La Vitrola

El 2025 fue un año clave para Camargo, principalmente por su primera gira internacional por México, con shows en Ciudad de México, Toluca, Puebla y Guadalajara, incluyendo la Feria del Alfeñique. Fue una experiencia muy importante porque les permitió llevar su música a nuevos escenarios, conectar con otros públicos y confirmar que la propuesta de la banda puede dialogar con la escena alternativa latinoamericana. A esto se sumó una circulación nacional por Bogotá, Cali, Medellín y Barranquilla, que fortaleció su experiencia en vivo y consolidó el crecimiento del proyecto. El 2026 se proyecta como un año de consolidación y expansión. Una de sus principales metas es el lanzamiento del EP 'Chimbilá Disco', un trabajo que marca una nueva etapa para la banda y del que ya han empezado a circular tres sencillos: 'No me atrevo a hablar', 'Llévame' e 'iNDEFINIDO'.

Fer Franco es un cantante, compositor y productor guatemalteco que lleva más de 20 años haciendo música en distintos formatos: bandas, colaboraciones y música para cine. Fue hasta 2023 que decidió enfocarse en un proyecto propio, bajo su nombre. Antes de eso, vivió en Manchester en donde cofundó una banda llamada Cosmos Collapse, y luego en Ciudad de México, donde reconectó con Mabe Fratti y conoció a Héctor Tosta, quienes fueron fundamentales para su carrera. Su proyecto solista arrancó con 'Ritos de Paso' en 2024, un primer disco que fue bien recibido por la crítica internacional, con reseñas en medios como The Quietus, Loud and Quiet, Clash, MOJO y una selección en Pitchfork. Ahora, 'Punto de Inflexión' es el siguiente capítulo de Fer Franco.

Corana es un dúo bogotano de música alternativa tropical integrado por Julián Samper y Sergio González. El proyecto, fundado en 2022 con su primer lanzamiento: 'La Iguana EP', nace del deseo de fusionar ritmos del caribe con elementos del pop moderno y la música electrónica. "La intención de nuestra propuesta musical es rendir homenaje a los géneros y los sonidos de Latinoamérica y el Caribe desde un enfoque moderno y fresco", comenta el grupo colombiano. "A través de nuestras canciones queremos mostrar que el sonido latino tiene el poder de hacernos ver que acá ya tenemos todo lo que necesitamos", agrega la banda con influencias de artistas como Bomba Estéreo, Rawayana, Vicente García y Manu Chao; y géneros como el afrobeat, la cumbia, el zoukous y el son cubano.

Gabo Gallego es un artista colombiano sensible a los relatos de lo humano, de la cotidianidad y los sentimientos complejos del devenir colectivo. Su propuesta está basada en el interés por tratar de traducir la experiencia de lo humano en canciones donde las personas puedan ver representada su vida; experiencia envuelta en una música sensible y conectada desde lo más íntimo e intenso de ritmos como el neo-soul, rock y funk. El proyecto nació hace unos 3 años, pero la propuesta está asentada en un trabajo de más de 13 años en proyectos previos del oriente antioqueño, como Aikas, una agrupación de rock latino y Pájaro Toh, la primera agrupación de Gabo Gallego como vocalista principal y de la cual se desprenden canciones de su autoría más entrelazadas con el rock alternativo y el grunge. La propuesta musical busca establecer a Gabo Gallego como un artista con una sensibilidad que conecta con las personas, además de un sólido compositor y productor en el medio.

Catalina Marín es una cantante y compositora colombiana de la ciudad de Medellín cuyo proyecto musical nace del querer convertir las emociones y las mil preguntas existenciales, en un lenguaje artístico propio. Junto a Jorge Zuluaga (productor del proyecto) crearon el estudio de grabación El Andén para darle rienda suelta a su libertad creativa. Catalina es una persona que está en un constante aprendizaje sobre lo cotidiano y profundo de la vida, donde busca transitar sus sentires, a través de canciones y entendiendo que estas, son el mejor territorio de transformación para el alma. Su universo creativo y artístico está construido desde la intimidad y la honestidad de sus entrañas, invitando a otras personas a ser parte de este universo y al mismo tiempo a reencontrarse con lo que son.

Karnívale es una banda barranquillera que explora su sonido desde una base rockera que se amalgama con ritmos folclóricos del Caribe colombiano. El proyecto nace en 2016 por iniciativa de Luis Eugenio García (Geño), con la intención de crear una propuesta musical que conecte la fuerza del rock con la riqueza rítmica del folclor del caribe. Integrado por Luis Eugenio García (Geño), Walter Extermor, Esteban Molina y María José Figueroa, el grupo colombiano tiene como intención en su propuesta musical, rendir un tributo a las raíces. Karnívale fusiona el rock y el folclor caribeño, con un sonido que le da prioridad a la fuerza rítmica de los tambores. Entre sus influencias se destacan los sonidos del folclor del Caribe colombiano como referencias modernas y experimentales.

Leon Clef tuvo un 2025 bastante positivo, el artista colombiano logró terminar de componer y grabar su primer álbum de larga duración llamado 'Viejos Escombros' que saldrá durante 2026. De ese disco, el músico antioqueño lanzó dos sencillos antes de finalizar el año: 'Viejos escombros' y 'El tiempo es hoy', además, realizó tuvo una gira de conciertos acústicos por varios lugares de Medellín. Este año, el cantante y compositor ya grabó un Live Session acústico de dos sencillos del nuevo álbum, realizó el videoclip de su nuevo sencillo 'Bibliomancia' y tiene programado un último lanzamiento antes de lanzar oficialmente su álbum de estudio. Adicionalmente, está en proceso de presentarse al Festival Altavoz y de organizar algunos conciertos en Bogotá y Medellín.

DeyCube es un proyecto artístico colombiano con raíz bohemia y energía rockera liderado por Deisy Cubillos, una cantautora que convierte la emoción en arquitectura sonora. Más que una artista, DeyCube es un medio: una voz que traduce experiencias humanas en arte, metáforas y música. Desde 2021, en los tejados de Soacha, Cundinamarca, una propuesta del alba ruge con sonidos que fusionan la poesía, la mística y el rock en un estilo único que nos transportan al lado poético de las noches capitalinas. El proyecto nace con la necesidad de expresar lo que no cabe en lo cotidiano: el amor, la pérdida, la transformación, la consciencia. Su nombre representa la unión entre lo humano (Dey) y lo geométrico (Cube), como un equilibrio entre emoción y estructura, entre alma y forma. DeyCube, integrado por Deisy Cubillos (compositora y guitarra), Luisa Estrada (coros - batería), Paul Ospina (coros - guitarra líder) y Jesús Salgado (bajo), ha evolucionado desde escenarios callejeros y buses, hasta convertirse en una propuesta sólida con identidad conceptual y sonora.

