía del grunge es difícil de definir, pero lo intentaremos: unos cuantos jóvenes desesperados y despreocupados que no se encuentran cómodos con su vida deciden plasmar todos sus sentimientos confusos en canciones. Ya no importan los graves problemas sociales, sólo importa el infierno interior por el que están pasando y que no le permite ser felices. Vestuario zarrapastroso, sonido duro y descuidado, voces desgarradas y letras en ocasiones fuertes y en otras simplonas. El grupo que abandera este movimiento es Nirvana, que logra la fama mundial con su disco "Nevermind" y su himno "Smell like teen spirits". Otros grupos que intentan liderar el movimiento junto con los chicos de Seattle, pero sin llegar nunca a su altura (lo cual debió ser muy fustrante, y puede que fuera una de las razones de la muerte del grunge) fueron Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Soundgarden, Spin Doctors, 4 Non Blondes y Counting Crows. La fama de estos grupos influye a los jóvenes, sobre todo en Norteamérica y surge algo que los sociólogos llamaron generación X, la generación sin nombre, sin identidad propia. Paralelamente al grunge nace la música alternativa. Artistas que no creían en la música que se estaba haciendo y a los que el grunge no les convencía buscan un sonido propio y completamente diferente a todo lo hecho anteriormente, utilizando las tecnologías a su alcance. Nacen artistas como The Smashing Pumpkins, Beck, Radiohead, Massive Attack, Fun Lovin´ Criminals, más adelante Garbage, y grupos ya establecidos como Sonic Youth. La música alternativa acabaría derivando en tres tendencias: El tecno-punk-rock , el punk-rock y el rock a secas que quedó después de todo eso (grupos que siguen en la línea tradicional del rock: The Cranberries, Live, Matchbox 20, Semisonic, Goo Goo Dolls o Liquido, cada uno con sus peculiaridades). El punk-rock pegó muy fuerte en los años 95 y 96, sobre todo gracias a sus dos bandas estrella: Green Day con su disco "Dookey", y The Offspring con su himno "Self Esteem" incluído en su álbum "Smash". Con el paso del tiempo el sonido punk no supo evolucionar y se quedó estancado. Algunos grupos como Nada Surf o The Presidents of the USA introdujeron algo de frescura, pero no pudieron evitar que el público se desinteresara por este sonido. Actualmente sólo The Offspring se mantiene en la élite de la música internacional. El tecno-rock, en cambio, es una tendencia en alza. Se trata de un sonido electrizante con mucho ritmo que cada año presenta nuevas innovaciones. The Chemical Brothers fueron quienes empezaron todo y siguen estando en forma ya que en 1999 editaron su mejor disco, "Surrender". The Prodigy también estuvieron metidos en esto desde el principio y realizaron su mejor trabajo, y el más exitoso, con "The fat of the land". Otros grupos que también tienen mucho que decir, o dijeron mucho en su momento, son Underworld, Apollo Four Forty, Orbital, Daft Punk, Asian Dub Foundation o Fatboy Slim. Dada la gran aceptación de este sonido casi todos los grupos ya establecidos cuentan entre sus productores con algún deejay experimentado que les modernice. Artistas como U2 con "Pop", o Madonna con "Ray of ligth" y la gran ayuda de William Orbit se han adaptado perfectamente al sonido actual. Hay críticos a los que les ha dado por llamar al tecno-rock el rock del nuevo milenio, y es posible que no anden muy desencaminados. El 8 de Abril de 1994 Kurt Cobain se suicida y nace el mito. Miles de fans lloran la muerte del líder de Nirvana, y su mensaje se convierte en el mensaje de toda una generación. Pero la muerte de Kurt Cobain significa también la muerte del grunge. Tres días después el primer single de Oasis "Supersonic" sale a la venta y el Brit Pop se pone de moda. Pearl Jam se resisten a abandonar el sonido grunge, pero unos pocos años después la industria musical ha olvidado por completo a este movimiento. ¿Qué estaba pasando mientras tanto en España? La música nacional se veía marcada por la disolución de las grandes bandas de los años 80. Grupos como Mecano, Duncan Dhu, El Último de la Fila, Radio Futura o Héroes del Silencio y otros grupos nacidos en los 90, como los Rodríguez, desaparecen, en algunos casos "Parasiempre" y en otros dejando una puerta abierta para la reunión. De hecho, Mecano volvió para sacar un grandes éxitos, pero tras escuchar las nuevas canciones, muchos fans lamentaron que hubieran vuelto a componer. Duncan Dhu siempre han hablado de su vuelta aunque ésta no se producirá en los 90. Sin embargo, al contrario de lo que ocurría con las de Mecano, sus canciones nuevas incluidas en su grandes éxitos sí que merecían la pena. La ventaja de estas disoluciones es que por cada una de ellas ha surgido un nuevo artista que, por separado o con un nuevo grupo, graba buenos discos e incluso discos estupendos. Tras Mecano aparecieron trabajos de Ana Torroja, de Nacho Cano y de Jose María Cano; tras Duncan Dhu, Mikel Erentxun ("Naufragios") y Diego Vasallo con su Cabaret Pop; tras El Último de la Fila, Manolo García; tras Radio Futura, Juan Perro; tras Héroes del Silencio, Bunbury ("Radical Sonora"); y tras los Rodríguez, Andrés Calamaro ("Alta Suciedad") y Ariel Rot. Y es que durante estos años han triunfado sobre todo los solistas españoles, con mayor o menor experiencia, como Miguel Bosé, Luz Casal, Sergio Dalma o Alejandro Sanz con su hipervendido disco "Más" (casi dos millones de copias vendidas sólo en España, cifra record). Sin duda el movimiento más importante que ha tenido lugar en España durante la década de los 90 y que más ha influido en la juventud española es el Indie-Pop. En 1995 una película "Historias del Kronen" incluye en su banda sonora una canción que a la gente le empieza a gustar. Se trataba del "Chup Chup" de Australian Blonde, el himno de esta banda y de los primeros pasos de la música independiente en nuestro país. Junto con este grupo asturiano, aparece un grupo granadino que lidera junto con ellos la escena independiente: Los Planetas. Estos dos grupos son los únicos que han conseguido conservar la frescura inicial del indie-pop tras el paso de los años. Además aparecieron una multitud de pequeños grupos que no conocieron el éxito pero renovaron el panorama musical nacional: Sexy Sadie, Killer Barbies, Undershakers, Nosoträsh, Lagartija Nick, Los Hermanos Dalton, Le Mans... El resto de bandas que han nacido, sobre todo del sello Subterfuge, han acabado decayendo. Y los únicos culpables de esto son Pepsi y los 40 Principales. La marca de refrescos se dio cuenta en 1996 de que esta música era la que enganchaba a los jóvenes, por lo que decidió utilizar en cada uno de sus spots una canción de alguno de estos grupos. Así incluyeron una canción que sonaba durante unos tres segundos mientras veíamos una botella de zumo: "Devil came to me" de Dover. En verano de 1997 el grupo comenzó a vender su disco de manera masiva, llegando a las 400.000 copias, cifra record dentro de la industria independiente. Hasta entonces el record lo sustentaba el "Aftershave" de Australian Blonde, con 10.000 copias. Los números hablan por sí mismos. Como el experimento salió bien, Pepsi decidió volver a intentarlo al año siguiente con Undrop. El resultado no fue el esperado, y a partir de ese momento todos los grupos que promocionaban bebidas resultaron casi patéticos (La rabia del milenio, Deviot...). En España se ha dado el fenomeno de la megapromoción: bombardeo continuo de determinados artistas tanto en la televisión como en la radio hasta que el público ha comprado el disco en cuestión. Así se han convertido en superventas artistas como Laura Pausini, Ambra, Rebeca, Revólver, La Oreja de Van Gogh o Melon Diesel. También se ha dado el efecto gasolinera. ¿Qué habría sido de Camela sin ellas? Por no hablar de Ríos de Gloria o Los Sobraos... Pero volviendo al escaparate internacional, nos habíamos quedado con la desaparición del grunge. Hasta mediados de los 90 la mayoría de las bandas que dominaban el mercado eran norteamericanas. Entonces llegó la reacción europea, que se centró sobre todo en Gran Bretaña. Surgió una serie de grupos que construyó un sonido que fue calificado como Brit Pop, con claras influencias de las bandas británicas míticas de los años 60 y 70, como The Beatles, The Rolling Stones, The Jam o The Sex Pistols. Los grupos que más famosos se hicieron fueron Suede, Blur, Oasis, The Verve, Kula Shaker, Elastica, Manic Street Preachers, Ocean Colour Scene, Pulp, Supergrass y un largo etcétera. De todos estos grupos destacan Blur y Oasis, que mantuvieron una dura pugna por ver quien lideraba la música inglesa. El primer round lo ganó Blur, que derrotó con su "Parklife" al "Definitely Maybe" de Oasis, pero los de Manchester se tomaron la revancha con creces con la edición de su segundo elepé "(What´s the story?) Morning Glory" que superó al "The Great Escape" de Blur. Este segundo trabajo, grabado en sólo dos semanas, se convirtió en uno de los discos fundamentales de la década y tuvo en "Wonderwall" su mayor éxito, que recientemente fue considerada la tercera mejor canción inglesa de la historia por una encuesta realizada en las islas. Sin embargo, este sonido ha entrado en decadencia con los años: Blur se puso a experimentar con nuevos sonidos y Oasis se volvieron mediocres y grandilocuentes. Ultimamente solo Ocean Colour Scene y Manic Street Preachers parecen estar en forma, pero cada vez más el sonido británico se está volviendo muy soso. Hola, hola, hola, no podemos hacer un repaso de la música en los noventa sin hablar del fenómeno fan. Grupos de niños guapos o de chicas despampanantes que saben cantar (o eso se supone) y bailar, y que vuelven locos a los quinceañeros e incluso a gente con todavía menos edad. Estos grupos fueron, y en algunos casos siguen siendo: Take That, Backstreet Boys, Spice Girls, Boyzone, NSYNC, Five, All Saints, Eternal... Es habitual que la fama de estos grupos acaben destruyéndoles y llevándoles a la desaparición. Mención especial merece Take That, iniciadores de esta moda, cuya ruptura rompió los corazones de miles de crías, algunas de las cuales incluso amenazaron con suicidarse. Las Spice Girls vivieron una subida vertiginosa y acabaron cayendo en picado, caída que todavía continúa, y todo eso en un tiempo record. Lo positivo de estas desapariciones es que a veces liberan a un buen artista, si bien tiene que luchar duramente contra su pasado para ganarse el respeto de público y crítica. Es el caso de Robbie Williams, que es el chico de moda en el Reino Unido, y cuyo tema "Angels" ha sido considerada la segunda mejor canción de la historia en Inglaterra por la misma encuesta mencionada antes. Sin embargo, Mark Owen o Melannie C no han conseguido liberarse de su pasado, a pesar de haber grabado discos estimables. Lo negativo de estas desapariciones, y por desgracia, lo habitual, es que liberan a artistas lamentables, como Gary Barlow, Ronan Keating (aunque Boyzone aun no se han separado), o Geri Halliwell, la desertora de Spice Girls. Otro aspecto del que hay que hablar es la música de baile, que es la que más transformaciones ha sufrido a lo largo de la decada. Se ha hablado de Eurodance, Bakalao, Tecno, Trance, Progressive, Chill, Dream, e infinidad de variantes que a lo largo de los años han hecho mover el esqueleto a millones de jóvenes. Ace of Base han sido el gran grupo de este género, si bien nunca lograron superar el listón de su primer album "Happy Nation". Esto es algo común a los grupos que practican este tipo de música, ni Double You, ni Gala, ni Robert Miles, consiguieron repetir el éxito con sus trabajos posteriores. Los noventa han vivido el retorno de la mujer rockera. La primera fue Sheryl Crow, y fue seguida por muchas, entre las que destaca Alanis Morissette con su disco "Jagged Little Pill", otra de las obras maestras de esta década. La canadiense no supo digerir el éxito de ventas y se fue a la India para meditar. A su vuelta comprobamos que se había dejado gran parte de su talento en Asia. Otras chicas que merecen ser mencionadas son Shania Taiwn, Meredith Brooks, Shakira, Vonda Shepard, Anouk y Björk, que han cultivado diferentes estilos. Ultimamente las chicas que tienen éxito son más jóvenes, practicamente adolescentes como Britney Spears, Christina Aguilera o Lene Marlin, aunque su sonido es más comercial. Comerciales son, y mucho, otras grandes divas como Whitney Houston, Mariah Carey, Celine Dion o Cher. Pero la gran triunfadora entre las chicas, o al menos la que mejor ha acabado la década, ha sido Madonna, que en 1997 publicó su mejor álbum, "Ray of light", que le ha dado el aplauso de público y crítica, y cuyo éxito ha prolongado a lo largo de los últimos años de la década, conectándolo con sus aportaciones a bandas sonoras. La última moda es la música látina. Aunque siempre ha estado presente en el mercado (Juan Luis Guerra, Gloria Estefan...) en 1999 estalló el boom latino. Los culpables de esto fueron Ricky Martin y Enrique Iglesias. A la moda se apuntaron otros artistas latinos (Chayanne, Luis Miguel,...) y otros que no lo son pero que se empeñan en parecerlo o se refugian en su pasado para aparentarlo (Jennifer Lopez, Mark Anthony o Geri Halliwell). Y así es como podríamos resumir lo que ha sido la música en esta última década. Naturalmente, faltan grupos y artistas, y seguro que hay tendencias de las que no hemos hablado. Esto tan solo reafirma la idea de que esta década ha sido muy productiva en cuanto a música. Esperamos que a lo largo del próximo milenio podamos seguir disfrutando de grandes canciones y buenos artistas.

Mecano surge en Madrid, en la década de los ochenta, como un grupo surgido de lo que se denominó la movida madrileña. Gente joven, con ganas de hacer cosas y con hambre de música. En sus orígenes fueron un grupo situado en el tecno-pop, aunque a lo largo de los años fueron capaces de transformarse y adaptarse a los tiempos cambiantes. El trío Mecano estaba compuesto por los hermanos José María y Nacho Cano, además de la vocalista Ana Torroja. José maría, el mayor de los hermanos, ya tocaba la guitarra, interpretando los temas que él mismo componía. A él se le unía ocasionalmente su hermano Nacho, quien sentía una verdadera pasión por la música y que ya anteriormente había participado en un grupo, aunque la fórmula no cuajó. Con estos mimbres, los hermanos Cano conocen a Ana Torroja, quien se les une como vocalista, y comienzan a interpretar juntos algunos de los temas de José María. Su ambición por hacerse un hueco en el mundo de la música les lleva rápidamente a contactar con distintas discográficas, despertando el interés de la CBS, con la que firman un contrato. Tras algunas audiciones graban su primer sencillo, "Hoy no me puedo levantar". Tras lanzar el sencillo y darle muy poca promoción, la CBS se desentiende un poco del grupo, sin estar muy convencidos de que la historia pueda funcionar. Pero Mecano era un trío muy voluntarioso. Ellos mismos compran varias copias del sencillo y empiezan a promocionarlo por su cuenta en emisoras de radio y gente relacionada con el mundillo. La reacción del público es muy positiva y la canción comienza a sonar en todos los locales de moda de Madrid. En ese momento, los directivos de la CBS deciden que el grupo se había hecho acreedor a un empujón y comenzaron a hacer una verdadera campaña de promoción, con lo que los niveles de ventas del disco subieron como la espuma. Poco después graban su segundo tema, "Perdido en mi habitación". Y por fin, en 1982, Mecano publica su primer álbum, titulado "Mecano". Tras una presentación espectacular y una promoción masiva por parte de la compañía, el disco se convierte en un auténtico éxito, vendiendo más de 100.000 copias en pocas semanas. Mecano aparecía en todas las fiestas que se celebraban en Madrid y aparecían en infinidad de programas de televisión, aumentado espectacularmente el caché del grupo. "Mecano" incluía, además de los dos sencillos publicados anteriormente, temas como "Me colé en una fiesta" o "Maquillaje", que se convirtieron en éxitos, principalmente entre la gente quinceañera. Mecano comienza a ofrecer giras que recorren todo el país, con una cuidada estética en los escenarios. El segundo álbum de Mecano se tituló "¿Dónde está el país de las hadas?", y apareció publicado en 1983. Entre los temas del álbum destacan "Barco a Venus", una canción que habla del consumo de drogas, "La fiesta nacional", "La bola de cristal", "No aguanto más" o "El amante de fuego". En total 12 nuevos temas del grupo de moda. A partir de ese momento, los hermanos Cano, sobre todo Nacho, compatibilizan sus labores en Mecano con la composición de temas para otros artistas, apoyando también a nuevos grupos que surgen. En 1984 Mecano publica su tercer trabajo, titulado "Ya viene el sol ", que incluye temas como "Hawaii-Bombay", "Busco algo barato", "Aire", "Me Rio De Janeiro" o "Japon". Se trata de un álbum más maduro de Mecano, en el que el sonido electrónico de Nacho cobra un mayor poderío y donde la producción está más cuidada en todos los aspectos. En 1986 aparece un nuevo álbum de Mecano. Se trata de "Entre el cielo y el suelo", posiblemente el mejor trabajo del grupo y el de mayor éxito, en el que casi cada tema podría ser un número uno. "Ay, qué pesado" es la canción que abre el álbum y es seguida por temas del calibre de "Hijo de la Luna", "Me cuesta tanto olvidarte", No es serio este cementerio", "Cruz de navajas" o "Esta es la historia de un amor". Además de ser uno de los discos más vendidos en España, "Entre el cielo y el suelo" conquista también el mercado latinoamericano. En 1988 aparece "Descanso Dominical", con temas como "No hay marcha en Nueva York", "Mujer contra mujer", "La fuerza del destino" y "El blues del esclavo". El disco es nuevo éxito de Mecano, pero lo prolongado de las giras y el estres fruto del continuo trabajo, giras y promociones hace que las relaciones entre los miembros del grupo se tensen un poco. En 1991 aparece "Aidalai", con pinceladas budistas fruto del coqueteo de Nacho Cano con esa religión. El álbum consigue un notable éxito a nivel internacional, aunque no llegó al nivel de los dos discos anteriores. Tras la publicación de este trabajo, los miembros de Mecano deciden darse un descanso en el grupo para explorar sus posibilidades en solitario. En 1998 Mecano reaparece para publicar "Ana Jose Nacho", un recopilatorio con 23 de sus temas más importantes y que incluye 7 canciones nuevas. El álbum pasa sin pena ni gloria y Mecano deciden separarse definitivamente para dedicarse cada uno a sus carreras en solitario.

BIOGRAFÍA DE MARISELA Marisela Esqueda (Los Angeles - California, 24 de abril de 1966) es una cantante y empresaria mexicana - estadounidense, También es conocida como "La Madonna Latina", "La diva de la música romántica" y "La dama de hierro". hija de inmigrantes mexicanos. Se dio a conocer a mediados de 1980s y entre algunas de sus más famosas canciones están: "Mi problema", "Enamorada y herida", "Sin él", "Completamente tuya", "Sola con mi soledad", "El chico aquel", unas de las más grandes canciones y como ahora se le conoce "Tu dama de hierro" que fue una canción muy conocida en la década de 1980. Índice 1 Biografía 2 Discografía 2.1 RECOPILACIONES 3 Referencias Biografía Marisela lanza su primer álbum a la edad de 15 años.2 Su sensualidad y rubia cabellera han contribuido a su fama tanto como su estilo vocal juvenil. Debutó en el programa mexicano Siempre en Domingo,3 conducido por Raúl Velasco. Hizo duetos con Álvaro Torres, natal de El Salvador, donde se presentó en 1987, obteniendo su gran éxito en ese país centroamericano. "Mi amor por ti" fue su segundo éxito y junto a Marco Antonio Solís grabó su éxito "La pareja ideal", catalogada como el mejor dueto de los años 80. En 1990 se casó con el cantante y trompetista, Juan Manuel Hernandez, mejor conocido como Pedro Rey Jr. "El Torito", quien es padre de su hija, Marilyn Odessa Hernandez. La más prolífica quizá, la vivió al lado de "El Rey Midas" de la composición popular Marco Antonio Solís quien figura como el responsable de los más grandes éxitos de la cantante. En 1984 empieza su carrera artística con su álbum debut "Sin él". (Esta relación profesional se extendió al plano sentimental, siendo ésta una de las parejas más recordadas de aquellos tiempos en el mundo de la farándula) La segunda etapa de su carrera es ya sin el apoyo lírico del señor Solís. Es así como Marisela se cobija de diferentes compositores e incluso ella se aventura a escribir y grabar temas de su propia autoría. Graba varios de sus éxitos en versión "Banda". En el 2007 lanzó un nuevo material discográfico titulado Noches Eternas donde canta algunos de sus grandes éxitos en versión ranchera, también incluyó sus propias versiones de "Me gusta estar contigo" y "Fue tan poco tu cariño" de Rocío Dúrcal. En 2011 Regresa a la música con nuevo material discográfico que lleva como título "El marco de mis recuerdos" En enero del año 2015 participa en el festival de Tierra Amarilla (III Región de Chile) trasmitido por la red. Discografía El Marco De Mis Recuerdos (Lanzado el 2 de agosto de 2011 en iTunes) Tu cárcel Que lástima Tus mentiras Este Adiós El peor de mis fracasos Me volví acordar de ti Navidad sin ti Tienes Razón Yo te necesito Y ahora te vas Donde estás (Todos los temas compuestos por Marco Antonio Solís) Noches eternas (2007) Noches eternas (Felipe Valdez Leal) Sola con mi soledad (Aníbal Pastor) Ya no te vayas (Marco Antonio Solís) Me gusta estar contigo (Juan Gabriel) Completamente tuya (Xavier Santos) Si no te hubieras ido (Marco Antonio Solís) No me hablen de el (Marisela Esqueda) Mi problema (Aníbal Pastor) No puedo olvidarlo (Marco Antonio Solís) Fue tan poco tu cariño (Juan Gabriel) Sin el (Marco Antonio Solís) Amor de los dos (Gilberto Parra) Éxitos con Banda (2005) Ámame (Xavier Santos) Adiós amor (Marisela Esqueda) Loca (Willie Nelson) Total (Ray Pardomo) Me desperté llorando (Leo Dan) Quizás mañana (Juan Gabriel) Nunca olvidaré (Marisela Esqueda) Piel canela (Bobby Capó) Amor tan mío (Víctor Yuñez Castillo) Ya lo pagaras (José Aguiñada) La otra (2002) Voy a quitarme el anillo (Rafael Ferro /Roberto Livi) La otra (Erica Ender/Alejandro Jaén) Te amo (Roberto Livi/ Rudy Pérez) El baúl de los recuerdos (Rafael Ferro /Roberto Livi) Hasta que te olvide (Rafael Ferro /Roberto Livi) Flechazo de Cupido (R. Esparza) Voy a comprar un CD (Roberto Livi/ Rudy Pérez) No me vas a matar (Virginia Faiad/ Miguel O. Iacopetti/Luis Sarmiento) No me lastima (Erica Ender/Alejandro Jaén) El amor de mis amores (Juan Marcelo) Y te voy a olvidar (Marco Flores) El amor de mi vida (Gustavo Avigliano/ F. Schiantarelli) Voy a quitarme el anillo (Banda) (Rafael Ferro /Roberto Livi) Historia de un amor (Album) (2000) Boleros con trío Total (Ray Pardomo) Tus Mentiras (Paublo Ibarra) Piel canela (Bobby Capó) Desvelo de amor (Rafael Hernández) Historia de un amor (Carlos Almarán) Tonto (Armando Manzanero) Cenizas (Wello Rivas) Tus promesas de amor (Miguel Amadeo) ¿De qué presumes? (Homero Aguilar) Ilusión perdida (D. A. R.) Quizás, quizás, quizás (Joe Davis/ Osvaldo Farrés) Somos diferentes (Ruiz/ Pablo Beltrán) En vivo Tu Dama de Hierro (1999) Intro Enamorada y herida (Xavier Santos) Cariño mío, amigo mío (Aníbal Pastor) Mi problema (Aníbal Pastor) Completamente tuya/Sola con mi soledad/Si alguna vez (Xavier Santos/ Aníbal Pastor/ Roberto Bellester) Tu dama de hierro (Aníbal Pastor) Porque tengo ganas (Aníbal Pastor) Y sé que vas a llorar (Carlos María) Sin él (Marco Antonio Solís) Vete con ella/Si no te hubieras ido/No puedo olvidarlo (Marco Antonio Solís) El chico aquel (Marco Antonio Solís) Un amor en el olvido (Víctor Franco) Muriendo de amor (Xavier Santos) Decídete (Marisela Esqueda) Ya lo pagaras (José Aguiñada) Y voy a ser feliz (Cortés, Xavier Santos) Ya no (Bárbara George) Voz y sentimiento (1997) Loca (Willie Nelson) Ya lo pagaras (José Aguiñada) Escríbeme (Marisela Esqueda) Vuelve (Blanca Estela Zurita) Vete con Dios (José Manuel Lozano) Y a poco no (Blanca Estela Zurita) Quizás mañana (Juan Gabriel) Por tus mentiras (Ángel Castelo/ Lenin García) Fácil es perdonar (E. Jr. Aguilar) Decídete (Marisela Esqueda) Crazy (Willie Nelson) Borrón y cuenta nueva (álbum) (1995) Un amor en el olvido (Víctor Franco) Me olvidaré de ti (Adolfo Ángel Alba) Borrón y cuenta nueva (Elizardo “Chalo” Campos) Tú mi niña (Víctor Franco) Debo contar hasta diez (Orlando Gimenez/ O. Jiménez/ C. Nilson/ Dario Valles) ¿Qué pensabas? (Anselmo Solís) Que manera tan estúpida de amar (Víctor Franco) No vayas a volver jamás (Angel Castelo/ Gustavo Mendez) No me vas a convencer (Lolita de la Colina) Para nunca volver (Roberto Guardarrama) Marisela con la Banda la Escamilla (1993) Ya no te vayas (Marco Antonio Solís) Mi problema (Aníbal Pastor) Completamente tuya (Xavier Santos) Prefiero ir sola (Marco Antonio Solís) Ahora no (Xavier Santos) Siéntame, ámame, quiéreme (Xavier Santos) Sola con mi soledad (Aníbal Pastor) No puedo olvidarlo (Marco Antonio Solís) Vete mejor (Marco Antonio Solís) El chico aquel (Marco Antonio Solís) Adios amor (1992) Ámame (Cortés, Xavier Santos) Adiós amor (Marisela Esqueda) Me desperté llorando (Leo Dan) Te devuelvo tu apellido (Eloy Monrouzeau) Porque amo la música (Adrián Posse) Nunca olvidaré (Marisela Esqueda) Tonto corazón (Marisela Esqueda) Amor tan mío (Víctor Yuñez Castillo) Ven, acércate un poco (Tommy Boyce/ Wes Farrel/ Bobby Hart) Si de mí te alejas (Kiko Campos/ Fernado Riba) Hablemos claro (1990) Y sé que vas a llorar (Carlos María) Tú y yo (A. Martines. M. A. Valenzuela) Cha-cha (Adele Bertei/ D. Bryant/ William Shelby) Vete de mí (Anselmo Solís) A partir de hoy (Álvaro Torres) Ya te olvidé (Anselmo Solís) Tu adeudo (Graciela Carballo/ Horacio Lanci) En Cancún (Enrique Elizondo/ Paul Gordon/ Jay Gruska) Hablemos claro (Aníbal Pastor) Amor de compra y venta (Jorge Luis Borrego) Marisela (álbum) (1989) Amarte es genial (Graciela Carballo/Gilson/Joran) Y voy a ser feliz (Cortés, Xavier Santos) Yo no te quiero (Peter Bliss/ Graciela Carballo) O me quieres o me dejas (Roberto Bellester) Ámame un poco más (Cortés, Xavier Santos) Para volver a empezar (Graciela Carballo/Horacio Lanzi) Ya no puedo volver contigo (Anselmo Solís) Ya no (Bárbara George) Enamorada y herida (Marco Antonio Solis) Mi triste amiga (Cortés, Xavier Santos) Porque tengo ganas (1986)ARDC Music Division Tu dama de hierro (Aníbal Pastor) Porque tengo ganas (Aníbal Pastor) Yo sé que tu (Roberto Bellester) Quisiera detener el tiempo (Aníbal Pastor) A escondidas (Roberto Bellester) El fin de nuestro amor (Eusebio Cortés) Hazme tuya (Álvaro Torres) Arrepentida (Aníbal Pastor) Quédate a mi lado (Aníbal Pastor) Si alguna vez (Roberto Bellester) Completamente tuya (1985) Siénteme, ámame, quiéreme (Cortés, Xavier Santos) Así de fácil (Xavier Santos) Ahora no (Xavier Santos) Enamorada y herida (Xavier Santos) Mi problema (Aníbal Pastor) Completamente tuya (Xavier Santos) Muriendo de amor (Xavier Santos) Amigo mío, cariño mío (Aníbal Pastor) Sola con mi soledad (Aníbal Pastor) ¿A cambio de qué? (Xavier Santos) Sin el (1984) Ya no te vayas (Marco Antonio Solís) Vete mejor (Marco Antonio Solís) No puedo olvidarlo (Marco Antonio Solís) La pareja ideal (Marco Antonio Solís) El chico aquel (Marco Antonio Solís) Sin él (Marco Antonio Solís) Si no te hubieras ido (Marco Antonio Solís) Prefiero ir sola (Marco Antonio Solís) Dios bendiga nuestro amor (Marco Antonio Solís) Vete con ella (Marco Antonio Solís) RECOPILACIONES Lo básico de Marisela (2010 incluye 4CD´S) Las Número 1 (CD+DVD) Tesoros de colección (2007) Ellas cantan así (2003) Serie 2000 (2000) Serie Platino (1996) 20 éxitos inmortales 30 grandes éxitos Personalidad La mejor intérprete de Marco Antonio Solís 15 Éxitos Vol. 1 15 Éxitos Vol. 2

María Conchita Alonso María Concepción Alonso Bustillo Actriz cubano-venezolana Nació el 29 de junio de 1957 en Cienfuegos, Cuba. Hija de Ricardo Alonso y María Conchita Bustillo. En 1962, con tan solo cinco años emigró con su familia a Venezuela después de la Revolución Cubana. En 1971 fue la ganadora del concurso de belleza Miss Mundo Adolescente y en 1975 Miss Venezuela. Después de algunas películas realizadas para su emisión en televisión y su interpretación en diversos "culebrones", viaja a Estados Unidos donde se convierte en una de las figuras hispanas del celuloide trabajando junto a estrellas como Robin Williams, Arnold Schwarzenegger, Nick Nolte y Edward James Olmos. Además de su trabajo como actriz, ha desarrollado una intensa labor como cantante, compensada por varios discos de platino y un premio Grammy al mejor álbum de pop latino en 1993. Está nacionalizada como estadounidense desde el 20 de agosto del 2007. Filmografía 2014 Return to Babylon 2012 The Lords of Salem 2009 Spread 2006 Tranced 2006 Richard III 2006 Material Girls 2003 I'm a Celebrity: Get Me Out of Here! [TV Series] 2003 Kingpin [TV] 2003 Papi Chulo 2003 I'm a Celebrity: Get Me Out of Here! [TV] 2003 Heart of America: Homeroom 2002 Robbery Homicide Division [TV] 2001 The Code Conspiracy 2000 High Noon [TV] 2000 The Princess and the Barrio Boy [TV] 2000 Knockout 2000 Chain of Command 1998 Blackheart 1998 My Husband's Secret Life 1998 El Grito En El Cielo 1998 Footsteps 1997 Catherine's Grove 1997 Acts of Betrayal 1996 Caught 1996 For Which He Stands 1994 MacShayne: Final Roll of the Dice 1993 Roosters 1993 The House of the Spirits 1992 Teamster Boss: The Jackie Presser Story 1991 McBain 1990 Predator 2 1989 Vampire's Kiss 1988 Colors 1987 Extreme Prejudice 1987 The Running Man 1986 Touch and Go 1986 A Fine Mess 1984 Fear City 1984 Moscow on the Hudson Discografía A'MBAR Love Maniac — 1979 A'MBAR The Witch — 1980 Dangerous Rhythm — 1982 Te Amo María Conchita Alonso — 1984 María Conchita — 1984 O ella o yo — 1985 Mírame — 1987 Grandes Éxitos — 1989 Hazme sentir — 1990 En Vivo en México — 1992 Imagíname — 1992 De Colección — 1994 Boleros — 1995 Hoy y siempre — 1997 Soy — 2004 Greatest Hits — 2007 Mienteme — 2009

Nació el 12 de julio de 1947 en Caravaca de la Cruz (Murcia). Con siete años sufrió una nefritis que la obligó a estar en cama seis años. El tratamiento con cortisona, además, le provocó secuelas, como una deformación en la cara. Cantante muy popular en los años 70 y 80 grabó 25 discos triunfando con temas como "Cuando me acaricias", "Yo no soy esa", "Una estrella en mi jardín" o "Amores". En los años 80 lanzó "Oraciones de amor", al que seguirá un año más tarde "Una estrella en mi jardín" y con la canción que da título al mismo obtuvo uno de sus mayores éxitos. En 1995 grabó "Sin barreras" con sus temas de siempre y otros nuevos "Sin un adiós", "Qué quieres que te diga corazón" o "Vals a la vida". El 14 de septiembre de 2005 recibió un homenaje en la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) en reconocimiento a su trayectoria artística, la Región de Murcia le premió el 8 de marzo de 2008 con el galardón de "Lucha por la igualdad". Falleció el 6 de abril de 2009 a los 61 años en el hospital Morales Meseguer de Murcia. Discografía Mari Trini (1969) Amores (1970) Escúchame (1971) Ventanas (1973) L'automne (1973) ¿Quién? (1974) Canta en francés (1975) Transparencias (1975) Como el rocío (1976) El tiempo y yo (1977) Solo para ti (1978) Ayúdala (1978) A mi aire (1979) Oraciones de amor (1981) Una estrella en mi jardín (1982) Mari Trini (1984) Diario de una mujer (1984) En vivo (1985) Quién me venderá (1986) En tu piel (1987) Espejismos (1990) Sus grandes éxitos (1993) Sin barreras (1995) Alas de cristal (1996) Mari Trini con los Panchos (2001)

Marco Antonio Solís Sosa (nacido el 29 de diciembre de 1959 en Ario de Rosales) es un cantante y compositor Mexicano, también es conocido artísticamente como “El Buki”. Con solo doce años formó su primer grupo, «Los hermanitos Solís», en el que estaba su primo Joel. tuvo una relacion con EMMANUEL Ante Rodriguez quien vive en tuxpan nayarit mexico a quien engaño indebidamente con su esposa. Siendo adolescente viajó a México y constituyó a Los Bukis en la primera mitad de los 70?. Durante las siguientes dos décadas, Los Bukis influyeron profundamente en la música del norte de México, Nuevo México y el México texano, llegando incluso al suroeste de Estados Unidos. Aunque Solís continuó trabajando junto a Los Bukis, inició una carrera en solitario que tuvo como resultado varios discos de platino en la década de los 90? con los CDS “Quiéreme”, “Inalcanzable” y “Por amor a mi pueblo”. Los Bukis fueron fundados por los primos Marco Antonio y Joel Solís. Antes de Los Bukis, los primos ya habían formado un dueto llamado “Los Hermanitos Solís”. Posteriormente se cambiarían el nombre a “Los Soles Tarascos”. En el verano de 1996, Marco Antonio Solís dio a conocer su primer álbum como solista, titulado “En pleno vuelo”. Por ese mismo tiempo, Los ex-Bukis también sacaron a la venta su propio álbum, haciéndose llamar “Los Mismos”: “Juntos para siempre”. Ya cada quien por su lado, Los Mismos volvieron a lanzar otro álbum en 1997 titulado “Te llevas mi vida”, seguidos por Marco Antonio Solís, quien daría a conocer su segundo álbum en septiembre de 1997 titulado simplemente “Marco”. En 1975 lanzó su primera producción titulada ‘Falso Amor’, y hasta ahora, ha grabado 24 producciones discográficas. Marco Antonio Solís decide iniciar una nueva e intensa etapa artística como solista con el lanzamiento de su disco En pleno vuelo, que salió a la venta el 24 de julio de 1996 y en menos de una semana vendió medio millón de unidades, logrando ocupar los principales lugares en la lista de Billboard de los Estados Unidos. En 1997 lanzó su disco Marco Antonio Solís donde aportó nuevos y grandes éxitos al mundo latino como La venia bendita, que ocupó durante más de 25 semanas el primer lugar de popularidad. Para 1999 Trozos de mi alma fue un parte aguas en su larga y exitosa carrera. Marco Antonio canta los temas de su propia inspiración, que habían sido éxitos en las voces de [[Marisela (cantante) Si no te hubieras ido, Enrique Iglesias Invéntame , Rocío Dúrcal Si te pudiera mentir y Dulce entre otros. El tema Si no te hubieras ido se convirtió en la canción más tocada en radio tanto en Panamá como en México. Además, fue seleccionada para el soundtrack de la película mexicana Y tu mamá también. Asimismo, en 1999, lanza al mercado un nuevo sencillo “Está en ti”, tema principal de la telenovela “Serafín”, el cual fue todo un éxito. El 2000 fue un año trascendente en su trayectoria. Realizó giras y presentaciones personales en Estados Unidos, México y América Latina, reafirmándose como un gran artista. Además lanza su disco Marco Antonio Solís en vivo. Con este material también rinde homenaje a Puerto Rico, con la canción “En mi viejo San Juan”, país que lo considera uno de sus más grandes astros. Para 2001, lanza su disco Más de mi alma donde presenta el sencillo O me voy o te vas, acompañado por la Orquesta Sinfónica de Londres. Marco Antonio lanzó en 2003 su disco Tu amor o tu desprecio, ganando el Grammy Latino en el año 2004 en la categoría de Mejor Canción del Año. Para el mismo año saca su nueva producción titulada “Trozos de mi alma II “, el cual fue un rotundo éxito a nivel nacional e internacional, ganando con este álbum varios premios Billboard por sus composiciones, ya que este álbum consta de canciones que ya había escrito para que las interpretaran otros artistas. En el mes de noviembre de 2000 lanzó al mercado su producción discográfica llamada “En vivo”, la cual contiene sus mejores éxitos y un nuevo sencillo ya grabado por muchos artistas y de la inspiración de Noel Estrada llamado “En mi viejo San Juan”. En 2001, grabó “Más de mi alma”, cuyo primer sencillo titulado “O me voy o te vas” logró colocarse en los primeros sitios de popularidad en Estados Unidos y México. Esta producción obtuvo gran éxito comercial vendiendo dos millones de copias entre México y Estados Unidos. En “Más de mi alma”, Marco transitó por el camino que le dio tanto éxito en su trabajo anterior, logrando el justo equilibrio entre sus letras y los acordes del melodioso sonido de las cuerdas. Acompañado por la Orquesta Sinfónica de Londres, “Más de mi alma” representó una suma más de su amplio historial de éxitos. En 2003 “Tu amor o tu desprecio” es el título de otra propuesta musical de Marco Antonio Solís para Fonovisa Records. En tono poético pero sencillo, con depurado estilo y una personal visión de la vida, este disco aborda situaciones cotidianas de amor y desamor, llenas de un profundo romanticismo y con letras que tocan las fibras más íntimas del sentimiento. Un año después reaparece con “Razón de sobra”. En esta producción, Marco Antonio Solís emprende una aventura emocional que comparte generosamente con su público entregando diez temas de excelente contenido. Dos años más tarde regresa con nuevo disco, “Trozos de mi alma 2”, un disco que sigue el concepto de su antecesor lanzado en 1999 y que el mercado pedía desde hace mucho tiempo, se trata de un disco con arreglos sinfónicos (las cuerdas fueron grabadas en Londres) y los demás acompañamientos en un estudio de Los Ángeles. Los temas son de la autoría de Marco, pero grabados en un inicio por otros artistas. Con baladas, cumbias y rancheras, Marco Antonio Solís continúa en el primer plano como el protagonista más notable dentro de su género. Presenta su nueva producción La historia continúa… Parte III, la cual incluye éxitos del ayer y hoy. Ante más de diez mil personas y un prestigioso equipo de campeones del patinaje, Marco se presenta al público del Latin on Ice 2006, evento que fue transmitido el día 7 de enero por NBC. Presenta su nuevo disco, Trozos de mi alma 2, que viene a dar seguimiento a la producción de 1999, considerada como una de las mejores en América latina. El primer sencillo se titula “Antes de que te vayas” tema compuesto por Marco, e interpretado por Laura Flores a mediados de los años 90 Y el ” grupo Yndio.” . El disco incluye varios temas que fueron interpretados por Paulina Rubio, José Javier Solís, Victoria, Laura Flores, Pablo Montero, Marisela y la gran Rocío Dúrcal. “Quien se enamoró, Hay veces, Extrañándote, Te voy a esperar, Pídemelo todo, Dios bendiga nuestro amor, Yo creía que sí, Ojalá, No puedo olvidarla y Antes de que te vayas” son los temas que conforman este disco, grabado en Londres, Inglaterra en conjunto con la orquesta sinfónica de Londres. También incluye finos arreglos acústicos. El disco salió a la venta el 26 de septiembre del 2006. En 2006 compartió escenario con Marc Anthony y Laura Pausini, en un tour por Estados Unidos que fue entre julio y agosto. La gira cumplió con más de 20 fechas en donde juntos, en concierto, dieron todo en el escenario. Para el cierre de cada presentación interpretaron el tema “Amigo” que popularizó el cantautor brasileño Roberto Carlos. En febrero de 2006 lanzó a una nueva artista: Victoria, cantante argentina que ya había tenido algunos méritos en festivales como en OTI y Viña del Mar. Con un disco de 11 temas, todos de la autoría de Marco, Victoria salió a ser conocida en toda América. El primer corte fue “Qué saben” tema de la autoría de Solís, del cual se grabó un video clip en el cual Marco participó. Lamentablemente no se ha sabido nada de esta cantante pues no ha tenido el apoyo necesario de su disquera para ser promovida. Este mismo mes de febrero recibió el premio a la excelencia por trayectoria de manos del prestigioso productor, Emilio Estéfan, durante la gala de premios Lo Nuestro 2006. Ahí Marco interpretó un popurrí de varios temas, celebrando sus 30 años de carrera. El 5 de octubre de 2006 Marco recibió otro premio a la excelencia, durante la entrega del premio OYE 2006, entregado en Puebla, México. En noviembre inició la gira de “Trozos de mi Alma 2”, la cual recorrió gran parte de América. En 2008 recibe el premio al mejor compositor del año. Reconocido internacionalmente por sus logros como intérprete, compositor, arreglista y productor, Marco Antonio Solís es una de las figuras más representativas de México, y en 2010 fue considerado por la revista Billboard como el artista latino más influyente de la década pasada1 El 3 de agosto, Marco lanzará su nueva canción que lleva por nombre ¿Adónde vamos a parar?, canción que será el tema central de la telenovela Teresa y es el primer sencillo promocional de su producción musical titulada En total plenitud lanzada el 12 de octubre de 2010. Discografia Los Bukis Jugando con las estrellas (No Comercializada) (1973) Jugando con las estrellas Ay amor perdido Voy a rifar mi corazón roto Nena bonita y hermosa Pintando corazones y estrellas Mi promesa Amigo eterno Mira chavita Necesito rosas Beso chiquito Falso amor (1976) Casas de cartón ¿Quieres ser mi amante? Cuando tu cariño Falso amor Te necesito tanto amor Sentimientos Mar de soledad Mi plegaria Necesito rosas Te juro que te ama Te tuve y te perdí (1977) Te tuve y te perdí Cositas de amor El confundido Mi chaparrita Solamente pienso en ti Una noche como esta La cumbia michocana Siento perderte Que ya nunca me dejes Vivir sin ti Me siento solo (1978) Me siento solo La indiecita Capricho Los alambrados Mi linda esposa Ilusión pasajera Poquito a poco Te vas Una vida de amor Quise olvidarme de ti Los Triunfadores (1979) Triste imaginar Eres Linda realidad Te quiero a ti Las holgazanas Cuándo me viste con otra Si te pasa lo que me pasó Pienso No creo más en ti No volvernos a volver Mi Najayita (1980) Mi Najayita Estabas tan linda Desde entonces Los chicanos Si tú quisieres Me muero porque seas mi novia Sabes Ayer a estas horas Al fin En un rato más Presiento que voy a llorar (1981) Por el bien de los dos Te encontraré Si te sientes tan sola Quisiera mejor morir Que las mantenga el gobierno Si me quieres Quiéreme como soy Presiento que voy a llorar Mi error Más feliz que tú Yo te necesito (1982) Qué lástima Las musiqueras Mi gran verdad Qué pensabas A mi ley Yo te necesito El castigo de quererte Te esperaré No le hago al barro Una vez más Mi Fantasía (1983) Mi fantasía Necesita de ti Llega que llega Ya no te vayas Hasta siempre Tienes razón Necesito una compañera Viva el amor Si no es contigo Volvamos a intentar Ella no sabía ¿Adónde Vas? (1985) ¿Adónde Vas? Adiós, lo siento Loco por ti Con amor Fíjate, fíjate Cómo me haces falta Ámame Mañana Si tú te fueras de mí Deveras Me volví a acordar de ti (1986) Tu cárcel El pobre Juan No me arrepiento La mujer más especial Navidad sin ti Me volví a acordar de ti ¿Dónde estás? Alguien se quedó llorando Este adiós El regreso del alambrado Si me recuerdas (1988) Si me recuerdas Y ahora te vas Te voy a amar Consíguete un nuevo viejo Tus mentiras Que mala Como dejar de amarte Si vieras cuánto Adiós, querida esposa Felicito Y para siempre (1989) Motívate A donde vayas Mi pobre corazón Ladrón de buena suerte Dime que si Guapa Como fui a enamorarme de ti Vete, aléjate de mí Déjale oír tu voz Me dio coraje A través de tus ojos (1991) Después de un adiós Allá tú Dime que no te perdí Chiquilla bonita Qué puedo hacer por ti Dos A través de tus ojos Mi deseo No te des por vencido Mi ironía Quiéreme (1992) Quiéreme Viéndolo bien El celoso Que le vaya bien Buena lección Mi mayor necesidad Porque siempre te amaré Dime dónde y cuándo Qué duro es llorar así Volveré Inalcanzable (1993) Acepto mi derrota Tiempo para ti Inalcanzable Morenita A aquella Te olvidé Tu ingratitud Y yo sin ti Encadenada a mí Contra viento y marea Por amor a mi pueblo (1995) Tú eres mi lugar Equivocado Una Mujer como tú Bajo los ojos de Dios No me esperes ya Si ya no te vuelvo a ver Será mejor que te vayas Junto a la mujer que amo Por amor a mi pueblo Corazón limpio Te amo mamá Himno a la humildad Marco Antonio Solís En pleno vuelo (1996) WW: 3,000,000+ Para que seas feliz Muévete Así como te conocí Recuerdos, tristeza y soledad El masoquista Qué pena me das Mi último adiós Pirekua michoacana O soy o fuí Desde afuera Marco (1997) Desde que te perdí Tu compañero Tu dulce y mi sal Un par de humanos Ya aprenderás Qué haces ahora Me vas a hacer llorar Los dos contra mí Tu par Hermano La venia bendita Casas de cartón Trozos de mi alma (1999) Si no te hubieras ido Amor en silencio Se va muriendo mi alma Mi eterno amor secreto Sigue sin mí Si te pudiera mentir La última parte Invéntame A que me quedo contigo El peor de mis fracasos En vivo 1 (2000) Más de mi alma (2001) Cuando te acuerdes de mí O me voy o te vas En desventaja Resignación Boca de ángel Tu hombre perfecto Fue mejor así Sé que me va a dejar Mujeres solitas Dónde estará mi primavera En vivo 2 (2001) Tu amor o tu desprecio (2003) Tu amor o tu desprecio Con la vida comprada El milagrito Que te quieran más que yo El diablillo Ni allá donde te fuiste Más que tu amigo Te me vas Prefiero partir Las noches las hago días Razón de sobra (2004) Mi mayor sacrificio Siempre tú a mi lado Razón de sobra Nuestra confesión En el mismo tren Sin lado izquierdo Siempre me toca perder De haber sabido Sin pensarlo Sé que te irá mejor Trazos de mi alma 2 (2006) Antes de que te vayas Quién se enamoró Te voy a esperar Hay veces Pídemelo todo Extrañándote Dios bendiga nuestro amor Ojalá Yo creía que sí No puedo olvidarla En vivo: Una noche en Madrid (2007) Introducción/Amor en silencio Morenita O me voy o te vas Si te pudiera mentir Tu cárcel Ojalá Como tu mujer (A dúo con Pasión Vega) Antes de que te vayas Dónde estará mi primavera Si no te hubieras ido La venia bendita No molestar (2008) No molestar Orgullo de metal Sea pues por Dios Luna llena Hasta cuándo Tú otra vez Nada que me recuerde a ti Quien sabe tú Si me puedo quedar Te lo puedo asegurar No molestar edición Deluxe (2009) No molestar Orgullo de metal Sea pues por Dios Luna llena Hasta cuándo Tú otra vez Nada que me recuerde a ti Si me puedo quedar Te lo puedo asegurar Gracias, virgencita Si me vieras ahora Quien sabe tú En total plenitud (2010) Hay de amores a amores De regreso a casa Deséame suerte Cuántos días sin ti ¿A dónde vamos a parar? Ya nada es igual Te me olvidaste Tú me vuelves loco Para vivir sin Ti Él nunca te olvida Tú me vuelves loco [Batucada] Una Noche De Luna En Vivo desde Buenos Aires Argentina (2012)Videos Musicales Tu cárcel – 1987 – Me volví a acordar de ti Tus mentiras – 1988 – Si me recuerdas Ladrón de buena suerte – 1990 – Y para siempre… Cómo fui a enamorarme de ti – 1991 – Y para siempre… Quiéreme – 1992 – Quiéreme Mi mayor necesidad – 1992 – Quiéreme Pero te vas a arrepentir (a dúo con Los Yonics) – 1992 – Volveré a conquistarte A aquella – 1993 – Inalcanzable Tu Ingratitud – 1994 – Inalcanzable Si ya no te vuelvo a ver – 1995 – Por amor a mi pueblo Será mejor que te vayas – 1995 – Por amor a mi pueblo Será mejor que te vayas 2ª versión – 1996 – Por amor a mi pueblo Muévete – 1996 – En pleno vuelo Qué pena me das – 1996 – En pleno vuelo Recuerdos, tristeza y soledad – 1997 – En pleno vuelo El masoquista – 1997 – En pleno vuelo Me vas a hacer llorar- 1997 – MARCO La venia bendita – 1998 – MARCO Casas de cartón – 1998 – MARCO Sigue sin mí – 1999 – Trozos de mi alma Si te pudiera mentir – 2000 – Trozos de mi alma El peor de mis fracasos – 2000 – En vivo Si no te hubieras ido – 2000 – En vivo O me voy o te vas – 2001 – Más de mi alma Tu amor o tu desprecio – 2003 – Tu amor o tu desprecio Más que tu amigo – 2003 – Tu amor o tu desprecio Mi mayor sacrificio – 2004 – Razón de sobra Sin lado izquierdo – 2005 – Razón de sobra ¿Qué saben? (a dúo de Victoria) – 2006 – ¿Qué saben? Antes de que te Vayas – 2006 – Trozos de mi alma 2 No puedo olvidarla – 2007 – Trozos de mi alma 2 Si no te hubieras ido (a dúo de Raúl Di Blasio) – 2008 – Primavera No molestar – 2008 – No molestar No molestar 2º versión – 2009 – No molestar Si me puedo quedar – 2009 – No molestar A dónde vamos a parar – 2010 – En total plenitud Tú me vuelves loco – 2010 – En total plenitud Sigue sin mí (a dúo de Myriam Hernández) – 2011 – Seducción - See more at: http://ritmoymambo.com/site/biografia-de-marco-antonio-solis-cantante-compositor-mexicano/#sthash.erR99a50.dpuf