QUIERO MÁS es una banda de pop-rock con influencias latinas. Está formada por el cantante y actor venezolano Félix Herrera y el bajista alemán Eddi Andreas, quienes se conocieron en Bogotá (Colombia), donde fundaron el grupo con un propósito claro: crear canciones que inviten a vivir intensamente y recordar que los sueños no tienen fecha de vencimiento. Su nombre refleja su espíritu: nunca conformarse, siempre ir más allá, siempre buscar un nuevo escenario, un nuevo público, una nueva emoción. Web: quieromasbanda.com Correo: [email protected] Redes sociales: @quieromasbanda “Quiero Más”: insistir, volver a intentar y no conformarse La banda presenta “Quiero Más”, una canción que funciona como manifiesto y punto de partida. Habla de seguir adelante, no rendirse y atreverse a desear más, incluso cuando la vida ha puesto obstáculos, pausas o aparentes finales. Con una energía directa y una sonoridad entre el rock y lo latino, la canción apuesta por un mensaje claro: la búsqueda personal no tiene fecha de vencimiento. No habla de ambición vacía, sino de crecimiento, de volver a levantarse y mantener viva la inquietud creativa. “Quiero Más” no es solo una canción: es nuestro lema, una forma de recordarnos que siempre se puede insistir, crecer y vivir con intensidad. Que la ambición nos ayuda a crear nuestro camino. Integrantes: Félix Herrera – Voz principal, letra y música Eddi Andreas – Bajo eléctrico, música Músicos invitados: Ukulele y guitarras: Daniel Pérez / Batería: Leonardo Angulo / Teclados: Ricardo Muñoz / Saxofón: Efraín Zagarra / Trombón: Diana Celis / Trompeta: Jeisson Mora / Coros: Jesús Javier Hernández, Danaé Gómez, Dailizeth Guzmán, María Fernanda López, Daniel Ortiz, Rodrigo Pardo, Ronny Urbina Grabación: Oscar Rangel en RED MACHINE Bogotá Mezcla: Oscar Rangel en DARK ANGEL MEDIA LABS Bogotá Masterización: Jakub Maggi Malášek en Brno, República Checa FÉLIX HERRERA Artista venezolano radicado en Bogotá, licenciado en teatro mención actuación. Ha participado como actor, cantante y bailarín en musicales de Broadway como: El violinista sobre el tejado Jesucristo superestrella Los Productores Anita la huertanita El hombre de la Mancha También en producciones de televisión y cine. Como cantante, se ha consolidado en la escena rock local como un frontman carismático y versátil. EDDI ANDREAS Bajista profesional alemán, graduado de Los Angeles Music Academy y con título de la Universidad de Música de Dresde. Ha tocado y grabado con artistas como: Juan Fernando Velasco Julio Nava Diana Angel Quintavani Ha publicado dos métodos de bajo con Alfred Music Publishing y fue coordinador del departamento de bajo de la Escuela de Música Fernando Sor. Desde 2020 es YouTuber de tiempo completo. “Cincuenta Millones”: cuando el deseo de volver se canta con ironía y ritmo La banda presenta “Cincuenta Millones”, un tema que combina rock con raíz latinoamericana. Usa humor, ironía y ritmos inspirados en la soca y percusión afrocaribeña para hablar de una cifra imposible como fantasía colectiva. La letra navega entre el humor y la nostalgia: imaginar lo que el dinero permitiría —volver a reunirse, cruzar fronteras, recuperar gestos cotidianos—, pero sin ostentación. Una crítica social que no señala, sino que guiña el ojo. Músicos: Voz: Félix Herrera / Bajo: Eddi Andreas / Cuatro: Fernando Rodríguez, Tom Vivas / Batería: Leonardo Angulo / Guitarra: Oscar Rangel Grabación, mezcla y masterización: mismo equipo técnico que en “Quiero Más”

El 2025 fue un año donde se consolidó el proyecto artístico de Guz Guevara. El cantante, artivista, consultor y conferencista de origen mexicano tuvo la oportunidad de llevar su proyecto musical fuera de su país y abrazar completamente esa parte de él. Fue un año donde terminó de creer en el potencial y la belleza de su proyecto. Para este 2026, el artista busca llevar su performance 'ANTIFRÁGIL' a todos los rincones de México (y más allá), además espera publicar su nuevo EP, acompañado del propio audiovisual de cada canción. "La idea es llevar al espectador por un recorrido audiovisual que me ayude a transmitir el mensaje deseado. Actualmente, he cerrado un par de fechas en diferentes ciudades de México para presentar mi proyecto", comenta el también compositor.

Skulls es una banda multicultural conformada por el australiano con raíces italianas Woodie en la batería y coros, el chileno Ian en el bajo y voces, y el colombiano Diego en la guitarra y voces. Es un trío de amigos que tocan punk para divertirse. El proyecto nació hace dos años cuando Diego tenía un par de canciones y Woodie recomendó a Ian. Los tres empezaron a ensayar en un garaje donde hacían asados mientras escribían canciones en un plan denominado 'Domingos Suramericanos'. La química entre los tres fue indiscutible. Pese a que al principio querían reclutar un cantante, decidieron cantar los tres para mantener la esencia intacta. La intención de su propuesta musical es pasarla bien, ayudar a crecer su comunidad siendo inclusivos y llevar la bandera en alto de sus raíces; por eso sus primeros dos sencillos salieron en español, una novedad que ninguna banda en Australia había hecho y con la que les ha ido muy bien.

Los Falsos Dandys es una banda de cinco amigos cuya conformación actual se consolida entre Envigado y Medellín, Antioquia en el año 2023. El proyecto nace de la idea de Noé de tener su propia banda de punk rock a la que invita para cantar a Gyo (Sebastián Henao), un amigo de bandas pasadas, luego se unen Luis Mateo Cardona en la batería, Samuel Ramírez en el bajo y Sebastián Velásquez en la segunda guitarra. El grupo es un espacio de creación artística y de expresión de cada uno de los integrantes donde materializan ideas y se divierten haciendo música no apta para cualquiera. Se presentan en vivo vestidos de sombrero, chaqueta y corbata, como un Dandy, buscando aparentar lo que no son. Su propuesta musical tiene dos enfoques, la primera es tocar lo que componen. Noé escribe la mayoría de las letras y todos aportan en la consolidación de la idea musical; sin embargo, cada uno tiene la oportunidad de escribir sus canciones plasmando lo que les nace decir o denunciar. El segundo enfoque es homenajear canciones antiguas de su gusto, pero que no son del género, añadiéndole el toque punk rock y plasmando el concepto de falsa elegancia y sátira que los define.

Federico Aristizábal Acevedo es un músico, baterista, percusionista y arreglista colombiano que actualmente reside en la ciudad de Nueva York. Durante su paso por la universidad de Berklee College of Music compartió escenario con músicos como Pável Núñez, Miguel Núñez, Nicolle Horbath, Nina del Rio, Fia y Manuela Sánchez Goubert. Su enfoque musical es el jazz y la música colombiana, fusionándolas y buscando sonidos nuevos desde esas influencias. Federico ha participado en giras por Latinoamérica y Estados Unidos, donde se destaca el festival de Jazz de Panamá y en el Boston Calling. Además, ha dado masterclasses de música y batería en universidades como la USFQ en Quito, EMMAT en Bogotá, EAFIT en Medellín y Berklee en Boston. Recientemente, estuvo en la gira 'Cruce de caminos' por Estados Unidos y Puerto Rico con Manuela Sánchez Goubert, además, trabaja como docente en Nueva York en una compañía llamada Musical IQ que va a colegios alrededor de la ciudad a enseñar música a niños pequeños, influyendo en el sector educativo y cultural.

Modo Visage lanza 'Todo es Tamal', la distopía industrial que desnuda el clientelismo colombiano En la política colombiana, el tamal no es solo gastronomía; es una moneda de cambio, un símbolo del silencio comprado y de la democracia de estómago. Una arquitectura sónica sin precedentes. 'Todo es Tamal', el nuevo sencillo de la banda colombiana Modo Visage irrumpe en la escena nacional como una pieza de Industrial-Nü Metal densa, producida para tiempos de polarización extrema. La canción no se queda en la superficie del ruido: cada instrumento toma partido en un campo de batalla sonoro cuidadosamente diseñado, donde el mensaje trasciende el género para convertirse en crónica política, con letras crudas, directas, que no dejan nada a la imaginación, la canción que le pone nombre a lo que todos ya saben. Una orquesta de sintetizadores sinfónicos exhala el aire rancio y solemne de la derecha tradicionalista, mientras texturas electrónicas difusas retratan el laberinto doctrinal de la izquierda. En medio de este choque de trenes, las guitarras eléctricas emergen no como acompañamiento, sino como el grito de inconformismo de una sociedad agotada por la gestión ineficiente de ambos bandos.