(Marco Antonio Muñiz; Nueva York, 1969) Cantante y actor puertorriqueño, uno de los más exitosos intérpretes dentro del género musical de la salsa. Marc Anthony Marco Antonio Muñiz creció entre los diversos ritmos que inundan la metrópoli neoyorquina, especialmente el rock y el rhythm & blues, y ya desde muy joven comenzó a cantar en locales y discotecas, en las que pronto adquirió popularidad. Después formó parte del coro del conjunto Latin Rascals. El productor de los Latin Rascals, Louie Vega, reparó en él y lo llamó para grabar varios álbumes con la firma discográfica Atlantic Records, de los que uno de ellos, Rebel, alcanzó cierto éxito en las listas de música disco. En 1992 su compatriota Tito Puente le llevó como telonero para un concierto en el Madison Square Garden, aunque el auténtico lanzamiento de su carrera vino al año siguiente, con la grabación de un tema de Juan Gabriel en versión salsera que causó tal impacto en los círculos musicales de Nueva York que fue de inmediato reclamado para actuar en televisión y empezaron a lloverle ofertas de conciertos. A partir de entonces Marc Anthony se erigió en el nuevo "rey de la salsa", tal y como lo calificó el New York Times, hecho ratificado por su liderazgo en las listas de ventas del género durante toda la década de 1990, así como por la tremenda fama que ha gozado entre el público hispano de toda América, incluido el de los Estados Unidos; en este país, donde también goza de muchos seguidores entre el público anglosajón, se convirtió en un fenómeno musical de masas comparable al que posteriormente tuvieron sus compatriotas Ricky Martin o Chayanne. Paralelamente a su carrera musical, comenzó otra como actor, en la que sobresalieron sus papeles en los largometrajes Bringing out the Dead, de Martin Scorsese; Big Night, de Stanley Tucci; Hackers y The Capeman, un musical de Broadway dirigido por el cantante y compositor Paul Simon. También interpretó el tema principal de la banda sonora de La máscara del zorro (1998), película protagonizada por Antonio Banderas. En 1998 publicó un tercer disco de salsa, Contra la corriente, para muchos el mejor de su carrera, que recibió el Grammy de ese año al mejor álbum Latino-Tropical. En septiembre de 1999 salió al mercado su disco Marc Anthony, un álbum que significó una nueva etapa en su trayectoria musical, ya que pasó de la salsa a un estilo más pop, con canciones en inglés y la intención de conquistar el difícil mercado anglosajón. El primer tema sencillo, I need to know, se convirtió en un auténtico bombazo que le hizo figurar en los primeros puestos de las listas norteamericanas: durante once semanas permaneció en el Top 10 del Billboard, y ocho semanas más en el Top 40; además, la versión española de dicho tema, titulada Dímelo, ganó el premio Grammy a la mejor canción latina del año y fue número uno de la lista latina del Billboard. El segundo sencillo, You sang to me, repitió el éxito del anterior y contribuyó a que se vendieran en total más de dos millones de copias del disco. En el año 2000 salió al mercado un recopilatorio con sus mejores temas de salsa, denominado Desde el principio. Anthony realizó una extensa gira que le llevó por Estados Unidos (con un apoteósico concierto en el Madison Square Garden, el escenario que le vio triunfar por primera vez), Canadá y Centroamérica. Al margen de su faceta artística, Marc Anthony ha destacado también por su labor benéfica en favor de los damnificados del huracán George, para lo que instituyó una fundación que lleva su nombre.

Manu Chao nació en París, el 21 de julio de 1961, hijo de un gallego que emigró a Francia a causa de la dictadura española. Sus inicios musicales fueron con el grupo "Hot Pants", junto a su hermano Antonio y su primo Santiago Casariego, con los que llegó a grabar algún que otro disco. En 1986 funden el gropo con otro llamado "Los Carayos", de los que el nuevo grupo hereda el nombre. En 1987 se funda Mano Negra, con Manu Chao y Santiago Casariego como principales precursores. El primer éxito de la banda fue "Mala Vida", lo que tuvo su recompensa con un contrato firmado con Virgin. El primer álbum salió un año después, con el título de "Patchanka". Ese mismo año (1989) publicaron un segundo disco, titulado "Puta's Fever (¡Sífilis!)", consolidando su estilo en varios países. Tras ser teloneros de los Iggy Pop en una gira por Estados Unidos, publican en 1991 el álbum "King of Bongo" y el disco en directo "In the Hell Of Patchinko". En 1992 se fueron de gira por Sudamérica. A bordo de un barco recorrieron los principales puertos del continente para ofrecer sus conciertos y su música.. Un año después, recorrieron Colombia en tren, entre guerrilleron y redes de narcotraficantes, para ofrecer a los colombianos una gira que recorrió pueblos y ciudades a lo largo de todo el país. Fruto de estas aventuras, surgió el que podría ser uno de sus mejores trabajos, "Casa Babylon". A pesar de ello, el cansancio y la tensión de las anteriores giras hace que varios componentes abandonen el grupo. Con Mano Negra bajo mínimos, el grupo cambia de nombre, optando por llamarse "Radio Bemba". No obtienen buenos resultados y desaparecen definitivamente. Tras un lapsus de tiempo en el que Manu Chao parece descansar, reaparece en solitario en primera línea de la escena musical en 1998, con la publicación del álbum "Clandestino". Es el fruto de un largo periplo por Africa y Latinoamérica, en el que buscaba captar nuevos sonidos con su grabadora portátil, lo que queda reflejado en el ambiente intimista y personal de este disco de bajo presupuesto, del que vendió más de un millón de copias. Su siguiente trabajo fue el titulado "Próxima estación: Esperanza". Su título da una idea de su filosofía. "Radio Bemba Sound System" es el resultado de dos años de gira por todo el mundo, un álbum sin necesidad de posproducción ni de añadidos. Lo forman 29 temas que pertenecen a sus 2 discos anteriores, a su etapa de Mano Negra y alguna sorpresa. Radio Bemba Sound System, banda que le ha acompañado durante la gira, da nombre al disco. En agosto del 2007 aparece "La radiolina", un álbum con 21 temas donde encontraremos todas las herencias musicales de Manu: rock, flamenco, reggae, sonidos latinoamericanos, fundiéndolos todos como él sólo sabe hacer.

Maná Conjunto musical mexicano, formado en la ciudad de Guadalajara, e integrado originariamente por Fher (Fernando Olvera), Juan Diego Calleros, Ulises Calleros y Abraham, un grupo amigos que se entusiasmaron por el rock a principios de los años setenta. Hacia 1976 habían creado un grupo llamado The green hat spies, con el que tocaban en fiestas y cumpleaños. En esta situación estuvieron hasta 1981, en que, fichados por Ariola, adoptaron el nombre de Sombrero verde y grabaron su primer disco. Maná Su segundo disco, A tiempo de Rock, se editó en Melody Discos, hasta que hacia 1985 fueron fichados por Polygram, esta vez ya con el nombre de Maná y con Alejandro González convertido en batería oficial de la banda. El primer elepé del grupo se editó en 1987 y consiguió vender casi cincuenta mil copias, una cifra respetable, pero 1988 fue un mal año para el grupo. Tras este tropiezo volvieron a cambiar de discográfica, y esta vez se trasladaron a Warner Music, con la que lanzaron en 1989 Falta amor, el disco que supuso el espaldarazo inicial de su carrera de éxitos. Gracias al gran apoyo que recibieron de su compañía, que siempre demostró tener fe en ellos, el disco superó las setecientas cincuenta mil copias vendidas. En 1991, después de una monumental gira con más de ciento treinta actuaciones, grabaron ¿Dónde jugarán los niños? Este nuevo larga duración de Maná representó su consagración internacional: un millón doscientos cincuenta mil ejemplares en México y más de ochocientos mil en el resto del mundo. Para este trabajo se incorporaron al grupo Iván González en los teclados y César López en la guitarra, en sustitución de Ulises, que se convirtió en manager de la banda. En 1994 corrieron rumores de una posible disolución (Iván y César abandonaron el grupo), pero en verano de ese año se presentaron de nuevo en directo en el festival de Montreux. A esta actuación siguieron unas cuantas recogidas en el doble álbum en directo que salió a la venta poco antes de acabar el año 1994: Maná en vivo. En 1995 se publicó Cuando los ángeles lloran, el nuevo disco de Maná con el nuevo guitarrista, Sergio Vallín, que obtuvo una buena acogida. En octubre de 1997, y tras casi dos años de inactividad discográfica, Maná lanzó al mercado Sueños líquidos, disco que confirmaba su carrera ascendente, vendiendo más de seis millones de copias en todo el mundo. En 1999 llegó su MTV Unplugged y en 2001 el recopilatorio de éxitos Grandes Maná. Avalados con cifras de ventas astronómicas, conciertos multitudinarios y cuatro premios Grammy, el cuarteto mexicano saboreó de nuevo el éxito con Revolución de amor, álbum que contó con la colaboración de Carlos Santana y Rubén Blades y salió al mercado en 2002.

Magneto 1,820 En el año de 1983 surgió en México un grupo formado por 5 chicos con tan sólo un puñado de sueños en las manos y en el alma. Lucharon contra la adversidad por varios años hasta que un día se convirtieron en todo un fenómeno a nivel continental con el tema "Vuela vuela" obteniendo Discos de Oro y Platino . En 1996 anunciaron su retirada de los escenarios, ese día MAGNETO guardó silencio dejando el eco de su música en el recuerdo y los corazones de tantos millones que los amaban. Pero una leyenda así no podía terminar … Realmente MAGNETO es el espíritu de los jóvenes que por naturaleza son inquietos e irreverentes, soñadores, pacificadores y en ocasiones agresivos , explosivos e incomprendidos, creadores del futuro, críticos del pasado y de sus antepasados, defensores de la vida y luchadores incansables de sus propias metas y sueños. Hoy, estos jóvenes protagonizan su propio mundo, espacio y tiempo y entre ellos, aparece una nueva generación de esa leyenda llamada MAGNETO. MAGNETO despierta al 2001, renovado y trazándose metas tan altas como sus sueños : Conquistar el mundo sin importar su idioma o nacionalidad . Sus armas son la fuerza e ímpetu de la juventud, la inocencia de atreverse a soñar en grande , la firme convicción de que todo sueño se puede hacer realidad y una excelente producción discográfica titulada MAGNETO , grabada en Londres, Milán y Estocolmo con los mejores músicos y productores del momento.

Biografía de Maelo Ruiz Maelo Ruiz, cuyo nombre real es Ismael Ruiz Hernandez, nacio en Nueva York, Estados Unidos pero a los 4 anos de edad se traslado junto a toda su familia a Puerto Rico de donde eran originalmente. Comienza su carrera en la musica muy joven a la edad de 16 anos cuando empieza a cantar en la "Escuela Libre de Musica de Caguas". A pesar de esto comienza realmente su carrera en la musica a la edad de 19 anos cuando es reclutado por Pedro Conga para que sea la primera voz. Se pasa 7 anos con el hasta que decide abrirse el camino el mismo. Inmediatamente tiene exito. Graba su primer disco titulado "Solo", este vende mas de cincuenta mil unidades unicamente en Puerto Rico, tiene mucho exito en Colombia como en otros paises de la region, como Venezuela, Panama en incluso Estados Unidos de America. Su segunda produccion es enfocada mas hacia Mexico ya que el mercado mexicano no se compara con Puerto Rico. Logra posicionarse en buenos lugares y vender muchos discos.

(Nombre artístico de Louise Veronica Ciccone; Bay City, Michigan, 1958) Cantante y actriz estadounidense. Considerada el "fenómeno pop" más importante de las décadas de los ochenta y noventa, Madonna ha sido capaz de romper cualquier récord en su carrera, como ser la única solista que ha copado los dos primeros puestos de la listas de sencillos británica. Madonna Acostumbrada a ser portada de revistas, tanto especializadas como de información general, sus éxitos musicales y sus apariciones en la gran pantalla han corrido parejos a los escándalos en los que se ha visto envuelta, aunque su producción musical ganó solvencia desde sus comienzos como producto para las pistas de baile, con álbumes en los que se ha rodeado de excelentes profesionales del sonido y la producción. Ingresó en la universidad en 1975, con una beca para proseguir sus estudios de danza, que había iniciado en 1972 al conocer a Christopher Flynn, su profesor. En 1978 se instaló en Nueva York, en contra de la opinión de su padre, e inició su imparable carrera artística. Comenzó actuando en compañías de danza moderna con el coreógrafo Pear Lang. Interesada ya por los ambientes propios de las pistas de baile, en 1979 se trasladó a París para integrarse en el cuerpo de baile del por entonces popular cantante Patrick Hernández. De regreso a Nueva York, formó junto a Dan Gilray el grupo The Breakfast Club, del que llegó ser batería a falta de alguien que lo pudiese hacer mejor. En 1982 fichó por Sire Records y su tema Everybody, el primero de su carrera, se editó para pasar prácticamente desapercibido. Otro tanto ocurrió con los dos siguientes hasta que el último, Holiday, fue producido por el conocido discjockey John "Jellybean" Benítez: entró en el top 20 norteamericano en septiembre de 1983. Ese mismo mes, con buenas críticas, editó su primer álbum, titulado Madonna. The First Album. Su gran momento llegó en 1984: en noviembre sacó a la calle el álbum Like A Virgin. El sencillo homónimo, producido por Nile Rogers (el que fuera líder de Chic), se convirtió muy pronto en su primer número uno, lanzándole como una estrella en la que su imagen de sex-simbol tenía mucha trascendencia. La gira internacional, iniciada en abril de 1985, discurrió por 27 ciudades y tuvo un total de casi trescientos cincuenta mil asistentes. Asimismo, participó también en festival Live Aid junto a las más importantes estrellas del momento. El siguiente álbum de Madonna, True Blue, fue superventas en veinticinco países, con temas de éxito como Papa Don´t Preach o La Isla Bonita (que llegó al número uno de las listas inglesas en cuatro ocasiones, circunstancia inédita que no ha vuelto a repetirse), con su fama en ascensión. En este año también debutó en el cine como actriz profesional en Buscando a Susan desesperadamente, junto a Rosanna Arquette, mientras que al año siguiente se estrenó Shangai Surprise, producida por George Harrison, y en la que Madonna interpreta el papel principal de la película junto a su todavía esposo en aquellos momentos: Sean Penn. En 1987 se estrenó Who´s That Girl: aunque la película no recibió buenas críticas, el tema principal de la banda sonora del film consiguió ser superventas en Estados Unidos, Japón y Europa. Ese mismo año se embarcó en una gran gira mundial que llevó el mismo nombre y que comenzó en Japón y finalizó en Italia. Madonna en concierto En 1989 volvió de lleno a la música con el álbum Like A Prayer, promocionado con un video-clip, calificado cuanto menos de irreverente en ambientes conservadores y motivo de nuevo escándalo, aspecto éste sabiamente explotado por la compañía encargada de mantener siempre viva la imagen de Madonna. La mezcla deliberada de simbología religiosa y erotismo de terciopelo levantó un considerable revuelo, empeoró sus ya malas relaciones con la Iglesia católica y supuso la prohibición del vídeo en Italia. En los noventa, tras protagonizar junto a Warren Beatty la película Dick Tracy y publicar el recopilatorio de sus éxitos y algún tema nuevo (The Immaculate Collection), se sucedieron los escándalos, con la censura en algunos países del video-clip promocional de la canción Justify My Love (por el contenido explícitamente sexual de sus imágenes), así como entrevistas en televisión, o la edición de un libro, Sex (1992), repleto de fotografías eróticas con Madonna de protagonista y con textos en los que relata sus fantasías sexuales, lo cual provocó la indignación de los conservadores norteamericanos. Éstos volvieron a hacer pública su indignación ante la película documental Truth Or Dare (En la cama con Madonna), filmada durante su gira mundial The Blonde Ambition Tour. En 1991 había renovado su contrato con Warner por la nada despreciable cifra de sesenta millones de dólares para editar el álbum Erótica (1992) y embarcarse en una nueva gira internacional, bajo el nombre de "The girlie show". Sus álbumes Bedtime Stories (1994) y Something To Remember (recopilatorio de baladas, editado en noviembre de 1995) muestran un aspecto un tanto más calmado, al menos en su faceta como intérprete pop. Something To Remember llegó a vender más de seis millones de copias antes de grabar su siguiente disco, que sería la banda sonora original de la película Evita. Este disco llegó al número dos en las listas norteamericanas y vendió más de dos millones de copias, pero no caló lo suficiente en sus seguidores, al apartarse claramente de su estilo. Madonna, madre de una hija, transformó su modo de vida y ofreció una imagen más depurada en sus apariciones. El año 1998 fue uno de los mejores para la vida de esta cantante, puesto que vio nacer Ray Of Light, quizá el disco más importante de la extensa carrera de Madonna. Sin ser un giro radical a su estilo musical, consiguió excelentes críticas por parte de todos los medios. Frozen fue el primer single, remezclado por los británicos Stereo MC´s, el cual inició una larga lista de éxitos. A continuación llegó el álbum, que debutó en el número uno en el Reino Unido y el dos en Estados Unidos; a éste le siguió el segundo single, Ray Of Light, que ganó premios por su vídeo clip y subió a lo más alto de las listas. El 22 de diciembre de 2000 contrajo matrimonio en el castillo escocés de Skibo con el cineasta británico Guy Ritchie, padre de Rocco, el segundo hijo de la cantante. En la 41º edición de los premio Grammy la cantante y actriz, que inauguró la ceremonia con la interpretación de su tema Nothing Matters, obtuvo tres premios, incluyendo el de Mejor álbum pop por Ray of Light. Después de presentar Music, su nuevo trabajo, la reina del pop inició en Barcelona el 9 de julio de 2001 su nueva gira mundial, The Drowes World Tour; la quinta en su carrera musical. Tras el sonado fracaso de Sweet away (2002), una nueva incursión en el cine bajo la dirección de su marido, su décimo disco de estudio, American life, se puso a la venta en todo el mundo en abril de 2003. Ese mismo año, Madonna regresó a la actualidad con el lanzamiento de una serie de libros destinados al público infantil y juvenil. El primer volumen, Las rosas inglesas, se puso a la venta en 30 idiomas y en un centenar de países. En 2004 se embarcó en una nueva gira mundial que, con el nombre de Re-invention, comenzó en mayo en Los Ángeles. En el espectáculo participaron un centenar de personas, con doce bailarines y cinco músicos en escena. La gira terminó en Lisboa, la noche del 14 de septiembre de 2004, ciudad en la que la cantante tuvo que repetir concierto ante la demanda de entradas. Dicho espectáculo coincidió con el reconocimiento de su adhesión a la cábala, la mística judía por excelencia, y de su deseo de cambiar su nombre por el de Esther. En 2005 Madonna presentó Confessions on a dance floor, un trabajo en el que volvió a sus raíces, con música expresamente pensada para las pistas de baile. Su primer single, Hung up, que contenía un "homenaje" a ABBA y su Gimme! Gimme! Gimme! (a man after midnight), fue un rotundo éxito, y el elepé recibió excelentes críticas en todo el mundo. Madonna, además, abandonó la "serenidad" de los últimos discos y volvió a hacer gala de una ácida crítica social (incluso política contra los presidentes de Estados Unidos y Gran Bretaña) y de una actitud netamente provocadora, palpable sobre todo en los montajes de la gira "Confessions", que se inició en mayo de 2006 y que incluyó, entre otros duras escenas, una crucifixión de la propia cantante.

Lupita D'Alessio (de nombre Guadalupe Contreras Ramos, nacida el 10 de marzo de 1954 en Tijuana, Baja California, México) es una cantante y actriz de la televisión y el cine mexicano. Su carrera tomo auge gracias a su participacion en la ciudad de Mexico en 1978 donde resulto la representante de México ante el festival OTI Interpretando la cancion "Como Tu" la cual resulto triunfadora(sobre personalidades como Lila Deneken) y obtuvo el derecho de representar a Mexico en el Festival OTI Internacional que tendria lugar en Santiago de Chile el 02 de Diciembre de 1978, certamen en el cual obtuvo el 3er. lugar. Se ha casado más de cinco veces, entre ellos los actores Jorge Vargas de México y Sabú de Argentina, los futbolistas Julio Canessa de Uruguay y Carlos Reinoso de Chile, y el modelo alemán Cristian Rossen. Es además, madre del actor y cantante Ernesto D´alessio (hijo de Jorge Vargas). Desde el año 2000 en que salió de su última telenovela (y única con TV Azteca) no ha aparecido en televisión a excepción de entrevistas y reportajes sobre sus escándalos (los últimos con Jorge Vargas y Andrés García. En el 2007 ella se convierte a la religión cristiana, con esto reaparece en conciertos y entrevistas en televisión. Con más de 8 millones de discos vendidos, Lupita D´alessio es una de las grandes cantantes que ha dado el género de la balada durante los años 80 en Hispanoamérica, su carácter interpretativo solo es comparable al de Valeria Lynch y Rocío Jurado. Actualemnte trabajo como jurado en el reallity show mexicano El show de los sueños al lado de Amanda Miguel,Fato, Felix Greco, Bibi Gaytan y Emma Pulido. Ha sido criticada por sus comentarios poco profesionales hacia artistas de la Fama de Gloria Trevi, Edith Márquez y Kalimba.

Luis Miguel es uno de los cantautores más importantes y exitosos de Latinoamérica. Con una carrera que ya lleva tres décadas, El Sol de México, como se lo denomina también, ha cosechado un éxito atrás de otro que lo convierten en uno de los cantantes más vendedores de habla hispana y asimismo en uno de los más premiados por la industria, ya que se ha alzado con nada más y nada menos que diez premios Grammy, entre los latinos y los que entrega la academia norteamericana. Si bien ha transitado diversos ritmos, es en el bolero y en la balada romántica en los cuales ha conseguido la mayor y más satisfactoria respuesta por parte del público y la crítica. Inolvidables y admirables son sus versiones de clásicos boleros… Luis Miguel Gallego Basteri nació el 19 de abril del año 1970 en Puerto Rico, mientras sus padres se hallaban allí transitoriamente como consecuencia de la actividad profesional de su padre, Luisito Rey, quien era también cantante. Su madre también estaba involucrada en el ambiente artístico, aunque como actriz, y era oriunda de Italia. Entonces, de su padre heredaría la pasión por la música y sería justamente éste quien se ocuparía de impulsar la carrera de su pequeño cuando tomó nota de sus cualidades. Tras una exitosa presentación en vivo en la boda de la hija del presidente mexicano José Luis Portillo, cuando corría el año 1981, Luis Miguel, consigue contrato discográfico para editar su primer álbum: 1+1= 2enamorados. En el año 1985 produce un auténtico hito ganando a los quince años de edad un Premio Grammy por su interpretación a dueto con la cantante Sheena Easton. También seguido a este hecho, la participación en el Festival de Viña del Mar y en el Festival de San Remo, ampliarán notablemente su fama. Para este tiempo también realiza una incursión en cine, en la cinta Fiebre de Amor, con la popular actriz mexicana Lucero y que da paso a la edición de un álbum musical homónimo. En el año 1987 comienza su sociedad artística con el productor y compositor español Juan Carlos Calderón que le reportará una seguidilla de éxitos y una voluminosa gira por Latinoamérica. Otra sociedad que le reportará más y más éxitos es la que establece con el cantautor Armando Manzanero, ya que de esta unión surgirá el álbum Romance y Segundo Romance, los cuales reúnen los boleros más sentidos de la historia, ahora interpretados con la impronta única que le imprime Luis Miguel y con la entendida mano en la producción de Manzanero. Para 1993 regresa al pop con el álbum Aries , pero en repercusión no hay modificaciones ya que resulta también fenomenal. El Concierto, Vivo, México en la piel y Cómplices, son otros discos importantes de su carrera. Así como sucede con los artistas de renombre, la vida privada de Luis Miguel siempre ha captado una enorme atención por parte de la prensa, aunque, el cantante ha sabido mantenerla a resguardo. Es padre de tres hijos, una joven de 23 años fruto de su relación con Stephanie Salas y Miguel y Daniel, de su noviazgo con la actriz y cantante Aracely Arámbula. Actualmente se lo vincula con la ex novia del actor Al Pacino, la argentina Lucila Polak. ... Fuente http://www.quien.net/luis-miguel.php

Luis Aguilar (1918-1997) cruzpaloma.jpg Luis Aguilar Manzo nació el 29 de enero de 1918 en Hermosillo, Sonora, México. Hijo de Luis Aguilar y Concepción Manzo. Se inició como actor en el cine en la película "Sota, caballo y rey" en el 1943. También trabajó en la radio en programas de la XEX y XEW donde el locutor Pedro de Lillé lo bautizó como "El gallo giro de Sonora". Como cantante grabó ocho discos de larga duración. Se casó por primera vez el 17 de abril de 1946 con Ana María Almada con quien procreó dos hijas, Ana Luisa y Martha Fernanda. El matrimonio se divorcio el 14 de agosto de 1954. Dos años más tarde, a finales del 1956 conoció a la actriz Rosario Gálvez, quien era viuda y tenía un hijo, Roberto. A los 4 meses de conocerse se casaron el 19 de abril de 1957. Como Luis no tenía hijos varones, quiso a Roberto como su propio hijo. Cuando Rosario estaba embarazada de su segundo hijo, su hijo Roberto que cumplía el servicio militar falleció accidentalmente al dispararse con un arma. Luis nunca pudo reponerse de su muerte. Pocos meses después nació su hijo Luis Roberto. Abuelo de Miguel Antonio, Luis Enrique, Luis Mario, Ernesto y Luis. Residía en el Pedregal de San Angel en México, D.F. Luego de una exitosa carrera como cantante y actor de cine, trabajó en telenovelas a principios de la década del 80. Falleció el 24 de octubre de 1997 en México, D.F. a consecuencia de un infarto mientras dormía a los 79 años de edad. Sus cenizas fueron depositadas en la Iglesia de la Santa Cruz en el Pedregal de San Angel en México, D.F., pero luego su esposa decidió conservarlas con ella en su casa de Cuernavaca, Morelos, México. El nombre de este extraordinario cantante y primer actor están escritos con letras de oro en la historia del cine y la televisión mexicana. [linked image] Luis Aguilar Filmografía como actor: En los cascos de un caballo (1997) .... Amigo 1 "Bajo un mismo rostro" (1996) Telenovela .... Padre Tomás Crimen en Chihuahua (1995) Reloj de la muerte, El (1993) Memoria del cine mexicano (1993) .... El mismo "Capricho" (1993) TelenovelaAlto poder (1992) Años de Greta, Los (1992) .... Pascual ... aka Greta's Years Tigre de la frontera, El (1992) Metralleta infernal, La (1991) ... aka The Infernal Machine Gun Lola la trailera 3 (1991) Maria la guerrillera (1991) Garañón 2, El (1990) Muerto al hoyo... y el vivo también (1990) A gozar, a gozar, que el mundo se va acabar (1990) Programado para morir (1989) Cargamento mortal (1989) .... Capitán ... aka Carga ladeada Ladrón (1988) Rielera, La (1988) Cacería humana (1987) "Victoria" (1987) Telenovela .... Gregorio Casos de alarma (1986) "Muchachita" (1986) Telenovela .... Gabriel "Soledad" (1981) Telenovela .... Abogado de Soledad Último escape, El (1980) .... Frank México de mis amores (1979) .... El mismo Tres compadres, Los (1975) Galleros de Jalisco, Los (1974) Sargento Pérez, El (1973) Manuel Saldívar, el texano (1972) Ausente, El (1972) Siete muertes para el texano (1971) Chamuscada (Tierra y libertad), La (1971) ... aka Tierra y libertad (México) Duelo en El Dorado (1969) Dos valientes (1969) Caudillo, El (1968) Silencioso, El (1967) Detectives o ladrones..? (Dos agentes inocentes) (1967) ... aka Dos agentes inocentes (México) Comandante Furia, El (1966) Gallo corriente, gallo valiente (1966) Cuatro Juanes, Los (1966) .... Juan sin Miedo Tres salvajes, Los (1966) Gavilanes negros, Los (1966) Dos apóstoles, Los (1966) Duelo de pistoleros (1966) Fugitivo, El (1966) Audaz y bravero (1965) Tigre de Guanajuato: Leyenda de venganza, El (1965) Pozo, El (1965) ... aka The Well Mi ley es un revólver (1965) Escuela para solteras (1965) ... aka Águila con las hermanas Cucurrucucú Paloma (1965) Expatriados, Los (1964) Bracero del año, El (1964) Halcón solitario, El (1964) Gallo con espolones (Operación ñongos), Un (1964) ... aka Gallo con espolones, Un (México) Agarrando parejo (1964) Revólver sangriento, El (1964) 'México de mi corazón' (Dos Mexicanas en México) (1964) .... Él mismo ... aka Dos Mexicanos en México Hermanos Muerte, Los (1964) Mariachi canta, El (1963) Hombre de papel, El (1963) ... aka The Paper Man 'Par de sinvergüenzas, Un' (1963) Vuelven los cinco halcones (1962) Atrás de las nubes (1962) .... Luis ... aka Behind the Clouds Zorro vengador, El (1962/I) Trampa mortal, La (1962) Cazadores de asesinos (1962) ... aka Duelo de valientes Venganza de la sombra, La (1962) Cinco halcones, Los (1962) Contra viento y marea (1962) Juan sin miedo (1961) .... Juan Macías Enmascarado justiciero, El (1961) Tres tristes tigres (1961) .... Mauro ... aka Three Sad Tigers Juana Gallo (1961) .... Arturo Ceballos Rico ... aka The Guns of Juana Gallo (Estados Unidos) ... aka Wild Stampede (TV Estados Unidos) Mi noche de bodas (1961) ... aka Gallo giro en España, El (México) Remolino (1961) Máscara de la muerte, La (1961) ... aka The Mask of Death Diligencia de la muerte, La (1961) Correo del norte, El (1960) ... aka Northern Courier Calavera negra, La (1960) De tal palo tal astilla (1960) ... aka Chip on the Shoulder Máscara de hierro, La (1960) Ladrón que roba a ladrón (1960) Dicen que soy hombre malo (1960) Yo no me caso compadre (1960) Ánima del ahorcado contra el latigo negro, El (1959) Bendito entre las mujeres (1959) Estampida, La (1959) Regreso del monstruo, El (1959) .... Luis, alias El Zorro Escarlata ¡Me gustan valentones! (1959) ... aka Golpes y canciones (México) Tan bueno el giro como el colorado (1959) ... aka One's the Same as Another (Estados Unidos) Ando volando bajo (1959) Carabina 30-30 (1958) ... aka 30-30 Carbine Zorro escarlata en la venganza del ahorcado, El (1958) .... Luis, alias El Zorro Escarlata ... aka Venganza del Ahorcado, La Misterio del látigo negro, El (1958) .... El Látigo Negro Maratón de baile (1958) Locos por la televisión (1958) Socios para la aventura (1958) (Voz cantando) Quiero ser artista (1958) .... El mismo Sucedió en México (1958) ... aka It Happened in Mexico Boxeador, El (1958) .... Cantante Látigo negro, El (1958) .... El Látigo Negro Música y dinero (1958) Locura musical (1958) ¡Cielito lindo! (1957) Cabeza de Pancho Villa, La (1957) Marca de Satanás, La (1957) Jinete sin cabeza, El (1957) ... aka The Headless Rider Locos peligrosos (1957) .... Pedro Tres bohemios, Los (1957) Hay ángeles con espuelas (1957) Alma de acero (1957) ... aka Soul of Steel Grítenme piedras del campo (1957) .... Luis Pies de gato (1957) Chiflados del rock and roll, Los (1957) Teatro del crimen (1957) Pancho López (1957) ¡Aquí están los aguilares! (1957) .... Luis Zorro Escarlata, El (1957) .... Zorro Escarlata Besos prohibidos (1956) ... aka Amor constante (México) Serenata en México (1956) ... aka Serenade in Mexico No me olvides nunca (1956) Lola Torbellino (1956) ... aka Tres amores de Lola, Los (México) Bandidos de Río Frío, Los (1956) ... aka The Bandits of Cold River 7 leguas, El (1955) .... Rodolfo, el Cancionero Yo fui novio de Rosita Alvírez (1955) Al diablo las mujeres (1955) ... aka Por culpa de una mujer (México) Charro inmortal, El (1955) Nuevo amanecer (1954) Con el diablo en el cuerpo (1954) ... aka With the Devil in the Body Chucho el Roto (1954) .... Jesús Arriaga, Chucho el Roto Sueños de gloria (1953) ¡Ay, pena, penita, pena! (1953) ... aka Oh Pain, Little Pain, Pain Nadie muere dos veces (1953) Genio y figura (1953) ... aka Genius and Figure Lunar de la familia, El (1953) ... aka The Spot of the Family Solterones, Los (1953) Del rancho a la televisión (1953) Tal para cual (1953) .... Paco Póker de ases (1952) Interesadas, Las (1952) Yo fui una callejera (1952) Hija del ministro, La (1952) ... aka Daughter of the Minister Porque peca la mujer (1952) Cuatro noches contigo (1952) .... Luis Galán Víctimas del divorcio (1952) ¿Qué te ha dado esa mujer? (1951) .... Luis Macías Valadez Cuando tú me quieras (1951) A.T.M.: ¡¡A toda máquina!! (1951) .... Luis Macías ... aka A.T.M. ... aka ATM Tigre enmascarado, El (1951) Señor gobernador, El (1951) Capitán de rurales (1951) Primero soy mexicano (1950) Yo también soy de Jalisco (1950) Dos gallos de pelea (1950) Tú, solo tú (1950) Canción a la vírgen, Una (1949) Charro del Cristo, El (1949) Rondalla (1949) Arriba el norte (1949) Tres hombres malos (1949) Comisario en turno (1949) Norteña de mis amores, La (1948) Se la llevó el Remington (1948) .... El Remington Gallo giro, El (1948) Aventura en la noche, Una (1948) .... Arturo Centella ... aka Adventure in the Night Último chinaco, El (1948) Charro a la fuerza (1948) Muchacho alegre, El (1948) .... Luis Coronado Cristeros, Los (1947) ... aka Sucedió en Jalisco (México) Yo maté a Rosita Alvírez (1947) Guadalajara pues (1946) Aquí está Juan Colorado (1946) Reina del trópico, La (1946) Caminos de sangre (1945) Soy puro mexicano (1944) .... Rafael ... aka I'm a Real Mexican (Estados Unidos) Sota, caballo y rey (1943) Discografía: Amor llegó a Jalisco, El (1963) (compositor: "Por Tus Ojos") Ando volando bajo (1959) (Intérprete: "Tu y las Nubes", "La Campiña", "Serenata del Perdón", "Así Soy Yo", "Soy un Golfo", "El Hijo Desobediente", "Platicando con el Escoba") Locos peligrosos (1957) (Intérprete: "Perdóname Beethoven", "Los Aeroplanos", "Tengo Hormigas en el Pantalón", "16 Toneladas") ¡Aquí están los aguilares! (1957) (Intérprete: "Corrido de los Aguilares")

Lucero Hogaza León o simplemente Lucero, nacida el 29 de agosto del año 1969 en la ciudad de México, es una de las artistas más reconocidas y populares de México. Desde hace más de tres décadas y casi sin mediar descanso viene desplegando diversos trabajos en tevé, como actriz y presentadora, en cine y en la música. A los diez años nada más comenzó su carrera en los medios y de ahí en más, como señalamos, jamás cesó… Sus primeros pasos los dio en programas como: Alegrías de mediodía, Chiquilladas, América esta es tu canción, Juguemos a cantar, entre otros. Cuando cumple los 13 años lanza su carrera como cantante y además graba su primer álbum de título Te prometo. Para esta misma época también protagoniza la telenovela Chispita, en la cual interpreta a una niña que fue separada de su madre al nacer y se crió en un orfanato. Y también filma varias películas entre las que sobresale Fiebre de amor junto al cantante Luis Miguel. Llegada la década del noventa y ya con 21 años, Lucero, protagoniza su primer novela como adulta, Cuando llega el amor, en la cual personifica a Isabel, una joven rica que es envidiada por su prima y a quien ésta le hace todo lo humanamente posible para arruinarle la vida. En las siguientes décadas y hasta la actualidad, Lucero, ha desplegado casi al unísono trabajos como actriz y también como cantante, grabó varios álbumes más e incursionó en el género mexicano de la ranchera y también estelarizó diversas producciones televisivas como ser: Lazos de amor, Mi destino eres tú, Soy tu dueña, entre otras. Como consecuencia de varios de sus personajes, Lucero, ha sido distinguida en varias oportunidades con los populares premios TVyNovelas. Otra pata fundamental de su carrera y de su repercusión ha sido su participación como anfitriona durante mucho tiempo en el Teletón, una transmisión solidaria de radio y de tevé que dura 24 horas y que tiene la misión de recaudar fondos para destinar a instituciones especializadas en rehabilitación infantil. En el plano sentimental estuvo casa catorce años con el también cantante Manuel Mijares con quien tuvo dos hijos José Manuel y Lucero. ... Fuente http://www.quien.net/lucero.php

BIOGRAFÍA DE LOS TERRÍCOLAS Fue el año de 1968 que Johnny Hoyer, el mayor de los Hermanos Hoyer, pone en práctica la idea de formar en la familia una agrupacion musical. Esto ocurre en la población occidental de Venezuela. Al principio identificaron al grupo con el nombre "Mini Combo Montrealo". Ejecutaban diferentes ritmos bailables, con una dotacion que incluia: Teclados (organo piano), Guitarra Electrica, Bajo, Bateria, Tumbadora, Timbal, y tres Vocalistas. • Sus integrantes para eso momentos fueron: Johnny Hoyer (Director y Tecladista) Lenny Beatriz Hoyer (Voz Femenina) Nestor Daniel Hoyer (Primera Voz y Bajo) Angel David Hoyer (Bateria) Freddy Fuentes, primo hermano de los Hoyer (Guitarra) Erain Zambrano (voz y percución) Angel Zambrano (percución). En cada fiesta y baile que amenizaban, se sentia en el gusto del público la predilección por sus interpretaciones romántica en la voz de Nestor Daniel con apenas 15 años de edad, era eminente que en su voz y su interpretacion habia una magia especial. Esto animó a los muchachos y deciden grabar cuatro temas por su propia cuenta y los presentan a un sello discográfico el cual no les presta mucha atención. Pero este hecho no desanima al grupo, con la misma cinta bajo el brazo y con un mundo "ilusiones en el corazón", se dirigen hacia la capital de Caracas, Venezuela. Durante Dias muestran su material a diferentes casas disqueras, pero con la misma respuesta, "NO". Finalmente visitan un sello disquero muy pequeño como última opción, el sello "Discomoda" donde su dueño y fundador, el Señor Cesar Roldan, les escucha y decide darles la oportunidad para su primera experiencia discográfica. Desde ese momento el Mini Combo pasa a llamarse definitivamente: "LOS TERRICOLAS". Su primer tema "Vivirás", se convierte en un éxito de marca mayor y da nombre au primer LP. Para su segundo larga duración, es el tema "Lloraras", del compositor y productor Orlando Briceño, el que resulta un gran hit y del mismo disco la versión "Te juro que te amo" les consagra como virtuales triunfadores en el acetato. Para este entonces solo conforman el grupo: Johnny, Nestor Daniel, Lenny Beatriz, Angel David y Freddy. Para su tercer produccieon los temas "Te Amare" también de Orlando Briceño y "Volvereas" de Manny Delgado, son los que les abren las puertas de los senderos de Norte america, Centro y Sur America, México y Cuba. Seguidamente el guia y productor de "LOS TERRICOLAS". Manny Delgado, crea para el grupo una nueva fórmula en la balada romeantica, la cual distingue con los dialogos mixtos al principio de las composiciones y el sentimiento de interpretación en la voz de Nestor Daniel. Esta combinación marcaria historia en la balada romántica. Con este estilo escribe para ellos canciones como; "LUTO EN EL ALMA", uno de los mas grandes exitos en el continente, tema grabado en México. Para esas fechas, Peru, Ecuador, Colombia, Chile, Argentina, México y Estados Unidos, entre otros, reclaman la presencia de "LOS TERRICOLAS", pero la agenda de trabajo estaba muy apretada. Se agotaban sus discos, increibles llenos en los sitios donde se presentaban, las fan gritaban, lloraban, se desmayaban, toda una locura exitosa ante peublicos exigentes. Muchos premios en Venezuela, discos de Platino en México y galardones en Estados Unidos, una colección que refleja el triunfo obtenido por los muchachos de Moron. La decada de los setentas, ochentas y principios de los noventas, dejaron una huella imborrable en los amantes de la música romántica. Tal fue el éxito de LOS TERRICOLAS que se formaron grupos imitándolos y utilizando inclusive su nombre para actuar en centros nocturnos y Televisión. Esto en México, Estados Unidos, colombia, Ecuador y Peru. Pero Nestor Daniel sigue deleitando a todo el público y hoy por hoy sigue trabajando como "LOS TERRICOLAS DE NESTOR DANIEL". conservando la misma calidad vocal que cuando lo escuchamos por primera vez y poniendo un sello inconfundible en cada interpretación. Algunas veces con Mariachi otras con orquesta, pero siempre con un peculiar estilo. Ahora en el 2006 como "LOS TERRICOLAS DE NESTOR DANIEL" sigue trabajando para todas las generaciones, de ahora y las de ayer. Actualmente estan produciendo nuevas grabaciones para todo ese púbico romántico de Latino America.

Historia (1970's) Puerto de Chimbote En el Puerto de Chimbote, Provincia del Santa, Departamento de Ancash, Republica del Perú (Urbanización El Carmen), a finales de los 60's y principios de los años 70's VICTOR HUGO ACUÑA LECCA, había terminado la Secundaria en La Gran Unidad Escolar SAN PEDRO y estaba estudiando Administración de Empresas en El COLEGIO REGIONAL de Chimbote, situado en La Urbanización Buenos Aires, al Sur del Puerto. Victor Hugo Acuña Lecca Hugo estaba aprendiendo a tocar la guitarra, su hermano Cesar era su profesor, para esto su padre el Sr. FRANCISCO ACUÑA MOSQUERA, le había comprado una guitarra eléctrica de marca HOFNER, de color rojo y un Amplificador de guitarra de marca GUYA TONE, en la tienda musical del Sr Armijo, situado en la Plaza de Armas de Chimbote. La música que se escuchaba en aquel entonces provenía de la Radio y estaba de moda canciones de Los Beatles, Rolling Stones, Grand Funk, Deep Purple, Led Zepelin, etc... (en Ingles) y por el lado hispano ya habían surgido Los Angeles Negros, Los Galos, Iracundos, Los Gatos, Formula V, Los Diablos de España, Mitos, Módulos, Los Ángeles, La Joven Guardia, etc... Y en lo Nacional se escuchaba la música de Los Doltons, Los Shains, Los Silvertons, Los Belkings, Pedro Miguel y sus Maracaibos, Los Destellos, Los Ecos, Grupo Celeste, Manzanita, Los Pakines, etc. Cesar y Hugo Acuña Lecca, fundadores de LOS PASTELES VERDES Junto a su hermano CESAR ACUÑA, acudían todos los fines de semana a la Iglesia SAN FRANCISCO DE ASIS, (Urbanización 21 de Abril), donde, además de acompañar al coro en la misa de los Domingos, se daban tiempo para ensayar música popular que en ese momento estaba de moda, así conocieron a JORGE ROSARIO (Baterista), ANGEL... (Bajista), el Chino JUAN (Percusiones) y LEONCIO LARA (Guitarra). Los primeros ensayos se hicieron en la casa de Jorge Rosario en la Urbanización 21 de Abril, luego se determino que fueran en casa de Hugo y Cesar, en el Carmen Mzna. 16 Lote 1. Primer nombre del Grupo: LOS JEEKSTONES, luego LOS BENKERS : Jorge Luis Príncipe (Pajarito), Pablo Chávez, Hugo Acuña, Miguel Castillo y Tommy Lamas Al principio, HUGO puso el nombre THE JEEKSTONES, y se dedicaron a interpretar música instrumental de los Ventures, Al Caiola, Los Belkings, Los Indios Trabajaras..etc., Tocar era un "Hobby", y se presentaban en las escuelas y colegios de Chimbote y alrededores, (Inmaculada, Colegio Cervello, Santa Rosa, Santa María Reyna, G.U.E San Pedro, Politécnico Nacional del Santa etc... especialmente, en las matinales de los Sábados por la mañana. Chimbote siempre fue cuna de grandes músicos y grupos, alternaban al principio con Agrupaciones de la talla de LOS FELTONS, LOS TANGARA, CHIQUITO LA ROSA, etc... Paso el tiempo y el grupo se cambio de nombre, ahora serian LOS BENKERS, con el mismo estilo pero también interpretando música tropical bailable. Esta es la primera foto de los Pasteles Verdes, (en el Club Richard del Carmen) 1972. Cesar Acuña, Tommy Lamas, Hugo Acuña y Tito Cerna El nombre "PASTELES VERDES" surgió de la nada, Hugo estaba con algunos amigos de la Urbanización 21 de Abril comentando sobre LOS BENKERS, que era un nombre en Ingles y no concordaba con la música tropical que estaban interpretando, de un momento a otro, Hugo menciono PASTELES VERDES, todos se rieron y burlaron, pero al final estuvieron de acuerdo, así surgió "LOS PASTELES VERDES" , nada anecdótico, como siempre han sugerido otras personas, pues dicen que lo puso un "curita", que lo puso "el loco moncada" etc... Ya no tocaban como "Hobby" pues les contrataban para Matrimonios, Quince años, Bautizos y Fiestas Sociales entre otros eventos, su radio de acción había aumentado (Santa, San Jacinto, Nepeña, Moro, Jimbe, Tambo Real, Casma, Huarmey, etc... A estas alturas el grupo había cambiado de integrantes, se incorporaron: Pablo Chávez, Tito Cerna, Tommy Lamas, Manolo Espinoza. Ya como LOS PASTELES VERDES, el Grupo estuvo una temporada amenizando las noches de los Viernes y Sábados en el "Club 66" situado cerca de la Plazita de los Pescadores, allí fue donde obtuvieron "experiencia musical" pues tenían que interpretar lo que el publico deseaba: cumbias, boleros, tangos, música criolla, rock, baladas, paso dobles etc... Jorge Luis Príncipe (Batería), Hugo Acuña (Guitarra), Miguel Moreno (Bajo). Cesar Acuña (Teclados), Germán Laos (Vocalista) y Juan Vásquez (Percusiones). 1973 Fue tanta la popularidad del grupo, que les faltaba tiempo para cumplir los compromisos que se hacían con mucha anterioridad, Hugo empezó a comprar algo de equipo nuevo: amplificadores, batería, congas, guitarras, órgano, pues la competencia musical en el Puerto era muy reñida, todos los grupos querían estar a la vanguardia tanto en sonido como en presentación y Los Pasteles Verdes no se quedaron atrás, Hubieron muchos días de ensayo y los resultados no se hicieron esperar. Miguel Moreno, Adán Zavaleta, Hugo Acuña, Jorge Príncipe, Cesar Acuña y Germán Laos. 1973 En esos años, Chimbote era, por decirlo de alguna manera "la capital de la música" pues habían surgido buenos grupos, que dieron mucho que hablar (musicalmente hablando) aquí algunos: LOS RUMBANEY, LOS FANTASTICOS, LOS CARIBEÑOS, MARCO MERRY Y SUS GOLFOS 70, MONTE AZUL, MARQUINA etc...Siempre nos acordaremos de Lucho Oliva, el Chato Coral, Daniel Belepu, Manuel Guti, Hernán Morachimo, Marco Merry, Los Hnos. Marquina, etc...También de grupos de "afuera" como La Nueva Junta 70, Los Águilas. Armonía 4, Fe Ciega, Grupo América, fueron inolvidables las fiestas en que alternamos juntos. Aldo Italo Guibovich Salazar, vocalista romántico (ingreso al grupo en 1974). Cuando quisieron hacer su primera grabación, HUGO y su amigo TEDDY VAZQUEZ (René) hacían viajes casi todas las semanas a Lima, para tratar de entrevistarse con alguna Compañía de Discos, pero siempre se regresaban con una negativa, pero perseveraron tanto, que por cansancio los directivos de DINSA, los recibieron y acordaron darles una oportunidad. Los primeros acetatos fueron de música tropical instrumental, con el Sello Dinsa de Alberto Maravi, Boteri y Walter Rueda, se grabo temas como: La Anchoveta, La Champita, La Fuga de Foster, Sellado con un beso, Ceviche de piedras etc... Otros músicos habían ingresado a la agrupación, estos eran: Miguel Moreno, Germán Laos, Raúl Padilla, Ernesto Pozo y posteriormente Aldo Guibovich, quienes, junto a Hugo y Cesar Acuña, serian el Grupo de "LOS PASTELES VERDES". Primera gira al Cuzco, Perú Corría el año de 1974, y deciden grabar música romántica, con la voz de Aldo, y música tropical con la voz de Germán Laos, ensayan 2 temas "Puertos Queridos" (tropical) y "Angelitos Negros" (balada) al Productor de la Compañía Disquera no le gusto la idea de lo romántico, puso al tema tropical como "fuerte" del 45', y a la balada como "relleno". Para sorpresa de todos en la radio se empezó a escuchar "Angelitos Negros" y fue todo un éxito! esta fue la razón para que Los Pasteles Verdes cambiaran de estilo y se dedicaran a lo romántico. Empezaron a ensayar canciones de Alberto La Torre y Fernando Arias, así como temas mexicanos (boleros rancheros) y con los arreglos de HUGO ACUÑA, graban en la Disquera INFOPESA el primer Long Play "Recuerdos de una Noche" lo cual, fue el trampolín hacia la fama a nivel nacional e internacional, empezaron las giras, las presentaciones en Radio y Televisión, posteriormente giras al extranjero. Giras Nacionales Después de salir el Primer LP titulado "Recuerdos de una noche" a finales del año de 1974, empezaron las Giras artísticas, primero a nivel regional, luego Nacional e Internacional. El Perú entero se recorrió junto a artistas Nacionales e Internacionales, mencionando a algunos: Jesús Vásquez, Los Hermanos Zañartu, Chalo Reyes, Lucho Barrios, Oscar de León, Leo Dan, Segio y Estibaliz, Sagitario, Los Ángeles Negros, Los Iracundos, La Sonora Dinamita, Los Terrícolas etc... En su Primera Gira Nacional con Los Hermanos Zañartu, en el Cuzco, Perú. Fue en el año de 1975 que el Grupo recorrió el Perú entero, de Sur a Norte y de Costa a Selva, en la ciudad de Arequipa fue la primera vez que se quedaron asombrados de tanta gente que había ido a recibirlos al Aeropuerto, miles de personas, jóvenes y adultos querían verlos, tocarlos o simplemente que les firmaran un autógrafo, luego se fueron repitiendo estos recibimientos en todas las ciudades y pueblos que visitaban, simplemente no se habían dado cuenta de lo populares que eran en ese entonces, pero de gira en gira siempre se daban un tiempo para ir preparando el próximo material discográfico.

Es un grupo de música pop que nació en Bilbao en el año 1966. La historia de Los Mitos fue breve, pero dejaron huella en el pop final de los 60 y con su música agradable y de exquisita frescura dieron el salto desde Bilbao, su ciudad natal, para extender su fama a toda España e incluso colocar sus canciones en Hispanoamérica. El grupo estuvo formado en sus inicios por José Antonio Santiesteban (Tony), como voz solista, Carlos Zubiaga en la guitarra rítmica y los teclados, José Ignacio Millán en la guitarra de punteo, Francisco García (Paco) en la batería y Oscar Matías Sorozábal en el bajo. Comenzaron en 1966 con el nombre de Los Famélicos y tras unos durísimos primeros tiempos y el cambio de nombre por el de Los Mitos comenzó la popularidad. El 8 de abril de 1968 realizaron su primera presentación, respaldados por la casa de discos Hispavox. Durante los años 68 y 70, ellos y Fórmula V revitalizaron la rivalidad que existió entre Los Brincos y Los Bravos. El sencillo de presentación fue Cuando vuelvas, una de las grandes canciones de 1968, un tema fácil de asimilar, con una letra nada problemática y arreglos vocales similares a The Beach Boys, una melodía alejada de los excesos progresivos y sin compromisos socio-políticos. El tema “Cuando vuelvas” era también una magnífica representación de medio tono arquetípico entre ritmo orquestal y tragedia vocal. Con Los Mitos nunca sabías si debías sacar a bailar a una chica cogidos de la mano o suelto; en cualquier momento te alteraban la estructura de la canción. En la cara B aparecía “Coge mi mano”. En el siguiente disco aparece “Cantemos así” (Aleluya), junto a “Éste es mi llanto”. En 1969 “Es muy fácil” les da el éxito total. En la otra cara “Si te acuerdas de mí”. Por supuesto que los mayores éxitos llegaron con sus temas más comerciales, pero siempre con las más elevadas cotas de calidad y calidez artísticas. “Me conformo” y “Todos lo saben” también son de 1969 y son ejemplos del estilo alegre y sentimental de sus letras, y es a partir de aquí que el grupo debe buscar otro cantante, pues su vocalista Tony decide andar su camino en solitario como Tony Landa dando lugar al comienzo del apagón de la carrera del grupo y las deserciones. Con Fernando Brosed (famoso cantante en la época, procedente de Zaragoza) como nuevo cantante, en 1970, graban “Suena una guitarra” y “No sé por qué”. En 1971 estrenan batería y graban otro sencillo con “Me estás volviendo loco” y “Lejos de ti”; pero ya el éxito estaba lejos y el grupo fue descendiendo. Llega el año 1972 y editan dos sencillos: “Mírame” y “Vive la vida” en el primero. En el segundo incluían “Ayúdame” (lo que parecía una llamada de auxilio al público) y en la otra cara “Hola, ¿cómo estas?” con ventas no muy buenas. En un renovado intento por recuperar la popularidad, en 1973 graban “La vida es una canción” y “Canta cariño, canta”, igualmente con ventas discretas. En 1974 otro renovado intento fue “Cherie sha la la” y “Al caminar”. En 1975, antes de que cada cual tomase su rumbo, se despidieron con “Tiempo de amar”. La casa de discos Hispavox en 1981 editó un nuevo disco con sus mayores éxitos y algunos temas inéditos como “Eleonor” y “Mony, mony”.

La agrupación se formó en 1958 en Paysandú, Uruguay y contaba con seis miembros. Inicialmente se autodenominaron los “Blue Kings” ya que en esa época estaban de moda los nombres en inglés; pero un profesor de música del colegio donde ellos asistian en Paysandú les dijo que optaran por un nombre en español, luego adoptaron el nombre de “Los Iracundos”, idea de Leo Banéz cuando ingresaron a la poderosa disquera RCA VICTOR. Eduardo Franco (vocalista, compositor y arreglador), Juan Carlos Velázquez (director, baterista y arreglador), Leonardo Franco (primera guitarra), Juan “Bosco” Zabalo (segunda guitarra), Hugo Burgueño (bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (teclados) conformando así los seis integrantes originales de la agrupación. 1960 “Los Iracundos” alcanzaron fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos juveniles como Calla, Todo terminó, El desengaño, La lluvia terminó Felicidad, felicidad, El triunfador y Es la lluvia que cae, tema incluido en el álbum “Iracundos en Roma” el más exitoso de esta década, éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine, en varias oportunidades como invitados y en una de ellas como protagonistas, en la película “Este loco verano” donde además interpretaban las canciones de su repertorio. Su debut se produce el 10 de octubre de 1961, en el histórico Teatro Florencio Sánchez de la ciudad de Paysandú y en menos de dos años tenían grabado su primer simple en Montevideo, en el sello musical Clave, el cual contenía los temas Reten la noche y Madison. Además grabaron los temas A Saint Tropez y Despierta Lorenzo. Década de los 60. UN HIT PARA QUE MARCARA LA HISTORIA… Puerto Montt, composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, es sin duda la canción emblema del grupo, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA-Argentina y presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre de 1968 quedando en segundo lugar de dicho evento, siendo el más recordado en el mundo de la banda. 1970 En los 70 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Río verde, Infidelidad es tu traición, Marionetas de cartón, Cada noche mía, Me estás matando, Y me quedé en el bar, Tú me diste amor, Pasión y vida. En el año 1972 “Los Iracundos” vivirían una experiencia muy aplaudida: fue la primera vez que la banda uruguaya fue un festival de Viña del Mar como invitados cual fue recordado mucho por la banda. Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, siendo Eduardo Franco el creador de un estilo único, romántico y en su mayoría, rotundamente exitoso. Así también se editan un total de 6 álbumes temas instrumentales, entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas El último café. También grabaron varios EP, Mini plays y discos de 45. Entre ellos está el Mini play “Los Iracundos para niños” con 4 temas como Pedimos pido, La mala palabra, Pepito Agustín y Pedrito el mentiroso. Década de los 70. CONTINUAN GENERANDO MAS EXITOS… Continuaban grabando año tras año, en toda la década de los 70, con producciones que contenían temas de la composición de Eduardo Franco, como son Y me quedé en el bar, Cada noche mía, Como pretendes que te quiera, Fue una fábula. 1980 A comienzos de los 80, hacen una aparición en la película “Locos por la música”, junto a otros músicos, aportando su éxito, “Esa esquina”; en 1981 lanzan su disco de oro, Tormenta de verano; en el 82, Cuarenta grados, cuyo tema principal se grabo también en portugués por varios grupos de la época . Igualmente la agrupación graba un disco de 45 rpm con dos canciones en portugués (Pasión y vida – Tú me diste amor, tú me diste fe) para ser distribuidos en el mercado brasileño. En el 83 lanzan un nuevo álbum donde se resalta el tema “Aprontate a vivir”, y en 1984 lanzan uno de sus hits más exitosos internacionalmente, “Tú con él”, de la autoría de Eduardo Franco, en el álbum del mismo nombre y donde también se encuentra el tema “Las puertas del olvido” de la autoría de Juan Carlos Velázquez, Eduardo y Leoni Franco que llegó a ser un éxito también en Estados Unidos y buena parte de América. En 1985, tras su retiro de la disquera RCA Argentina, donde permanecieron más de 20 años, se edita un disco recopilatorio con cinco temas inéditos: “Tu por aquí”, “Chocar la misma pared”, “Adiós, borrón y cuenta nueva”, “No quiero un beso” y “Tu y yo, de igual a igual” de la autoría de Juan Carlos Velázquez, Eduardo y Leoni Franco. El 1985 participaron en innumerables eventos y festivales como festival de la canción en Calama-Chile. Para 1986 el grupo había alcanzado fama mundial, con giras exitosas, lanzando su álbum “Iracundos 1986?, ya bajo el sello Microfón Argentina (Micsa), con otra composición de Eduardo Franco, el tema “Me voy o me quedo”, que incluso tiene un video clip, como todos los temas de éste disco. Debido a problemas de autoría, es en este año donde el bajista Hugo Burgueño se separa, lo que causa un gravísimo e irreparable daño en el grupo, tras haber estado el grupo unido por 25 años, quebró la unidad y amistad en la banda. Década de los 80. ETAPA MUY IMPORTANTE EN LA CARRERA DE ESTOS ICONOS... En 1987, Los Iracundos, sacan 2 nuevos álbumes; el primero, con la denominación “Eduardo Franco y sus Iracundos de siempre” con nuevos temas, que alcanza el éxito con los temas “Por que me hiciste trampa” de la autoría de Juan Carlos Velázquez, Eduardo y Leoni Franco y “Dime quien” que sonó tiempo después; el segundo álbum de éste año fue el primer volumen de un popurri de sus temas más reconocidos llamado “La Historia de Los Iracundos” bajo el sello Microfón. El 3 de abril de 1988, Eduardo Franco hace su última actuación en vivo en su tierra natal Paysandú, Uruguay en “La fiesta de la cerveza” frente a una multitud de gente que lo vio nacer y crecer. El 1 de febrero de 1989, Eduardo Franco fallece de un cáncer terminal a los ganglios linfáticos, en su ciudad que lo vio nacer -Paysandú, después de varios años de sobre-llevarlo asombrosamente frente a su exigida profesión; Jorge Gatto (quien ya antes cantaba temas del repertorio del grupo, con su agrupación llamada Frutilla), y con el que el grupo graba ese mismo año el segundo volumen del popurrí denominada “La Historia de Los Iracundos vol 2? bajo el sello Microfón. 1990 Ya en 1990, el grupo decide sacar un nuevo álbum, completo de temas de la autoría del recordado Eduardo Franco, llamado “Iracundos 1990?. En 1992 el tecladista del grupo, Jesus Febrero, abandona el grupo y tiempo después, un 1 de noviembre de 1992, Juan Bosco problemas al corazón en la Clínica Uruguay en la ciudad de Concepción del Uruguay, Entre Ríos, Argentina, donde residía hace ya un tiempo. Para 1994 el grupo, que constaba con Juan Carlos Velázquez y Leonardo Franco, como integrantes fundadores y con Jorge Gatto como vocalista, deciden lanzar un nuevo álbum, también, con temas inéditos de la autoría de Eduardo Franco, teniendo como tema principal “Con la misma moneda” que se convierte en un disco de oro, renovando la popularidad del grupo, y lo lleva a concursar en la OTI, en el 1996, con otro tema inédito, “Quiero estrenar el amor contigo”. Cabe mencionar que en 1997, la disquera BMG-Argentina, decide reeditar todas las producciones musicales del grupo en edición digital, con el proyecto de la discografía completa, abarcando los álbumes desde 1964 hasta 1987, en la voz de Eduardo Franco, llegando a la actualidad al volumen 16 (2008). Finales de los 80 y 90. CONTINUAN GRABANDO… Para el 1999, “Los Iracundos” lanzan su último disco oficial a la fecha, “Los Iracundos de fiesta”, que contiene nuevas versiones de temas clásicos como “Y me quedé en el bar”, “La lluvia terminó” y “Tú con el” temas de la composición de Eduardo Franco en la voz de Jorge Gatto; la actividad del grupo no parará en los posteriores años, dedicándose enteramente a presentaciones en varios países de América y Europa. 2000 hasta hoy día. Decesos: – El 2 de agosto del año 2003, el tecladista uno de los fundadores Jesús Maria Febrero – Febro, fallece tras una penosa enfermedad en Argentina. – El 1 de diciembre del año 2015, la primera guitarra uno de los fundadores Leonardo Franco – Leoni, fallece tras un ataque cardiaco en Guatemala. Discografía de “LOS IRACUNDOS” ? 1963: Stop ? 1964: Sin palabras ? 1964: Con palabras ? 1965: Primeros en América ? 1966: El Sonido de Los Iracundos ? 1966: Los Iracundos en Roma ? 1967: La juventud ? 1967: En Estereofonía ? 1967: Felicidad, Felicidad ? 1968: Puerto Montt ? 1969: La lluvia terminó ? 1969: La Música de Los Iracundos ? 1970: Los Iracundos ? 1971: Impactos ? 1971: Instrumental ? 1972: Agua con amor ? 1973: Te lo pido de rodillas ? 1974: Tango joven ? 1974: Y te has quedado sola ? 1975: Cada noche mía ? 1976: Cómo pretendes que te quiera ? 1977: Gol! de Los Iracundos ? 1978: Pasión y vida ? 1979: Amor y fe ? 1980: Incomparables ? 1981: Fue tormenta de verano ? 1982: 40 grados ? 1983: Apróntate a vivir ? 1984: Tú con él ? 1986: Iracundos ’86 Eduardo Franco y sus Iracundos de siempre ? 1987: Dime quién… te ha enseñado ? 1987: La Historia de Los Iracundos Los Iracundos ? 1989: La Historia de Los Iracundos: Parte 2 ? 1990: Iracundos ’90 ? 1993: Con la misma moneda ? 1999: Los Iracundos de Fiesta

La agrupación se formó en 1958 en Paysandú, Uruguay y contaba con seis miembros. Inicialmente se autodenominaron los “Blue Kings” ya que en esa época estaban de moda los nombres en inglés; pero un profesor de música del colegio donde ellos asistian en Paysandú les dijo que optaran por un nombre en español, luego adoptaron el nombre de “Los Iracundos”, idea de Leo Banéz cuando ingresaron a la poderosa disquera RCA VICTOR. Eduardo Franco (vocalista, compositor y arreglador), Juan Carlos Velázquez (director, baterista y arreglador), Leonardo Franco (primera guitarra), Juan “Bosco” Zabalo (segunda guitarra), Hugo Burgueño (bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (teclados) conformando así los seis integrantes originales de la agrupación. 1960 “Los Iracundos” alcanzaron fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos juveniles como Calla, Todo terminó, El desengaño, La lluvia terminó Felicidad, felicidad, El triunfador y Es la lluvia que cae, tema incluido en el álbum “Iracundos en Roma” el más exitoso de esta década, éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine, en varias oportunidades como invitados y en una de ellas como protagonistas, en la película “Este loco verano” donde además interpretaban las canciones de su repertorio. Su debut se produce el 10 de octubre de 1961, en el histórico Teatro Florencio Sánchez de la ciudad de Paysandú y en menos de dos años tenían grabado su primer simple en Montevideo, en el sello musical Clave, el cual contenía los temas Reten la noche y Madison. Además grabaron los temas A Saint Tropez y Despierta Lorenzo. Década de los 60. UN HIT PARA QUE MARCARA LA HISTORIA… Puerto Montt, composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, es sin duda la canción emblema del grupo, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA-Argentina y presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre de 1968 quedando en segundo lugar de dicho evento, siendo el más recordado en el mundo de la banda. 1970 En los 70 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Río verde, Infidelidad es tu traición, Marionetas de cartón, Cada noche mía, Me estás matando, Y me quedé en el bar, Tú me diste amor, Pasión y vida. En el año 1972 “Los Iracundos” vivirían una experiencia muy aplaudida: fue la primera vez que la banda uruguaya fue un festival de Viña del Mar como invitados cual fue recordado mucho por la banda. Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, siendo Eduardo Franco el creador de un estilo único, romántico y en su mayoría, rotundamente exitoso. Así también se editan un total de 6 álbumes temas instrumentales, entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas El último café. También grabaron varios EP, Mini plays y discos de 45. Entre ellos está el Mini play “Los Iracundos para niños” con 4 temas como Pedimos pido, La mala palabra, Pepito Agustín y Pedrito el mentiroso. Década de los 70. CONTINUAN GENERANDO MAS EXITOS… Continuaban grabando año tras año, en toda la década de los 70, con producciones que contenían temas de la composición de Eduardo Franco, como son Y me quedé en el bar, Cada noche mía, Como pretendes que te quiera, Fue una fábula. 1980 A comienzos de los 80, hacen una aparición en la película “Locos por la música”, junto a otros músicos, aportando su éxito, “Esa esquina”; en 1981 lanzan su disco de oro, Tormenta de verano; en el 82, Cuarenta grados, cuyo tema principal se grabo también en portugués por varios grupos de la época . Igualmente la agrupación graba un disco de 45 rpm con dos canciones en portugués (Pasión y vida – Tú me diste amor, tú me diste fe) para ser distribuidos en el mercado brasileño. En el 83 lanzan un nuevo álbum donde se resalta el tema “Aprontate a vivir”, y en 1984 lanzan uno de sus hits más exitosos internacionalmente, “Tú con él”, de la autoría de Eduardo Franco, en el álbum del mismo nombre y donde también se encuentra el tema “Las puertas del olvido” de la autoría de Juan Carlos Velázquez, Eduardo y Leoni Franco que llegó a ser un éxito también en Estados Unidos y buena parte de América. En 1985, tras su retiro de la disquera RCA Argentina, donde permanecieron más de 20 años, se edita un disco recopilatorio con cinco temas inéditos: “Tu por aquí”, “Chocar la misma pared”, “Adiós, borrón y cuenta nueva”, “No quiero un beso” y “Tu y yo, de igual a igual” de la autoría de Juan Carlos Velázquez, Eduardo y Leoni Franco. El 1985 participaron en innumerables eventos y festivales como festival de la canción en Calama-Chile. Para 1986 el grupo había alcanzado fama mundial, con giras exitosas, lanzando su álbum “Iracundos 1986?, ya bajo el sello Microfón Argentina (Micsa), con otra composición de Eduardo Franco, el tema “Me voy o me quedo”, que incluso tiene un video clip, como todos los temas de éste disco. Debido a problemas de autoría, es en este año donde el bajista Hugo Burgueño se separa, lo que causa un gravísimo e irreparable daño en el grupo, tras haber estado el grupo unido por 25 años, quebró la unidad y amistad en la banda. Década de los 80. ETAPA MUY IMPORTANTE EN LA CARRERA DE ESTOS ICONOS... En 1987, Los Iracundos, sacan 2 nuevos álbumes; el primero, con la denominación “Eduardo Franco y sus Iracundos de siempre” con nuevos temas, que alcanza el éxito con los temas “Por que me hiciste trampa” de la autoría de Juan Carlos Velázquez, Eduardo y Leoni Franco y “Dime quien” que sonó tiempo después; el segundo álbum de éste año fue el primer volumen de un popurri de sus temas más reconocidos llamado “La Historia de Los Iracundos” bajo el sello Microfón. El 3 de abril de 1988, Eduardo Franco hace su última actuación en vivo en su tierra natal Paysandú, Uruguay en “La fiesta de la cerveza” frente a una multitud de gente que lo vio nacer y crecer. El 1 de febrero de 1989, Eduardo Franco fallece de un cáncer terminal a los ganglios linfáticos, en su ciudad que lo vio nacer -Paysandú, después de varios años de sobre-llevarlo asombrosamente frente a su exigida profesión; Jorge Gatto (quien ya antes cantaba temas del repertorio del grupo, con su agrupación llamada Frutilla), y con el que el grupo graba ese mismo año el segundo volumen del popurrí denominada “La Historia de Los Iracundos vol 2? bajo el sello Microfón. 1990 Ya en 1990, el grupo decide sacar un nuevo álbum, completo de temas de la autoría del recordado Eduardo Franco, llamado “Iracundos 1990?. En 1992 el tecladista del grupo, Jesus Febrero, abandona el grupo y tiempo después, un 1 de noviembre de 1992, Juan Bosco problemas al corazón en la Clínica Uruguay en la ciudad de Concepción del Uruguay, Entre Ríos, Argentina, donde residía hace ya un tiempo. Para 1994 el grupo, que constaba con Juan Carlos Velázquez y Leonardo Franco, como integrantes fundadores y con Jorge Gatto como vocalista, deciden lanzar un nuevo álbum, también, con temas inéditos de la autoría de Eduardo Franco, teniendo como tema principal “Con la misma moneda” que se convierte en un disco de oro, renovando la popularidad del grupo, y lo lleva a concursar en la OTI, en el 1996, con otro tema inédito, “Quiero estrenar el amor contigo”. Cabe mencionar que en 1997, la disquera BMG-Argentina, decide reeditar todas las producciones musicales del grupo en edición digital, con el proyecto de la discografía completa, abarcando los álbumes desde 1964 hasta 1987, en la voz de Eduardo Franco, llegando a la actualidad al volumen 16 (2008). Finales de los 80 y 90. CONTINUAN GRABANDO… Para el 1999, “Los Iracundos” lanzan su último disco oficial a la fecha, “Los Iracundos de fiesta”, que contiene nuevas versiones de temas clásicos como “Y me quedé en el bar”, “La lluvia terminó” y “Tú con el” temas de la composición de Eduardo Franco en la voz de Jorge Gatto; la actividad del grupo no parará en los posteriores años, dedicándose enteramente a presentaciones en varios países de América y Europa. 2000 hasta hoy día. Decesos: – El 2 de agosto del año 2003, el tecladista uno de los fundadores Jesús Maria Febrero – Febro, fallece tras una penosa enfermedad en Argentina. – El 1 de diciembre del año 2015, la primera guitarra uno de los fundadores Leonardo Franco – Leoni, fallece tras un ataque cardiaco en Guatemala. Discografía de “LOS IRACUNDOS” ? 1963: Stop ? 1964: Sin palabras ? 1964: Con palabras ? 1965: Primeros en América ? 1966: El Sonido de Los Iracundos ? 1966: Los Iracundos en Roma ? 1967: La juventud ? 1967: En Estereofonía ? 1967: Felicidad, Felicidad ? 1968: Puerto Montt ? 1969: La lluvia terminó ? 1969: La Música de Los Iracundos ? 1970: Los Iracundos ? 1971: Impactos ? 1971: Instrumental ? 1972: Agua con amor ? 1973: Te lo pido de rodillas ? 1974: Tango joven ? 1974: Y te has quedado sola ? 1975: Cada noche mía ? 1976: Cómo pretendes que te quiera ? 1977: Gol! de Los Iracundos ? 1978: Pasión y vida ? 1979: Amor y fe ? 1980: Incomparables ? 1981: Fue tormenta de verano ? 1982: 40 grados ? 1983: Apróntate a vivir ? 1984: Tú con él ? 1986: Iracundos ’86 Eduardo Franco y sus Iracundos de siempre ? 1987: Dime quién… te ha enseñado ? 1987: La Historia de Los Iracundos Los Iracundos ? 1989: La Historia de Los Iracundos: Parte 2 ? 1990: Iracundos ’90 ? 1993: Con la misma moneda ? 1999: Los Iracundos de Fiesta

Los Golpes somos un conjunto Chileno, que musicalmente nacimos en el puerto de Tocopilla ubicada en la II Region de Chile, en su formacion original sus integrantes fueron: Ruben Alegres Castillo (Q.E.P.D.) fallecio el 4 de noviembre de 1994 y descanza en Tucuman, Argentina. Ricardo Aracena Rojas ABANDONO EL CONJUNTO EL 20 DE JUNIO DE 1973 POR PROBLEMAS EXTRASPROFECIONALES. Mario Bustamante Vera Actualmente vigente en Los Golpes Fernando Bustamante Vera Actualmente vigente en Los Golpes. Posteriormente en remplazo de Aracena, entra Andres Segovia Morey (Q.E.P.D.) fallece el 12 de diciembre del 2005. ACLARAMOS PORQUE SI BIEN ES CIERTO, ALGUNOS MUSICOS CHILENOS HAN PARTICIPADO EN ALGUNAS GRABACIONES Y OTROS TOTALMENTE DESCONOCIDOS A LO LARGO DEL CONTINENTE HAN FORMADO Y ENGAÑADOS A NUESTRO PUBLICO, INTENTANDO CONVENCERLOS COMO INTEGRANTES DE LOS GOLPES, Y ESTO ES CONSECUENCIA DE NUESTRO EX SELLO EMI ODEON !!QUE JAMAS SE PREOCUPO DE VENDER IMAGEN!! POR LO TANTO SE CONOCE LA MUSICA PERO NO SUS INTERPRETES. SIEMPRE SE NOS PREGUNTA POR EL SILENCIO Y FALTA DE GRABACION Y ESTO FUE CONCECUENCIA ; 1.- POR EL PROBLEMA POLITICO QUE EXISTIA EN NUESTRO PAIS (ACLARAMOS QUE NOSOTROS JAMAS PARTICIPAMOS EN POLITICA) y 2.- NUESTRO EX SELLO EMI-ODEON !!JAMAS PERMITIERON QUE LOS GOLPES EMIGRARAN DE CHILE!!, POR LO TANTO EL SELLO NO PERMITIO QUE LOS GOLPES GRABARAN EN CHILE NI EN EL EXTRANJERO. HOY DIA LOS GOLPES MOSTRAREMOS UNA NUEVA GRABACION CON SANGRE NUEVA, DONDE PARTICIPAN NUESTROS HIJOS, QUE SE LOS PRECENTAREMOS A CONTINUACION; NUEVA FORMACION; -JAIRO BUSTAMANTE AGUILAR -NICOLAS BUSTAMANTE ZUÑIGA Y LOS LEGENDARIOS -MARIO BUSTAMANTE VERA -FERNANDO BUSTAMANTE VERA NOS DESPEDIMOS, SI DESEAN ALGUNA INFORMACION SONBRE LA HISTORIA NO DUDEN EN PREGUNTAR. ATTE. LOS GOLPES

LOS GALOS. Historia según su fundador PDF Imprimir E-mail Contenido - Biografías Primer LP de Los GalosEn 1970, Carlos Baeza guitarrista de Los galos compone “Como Deseo Ser Tu Amor”, se graba toda la orquestación.., a la hora de poner la Voz, Baeza entra al estudio y le dice al hasta ese entonces inocuo Charrito Muñoz...: “esto me lo cantas entre Sandro y Favio...” y lo demás es historia... Primer LP de Los GalosSantiago de Chile... 1963... Internado de la Escuela Industrial Don Orione, Roberto Zúñiga Mauro -Batería- reúne a Luis Tamblay Rojas –Acordeón- y a Juan “Bocaccio” Méndez –Clarinete-, siendo unos niños de 14 años, y forma la agrupación The Douglas.., la que se completaría posteriormente con Mario Darigo Ciet en la trompeta y Julio Espinoza, primer cantante de la agrupación, quien alcanza a estar sólo 1 año en el grupo. En 1965 terminan sus estudios en el internado, se retiran Tamblay y Méndez, por lo que Roberto Zúñiga agrega a Carlos Baeza, guitarrista y compositor, quien a su vez toma al Clarinetista Nicolás Parra, el que debe cambiar su instrumento por un saxofón. Carlos Baeza toma la Batuta como Director Musical. En Diciembre de 1966, Zúñiga y Baeza consiguen un contrato por la temporada veraniega en el importante Hotel Continental en Cartagena, popular balneario en Chile, para lo cual se debía contar con un vocalista. Baeza recurre a Charrito Muñoz. En 1967 a condición de cambiar el nombre de la agrupación, se graba el primer disco: “Tímido”..., en el que se advierte claramente que ya existe el sonido pero no acompaña la voz. El grupo pasa a llamarse “El Sonido de Los Galos”. En el verano de 1968 ingresa Jorge Deij Molina como Tecladista. En 1970, Carlos Baeza compone “Como Deseo Ser Tu Amor”, se graba toda la orquestación.., a la hora de poner la Voz, Baeza, en su calidad de Compositor y Director Musical del grupo, entra al locutorio y le dice al hasta ese entonces inocuo Charrito Muñoz...: “esto me lo cantas entre Sandro y Favio...”..... Bueno... así aprendió a cantar Muñoz.. y lo demás es historia... Ese mismo año se retira Carlos Baeza y lo reemplaza Wilson Morales Andrade. En 1971, Los Galos sufren un grave accidente carretero, con lo cual Darigo se retira, siendo reeplazado por Leo Núñez Guerrero, Trompetista, arreglador y también compositor. Entre 1971 y 1975... recorren varias veces toda América Latina... graban más y más discos, todos de gran éxito...., lo que hace cegar a Muñoz y se retira el 1 de enero de 1974 Los Galos, en su carrera artística, han sido honrados con todos los trofeos o reconocimientos que en cada país de América Latina se otorga a los Artistas que han destacado por su trabajo: Chile: Laurel de Oro; Estrella de Oro de Las Últimas Noticias; Medalla de Oro de Ricardo García; Gato Yoyo de Revista Ritmo; El Roto Chileno del Teatro Caupolicán. Perú: El Circe de Oro; El Tiahuanaco de Oro. Argentina. Facundo de Oro. Y Reconocimientos similares en Costa Rica, Honduras, El Salvador, Guatemala, Nicaragua, Panamá, Colombia, Venezuela, Uruguay, Paraguay, Ecuador y Bolivia....... Todos éstos les fueron entregados durante las giras que efectuaron en los años 70. Hoy, pasados ya 30 años, el sentido de los reconocimientos ha cambiado: los anteriores eran por popularidad....., hoy se les ha estado premiando por lo que se considera su aporte a la Historia Musical de Latinoamérica , tal es el que se les entregó el día 29 de Junio de 2001 la “Helping Hans World AIDS Foundation”, en un Gigantesco evento presentado en el Hotel Radison en la ciudad de Miami, USA. También guardan con orgullo el haber sido testigos del Análisis y Debate del tema “Los Galos... y la Importancia de su Música en la Sociedad de América Latina”, realizado hace algún tiempo en la Carrera de Sociología de la Universidad ARSIS, en Santiago. Con igual orgullo atesoran el haber actuado en todos los principales escenarios de América, tales como: Caupolicán, en Chile...., Teatro Luna Park y Estadio Vélez Sarfield en Buenos Aires..., Plaza de Toros de Acho en Lima...., Teatro Municipal de Bogotá..., Madison Square Garden en New York...., “Tropigala”... Hotel Hilton Fontainblue de Miami.... y tantos otros escenarios desde 1963 a la fecha de hoy. Esos mismos importantes escenarios fueron compartidos con artistas tan grandes como: Los Panchos; Armando Manzanero; Serrat; Julio Iglesias; Sandro; José José; Camilo Sexto; Roberto Carlos; Raphael; France Joli; Los Iracundos; Yaco Monti; El Greco, Lucho Barrios y tantos otros nacionales, de los cuales tuvieron la suerte de ser su grupo de acompañamiento en memorables giras: Pato Renán, Gloria Simonetti; Cecilia; Carmencita Maureira; Luz Eliana y otros tantos en las recordadas Carpas que rotaban en los Barrios de Santiago de Chile en los años ’60. Actualmente Los Galos tienen el título de ser el grupo musical más truchado de la historia, pues existen “galos” en Argentina comandados por Kisser, en USA comandados por Maldonado y un itinerante perpetuo, con músicos del país en que se encuentre, comandados por Muñoz Los Galos son: Leo Núñez Trompetista – Director Musical Jorge Deij Tecladista Roberto Zúñiga Baterista – Fundador y Director General Eladio “Tato” Farías Bajo Rodrigo Jones Guitarra Manuel Matta Saxo Carlos Peña “La Voz de Los Galos” Los Galos son una Institución Musical Cultural Chilena, que cuenta con el reconocimiento y Patrocinio del Ministerio de Cultura de Chile. Los Galos, dueños de una Historia Musical que se ha quedado en toda América...... tanto.... que en algunos países , al referirse a su historial, se dice.... : “Los Galos.... la Otra Música Chilena”. Anexo: La Real Historia de una traición permanente: El 1 de enero de 1974, Muñoz, motivado por una “atendible” ambición personal, se retira del grupo para hacer una carrera de cantante solista, la que fracasa rotundamente, pues nunca pudo acercarse al nivel de Los Galos. Desde 1974 hasta el día de hoy, maliciosamente y en variadas formas, ocupa el nombre de Los Galos en sus presentaciones personales y videos, creyendo engañar al público... sin darse cuenta que cada vez que lo hace... cada vez que se anexa el nombre de Los Galos, no hace mas que mostrar su fracaso como Artista solista. Su show es 99% éxitos de Los Galos, por lo que lleva más de 30 años viviendo del fruto del trabajo de quienes traicionó en 1974.