Vernal es el proyecto musical de Juan Bernal y nace del deseo de canalizar sus habilidades artísticas para crear una fantasía terrenal donde los mitos se hacen realidad. Está fuertemente representado por arquetipos como el personaje de Orfeo, quien desciende al inframundo y hace conmover al mismísimo Hades para recuperar el alma de su amada. Lo inspiran las narrativas religiosas espirituales y esotéricas de distintas culturas y cómo esas entidades y fuerzas influyen hoy más que nunca en el mundo caótico actual. La propuesta se gesta luego de su llegada a Estados Unidos, donde encontró tierra fértil para reencontrarse con su parte artística y vulnerable. A través de sus canciones, Vernal quiere enviar mensajes poéticos que generen belleza, melancolía, pero sobre todo trascendencia, dar un mensaje de aliento o reflexión para el que lo necesite. "Vernal es mi integración con Dios, es la manera en que veo la acción creativa de "el reflejada en mí y como atreves de ella busco la trascendencia del mundo de la carne al mundo espiritual, música eres y en música te convertirás", es una búsqueda de iluminación interna que bajo el entendimiento del instinto gregario busca dejar el mensaje de que para iluminar el mundo primero debemos encontrar nuestra propia luz", cuenta el artista con influencias de Prince, David Bowie, Michael Jackson, Freddie Mercury, The Weeknd, Justin Bieber, Fall Out Boy, Alice in Chains y Deftones.

La banda de hardcore punk colombiana Pepe Bocadillo está de regreso con su nuevo disco de estudio, el cuarto en sus 27 años de carrera, titulado 'PEPE+'. 'PEPE+' es un disco intenso, directo y honesto que recoge años de experiencia, rabia contenida y reflexión. Conceptualmente, explora la violencia en sus múltiples formas: social, mental, estructural y emocional. No desde la exageración, sino desde la experiencia cotidiana de habitar un mundo hostil. Las canciones hablan de desgaste, ansiedad, rutina, memoria, fe, contradicción, resistencia y del choque constante entre el caos interno y el ruido del sistema. Es un retrato visceral de la vida contemporánea.

Antifaz es un proyecto musical colombiano liderado por Guillermo García 'Guillo' que nació tras su salida de la banda Mojiganga en el año 2025. El nombre sale de la frase anónima "Detrás de un antifaz todos somos héroes y villanos", además, la palabra es muy parecida a Antifa. Conformados por Esteban Rodríguez Arcila en la batería, Boris Vásquez en el bajo, Santiago Castañeda en el trombón, Gabriel Espitia Mesa en la trompeta y Guillo Moji en la guitarra y la voz, Antifaz es una banda de punk que fusiona elementos del ska-core, hardcore y hardcore melódico con influencias de The Voodoo Glow Skulls, The Toy Dolls, Against All Authority y The Mighty Mighty Bosstones. "Hace rato tenía la idea de tener un proyecto aparte con canciones que tenía archivadas o que habían sido producidas muy precariamente", cuenta el cantante y guitarrista colombiano.

2025 fue un año donde la banda pop rock latino UBanda, originaria de Duitama (Boyacá), cumplió muchos sueños, entre ellos, hacer su primera colaboración internacional con la leyenda musical viva, Norberto Domínguez; y compartir tarimas en varios municipios y ciudades del país como Bogotá, Nobsa, San José del Guaviare, Tunja y Duitama. Para este 2026, el grupo tiene como meta seguir conectando con sus seguidores en Colombia y Latinoamérica con el fin de continuar llevando su mensaje y sus canciones por el mundo. 'Story' es lo nuevo de UBanda, balada pop rock que cuenta la historia de un amor personal en donde las cosas no pudieron continuar, pero a la que se le dio un final merecedor, un abrazo que reconforta y perdona. Es una canción para recordar y sacar un poco esas esquirlas de los finales agridulces.

En medio de una selva de cemento dominada por la industria, en 2021 fue sembrada la semilla de un proyecto musical que, poco a poco, ha comenzado a brotar sus primeras ramas. Esta vegetación sonora es el inicio de un monte mágico que el compositor, Víctor Agudelo, ha creado para el Animal de Monte y sus amigos salvajes. Luego de dos años de abonar el terreno creativo, en 2022 el Animal lanza su primer sencillo y, en 2023, sale de su cueva para aullar en distintos escenarios de la ciudad con sus especímenes oníricos. El proyecto rota constantemente de integrantes, pero en este momento lo conforman Víctor Agudelo, compositor, productor, teclados y voz líder; David Hernández, bajo y coros; Valeria Angulo, percusión menor y coros; Johan Cano, saxofón y coros; y Juan Esteban Quintero, batería. La propuesta busca resignificar la expresión 'Animal de Monte', normalmente empleada con fines despectivos hacia un individuo salvaje y con comportamiento antisocial. En este caso, el término es una antítesis del malo, es el ser puro, sincero y sin filtros diplomáticos que llevamos dentro y ha sido domado por el sistema de la falsa, hipócrita y doble moral sociedad. El proyecto se desprende de las modas y del main stream, y así, crear música desde la libertad, sin ataduras ni prejuicios.

El colectivo musical multidisciplinario Love My Robot, liderado por la artista colombiana Carolina Castilla, tuvo en 2025 el año de la consolidación y la expansión creativa: un periodo donde Love My Robot reforzó su identidad como un puente entre música electrónica, tecnología y ética. Fue un año de diseño de universo: narrativa, concepto, visuales y dirección artística, preparando una nueva etapa donde cada lanzamiento funciona como parte de una obra mayor, no como un single aislado. También fue un año de fortalecer comunidad y escena, integrando experiencias en vivo y storytelling para traducir lo complejo en algo emocional, bailable y humano. En 2026, la meta de este proyecto colombiano es ejecutar el lanzamiento global de 'Sense of Reality' como una era completa (música + visuales + narrativa), con una estrategia por capítulos y activaciones internacionales a través de cuatro objetivos: El lanzamiento por capítulos con assets editoriales y audiovisuales por canción, shows internacionales (Tokio + USA + Europa) en formatos DJ / híbrido / A/V inmersivo, un impacto cultural abriendo una conversación sobre IA, identidad, consentimiento y poder sin moralismos, desde el arte; y construir comunidad, convirtiendo cada lanzamiento en una experiencia compartida, no solo consumo de música.

Pirineos en Llamas es una banda de rock alternativo de Medellín (Colombia) fundada en 2020. El proyecto está integrado por Fabián Buitrago (guitarra y voz), David Giraldo (batería), Manuel Orrego (bajo), Miguel Restrepo (guitarra y voz principal) y Maclovin (guitarra y voz). El grupo nace del deseo de crear, más allá de las canciones, experiencias y vivencias. "Nos gusta crear matices y contrastes, por ejemplo, canciones oscuras con melodías felices. Nos gusta crear atmósferas y jugar con cambios de tempo y de ritmo para que las canciones se sientan más cinematográficas. Experimentamos con estructuras poco convencionales tipo: canciones sin coro, sin estrofas o con todos los coros distintos, etc. Nuestras letras hablan sobre la nostalgia y la esperanza, la desidia y la resiliencia, la melancolía y el júbilo, lo profano y lo divino", comenta la agrupación con influencias de Interpol, The Stone Roses, IDLES, Blink-182, The Cure, Gustavo Cerati, Soda Stereo, Charly García, Hipsum, Margarita Siempre Viva y Volcán.