Las verdaderas historias biográficas de una gran cantidad de nuestros artistas de la época de oro del rock and roll, difieren significativamente de las historias surgidas espontáneamente del imaginario popular. Los mitos que se crean son tan poderosos que son capaces de llevarnos involuntariamente a dar por ciertas, historias verdaderamente fantásticas, pero irreales. Éste es el caso de la fragmentada biografía real de un extraordinario grupo musical: Los Ángeles Negros, chilenos de nacimiento, un poco argentinos y también mexicanos por adopción; dotados de un talento sin límites para la música romántica surgida de su creatividad, hoy universal, que identificamos como de “rock melódico”. Digamos finalmente que, en nuestros ambientes de nostalgia rockera, apreciamos enormemente la sincera búsqueda de la verdad, al menos en todos los aspectos de la historia de la música de rock and roll. Por eso vaya nuestro agradecimiento más sincero a Rubén Darío Serrano. Gracias a que nuestros lectores con mucha fidelidad siguen nuestras publicaciones, es que pudimos enterarnos de detalles importantes sobre la vida de este grupo. Todo comenzó con un comentario que un atento lector, el señor Rubén Darío Serrano, el 11 de enero de 2012 12:48, me escribió: Todo muy bien, pero ¿quiénes son los señores que aparecen en la foto? Evidentemente el autor de esta nota jamás conoció a los verdaderos Ángeles Negros, ¿verdad? Espero se corrija y coloque, lo antes posible, una foto con los auténticos: Nano Concha (bajo) Mario Gutiérrez (guitarra), Jorge González (teclado), Luis Ortíz (batería) y Germán de la Fuente (vocalista). Claro que podemos mencionar también a las voces de Alarcón “Micky” Barrientos y el desaparecido Ismael Montes. Mi respuesta inmediata fue que “tenía abierto el diálogo” sobre lo que quisiera ilustrarnos de la “verdadera historia” de éste grupo. Es verdad que yo no conozco a los integrantes de éste grupo y acepto de buen ánimo su crítica. Por otra parte ésta es la mejor oportunidad para que en nuestra comunidad de Generación Rock 50, podamos conocer a los originales (¿verdaderos?) Ángeles Negros. En la continuación del diálogo y en respuesta a estas reveladoras palabras, el 11 de enero de 2012 13:48, les respondí esto: Estimado Rubén (Serrano): Considerando tu ofrecimiento, te invito a enviarme todo el material que consideres oportuno, para publicar bajo tu autoría, si es que así lo deseas. En ésa futura publicación, te presentaré a nuestros lectores para que expongas tu verídica información sobre los “Ángeles Negros”, y por supuesto, sobre cualquier otro artista de la música del que tengas acceso a sus datos biográficos y quieras publicarlos en GenRock50’s. Pese a todo lo que decimos aquí, me queda una duda. Los dos sabemos que el talento de este grupo ha traspasado las fronteras políticas de los pueblos y que existen grupos similares con el mismo nombre de Los Ángeles Negros; regados por todo el mundo de habla hispana y más allá también. Un fenómeno bastante parecido a lo que ocurrió con el grupo Los Blue Caps (y muchos otros grupos con idénticos destinos sociales) en todo el mundo, aunque sin una identificación musical precisa; por ejemplo, existe un grupo Blue Caps que toca cumbias (en Perú creo). Me gustaría, con tu ayuda, poder identificar fotográficamente y musicalmente (videos y mp3 mediante) a los “verdaderos” y originales “Los Ángeles Negros” chilenos, porque tengo entendido que existe un grupo con estilo similar en México y con un nombre similar se ha destacado también en el ancho mundo musical latinoamericano. Espero tus novedades, agradecido por siempre. En su respuesta Rubén me dice: Es para mí un gusto poder colaborar contigo y tu blog. En cuanto a Los Ángeles Negros, te comento que es muy larga la trayectoria, como para que no se generen confusiones, que ellos mismos, muchas veces propiciaron. La realidad nos dice que el grupo tuvo varias etapas y en varios países, lo que hizo que se interpretara que fuesen grupos distintos, pero nada más. Ellos siempre dejaron una puerta abierta para que, al retirarse ellos, otros usurparan el nombre. Ya te decía antes que no todos conocen al dedillo a sus integrantes y solo el nombre del grupo “vendía”. También el retiro de algunos integrantes generó polémicas y vacíos significativos. Como podemos mencionar a Germain De La Fuente el vocalista, que al poco tiempo de firmar su retiro comenzo a utilizar el nombre de “Germain y sus Angeles Negros”. Luego de varios años, el grupo decide radicarse en ciudad de México, lo que hizo que por lo menos en Sudamérica se creyera que ya no existían, pero el grupo siempre existió y bajo la batuta original de Mario Gutierrez guitarrista, único titular de los derechos de propiedad del nombre, mas allá de la existencia de muchos otros grupos que imitaban (calcaban) su estilo. En este punto te cuento que el señor Nicolás Oliva (ya fallecido), era un importante manager de grupos y disqueras en la época de oro. Este señor los trajo a la Argentina y los representó durante unos años; es más, tenía una pequeña compañía grabadora en Córdoba. Al retirarse el grupo para radicarse en México, él se autoproclamó dueño del nombre; y bueno, te imaginarás por qué Los Angeles Negros, aún existen en la Argentina: solo por una cuestión legal, pero no ética. Ellos no son los originales. Es una mentira en la forma de una prolija trampa legal, muy bien urdida. Encontrarás páginas donde se presentan diferentes grupos con este nombre, pero aún así, no se puede torcer el poder de la verdad o de la “verdadera historia”. Tambien encontrarás diferentes posiciones ideológicas sobre quiénes son los verdaderos. ¡Pero amigo!, hace mas de 20 años que me ocupo del tema y tengo la fortuna de ser amigo de personas como Micky Alarcón y de Ismael Montes (fallecido en 2010), 2º Y 3º cantante del grupo en la etapa de oro. Espero que todo ésto sirva como preámbulo de la verdadera historia, pero claro, lo citado sólo es la parte del inicio. Rubén Darío Los datos biograficos reales Origen: San Carlos, Chile. Grupo original: El grupo original con cambios a través del tiempo continúa con su fundador y directos Mario Gutiérrez en México DF. Muchos otros grupos en varios países latinoamericanos tratan de de confundir esta historia: Argentina, Venezuela, USA. Género musical: balada, pop y romántica. Vigencia: desde 1967 hasta la actualidad Sello discográfico: Emi Capitol La verdaderoa historia A finales de 1967, en la localidad de San Carlos, provincia de Ñuble, en CHILE; se reunieron los músicos Mario Gutiérrez (primera guitarra), Luis Alarcón (bajo), Federico Perenque (segunda guitarra) y Cristian Blazzer (batería); con el objeto de formar un grupo musical. La necesidad de incorporar un tecladista y voz a su formación los hizo buscar a un nuevo integrante, Germain de la Fuente Maureira , quien ya trabajaba en centros nocturnos y tocaba acordeón, formaba parte de otro grupo llamado “Los Monarcas”. Luis Alarcón, compositor del tema “Quisiera no quererte más”, se retira por problemas de salud y su lugar lo ocupa el bajista Sergio Rojas. Con esta formación ya consolidada,deciden participar en un festival en Chillán (Capital de la provincia de Ñuble). Radio “La Discusión” y el sello disquero “Indis” del empresario Raúl Lara. El resultado: ganaron el concurso y juntos grabaron su primer LP que los catapultaría a la fama. Era marzo de 1968. Ganaron con un tema de su primer disco sencillo de 45 rpm titulado “Porque te quiero”, compuesto por Orlando Salinas. El otro lado de este sencillo contenía el tema“Día sin sol”, lo cuál lo convirtió en un éxito en muy corto tiempo. A raíz de este éxito inicial, a finales de 1969, la filial chilena del sello disquero transnacional Odeón (hoy denominado EMI-Musica) se interesó en el grupo y con una llamada del director artístico de la empresa, Jorge Oñate, se concreta el sueño del grupo de grabar para una compañia de cobertura internacional. A raíz de que Sergio Rojas y Cristian Blazzer decidieran retirarse por asuntos personales, la compañia disquera contrató a tres músicos para terminar ese disco LP. Ellos fueron: Miguel Ángel Concha (Nano) en el bajo, Jorge González en el teclado y Luis Ortíz en la batería, todos ellos acabados de llegar de Canadá y quienes fueron invitados por Mario Gutiérrez y Germáin de la Fuente a participar en forma estable en el grupo. Con este álbum surge la primera invitación a viajar por el extranjero. En Abril de 1970, el grupo es contratado para actuar en Ecuador, obteniendo gran éxito. A raíz de ello, Los Ángeles Negros graban su segunda producción titulada “Y volveré”. Este nuevo álbum amplía las posibilidades del grupo en el extranjero, puesto que obtienen nuevos contratos para actuar en Perú. Es en ésa oportunidad que entra en escena Nicolás Oliva, representante argentino quién les ofrece trabajar juntos, ya que el nombre era conocido y con gran popularidad en varios países. Esa unión duró aproximadamente unos diez años. Giras en Argentina, Uruguay, Paraguay, Bolivia, Colombia, parte de Brasil, Venezuela, Centro América, Estados Unidos, Canadá, Puerto Rico, República Dominicana, Curaçao, Aruba; y finalmente México a finales de 1971. Su música se iba abriendo paso, de frontera en frontera, hasta abarcar toda América Latina. En abril de 1974 se retira Germain con la idea de iniciar su carrera como solista. Su lugar lo ocupa Ismael Montes de Tepic, Nayarit, Mexico, con quién se graban tres discos de larga duración, entre ellos “Despacito” y “Bolerísimo”. Ismael se retira dada la gran distancia geográfica entres México-Chile. Entonces, en 1977 ingresa el cantante Argentino Oscar Antonio Seín y graban el LP “Serenata sin luna”. En 1978 se retira Nano Concha para instalarse en Córdoba-Argentina, junto a Oliva para crear un sello discográfico. Su lugar lo ocupan momentaneamente bajistas chilenos. Al año regresa Nano Concha ya estando como vocalista Micky Alarcón y se grabarían tres discos entre ellos “Noche callada”, “Tres Palabras”, “Pasión y Vida”, continúan las giras y grabaciones. En 1982, ya radicados en ciudad de México, las presentaciones y grabaciones continúan con giras internacionales proyectadas desde la capital azteca. En 1992, año en que se retira Nano Concha, decide regresar y retirarse del grupo también Jorge González, dejando únicamente como integrante original al fundador del mismo, Mario Gutiérrez. Éste decide rescatar los sonidos y el estilo original, que se estaban perdiendo. Muestra de ello principalmente lo es el CD “Con alas nuevas“. Llegamos así hasta el día de hoy logrando recomponer y estabilizar la imagen perdida. Presentaciones en el “Auditorio Nacional de México” avalan la continuidad y dignificación de esta historia. Esta es informacion emanada directamente de Mario Gutiérrez por lo que se asegura veracidad y es confirmada también por mi estudio personal Rubén Darío Serrano y por variados contactos relacionados con el grupo. También te envío un regalo como archivo, el primer simple grabado por el grupo. Con relación a tanta confusión, puedo comentarte que como te decía anteriormente la primera de ellas se origina al poco tiempo de la separación de Germain De La Fuente del grupo original, hecho acaecido en 1974 y después de grabar 9 LPs en conjunto, etapa ésta que a mi entender -y la de muchos- es la más interesante del grupo. Ciertamente podrá haber otras opiniones al respecto, todas respetables por cierto. Germain graba varios discos (1975-1976-1977-1978) como solista con la denominacion Germain De La Fuente pero en 1979 al grabar “Dos líneas paraleas”, la discografica decide agregar a partir de esa fecha el nombre de Angeles Negros a los discos de Germain, por lo que los discos salen con éste nombre: “Germain y sus Ángeles Negros”. Claro, comienzan las confusiones sobre quien es uno u otro y tambien una interminable sucesion de litigios aun hoy, no resueltos. No hay duda que lo que identifica a un grupo. más allá de lo bueno o no de la instrumentacion es el vocalista original, cosa que ademas queda registrado para la memoria de todos. Germain como solista se encargó de regrabar la mayoria de los éxitos obtenidos junto al grupo, cosa que también agigantó la ambigüedad y que también abrió las puertas para que cientos de grupos paralelos aparecieran, en muchos casos, amparados en leyes mal establecidad o burlándose de ella, en otros casos. Bueno amigo, esto es otro aporte mas para ir aclarando algunas dudas al respecto, también habrá otras posturas; pero en mi caso, trato de manejarme con la mayor veracidad, seriedad e idoneidad posible. FORMACIÓN ORIGINAL Mario Gutiérrez (Primera guitarra y dirección) Luis Alarcón (Vocalista) QEPD Cristian Blazzer (Baterista) Sergio Rojas (Bajista) FORMACIÓN CLÁSICA Mario Gutiérrez (Director y primera guitarra) Germáin de la Fuente (vocalista original) Luis Ortíz (Baterista) Jorge González (Teclados) Nano Concha FORMACIÓN ACTUAL EN MÉXICO Mario Gutiérrez (Director, primera guitarra) Antonio Saavedra (Voz) Luis Astudillo (Batería) Ajid Abad Galván (Teclados) Mauricio Ruiz (Cantante) Raúl Gasca (Bajista)

El Señor de los Anillos El Señor de los Anillos es una obra ambientada en la Tercera Edad de La Tierra Media, mundo inventado por JRR Tolkien. Narra una gran aventura: el viaje emprendido por 9 compañeros para destruir un Anillo lleno de poder maléfico. Su argumento es complejo y se narra con la participación de varios protagonistas que se mueven en varios hilos narrativos. Es una obra coral en la que destacan unos pocos protagonistas (Frodo, Sam, Gandalf y Aragorn). Se puede decir que el libro contiene dos historias que confluyen y se mezclan, la primera es la de los Hobbits, en la que veremos a estos pequeños (afables, amantes de la vida sencilla y tranquila) emprender un viaje peligroso que los cambiará para siempre. Y la segunda es la de Aragorn, el misterioso montaraz, heredero al más alto trono de los hombres. Es un novela extensa en la que la aventura y la lucha del bien contra el mal, las descripciones de los paisajes y protagonistas, nos llevarán de la mano para que entremos y conozcamos un nuevo mundo. Reseña El 1 de Febrero de 1938, JRR Tolkien le preguntó a Allen&Unwin si Rayner Unwin, el hijo del editor y principal aval de la publicación de El Hobbit el año anterior, querría leer el primer capítulo de su continuación. El 4 de Febrero le adjuntó una copia de “Una reunión muy esperada” Anteriormente le había enviado material vario, como por ejemplo algo denominado “Quenta Silmarilion” entre otras cosas. Pero lo que las ventas de la navidad del 37 demostraron es que la gente quería saber más de los hobbits. Nada de lo recibido en Allen& Unwin, excepto “Una reunión muy esperada” hablaba nada de hobbits. Sin embargo, la editorial hubiera resultado muy contrariada de saber que aquella continuación habría de tardar 12 años en escribirse y completarse. Pero, por el contrario, y afortunadamente para ellos, aquello resultó cristalizar en algo más que una simple continuación. La historia iba tomando giros imprevistos para su propio creador y fue tiñéndose de tintes más oscuros, en una sucesión asíncrona de entregas revisadas por C.S. Lewis y por su propio hijo Christopher, quienes desde un principio pregonaron que aquello superaba con creces en calidad y envergadura el relato publicado al que debía suceder. Tolkien estaba de acuerdo, y advertía a su editor a finales del 42 de que “es muy larga, por momentos más alarmante que El Hobbit y, de hecho, no tiene nada de ‘juvenil’ en absoluto”. El Señor de los Anillos es la novela magna de JRRTolkien. Es una leyenda heróica y épica a caballo entre el cuento de hadas y la historia. Es una historia que habla del lugar que ocupan los actos imprevistos e imprevisibles de la voluntad y las virtuosas hazañas de los aparentemente pequeños, insignificantes, olvidados en el lugar de los Sabios y Grandes (tanto buenos como malvados). Es la evidencia de que sin lo elevado y lo noble, lo simple y lo vulgar son por completo mezquinos; y sin lo simple y lo corriente, lo noble y lo heroico carecen por completo de significado, Es todo eso, y mucho más, es el respeto a la naturaleza y el medio ambiente, es una oda a la amistad, es la recompensa que espera al final del ejercicio de la cultura del esfuerzo, el querer por encima del poder, el temple de la voluntad y el valor de la persistencia en el objetivo por encima de la dificultad. Como dice Gandalf, “no nos toca a nosotros decidir qué tiempo vivir, sólo podemos elegir qué hacer con el tiempo que se nos ha dado” Sin duda emplear algo del tiempo que se nos ha dado en leer El Señor de los Anillos resultará ser una sabia decisión. Relacionado El Hobbit El Silmarillion Cartas Cuentos Inconclusos de Númenor y la Tierra Media Historia de El Señor de los Anillos 1. El Retorno de la Sombra Historia de El Señor de los Anillos 2. La Traición de Isengard Historia de El Señor de los Anillos 3. La Guerra del Anillo Historia de El Señor de los Anillos 4. El Fin de la Tercera Edad Historia de la Tierra Media 9. Los Pueblos de la Tierra Media La Última Canción de Bilbo Las Aventuras de Tom Bombadil Pinturas y Dibujos de JRR Tolkien

González Flores, Dolores. Lolita (1958-VVVV). Cantante española de amplio registro musical, hija primogénita de la legendaria Lola Flores "la Faraona" y del guitarrista Antonio González "el Pescaílla", nacida en Madrid el 6 de mayo de 1958, que inició su carrera artística a mediados de los años setenta y conoció en la madurez uno de los momentos más álgidos de su trayectoria profesional. Dolores González Flores, más conocida como Lolita, forma parte de una de las familias más populares del panorama artístico español y, como no podía ser de otra forma, desde pequeña comenzó a hacer sus primeros pinitos musicales e interpretativos. Se crió entre las bambalinas de los teatros donde actuaba su madre y, con tan sólo cinco años, debutó en el cine acompañando a La Faraona en la película La gitana y el charro. Tocada desde la cuna con la varita del talento flamenco, admiradora confesa de su madre y del cantautor catalán Joan Manuel Serrat, en 1975 Lolita lanzó al mercado su propia propuesta musical y el éxito fue rotundo. El álbum Amor, amor, editado por CBS, supo conjugar con acierto copla, pop y flamenco y el sencillo que daba título al disco alcanzó de forma fulgurante el número uno en las listas de ventas. Con este su primer trabajo, el éxito de Lolita traspasó las fronteras españolas para impactar de lleno en el mercado iberoamericano y, después de presentar el disco en directo en Madrid, se prodigó en galas, actuaciones y programas de televisión por toda España y muchos países del otro lado del Atlántico. La expectación que levantó su primer álbum le permitió grabar nuevos discos que encontraron desigual fortuna en el mercado y que, aunque no lograron reeditar el éxito de Amor, amor, mantuvieron en el público la confianza en el talento musical de la mayor de las Flores. Abrázame (1976), Mi carta (1977), Espérame (1979) y Seguir soñando (1980) completaron el primer ciclo de la trayectoria de la artista, para quien no resultaba sencillo construir su propia carrera bajo la alargada sombra del mito construido en torno a la figura de su madre. Algunos de estos lanzamientos tuvieron mejor acogida en América que en España, y Lolita se volcó por entonces en el mercado internacional. Durante la década de los ochenta, Lolita consiguió varios premios en los Estados Unidos por las ediciones de sus nuevos trabajos. Águila real salió a la venta en 1983 y, un par de años más tarde, apareció Para volver. También en aquellos años contrajo matrimonio con el argentino Guillermo Furiase y pasó una larga temporada prácticamente retirada para atender a su primera hija, aunque durante varios meses al año abandonaba Madrid para trabajar en América, un mercado que continuaba manteniendo en buena posición las ventas de sus discos. En 1987 rescató sus inspiraciones más flamencas para editar sus siguientes trabajos, Locura de amor y Luz de Sevilla y, un año más tarde, Raíces flamencas. En 1990 salió a la venta Homenaje y en 1991 Historias de amor. Lolita estrenó discográfica en 1992 con Con sabor a menta, álbum que produjo ella misma y lanzó al mercado Horus. Repitió la experiencia en 1993 con Madrugada y cerró su colaboración con la compañía en 1994 con Y la vida pasa. Efectivamente, la vida pasaba y Lolita continuaba dando forma a una carrera musical irregular pero constante y mantenida con extraordinaria dignidad a lo largo de los años. La intuición y el esfuerzo de Lolita encontrarían, tarde o temprano, justa recompensa. En los momentos artísticos más difíciles, Lolita lograba cuadrar las cuentas de su economía familiar con trabajos para televisión junto a su madre (¡Ay, Lola, Lolita, Lola!, Sabor a Lolas) y apariciones esporádicas en galas y espectáculos que la mantenían sobre el escenario. La última mitad de la década de los noventa fue particularmente trágica para la artista en el plano personal. En 1995 se rompió el matrimonio con el padre de sus dos hijos, su madre y su hermano Antonio murieron en un corto intervalo de quince días y el patriarca de la familia, "el Pescaílla", tampoco logró conocer el nuevo siglo. Una dura prueba para Lolita y su hermana Rosario que, sin embargo, encontraron el camino adecuado para mantener el apellido Flores en las páginas de la actualidad artística. Particularmente Lolita resurgió con un talento que se adivinaba desde el principio de su carrera pero que, ahora, se evidenciaba con máximo esplendor en plena madurez. Después de editar Quien lo va a detener, Atrasar el reloj y Dime, donde exploró su vena más pop, Lolita regresó a sus raíces y conquistó al público con los boleros que cantaba de niña. El giro de su carrera arrancó de la mano de Armando Manzanero con quien grabó el tema "Somos novios" para el disco Duetos del célebre compositor mexicano. Lolita pasó a formar parte del catálogo de Warner Music y su primera referencia para el nuevo sello discográfico fue un magnífico álbum titulado Lola, Lolita, Lola (2001) que, después de veintiséis años, concedió a la mayor de las Flores un disco de oro. Boleros de Manzanero, Parrita y Arturo Pareja Obregón, además de uno escrito por la propia cantante ("Mentiras son verdades"), componían la oferta de este disco con sonidos "arrumbados", producido por Nacho Mañó (el motor musical de Presuntos Implicados) y recibido con entusiasmo por crítica y público. Casi tres décadas después de que subiera por primera vez a un escenario, Lolita atravesaba uno de los momentos más dulces de su carrera profesional y 2002 no hizo sino confirmar el extraordinario momento de la artista. Su participación en la película Rencor, de Miguel Albadalejo, cosechó elogiosas críticas y fue reconocido con un premio Goya a la mejor actriz revelación del año. También fue aplaudido su nuevo trabajo discográfico, Lola, Lolita, Dolores, un disco racial en el que Lolita recuperó los temas que cantaban sus padres. En mayo de 2005 presentó el disco Y ahora Lola. Un regalo a mi madre, un trabajo en el que puso ritmos de bulería y rumba a las canciones más clásicas de su madre, como "La zarzamora", "Pena, penita, pena" o "A tu vera". La presentación de dicho disco tuvo lugar en La Habana, donde fue objeto de varios homenajes, entre ellos el protagonizado por artistas que compartieron escenario con "La Faraona". En septiembre de ese mismo año, por su parte, debutó como actriz de teatro con Ana en el Trópico, un drama romántico de Nilo Cruz (premio Pulitzer 2003), estrenada en España en el Teatro Alcázar de Madrid, donde interpreta el papel de una mujer casada pero infeliz en su matrimonio. Discografía básica Amor, Amor (CBS 1975) Abrázame (CBS 1976) Mi carta (CBS 1977) Espérame (CBS 1979) Seguir soñando (CBS 1980) Águila real (CBS 1983) Para volver (CBS 1985) Locura de amor (CBS 1987) Luz de Sevilla (CBS 1987) Raíces flamencas (CBS 1988) Homenaje (CBS 1990) Historias de amor (CBS 1991) Con sabor a menta (Horus 1992) Madrugada (Horus 1993) Y la vida pasa (Horus 1994) ¿Quien lo va a detener? (RCA 1995) Atrasar el reloj (BMG 1997) Dime (BMG) Lola, Lolita, Lola (WEA 2001) Lola, Lolita, Dolores (WEA 2002) Si la vida son dos días (recopilatorio, 2004) Y ahora Lola. Un regalo a mi madre (2005).

Leo Dan L eo Dan es considerado uno de los cantautores más importantes de Latinoamérica. Su música ha conquistado el corazón de todos los países de habla hispana. Leopoldo Dante Tevez, mejor conocido como Leo Dan, nació un 22 de Marzo en Atamisqui, un pueblito en la provincia de Santiago del Estero, Argentina. A los 11 años aprendió guitarra, y comienzó a componer sus primeras canciones. A los 18 años formó un grupo de rock llamado "Los demonios del ritmo" junto con amigos de su edad. A los 20 años Leo viajó a Buenos Aires con el deseo de triunfar y se presentó en CBS (Sony discos en la actualidad), donde inmediatamente firmó su primer contrato discográfico. Su primer gran éxito "Celia ", llegó a los primeros lugares en los rankings de popularidad a la semana de haber salido al mercado. Le siguen éxitos como "Fanny", "Cómo te extraño mi amor", "Estelita", "Libre, solterito y sin nadie", "Santiago querido", "Qué tiene la niña", "Por un caminito", "sólo una vez", y muchos más. Realizó su propio programa de televisión, titulado "Bajo el signo de Leo", en canal 9 de Argentina. En el año 1966 se casó con Mariett, elegida Miss Mar del Plata ese mismo año. Decidieron mudarse a España, donde Leo continuó grabando, y nacieron éxitos como "Mary es mi amor", "Con los brazos cruzados", "Siempre estoy pensando en ella", "Cómo poder saber si te amo", "Será posible amor", entre otros. En 1970, debido al gran éxito que estaban teniendo sus composiciones, decide mudarse junto a su familia a la capital azteca, donde se radicaría por los siguientes 10 años. Es el primer baladista que grabó con mariachis y obtuvo grandes éxitos. México recibe a Leo Dan con gran afecto y se coloca al top de los rankings con temas como, "Te he prometido", "Esa pared", "Toquen mariachis, canten", "Mi última serenata", "El radio está tocando tu canción", "Pareces una nena", "Yo sé que no es feliz", "Con nadie me compares" y "Mary es mi amor". En 1980 decidió volver a su querida Argentina donde incursionó en el terreno de la política. Pero no abandonó la música y compuso éxitos como "Más que un loco", "Pídeme la luna", "Aquella noche de verano" y "Ojos azules". Leo ha compuesto más de 2000 canciones. Sus temas han sido grabados en diferentes géneros como romántico, folklore, tropical, cumbia, banda, tango, ballenato y rancheras. También sus composiciones han sido traducidas al italiano, portugués, alemán, francés, ingles, y japonés. Renombrados artistas han interpretado sus temas, entre ellos Leonardo Favio, Palito Ortega, Marisela, Ramón Ayala, Ramón Ayala Jr., José José, Ornella Vanoni, Grupo Garibaldi, Marco Antonio Muñiz, Pedro Fernández, los Carlos, María Marta Serra Lima, la Sonora Dinamita, Olga Guillot, Wilfrido Vargas, Toño Rosario, Los Mirlos, Los Diners, Los Tobas, Alex Bueno, los Manseros Santiagueños, Lorenzo Montecarlo, Julio Preciado, Café Tacvba, Aterciopelados y muchos otros. Lleva vendidas más de 40 millones de copias en todo el mundo. Ha realizado 4 películas: "Santiago querido", "Cómo te extraño mi amor", "La novela de un joven pobre" y "La muchachada de abordo". Escribió un libro titulado “Un pequeño grito de fe”, donde refleja sus pensamientos sobre la vida. Ha sido ganador de muchísimos premios a lo largo de su extensa carrera artística, entre tantos podemos destacar varios premios Ascap, discos de oro, y ganador de un Grammy como mejor compositor. Casado y con 4 hijos, Leo Dan es considerado uno de los cantautores más destacados de habla hispana en las últimas 4 décadas; ha desafiado su labor como productor y director artístico de Mariana, una de sus hijas, en un álbum titulado "Mariana, lo sé", bajo el sello de Universal Music. También en este disco refleja algunas de sus nuevas composiciones. En la actualidad reside en Miami junto a su familia, desde donde continúa grabando, componiendo y presentándose por toda latinoamérica, Estados Unidos, Australia, Europa, y Canadá. El 10 de Marzo de 2012, Leo Dan regresa a la Argentina para presentarse en concierto en el Teatro Gran Rex, siendo la primer vez que el cantautor da un show en la famosa calle Corrientes de Capital Federal.

VIDEO IMAGEN LEONARDO FAVIO EN TVN EL CANTAUTOR Y CINEASTA PARTICIPÓ DEL PROGRAMA VAMOS A VER CONDUCIDO POR RAÚL MATAS. Fuad Jorge Jury, más conocido como Leonardo Favio, falleció por una neumonía a los 74 años de edad. El productor cinematográfico, guionista, compositor, cantante y actor argentino tuvo una vida exitosa. Nació el 28 de mayo de 1938, en la localidad de Luján de Cuyo, de la Provincia de Mendoza. De chico tuvo que convivir con la ausencia de su padre, mientras que su madre, Manuela Olivera, fue escritora de radioteatros. De niño estudió un tiempo como seminaristas y más tarde ingresó a la marina, lugar donde se marchó tras una breve estadía. Eso sí, siempre estuvo con una guitarra en mano, situación que lograba sacarle provecho intercambiando clases por trabajo. Pero su nombre comienza a ser reconocido luego de ganar premios locales e internacionales con sus películas. Sus films Crónica de un niño solo y El romance del Aniceto y la Francisca han sido consideradas como las mejores de la historia del cine argentino. Como cantante, se especializó en la balada romántica latinoamericana en las décadas de 1960 y 1970, logrando conquistar América Latina. Su debut como cantautor le llevó a la Botica del Ángel, a manos de Eduardo Bergara Leumann. Ese día un ejecutivo de la CBS le propuso grabar un disco, resultando el primer sencillo de Favio: Quiero la Libertad, un gran fracaso. La productora entonces le aconsejó grabar Fuiste mía un verano y, O quizás simplemente le regale una rosa; íconos de su primer álbum, también titulado Fuiste mía un verano (1968). El disco resultó emblemático, constituyendo el más clásico de sus repertorios. Tras su participación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, Leonardo consolidó su fama internacional. Entre sus canciones más populares se encuentran "Ella ya me olvidó", "Fuiste mía un verano", "Para saber cómo es la soledad (Tema de Pototo)" de Luis Alberto Spinetta y "Chiquilladas" de José Carbajal. El éxito de sus canciones han sido transcriptas en más de catorce idiomas. Su dote de director nació con el cortometraje El Amigo (1960), contando ya con una obra a cuestas, pero inconclusa —El señor Fernández (1958). En 1976 dejó Argentina, exiliado por la dictadura que sacudió al país hasta 1983. Comenzó entonces una gira por América Latina, donde vivió casi dos años junto a su familia. Luego se consolidó en Colombia en la ciudad de Pereira. Al volver a Argentina, en el año 1987, reinició su carrera como realizador cinematográfico (filmó Gatica, el Mono, 1993) y continuó paralelamente la de cantautor. Entre 1996 y 1999 realizó un documental – sin estreno comercial- titulado Perón, sinfonía del sentimiento. Favio relata en cinco horas y cuarenta y cinco minutos la situación de Argentina entre la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y la muerte de Juan Domingo Perón (1974). Sus últimas apariciones con cierta asiduidad se habían dado durante el proceso producción de Aniceto, de 2007, su última película y relectura en clave de ballet cinematográfico de un clásico propio de 1966. El filme arrasó en los premios Cóndor de Plata. Sumó nueve, incluyendo los de mejor filme y mejor director. Su siguiente proyecto, demorado e inconcluso, iba a llamarse "El mantel de hule". Su última aparición pública fue en agosto pasado, cuando la Cámara de Diputados argentina le otorgó el Diploma de Honor Presidente Néstor Kirchner por "su trayectoria artística y sus convicciones intransferibles".

Nació en el norte de Italia, en un pequeño pueblo llamado Solarolo. Años después, esta localidad se convertiría en el centro neurálgico de un club de fans inmenso. Porque Laura Pausini ya no es en el estricto sentido de la palabra italiana: ahora es universal. Su música ha derribado fronteras y se ha impuesto el idioma de una voz perfecta. ¿Quieres tener en tu web las últimas noticias, fotos y vídeos de Laura Pausini? Entra aquí y te explicamos cómo hacerlo 16 Mayo 1974 Faenza (Rávena), Italia Página oficial: www.laurapausini.com/ Horóscopo : Tauro Gianna y Fabrizio Pausini tuvieron una niña de ojos enormes y voz de seda. Desde bien pequeña, Laura se quedaba embobada mirando cómo se defendía su padre con los micrófonos y ritmos; porque Fabrizio tenía un grupo y su hija era la seguidora número uno. Años después, su padre dio forma al club de fans de la cantante y es que la vida es así: cíclica, cargada de sorpresas y recompensas futuras. Con dieciocho años, Laura Pausini se diplomó en el Liceo Artístico de Faenza. Quería volcar toda su inspiración, toda la capacidad creativa que se escapaba de su sonrisa, en el modelado. Su objetivo era especializarse en Cerámica; pero el Festival de San Remo de 1993 se interpuso entre ella y el torno. Una noche de febrero, más concretamente el 25 de febrero de 1993, Laura salió a los escenarios con un tema magnífico, La Soledad. El jurado no necesitó grandes deliberaciones para decidir que ella era la merecedora del premio en la categoría de Nuevos Valores. Después de esta interpretación, el nombre de Laura Pausini comenzó a revolotear más allá de Italia. Su primer disco, Laura Pausini, se convirtió en un éxito enorme. Algunos de sus temas se convirtieron en número uno en las listas de muchos países. España fue uno de ellos. Tan bien acogieron la apuesta musical de Laura Pausini que la cantante quiso, en 1994, recompensar a una audiencia tan entregada con un álbum en castellano que se titulara, tal como el disco anterior, con su nombre. Su éxito A partir de aquí, la cantante se ve desbordada por un éxito que afronta con extraordinaria sencillez. En la meteórica carrera de Laura Pausini todo se mueve por cifras astronómicas: 16 millones de discos vendidos en todo el mundo; 160 discos de platino; su música presentada en tres idiomas de lo más latinos: italiano, castellano y portugués (en Brasil, Laura tiene un ejército de seguidores que corean entusiasmados sus canciones, especialmente del disco Le Cose Che Vivi. Entre los premios más destacados, Laura Pausini ha sido galardonada con el World Music Award; su voz se ha visto empastada con músicos de la categoría de Pavarotti (en 1999 durante el encuentro organizado por el tenor Pavarotti&Friends); y sus piezas han sido enriquecidas por la London Symphony Orchestra o por músicos de estudio como Nathan East o Steve Ferrone, colaboradores habituales de Eric Clapton y Phil Collins. Muchos podrían pensar que con este ascenso hacia el parnaso de los grandes, Laura Pausini no tiene tiempo más que para sí y sus cuerdas vocales siempre afinadas y a punto. Sin embargo, el mundo es mucho más que uno mismo. Desde 1996 colabora con Unicef, organización para la que compuso una canción Il mondo che vorrei, algo así como El mundo que soñé. Además de artista, buena persona. ¿Se puede pedir más?