Dr. Torralvo es un médico internista y oncólogo colombiano, nacido en Montería y radicado en Suiza desde hace dos décadas, que combina su vocación científica con una profunda pasión por la música. Cantante y multiinstrumentista, ha cultivado canciones durante años hasta que en 2024 decidió materializar el proyecto junto a su amigo y productor Daniel Gómez (Danny Roots). El proyecto tomó forma definitiva durante un viaje a Colombia, con grabaciones realizadas en Bogotá. La intención de su propuesta musical busca dar nueva vida a canciones que merecían salir del olvido y contribuir activamente al resurgimiento del rock en español, aportando una voz honesta y contemporánea dentro del género.

La banda colombiana Bonus Trak lanza su nuevo sencillo 'El Baile de los que Sobran', una reinterpretación de uno de los grandes himnos del rock latino, originalmente popularizado por Los Prisioneros. Luego del lanzamiento de 'Si No Fuera Yo' en noviembre —primer adelanto de su segundo álbum— Bonus Trak continúa construyendo su narrativa musical con una canción que sigue siendo incómoda, vigente y necesaria. Más que un ejercicio de nostalgia, esta versión conecta el mensaje original con una sensibilidad actual, manteniendo intacta su carga social y emocional, pero llevándola a un terreno sonoro propio de la banda. Disponible en las plataformas de podcast y en Radioamiga Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2026 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Samuel Osorio es un productor musical bogotano de 22 años. Egresado de la Universidad de Berklee en Boston y actualmente cursando su maestría en Chicago, tiene como intención en su propuesta musical retratar situaciones de la vida cotidiana suyas o de personas cercanas. Hacer música es un acto liberador por eso, sus canciones hablan de amor, confusión, de no entender por qué las cosas se dan de tal manera con sus palabras. Le encanta pintar escenarios y llenarlos de colores y texturas musicales para poder imprimir una foto con significado y estética. "Quiero que mis canciones tengan un espacio en el oyente para que entiendan que las situaciones normales, felices o complicadas también son candidatas a ser arte. Que puedan acompañar a quién las escucha dentro de momentos en los que de verdad se hallen dentro de ellas", cuenta el artista con influencias de Juan Pablo Vega, Monsieur Periné, Vicente García, Esteman, Luis Miguel, Diamante Eléctrico, Bandalos Chinos, Earth Wind and Fire, Bill Evans, Jamiroquai y Bon Iver. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2026 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Fractal Caravan es un poderoso trío de rock and roll cósmico del siglo XXI fundado en 2013, con un toque de ciencia ficción con alma. La agrupación con integrantes de Norteamérica y Sudamérica está conformada por Edwin Quirk (cantante y guitarrista), Fabio Montenegro (bajista y productor), David Cornejo (baterista) y Dani Segura (baterista). El nombre del proyecto es una mezcla de lo antiguo y lo moderno, y simboliza el patrón eterno de movimiento y creatividad a través del universo. "Todos recordamos habernos enamorado de nuestras bandas de rock favoritas en la adolescencia, y especialmente haber quedado impresionados al verlas en vivo por primera vez. Queremos generar hoy esa sensación mágica y eléctrica en la gente", cuenta Fractal Caravan. Fractal Caravan presenta su nuevo álbum homónimo, un disco de garage rock con raíces y enfoque futurista. Es un álbum conceptual sobre una IA rebelde que viaja en el tiempo e intenta vender su alma para convertirse en rockero. Cuando su máquina del tiempo falla, se desatan momentos divertidos y dramáticos. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2026 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

TrasArder es una banda de rock alternativo nacida en Medellín que irrumpe en la escena con una propuesta directa, intensa y sin concesiones. Fundado oficialmente en 2024, el proyecto está integrado por Juan Pablo Palacio (voz y guitarra), Mauricio Gutiérrez (bajo) y Juan José Pacheco (batería). Su música combina distorsiones potentes, bases rítmicas sólidas y estructuras de rock moderno con una lírica profundamente introspectiva y confrontacional. Desde su origen, TrasArder entiende el rock como un canal de catarsis y posicionamiento personal. Su propuesta transforma emociones complejas y vivencias profundas en una descarga de energía sonora que no busca anestesiar, sino incomodar, reflejar y activar. Cada canción funciona como un espejo: un espacio donde conviven la vulnerabilidad y la fuerza, invitando al oyente a enfrentar sus propios conflictos internos y a tomar postura frente a ellos. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2026 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Luego de tener un 2025 muy productivo lanzando los sencillos 'Mi sol de verano', 'Platino ' y 'Pura adrenalina' y tocando en varios festivales, incluido el Ska Para Todos Fest en Bogotá, Colombia; la banda de ska y rock puertorriqueña Los Inconformes inicia el 2026 con nueva música y con la firme intención de seguir conquistando corazones y oyentes en Latinoamérica. "Queremos seguir componiendo y lanzando nueva música, ese proceso creativo tiene un valor incalculable. Aspiramos hacer colaboraciones con otros artistas y en eso estamos trabajando. También buscaremos seguir presentándonos en vivo, es lo que nos apasiona hacer. Esperamos visitar otros países, conocer sus culturas, confraternizar con colegas músicos y compartir con los fanáticos", cuenta la agrupación. La canción hace referencia a la fecha en la que anualmente se celebra en Puerto Rico el 'Grito de Lares', que conmemora los acontecimientos ocurridos en el pueblo de Lares el 23 de septiembre de 1868. Ese día, bajo las consignas de "Viva Puerto Rico libre", "Abajo los impuestos", entre otras, cientos de puertorriqueños se tomaron el pueblo de Lares y proclamaron la independencia de Puerto Rico por varias horas. Cada año, ese día en el pueblo de Lares se combina la memoria histórica con celebraciones culturales. Los eventos atraen tanto a turistas como a residentes locales, los cuales disfrutan de desfiles, conferencias educativas, y presentaciones en vivo de diferentes artistas. La lírica de la canción en efecto hace un recorrido del jolgorio que se forma al ir a la celebración de esa fecha. '23 de septiembre' explora sonidos de ska y plena de Puerto Rico. La canción desde su origen y cuando fue por primera vez grabada, siempre tuvo el elemento musical de plena en la parte del coro. Solo que, en este relanzamiento, y para darle un elemento novelesco a la canción, tiene al inicio unas estrofas y una ambientación musical estricta de lo que es la plena puertorriqueña. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2026 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

El 2025 para Sueños de un Tulpa no fue simplemente tiempo transcurrido, sino un rito de iniciación. En la soledad del sendero independiente, Jhon González Amortegui, líder de este proyecto musical colombiano, aprendió que la verdadera alquimia sonora requiere paciencia y sacrificio; la forja del artista es un abismo que devuelve la mirada. Fue un año de materialización prolífica en el que la banda logró rasgar el velo en cinco ocasiones. Invocó la fuerza humana con 'Resiliente' y la cruda realidad de 'Evanescente (6402)'; exploró antiguos grimorios en 'Malleus Maleficarum' y rindió tributo a los padres de la oscuridad con la versión de 'Solitude'. Finalmente, cerró el ciclo abrazando el vacío existencial con 'Lo Absurdo'. Aunque la obra nunca está completa y el hambre de creación es un devorador insaciable, cada paso ha servido para construir los cimientos de este templo sonoro. Este proyecto sigue explorando combinaciones que inquieten la realidad, buscando siempre esa frecuencia única capaz de inducir el trance. "Para este nuevo ciclo, mi ambición es profundizar el trance. Mi meta es invocar mucha más música, puliendo la alquimia de mi composición y producción, y asegurándome de que las visiones visuales (videos) estén a la altura de lo sonoro. Seguiré buscando la gnosis de este oficio, lanzando nuevos fragmentos de esta historia hasta lograr materializar un grimorio completo: un álbum que compile mis invocaciones más potentes a la fecha. Mi búsqueda es incansable hacia sonidos inexplorados; quiero que escuchar Sueños de un Tulpa sea rasgar el velo de la realidad habitual y encontrar algo verdaderamente extraño y único", cuenta el artista. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2026 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Sophie Angel es una artista colombiana obstinada, empática y fuerte que busca comprender las emociones, tanto suyas como de los demás partiendo del concepto de la crudeza, donde cada expresión se refleja sin filtros con el fin de transformar la vulnerabilidad en fuerza y firmeza. Su proyecto nació a partir del sueño de una joven adolescente de 14 años que quería triunfar con la música y cambiar la industria del rock alejándose del concepto de que todos los vocalistas deben tener una voz rasposa, creando una propuesta fresca e innovadora a través de una voz fuerte y dulce. "La intención de mi propuesta musical busca reflejar diferentes emociones a través de situaciones como la pérdida, las rupturas amorosas, encontrar el amor en varias formas y superar las adversidades. Todo con el fin de traer un concepto fresco uniendo las ideas manejadas en el rock de la década de los 2000 con el rock contemporáneo", comenta la artista con influencias de géneros pop rock, punk rock, power ballad y nü-metal, aparte de estilos latinoamericanos como el bolero. "A través de mis canciones quiero llevar un mensaje de resiliencia, donde las emociones no son el fin del camino, solo un puente entre lo que se enfrenta y el próximo paso a dar para salir de cada situación cotidiana de la vida", agrega la cantante colombiana con referencias de bandas como Evanescence y Linkin Park, y de las cantantes solistas Avril Lavigne y Olivia Rodrigo. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2026 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Luego de estar escribiendo y tocando en el sector de eventos privados en el área de New England, Estados Unidos, y de estar inmerso en el mundo de la paternidad, rol que lo inspiró y le dio más experiencia como ser humano y artista; el cantante, compositor y productor colombiano J. Rushwell presenta su nuevo disco 'Bitácora', un trabajo compuesto y grabado en el último año. 'Bitácora', el quinto álbum en su carrera, es un diario de diez canciones lleno de historias y canciones relacionadas con momentos de la vida del músico bogotano. Aborda temáticas de depresión, miedo, soledad y frustración con el sistema. El disco tiene influencias marcadas de bandas como Poligamia, Enanitos Verdes, Pedro Aznar, pero también hay rasgos de artistas como Dio y Foo Fighters. "Las canciones son mi manera de exorcizar tantas cosas que pasan a nuestro alrededor que a veces no podemos expresar fácilmente. Más que historias son pensamientos con melodías y acordes. Es un diario musical, un trabajo muy humano. Es casi que una imprenta del alma", comenta el artista. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

El cantante y compositor colombiano de pop y rock William Barz, nacido en Barranquilla, cierra el año con 'Mr. Barz', un trabajo discográfico que celebra sus 10 años de carrera. 'Mr. Barz' es un álbum introspectivo. Habla de William Barz, de su manera de ver el mundo. El amor, el deseo, la soledad y todos los demonios internos que el ser humano tiene. Es un disco que nació bajo la necesidad de hacer música honesta. Canciones que me mostraran ante el mundo como quien en verdad es el músico colombiano. "Con este disco quiero enviar un mensaje de valentía y seguridad. Los músicos debemos hacer música sin tanto miedo. Es una invitación a atreverse, no hay que guardarse las ganas de hacer real sus sueños por miedo a los resultados. Es el momento de hacer real lo que tienes en tu mente", comenta el artista. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Agraciada es el proyecto musical de Georgina, una cantante y compositora nacida en Neiva, Huila, hace 22 años. Es el recipiente del lado más sensible e inocente de las vivencias y experiencias de Georgina. Es la expresión de todas las palabras y emociones reprimidas durante su niñez; una sinopsis entre aquella niña y la voz y los sonidos que empezó a transitar siendo adolescente. Agraciada es la antena que necesita esta cantante y compositora huilense para mantener activa su creatividad y proyectar un mensaje a través del arte, no solo musical, sino también audiovisual. Es ambiciosa, visionaria y recursiva; la curiosidad que la impulsa a encontrar caminos hacia la creación de proyectos e ideas nuevas, conscientes e intencionales. La intención de su propuesta es generar un lugar seguro para transitar las emociones y experiencias por las cuales la mayoría de las personas han pasado. La artista busca contar historias a través de una voz que exprese lo más profundo y crudo de la emocionalidad humana. Su proyecto pretende entretener, pero también acompañar los corazones, explotar la imaginación de la creatividad a nivel musical, audiovisual y de performance sin cuestionarlo ni cambiarlo, sino mostrarlo tal como es. "A través de mis canciones quiero enviar mensajes de validación de las emociones en vivencias que la mayoría de las personas hemos experimentado: el amor, la rabia o el miedo. Busco ser una puerta o simplemente una melodía que pueda generar dopamina y entretener el corazón. Cuento historias en donde los oyentes se pueden sentir seguros", cuenta la cantautora colombiana con influencias en géneros como bedroom pop, bolero clásico, indie, rock alternativo, folktrónica, experimental, lo fi, ambient y el dream pop; y artistas como Javiera mena, Juana Molina, Clairo, Dijon, Geneva Jacuzzi, Jakob Ogawa, Mazzy star, Mecano y Devonté Hynes. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

El cantautor colombiano Pepe Cosme despide el año con nueva música. Luego de haber tenido dos giras por México, de lanzar un EP acústico titulado 'Las luces del norte', de publicar múltiples sencillos y de tocar en ciudades como Bogotá y Medellín con su banda Pepe Cosme & Los Antidepresivos, el artista presenta su nuevo disco 'Caja con forma de corazón'. 'Caja con forma de corazón' es un disco con una narrativa de las sensaciones que las personas conservan en su interior, habla de cómo muchas veces guardan demasiadas cosas y el corazón (en un modo poético) termina siendo ese sitio donde las tristezas, desamores y frustraciones encuentran un lugar donde quedarse. El álbum aborda temáticas como la ansiedad, la depresión, el desarraigo, la autopercepción, el duelo y el desamor. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