Todo individuo nacido en los países latinoamericanos durante el fenecido siglo y que, desde luego, haya escuchado con mediana atención la música popular, habrá degustado ese ritmo soberbio y contagioso que imprime este grupo cubano. Reseñaré brevemente la historia natural de este conjunto que durante 88 años, ha patrocinado la danza de tres generaciones hispanohablantes, sin referencia de raza, credo religioso, partido político y estrato social. FUNDACIÓN El sábado 12 de enero de 1924, LA TUNA LIBERAL, que fue su primigenio nombre, se organizó en la casa de Valentín Cané (ejecutante del tres), localizada en el simpático barrio Ojo de Agua, en la cultural y musical ciudad de Matanzas, provincia de Matanzas, en la isla de Cuba. El otro músico fundador fue Pablo Vásquez Govín, Bubú (bajo). Los demás invitados a tan trascendental reunión fueron: Manuel Sánchez Jimagua (timbales), Ismael Goberna (cornetín), Domingo Medina (guitarra), Julio Govín, (guitarra), José Manuel Valera (guitarra) y Juan Bautista Llopis (guitarra). En un ámbito provincial, el grupo animaba fiestas familiares, guateques (jolgorios campesinos), serenatas y reuniones políticas del partido que inspiró su nombre. En 1926 ingresan Carlos Manuel Díaz, Caíto, y Rogelio Martínez Díaz, El Gallego, dos personas que en el futuro dejarían huella indeleble en la reputación internacional que adquiriría el elenco. Por la voz asopranada de Caíto y porque sus integrantes ya eran seis por el retiro de otros instrumentistas, adoptan el nombre de Sexteto Soprano. El 12 de Enero de 1927, a los tres años exactos de su fundación, ya con el nombre de Estudiantina Sonora Matancera, se trasladan a probar suerte en el competido ambiente musical de La Habana. En los entarimados se codean con el Septeto Habanero, Septeto Boloña, Septeto Nacional, Trío Matamoros, Septeto Matancero y Septeto Pinareño. En noviembre de ese año y en los estudios itinerantes del sello Victor, llevan al acetato sus dos primeras grabaciones: Fuera, fuera chino, de José Manuel Valera y El porqué de tus ojos, de Valentín Cané. La década del treinta es la época de la expansión de la radio. Es el tiempo propicio para el son, el danzón, el danzonete, la rumba, la conga y la guaracha. Los artistas yumurinos (apelativo dado a los naturales de Matanzas) deciden cambiar su nombre a SONORA MATANCERA y comienzan presentaciones en vivo en la emisora El Progreso Cubano, más tarde llamada Radio Progreso. De 1932 a 1948, salen e ingresan varios músicos, que van definiendo el ritmo inconfundible y profusamente imitado de este colectivo musical. CONJUNTO SONORA MATANCERA En 1935, Calixto Leicea músico y compositor, con su trompeta sustituye a Ismael Goberna. Humberto Cané el hijo mayor del fundador Valentín, también ingresa al grupo para interpretar el tres, mientras su padre pasa a tocar la tumbadora. En enero de 1944 para imitar el formato musical de CONJUNTO, establecido dos años antes por Arsenio Rodríguez, ingresan Lino Frías pianista y Pedro Knight trompetista. Se apropian del nombre definitivo: CONJUNTO SONORA MATANCERA. El 15 de diciembre de 1945 hace presencia el talentoso cantante Bienvenido Granda, El Bigote que Canta. A finales del año y para el sello Panart, fundado recientemente en la isla, plasman su voz en el microsurco Humberto Cané, Caíto e Israel del Pino. El fundador de la agrupación, Valentín Cané, comienza a presentar síntomas de enfermedad respiratoria y en su relevo y para tocar la tumbadora, en 1948 entra al grupo Ángel Alfonso Furias, Yiyo. La tropa matancera está lista para aventurarse a conquistar el gusto musical de Mestizo América: Rogelio Martínez Díaz, director, corista y guitarrista. Pablo Vásquez Govín, Bubú, en el bajo. José Rosario Chávez, Manteca, con los timbales. Ángel Alfonso Furias, Yiyo, en la tumbadora. Calixto Leicea Castillo, primera trompeta. Pedro Night Caraballo, segunda trompeta. Lino Frías Gómez, pianista. Carlos Manuel Díaz Alonso, Caíto, con las maracas, cantante y corista. Bienvenido Granda, con la clave y cantante de planta. El acoplamiento de todos los instrumentos con las voces que convergen en el ritmo inconfundible y arrollador de la Sonora Matancera, se debió a la tesonera labor del arreglista Severino Ramos, Refresquito. El apoyo y la decidida colaboración de la emisora Radio Progreso fueron definitivos para la internacionalización del conjunto. La onda corta de la emisora tronaba como un cañón por toda la cuenca del Caribe. alt Sonora Matancera 1954 ÉPOCA DE ORO Es la comprendida entre 1950 y 1959. Es también época de oro para la farándula cubana. Es tiempo de esplendor y fantasía. En octubre de 1950 se inaugura en Cuba uno de los más ingeniosos inventos del siglo, la televisión. La pantalla chica se engalana con un séquito de artistas de todos los géneros. Con la Matancera graban rutilantes estrellas del campo farandulero nacional e internacional en connotados sellos disqueros: Panart, Cafamo, Ansonia, Stinson, RCA Victor y Seeco. El contrato de exclusividad que Rogelio Martínez, firmó en 1950 con la empresa norteamericana Seeco, se constituyó también en un factor determinante en el renombre internacional de los matanceros, porque esta compañía tenía distribución en casi todos los países americanos. Esta relación duró 15 años, pletóricos de triunfos y ganancias suculentas. El elenco de los cantantes que grabaron en la época de oro con la Sonora Matancera detallémoslo así: Bienvenido Granda desde 1945 hasta 1954 (cubano); Miguel de Gonzalo en 1947 (cubano); Alfredito Valdés en 1947, (cubano); Daniel Santos de 1948 a 1953 (puertorriqueño); Myrta Silva en 1949 (puertorriqueña); Celia Cruz de 1950 a 1965 (cubana); Manuel Puntillita Licea en 1951 (cubano); Leo Marini en 1951, 1952, 1955, 1958 y 1972 (argentino); Miguelito Valdés en 1951 y 1977 (cubano); Gloria Díaz en 1952 (cubana), Raúl del Castillo en 1952 (cubano), Las Hermanas Lago 1952 (cubanas), Martha Jean Claude en 1952 (haitiana) y Bobby Capó (puertorriqueño) en 1952; Nelson Pinedo desde 1953 hasta 1958 (colombiano); Vicentico Valdés en 1953 y 1958 (cubano); Rodolfo Hoyos en 1954 (cubano), Olga Chorens (cubana) y Tony Álvarez (cubano) en 1954: Estanislao Laíto Sureda (cubano) y Alberto Beltrán (dominicano) en 1954 y 1955; Celio González de 1955 a 1964 (cubano); Carlos Argentino Torres de 1955 a 1959 y luego en 1971 (argentino); Carmen Delia Dipiní en 1955 (puertorriqueña); Johnny López (puertorriqueño) y Chito Galindo (uruguayo) en 1957; Víctor Piñero (venezolano) y Rey Caney (cubano) en 1958. Grabaron todos los ritmos conocidos, desde la guaracha hasta la pachanga, pasando por el mambo y el chachachá. alt Sonora Matancera 1958 ÉPOCA EN EL EXTRANJERO Ante el cambio sociopolítico ocurrido en La Perla de las Antillas en enero de1959, la Sonora Matancera sale el 15 de julio de 1960 a cumplir un contrato en la ciudad de México, pretexto muy socorrido por muchos artistas que deseaban explorar otros horizontes, en vista de la situación confusa para desarrollar su trabajo que se palpitaba en la isla. En la tierra azteca estuvieron hasta 1962, cuando de común acuerdo se trasladan a vivir a la Capital del Mundo, siempre bajo la férrea batuta de Rogelio Martínez. La década del sesenta fue testigo de la segunda oleada de excelentes intérpretes. Aparecen nuevos cantantes: Willy El Baby Rodríguez de 1960 a 1965 (cubano); Alberto Pérez Sierra en 1960 (cubano); Emilio El Jarocho Domínguez en 1961 (mexicano); Justo El Mulato Betancourt de 1965 a 1970 (cubano); Elliot Romero en 1966 (puertorriqueño); Linda Leida (cubana) y Máximo Barrientos (puertorriqueño) en 1967; Gladys Julio (colombiana), Tony Díaz (cubano) y Kary Infante (cubana) en 1968. La Matancera continuó deleitando a todos los pueblos después de 1970 con el respaldo de nuevas voces: Yayo El Indio desde 1971 hasta 1994 (puertorriqueño); Welfo Gutiérrez de 1973 a 1976 (cubano); Toña la Negra en 1974 (mexicana); Jorge Maldonado de 1976 a 1981 (puertorriqueño); Ismael Miranda en 1984 (puertorriqueño). Su trasegar discurre por otras casas disqueras: MRVA, Orfeón, Fania, Bárbaro, WEA. Las giras a España, Francia, Italia, Alemania, Austria, Suecia, Finlandia, Noruega y Japón, se suceden con frecuencia. Su fama no tiene fronteras. Cuando con Celia Cruz en 1986, se presentan en los carnavales de la isla española de Tenerife, los aplauden 240.000 personas y establecen una marca difícil de igualar para cualquier conjunto de habla española en la música popular. APOTEOSIS A LOS 65 AÑOS En junio de 1989, celebran con bombos y platillos su aniversario número 65 con actuaciones en el Carnegie Hall y Central Park de la ciudad de Nueva York. Majestuoso espectáculo organizado por la influyente y no menos hermosa locutora boricua, Gilda Mirós. A la cita acuden 15 de los cantantes que en el pasado tronaron en los acetatos. Es también la despedida oficial de esta tierra para varios de los artistas. Pero el grupo de la Sonora Matancera parece inmune al paso del tiempo. En marzo de 1993 realizan las grabaciones postreras del pasado siglo con la voz de Yayo El Indio, incluidas en el disco compacto denominado De nuevo México. alt Sonora Matancera 1975 con Bienvenido El transcurrir del tiempo es inexorable y van muriendo muchas estrellas que van conformando el Coro Matancero Celestial. Don Rogelio Martínez Díaz, su director falleció el 13 de mayo del 2001. Su máxima estrella femenina, La Guarachera de Cuba, la sempiterna Celia Cruz, caminó el sendero celestial el 16 de julio de 2003. Celio González la siguió el 17 de octubre de 2004. El último de los cantantes en partir para la eternidad fue Welfo Gutiérrez en la ciudad de México el 31 de mayo de 2005. La Sonora Matancera actual con una nómina remozada, es batuteada por el pianista, arreglista y compositor cubano Javier Vásquez, hijo del legendario fundador Pablo Vásquez, Bubú. Tiene la anuencia, claro está, de Rogelio Martínez Jr., heredero universal del nombre de la agrupación. Desde Las Vegas, E. U. vuela a donde soliciten sus servicios. Con señalado éxito ha complacido a la matanceromanía de Bonaire, México y varias ciudades de Estados Unidos. En el año de 2009 grabaron su último trabajo titulado Hay Sonora pa Rato, con la nueva y fresca voz del boricua Darío Rosado. Nosotros con nuestros descendientes, proseguiremos cultivando la música inmarcesible de la Sonora Matancera, certificando la inmortalidad de este portentoso grupo, arquetipo y paradigma de la música popular. alt La Sonora Matancera en cifras: 87 años de existencia. 1.063 grabaciones originales. De ellas, fueron 380 boleros, que representa un 35% de su producción. 47 cantantes de 9 nacionalidades han dejado su voz en el acetato. De ellos 10 mujeres (24%). Por este meridiano sonoro pasaron 26 cubanos (55%), 11 puertorriqueños (23%). Se incluyen también dos colombianos (4%), dos argentinos y dos mexicanos. Ubicamos además a una haitiana, un venezolano, un uruguayo y un dominicano. 32 cantantes han realizado coros. 25 cantantes han sido acompañados en sus actuaciones sin llegar a grabar. 56 instrumentistas han actuado. 13 sellos disqueros han acogido sus grabaciones. 52 ritmos musicales han estado presentes en sus acetatos. 8 películas dan testimonio de su calidad musical. 32 países han visitado, varios en más de una ocasión. Las cosas mueren, cuando la última persona que tiene recuerdo de ellas, muere. Jorge Luis Borges alt Sonora Matancera 2012

Todo individuo nacido en los países latinoamericanos durante el fenecido siglo y que, desde luego, haya escuchado con mediana atención la música popular, habrá degustado ese ritmo soberbio y contagioso que imprime este grupo cubano. Reseñaré brevemente la historia natural de este conjunto que durante 88 años, ha patrocinado la danza de tres generaciones hispanohablantes, sin referencia de raza, credo religioso, partido político y estrato social. FUNDACIÓN El sábado 12 de enero de 1924, LA TUNA LIBERAL, que fue su primigenio nombre, se organizó en la casa de Valentín Cané (ejecutante del tres), localizada en el simpático barrio Ojo de Agua, en la cultural y musical ciudad de Matanzas, provincia de Matanzas, en la isla de Cuba. El otro músico fundador fue Pablo Vásquez Govín, Bubú (bajo). Los demás invitados a tan trascendental reunión fueron: Manuel Sánchez Jimagua (timbales), Ismael Goberna (cornetín), Domingo Medina (guitarra), Julio Govín, (guitarra), José Manuel Valera (guitarra) y Juan Bautista Llopis (guitarra). En un ámbito provincial, el grupo animaba fiestas familiares, guateques (jolgorios campesinos), serenatas y reuniones políticas del partido que inspiró su nombre. En 1926 ingresan Carlos Manuel Díaz, Caíto, y Rogelio Martínez Díaz, El Gallego, dos personas que en el futuro dejarían huella indeleble en la reputación internacional que adquiriría el elenco. Por la voz asopranada de Caíto y porque sus integrantes ya eran seis por el retiro de otros instrumentistas, adoptan el nombre de Sexteto Soprano. El 12 de Enero de 1927, a los tres años exactos de su fundación, ya con el nombre de Estudiantina Sonora Matancera, se trasladan a probar suerte en el competido ambiente musical de La Habana. En los entarimados se codean con el Septeto Habanero, Septeto Boloña, Septeto Nacional, Trío Matamoros, Septeto Matancero y Septeto Pinareño. En noviembre de ese año y en los estudios itinerantes del sello Victor, llevan al acetato sus dos primeras grabaciones: Fuera, fuera chino, de José Manuel Valera y El porqué de tus ojos, de Valentín Cané. La década del treinta es la época de la expansión de la radio. Es el tiempo propicio para el son, el danzón, el danzonete, la rumba, la conga y la guaracha. Los artistas yumurinos (apelativo dado a los naturales de Matanzas) deciden cambiar su nombre a SONORA MATANCERA y comienzan presentaciones en vivo en la emisora El Progreso Cubano, más tarde llamada Radio Progreso. De 1932 a 1948, salen e ingresan varios músicos, que van definiendo el ritmo inconfundible y profusamente imitado de este colectivo musical. CONJUNTO SONORA MATANCERA En 1935, Calixto Leicea músico y compositor, con su trompeta sustituye a Ismael Goberna. Humberto Cané el hijo mayor del fundador Valentín, también ingresa al grupo para interpretar el tres, mientras su padre pasa a tocar la tumbadora. En enero de 1944 para imitar el formato musical de CONJUNTO, establecido dos años antes por Arsenio Rodríguez, ingresan Lino Frías pianista y Pedro Knight trompetista. Se apropian del nombre definitivo: CONJUNTO SONORA MATANCERA. El 15 de diciembre de 1945 hace presencia el talentoso cantante Bienvenido Granda, El Bigote que Canta. A finales del año y para el sello Panart, fundado recientemente en la isla, plasman su voz en el microsurco Humberto Cané, Caíto e Israel del Pino. El fundador de la agrupación, Valentín Cané, comienza a presentar síntomas de enfermedad respiratoria y en su relevo y para tocar la tumbadora, en 1948 entra al grupo Ángel Alfonso Furias, Yiyo. La tropa matancera está lista para aventurarse a conquistar el gusto musical de Mestizo América: Rogelio Martínez Díaz, director, corista y guitarrista. Pablo Vásquez Govín, Bubú, en el bajo. José Rosario Chávez, Manteca, con los timbales. Ángel Alfonso Furias, Yiyo, en la tumbadora. Calixto Leicea Castillo, primera trompeta. Pedro Night Caraballo, segunda trompeta. Lino Frías Gómez, pianista. Carlos Manuel Díaz Alonso, Caíto, con las maracas, cantante y corista. Bienvenido Granda, con la clave y cantante de planta. El acoplamiento de todos los instrumentos con las voces que convergen en el ritmo inconfundible y arrollador de la Sonora Matancera, se debió a la tesonera labor del arreglista Severino Ramos, Refresquito. El apoyo y la decidida colaboración de la emisora Radio Progreso fueron definitivos para la internacionalización del conjunto. La onda corta de la emisora tronaba como un cañón por toda la cuenca del Caribe. alt Sonora Matancera 1954 ÉPOCA DE ORO Es la comprendida entre 1950 y 1959. Es también época de oro para la farándula cubana. Es tiempo de esplendor y fantasía. En octubre de 1950 se inaugura en Cuba uno de los más ingeniosos inventos del siglo, la televisión. La pantalla chica se engalana con un séquito de artistas de todos los géneros. Con la Matancera graban rutilantes estrellas del campo farandulero nacional e internacional en connotados sellos disqueros: Panart, Cafamo, Ansonia, Stinson, RCA Victor y Seeco. El contrato de exclusividad que Rogelio Martínez, firmó en 1950 con la empresa norteamericana Seeco, se constituyó también en un factor determinante en el renombre internacional de los matanceros, porque esta compañía tenía distribución en casi todos los países americanos. Esta relación duró 15 años, pletóricos de triunfos y ganancias suculentas. El elenco de los cantantes que grabaron en la época de oro con la Sonora Matancera detallémoslo así: Bienvenido Granda desde 1945 hasta 1954 (cubano); Miguel de Gonzalo en 1947 (cubano); Alfredito Valdés en 1947, (cubano); Daniel Santos de 1948 a 1953 (puertorriqueño); Myrta Silva en 1949 (puertorriqueña); Celia Cruz de 1950 a 1965 (cubana); Manuel Puntillita Licea en 1951 (cubano); Leo Marini en 1951, 1952, 1955, 1958 y 1972 (argentino); Miguelito Valdés en 1951 y 1977 (cubano); Gloria Díaz en 1952 (cubana), Raúl del Castillo en 1952 (cubano), Las Hermanas Lago 1952 (cubanas), Martha Jean Claude en 1952 (haitiana) y Bobby Capó (puertorriqueño) en 1952; Nelson Pinedo desde 1953 hasta 1958 (colombiano); Vicentico Valdés en 1953 y 1958 (cubano); Rodolfo Hoyos en 1954 (cubano), Olga Chorens (cubana) y Tony Álvarez (cubano) en 1954: Estanislao Laíto Sureda (cubano) y Alberto Beltrán (dominicano) en 1954 y 1955; Celio González de 1955 a 1964 (cubano); Carlos Argentino Torres de 1955 a 1959 y luego en 1971 (argentino); Carmen Delia Dipiní en 1955 (puertorriqueña); Johnny López (puertorriqueño) y Chito Galindo (uruguayo) en 1957; Víctor Piñero (venezolano) y Rey Caney (cubano) en 1958. Grabaron todos los ritmos conocidos, desde la guaracha hasta la pachanga, pasando por el mambo y el chachachá. alt Sonora Matancera 1958 ÉPOCA EN EL EXTRANJERO Ante el cambio sociopolítico ocurrido en La Perla de las Antillas en enero de1959, la Sonora Matancera sale el 15 de julio de 1960 a cumplir un contrato en la ciudad de México, pretexto muy socorrido por muchos artistas que deseaban explorar otros horizontes, en vista de la situación confusa para desarrollar su trabajo que se palpitaba en la isla. En la tierra azteca estuvieron hasta 1962, cuando de común acuerdo se trasladan a vivir a la Capital del Mundo, siempre bajo la férrea batuta de Rogelio Martínez. La década del sesenta fue testigo de la segunda oleada de excelentes intérpretes. Aparecen nuevos cantantes: Willy El Baby Rodríguez de 1960 a 1965 (cubano); Alberto Pérez Sierra en 1960 (cubano); Emilio El Jarocho Domínguez en 1961 (mexicano); Justo El Mulato Betancourt de 1965 a 1970 (cubano); Elliot Romero en 1966 (puertorriqueño); Linda Leida (cubana) y Máximo Barrientos (puertorriqueño) en 1967; Gladys Julio (colombiana), Tony Díaz (cubano) y Kary Infante (cubana) en 1968. La Matancera continuó deleitando a todos los pueblos después de 1970 con el respaldo de nuevas voces: Yayo El Indio desde 1971 hasta 1994 (puertorriqueño); Welfo Gutiérrez de 1973 a 1976 (cubano); Toña la Negra en 1974 (mexicana); Jorge Maldonado de 1976 a 1981 (puertorriqueño); Ismael Miranda en 1984 (puertorriqueño). Su trasegar discurre por otras casas disqueras: MRVA, Orfeón, Fania, Bárbaro, WEA. Las giras a España, Francia, Italia, Alemania, Austria, Suecia, Finlandia, Noruega y Japón, se suceden con frecuencia. Su fama no tiene fronteras. Cuando con Celia Cruz en 1986, se presentan en los carnavales de la isla española de Tenerife, los aplauden 240.000 personas y establecen una marca difícil de igualar para cualquier conjunto de habla española en la música popular. APOTEOSIS A LOS 65 AÑOS En junio de 1989, celebran con bombos y platillos su aniversario número 65 con actuaciones en el Carnegie Hall y Central Park de la ciudad de Nueva York. Majestuoso espectáculo organizado por la influyente y no menos hermosa locutora boricua, Gilda Mirós. A la cita acuden 15 de los cantantes que en el pasado tronaron en los acetatos. Es también la despedida oficial de esta tierra para varios de los artistas. Pero el grupo de la Sonora Matancera parece inmune al paso del tiempo. En marzo de 1993 realizan las grabaciones postreras del pasado siglo con la voz de Yayo El Indio, incluidas en el disco compacto denominado De nuevo México. alt Sonora Matancera 1975 con Bienvenido El transcurrir del tiempo es inexorable y van muriendo muchas estrellas que van conformando el Coro Matancero Celestial. Don Rogelio Martínez Díaz, su director falleció el 13 de mayo del 2001. Su máxima estrella femenina, La Guarachera de Cuba, la sempiterna Celia Cruz, caminó el sendero celestial el 16 de julio de 2003. Celio González la siguió el 17 de octubre de 2004. El último de los cantantes en partir para la eternidad fue Welfo Gutiérrez en la ciudad de México el 31 de mayo de 2005. La Sonora Matancera actual con una nómina remozada, es batuteada por el pianista, arreglista y compositor cubano Javier Vásquez, hijo del legendario fundador Pablo Vásquez, Bubú. Tiene la anuencia, claro está, de Rogelio Martínez Jr., heredero universal del nombre de la agrupación. Desde Las Vegas, E. U. vuela a donde soliciten sus servicios. Con señalado éxito ha complacido a la matanceromanía de Bonaire, México y varias ciudades de Estados Unidos. En el año de 2009 grabaron su último trabajo titulado Hay Sonora pa Rato, con la nueva y fresca voz del boricua Darío Rosado. Nosotros con nuestros descendientes, proseguiremos cultivando la música inmarcesible de la Sonora Matancera, certificando la inmortalidad de este portentoso grupo, arquetipo y paradigma de la música popular. alt La Sonora Matancera en cifras: 87 años de existencia. 1.063 grabaciones originales. De ellas, fueron 380 boleros, que representa un 35% de su producción. 47 cantantes de 9 nacionalidades han dejado su voz en el acetato. De ellos 10 mujeres (24%). Por este meridiano sonoro pasaron 26 cubanos (55%), 11 puertorriqueños (23%). Se incluyen también dos colombianos (4%), dos argentinos y dos mexicanos. Ubicamos además a una haitiana, un venezolano, un uruguayo y un dominicano. 32 cantantes han realizado coros. 25 cantantes han sido acompañados en sus actuaciones sin llegar a grabar. 56 instrumentistas han actuado. 13 sellos disqueros han acogido sus grabaciones. 52 ritmos musicales han estado presentes en sus acetatos. 8 películas dan testimonio de su calidad musical. 32 países han visitado, varios en más de una ocasión. Las cosas mueren, cuando la última persona que tiene recuerdo de ellas, muere. Jorge Luis Borges alt Sonora Matancera 2012

Todo individuo nacido en los países latinoamericanos durante el fenecido siglo y que, desde luego, haya escuchado con mediana atención la música popular, habrá degustado ese ritmo soberbio y contagioso que imprime este grupo cubano. Reseñaré brevemente la historia natural de este conjunto que durante 88 años, ha patrocinado la danza de tres generaciones hispanohablantes, sin referencia de raza, credo religioso, partido político y estrato social. FUNDACIÓN El sábado 12 de enero de 1924, LA TUNA LIBERAL, que fue su primigenio nombre, se organizó en la casa de Valentín Cané (ejecutante del tres), localizada en el simpático barrio Ojo de Agua, en la cultural y musical ciudad de Matanzas, provincia de Matanzas, en la isla de Cuba. El otro músico fundador fue Pablo Vásquez Govín, Bubú (bajo). Los demás invitados a tan trascendental reunión fueron: Manuel Sánchez Jimagua (timbales), Ismael Goberna (cornetín), Domingo Medina (guitarra), Julio Govín, (guitarra), José Manuel Valera (guitarra) y Juan Bautista Llopis (guitarra). En un ámbito provincial, el grupo animaba fiestas familiares, guateques (jolgorios campesinos), serenatas y reuniones políticas del partido que inspiró su nombre. En 1926 ingresan Carlos Manuel Díaz, Caíto, y Rogelio Martínez Díaz, El Gallego, dos personas que en el futuro dejarían huella indeleble en la reputación internacional que adquiriría el elenco. Por la voz asopranada de Caíto y porque sus integrantes ya eran seis por el retiro de otros instrumentistas, adoptan el nombre de Sexteto Soprano. El 12 de Enero de 1927, a los tres años exactos de su fundación, ya con el nombre de Estudiantina Sonora Matancera, se trasladan a probar suerte en el competido ambiente musical de La Habana. En los entarimados se codean con el Septeto Habanero, Septeto Boloña, Septeto Nacional, Trío Matamoros, Septeto Matancero y Septeto Pinareño. En noviembre de ese año y en los estudios itinerantes del sello Victor, llevan al acetato sus dos primeras grabaciones: Fuera, fuera chino, de José Manuel Valera y El porqué de tus ojos, de Valentín Cané. La década del treinta es la época de la expansión de la radio. Es el tiempo propicio para el son, el danzón, el danzonete, la rumba, la conga y la guaracha. Los artistas yumurinos (apelativo dado a los naturales de Matanzas) deciden cambiar su nombre a SONORA MATANCERA y comienzan presentaciones en vivo en la emisora El Progreso Cubano, más tarde llamada Radio Progreso. De 1932 a 1948, salen e ingresan varios músicos, que van definiendo el ritmo inconfundible y profusamente imitado de este colectivo musical. CONJUNTO SONORA MATANCERA En 1935, Calixto Leicea músico y compositor, con su trompeta sustituye a Ismael Goberna. Humberto Cané el hijo mayor del fundador Valentín, también ingresa al grupo para interpretar el tres, mientras su padre pasa a tocar la tumbadora. En enero de 1944 para imitar el formato musical de CONJUNTO, establecido dos años antes por Arsenio Rodríguez, ingresan Lino Frías pianista y Pedro Knight trompetista. Se apropian del nombre definitivo: CONJUNTO SONORA MATANCERA. El 15 de diciembre de 1945 hace presencia el talentoso cantante Bienvenido Granda, El Bigote que Canta. A finales del año y para el sello Panart, fundado recientemente en la isla, plasman su voz en el microsurco Humberto Cané, Caíto e Israel del Pino. El fundador de la agrupación, Valentín Cané, comienza a presentar síntomas de enfermedad respiratoria y en su relevo y para tocar la tumbadora, en 1948 entra al grupo Ángel Alfonso Furias, Yiyo. La tropa matancera está lista para aventurarse a conquistar el gusto musical de Mestizo América: Rogelio Martínez Díaz, director, corista y guitarrista. Pablo Vásquez Govín, Bubú, en el bajo. José Rosario Chávez, Manteca, con los timbales. Ángel Alfonso Furias, Yiyo, en la tumbadora. Calixto Leicea Castillo, primera trompeta. Pedro Night Caraballo, segunda trompeta. Lino Frías Gómez, pianista. Carlos Manuel Díaz Alonso, Caíto, con las maracas, cantante y corista. Bienvenido Granda, con la clave y cantante de planta. El acoplamiento de todos los instrumentos con las voces que convergen en el ritmo inconfundible y arrollador de la Sonora Matancera, se debió a la tesonera labor del arreglista Severino Ramos, Refresquito. El apoyo y la decidida colaboración de la emisora Radio Progreso fueron definitivos para la internacionalización del conjunto. La onda corta de la emisora tronaba como un cañón por toda la cuenca del Caribe. alt Sonora Matancera 1954 ÉPOCA DE ORO Es la comprendida entre 1950 y 1959. Es también época de oro para la farándula cubana. Es tiempo de esplendor y fantasía. En octubre de 1950 se inaugura en Cuba uno de los más ingeniosos inventos del siglo, la televisión. La pantalla chica se engalana con un séquito de artistas de todos los géneros. Con la Matancera graban rutilantes estrellas del campo farandulero nacional e internacional en connotados sellos disqueros: Panart, Cafamo, Ansonia, Stinson, RCA Victor y Seeco. El contrato de exclusividad que Rogelio Martínez, firmó en 1950 con la empresa norteamericana Seeco, se constituyó también en un factor determinante en el renombre internacional de los matanceros, porque esta compañía tenía distribución en casi todos los países americanos. Esta relación duró 15 años, pletóricos de triunfos y ganancias suculentas. El elenco de los cantantes que grabaron en la época de oro con la Sonora Matancera detallémoslo así: Bienvenido Granda desde 1945 hasta 1954 (cubano); Miguel de Gonzalo en 1947 (cubano); Alfredito Valdés en 1947, (cubano); Daniel Santos de 1948 a 1953 (puertorriqueño); Myrta Silva en 1949 (puertorriqueña); Celia Cruz de 1950 a 1965 (cubana); Manuel Puntillita Licea en 1951 (cubano); Leo Marini en 1951, 1952, 1955, 1958 y 1972 (argentino); Miguelito Valdés en 1951 y 1977 (cubano); Gloria Díaz en 1952 (cubana), Raúl del Castillo en 1952 (cubano), Las Hermanas Lago 1952 (cubanas), Martha Jean Claude en 1952 (haitiana) y Bobby Capó (puertorriqueño) en 1952; Nelson Pinedo desde 1953 hasta 1958 (colombiano); Vicentico Valdés en 1953 y 1958 (cubano); Rodolfo Hoyos en 1954 (cubano), Olga Chorens (cubana) y Tony Álvarez (cubano) en 1954: Estanislao Laíto Sureda (cubano) y Alberto Beltrán (dominicano) en 1954 y 1955; Celio González de 1955 a 1964 (cubano); Carlos Argentino Torres de 1955 a 1959 y luego en 1971 (argentino); Carmen Delia Dipiní en 1955 (puertorriqueña); Johnny López (puertorriqueño) y Chito Galindo (uruguayo) en 1957; Víctor Piñero (venezolano) y Rey Caney (cubano) en 1958. Grabaron todos los ritmos conocidos, desde la guaracha hasta la pachanga, pasando por el mambo y el chachachá. alt Sonora Matancera 1958 ÉPOCA EN EL EXTRANJERO Ante el cambio sociopolítico ocurrido en La Perla de las Antillas en enero de1959, la Sonora Matancera sale el 15 de julio de 1960 a cumplir un contrato en la ciudad de México, pretexto muy socorrido por muchos artistas que deseaban explorar otros horizontes, en vista de la situación confusa para desarrollar su trabajo que se palpitaba en la isla. En la tierra azteca estuvieron hasta 1962, cuando de común acuerdo se trasladan a vivir a la Capital del Mundo, siempre bajo la férrea batuta de Rogelio Martínez. La década del sesenta fue testigo de la segunda oleada de excelentes intérpretes. Aparecen nuevos cantantes: Willy El Baby Rodríguez de 1960 a 1965 (cubano); Alberto Pérez Sierra en 1960 (cubano); Emilio El Jarocho Domínguez en 1961 (mexicano); Justo El Mulato Betancourt de 1965 a 1970 (cubano); Elliot Romero en 1966 (puertorriqueño); Linda Leida (cubana) y Máximo Barrientos (puertorriqueño) en 1967; Gladys Julio (colombiana), Tony Díaz (cubano) y Kary Infante (cubana) en 1968. La Matancera continuó deleitando a todos los pueblos después de 1970 con el respaldo de nuevas voces: Yayo El Indio desde 1971 hasta 1994 (puertorriqueño); Welfo Gutiérrez de 1973 a 1976 (cubano); Toña la Negra en 1974 (mexicana); Jorge Maldonado de 1976 a 1981 (puertorriqueño); Ismael Miranda en 1984 (puertorriqueño). Su trasegar discurre por otras casas disqueras: MRVA, Orfeón, Fania, Bárbaro, WEA. Las giras a España, Francia, Italia, Alemania, Austria, Suecia, Finlandia, Noruega y Japón, se suceden con frecuencia. Su fama no tiene fronteras. Cuando con Celia Cruz en 1986, se presentan en los carnavales de la isla española de Tenerife, los aplauden 240.000 personas y establecen una marca difícil de igualar para cualquier conjunto de habla española en la música popular. APOTEOSIS A LOS 65 AÑOS En junio de 1989, celebran con bombos y platillos su aniversario número 65 con actuaciones en el Carnegie Hall y Central Park de la ciudad de Nueva York. Majestuoso espectáculo organizado por la influyente y no menos hermosa locutora boricua, Gilda Mirós. A la cita acuden 15 de los cantantes que en el pasado tronaron en los acetatos. Es también la despedida oficial de esta tierra para varios de los artistas. Pero el grupo de la Sonora Matancera parece inmune al paso del tiempo. En marzo de 1993 realizan las grabaciones postreras del pasado siglo con la voz de Yayo El Indio, incluidas en el disco compacto denominado De nuevo México. alt Sonora Matancera 1975 con Bienvenido El transcurrir del tiempo es inexorable y van muriendo muchas estrellas que van conformando el Coro Matancero Celestial. Don Rogelio Martínez Díaz, su director falleció el 13 de mayo del 2001. Su máxima estrella femenina, La Guarachera de Cuba, la sempiterna Celia Cruz, caminó el sendero celestial el 16 de julio de 2003. Celio González la siguió el 17 de octubre de 2004. El último de los cantantes en partir para la eternidad fue Welfo Gutiérrez en la ciudad de México el 31 de mayo de 2005. La Sonora Matancera actual con una nómina remozada, es batuteada por el pianista, arreglista y compositor cubano Javier Vásquez, hijo del legendario fundador Pablo Vásquez, Bubú. Tiene la anuencia, claro está, de Rogelio Martínez Jr., heredero universal del nombre de la agrupación. Desde Las Vegas, E. U. vuela a donde soliciten sus servicios. Con señalado éxito ha complacido a la matanceromanía de Bonaire, México y varias ciudades de Estados Unidos. En el año de 2009 grabaron su último trabajo titulado Hay Sonora pa Rato, con la nueva y fresca voz del boricua Darío Rosado. Nosotros con nuestros descendientes, proseguiremos cultivando la música inmarcesible de la Sonora Matancera, certificando la inmortalidad de este portentoso grupo, arquetipo y paradigma de la música popular. alt La Sonora Matancera en cifras: 87 años de existencia. 1.063 grabaciones originales. De ellas, fueron 380 boleros, que representa un 35% de su producción. 47 cantantes de 9 nacionalidades han dejado su voz en el acetato. De ellos 10 mujeres (24%). Por este meridiano sonoro pasaron 26 cubanos (55%), 11 puertorriqueños (23%). Se incluyen también dos colombianos (4%), dos argentinos y dos mexicanos. Ubicamos además a una haitiana, un venezolano, un uruguayo y un dominicano. 32 cantantes han realizado coros. 25 cantantes han sido acompañados en sus actuaciones sin llegar a grabar. 56 instrumentistas han actuado. 13 sellos disqueros han acogido sus grabaciones. 52 ritmos musicales han estado presentes en sus acetatos. 8 películas dan testimonio de su calidad musical. 32 países han visitado, varios en más de una ocasión. Las cosas mueren, cuando la última persona que tiene recuerdo de ellas, muere. Jorge Luis Borges alt Sonora Matancera 2012

Todo individuo nacido en los países latinoamericanos durante el fenecido siglo y que, desde luego, haya escuchado con mediana atención la música popular, habrá degustado ese ritmo soberbio y contagioso que imprime este grupo cubano. Reseñaré brevemente la historia natural de este conjunto que durante 88 años, ha patrocinado la danza de tres generaciones hispanohablantes, sin referencia de raza, credo religioso, partido político y estrato social. FUNDACIÓN El sábado 12 de enero de 1924, LA TUNA LIBERAL, que fue su primigenio nombre, se organizó en la casa de Valentín Cané (ejecutante del tres), localizada en el simpático barrio Ojo de Agua, en la cultural y musical ciudad de Matanzas, provincia de Matanzas, en la isla de Cuba. El otro músico fundador fue Pablo Vásquez Govín, Bubú (bajo). Los demás invitados a tan trascendental reunión fueron: Manuel Sánchez Jimagua (timbales), Ismael Goberna (cornetín), Domingo Medina (guitarra), Julio Govín, (guitarra), José Manuel Valera (guitarra) y Juan Bautista Llopis (guitarra). En un ámbito provincial, el grupo animaba fiestas familiares, guateques (jolgorios campesinos), serenatas y reuniones políticas del partido que inspiró su nombre. En 1926 ingresan Carlos Manuel Díaz, Caíto, y Rogelio Martínez Díaz, El Gallego, dos personas que en el futuro dejarían huella indeleble en la reputación internacional que adquiriría el elenco. Por la voz asopranada de Caíto y porque sus integrantes ya eran seis por el retiro de otros instrumentistas, adoptan el nombre de Sexteto Soprano. El 12 de Enero de 1927, a los tres años exactos de su fundación, ya con el nombre de Estudiantina Sonora Matancera, se trasladan a probar suerte en el competido ambiente musical de La Habana. En los entarimados se codean con el Septeto Habanero, Septeto Boloña, Septeto Nacional, Trío Matamoros, Septeto Matancero y Septeto Pinareño. En noviembre de ese año y en los estudios itinerantes del sello Victor, llevan al acetato sus dos primeras grabaciones: Fuera, fuera chino, de José Manuel Valera y El porqué de tus ojos, de Valentín Cané. La década del treinta es la época de la expansión de la radio. Es el tiempo propicio para el son, el danzón, el danzonete, la rumba, la conga y la guaracha. Los artistas yumurinos (apelativo dado a los naturales de Matanzas) deciden cambiar su nombre a SONORA MATANCERA y comienzan presentaciones en vivo en la emisora El Progreso Cubano, más tarde llamada Radio Progreso. De 1932 a 1948, salen e ingresan varios músicos, que van definiendo el ritmo inconfundible y profusamente imitado de este colectivo musical. CONJUNTO SONORA MATANCERA En 1935, Calixto Leicea músico y compositor, con su trompeta sustituye a Ismael Goberna. Humberto Cané el hijo mayor del fundador Valentín, también ingresa al grupo para interpretar el tres, mientras su padre pasa a tocar la tumbadora. En enero de 1944 para imitar el formato musical de CONJUNTO, establecido dos años antes por Arsenio Rodríguez, ingresan Lino Frías pianista y Pedro Knight trompetista. Se apropian del nombre definitivo: CONJUNTO SONORA MATANCERA. El 15 de diciembre de 1945 hace presencia el talentoso cantante Bienvenido Granda, El Bigote que Canta. A finales del año y para el sello Panart, fundado recientemente en la isla, plasman su voz en el microsurco Humberto Cané, Caíto e Israel del Pino. El fundador de la agrupación, Valentín Cané, comienza a presentar síntomas de enfermedad respiratoria y en su relevo y para tocar la tumbadora, en 1948 entra al grupo Ángel Alfonso Furias, Yiyo. La tropa matancera está lista para aventurarse a conquistar el gusto musical de Mestizo América: Rogelio Martínez Díaz, director, corista y guitarrista. Pablo Vásquez Govín, Bubú, en el bajo. José Rosario Chávez, Manteca, con los timbales. Ángel Alfonso Furias, Yiyo, en la tumbadora. Calixto Leicea Castillo, primera trompeta. Pedro Night Caraballo, segunda trompeta. Lino Frías Gómez, pianista. Carlos Manuel Díaz Alonso, Caíto, con las maracas, cantante y corista. Bienvenido Granda, con la clave y cantante de planta. El acoplamiento de todos los instrumentos con las voces que convergen en el ritmo inconfundible y arrollador de la Sonora Matancera, se debió a la tesonera labor del arreglista Severino Ramos, Refresquito. El apoyo y la decidida colaboración de la emisora Radio Progreso fueron definitivos para la internacionalización del conjunto. La onda corta de la emisora tronaba como un cañón por toda la cuenca del Caribe. alt Sonora Matancera 1954 ÉPOCA DE ORO Es la comprendida entre 1950 y 1959. Es también época de oro para la farándula cubana. Es tiempo de esplendor y fantasía. En octubre de 1950 se inaugura en Cuba uno de los más ingeniosos inventos del siglo, la televisión. La pantalla chica se engalana con un séquito de artistas de todos los géneros. Con la Matancera graban rutilantes estrellas del campo farandulero nacional e internacional en connotados sellos disqueros: Panart, Cafamo, Ansonia, Stinson, RCA Victor y Seeco. El contrato de exclusividad que Rogelio Martínez, firmó en 1950 con la empresa norteamericana Seeco, se constituyó también en un factor determinante en el renombre internacional de los matanceros, porque esta compañía tenía distribución en casi todos los países americanos. Esta relación duró 15 años, pletóricos de triunfos y ganancias suculentas. El elenco de los cantantes que grabaron en la época de oro con la Sonora Matancera detallémoslo así: Bienvenido Granda desde 1945 hasta 1954 (cubano); Miguel de Gonzalo en 1947 (cubano); Alfredito Valdés en 1947, (cubano); Daniel Santos de 1948 a 1953 (puertorriqueño); Myrta Silva en 1949 (puertorriqueña); Celia Cruz de 1950 a 1965 (cubana); Manuel Puntillita Licea en 1951 (cubano); Leo Marini en 1951, 1952, 1955, 1958 y 1972 (argentino); Miguelito Valdés en 1951 y 1977 (cubano); Gloria Díaz en 1952 (cubana), Raúl del Castillo en 1952 (cubano), Las Hermanas Lago 1952 (cubanas), Martha Jean Claude en 1952 (haitiana) y Bobby Capó (puertorriqueño) en 1952; Nelson Pinedo desde 1953 hasta 1958 (colombiano); Vicentico Valdés en 1953 y 1958 (cubano); Rodolfo Hoyos en 1954 (cubano), Olga Chorens (cubana) y Tony Álvarez (cubano) en 1954: Estanislao Laíto Sureda (cubano) y Alberto Beltrán (dominicano) en 1954 y 1955; Celio González de 1955 a 1964 (cubano); Carlos Argentino Torres de 1955 a 1959 y luego en 1971 (argentino); Carmen Delia Dipiní en 1955 (puertorriqueña); Johnny López (puertorriqueño) y Chito Galindo (uruguayo) en 1957; Víctor Piñero (venezolano) y Rey Caney (cubano) en 1958. Grabaron todos los ritmos conocidos, desde la guaracha hasta la pachanga, pasando por el mambo y el chachachá. alt Sonora Matancera 1958 ÉPOCA EN EL EXTRANJERO Ante el cambio sociopolítico ocurrido en La Perla de las Antillas en enero de1959, la Sonora Matancera sale el 15 de julio de 1960 a cumplir un contrato en la ciudad de México, pretexto muy socorrido por muchos artistas que deseaban explorar otros horizontes, en vista de la situación confusa para desarrollar su trabajo que se palpitaba en la isla. En la tierra azteca estuvieron hasta 1962, cuando de común acuerdo se trasladan a vivir a la Capital del Mundo, siempre bajo la férrea batuta de Rogelio Martínez. La década del sesenta fue testigo de la segunda oleada de excelentes intérpretes. Aparecen nuevos cantantes: Willy El Baby Rodríguez de 1960 a 1965 (cubano); Alberto Pérez Sierra en 1960 (cubano); Emilio El Jarocho Domínguez en 1961 (mexicano); Justo El Mulato Betancourt de 1965 a 1970 (cubano); Elliot Romero en 1966 (puertorriqueño); Linda Leida (cubana) y Máximo Barrientos (puertorriqueño) en 1967; Gladys Julio (colombiana), Tony Díaz (cubano) y Kary Infante (cubana) en 1968. La Matancera continuó deleitando a todos los pueblos después de 1970 con el respaldo de nuevas voces: Yayo El Indio desde 1971 hasta 1994 (puertorriqueño); Welfo Gutiérrez de 1973 a 1976 (cubano); Toña la Negra en 1974 (mexicana); Jorge Maldonado de 1976 a 1981 (puertorriqueño); Ismael Miranda en 1984 (puertorriqueño). Su trasegar discurre por otras casas disqueras: MRVA, Orfeón, Fania, Bárbaro, WEA. Las giras a España, Francia, Italia, Alemania, Austria, Suecia, Finlandia, Noruega y Japón, se suceden con frecuencia. Su fama no tiene fronteras. Cuando con Celia Cruz en 1986, se presentan en los carnavales de la isla española de Tenerife, los aplauden 240.000 personas y establecen una marca difícil de igualar para cualquier conjunto de habla española en la música popular. APOTEOSIS A LOS 65 AÑOS En junio de 1989, celebran con bombos y platillos su aniversario número 65 con actuaciones en el Carnegie Hall y Central Park de la ciudad de Nueva York. Majestuoso espectáculo organizado por la influyente y no menos hermosa locutora boricua, Gilda Mirós. A la cita acuden 15 de los cantantes que en el pasado tronaron en los acetatos. Es también la despedida oficial de esta tierra para varios de los artistas. Pero el grupo de la Sonora Matancera parece inmune al paso del tiempo. En marzo de 1993 realizan las grabaciones postreras del pasado siglo con la voz de Yayo El Indio, incluidas en el disco compacto denominado De nuevo México. alt Sonora Matancera 1975 con Bienvenido El transcurrir del tiempo es inexorable y van muriendo muchas estrellas que van conformando el Coro Matancero Celestial. Don Rogelio Martínez Díaz, su director falleció el 13 de mayo del 2001. Su máxima estrella femenina, La Guarachera de Cuba, la sempiterna Celia Cruz, caminó el sendero celestial el 16 de julio de 2003. Celio González la siguió el 17 de octubre de 2004. El último de los cantantes en partir para la eternidad fue Welfo Gutiérrez en la ciudad de México el 31 de mayo de 2005. La Sonora Matancera actual con una nómina remozada, es batuteada por el pianista, arreglista y compositor cubano Javier Vásquez, hijo del legendario fundador Pablo Vásquez, Bubú. Tiene la anuencia, claro está, de Rogelio Martínez Jr., heredero universal del nombre de la agrupación. Desde Las Vegas, E. U. vuela a donde soliciten sus servicios. Con señalado éxito ha complacido a la matanceromanía de Bonaire, México y varias ciudades de Estados Unidos. En el año de 2009 grabaron su último trabajo titulado Hay Sonora pa Rato, con la nueva y fresca voz del boricua Darío Rosado. Nosotros con nuestros descendientes, proseguiremos cultivando la música inmarcesible de la Sonora Matancera, certificando la inmortalidad de este portentoso grupo, arquetipo y paradigma de la música popular. alt La Sonora Matancera en cifras: 87 años de existencia. 1.063 grabaciones originales. De ellas, fueron 380 boleros, que representa un 35% de su producción. 47 cantantes de 9 nacionalidades han dejado su voz en el acetato. De ellos 10 mujeres (24%). Por este meridiano sonoro pasaron 26 cubanos (55%), 11 puertorriqueños (23%). Se incluyen también dos colombianos (4%), dos argentinos y dos mexicanos. Ubicamos además a una haitiana, un venezolano, un uruguayo y un dominicano. 32 cantantes han realizado coros. 25 cantantes han sido acompañados en sus actuaciones sin llegar a grabar. 56 instrumentistas han actuado. 13 sellos disqueros han acogido sus grabaciones. 52 ritmos musicales han estado presentes en sus acetatos. 8 películas dan testimonio de su calidad musical. 32 países han visitado, varios en más de una ocasión. Las cosas mueren, cuando la última persona que tiene recuerdo de ellas, muere. Jorge Luis Borges alt Sonora Matancera 2012