El artista colombiano Coroncoro, radicado en Estados Unidos, está de regreso con nueva música y para cerrar el 2025 presenta el sencillo 'Simpatía'. 'Simpatía' es una canción que habla de cómo buscar confort cuando la situación económica familiar no es convencional. De cómo buscar una elevación sensorial y entrar en un trance con la música buscando soluciones en recuerdos, unos no tan cómodos como otros, pero al fin y al cabo recuerdos que marcaron. Es una aceptación a la inmersión en la música y las visuales que siempre traen la mejor luz, a la animación y la narrativa, al cambio y a la necesidad de mostrar simpatía por nosotros mismos y el entorno para llamar la cadencia correcta para poder disfrutar el instante más sensible. La canción explora sonidos de trap y R&B, además de rap y hip hop. 'Simpatía' no tiene samples y tiene una guitarra acústica melódica que da una sensación de humanidad durante toda la canción hecha por Eddy Montoya y en los sintetizadores y ritmo por Loyd en el beat, ambos de Santa Marta. "Traemos las mejores energías del trap playero a tu sistema estéreo favorito. Es una mezcla perfecta de frescura y firmeza, de calma y sensatez en un respiro literario en sonidos y visuales que llevan muy alto para así poder observar, evaluar y accionar con bajos precisos y pesados dando sensaciones delicadas que te llevan a mover el cuerpo", cuenta el samario Coroncoro. El video de 'Simpatía' tiene mucho amor por la animación y la psicodelia, por los cambios de colores entre paletas frías a paletas cálidas usando la palidez como transición. Es la historia de Coroncoro, un sujeto cuya alma le pertenece al mar y su búsqueda del amor a través de la animación y el color lo llevan a situaciones que lo hacen caer empujado por la geometría de lo absurdo. A través de escenas de su propia vida que lo hacen fallar y lo llevan a un renacimiento, a pesar de que la muerte en el clip tiene una connotación personal como artista, el animador muestra tensión en imágenes cuanto el protagonista se equivoca en situaciones personales. "Es una canción inspirada en todos los comienzos que cuestan, en la relación con la pareja y el eterno retorno de lo que no se quiere que vuelva. En ese instante cuando abres los ojos y la única opción que tienes es sonreírle al mundo con seguridad por los retos que la vida trae a través de la música. Es la historia de aquel sujeto que creyó tener la solución a todo, pero cuando se dio cuenta que no podía controlarlo optó por crear una línea tensionante de palabras y sonidos tratando de hallar una salida a su necesidad básica y surreal de traer imágenes y recuerdos que lo hacen sentir humano", enfatiza el músico colombiano. 'Simpatía' es perfecta para escuchar cuando alguien se sienta perdido y quiera encontrarse consigo mismo. Cuando se quiera dejar volar la mente sin preocupaciones, cuando se quiera bailar con el cuerpo, la mente y el espíritu o cuando se quiera tener un espacio de relajación. La portada del sencillo es una de las primeras imágenes del video y es Coroncoro comenzando la jornada psicodélica con un estilo de arte pop abstracto. "Con cada canción que hago quiero convertirme en tu artista favorito. Traigo sonidos en un estilo Lo-Fi, lush y trap caribeño para estar en muchas listas de reproducción. Quiero que la gente esté contenta con mi música para impulsarme a seguir haciendo canciones", concluye el artista. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Pepe Bocadillo es una banda de hardcore punk que nace en Bogotá, Colombia en 1999 teniendo como ejes principales la amistad, el amor por el punk y la autogestión. Desde el principio, la idea de Diego Forero en el bajo, Nicolás Siachoque en la guitarra y la voz, Camilo Sierra en la voz líder, Carlos Jiménez en la batería y la voz, y Carlos Gutiérrez en la guitarra fue crear un proyecto para expresar lo que no se dice, sin filtros ni fórmulas. El nombre Pepe Bocadillo representa amistad, resiliencia, autogestión y resistencia. Es una mezcla entre lo cotidiano y lo combativo; una forma de decir que el punk nace de lo real, de la calle, de lo simple, pero con fuerza. Más que un nombre es una actitud, una manera de recordar que la rebeldía no siempre grita: a veces sobrevive, trabaja, siente y sigue creando desde abajo. "A través de sonidos crudos y viscerales, generamos mensajes disruptivos que abordan temáticas sobre la vida, la sociedad y la condición humana. Buscamos provocar, incomodar y hacer pensar. Queremos hacer volar la cabeza con mensajes que nacen de distintas situaciones de la vida. Pepe Bocadillo escribe sobre la tensión constante entre el caos interno y el ruido del mundo. Nuestras letras surgen de la rabia, el cansancio y la contradicción de vivir en una sociedad que anestesia distrae y repite. Hablamos de la rutina, la ansiedad, la soledad, la violencia y la resistencia, pero también del deseo de despertar y seguir buscando sentido entre el ruido. No pretendemos dar respuestas, sino provocar preguntas. Queremos sacudir, incomodar y reflejar lo que todos llevamos dentro cuando el sistema, el tiempo o la vida misma nos aplasta", comenta la banda bogotana con influencias del hardcore punk, noise, thrash metal, shoegaze, grindcore y death metal; y bandas como The Exploited, Cancer Bats, Refused y Metz. 'Rocky Billies' es el nuevo lanzamiento de Pepe Bocadillo, es un retrato crudo y visceral de cómo las personas pueden desperdiciar su vida entre excesos, distracciones y rutinas que lentamente consumen el cuerpo y la mente. Con un sonido potente y letras que mezclan ironía y desesperanza, la canción refleja el cansancio de lo cotidiano y la sensación de perder el tiempo mientras la vida se desvanece en la monotonía. La canción explora disonancias, guitarras poderosas capturadas de forma análoga en el estudio del grupo, y una mezcla de hardcore punk y thrash metal con beats explosivos que acompañan una voz desgarradora y frontal. El resultado es una pieza intensa y honesta. "Queremos mostrar un nuevo sonido dentro de la evolución de Pepe Bocadillo. Buscamos llegar a más oídos y conectar con personas que resuenen con nuestro mensaje, manteniendo la esencia del punk, pero con una producción más sólida y un discurso más contundente", menciona la banda. El video de 'Rocky Billies' fue creado y dirigido por Camilo Sierra, vocalista de la banda, y Carlos Jiménez, baterista. Nació de ideas originales, disruptivas y explícitas que buscan reflejar visualmente el caos y la rutina que la canción denuncia. Su narrativa es cruda, ruidosa y metafórica, con locaciones en espacios liminales que representan la ansiedad, la soledad, el temor, la rutina y la introspección frente a las decisiones que se toman a diario. La pieza combina crudeza y simbolismo para mostrar cómo el ser humano puede quedar atrapado en sus propios ciclos, repitiendo patrones mientras la vida se le escapa. Es una mirada crítica y directa, sin maquillaje. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

CYGNUS es una banda de folk metal progresivo que nació en Cali, Colombia, hace más de una década con la idea de fusionar la fuerza del metal con la riqueza melódica de la música sinfónica y las leyendas antiguas. Integrado por Deneb en el bajo, voz y orquestaciones, Ruxx en la batería y voz, Jota en la guitarra y voz, Drew en la guitarra líder y Stef en la flauta traversa, el grupo toma el nombre de la constelación del Cisne. Durante sus aproximadamente 15 años de carrera, Cygnus ha publicado cinco discos de estudio: 'Yggdrasil' (2019), 'Fire and Tales' (2020), 'Ancient Visions' (2021), 'Death and Glory' (2022), 'Revival' (2023). Su sexto trabajo 'Legends of Norse Lore' será publicado en 2026. La intención de su propuesta musical es contar historias a través del metal. Cygnus busca que cada canción sea una experiencia narrativa y sensorial: música que transporte al oyente a mundos de mitología, batallas, leyendas y emociones humanas profundas. Fusionan la energía del metal progresivo con la fuerza evocadora del folk y la majestuosidad de los arreglos sinfónicos, pues creen que la música puede ser tanto un viaje estético como una experiencia emocional intensa. "Con nuestras canciones queremos llevar un mensaje de resistencia, memoria y trascendencia. Usamos la mitología nórdica, las leyendas y la historia como espejos para hablar de temas universales: la lucha del ser humano contra la adversidad, la búsqueda del honor, la fuerza de la comunidad y la esperanza frente a la oscuridad. Cada relato mítico es también una metáfora de lo que vivimos hoy. Detrás de dioses, héroes y batallas, hablamos de emociones humanas: la valentía, el sacrificio, el dolor, pero también la celebración de la vida y la posibilidad de renacer", cuentan. "Nuestro mensaje también es celebración: la fiesta, la hidromiel compartida, el beber con los amigos, el sexo y lo terrenal, el aquí y el ahora. Honrar las derrotas, brindar por los triunfos, vivir lo ceremonial y lo ásatrú como un puente entre lo ancestral y lo presente", agrega la banda que se nutre de influencias musicales de rock clásico, metal, folk nórdico y la música académica en grupos como The Beatles, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, Dream Theater, Wardruna, Ensiferum y Rhapsody of Fire, Luarna Lubre, Faun, Mozart, Rachmaninov, Chopin, Beethoven, Tchaikovsky Smetana y Borodin, además de compositores contemporáneos de música para cine como Hans Zimmer y Howard Shore, quienes aportan ese carácter épico y narrativo a su sonido. 'The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie' es el nuevo lanzamiento de CYGNUS, una canción que explora la superstición, la deshonra, la ironía trágica del destino y la revivificación de los muertos, con un tono que mezcla lo épico y el humor, todo esto bajo la temporada clave de Halloween con arreglos orquestales y corales.