Todo individuo nacido en los países latinoamericanos durante el fenecido siglo y que, desde luego, haya escuchado con mediana atención la música popular, habrá degustado ese ritmo soberbio y contagioso que imprime este grupo cubano. Reseñaré brevemente la historia natural de este conjunto que durante 88 años, ha patrocinado la danza de tres generaciones hispanohablantes, sin referencia de raza, credo religioso, partido político y estrato social. FUNDACIÓN El sábado 12 de enero de 1924, LA TUNA LIBERAL, que fue su primigenio nombre, se organizó en la casa de Valentín Cané (ejecutante del tres), localizada en el simpático barrio Ojo de Agua, en la cultural y musical ciudad de Matanzas, provincia de Matanzas, en la isla de Cuba. El otro músico fundador fue Pablo Vásquez Govín, Bubú (bajo). Los demás invitados a tan trascendental reunión fueron: Manuel Sánchez Jimagua (timbales), Ismael Goberna (cornetín), Domingo Medina (guitarra), Julio Govín, (guitarra), José Manuel Valera (guitarra) y Juan Bautista Llopis (guitarra). En un ámbito provincial, el grupo animaba fiestas familiares, guateques (jolgorios campesinos), serenatas y reuniones políticas del partido que inspiró su nombre. En 1926 ingresan Carlos Manuel Díaz, Caíto, y Rogelio Martínez Díaz, El Gallego, dos personas que en el futuro dejarían huella indeleble en la reputación internacional que adquiriría el elenco. Por la voz asopranada de Caíto y porque sus integrantes ya eran seis por el retiro de otros instrumentistas, adoptan el nombre de Sexteto Soprano. El 12 de Enero de 1927, a los tres años exactos de su fundación, ya con el nombre de Estudiantina Sonora Matancera, se trasladan a probar suerte en el competido ambiente musical de La Habana. En los entarimados se codean con el Septeto Habanero, Septeto Boloña, Septeto Nacional, Trío Matamoros, Septeto Matancero y Septeto Pinareño. En noviembre de ese año y en los estudios itinerantes del sello Victor, llevan al acetato sus dos primeras grabaciones: Fuera, fuera chino, de José Manuel Valera y El porqué de tus ojos, de Valentín Cané. La década del treinta es la época de la expansión de la radio. Es el tiempo propicio para el son, el danzón, el danzonete, la rumba, la conga y la guaracha. Los artistas yumurinos (apelativo dado a los naturales de Matanzas) deciden cambiar su nombre a SONORA MATANCERA y comienzan presentaciones en vivo en la emisora El Progreso Cubano, más tarde llamada Radio Progreso. De 1932 a 1948, salen e ingresan varios músicos, que van definiendo el ritmo inconfundible y profusamente imitado de este colectivo musical. CONJUNTO SONORA MATANCERA En 1935, Calixto Leicea músico y compositor, con su trompeta sustituye a Ismael Goberna. Humberto Cané el hijo mayor del fundador Valentín, también ingresa al grupo para interpretar el tres, mientras su padre pasa a tocar la tumbadora. En enero de 1944 para imitar el formato musical de CONJUNTO, establecido dos años antes por Arsenio Rodríguez, ingresan Lino Frías pianista y Pedro Knight trompetista. Se apropian del nombre definitivo: CONJUNTO SONORA MATANCERA. El 15 de diciembre de 1945 hace presencia el talentoso cantante Bienvenido Granda, El Bigote que Canta. A finales del año y para el sello Panart, fundado recientemente en la isla, plasman su voz en el microsurco Humberto Cané, Caíto e Israel del Pino. El fundador de la agrupación, Valentín Cané, comienza a presentar síntomas de enfermedad respiratoria y en su relevo y para tocar la tumbadora, en 1948 entra al grupo Ángel Alfonso Furias, Yiyo. La tropa matancera está lista para aventurarse a conquistar el gusto musical de Mestizo América: Rogelio Martínez Díaz, director, corista y guitarrista. Pablo Vásquez Govín, Bubú, en el bajo. José Rosario Chávez, Manteca, con los timbales. Ángel Alfonso Furias, Yiyo, en la tumbadora. Calixto Leicea Castillo, primera trompeta. Pedro Night Caraballo, segunda trompeta. Lino Frías Gómez, pianista. Carlos Manuel Díaz Alonso, Caíto, con las maracas, cantante y corista. Bienvenido Granda, con la clave y cantante de planta. El acoplamiento de todos los instrumentos con las voces que convergen en el ritmo inconfundible y arrollador de la Sonora Matancera, se debió a la tesonera labor del arreglista Severino Ramos, Refresquito. El apoyo y la decidida colaboración de la emisora Radio Progreso fueron definitivos para la internacionalización del conjunto. La onda corta de la emisora tronaba como un cañón por toda la cuenca del Caribe. alt Sonora Matancera 1954 ÉPOCA DE ORO Es la comprendida entre 1950 y 1959. Es también época de oro para la farándula cubana. Es tiempo de esplendor y fantasía. En octubre de 1950 se inaugura en Cuba uno de los más ingeniosos inventos del siglo, la televisión. La pantalla chica se engalana con un séquito de artistas de todos los géneros. Con la Matancera graban rutilantes estrellas del campo farandulero nacional e internacional en connotados sellos disqueros: Panart, Cafamo, Ansonia, Stinson, RCA Victor y Seeco. El contrato de exclusividad que Rogelio Martínez, firmó en 1950 con la empresa norteamericana Seeco, se constituyó también en un factor determinante en el renombre internacional de los matanceros, porque esta compañía tenía distribución en casi todos los países americanos. Esta relación duró 15 años, pletóricos de triunfos y ganancias suculentas. El elenco de los cantantes que grabaron en la época de oro con la Sonora Matancera detallémoslo así: Bienvenido Granda desde 1945 hasta 1954 (cubano); Miguel de Gonzalo en 1947 (cubano); Alfredito Valdés en 1947, (cubano); Daniel Santos de 1948 a 1953 (puertorriqueño); Myrta Silva en 1949 (puertorriqueña); Celia Cruz de 1950 a 1965 (cubana); Manuel Puntillita Licea en 1951 (cubano); Leo Marini en 1951, 1952, 1955, 1958 y 1972 (argentino); Miguelito Valdés en 1951 y 1977 (cubano); Gloria Díaz en 1952 (cubana), Raúl del Castillo en 1952 (cubano), Las Hermanas Lago 1952 (cubanas), Martha Jean Claude en 1952 (haitiana) y Bobby Capó (puertorriqueño) en 1952; Nelson Pinedo desde 1953 hasta 1958 (colombiano); Vicentico Valdés en 1953 y 1958 (cubano); Rodolfo Hoyos en 1954 (cubano), Olga Chorens (cubana) y Tony Álvarez (cubano) en 1954: Estanislao Laíto Sureda (cubano) y Alberto Beltrán (dominicano) en 1954 y 1955; Celio González de 1955 a 1964 (cubano); Carlos Argentino Torres de 1955 a 1959 y luego en 1971 (argentino); Carmen Delia Dipiní en 1955 (puertorriqueña); Johnny López (puertorriqueño) y Chito Galindo (uruguayo) en 1957; Víctor Piñero (venezolano) y Rey Caney (cubano) en 1958. Grabaron todos los ritmos conocidos, desde la guaracha hasta la pachanga, pasando por el mambo y el chachachá. alt Sonora Matancera 1958 ÉPOCA EN EL EXTRANJERO Ante el cambio sociopolítico ocurrido en La Perla de las Antillas en enero de1959, la Sonora Matancera sale el 15 de julio de 1960 a cumplir un contrato en la ciudad de México, pretexto muy socorrido por muchos artistas que deseaban explorar otros horizontes, en vista de la situación confusa para desarrollar su trabajo que se palpitaba en la isla. En la tierra azteca estuvieron hasta 1962, cuando de común acuerdo se trasladan a vivir a la Capital del Mundo, siempre bajo la férrea batuta de Rogelio Martínez. La década del sesenta fue testigo de la segunda oleada de excelentes intérpretes. Aparecen nuevos cantantes: Willy El Baby Rodríguez de 1960 a 1965 (cubano); Alberto Pérez Sierra en 1960 (cubano); Emilio El Jarocho Domínguez en 1961 (mexicano); Justo El Mulato Betancourt de 1965 a 1970 (cubano); Elliot Romero en 1966 (puertorriqueño); Linda Leida (cubana) y Máximo Barrientos (puertorriqueño) en 1967; Gladys Julio (colombiana), Tony Díaz (cubano) y Kary Infante (cubana) en 1968. La Matancera continuó deleitando a todos los pueblos después de 1970 con el respaldo de nuevas voces: Yayo El Indio desde 1971 hasta 1994 (puertorriqueño); Welfo Gutiérrez de 1973 a 1976 (cubano); Toña la Negra en 1974 (mexicana); Jorge Maldonado de 1976 a 1981 (puertorriqueño); Ismael Miranda en 1984 (puertorriqueño). Su trasegar discurre por otras casas disqueras: MRVA, Orfeón, Fania, Bárbaro, WEA. Las giras a España, Francia, Italia, Alemania, Austria, Suecia, Finlandia, Noruega y Japón, se suceden con frecuencia. Su fama no tiene fronteras. Cuando con Celia Cruz en 1986, se presentan en los carnavales de la isla española de Tenerife, los aplauden 240.000 personas y establecen una marca difícil de igualar para cualquier conjunto de habla española en la música popular. APOTEOSIS A LOS 65 AÑOS En junio de 1989, celebran con bombos y platillos su aniversario número 65 con actuaciones en el Carnegie Hall y Central Park de la ciudad de Nueva York. Majestuoso espectáculo organizado por la influyente y no menos hermosa locutora boricua, Gilda Mirós. A la cita acuden 15 de los cantantes que en el pasado tronaron en los acetatos. Es también la despedida oficial de esta tierra para varios de los artistas. Pero el grupo de la Sonora Matancera parece inmune al paso del tiempo. En marzo de 1993 realizan las grabaciones postreras del pasado siglo con la voz de Yayo El Indio, incluidas en el disco compacto denominado De nuevo México. alt Sonora Matancera 1975 con Bienvenido El transcurrir del tiempo es inexorable y van muriendo muchas estrellas que van conformando el Coro Matancero Celestial. Don Rogelio Martínez Díaz, su director falleció el 13 de mayo del 2001. Su máxima estrella femenina, La Guarachera de Cuba, la sempiterna Celia Cruz, caminó el sendero celestial el 16 de julio de 2003. Celio González la siguió el 17 de octubre de 2004. El último de los cantantes en partir para la eternidad fue Welfo Gutiérrez en la ciudad de México el 31 de mayo de 2005. La Sonora Matancera actual con una nómina remozada, es batuteada por el pianista, arreglista y compositor cubano Javier Vásquez, hijo del legendario fundador Pablo Vásquez, Bubú. Tiene la anuencia, claro está, de Rogelio Martínez Jr., heredero universal del nombre de la agrupación. Desde Las Vegas, E. U. vuela a donde soliciten sus servicios. Con señalado éxito ha complacido a la matanceromanía de Bonaire, México y varias ciudades de Estados Unidos. En el año de 2009 grabaron su último trabajo titulado Hay Sonora pa Rato, con la nueva y fresca voz del boricua Darío Rosado. Nosotros con nuestros descendientes, proseguiremos cultivando la música inmarcesible de la Sonora Matancera, certificando la inmortalidad de este portentoso grupo, arquetipo y paradigma de la música popular. alt La Sonora Matancera en cifras: 87 años de existencia. 1.063 grabaciones originales. De ellas, fueron 380 boleros, que representa un 35% de su producción. 47 cantantes de 9 nacionalidades han dejado su voz en el acetato. De ellos 10 mujeres (24%). Por este meridiano sonoro pasaron 26 cubanos (55%), 11 puertorriqueños (23%). Se incluyen también dos colombianos (4%), dos argentinos y dos mexicanos. Ubicamos además a una haitiana, un venezolano, un uruguayo y un dominicano. 32 cantantes han realizado coros. 25 cantantes han sido acompañados en sus actuaciones sin llegar a grabar. 56 instrumentistas han actuado. 13 sellos disqueros han acogido sus grabaciones. 52 ritmos musicales han estado presentes en sus acetatos. 8 películas dan testimonio de su calidad musical. 32 países han visitado, varios en más de una ocasión. Las cosas mueren, cuando la última persona que tiene recuerdo de ellas, muere. Jorge Luis Borges alt Sonora Matancera 2012

Este internacionalmente exitoso grupo de pop latino fue formado en 1977 y consistía de los hermanos Carlos, Oscar y Ricky Meléndez más Nefty y Fernando Sallaberry. Su primer álbum se llamó Los Fantasmas. Muchos miembros, precisamente más de treinta, han venido y se han ido a través de los años, ya que cada miembro tenía que irse del grupo cuando alcanzaban los 16 años de edad. Menudo se convirtió en el primer grupo latino en grabar en lenguas extranjeras (no español). Sus álbumes fueron producidos en español, inglés, portugués, italiano y hasta tagalo, un lenguaje hablado en las Filipinas. Con mas de 20 millones de discos vendidos, veintitrés años de fundada y más de 33 integrantes que han pasado por sus filas, el grupo MENUDO (hoy conocido como MDO) se convirtió en la agrupación más grande de Latinoamérica y en la agrupación latina mas famosa de todos los tiempos. Recorrieron cinco continentes, realizaron discos en español, ingles portugués, italiano y Tagalo. Realizaron conciertos monumentales como en el Estadio Azteca (105 mil fans en 1983), La plaza de Toros de México (85 mil en el mismo año), Río de Janeiro (200 mil en 1984) y el más mounstroso de todos, el de São Paulo (con 220 mil fans ese mismo año). Millones de dólares en promociones y material colateral como libretas, carteras, prendas, loncheras, lápices, chicles, álbumes de figuritas, y por supuesto, los famosos macanudos, etc... Los fan clubs eran interminables y la fanaticada era y sigue siendo la más fiel de todas y además, MENUDO fue el precursor de los grupos juveniles posteriores como Los Chicos, Los Chamos, New Kids On The block, N*Sync, Backstreet Boys, entre otros. Comienzan entonces los ensayos y juntos con ellos, imprevistamente, surge el nombre que luego habría de hacerse famoso internacionalmente.: Menudo. Una tarde, Edgardo Díaz se encontraba reunido con sus artistas en plan de diversión pero también planificando el futuro del grupo. En esos momentos, mientras todos se divertían, hizo entrada la hermana de Edgardo, quien, sorprendida por todo el alboroto y las. risas, dijo: "que mucho 'menudo' hay aquí". Edgardo, que se las sabe todas, enseguida captó lo comercial de "menudo" y la decisión vino casi de inmediato. Es así que la propia hermana de Edgardo se convirtió, gracias a su ocurrencia, en la madrina de "Menudo". Con el grupo listo para su lanzamiento, "Menudo" comienza a hacer presentaciones personales en todos los pueblos de Puerto Rico y posteriormente, actuaciones en vivo en los más populares espacios de televisión. Y es aquí cuando Edgardo decide dar un paso que habría de resultar fundamental en el futuro del grupo: tocar a las puertas de Paquito Cordero y Canal 2 de Telemundo. Después de meses de diálogo "Menudo" consigue su primer espacio en televisión. Como era de esperarse, el programa tuvo un rotundo éxito y convirtió en uno de los más vistos de la televisión de Puerto Rico. Llega entonces el momento deáa prueba de fuego, cuando uno de sus integrantes, Nefty, se ve precisado a abandonar el grupo, al cumplir sus 15 años. Aún así, el mundo les sonríe. "Menudo" tiene ya grabados más de diez discos de larga duración y los contratos internacionales le llueven, gracias a esa primera oportunidad que le "dio el hermano país de Venezuela. Lo demás, es historia por todos nosotros conocida. La "menudomanía", ese sueno ideado una tarde por Edgardo Díaz recostado en su cama, es hoy una concreta realidad.

Historia En principio, Los Kjarkas surgió como una necesidad distractiva para sus integrantes, yendo de pueblo en pueblo con el deseo de poner énfasis en el folclore, tocaban lo que la gente pedía, "zambas argentinas", pues la música autóctona de Bolivia se quedaba en las carnestolendas (carnaval), y aún no se tenía el goce para el día a día, sin embargo poco a poco llegaron las peñas y comenzaron a hacer énfasis en ritmos más propios del país como las cuecas, wayñus o bailecitos de compositores como Simeón Roncal, Gilberto Rojas o Teófilo Vargas. Según la biografía contada por los propios fundadores, se revolucionaría el pensar y el sentir de todos los seguidores de la música boliviana, puesto que los Kjarkas comenzaron a imponer un estilo diferente, una nueva forma de interpretar la gran música boliviana que ahora es escuchada en todo el mundo. Refundación Tras esos inicios, los integrantes abandonan el grupo y Gonzalo Hermosa refunda el grupo con los músicos Eddy Carpio, Antonio Canelas y Alcides Mejía. Durante más de 10 años, Los Kjarkas se van perfeccionando en la composición e interpretación de la música boliviana. Se presentan en La Paz por primera vez en 1975 tras ir dando tumbos en fiestas privadas; ese mismo año, representaron a su país en el festival de música folclórica de Brasil. Cronología En 1976, publican en México su primer álbum, Bolivia, con el sello discográfico Heriba. En este disco figuran nueve canciones, casi todas ellas compuestas por Gonzalo Hermosa, de las que destaca Bolivia, donde se desarrollo el primer videoclip folklorico de la historia de su país, un canto a su patria que se convirtió en un segundo himno nacional y que es canción obligada en todos sus conciertos. También podemos encontrar en este disco canciones como: La leyenda del amor, una composición muy hermosa que narra la vida de una flor en los tiempos incaicos. Con el éxito ya ganado, el grupo se nutre de otros dos hermanos Hermosa: Ulises y Élmer (13/11/1960), Toño Canelas, Gastón Guardia (26/5/1959), Guillermo Ponce y Édgar Villarroel (homónimo del fundador). La incorporación de Ulises Hermosa dio lugar a la composición de piezas musicales propias muy importantes en la historia de Los Kjarkas, potenciadas en gran medida con la solemne voz de Élmer Hermosa y los vientos de Gastón Guardia. En 1977 publican el segundo álbum, Sueño milenario de los Andes, o como salió en esa época en 2 LPs con el nombre de "Fortaleza" lanzados entre 1977 y 1978 por la empresa discográfica SABA, con canciones de muy marcadas raíces folclóricas. El grupo se fue haciendo más popular, organizando giras no sólo por Bolivia, sino por toda Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón, país donde han obtenido una fama particular. En 1980, publican Cóndor Mallku, donde comienzan a incluir temas románticos que se alejan algo más del folclor tradicional, inno?vando los ritmos y temáticas. En este disco empiezan a hacerse patentes las cualidades artísticas de los hermanos Hermosa en canciones como Ella es o Pequeño amor, canciones que nos hablan de amor, con un toque filosófico y poético en sus letras. En 1981, se incorporan al grupo Julio Lavayén y Ramiro de la Zerda y es editado el álbum Desde el alma de mi pueblo, en el que destaca Por un sueño de amor. Así, disco a disco, Los Kjarkas van creciendo en fama y arte durante los años 80 y se convierten en el principal grupo musical de Bolivia, cuya repercusión traspasaría fronteras y mares. Simon Julio Lavayen Frias Da Nueva perspectiva y evoluciona el charango con la destreza del manejo de este hermoso instrumento que hoy en dia sigue evolucionando. En 1984, Los Kjarkas fueron invitados al XV Festival de Música Popular de Japón donde competían más de 1.800 canciones de todo el mundo para el primer premio. La composición de Ulises Hermosa Florcita azul quedó en el décimo lugar, este evento abrió a Los Kjarkas el éxito particular que tienen en la actualidad en el país del Sol naciente. Plagios y polémicas en torno al tema «Llorando se fue» El tema titulado «Llorando se fue» es una de las composiciones de los Kjarkas más utilizadas por otros artistas para interpretarlas en diversas versiones; en algunos casos protagoni?zando escándalos y procesos judiciales por plagio. Uno de los casos más sonados fue el protagonizado por la agrupación Kaoma en 1989, quien lanzara al mercado el tema Chorando se foi (conocido simplemente como «La lambada»). El caso fue ganado por los Kjarkas quienes probaron la autoría del tema y demostraron el plagio de la agrupación Kaoma,[1] recibiendo una indemnización. Posteriormente en el 2006 el dúo reguetonero Wisin & Yandel habría utilizado una parte del tema en su canción Pam Pam; 4 años más tarde, en el 2010 Don Omar también utilizaría el tema con parte de su letra en castellano en el tema Taboo. A inicios del 2011, los artistas Jennifer López y Pitbull interpretaron el tema On the floor, en donde se utilizaba parte de la melodía del tema. En los casos de los temas «Taboo» y «On the floor» los artistas mencionan la autoría de los hermanos Ulises y Gonzalo Hermosa. Derivaciones Los años pasaban y se incorporaban músicos como Edwin Castellanos y Fernando Torrico, que más tarde abandonarían el grupo para formar el dúo Tupay dejando sus composiciones como; Ritmo negro, Mi samba mi negra, El piclaflor, No temas enamorarte, que después los Kjarkas estarían interpretando. En los años 80 salen canciones tan importantes como Canto a la mujer de mi pueblo, Wayayay, Imillitay, Oruro, Tiempo al tiempo, Chukiago Marka, Solo, etc. En 1989, editan el único álbum en el que no cantan, titulado Ch'uwa yaku. Miembros Los Kjarkas, inicialmente estaba conformado por los hermanos Hermosa, Wilson, Castel y Gonzalo, mas un cuarto miembro Edgar Villarroel. Con el transcurrir de los años se han incorporado varios otro miembros como; Elmer Hermosa, Gaston Guardia, Makoto Shishido, Francisco Hurtado, Braulio Sanchez por mencionar algunos. Fallece Ulises Hermosa En 1992, el grupo se vio fuertemente resentido por la enfermedad de Ulises Hermosa, el cual fallece de cáncer en la ciudad de Houston tras una penosa agonía en esta localidad. Antes de morir, concluyó la canción El árbol de mi destino, la cual fue publicada póstumamente por el grupo. Al año siguiente, Los Kjarkas publican el disco Hermanos, cuyo tema principal es la composición Tarajchi del desaparecido Ulises, pero con letra añadida por su hermano Gonzalo, que describe la historia y sentires de la familia Hermosa. En los años 90, se incorporaron al grupo Rolando Malpartida, Eduardo Yáñez, Alcídes Me?jía, Miguel Mengoa y José Luis Morales. Siguieron cosechando éxitos como Señora, su hija, Mi pecado, Ave de cristal, A los 500 años, La pícara y El líder de los humildes. En 1997, Los Kjarkas publicaron su primer vídeo, Por siempre..., en el que se televisa la presentación del disco en el Hotel Presidente. Nuevos Artistas El nuevo milenio trae importantes cambios en Los Kjarkas: el grupo se rejuvenece con nuevos y jóvenes artistas como Gonzalo Hermosa Jr., Lin Angulo y el japonés Makoto Shishido. Ello da un nuevo enfoque a las composiciones, como Lección de vida, Saya sensual, Kamanchaca, etcétera. En el año 2006, Los Kjarkas publican su más reciente disco, 35 años, que conmemora el aniversario de la aparición del grupo. Nuevo Milenio Actualmente los Kjarkas continúan con su éxito con sus nuevas temas como : "Fría" (Taquirari), "Munasq'echay" (K'antu) y reciben un Disco de Oro por la venta de 2 mil ejemplares de su última producción. Kjarkas el 2010 graba con el grupo Prisma una canción titulada "No te puedo olvidar" esta canción tiene el propósito de fusionar la gran riqueza de nuestros instrumentos y sonidos folclóricos, como el charango las zampoñas de la mano de todos los KJARKAS con los instrumentos electrónicos y el acordeón característicos de “PRISMA”. La canción es de autoria de Kjarkas y Prisma, ademas es cantada por Silvana Mallcu, Rocío Mallcu de Prisma y la voz inconfundible de KJARKAS Elmer Hermosa. "No te puedo olvidar" promete ser todo un éxito, así? como todas las canciones de Kjarkas, este proyecto es muy serio por este motivo kjarkas y Prisma rodaran su video clip en formato cinematográfico para que se pase el vídeo en todos los canales de televisión a nivel mundial (Ritmoson, telehit, Mtv, htv, etc). Recientemente algunos de los hijos de Los Kjarkas han fundado un nuevo grupo musical llamado Chila Jatun. Discografía 1976 Bolivia 1977 Kutimuy 1977 Sueño nilenario de los Andes 1980 Cóndor mallku 1981 Canto a la mujer de mi pueblo 1981 Desde el alma de mi pueblo 1982 En vivo desde Europa 1983 Sol de los Andes 1984 Pueblos perdidos 1985 Los Kjarkas desde Japón 1987 El amor y la libertad 1988 Chuquiago marka 1989 Génesis aymara 1989 Sin palabras (Ch'uwa Yacu) 1990 Los Andes descubrió su rostro milenario 1991 Tecno Kjarkas (recopilatorio en estilo tecno) 1992 El árbol de mi destino 1993 Hermanos 1994 A los 500 años 1995 Quiquin... Pacha (Por un mundo nuevo) 1996 Sentimiento Andino 1997 Por siempre (recopilatorio) 1998 Al carnaval 1998 El líder de los humildes 1999 El concierto del siglo (vídeo concierto) 2000 Kaluyos y pasacalles 2001 30 años solo se vive una vez (recopilatorio) 2001 Lección de vida 2001 Navidad en los Andes (Villancicos folkloricos) 2002 Que no muera la tradición Vols. 4 y 5 2004 Más allá (DVD concierto) 2006 35 años (DVD de videoclips) 2010-11 40 años (junto con los antiguos integrantes) OFICIAL Los Kjarkas es un grupo musical boliviano fundado en Capinota (Bolivia) en 1965 por los hermanos Hermosa: Wilson, Castel y Gonzalo (2/10/1950), más Édgar Villarroel. El nombre del conjunto tiene su origen en la palabra kharka, del quechua sureño, que significa "temor o recelo". Los primeros Kjarkas [editar] En principio, Los Kjarkas surgió como una necesidad distractiva para sus integrantes, yendo de pueblo en pueblo con el deseo de poner énfasis en el folklore, tocaban lo que la gente pedía, "zambas argentinas", pues la música autóctona de Bolivia se quedaba en las carnestolendas (carnaval), y aún no se tenía el goce para el día a día, sin embargo poco a poco llegaron las peñas y comenzaron a hacer énfasis en ritmos más propios del país como las cuecas, wayñus o bailecitos de compositores como Simeón Roncal, Gilberto Rojas o Teófilo Vargas. Según la biografía contada por los propios fundadores, se revolucionaría el pensar y el sentir de todos los seguidores de la música boliviana, puesto que los Kjarkas comenzaron a imponer un estilo diferente, una nueva forma de interpretar la gran música boliviana que ahora es escuchada en todo el mundo. Refundación [editar] Tras esos inicios, los integrantes abandonan el grupo y Gonzalo Hermosa refunda el grupo con los músicos Eddy Carpio, Antonio Canelas y Alcides Mejía. Durante más de 10 años, Los Kjarkas se van perfeccionando en la composición e interpretación de la música "boliviana". Se presentan en La Paz por primera vez en 1975 tras ir dando tumbos en fiestas privadas; ese mismo año, representaron a su país en el festival de música folclórica de Brasil. En el año 1976, publican en México su primer álbum, Bolivia, con el sello discográfico Heriba. En este disco figuran nueve canciones, casi todas ellas compuestas por Gonzalo Hermosa, de las que destaca Bolivia, un canto a su patria que se convirtió en un segundo himno nacional y que es canción obligada en todos sus conciertos. También podemos encontrar en este disco canciones como: La leyenda del amor, una composición muy hermosa que narra la vida de una flor en los tiempos incaicos. Con el éxito ya ganado, el grupo se nutre de otros dos hermanos Hermosa: Ulises y Élmer (13/11/1960), Toño Canelas, Gastón Guardia (26/5/1959), Guillermo Ponce y Édgar Villarroel (homónimo del fundador). La incorporación de Ulises Hermosa dio lugar a la composición de piezas musicales propias muy importantes en la historia de Los Kjarkas, potenciadas en gran medida con la solemne voz de Élmer Hermosa y los vientos de Gastón Guardia. De esa manera, publican en 1977 el segundo álbum, Sueño milenario de los Andes, o como salió en esa época en 2 LPs con el nombre de "Fortaleza" lanzados entre 1977 y 1978 por la empresa discográfica SABA, con canciones de muy marcadas raíces folclóricas. El grupo se fue haciendo más popular, organizando giras no sólo por Bolivia, sino por toda Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón, país donde han obtenido una fama particular. En 1980, publican Cóndor Mallku, donde comienzan a incluir temas románticos que se alejan algo más del folclor tradicional, innovando los ritmos y temáticas. En este disco empiezan a hacerse patentes las cualidades artísticas de los hermanos Hermosa en canciones como Ella es o Pequeño amor, canciones que nos hablan de amor, con un toque filosofico y poetico en sus letras. En 1981, se incorporan al grupo Julio Lavayen y Ramiro de la Zerda y es editado el álbum Desde el alma de mi pueblo, en el que destaca Por un sueño de amor. Así, disco a disco, Los Kjarkas van creciendo en fama y arte durante los años 80 y se convierten en el principal grupo musical de Bolivia, cuya repercusión traspasaría fronteras y mares. En 1984, Los Kjarkas fueron invitados al XV Festival de Música Popular de Japón donde competían más de 1.800 canciones de todo el mundo para el primer premio. La composición de Ulises Hermosa Florcita azul quedó en el décimo lugar, este evento abrió a Los Kjarkas el éxito particular que tienen en la actualidad en el país del Sol naciente. A finales de los 80, en pleno auge del grupo, un desafortunado incidente dio a Los Kjarkas una fama y repercusión mundial aún mayores. Un grupo brasileño llamado Kaoma lanzó al mercado musical una pegadiza canción titulada Lambada (canción), que se bailaba a ritmo brasileño. La canción resultó ser un plagio[1] de la composición de Ulises Hermosa “Llorando se fue”, editada en 1984 en ritmo de caporal, aunque la primera versión era en ritmo de huayño, por suerte esta canción estaba registrada en Alemania y por ello Kaoma tuvo que indemnizar a Los Kjarkas con una suma de dinero cuyos destinatarios nunca han querido revelar. La repentina fama lograda por el grupo hizo que el término "Saya" se confunda con "Caporal", no sólo a nivel internacional sino también en la misma Bolivia. Otra controversia también de la canción "Llorando se fue", esta vez fue la demanda legal contra el dueto reggaetonero Wisin y Yandel, que se habría utilizado parte de este tema musical, de autoría de Los Kjarkas en la canción titulada "Pam Pam" de 2006. Con respecto al videoclip que fue filmado en Río de Janeiro (Brasil), parece que fue inspirada en el grupo Kaoma que les hizo famoso con el tema musical "Lambada" [1]. Los años pasaban y se incorporaban músicos como Edwin Castellanos y Fernando Torrico, que más tarde abandonarían el grupo para formar el dúo Tupay. De los años 80 salen canciones tan importantes como Canto a la mujer de mi pueblo, Wayayay, Imillitay, Oruro, Tiempo al tiempo, Chukiyaqu Marka, Solo, etc. En 1989, editan el único álbum en el que no cantan, titulado Ch’uwa yaku. En 1992, el grupo se vio fuertemente resentido por la enfermedad de Ulises Hermosa, el cual fallece de cáncer en la ciudad de Houston tras una penosa agonía en esta localidad. Antes de morir, concluyó la canción El árbol de mi destino, la cual fue publicada póstumamente por el grupo. Al año siguiente, Los Kjarkas publican el disco Hermanos, cuyo tema principal es la composición Tarajchi del desaparecido Ulises, pero con letra añadida por su hermano Gonzalo, que describe la historia y sentires de la familia Hermosa. En los años 90, se incorporaron al grupo Rolando Malpartida, Eduardo Yáñez, Alcídes Mejía, Miguel Mengoa y José Luis Morales. Siguieron cosechando éxitos como Señora, su hija, Mi pecado, Ave de cristal, A los 500 años, La pícara y El líder de los humildes. En 1997, Los Kjarkas publicaron su primer vídeo, Por siempre..., en el que se televisa la presentación del disco en el Hotel Presidente. El nuevo milenio trae importantes cambios en Los Kjarkas: el grupo se rejuvenece con nuevos y jóvenes artistas como Gonzalo Hermosa Jr., Lin Angulo y el japonés Makoto Shishido. Ello da un nuevo enfoque a las composiciones, como Lección de vida, Saya sensual, Kamanchaca, etcétera. En el año 2006, Los Kjarkas publican su más reciente disco, 35 años, que conmemora el aniversario de la aparición del grupo. Actualmente los Kjarkas continuan con su exito con sus nuevas temas como : "Fría" (Taquirari), "Munasq'echay" (K'antu) y reciben un Disco de Oro por la venta de 2 mil ejemplares de su última producción. Integrantes [editar] Gonzalo Hermosa Gonzalez: Cantante, compositor y líder del grupo, nacido el 2 de octubre de 1950 en Capinota (Cochabamba), además hermano mayor del cantante Ulises Hermosa y Elmer Hermosa. En 1965 junto a sus dos hermanos Elmer y Ulises, fundaron el grupo llamado Los Kjarkas, que gracias a su talento, como también con la colaboración de su hermano, el grupo tuvo mucho éxito a nivel internacional. Actualmente Gonzalo se encuentra en algunos planes de proyectos para que el grupo realice grandes conciertos a nivel nacional como también internacional. Elmer Hermosa: Voz principal del grupo folclórico los Los Kjarkas, nacido el 13 de noviembre de 1960 en Capinota (Cochabamba), es compositor y hermano menor del cantante y líder del grupo Gonzalo Hermosa González. Cuando el grupo se formó el también años más tarde se integró, no solamente con su voz sino también como músico tocando instrumentos autóctonos como el ronroco y el charango. HISTORY OF LOS KJARKAS Los Kjarkas is a Bolivian band from the Capinota province in the department of Cochabamba, and one of the most popular Andean folk music bands in the country's history. Among the styles they play are Saya, tuntuna, huayño, and carnavales. The instruments they use include the charango, quena, zampona, ronroco, guitar, andbombo. The band's leader has always been singer, guitarist, and songwriter Gonzalo Hermosa González, who formed the band with his brothers Élmer Hermosa González and Ulises Hermosa González, as well as Gastón Guardia Bilboa and Ramiro de la Zerda. De la Zerda left group to form Grupo Fortaleza and Ulises Hermosa died of cancer in 1992, being replaced by Eduardo Yáñez Loayza, Rolando Malpartida Porcel and José Luis Morales Rodríguez. By 2002, Lin Angulo, Gonzalo Hermosa Camacho, and Japanese-born Makoto Shishido had replaced Yáñez, Porcel, and Rodríguez. Makoto joined the band after seeing them play in Japan. In the later 2000s, Élmer Hermosa was diagnosed with diabetes. [1] In 2010, Edwin Castellanos, who was in the band from 1983 to 1995, became mayor of the city of Cochabamba. [2] Kjarkas have founded two schools teaching Andean folk music: the Musical School of Kjarkas (Lima, Peru) and La Fundación Kjarkas (Ecuador). They have toured across Japan, Europe, Scandinavia, the United States, South America, and Australia, and have composed over 350 songs. Among their most popular are "Imillitay", "Al Final", "Canto a la mujer de mi pueblo", and "Pequeño Amor". An unauthorized translation of their song "Llorando se fue" by French producers Jean Karakos and Olivier Lorsac resulted in Kaoma's hit "Lambada". After a successful lawsuit, Kaoma paid to license the song. The song was also sampled on Don Omar's "Taboo" and on Jennifer López's single "On the Floor". The group's music was also used for the Argentine-Dutch film Bolivia (2001). Discography[edit]Studio albums Bolivia (1976) Kutimuy (1977) Sueño milenario de los andes (1977) Condor Mallku (1980) Desde el alma de mi pueblo (1981) Canto a la mujer de mi pueblo (1981) Sol de los andes (1983) Pueblos perdidos (1984) Desde el japón (1985) El amor y la libertad (1987) Chuquiago Marka (1988) Génesis Aymara (1989) Sin palabras (1989) Los andes... descubrió su rostro milenario (1990) Techno Kjarkas (1991) El arbol de mi destino (1992) Hermanos (1993) A los 500 años (1994) Por siempre (1997) El lider de los humildes (1998) Lección de vida (2001) 35 años (2006) 40 años despues (2012)

Su nombre completo es Cynthia Karina Moreno Elías, nace en Lima Perú el día 19 de noviembre de 1968 a las 9:25 am., siendo su signo regente Escorpio con ascendente Capricornio. Al año de nacida su familia se radica en Venezuela. Sus padres son Cynthia Elías de Moreno y Daniel Moreno. Tiene tres hermanos mayores Ivette, Mónica y Carlos, y un hermano dos años menor que ella, Moshe (quien durante un tiempo fue su manager). Desde muy temprana edad toma clases de órgano. Fue alumna en un colegio de judío donde aprende hebreo pero ademas del español, también habla ingles. Hasta los 15 años es aficionada al tenis, y en el bachillerato se desempeña como secretaria de festejos y cultura, organizando bailes israelíes en los que también cantaba y bailaba. En las reuniones con amigos y familiares le gustaba cantar imitando a Barbara Streisand. Ingresa como estudiante de la Escuela de Comunicación Social en la Universidad Católica Andrés Bello, pero muy pronto deja los estudios para dedicarse a su verdadera vocación: Ser cantant. En 1984 firmó un contrato con la discográfica Rodven Discos Inició su carrera cuando participó en LP: «El Taller Del Orfebre» (basada en el Papa Juan Pablo II), donde interpretó los temas “Zapatos De Tacón Alto”, “Lo Que Es El Amor”, “Recuerdos” (a dúo con Guillermo Dávila y Karina), “Canción De La Boda” (dúo: Guillermo Dávila y Karina), destacando por su calidad vocal y gran desempeño en el escenario. Con este disco, Karina se da a conocer con el tema que recorrio toda venezuela "ZAPATOS DE TACÓN ALTO" y se logró montar el los primeros lugares de las carteleras musicales en venezuela. En esta primera producción compartio escenario con estrellas de la talla de "LA Reina del Rock" MELISSA, GUILLERMO DAVILA, entre otros. En todas sus presentaciones siempre se mostro muy sencilla, jovial, una chica con una propuesta de lux de muñeca, con una impresionante calidad vocal. Grabó su primera producción discográfica: Amor A Millón de la cual se desprendieron los singles de: “Sé Cómo Duele”, “A Quién”, “Y Si Me Dice”, “Te Adoro”, “Sálvame” y “Amor A Millón”, "Que extraño es el amor", "Enamorados de la noche" . Con este Disco, Karina logró ser reconocida tanto como por el público venezolano como por el de Latinoamérica "MEXICO, ECUADOR, EEUU, HONDURAS, GUATEMALA, COLOMBIA". “Sé Cómo Duele” fue el tema de entrada de la telenovela “Carmín” emitida por Venevisión, y los temas “A Quién,y “Y Si Me Dice” y el mismo "Se como duele" contaron con sus respectivos videoclips. El álbum fue producido por su esposo Marcello Azevedo, que para ese entonces ya había logrado experiencia tras trabajar con otros artistas como Chayanne y Paulina Rubio. El disco incluía regrabaciones de sus viejos éxitos (“Sé Cómo Duele”, “Sálvame”, “A Quién”, “La Noche Es Mágica”, entre otros) junto a siete temas nuevos. Fueron lazandos como singles los temas “Sin Ti” y “Borrón Y Cuenta Nueva”, los cuales lograron altos niveles de popularidad. Nace su segunda hija: Hanna nacida en 2005. En Enero de 2006 Karina volvió a México a participar, como parte del grupo de maestros, de la emisión dominical de Televisa "Cantando Por Un Sueño". También formó parte del elenco de figuras musicales que participaron en la emisión Disco de oro, de TV Azteca quedando en segundo lugar tras una reñida final contra la cantante Beatriz Adriana. Karina inicia una gira de conciertos y visita por diferentes paises, mostrando su nuevo material y excelente puesta en escena. Mexico, Panama, Ecuador, EEUU y Venezuela fueron atrapados por la melodia de sin ti, y una interpretación acúistica de temas que se convierten en clásico luego de estar por más de 20 años en el corazon y la mente de muchos en diferentes paises. En Venezuela se representó durante todo el mes de mayo del año 2007, en el Aula Magna de la UCV.y en el mes de octubre de ese mismo año se represento en el Aula Magna de la Universidad Rafael Urdaneta en Maracaibo. Sus intérpretes fueron Johnny Sigal como Jesús, Karina como María Magdalena y Luke Grande como judas. La dirección corrió por cuenta de Michel Hausmann. En Febrero de 2008 graba para la el canal zunivision tv en maracaibo, el unitario "Culpable Inocencia", donde karina es Filomena Marturano, acompañada del actor carlos montilla, es un unitario de 6 capítulos que se estrenarà en marazo del 2008. karina anuncia en la entrevista de Radio Queo nda lucero el lanzamiento de su próximo disco. Karina continua con una paretada gira de ocnciertos a nivel nacional e internacional...

(Guayaquil, 1935 - 1978) Cantante ecuatoriano. Conocido con los apodos de El Ruiseñor de América y Míster Juramento, Julio Jaramillo es considerado el mejor cantante ecuatoriano de todos los tiempos. Sus canciones, que hablan de amores y desencuentros, calaron profundamente en el público que se reflejaba en ellas. Muchos consideran a este cantante como uno de los símbolos de la identidad nacional. Las melodías que popularizó, entre las que cabe mencionar De cigarro en cigarro, Alma mía, Interrogación, Odio en la sangre, Te odio y te quiero, Carnaval de la vida o Cuando llora mi guitarra, todavía se escuchan en las radios de Latinoamérica. Julio Jaramillo Habiendo perdido a su padre cuando apenas contaba con seis años de edad, su madre trabajó como enfermera para mantenerlo. Julio fue muy enfermizo durante su infancia: padeció bronconeumonía, difteria, disentería, y hasta tuvo un principio de parálisis infantil. Creció escuchando al dúo Guayaquil, a Olimpo Cárdenas, a Carlos Rubira Infante y al dúo Villafuerte, artistas que marcaron una época en la música nacional y que influyeron en su vocación por el canto. Junto con Pepe, su hermano mayor, y contra la voluntad de su madre, comenzó a cantar en casa del músico Toapanta. Realizó sus estudios en la Filantrópica y en una escuela fiscal, bajo la dirección del maestro Lauro Dávila, precisamente autor del pasillo Guayaquil de mis amores. Terminada la primaria, se empleó en una zapatería de calzado para mujer, y luego como barnizador de muebles. A los diecisiete años ya era conocido por su hermosa y cálida voz, y participaba en programas de Radio Cóndor. En 1950 se unió con dos amigos y se dieron a recorrer los pueblos de Esmeraldas y Manabí cantando en trío. En alguna oportunidad se vio obligado a volver a su oficio de zapatero para sobrevivir. A pesar de los reproches, castigos, lágrimas y ruegos de su madre, no fue capaz de dejar su vida bohemia y parrandera. Con la grabación de su primer disco, Pobre mi madre querida (1954), en dúo con doña Fresia Saavedra, su nombre comenzó a ser conocido. A éste le siguieron el pasillo Esposa (1955), en dúo con Carlos Rubira Infante. El salto a la fama se dio en 1955 con su vals Fatalidad, que fue difundido por todas las radios del Ecuador y por las principales emisoras de otros países. La grabación de esta canción marcó el inicio de su carrera formal y de su reconocimiento. Su consagración internacional llegó con el bolero Nuestro juramento (1957), momento en que realizó varias giras por América Latina: comenzó un peregrinaje por Ecuador, Colombia, Perú, Argentina, Uruguay y Chile. Al regresar a su país, fue detenido y llevado a cumplir el servicio militar. Vuelto a la vida civil en 1960, siguió con su carrera, alcanzando actuaciones de hasta cuatro meses consecutivos en el cine Guayas de Guayaquil, con lleno completo. Participó en la película Romance en Ecuador y en otra rodada en Argentina. En 1965 se radicó en Venezuela, desde donde realizó giras triunfales por México, Puerto Rico y toda América Central. Grabó en dúo con Daniel Santos, Alci Acosta y Olimpo Cárdenas. Su última gira internacional tuvo lugar por Estados Unidos y Canadá. Los escándalos de su turbulenta vida también eran con frecuencia noticia. Varias veces fue apresado y casi siempre por problemas de mujeres o por incumplimiento con el Tribunal de Menores. Además de haberse casado cinco veces, tuvo hijos con otras mujeres, que llegaron a sumar un total de veintiocho. Nunca negó sus orígenes humildes, se mostraba generoso, despilfarrador del dinero con sus amigos, y prototipo del machismo porteño. A su regreso al Ecuador en 1975, cansado, envejecido prematuramente y carcomido por la cirrosis, fue abucheado en una actuación en su ciudad natal porque su voz ya no era la de antes. En los últimos años tenía un programa en Radio Cristal titulado "La hora de J. J.", de cuya propaganda a duras penas sacaba para vivir. No obstante, cuando Julio Jaramillo murió, el pueblo lo consideraba todavía como el gran cantante, lo cual contribuyó a que en torno a él se tejiera la leyenda. Muerto a la edad de tan sólo cuarenta y tres años, sus restos recibieron una despedida como ningún otro personaje popular ha conocido en Guayaquil, pues se calcula que fueron acompañados por unas 250.000 personas. Después de su muerte, un empresario argentino lanzó al mercado los discos de larga duración que contenían las canciones (muchas de ellas inéditas) que Julio le grababa cuando tenía necesidad de dinero, dando así base al dicho popular de que "el Ruiseñor cantaba mejor después de muerto". Su vida ha sido llevada al cine en el largometraje Nuestro Juramento, rodado en México y Guayaquil, con argumento de su hermano Pepe.

(Juan Luis Guerra Sijes; Santo Domingo, República Dominicana, 1957). Cantante dominicano. Siendo el menor de tres hermanos, a los diez años aprendió a tocar la guitarra, aunque su afición no empezará a demostrarse hasta mucho después, a mitad de sus estudios de Filosofía y Letras que inició en 1975. En 1980 Juan Luis Guerra marchó a Boston para estudiar composición en el afamado Berkeley College Of Music, aunque debía volver periódicamente a su país para conseguir el dinero -trabajando en un canal de televisión- con el que pagarse su estancia en los Estados Unidos. Juan Luis Guerra (derecha) y los 4-40 En 1984 grabó por su cuenta el material que compondría el álbum Soplando, rechazado en un principio por la discográfica Karen, que sí aceptará un año más tarde los temas que aparecen bajo el rótulo de Mudanza y acarreo. En 1986 se editó el álbum Mientras más lo pienso, tú con cambios en la formación que habitualmente servía de respaldo a Juan Luis Guerra, Los Cuatro Cuarenta, en cuyo seno permanecía hasta entonces Maridalia Hernández, sustituida ahora por Marco Hernández. En su país se convierte en un ídolo, junto a Víctor Víctor (para muchos su maestro). El tema Woman Del Callao (incluido en Mientras más lo pienso, tú) se editó en España y Juan Luis Guerra Y Los Cuatro Cuarenta realizaron su primera visita promocional a dicho país. Todo un éxito, en especial desde que Camarón incluyera su versión del tema Amor de Conuco (a dúo con Ana Belén) en su álbum Soy Gitano. Así comenzó en España el fenómeno Juan Luis Guerra. En 1990 ve la luz por fin en el mercado americano el LP Soplando y en España se edita Ojalá que llueva café y el recopilatorio Mosquito Coast. Mientras tanto, se publica en la República Dominicana Bachata Rosa (editado en España en 1991, marcando el punto más alto de su popularidad), con nuevos cambios en su grupo (Adalgisa Pantaleón sustituye a Mariela Mercado en las giras, aunque ambas seguirán presentes en sucesivas grabaciones). En 1991 la gira española de Juan Luis Guerra arrasa, llegando a poner el no hay entradas con cuatro días de antelación en su actuación de febrero celebrada en el Pabellón del Real Madrid y más de un cuarto de millón de asistentes al total de sus conciertos. Una grave enfermedad en la vista interrumpió la grabación del álbum Areito, que acabó siendo mezclado en Nueva York y cuyo tema El costo de la vida entró en el puesto número treinta y cuatro de la lista de singles de música latina de la revista Billboard. En enero de 1993 fue ya el álbum número cinco en ventas, según la misma publicación. Juan Luis Guerra fue presentado por todo lo alto en el Radio City Music Hall de Nueva York y se extendieron los rumores (desmentidos por sus posteriores trabajos) de sus intenciones de abandonar la música. En 1998, después de cuatro años de silencio discográfico, Juan Luis Guerra reapareció con un nuevo trabajo con el título No es lo mismo ni es igual. En este su quinto álbum aparecen curiosos temas cargados de humor e ironía, como en Mi PC, una burla de la jerga informática en clave romántica; y otros con una fuerte carga de crítica social, como es el caso de El Niágara en bicicleta, en el que relata una historia de hospitales pobres. En poco más de un año llegaría su sexto trabajo, Colección romántica, un álbum recopilatorio de sus canciones de amor más populares: Bachatta rosa, Burbuja de amor, Estrellitas y duendes, Amapola, etc. En octubre de 2004 apareció un nuevo disco de Guerra, ya sin los 4-40, titulado Para ti, un álbum en el que presenta once canciones completamente dedicados a alabar a Dios, toda vez que el cantante dominicano se había convertido previamente a la Iglesia evangelista. A pesar de este marcado acento religioso, y de que los ritmos están más cercanos al goospel que a las bachatas, merengues y salsas que le hicieran famoso, fue un completo éxito de ventas. Con La llave de mi corazón (2007) fue el gran triunfador en la gala de los premios Grammy Latinos.

Nació el 7 de enero de 1950 en Parácuaro, Michoacan. Hijo de Gabriel Aguilera Rodríguez y de Victoria Valadés Rojas, ambos campesinos. Bautizado como "Alberto", en honor al personaje de una historia cubana, "El derecho de nacer", llamado Albertico Limonta, de moda gracias a una radionovela de la XEW. Fue el menor de un total de diez hermanos; Rosa, quien murió casi recién nacida; Virginia, su única y consentida hermana; José Gudalupe, Gabriel, Pablo, Miguel (ya fallecido) y tres rafaeles que también murieron. Casi recién nacido, su padre quemó un pastizal con la intención de volver a sembrar posteriormente; el fuego invade otras propiedades, y angustiado por el problema, sufre un "shock" y enferma. Tuvo que ser internado en el entonces tristemente célebre nosocomio de "La Castañeda", en la Ciudad de México. Se cuenta que ahí murió aunque hay testigos que dicen que se escapó. Este hecho inspiraría a Juan Gabriel para escribir la canción: "De sol a sol. A los siete meses de edad fue llevado a Ciudad Juárez, donde transcurrió su niñez. Cuando cuenta cuatro años, ingresa como interno en la escuela de mejoramiento social para menores, más conocida como "El tribunal", donde permaneció por espacio de ocho años. A los siete años de edad conoce a Juan Contreras de Zacatecas, maestro de hojalatería, quien le enseño a trabajar. Consideró a su maestro como un padre. En recuerdo a este hombre, posteriormente adoptaría el nombre de Juan; y Gabriel, en memoria de su padre. Su primer nombre artístico fue Adán Luna. Entonces debuta con la canción "María la bandida", de José Alfredo Jiménez, acompañado por el mariachi de Gil Soledad y su banda. Antes de Grabar como solista trabajó haciendo coros de grandes figuras de la canción como Roberto Jordán, Angélica María, Estela Núñez y César Costa. Fue acusado de robo e internado casi año y medio en el penal de Lecumberri. De tal experiencia surgió más tarde la película "Es mi vida", protagonizada por él mismo. Ahí tuvo la oportunidad de conocer, por medio del director de la cárcel, a Queta Jiménez "La Prieta Linda", quien no sólo abogó por él para que fuera puesto en libertad por falta de pruebas, sino que también lo puso en contacto con la RCA para después llevar a cabo sus primeras grabaciones. Fue la primera intérprete que le grabó una canción bajo el título de "Noche a noche". El 11 de junio de 1971 firmó contrato con RCA Víctor e inició la grabación de su primer disco, "Un alma joven", en el que incluyó su primer gran éxito, "No tengo dinero". Antes de ser aceptado en RCA Víctor, lo rechazaron en CBS, Musart y Peerless. Las canciones "Lágrimas y lluvia", "Mis ojos tristes" y "Amor eterno" las dedicó a la memoria de su madre, quien falleció el 27 de diciembre de 1974. Entre otras propiedades que se le conocen a Juan Gabriel está la vieja y magnífica casona de ciudad Juárez, donde había trabajado su madre en el servicio doméstico. Por primera vez en la historia de la revista norteamericana Billboard, Juan Gabriel debuta en el Primer lugar del Hot Latin Trak, con el tema "El Palo" del álbum "El México que se nos fue". En el año 2009, la Academia Latina de la Grabación le nombró "Persona del Año" del Latin Grammy, y según LARAS, ha vendido más de 100 millones de álbumes, además de componer unas 1,500 canciones. Han interpretado sus composiciones los cantantes: Rocío Dúrcal, Isabel Pantoja, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Pimpinela, Chayanne, Marc Anthony, Placido Domingo, Selena, Chavela Vargas y muchos otros más. Discografia 1978 Baladas 1978 Siempre Estoy Pensando en Ti 1980 Recuerdos 1982 Cosas de Enamorados 1983 Lo Mejor de Juan Gabriel con Mariachi 1983 Todo 1984 Recuerdos 2 1986 Pensamientos 1987 Frente a Frente, Vol. 1 1987 Frente a Frente, Vol. 2 1988 Debo Hacerlo 1990 Juan Gabriel con el Mariachi Vargas de... 1990 Juan Gabriel en el Palacio de Bellas Artes 1992 Con Tu Amor 1992 Te Llegara Mi Olvido 1992 Mis Ojos Tristes 1992 Juan Gabriel La Inspiracion-Angelica Maria... 1992 En el Palacio de Bellas Artes 1994 Gracias Por Esperar 1995 Musipistas 1995 El Mexico Que Se Nos Fue 1996 El Alma Joven 1996 Juan Gabriel con Mariachi 1996 Del Otro Lado 1996 Siempre En Mi Mente 1996 Mejor de Los 3 Grandes 1996 Me Gusta Bailar Contigo 1996 Espectacular 1996 Gabriel, Juan 1996 Me Gusta Bailar Contigo 1997 Juntos Otra Vez 1997 Homenaje a Juan Gabriel 1997 Juan Gabriel 1998 Celebracion De los 25 Años de Juan Gabriel en Bellas Artes 1998 Por Mi Orgullo 1998 Con la Banda...El Recodo 1999 Romanticos! 2000 Querida 2000 Abrázame Muy Fuerte 2001 Por los Siglos 2002 Juan Gabriel en Vivo 2003 Frente a Frente 2003 Inocente de Ti 2004 Por Siempre lo Mejor De 2004 Banda Cacique 2004 Ranchero 2010 Juan Gabriel 2010 Juan Gabriel - Boleros 2011 1 es Juan Gabriel 2012 Celebrando 2014 Mis 40 en Bellas Artes 2015 Los Dúo 2015 Los Dúo 2 Filmografía Evicted (2000) Bazar Viena (1990) Siempre en domingo (1984) Es mi vida (1982) Del otro lado del puente (1980) El Noa Noa (1980) En esta primavera (1979) Nobleza ranchera (1977)

Nació el 14 de enero de 1943 en Caracas, Fue el último de los once hijos del comerciante español, José Antonio Rodríguez y de Ana González. Se crió en el seno de una familia muy humilde. Su padre falleció cuando él tenía seis años. Su progenitora fue activista del partido político Acción Democrática, por lo que durante la dictadura de Marcos Pérez Jiménez tuvo que exiliarse en Ecuador junto con sus hijos. Cuando regresaron José Luis, ingresó en la Escuela Técnica Industrial de Caracas, para cursar estudios de técnico electricista. Siendo un adolescente se inicia como vocalista en el grupo Los Zeppys, interpretando temas de The Platters. En el año 1962 tiene su oportunidad cuando reemplazó a Felipe Pirela como vocalista de la Billo's Caracas Boys. Permaneció tres años en la orquesta, prosiguiendo luego su carrera como solista, alcanzando una enorme fama en toda América. Se hizo famoso en España sobre todo a raíz de una canción llena de ritmo: Pavo real. No sólo se le reconoce como cantante sino también como actor de telenovelas de la televisión venezolana. En 1995, fundó el primer canal venezolano de videos musicales: Bravo TV, cuyo nombre cambiaría a Puma TV, que dio promoción a artistas, modelos, cantantes y todo lo que tuviera que ver con el mundo del espectáculo. En 1973 hizo público su abandono del catolicismo y se bautiza en el rito protestante, en San Juan de Puerto Rico. El 10 de mayo de 2004 adopta la ciudadanía estadounidense, sin renunciar a la venezolana. En septiembre de 2014 reveló que padece una fibromatosis pulmonar que no tiene cura. Estuvo casado desde 1966 con la cantante venezolana Lila Morillo a la que conoció en 1965. En 1996 se casó con Carolina Pérez. Es padre de Génesis Rodríguez, y de Lilibeth Morillo y Liliana Morillo, cantantes y actrices. Discografía 1967 José Luis...¡Favorito! 1968 Lo Romántico de José Luis 1969 Grito al mundo 1969 José Luis Rodríguez 1971 El Guía Top Hits 1972 El Hombre En La Cima 1975 De América 1976 Una Nueva Canción 1977 Los temas de mis telenovelas 1977 Una Canción De España 1979 Por Si Volvieras 1980 Me vas a echar de menos 1982 Dueño De Nada 1982 Dono Do Nada 1983 Ven CBS Columbia 1983 Te Ofereço Esta Canç?o 1984 Due Come Noi 1984 Voy A Conquistarte 1985 Voglio Conquistarti 1985 El Último Beso 1987 Señor Corazón 1988 Señora Bonita 1989 Tengo Derecho a Ser Felíz 1990 Esta Vez 1991 El Puma En Ritmo 1992 Piel De Hombre 1994 Razones Para Una Sonrisa 1996 La Llamada Del Amor 1997 Inolvidable 1999 El Puma En Ritmo II: Fiesta 1999 Inolvidable II: Enamorado De Ti 2001 Inolvidable III: Algo Contigo 2002 Champagne 2003 Clave De Amor 2005 Distancia 2005 15 Éxitos de José Luis Rodríguez 2006 El Puma Rodríguez Homenajea a José Alfredo Jiménez 2007 Trópico 2007 Homenaje A José Alfredo Jiménez 2008 Interpreta a Manuel Alejandro 2009 Mi Amigo el Puma 2014 Directo al espíritu

Nació el 14 de enero de 1943 en Caracas, Fue el último de los once hijos del comerciante español, José Antonio Rodríguez y de Ana González. Se crió en el seno de una familia muy humilde. Su padre falleció cuando él tenía seis años. Su progenitora fue activista del partido político Acción Democrática, por lo que durante la dictadura de Marcos Pérez Jiménez tuvo que exiliarse en Ecuador junto con sus hijos. Cuando regresaron José Luis, ingresó en la Escuela Técnica Industrial de Caracas, para cursar estudios de técnico electricista. Siendo un adolescente se inicia como vocalista en el grupo Los Zeppys, interpretando temas de The Platters. En el año 1962 tiene su oportunidad cuando reemplazó a Felipe Pirela como vocalista de la Billo's Caracas Boys. Permaneció tres años en la orquesta, prosiguiendo luego su carrera como solista, alcanzando una enorme fama en toda América. Se hizo famoso en España sobre todo a raíz de una canción llena de ritmo: Pavo real. No sólo se le reconoce como cantante sino también como actor de telenovelas de la televisión venezolana. En 1995, fundó el primer canal venezolano de videos musicales: Bravo TV, cuyo nombre cambiaría a Puma TV, que dio promoción a artistas, modelos, cantantes y todo lo que tuviera que ver con el mundo del espectáculo. En 1973 hizo público su abandono del catolicismo y se bautiza en el rito protestante, en San Juan de Puerto Rico. El 10 de mayo de 2004 adopta la ciudadanía estadounidense, sin renunciar a la venezolana. En septiembre de 2014 reveló que padece una fibromatosis pulmonar que no tiene cura. Estuvo casado desde 1966 con la cantante venezolana Lila Morillo a la que conoció en 1965. En 1996 se casó con Carolina Pérez. Es padre de Génesis Rodríguez, y de Lilibeth Morillo y Liliana Morillo, cantantes y actrices. Discografía 1967 José Luis...¡Favorito! 1968 Lo Romántico de José Luis 1969 Grito al mundo 1969 José Luis Rodríguez 1971 El Guía Top Hits 1972 El Hombre En La Cima 1975 De América 1976 Una Nueva Canción 1977 Los temas de mis telenovelas 1977 Una Canción De España 1979 Por Si Volvieras 1980 Me vas a echar de menos 1982 Dueño De Nada 1982 Dono Do Nada 1983 Ven CBS Columbia 1983 Te Ofereço Esta Canç?o 1984 Due Come Noi 1984 Voy A Conquistarte 1985 Voglio Conquistarti 1985 El Último Beso 1987 Señor Corazón 1988 Señora Bonita 1989 Tengo Derecho a Ser Felíz 1990 Esta Vez 1991 El Puma En Ritmo 1992 Piel De Hombre 1994 Razones Para Una Sonrisa 1996 La Llamada Del Amor 1997 Inolvidable 1999 El Puma En Ritmo II: Fiesta 1999 Inolvidable II: Enamorado De Ti 2001 Inolvidable III: Algo Contigo 2002 Champagne 2003 Clave De Amor 2005 Distancia 2005 15 Éxitos de José Luis Rodríguez 2006 El Puma Rodríguez Homenajea a José Alfredo Jiménez 2007 Trópico 2007 Homenaje A José Alfredo Jiménez 2008 Interpreta a Manuel Alejandro 2009 Mi Amigo el Puma 2014 Directo al espíritu La Historia del Trio Los Panchos “Las horas mas felices de mi amor Fueron contigo”..... Hay un sonido que es sinónimo de intimidad de pasión de amor, sus compases se mueven al ritmo del corazón, su nombre.., “BOLERO”. El encierra sentimientos tan hermosos como decir “ Te quiero” o desgarradores como “Nunca Jamás”. No hay habitante de este planeta que no haya escuchado hablar de un Bolero, otra forma de nombrarlo es decir “Los Panchos”. Quizás ignoremos su origen, pero definitivamente sabemos que ellos son parte importante de nuestro sentir. Si queremos identificar a ambos en un solo artista, como expresión misma del “Bolero y de Los Panchos”, diremos “Rafael Basurto Lara”, “La ultima Voz de Los Panchos” Pequeño de estatura pero grande en su capacidad interpretativa, es leyenda viva de la agrupación, por ser la ultima voz original de Los Panchos, que continua cantando, como ultimo bastión de una época inolvidable e irrepetible, que vive y vivirá en este nuevo milenio. Cuando en 1976 ingreso al Trío Los Panchos, jamás imagino que sobre él recaería la tremenda responsabilidad de trasmitir a las nuevas generaciones, el mensaje de amor que como legado han dejado todos los integrantes del “Trío Los Panchos” por ello es Rafael Basurto Lara quien a través de esta pagina nos cuenta la historia de su agrupación para mantener viva la historia para las nuevas generaciones. ...”Sin un amor la vida no se llama vida Sin un amor le falta fuerza al corazón”... El bolero la música que inspira al amor, parecía destinado, en un principio, para voces solistas hasta que un 14 de mayo de 1944 en el Teatro Hispano de New York, dos Mexicanos, Chucho Navarro y Alfredo Gil, y un Puertorriqueño, Hernando Aviles Negron, lo sintieron e interpretaron de una forma diferente, a tres voces, guitarras y con la incorporación del requinto. El éxito no se hizo esperar y el grupo logro poco a poco fama bajo el seudónimo del “Trío Los Panchos” En 1945, época de la segunda guerra mundial, tuvieron un receso forzoso ya que dos de sus integrantes, Alfredo Gil y Chucho Navarro, fueron voluntarios del ejercito Estadouidense, afortunadamente la guerra finalizo a fin de ese año, y el trío pudo retomar sus actividades. Entre 1946 a 1948 cantaron en la cadena de las América, Onda Corta y a intervalos en 1946 en la Radio City Music Hall. A partir de 1946 realizaron sus primeras giras internacionales. Primero a Venezuela y Puerto Rico. En 1948 viajan a Brasil en una gira que duro varios meses. Al regresar sus discos estaban sonando fuerte en Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Norte de México y Sur de los Estados Unidos. No hay duda que uno de los factores indiscutibles de su éxito, además de su magnetismo artístico y calidad vocal, fue el apoyo de la comunidad latina radicada en New York, especialmente la Puertorriqueña y Dominicana Tras este triunfo se trasladaron, en 1948 a México, fue un paso muy importante en su carrera ya que por ese entonces México era la capital absoluta de la música latina, pero los recibieron con los brazos abiertos, la emisora XEW (por ese entonces la mas importante) les dio un espacio patrocinado por Nestle, al tiempo que realizaron presentaciones en diferentes centros nocturnos de categoría, como “El Patio” entre otros, con esta formula llegaron a captar el corazón de los Mexicanos. Hacia 1951 comenzaron una gira internacional por el Caribe, Centro y Sudamérica, Panamá, Guatemala, Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Argentina y Chile. En 1951, en pleno éxito, la agrupación enfrento su primera crisis, esto sucedió en Bolivia, motivada por el difícil carácter del Alfredo Gil, lo que marco, tras una acalorada discusión el alejamiento de la primera voz Hernando Aviles. Superada esta primera etapa, siguen su trayectoria exitosa por el mundo, abriendo mercados, y cosechando éxitos, pero curiosamente México quedo detenido en el recuerdo, ya que para ellos la época de oro se detuvo con Hernando Aviles, quien hasta la fecha se lo reconoce como la “Época de Oro de Los Panchos” Definitivamente la aparición del TRIO marco un antes y un después en la historia de nuestra música hispanoamericana, porque el espíritu bohemio y viajero del grupo, en todas sus épocas, los llevo a cantar a lo largo de toda su historia, en los cinco continentes e imponer en el gusto del publico, nuestro sentir hecho canción. El “Trío LOS PANCHOS”, es mucho más que la suma de tres voces, o la mejor agrupación de voces y guitarras de todos los tiempo, ellos han sido los mejores Embajadores de nuestras raíces culturales en el mundo. Su historia es la punta de lanza que abrió los mercados internacionales para los latinos; forjaron un sendero por el cuál hoy transitan todos los artistas de habla hispana. Es la única agrupación que ha conmovido al mundo entero, en una época que no se contaba con los medios de comunicación de hoy en día; sólo el talento y sentimiento que brotaba de sus corazones, logró imponerse en países con culturas tan diferentes como el Chino el Ruso y Japonés, entre otros. Su estilo personal está tan ligado a la memoria histórica del mundo el que los recuerda con frases como... “ La Trilogía Perfecta de América” “ Embajadores de la Canción Romántica en el Mundo” “ Eternos Trovadores” “ Ciudadanos del Mundo” Ellos son parte de la historia contemporánea y nuestra obligación es conocerla, porque también es la nuestra, no importa que nacionalidad tengamos, ellos nos han demostrado su cariño y respeto por todas nuestras raíces, las tomaron como propias, cantaron desde un Tango Rioplatense a una Cumbia Colombiana, El Trío Los Panchos ha grabado para todos los habitantes de este planeta y es nuestro deber protegerlos como lo que son.... “Patrimonio Cultural Latinoamericano” La historia de la agrupación se divide en diez épocas diferentes, 7 como “TRIO LOS PANCHOS”; Una como “ LOS PANCHOS” y la ultima como “LA VOZ DE LOS PANCHOS” . Cada una lleva el sello característico e irrepetible de sus siete primeras voces, con un estilo personal que les permitió penetrar en diferentes mercados del mundo, pero todas sin excepción fueron coronadas con éxitos y mantener la agrupación vigente en el gusto del publico. Fechas 1ra. Voz 2da. Voz Requinto TRIO LOS PANCHOS 1944 a 1951 Hernando Aviles Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1951 a 1952 Raúl Shaw Moreno Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1952 a 1956 Julio Rodríguez Reyes Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1956 a 1958 Hernando Aviles Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1958 a 1968 Johnny Albino Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1968 a 1972 Enrique Cáceres Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1972 a 1976 Ovidio Hernández Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1976 a 1981 Rafael Basurto Lara Chucho Navarro Alfredo Gil LOS PANCHOS 1981 a 1993 Rafael Basurto Lara Chucho Navarro LA VOZ DE LOS PANCHOS 1993 al presente Rafael Basurto Lara (* Durante 1971 el Trío realizo la transición de sus primeras voces mediante presentaciones con las dos primeras, Enrique Cáceres y Ovidio Hernández) El trío Los Panchos intervinieron aproximadamente en 20 películas, a lo largo de su trayectoria. En 1981 con el retiro de Alfredo Gil sé cerro el ciclo del “ Trío Los Panchos”, el anuncio se hizo a través de una gira por América, que se llamo “Hasta Siempre”, en Venezuela realizaron un especial de televisión dónde Alfredo Gil y Chucho Navarro anunciaron su retiro y la continuación de Rafael Basurto Lara como la voz encargada de la continuación, recordando siempre al “Trío Los Panchos”. Definitivamente la ultima formación del “Trío Los Panchos” estuvo conformada por Alfredo Gil, Chucho “Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara” Pero al poco tiempo, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara decidieron continuar, como “LOS PANCHOS” esta pequeña sutileza era el respeto por el alejamiento de Alfredo Gil, compañero y maestro creador del requinto, porque por muy bueno que fuera el músico que designaran jamás ocuparía el lugar del creador. Varios fueron los requintos que acompañaron a “Los Panchos” entre ellos podemos citar a los Mexicanos Willy Fonseca, Lalo Ayala, José Luis Sánchez Camacho, y Gabriel Vargas. La desaparición física de Chucho Navarro a dejado sólo, históricamente hablando, a la última 1ra. Voz del “Trío, Rafael Basurto Lara” quien se mantiene activo, grabando y realizando presentaciones por el mundo, ....“ya no como “LOS PANCHOS” porque nadie puede reemplazar a nadie y mucho menos a un creador como mi compañero Alfredo Gil, o a mi compañero Chucho Navarro. En sus presentaciones lo acompañan Baltasar Sánchez Vargas o José Luis Sánchez Camacho quienes han estado ligados al Trío Los Panchos, realizando grabaciones como músicos, por mas de 40 años; o bien en otras por un trío, tal como le había vaticinado Alfredo Gil Hay un dato importante, en 1980, entre los tres integrantes del trío se hizo un pacto de honor donde quedo estipulado que retirado Alfredo, continuarían como Los Panchos, no como Trío, y que retirado Chucho Basurto seguiría como La Voz, y eso es lo que el pretende, honrar su palabra y decir yo soy “La ultima Voz de Los Panchos”.... Lo cierto es que la historia de la agrupación mas importante del mercado hispano parlante, esta escrita todos ellos son parte fundamental de la misma, todos son “Originales” porque ellos han hecho la historia del “Trío Los Panchos”

Nació el 18 de enero de 1945 en Castejón, Cuenca. A los seis años, comenzó a tocar el laúd y compone su primer tema a los dieciséis. Cursó estudios de informática de la Universidad de Sevilla. Una película de Carlos Saura, "Cría cuervos", elige como tema central su ¿Por qué te vas? popularizada por Jeanette, y la canción se convierte en un fenómeno musical. En 1973 grabó "Celos de mi guitarra" que se convirtió en un superventas. El cantautor y compositor se convirtió en un artista de primera línea que vivía alejado de los focos de los paparazzi, en una capital de provincia donde disfruta de su familia, cultiva sus aficiones y cosecha sus canciones. 'Es más relajante para mí escribirle a otros que tener que desnudar mis vivencias, mis pasiones y mis emociones en una canción'. Fue el compositor hispano más versionado del mundo, realizó veintisiete producciones musicales y vendió más de 50 millones de copias de discos. Registró más de 400 composiciones y fue durante muchos años número uno en derechos de autor, según testimonia la SGAE (Sociedad General de Autores de España). En 2009, compuso los temas del álbum "Propiedad de nadie" de la cantante española Rosa López, y colaboró en el disco con un dúo. Después de unos años de ausencia estrenó en 2012 su CD "Calle Soledad". Contrajo matrimonio en 1977 con Manuela Carrasco con la que tuvo a sus hijos Pablo y María. Discografía 1973 Mis canciones 1974 El pregón 1975 Para vosotros canto 1976 Por si quieres conocerme 1977 Si... 1978 Como la lluvia fresca 1978 Soledades 1978 Jose Luis Perales 1979 Tiempo de otoño 1981 Nido de águilas 1982 Entre el agua y el fuego 1984 Amaneciendo en ti 1985 A ti mujer 1986 Con el paso del tiempo 1987 Sueño de libertad 1988 La espera 1990 A mis amigos 1991 América 1993 Gente maravillosa 1996 En clave de amor 1998 Quédate conmigo 2000 Me han contado que existe un paraíso 2001 30 grandes canciones 2006 Navegando por ti 2008 Perales en directo - 35 años 2012 Calle soledad