Left & Right es la fusión de dos almas opuestas pero complementarias, un proyecto que combina luz y oscuridad, fuerza y sensibilidad, racionalidad y creatividad. Es un sonido que habita entre el electro pop y el R&B, con matices de soul, synth, hip hop e indie, pensado para tocar el cuerpo y el corazón. El proyecto está integrado y creado por dos hermanas de Cundinamarca, Colombia, Linda Quevedo y Karol Quevedo. Nació de su pasión compartida por la música desde niñas y de la necesidad de crear un espacio donde pudieran expresarse auténticamente, contando historias propias a través de melodías y ritmos. El nombre refleja esa dualidad: Left y Right son polos distintos que se encuentran y se complementan para formar algo más grande. La dualidad nace de sus múltiples talentos que son distintos, pero complementarios. Linda es rapera, vocalista, guitarrista, y productora musical. Por su parte, Karol es vocalista, pianista y compositora. El proyecto está activo desde el año 2020, momento en el que decidieron convertir su vocación en carrera. Cada canción es un reflejo de su camino, sus experiencias y de la conexión que buscan generar con quienes las escuchan. En esencia, Left & Right es música, autenticidad y energía transformada en ritmo, una propuesta que sigue creciendo y explorando nuevas formas de contar historias y mover emociones. "Nuestra propuesta busca conectar con la fuerza interior de quienes nos escuchan, inspirarlos a enfrentar desafíos y perseguir sus sueños. Queremos crear un sonido propio que mezcle autenticidad y ritmo, donde cada canción se sienta cercana, motivadora y transformadora. Hacemos música para inspirar, empoderar y dejar huella, recordando que la resiliencia, el amor y la pasión pueden convertirse en energía para avanzar", comenta el dúo con influencias de The Weeknd, Imagine Dragons, Lady Gaga, Coldplay y Miley Cyrus. Left & Right es la fusión de dos almas opuestas, pero complementarias. Es un universo de contrastes: entre la luz y la oscuridad, los beats que hacen vibrar el cuerpo y las letras que tocan el alma. 'Different Worlds' el nuevo lanzamiento de Left & Right, una canción que habla sobre dos almas que provienen de mundos distintos —ya sea por sus realidades, emociones o contextos— pero que, a pesar de las diferencias, siguen unidas por la esperanza, la fuerza y el deseo de resistir juntas. Es una historia sobre el poder de creer, de amar y de mantenerse firme incluso cuando todo parece en contra. Musicalmente tiene influencias del EDM del 2016 lo que genera ese ambiente nostálgico pero poderoso y energético. Es una historia de amor y resiliencia —un recordatorio de que incluso cuando todo parece distante, siempre hay un punto donde los mundos se encuentran.

Wilson Romero se consolida como una de las voces más auténticas y representativas de la música popular colombiana contemporánea. Originario de Quetame, Cundinamarca, su propuesta artística se caracteriza por una combinación de letras profundas, melodías con sentimiento y una interpretación cargada de verdad escénica. Con un estilo que bebe de la tradición pero que dialoga con lo contemporáneo, Wilson logra conectar con un público diverso, trascendiendo generaciones y fronteras. Su recorrido musical comenzó en agrupaciones de influencia carranguera como Los del Pu3bio y K-Ramones, donde exploró los sonidos campesinos y fortaleció su conexión con las raíces culturales del país. Esta etapa fue fundamental para definir su identidad artística y entender la música como un vehículo de memoria y emoción. Más tarde, dio el salto a su carrera solista de la mano de Felinos Producciones, uno de los estudios más reconocidos del país, bajo la dirección del productor Yohan Usuga. Este paso marcó el inicio de un proyecto con personalidad propia, enfocado en el género popular colombiano pero con una visión fresca y comercialmente competitiva. En el escenario, Wilson Romero ofrece un espectáculo integral que combina respeto por la tradición y propuestas originales. Su repertorio incluye homenajes a íconos del despecho como Darío Gómez, Lino Alex Castaño, Charrito Negro y Luis Alberto Posada, junto con temas inéditos de su autoría que reflejan vivencias personales y colectivas. Estas composiciones no solo enriquecen su propuesta, sino que lo posicionan como un artista completo: intérprete, compositor y narrador de historias que resuenan en el corazón de la gente. Con una puesta en escena profesional y adaptable, Wilson Romero se ha presentado en diversos escenarios, desde ferias municipales hasta eventos empresariales, siempre con el objetivo de ofrecer una experiencia emotiva y de alta calidad. Su capacidad para comunicar sentimientos a través de la música y su carisma en el escenario lo convierten en una opción ideal para espacios culturales y académicos que busquen promover manifestaciones artísticas con identidad local y proyección nacional. Más allá de lo musical, Wilson Romero representa valores como la perseverancia, la autenticidad y el respeto por los orígenes. Su discurso artístico es un reflejo de su historia personal y de su compromiso con el arte como herramienta de transformación social. Por todo ello, se erige como un referente emergente dentro de la música colombiana, un artista con raíces profundas y vuelo creativo, listo para compartir su talento en cada escenario.

El 2025 ha sido un año bastante gratificante para Blast55, pues han tenido un espacio más constante y con la posibilidad de mostrar su música en distintos escenarios de Bogotá. La banda de punk rock colombiana ha compartido tarima con bandas de la talla de División Minúscula de México, y Popcorn y Área 12 de Colombia, entre otras. Ahora el grupo bogotano cerrará el año con un concierto acústico el 13 de diciembre junto a 8 Kilómetros y el 20 del mismo mes junto a Todo Niño Paga. Hoy, Blast55 regresa con su nuevo lanzamiento 'Garuda', una canción escrita y pensada para los integrantes de la banda con el objetivo de llevar un mensaje de fuerza y resistencia porque siempre se necesita un motor de motivación y ánimo para salir adelante. La garuda es un ser mítico de la religión hindú, en algunas ocasiones se usa para simbolizar fuerza, poder, velocidad y nobleza; y eso es lo que significa la canción, pues musicalmente es veloz, con fuerza y en la letra tiene esa nobleza, donde se reconocen debilidades, donde se reconoce el no control, pero esa confianza está en cada uno. La canción, segundo sencillo del nuevo disco que prepara Blast55 y que fue masterizada por el nominado al Grammy Nick Townsend (Paramore, Weezer, Iron Maiden, Bad Religion, Garbage), explora sonoridades de punk rock y hard rock, con algunos conceptos de metal. Un sonido más duro de lo que normalmente la banda tiene acostumbrados a sus seguidores. "Con la velocidad a la que gira el mundo, muchas veces sin dar un respiro para poder asimilar lo que está pasando, con un descontrol total, lo único que tenemos claro es que somos resilientes y desde la creatividad debemos crear/sacar lo mejor de cada situación y estar llenos de actitud para seguir de pie. Es como hacer música y mantenernos con ganas, no siempre es fácil, y necesitamos esa Garuda", comenta la agrupación bogotana. El video de 'Garuda' muestra al grupo tocando en un espacio afectado por el paso del tiempo, lleno de información (radio, televisión, revistas), una saturación de información, de compromisos y de dualidad; pero lleno de música resonando con mensajes que llenan de vida y esperanza. "Cuando tocamos, o como me pasó en el concierto de Lagwagon en Bogotá, es lindo encontrarse con gente que me cuenta cómo nuestra música los ayudó en determinado momento o situación de la vida. Hay letras como 'Mente en llamas' o 'El perfecto soñador' que fueron hechas sin la pretensión de querer ayudar, pero han terminado siendo un aliento para algunos de los que nos escuchan. Yo siento que con 'Garuda' pasará algo similar porque muchas veces la música se vuelve un mantra y esta canción está llena de mensajes con los que las personas se recargarán para seguir adelante, o al menos es una canción que a mí me sirve un montón", agrega Juan Pablo Patiño, vocalista. La portada de 'Garuda' representa luz en medio de caos. Un atardecer bonito en medio de todo. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