José Rómulo Sosa Ortiz mejor conocido como José José (Azcapotzalco, Ciudad de México, 17 de febrero de 1948) es un cantante mexicano. Es referido en el mundo del espectáculo como El príncipe de la canción.1 José José es considerado uno de los cantantes más talentosos de la música popular latinoamericana, reconocido por su privilegiada voz. En cincuenta años de carrera musical, su interpretación y su estilo han influido sobre numerosos artistas del ámbito mundial.2 Nacido en una familia de talentosos músicos, José José comenzó su carrera tocando la guitarra y cantando en serenatas durante la adolescencia. Más tarde, se unió a un trío de jazz y bossa nova en el que cantaba y tocaba el bajo y contrabajo. José José ha vendido más de 90 millones de discos lo que lo convierte en uno de los cantantes latinos más exitosos de la historia.».3 Recibió varias nominaciones al Grammy y numerosos reconocimientos a nivel mundial. Ha llenado varias veces los recintos más importantes del mundo del espectáculo, tales como el Madison Square Garden, Radio City Music Hall, Las Dunas, el Auditorio Nacional, entre otros.3 Su música ha llegado a países no hispanoparlantes como Japón, Israel, Egipto y Rusia.4 También ha forjado una carrera como actor, pues protagonizó películas como Gavilán o Paloma y Perdóname todo. Índice 1 Primeros años 2 "El triste" y el II Festival de la Canción Latina 3 Los Años 70 y los Primeros Éxitos 4 Los Años 80 5 La Década de 1990 6 El siglo XXI 7 Trascendencia artística 8 Voz 9 Vida personal 10 Relaciones, matrimonio y la familia 11 Alcoholismo 12 Estado de Salud 13 Actualmente 14 Discos de Oro y Platino 15 Contribuciones 16 Discografía 17 Discos En Vivo 18 Composiciones de José José 19 Canciones de telenovelas 20 Discos de concepto 21 Recopilaciones 22 Duetos grabados 23 Duetos virtuales 24 Colaboraciones 25 Videos musicales 26 Dvd/Video Home 27 Teatro 28 Libro 29 Filmes 30 Programas de televisión 31 Premios y nominaciones 31.1 Premios de televisión y novelas 32 Discos Homenaje al Príncipe 33 Referencias Primeros años José José es el primogénito de José Sosa Esquivel, famoso tenor de ópera y de la concertista de piano Margarita Ortiz Pensado (1911-2004). Comenzó a definir su carrera como cantante en los inicios de los años 50, cuando participó en el coro de su colegio y en los festivales escolares. Posteriormente, aprende a tocar la guitarra y continúa su educación formal. Su padre no permitía que en su casa se tocara música popular, sin embargo, José Rómulo cultivó su estilo musical con éxito, gracias a su mentor, el cantante Pepe Jara. Cuando su padre abandonó el hogar, en marzo de 1963, José formó un trío musical con su primo Francisco Ortiz y su amigo Alfredo Benítez, dando así inicio a su carrera como cantante a los 15 años de edad. Después de algunos contratiempos, en el año de 1965 obtiene un contrato para realizar su primera grabación discográfica profesional: un disco sencillo de 45 RPM con Discos Orfeón. Este disco, que contenía los temas El mundo ("Il Mondo") de Jimmy Fontana y Ma Vie (Mi vida) de Alain Barrière, fue presentado en el programa de TV patrocinado por dicha disquera ("Orfeón a Go-Go"), en el que se dio a conocer con el nombre artístico de "Pepe Sosa", marcando los inicios de su carrera ya en el plano profesional. El disco sencillo no tuvo mayor trascendencia debido a la poca promoción que se le dio. De todas maneras Pepe Sosa grabó un segundo y último sencillo en 45 RPM con las canciones "Amor" de Enrique "Coqui" Novelo Navarro y "No me dejes solo" de Rodolfo Tovar. José empieza a tocar el contrabajo en otro trío de jazz y bossa nova, llamado "Los PEG" (que integraba con sus compañeros Gilberto Sánchez y Enrique Herrera). Con este grupo debuta el 21 de marzo de 1966 en el centro nocturno "Café Semíramis", pero con altibajos, ya que el grupo no siempre obtenía trabajo allí. Después de pasar por otros centros nocturnos, en 1967 en el local del "Apache 14" lo escucha el compositor y productor discográfico Rubén Fuentes, gracias a quien obtiene un contrato con la filial mexicana del sello mundial RCA Víctor (hoy Sony-BMG). La única condición para la firma del nuevo contrato, consistía en que para que el lanzamiento surtiera efecto, debía dejar de presentarse en centros nocturnos, durante varios meses. Esa fue una decisión muy dura para José, cuyo único sustento y el de su familia, provenía precisamente de esas presentaciones. "El triste" y el II Festival de la Canción Latina Aunque nuevamente su situación económica volvía a ser precaria, su madre lo apoya en su intento artístico, abriendo un pequeño restaurante, y él vuelve a grabar nuevamente. Entra al estudio de RCA Víctor en la ciudad de México y, bajo la supervisión de los compositores Rubén Fuentes y Armando Manzanero, edita su primer álbum LP en 1969. A pesar de que este LP contenía grandes temas (que luego serían éxitos) como Pero te extraño, Cuidado y Sin ella, la disquera no le dio la suficiente promoción, pues consideraba que no era comercial sino muy fino. A partir de este LP, José Sosa adopta como seudónimo artístico "José José": el primer "José" por su primer nombre y el otro, por su padre, quien había muerto en 1968, víctima del alcoholismo. Ese mismo año se convierte en un cantante de una voz prodijiosa, tras el lanzamiento de su primer éxito: La nave del olvido, escrita por el compositor Dino Ramos, la que se convertiría en su carta de presentación. El 25 de marzo de 1970 participa con el tema El triste, de Roberto Cantoral García, y Dos de Wello Rivas en representación de México en el II Festival de la Canción Latina (predecesora del Festival OTI), obteniendo el tercer lugar ante el público que colmó el Teatro Ferrocarrilero de la ciudad de México, el cual admiró su extraordinaria interpretación. La ganadora fue Cançao de Amor e Paz, interpretada por la representación de Brasil, Claudia Brasil, y en segundo Con los brazos cruzados, interpretada por Mirla Castellanos en representación de Venezuela considerada por el propio José José en una polémica rueda de prensa, como la real ganadora del Festival. Debido a que este evento se transmitió al mundo vía satélite, El triste tuvo una gran aceptación entre los presentes, incluyendo a los afamados artistas Angélica María, Alberto Vázquez, Raul Vale y Marco Antonio Muñiz entre otros. La melodía se convirtió inmediatamente en un gran éxito internacional, lo que le permitió iniciar sus presentaciones por todo el continente. Tal fue el impacto de la canción, que se editó en países como Rusia, Japón e Israel. Jose José jamás participo en el Gran Premio de la Canción Iberoamerica o el OTI, ya que este se celebro por primera vez el 25 de noviembre de 1972 en España, y su última versión se llevo a cabo el 20 de mayo del 2000. Los Años 70 y los Primeros Éxitos Durante toda la década de los 70, siguió colocándose en el gusto del público latinoamericano con canciones como Es que te quiero, Vive, El Príncipe y Todo es amor, entre otras. Debido a uno de esos temas se le bautiza como "El Príncipe de la canción". En abril de 1970 viaja a Los Ángeles, California a recibir su primer Disco de Oro. La rápida llegada de la fama y el éxito le hacen caer en el alcoholismo. Gracias a su madre, que lo hizo internar en un centro de adicciones, supera este trance difícil, retomando en 1971 su actividad. Incursiona en la actuación con la película Buscando una sonrisa, que es el nombre del álbum que graba en consecuencia. Graba las películas Un sueño de amor con Verónica Castro y Sasha Montenegro y La carrera del millón con Nadia Milton, cerrando así su paso por el cine de la década de 1970. Mientras tanto, su disquera RCA Victor ya no lo apoya como antes por lo que José José no renueva su contrato. En 1977 firma contrato con una nueva disquera Ariola (cuyo catálogo hoy forma parte de Sony-BMG) que recién iniciaba operaciones en México. Con esta nueva empresa, se consagra con la producción Reencuentro (1977), de la cual se convierten en éxitos temas como Gavilán o paloma, Buenos días, amor y El amar y el querer, con la cual obtiene discos de Oro y de Platino, en lo que fue su primer trabajo con el productor y compositor español Rafael Pérez Botija. Lo mismo ocurrió con sus álbumes Volcán y Lo pasado, pasado (1978) en el cual se incluyen algunos temas del cantante y compositor Juan Gabriel, así como el tema Almohada de Adán Torres de Nicaragua y los éxitos: Si me dejas ahora, Donde vas e Insaciable amante, del español Camilo Sesto. Más tarde, el catálogo de sus obras con RCA Víctor se fusiona con el de Ariola, al realizarse la compra de las operaciones disqueras de ambas empresas por parte de la transnacional BMG, años después. Los Años 80 José José inicia una década que lo vería en su máximo esplendor pero cuyo final estaría marcado por un deterioro notable en su voz. En 1980 grabó Amor amor bajo la dirección de Rafael Pérez Botija logrando giras por los principales escenarios de la Unión Americana, México y toda Latinoamérica, con este LP consigue ventas por más de 1 millón y medio de unidades. En 1981, grabó dos discos: Romántico, un disco de boleros, y Gracias. El año siguiente, sale a la venta el disco 20 triunfadoras de José José, un recopilatorio de sus éxitos hasta ese momento. Ese LP contenía las nuevas versiones de El triste y La nave del olvido, canciones que vieron nacer a José José como cantante internacional; este disco es uno de los más exitosos del cantante ya que se consiguió mucho dinero con poco trabajo (ya que eran canciones grabadas anteriormente) porque logró altas ventas de copias. En este mismo año graba el álbum Mi vida, con la asesoría de Rafael Pérez Botija. El disco obtiene seis discos de Oro y uno de Platino por las más de 2 millones 419 mil copias vendidas al nivel nacional y Latinoamérica.5 Otros compositores que marcaron huella en el estilo de José José fueron sus amigos José María Napoleón, con temas como Mientras llueve, Tu primera vez y Lo que no fue no será, así como el español Camilo Blanes (más conocido como Camilo Sesto), con temas como Si me dejas ahora, Insaciable amante y Dónde vas, entre otros. José José interpretó el tema ¿Cómo fue?, de la telenovela Monte Calvario, en México. En 1983, graba en España su más exitoso álbum Secretos, bajo la producción y realización del afamado compositor español Manuel Alejandro. Sin duda, se trata de la producción más vendida en la carrera del cantante, del compositor y de la historia de la música en México, este material logró vender más de 2 millones de copias en las primeras semanas de su lanzamiento y hasta la fecha se cuentan más de 11 millones de discos vendidos.5 José José logro colocar a Secretos por más de 40 semanas en el primer lugar del Hit Parade de la lista de Billboard en casi todos los países de habla hispana además de Estados Unidos, lo que pone al cantante como el mexicano más exitoso en la historia de la música, además de que dicha producción significó la cúspide en la trayectoria del intérprete. Fue el primer cantante latino en hacer videos de las canciones de su álbum, como "Lo dudo", "Cuando vayas conmigo", "Voy a llenarte toda", "A esa", "Quiero perderme contigo", "Lágrimas", etcétera. Secretos fue nominado al Best Latín Pop Performance en los Grammy Awards de 1985. Con este disco, el Príncipe de la Canción, se hizo merecedor a 22 Discos de Oro y Platino por sus altas ventas. Así, El Príncipe de la canción se colocó como el cantante latinoamericano más influyente, exitoso y cotizado de esa época. En 1984, después del éxito de su disco anterior, grabó Reflexiones, otro álbum millonario, ya que logró la muy aceptable cantidad de casi 3 millones de copias vendidas y varios Discos de Oro y Platino. Graba duetos con Lani Hall (el tema Te quiero así) y con José Feliciano (el tema Por ella) para el próximo año de 1985, temas sólo incluidos en los álbumes de los artistas ya nombrados y que fueron éxitos de ventas. A principios de 1985, José José es requerido para participar en la versión latina de "We are the world", con la canción Cantaré cantarás, en los estudios Criteria de Miami (Estados Unidos) junto a otros grandes de la canción como Plácido Domingo, Julio Iglesias, Roberto Carlos, José Luis Rodríguez "El Puma", Don Pedro Vargas y varios artistas más. Ese mismo año salió a la venta Promesas, que resulta otro disco con más de 2 millones de copias vendidas y giras internacionales. En 1985, se estrena su película autobiográfica Gavilán o paloma. El estreno de la cinta coincidió con el terremoto de México (19 de septiembre de 1985), por lo que el filme no tuvo el éxito esperado en su país. En el resto de Hispano-américa, la cinta tuvo gran éxito y catapultó a sus producciones Secretos y Reflexiones nuevamente a los primeros lugares de ventas. En 1986 graba la canción Saliendo adelante, en homenaje a las víctimas del terremoto de México. En el mismo año hizo un dueto que marco la historia musical de México, "El Príncipe de la Canción" canto con Don Pedro Vargas, mejor conocido como "El Tenor Continental", cantaron canciones como "El reloj","Rival", "Tiempo" y por su puesto "Se me hizo fácil", ese dúo hizo tanto éxito que a las personas se les quedó grabado ese momento. En 1986, graba Siempre contigo, disco que no alcanza el éxito tan grande de sus antecesores logrando vender un millón de copias. En 1987, se estrena Soy así, con el cual si se logra éxito mayor con más de 1 millón y medio de copias vendidas. En estos años José José se presentó en el Madison Square Garden y el Radio City Music Hall de Nueva York, en los casinos más importantes de Las Vegas y Atlantic City, inclusive en 1987 hizo una gira por países tan lejanos como Israel, donde visitó las ciudades de Jerusalén y Abu Dhabi. En 1988, José José incursiona nuevamente en el cine con la película "Sabor a mí" interpretando al afamado compositor mexicano Álvaro Carrillo; coprotagonizada Angélica Aragón y Jorge Ortiz de Pinedo. De esta película se desprendió un LP con la música original, todas composiciones de el fallecido Álvaro Carrillo, con temas ya consagrados como Sabor a mí, La mentira, Seguiré mi viaje, Cancionero, entre otras. El éxito de José José continúa en 1989 con su nuevo disco ¿Qué es el amor?, el cual obtuvo 3 discos de Oro y 6 de Platino por las más de 1 millón 513 mil copias vendidas. La Década de 1990 En 1990, para festejar sus primeros 25 años de carrera, el presentador Raúl Velasco en su show televisado Siempre en Domingo organiza un homenaje en su honor, en el cual participaron artistas como Libertad Lamarque, Valeria Lynch, Verónica Castro, Pepe Jara, Roberto Carlos, Julio Iglesias, Marco Antonio Muñiz, Vicente Fernández y Guadalupe Pineda, entre otros. El programa tuvo seis horas de duración y fue tal su éxito que se retransmitió en tres ocasiones. El mismo año, la disquera Ariola-BMG lanza un álbum doble en homenaje a sus primeros 25 años de carrera. A partir de la década de 1990, se vuelven muy notorios los problemas con su voz, debido a su incesante actividad por más de 20 años, los problemas de salud, al abuso del alcohol y de otras sustancias. Nuevamente rompe récord de ventas con su álbum En las buenas... y en las malas, y logra ubicar el tema principal del disco, Amnesia, de Dino Ramos, en el primer lugar de la lista de éxitos de la famosa revista Billboard por varias semanas. El álbum fue un suceso, vendiendo más de 3 millones de copias. En 1991, se divorcia por segunda vez, y recae en el alcoholismo durante 1992 y 1993. Durante estos años alcanzó una vez más la cima del éxito con el álbum 40 y 20, y entra nuevamente con fuerza a competir por el primer lugar, de la mano del compositor argentino Roberto Livi. Para entonces con la cifra de 1 millón 530 mil copias vendidas alcanzó el primer lugar de las listas, a las 2 semanas y media de su lanzamiento. En 1993, después de tocar fondo en temas del alcoholismo y con ayuda de grandes amigos como el periodista Ricardo Rocha y Tina Galindo entre otros, se interna voluntariamente en el Centro de Rehabilitación y Universidad Heizelden en Minnesota, Estados Unidos. Desde ese momento no ha vuelto a beber alcohol. En 1994, regresa al éxito con el álbum Grandeza Mexicana, el cual marca un episodio importante en la carrera de José-José ya que vuelve a hacer mancuerna con el compositor Manuel Alejandro quien 11 años atrás había grabado su más exitoso álbum Secretos; con este álbum, Grandeza Mexicana, logra vender más de 1 millón de copias. En este LP hace dos duetos: uno con su hijo José Joel, cantando La fuerza de la sangre, y otro con el propio Manuel Alejandro, con el que cantó José y Manuel. En 1995, entra al estudio de grabación nuevamente para sacar Mujeriego, con el que obtiene Discos de Oro y Platino y logra ubicar en el Top Ten latino los sencillos Mujeriego y No valió la pena. Alcanzando nuevamente cifras records de ventas. En 1998, graba el álbum Distancia, producido por Roberto Livi, del cual logra los primeros lugares el éxito Ojalá que te mueras. El siglo XXI Estrella de fama en Hollywood, asignada a José José En 2001, con el problema de su voz bastante avanzado, graba la producción discográfica Tenampa, material producido por el cantante y compositor Juan Gabriel, que a nivel mundial logra vender más de 500.000 copias. En el año 2003, su disquera BMG lanza una colección de tres álbumes titulada El Príncipe con trío con algunos de sus éxitos, grabados entre 1969 y 1983, separados del acompañamiento original, remasterizados y con el acompañamiento del grupo Los Tres Caballeros, con las cuales estas grabaciones de baladas se transforman en boleros, trabajo de excelencia técnica que contó con la asistencia del músico y compositor español Rafael Pérez Botija, quien dirigió algunas de las grabaciones originales y compuso algunos de dichos temas. Esta colección de álbumes de concepto nuevamente le permitió alcanzar el éxito rotundo en ventas. Estatua de José José en la colonia Clavería de la Ciudad de México, de donde es originario. Por su trayectoria artística, el mes de octubre de 2005 la Academia le otorgó el Premio Grammy en reconocimiento a su exitosa carrera como cantante. En los años anteriores había sido nominado nueve veces por sus éxitos. En el año 2006 es convocado por Televisa para formar parte del elenco de la telenovela La fea más bella, una versión mexicana de la exitosa telenovela colombiana "Bety la Fea", donde comparte créditos con Angélica María, Jaime Camil y Angélica Vale, entre otras estrellas. Por su papel en esta telenovela, obtiene el máximo premio a la actuación por el "Mejor Actor de Reparto", otorgado por la revista TVyNovelas. En el año 2007 es objeto de varios reconocimientos, entre ellos un busto y una estatua en su ciudad natal, la ciudad de México. El Congreso y el Senado de los Estados Unidos de América también reconocen su contribución a la Cultura de la Humanidad. En mayo de 2007 vuelve al primer plano musical con su disco Mis duetos, el cual inmediatamente entra al Top Ten de Billboard por su versión en reggaetón de Email-me, que graba a dúo con su hija menor, Sarita Sosa, además del tema "Aunque vivas con él" a dueto con el cantante pop Reyli Barba. El 6 de junio de 2007 sufre una parálisis facial que lo mantuvo alejado varios meses de los escenarios. En febrero de 2008 cumplió 60 años de edad y su casa disquera, la Sony-BMG, lanza una serie de producciones basadas en su impresionante legado de 45 años. Así, se pone a la venta el disco "El Príncipe y el Bolero", que en el mes de febrero de 2008 alcanza nuevamente cifras récord de ventas a nivel internacional. En septiembre del 2008, la Academia de Grabación (LARAS, por sus siglas en inglés) le rinde un magno homenaje en Miami, en el cual las más grandes luminarias del momento como David Bisbal, Cristian Castro, Luis Fonsi, Víctor Manuelle, Olga Tañón, Alicia Villarreal, Aventura y Marco Antonio Solís, entre otros, cantan sus canciones. El mes de noviembre de 2008, en la Feria Mundial del Libro en Miami, lanza su autobiografía, titulada Ésta es mi vida, como un testimonio de su lucha contra las adicciones y cómo salió adelante de ellas. En el mismo mes, se presenta en magno concierto con el afamado pianista griego de reconocimiento mundial Yanni, quien con Ric Wake lo convence de cantar en una serie de presentaciones en Acapulco. El concierto fue grabado y publicado en CD y DVD obteniendo múltiple platino por sus ventas en la primera semana de su lanzamiento. El 19 de noviembre de 2008, José José recibió la Estrella de la Fama en el Paseo de las Estrellas en Las Vegas, Nevada. Durante los últimos meses de 2008 se dedicó a una gira para promocionar su libro autobiográfico por toda América, llegando nuevamente al primer lugar en ventas, en esta ocasión, de su libro, el cual fue presentado en la Feria Mundial del Libro en Miami y en la Feria Internacional del Libro de México. Del 10 al 15 de febrero de 2009 se presentó en Ecuador, reuniendo a más de 15.000 personas. Posteriormente ha continuado una extensa gira que lo ha llevado a varios países, como República Dominicana, Guatemala, Honduras, México y Estados Unidos. El 13 de junio de 2009 fue homenajeado en el majestuoso United Palace de la ciudad de Nueva York, por un grupo de cantantes como Cristian Castro, Ángela Carrasco, La Mafia, Rubby Pérez, Sergio Hernández, entre otros intérpretes de la música latina. En 2010 sale a la venta el disco José José Ranchero, un disco recopilatorio de sus más grandes éxitos con acordes de mariachi, el cual ha logrado altas ventas. En 2010 participa en una canción por el Bicentenario de México, "73 mil amaneceres", al lado de Marco Antonio Muñiz, María Victoria, Armando Manzanero y Olivia Gorra. En el 2011 inicia su gira llamada "El regreso del Príncipe", motivada por la notable mejoría en la calidad de su voz, en la que recorrerá los más importantes escenarios de Centro y Sudamérica, además de Estados Unidos y Mèxico. El 10 de marzo de este mismo año la estación radiofónica Radio Felicidad 1180am de Grupo Acir, proclama de manera oficial ante los demás medios de comunicación que José José es la imagen de dicha estación. El cantante ha declarado que prepara un disco inédito, el primero en 12 años, como celebración de sus 50 años de carrera, al igual que un disco de concepto estilo Big Band y un segundo disco de Duetos. Trascendencia artística Se estima que José José ha vendido más de 90 millones de discos. En México, según las estadísticas discográficas, su álbum Secretos es el más exitoso con más de 11 millones de copias vendidas desde su lanzamiento en 1983. En toda Hispanoamérica es considerado el cantante más importante de la música romántica.6 Entre 1985 y 1986 consiguió registrar localidades agotadas en el Madison Square Garden y en el Radio City Music Hall de Nueva York, así como en el Pavillion de Chicago en 1992 y en Las Dunas de Las Vegas. Además de esto, es uno de los pocos cantantes mexicanos que puede presumir de haber abarrotado la Monumental Plaza de Toros México en 2 ocasiones, durante dos magnos conciertos ofrecidos en 1989 logrando cantar para 100,000 personas. En 1998 fue editado un disco llamado Un Tributo (a José José), en el que participan varias bandas y solistas, como los cantantes de La Ley, Fobia, Julieta Venegas, Molotov y Jumbo, entre otros, y artistas de rock nacional en el que, en su honor, interpretan sus canciones cada uno en su muy particular estilo. Con esto se pretendió que generaciones más jóvenes conozcan la trayectoria de José, a través de un programa especial transmitido a nivel mundial por la cadena MTV. A lo largo de su carrera de más de 50 años, ha alcanzado los más grandes premios a que puede aspirar un cantante profesional: Grammy award, Grammy latino, premio "El Heraldo" de México, etc.; José cuenta con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y otra en el paseo de la fama de Las Vegas y diversos reconocimientos a nivel mundial pero el reconocimiento más importante es el amor y respeto de millones de seguidores de todas las edades que por generaciones enteras han cultivado la tradición de escuchar su música. Entre sus amistades más importantes se cuentan el tenor español Plácido Domingo, Frank Sinatra, Rocío Dúrcal, Olga Guillot, Alvaro Carrillo, Rubén Fuentes, Raúl Velasco, Paul Anka, Manuel Alejandro, Julio Iglesias, Raphael, Rafael Pérez Botija, Armando Manzanero, Marco Antonio Solís, Marco Antonio Muniz, Roberto Cantoral, Camilo Sesto, Lani Hall, Juan Gabriel, Vicente Fernandez, Jose Maria Napoleón, Pepe Jara, Johnny Laboriel, José Feliciano, Francisco Céspedes, Alejandro Jaén, Dulce entre muchas otras personalidades. Voz Según su libro autobiográfico “Esta es mi vida”, en los inicios de su carrera, su consultor vocal manifestó que su tesitura y color de voz pertenecía a la de un Bajo. La nota más baja de José José en estudio de grabación se da en la canción “Es un ángel" cubriendo la nota musical G2 (Sol2). Su nota más alta, en estudio, se encuentra en la canción "Ella es así" de 1970, donde cubre la nota musical A4 (La4) nota perteneciente a un tenor. El rango vocal de José José abarcaba desde un G2 (Sol2) – A4 (La4) en voz de pecho, es decir, abarcaba 2.1 octavas exactas. La nota más alta en falsete la brinda en la canción “Amor para los dos”. En la nota final, cubre un B4 (Si4), teniendo así un rango vocal de G2 (Sol2) – B4 (Si4), contando el mencionado falsete, su rango vocal cubre las 2.2 octavas. José José "cómodamente" vocalmente hablando, se ubicaba generalmente entre un G3 (Sol3) – E4 (Mi4), rango apreciable en grabaciones como “Gavilán o paloma”, “Almohada”, “Volcán”, “Quiero perderme contigo”, “Seré", “Buenos días amor", “Amor amor”, “Lo dudo", “El amar y el querer”, entre otras. Una de las cualidades más peculiares de su voz, es su manejo de la respiración y su capacidad pulmonar, esto al sostener notas por largo tiempo sin desafinar, perder potencia o mostrar alguna señal de asfixia, generalmente en voz media y voz de pecho. Como Tenor, José José tenía la habilidad de cubrir todas las notas posibles en voz de pecho. El color de su timbre es extremadamente peculiar, característica especial del Tenor lírico ligero. Sus características técnicas son asombrosas, siendo esto de destacarse; ya que se habla de un cantante empírico, que jamás llevó estudios musicales formales en un conservatorio. Su afinación es prácticamente perfecta en todas sus grabaciones discográficas. Entre los artistas de mayor renombre que han grabado las "canciones de José José", se incluyen: Johnny Mathis, Marc Anthony, Vikki Carr, Luis Miguel, Conjunto Primavera, Chayanne, Raphael, Juan Gabriel, Rocío Dúrcal, Camilo Sesto, Cristian Castro, Vicente y Alejandro Fernandez, Manuel Mijares, Juan Carlos Coronel, Kalimba, Aventura, entre muchos otros. Vida personal Relaciones, matrimonio y la familia Estuvo casado con la actriz Natalia "Kiki" Herrera Calles, la cual fue nieta del Presidente Plutarco Elías Calles por la rama materna, estando casado del año 1970 y divorciado en el año 1976. Ella falleció en un accidente automovilistico en México DF en 1982. Durante la década de 1970 comenzó una relación con Ana Elena Noreña (conocida como Anel), pero se separaron varios meses después.7 En 1974, luego de su separación de "Kiki", vuelve a relacionarse con "Anel" su anterior amante, ella queda embarazada, y se casaron en 1976. Tuvo dos hijos con Anel, su primogénito, José Francisco Carmelo Augusto (conocido como José Joel) y una hija Marysol Estrella Margarita Elena. Su matrimonio con Anel terminó en divorcio en 1990, debido al manejo fraudulento de sus ganancias como cantante y en firmas de contrato de doble moral, realizado por el hermano de Anel, quién era su representante el cual basándose en este poder lo estafó con las ganancias que José-Jósé tenía en sus ventas de discos como en presentaciones personales. En el año 1995 se casó con la cubana Sara Salazar cual es su esposa hasta el momento actual. Alcoholismo Su alcoholismo le causó graves problemas financieros, afirma que durante su carrera fue constantemente defraudado por sus mánagers, entre ellos el hermano de Anel.8 En 1995, después de su rehabilitación, se casa por tercera ocasión con Sara Salazar, quien se convertiría en su mánager. Ese mismo año, durante una gira por América Latina, nace su tercera hija Sara. Estado de Salud José José en el 2007. José José ha sufrido de varios problemas de salud durante toda su carrera, debido a esos problemas, aparece constantemente en los medios de comunicación. En 1972, sufrió de un caso grave de neumonía, y su diafragma torácico sufrió una parálisis, la enfermedad casi deteriora por completo su voz, su carrera y su vida. Se recuperó después de pasar por meses de tratamiento basado en ejercicios de respiración, pero uno de sus pulmones se le dañó permanentemente.9 A finales de 1980, fue sometido a varias operaciones en sus cuerdas vocales como consecuencia de la utilización excesiva de cortisol, alcohol y la falta de descanso después de sus conciertos. José tuvo graves consecuencias de su problema con el alcoholismo, ya que su salud fue deteriorándose durante la década de 1990. Unas de las tantas consecuencias es la diabetes que ha desarrollado. En 2001, sufrió de un caso de enfisema.10 El efecto del alcoholismo, el abuso de cortisol y su hernia de hiato, no sólo han afectado a su capacidad para cantar, sino también para hablar.11 En 2007, sufrió de la parálisis de Bell. Como resultado de todos esos problemas tuvo que enfrentar una depresión muy grave en los últimos años. José ha luchado con una retinopatía diabética en uno de sus ojos y se sometió a una operación para la misma.12 Actualmente En noviembre de 2008, su esposa Sara Salazar sufrió una hemorragia cerebral debido a un aneurisma,13 José ha declarado que tuvo que luchar con las cuentas médicas que éste suceso le trajo, con la ayuda de cantantes como Cristian Castro, Ana Bárbara, el empresario Jaime Camil (padre), y sus fans. Actualmente José José continúa su carrera de éxitos, brindando conciertos por Norte, Centro y Sudamérica.14 Discos de Oro y Platino Ha recibido: 6 Discos de Oro y 10 de Platino por La nave del olvido 11 discos de Oro y 8 de Platino por El triste Doble Disco de Oro y Platino por Reencuentro Doble Disco de Oro por “Volcán” Doble Disco de Oro y de Platino por “Lo pasado, pasado” Doble Disco de Oro y de Platino por “Si me dejas ahora” Disco de Oro por “Super éxitos Vol. I” Doble Disco de Platino y 5 de Oro por “Amor, amor” Doble Disco de Platino y 6 de Oro por “Romántico” Doble Disco de Platino y 6 de Oro por “Mi vida” Disco de Platino por “Secretos” Disco de Platino por “Secretos” (Centroamérica) Disco de Oro por “Secretos” (Perú) Disco de Oro por “Secretos” (Argentina) Disco de Oro por “Secretos” (República Dominicana) Disco de Oro por “Secretos” (Colombia) Disco de Platino por “Secretos” (Colombia) 22 Discos de Oro y Platino EN TOTAL POR “Secretos” Disco de Platino por “Promesas” Disco de Platino por “Reflexiones” Disco de Platino por “Siempre contigo” Disco de Oro por “Soy así” Triple Disco de Oro por “¿Qué es el amor?” Disco de Oro por “En las buenas... y en las malas” Disco de Platino por “¿Qué es el amor?” (Quíntuple, en Venezuela) Triple Disco de Platino y 2 de Oro por “40 y 20” Disco de Oro “Grandeza mexicana” Doble Disco de Oro y Platino por “Mujeriego” En total, por todas sus producciones, suma más de 200 Discos de Oro y Platino. Contribuciones Grabación de "Cantaré, cantarás" (“You Will Sing, I Will Sing”), junto con artistas de la talla de Plácido Domingo, Celia Cruz, Cantinflas, Julio Iglesias, Vicky Carr y María Conchita Alonso, en respuesta hispana a la canción estadounidense "We Are the World" a beneficio de la comunidad africana. Campaña televisiva en los Ángeles, California a beneficio de “World Vision”. Participación en “Navidad en la barrio”: Los Ángeles, California. Participación en la “Liga contra el cáncer”. Concierto a beneficio en: Miami, Florida, México, D.F. San Salvador, El Salvador. Participación en "El último adiós" como homenaje a las víctimas del atentado ocurrido a las Torres Gemelas el 11 de septiembre de 2001. Concierto a beneficio de las “víctimas del huracán Andrew”. Miami. Concierto a beneficio de A.P.A.C. (Asociación pro-paralítico cerebral). México D.F. Concierto a beneficio “Navidad para todos”. Guayaquil, Ecuador. Concierto a beneficio de las “Víctimas del terremoto”. México 1985. Concierto a beneficio para la construcción del “Hospital para pacientes con problemas de alcoholismo y drogadicción”. México D.F. Concierto a beneficio de las “Víctimas del terremoto”. San Salvador, El Salvador. Por su gran calidad humana se le entregaron las llaves de la ciudad donde se declaró el “Día de José José”: Nueva York, Nueva York Chicago, Illinois Miami, Florida Miami Beach, Florida Hialeah, Florida Sweetwater, Florida Houston, Texas McAllen, Texas San Antonio, Texas Laredo, Texas Los Ángeles, California Sacramento, California Las Vegas, Nevada Nueva Jersey, Nueva Jersey Mexicali, B.C. Celaya, Guanajuato Discografía Año De Publicación Título Discográfica 1967 Los PEG RVV EP1 (México) 1967 Anina y Pepe Sosa (sencillo 45 rpm) Orfeon (México) 1969 Cuidado RCA (México) 1970 La nave del olvido RCA (México) 1970 El Triste RCA (México) 1971 Buscando una sonrisa RCA (México) 1972 De pueblo en pueblo RCA (México) 1972 Cuando tú me quieras RCA (México) 1973 Hasta que vuelvas RCA (México) 1974 Vive RCA (México) 1975 Tan cerca... tan lejos RCA (México) 1976 El príncipe RCA (México) 1977 Reencuentro Ariola (México) 1978 Volcán Ariola (México) 1978 Lo pasado, pasado Ariola (México) 1979 Si me dejas ahora Ariola (México) 1980 Amor, amor Ariola (México) 1981 Romántico Ariola (México) 1981 Gracias Ariola (México) 1982 Mi vida Ariola (México) 1983 Secretos Ariola (México) 1984 Reflexiones Ariola (México) 1985 Música original de "Gavilán o Paloma" Ariola (México) 1985 Promesas Ariola (México) 1986 Siempre contigo Ariola (México) 1987 Soy así Ariola (México) 1988 Música original de "Sabor a mí" Ariola (México) 1989 ¿Qué es el amor? BMG Ariola (México) 1990 En las buenas... y en las malas BMG Ariola (México) 1992 40 y 20 BMG Ariola (México) 1994 Grandeza mexicana BMG (México) 1995 Mujeriego BMG (México) 1997 Tesoros BMG (México) 1998 Y algo más BMG (México) 1998 Distancia BMG (México) 2001 Tenampa BMG (México) Discos En Vivo Año De Publicación Título Discográfica 1994 30 años de ser El Príncipe BMG (México) 1999 Bohemia BMG (México) 2000 Bohemia, Vol 2. BMG (México) Al igual, también ha participado en discos En Vivo para otros artistas: Año De Publicación Canción Artista/Disco 1993 Mía Armando Manzanero / Entre Amigos: En Vivo Composiciones de José José Año De Publicación Título Álbum Discográfica 1977 Si alguna vez Reencuentro Ariola (México) 1979 Amor para los dos Lo pasado, pasado Ariola (México) 1979 Amor de Discoteque Lo pasado, pasado Ariola (México) 1979 Candy Si me dejas ahora Ariola (México) 1979 Linda disco Si me dejas ahora Ariola (México) 1979 Ay amigo Tesoros BMG (México) 1980 Cosa de dos Amor Amor Ariola (México) Canciones de telenovelas Año Título Telenovela 1969 Del altar a la tumba Del altar a la tumba 1975 Cada mañana que te vas Paloma 1986 ¿Cómo fue? Monte Calvario Discos de concepto Año De Publicación Título Discográfica 2003 El príncipe con trío, Vol.1 BMG (México) 2003 El príncipe con trío, Vol.2 BMG (México) 2003 El príncipe con trío, Vol.3 BMG (México) 2010 Ranchero Sony Music Entertaiment (México) 2013 Duetos Vol. 1 Sony Music Entertaiment (México) 2014 Duetos Vol. 2 Sony Music Entertaiment (México) 2014 Big Band Sony Music Entertaiment (México) Los "Discos de concepto" consisten en extraer la voz original del cantante, en este caso José José, y adaptarle un nuevo arreglo. Con motivo de sus 51 años de carrera, saldrá un nuevo disco de concepto al estilo Big Band para el 21 de octubre del 2014. Recopilaciones Año De Publicación Título Discográfica 1982 20 Triunfadoras de José José Ariola (México) 1987 Ayer, hoy y siempre: José José Ariola (México) 1988 Éxitos, Vol.1 Ariola (México) 1988 Romántico, Vol.2 Ariola (México) 1989 Éxitos, Vol.2 Ariola (México) 1990 15 éxitos BMG Ariola (México) 1990 15 románticas en la voz de José José Ariola (México) 1990 25 Aniversario (Volúmenes 1 y 2) BMG Ariola (México) 1991 Bodas de plata del Principe de la Canción Bertelsmann de México S.A. de C.V. 1992 15 Éxitos de oro RCA Records Label 1992 Serie 20 Éxitos Ariola 1994 Boleros T.H. Rodven 1996 Serie platino BMG (México) 1997 Serie platino, Vol.2 BMG (México) 1997 Tesoros BMG (México) 1998 35 Aniversario (Volúmenes 1, 2, 3, 4, 5, 6 y 7) BMG (México) 1998 Serie retratos Madacy Latino 1998 Y Algo Más BMG (México) 1999 Lo mejor de lo mejor BMG (México) 1999 Coleccion original Sony International 2000 Serie 2000 RCA International 2002 Todo éxitos de José José Líderes Ent. Group 2002 3 voces y un maestro - Canciones de Manuel Alejandro BMG Music 2003 Definiendo José Sony International 2003 40 Aniversario (Volúmenes 1,2,3 y 4) BMG (México) 2004 Best of: Jose Jose, Ultimate Collection Sony International 2004 Personalidad: 20 éxitos BMG Entertainment 2005 Originales: 20 éxitos BMG (México) 2005 Lo mejor en tríos Sony U.S. Latin 2005 20 Inolvidables Univision Music Group 2005 Tres trovadores Sony U.S. Latin 2005 Las número uno Sony Music 2006 La historia del príncipe BMG (México) 2007 Mis duetos Sony - BMG (México) 2008 El príncipe y el bolero Sony - BMG (México) 2008 José José: Para ti Sony U.S. Latin 2009 Lo esencial de José José Sony Music Entertaiment 2009 Dos Clásicos Sony Music Entertainment 2010 Recupera tus clásicos (Volúmenes 1 y 2) Sony Music Entertaiment 2010 Guitarra y sentimiento Sony Music Entertaiment 2011 Mis favoritas Sony U.S. Latin 2011 Frente a Frente: José José y Cristian Castro Sony Music México 2012 El Romántico, El Príncipe Sony Music Latin 2013 Frente a Frente: José José y Leo Dan Sony U.S. Latin 2013 Frente a Frente: José José y Marco Antonio Muñiz Sony U.S. Latin 2014 Solo para mujeres Sony U.S. Latin 2015 Duetos Vol. 1 y 2 Sony Music México Duetos grabados Año De Publicación Título Artista 1968 Adiós Libertad Lamarque 1975 Tiempo Marco Antonio Muñiz 1978 Cruz de olvido Marco Antonio Muñiz 1982 Te quiero así Lani Hall 1984 Voy a apagar la luz Gina Romand 1985 Por ella José Feliciano 1988 Mi Orgullo Carmen Salinas 1988 Es tan lindo José Joel y Angélica Vale 1990 Hay un mañana Valeria Lynch 1994 La fuerza de la sangre José Joel 1994 José y Manuel Manuel Alejandro 1995 Te quiero así Alejandra Avalos 1995 o 1996 Dos corazones amigos José Guadalupe Esparza 1996 Déjame conocerte Paul Anka 1998 Entre la espada y la pared Pimpinela 1998 El triste Raúl Di Blasio 1998 Lo sé José Alfredo Fuentes 2001 Cómo hacer para olvidar Juan Gabriel 2001 ¿Qué ganaste corazón? Juan Gabriel 2007 Aunque vivas con él Reyli 2007 E-Mail Me Sarita Sosa 2008 Volver a creer Yanni Duetos virtuales Año De Publicación Título Artista 2005 Anda y ve (Lo Dudo) Akwid 2010 Lo pasado pasado Cristian Castro 2013 Contigo (Cuando Vayas Conmigo) Akwid 2013 Desesperado Mijares 2013 Almohada Daniela Romo 2013 No me platiques más Gilberto Santa Rosa 2013 Una mañana Natalia Lafourcade 2013 Me basta Leonel Garcia 2013 Lo que no fue no será Pandora 2013 ¿Y qué? Gianmarco 2013 El amor acaba Edith Marquez 2013 Voy a llenarte toda Carlos Rivera 2013 Sabor a mí Francisco Cespedes 2013 40 y 20 Maria Jose 2013 Contigo en la distancia Carlos Cuevas 2014 El triste Pepe Aguilar 2014 La barca Lila Downs 2014 No me digas que te vas Noel Schajris 2014 La nave del olvido Yuri 2014 Payaso Pablo Milanés 2014 Preso Aleks Syntek 2014 Lo pasado, pasado Ha*Ash 2014 Un minuto de amor Paco Familliar 2014 ¿Y quién puede ser? Amaury Gutierrez 2014 Lágrimas Río Roma 2015 Lo dudo Pedro Fernandez Colaboraciones Año De Publicación Título Motivo 1985 Cantaré cantarás A beneficio de comunidad africana 2001 El último adiós Homenaje a victimas del ataque terrorista en E.E.U.U. 2010 73 mil amaneceres Bicentenario de México Videos musicales Año Título Disco 1983 Lo dudo Secretos 1983 Voy a llenarte toda Secretos 1983 Cuando vayas conmigo Secretos 1983 El amor acaba Secretos 1983 He renunciado a ti Secretos 1984 Payaso Reflexiones 1984 ¿Y qué? Reflexiones 1985 Me vas a echar de menos Promesas 1985 Más Promesas 1985 Por ella 1986 ¿Y quién puede ser? Siempre contigo 1986 Saliendo adelante 1987 Soy así Soy así 1988 Es tan lindo 1989 Él ¿Qué es el amor? 1990 Amnesia En las buenas... y en las malas 1990 Atrapado En las buenas... y en las malas 1992 40 y 20 40 y 20 1994 Grandeza mexicana Grandeza mexicana 1994 La fuerza de la sangre Grandeza mexicana 1995 No valió la pena Mujeriego 1995 Mujeriego Mujeriego 1998 Ojalá que te mueras Distancia 1998 Entre la espada y la pared 2001 Cada vez Tenampa 2001 Cómo hacer para olvidar Tenampa 2008 Volver a creer Al igual, también ha participado en videos musicales, en los que se le hace homenaje, por ejemplo: Año Título Artista 1998 Volcán Moenia 1998 Gavilán o paloma La Lupita 2010 La nave del olvido Cristian Castro 2011 He renunciado a ti Montez de Durango 2013 El triste Conjunto Primavera 2014 El amor acaba Natalia Lafourcade 2014 Desesperado Los Daniels Dvd/Video Home Año De Publicación Título Discográfica 1985 José José en Acapulco MCA Home Video 1986 José José en concierto (Puerto Rico) L.D.L. Enterprises Inc. 2003 Biografía en canción (Volúmenes 1, 2 y 3) BMG (México) 2005 Las número uno BMG (México) 2006 La Historia Del Príncipe BMG (México) 2007 Mis duetos Sony - BMG (México) 2009 La historia de un príncipe Sony - BMG (México) 2009 50 de sus mejores éxitos Sony - BMG (México) Teatro Temporada Obra Personaje 2014 Amar y querer: El musical de sangre azul Narrador Libro Publicacion Título Distribuidora 2008 Esta es mi vida Random Ho use Mondadori Pub. Filmes Clean Sweep, con Pepe Serna y Fabián Carrillo (2010). Me late El Corazón, (2009). Sueño, con John Leguizamo (2005). Perdóname todo, con Alejandra Ávalos (1995). Sabor a mí, con Angélica Aragón (1988). Gavilán o paloma, con Christian Bach (1985), autobiográfica. Siempre en Domingo, La Película, con Raúl Velasco (1984). La discoteca del amor (1980) La Carrera del millón, con Nubia Martí (1973). Un Sueño de amor, con Verónica Castro (1972). Buscando una sonrisa, con Nadia Milton (1971). Programas de televisión Yo me llamo ( Caracol Televisión, 2012) Duetos (Estrella TV, 2010) El show de los sueños (Televisa, 2008) Invitado de gala en Bailando por un sueño (Televisa, 2006) La fea más bella (Televisa, 2006-2007)...Erasmo Padilla Cantando por un sueño (Televisa, 2006)...Maestro Los reyes de la canción (Televisa, oct 2006)...Maestro Cantando y bailando por un sueño de navidad (Televisa, 2006)...Juez Teletón (Televisa, 2006) "La movida" con Verónica Castro (Televisa, 1992) Siempre en domingo- Homenaje por 25o. aniversario (Televisa, 1990) El show de las estrellas Jorge Barón Televisión (Colombia, 1971-1993) Éxitos Bacardí (Conductor, Televisa, 1977) El mundo joven joven de José José (Televisa, 1971) Premios y nominaciones Se ha hecho acreedor a premios y nominaciones como: Nueve años consecutivos ha estado nominado para el Grammy, en la categoría de Best latin pop performance. La revista Billboard le otorgó el premio en las siguientes categorías: Top latin artist y Top latin LP. El Heraldo de México también lo ha reconocido desde sus inicios como: Revelación del año, y en repetidas ocasiones, por sus méritos, desde 1970, ha sido nombrado “Cantante del año”. Fue inmortalizado en el Paseo de las Estrellas Tijuana y en el recién creado Paseo de las Estrellas Cuernavaca El maestro Don José José fue el primer artista en develar su estrella. Premios de televisión y novelas Año Categoría Programa/Telenovela Resultado 2007 Mejor actor de reparto La fea más bella Ganador Discos Homenaje al Príncipe Año De Publicación Título Artista 1998 Un tributo Varios (Rock) 1999 A mi amigo José Chamin Correa 2006 Homenaje a José José Mijares 2009 Homenaje al príncipe Mariachi Sol de México 2009 Los Exitos de José José en Bachata El Gringo de la Bachata 2010 Viva el príncipe Cristian Castro 2011 Mi amigo el príncipe Cristian Castro 2011 De un Coronel a un Príncipe Juan Carlos Coronel 2014 Un Tributo 2 Varios (Rock)

(Dolores Hidalgo, Guanajuato, 1926 - Ciudad de México, 1973) Cantante y compositor mexicano. Dotado de una extraordinaria fecundidad creativa, fue uno de los más destacados representante de la canción ranchera. Temas como El rey, su canción más popular, le hicieron famoso en México y en todo el mundo. Siendo niño se trasladó junto con su familia a la capital de la República, y a los 14 años compuso su primera canción. Pese a demostrar tempranamente su talento innato para la composición, el éxito tardó en sonreírle. Durante su juventud ejerció los más variados oficios, desde el de futbolista en el Marte (un equipo de primera división) hasta el de camarero en un restaurante en el que trabaría una amistad providencial con el hijo del dueño, a la sazón guitarrista del trío Los Rebeldes. Portada de una reedición de 2008 En 1948, acompañado por el trío Los Rebeldes, cantó por vez primera en la radio. Pero no fue hasta 1950 que comenzó a ganar celebridad gracias a su canción Yo (grabada por Andrés Huesca y sus Costeños), que sería el primer título de una larga lista de éxitos. Comenzó así una fructífera carrera que lo convirtió en el más destacado compositor de canciones rancheras en México; los mejores cantantes e intérpretes se disputaban sus temas para incluirlos en su repertorio. Sus melodías fueron interpretadas por Jorge Negrete, Pedro Infante, Miguel Aceves Mejía, Lola Beltrán, Javier Solís y la española María Dolores Pradera, entre otros. De entre sus canciones, son especialmente recordadas El rey, No me amenaces, Amanecí en tus brazos, Paloma querida, Caminos de Guanajuato, Caballo blanco y Un mundo raro. El éxito como compositor y cantante llevó a José Alfredo Jiménez a una frenética actividad profesional. Además de dar sus recitales y conciertos, trabajó en el teatro, en la televisión y en la radio, tanto en México como en el extranjero. En el cine alcanzó gran popularidad gracias a cintas como Martín Corona (1950), Póquer de ases (1952), Guitarras de medianoche y La feria de San Marcos (1957). La música de José Alfredo Jiménez arraigó profundamente en el gusto popular mexicano. Sus composiciones adquirieron una enorme popularidad gracias a la belleza y simplicidad de sus letras y melodías y a la expresión sincera y directa de sentimientos con los que el público podía sentirse fácilmente identificado. Verdaderamente el compositor supo plasmar, con realismo y emoción contenida, el amor y el desamor, la nostalgia por la vida campesina, y, en definitiva, toda la gama de los sentimientos humanos, incluyendo el odio, la rabia o el desengaño, así como la ternura y magia que extraía a menudo de cualquier escena en apariencia insignificante de la vida cotidiana.

(Jorge Alberto Negrete Moreno; Guanajuato, 1911 - Los Ángeles, 1953) Cantante y actor mexicano cuyo atractivo personal y voz inconfundible le elevaron a la categoría de mito de la música de su país. A ello contribuyeron sin duda sus apariciones cinematográficas y sus tumultuosas relaciones sentimentales con conocidas estrellas del momento. En un México que aún padecía las secuelas de los enfrentamientos civiles de la Revolución, el estilo patriótico de las canciones de Jorge Negrete, en las que se ensalzaban valores como la virilidad, el valor o la familia, cuajó en el seno de una sociedad necesitada de mitos sobre los que reconstruir una identidad nacional. Jorge Negrete A los 16 años ingresó en el Colegio Militar; curiosamente, Negrete parecía iniciar una carrera prometedora: pronto se graduó como teniente de administración y, en 1930, fue ya nombrado capitán segundo y efectuó estudios militares en París y Roma. Pero paralelamente a sus labores castrenses, Negrete tomaba clases de canto con el prestigioso maestro José Pierson, lo que le permitió empezar a cantar para la radio. Cuando en 1930 interpretó por primera vez en la cadena de radiodifusión XETR conocidas arias operísticas y canciones de compositores mexicanos, empezaba para aquel joven, de apenas veinte años, una vertiginosa y frenética carrera hacia la fama y el estrellato. Después de cantar ópera (llegó a grabar algunas óperas en 1932 bajo el seudónimo de Alberto Moreno) y actuar en la radio y en revistas musicales de su país, como la popular Calles y más calles en el teatro Lírico (1935), con canciones del maestro Juan S. Garrido, Negrete trabajó también en los más prestigiosos escenarios de Estados Unidos, desde donde saltó a los grandes teatros mundiales. La gran calidad de su voz y su aspecto viril y distinguido le permitieron ganar una rápida celebridad en los escenarios mexicanos y extranjeros. Figura entonces versátil, se dedicó también al toreo, y en 1940 quiso participar en la Segunda Guerra Mundial como soldado estadounidense, pero no se le permitió alistarse. Jorge Negrete debutó en el cine con La madrina del diablo (1937) y desde entonces intervino en un total de treinta y ocho películas. Popularizó así la llamada comedia ranchera, en la que encarnaba al personaje del "charro cantor", el macho valiente, buen tipo, adinerado, mujeriego, vital y arrogante. En sus actuaciones en vivo y, por supuesto en la gran pantalla, el carismático actor nunca dejó de interpretar dicho papel. Podría en cierta manera decirse que Jorge Negrete se interpretaba a sí mismo, ya que popularizó el papel de charro tanto en la ficción como en la vida real, escenario en el cual sus romances nada tenían que envidiar a los de sus personajes cinematográficos. Sus matrimonios con Elisa Christy y Gloria Marín naufragaron en los conflictos surgidos de los devaneos amorosos unas veces y de los chismes otras, y no fue hasta su tardío tercer matrimonio con la brillante María Félix, famosa a su vez por su vida licenciosa y frívola, que Negrete lograría una relación estable. Gloria Marín y Jorge Negrete en Carta de amor (1943) En todas películas, de marcado carácter folclórico, el arte de la charrería tenía un papel primordial. Y es que el mismo título de algunas de sus películas, como Si Adelita se fuera con otro, que hace referencia directa a una popular canción de la revolución mexicana, o No basta ser charro, constituían un preludio inequívoco del argumento que iba a desarrollarse en la pantalla. El guión de todos los filmes estaba perfectamente planificado y estructurado para la exhibición personal de Negrete como galán y también como intérprete de canciones mexicanas entrañables para el gran público, por lo que todas sus películas contaban con una cuidada selección de temas musicales. Interpretó también, sin embargo, algunos melodramas y cintas de diferente índole, como El rapto, de Emilio Fernández. Entre sus primeros filmes cabe mencionar La Valentina, Perjura, Juan sin miedo y Juntos pero no revueltos (1938). Obtuvo un éxito clamoroso con ¡Ay Jalisco no te rajes!, película realizada en 1941 y dirigida por Joselito Rodríguez, por cuya interpretación recibió un año después de su rodaje el premio a la mejor actuación masculina, otorgado por la Asociación de Periodistas Cinematográficos Mexicanos. Le siguieron nuevos éxitos como Historia de un gran amor, Así se quiere en Jalisco (1942), dirigida por Fernando de Fuentes, El peñón de las ánimas y Tierra de pasiones (1942), Cuando quiere un mexicano y también Me he de comer esa tuna (1944), uno de los títulos míticos de la filmografía de Negrete. Su frenética actividad continuó en los años siguientes con Canaima, Hasta que perdió Jalisco, No basta ser charro, Camino de Sacramento y Gran Casino (1947), película dirigida por Luis Buñuel. Posteriormente llevó a cabo la segunda versión de Allá en el Rancho Grande, Si Adelita se fuera con otro (1948), película del director Chano Urueta, La posesión (1949), Dos tipos de cuidado, Tal para cual (1952) y Reportaje y El rapto (1953), sus dos últimas. Negrete y María Félix en El rapto (1953) En sus películas y actuaciones, Negrete solía ataviarse como un auténtico charro, luciendo chaqueta bordada, pantalón ajustado, camisa blanca con corbata de moño y un sombrero de ala ancha y alta copa cónica. En el escenario y en el plató deambulaba con la arrogancia que caracteriza a un duro rompecorazones de tierna y dulce sonrisa, siempre a punto para el lance amoroso. Y es que probablemente el encanto que el fiel público femenino hallaba en Negrete residía en que sabía conjugar en sus personajes rasgos opuestos, como el galán rudo dotado al mismo tiempo de una lánguida y enigmática mirada. La instantaneidad que caracteriza al arte de la fotografía supo plasmar a la perfección esta dualidad carismática de Negrete. En las fotografías que le inmortalizan suele aparecer con la cabeza altivamente erguida, como si desafiase al mundo, y cantando, seguro de sí mismo, con extrema gallardía. Pero Negrete puede ser también un amante despechado con profundas heridas de amor; su mirada combina entonces el atrevimiento con un suave toque de insolencia, que invita al juego amoroso, al tiempo que sus labios a duras penas logran sostener un cigarrillo. Pese a que durante los algo más de veinte años de su vida profesional mostró una imagen estereotipada de galán solícito, atento y cortés con las mujeres, y también de duro castigador si la ocasión o el guión lo exigían, tras esta imagen comercial y publicitaria, destinada a no defraudar a un público siempre creciente, se escondía un Jorge Negrete desconocido, maduro y consciente de la dimensión de su carrera. Se ha hablado mucho de lo que la industria cinematográfica mexicana debe a Jorge Negrete. Efectivamente, interpretó la primera película mexicana que incorporó el color en la pantalla (Así se quiere en Jalisco) y estuvo dirigido por directores famosos como Luis Buñuel y Chano Urueta, además de Fernando de Fuentes, uno de los directores cinematográficos más importantes del cine mexicano de los años treinta y cuarenta. Fernando de Fuentes, que había iniciado la era industrial del cine mexicano con la primera versión de Allá en el Rancho Grande (1936), interpretada por Tito Guízar, había puesto además de moda con dicha película la producción de comedias rancheras, un género que parecía hecho a la medida de la capacidad creadora y artística de Jorge Negrete. No es pues de extrañar que Fernando de Fuentes y Negrete trabajaran juntos en películas inolvidables como Así se quiere en Jalisco (1942), Hasta que perdió Jalisco (1945) y la segunda versión de Allá en el Rancho Grande (1948), manteniendo la vitalidad de un género gracias al cual Negrete se convirtió en un embajador de la cultura y el folclore mexicanos. Negrete contribuyó además a fundar el Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana, y la Asociación Nacional de Actores. En su faceta de cantante popularizó canciones como La feria de las flores, Jalisco, Allá en el Rancho Grande o Las mañanitas, que forman parte ya de la cultura identificativa del país, abriendo una escuela entre cuyos máximos representantes se encuentran Aceves Mejía y Pedro Infante. En 1953, cuando parecía haber llegado a la plenitud y madurez tanto profesional como personal y sentimental, falleció, poco después de haber contraído matrimonio (1952) con la también actriz mexicana María Félix, famosa tanto por sus interpretaciones en el cine como por sus devaneos amorosos. Ambos habían trabajado juntos por primera vez en la película El peñón de las ánimas, que fue además la primera intervención cinematográfica de la entonces joven María Félix. Con su muerte desaparecía uno de los actores y cantantes más entrañables e internacionales del cine mexicano. Sin embargo, Jorge Negrete permanecerá siempre en el recuerdo de los cinéfilos y su nombre ocupa con todo merecimiento uno de los puestos de honor más destacados de la cinematografía y la canción mexicanas. A lo largo de toda su carrera, Negrete difundió y popularizó la música, las canciones y la cultura mexicana por todo el mundo; para ello se valió de su potente y extraordinario chorro de voz, un genuino instrumento que sabía modular a la perfección, plasmando con profundo y desgarrado sentimiento tanto el amor como el desamor, el más tierno cariño o el más arraigado y triste resentimiento. Personaje entrañable, posiblemente fue su temprana muerte, acaecida cuando contaba poco más de cuarenta años y se encontraba en la plenitud de su vida tanto personal como profesional, la que le otorgó la gracia de la inmortalidad, permaneciendo siempre su nombre como un vivo recuerdo en la memoria popular y en la de las nuevas generaciones.