El cantautor, animalista y productor musical colombiano Camilo Valencia regresa con un nuevo disco: '555'. Las canciones del sucesor de 'Versiones atómicas' (2019) surgieron durante el COVID-19 en la soledad de su apartamento, junto a su hermanito Jack, quien inspiró la mayoría de ellas. '555' es el quinto disco de Camilo Valencia como cantautor. Fue producido y mezclado por Leo Sierra en Estudio Retro (Medellín) y masterizado por Camilo Silva. Son 11 canciones que oscilan entre el indie, pop y rock, y se articula en torno a cinco temáticas centrales que dan cohesión al concepto: Salud mental, protección animal, protección de la mujer, amor propio y protección del planeta. "En 2023 logré grabar el álbum y en 2024, cuando iba a comenzar la promoción, tuve que decirle adiós a Jack: mi maestro, guía, inspiración; el amor de mi vida. Hoy me encuentro remando contra la corriente en un momento complejo para los artistas independientes, aferrado a la promesa que le hice a Jack de sacar adelante esta producción y mantener, en su honor, mi ikigai como cantautor", cuenta Camilo Valencia. El disco tiene un sonido maduro, consistente y versátil. Algunas canciones tienen un marcado estilo pop rock; y otras se inclinan hacia el indie y el pop. El álbum también incluye una balada íntima acompañada solo por piano y cello, así como una canción arropada por la calidez del folk. "En 2018 viajé a España para realizar el legendario Camino de Santiago. Esta travesía se extendió durante tres meses y culminó en Asís (Italia) el 4 de octubre, fecha coincidente con el Día Internacional de los Animales. Durante esos meses, no sé si de manera sincronizada o casual, el número 555 apareció constantemente en mi trayecto. Al investigar su significado desde perspectivas energéticas, esotéricas, cuánticas y espirituales, las explicaciones me sacudieron profundamente. Toda esa peregrinación se vio marcada por la transformación, el cambio y por señales de sincronías que no se pueden explicar desde la lógica y la razón, justamente lo que significa el número 555. Las experiencias más trascendentales de esta peregrinación, como la pérdida y el reencuentro con mi hermanito Jack, confirmaron esa conexión profunda con ese número y todo lo vivido. Mi deseo es que quien escuche el álbum completo emprenda su propia peregrinación interior para reconectarse con el amor propio, el respeto hacia todas las formas de vida, los animales y el planeta", agrega. La mayor referencia de este álbum es la banda Goo Goo Dolls. Casi todas las canciones fueron compuestas con guitarras acústicas utilizando afinaciones abiertas (drop), lo que impregnó hasta la médula las melodías, la armonía, los arreglos e incluso la postproducción. También hay fuertes influencias de Sting, My Chemical Romance, Snow Patrol, Hollow Coves, Marco Masini, Nek y Laura Pausini.

Edición Ltda no es solo una banda, es la unión de cuatro amigos con un mismo sueño: conquistar corazones a través de la música. Cada nota y cada letra nacen de vivencias reales, de experiencias que cualquiera puede sentir, porque su música está hecha para ser la mejor compañía. El grupo colombiano nació en los pasillos de un colegio en 2011. Como un sueño entre amigos doce años después, en 2022, ese sueño tomó forma y se convirtió en un proyecto musical que a la fecha se ha materializado en tres sencillos, y la participación en eventos como el Día de Rock organizado por Don Tetto y Colsubsidio, y el Montaña Rock Fest en Pensilvania, Caldas. Edición Ltda es el resultado de un sueño que nunca se detuvo. Winder Bustos (Winny), vocalista y bajista; Harold Sosa (Hary), vocalista y guitarra rítmica; Iván Rico (Ivi), vocalista y guitarra líder; y Fabián Calderón (Dami), baterista, son un grupo de amigos que encontraron en la música la mejor forma de contar lo que viven, sienten y sueñan. Cada canción es una parte de ellos, una historia que busca conectar con quienes vibran igual: con pasión, con alma y con verdad. "La intención de nuestra propuesta es lograr que las nuevas generaciones vuelvan a sentir el poder del rock, un género que, aunque a veces pasa desapercibido, sigue lleno de historias que merecen ser escuchadas. Queremos reactivar ese sonido que marcó a las anteriores generaciones y hacerlo vibrar de nuevo, porque sabemos que talento es lo que hay. Queremos transmitir mensajes en donde todos se sientan identificados. Todos hemos estado enamorados, desilusionados, despechados o simplemente con ganas de celebrar la vida. Nuestras canciones hablan de esas experiencias cotidianas que nos conectan como personas. Más allá de todo, el mensaje es simple: lo más bonito de la vida es estar vivo y sentirla al máximo", cuenta la banda con influencias de Metallica, Avenged Sevenfold, Pxndx, Allison, Blink-182, Green Day, My Chemical Romance, Don Tetto y Kraken. 'Catalina (mientes)' es el nuevo lanzamiento de Edición Ltda. Catalina puede ser cualquier persona, sin importar el sexo, de esas que pasan por la vida y tienen una doble cara. La canción fusiona la fuerza del rock alternativo con riffs llenos de energía y sensualidad, donde cada interpretación transmite pura intensidad. Una percusión explosiva y un bajo irreverente completan la mezcla perfecta para una pieza de rock auténtico, atrevida y sin miedo a tocar tabúes. "Todos hemos conocido a ese alguien que vive dos vidas, que se ve como alguien ejemplar, pero que tiene un lado oscuro y diferente, entregándose a sus deseos más banales, y al vivir estás dos vidas afecta a quien decide entrar en su mundo", agrega el grupo. El video y el set de fotos del sencillo proyecta una estética atrevida y sensual, donde la banda expresa libertad sin pudor y desafía, con un toque de ironía, el miedo que genera la exposición pública. El cuerpo desnudo y sensual de la figura que representa a Catalina simboliza el deseo, mientras que la máscara refleja el contraste con la vergüenza de mostrar los instintos más profundos ante el mundo.

Desde el lanzamiento de 'En la Diestra de Dios Padre', El Diestro, proyecto solista del músico y compositor colombiano Juan José Moreno, estuvo girando por Manizales, Ocaña y Medellín presentando un EP que produjo pensando en insistir en su visión menos sacra de la música clásica: 'El Clave Mal Temperado'. Este trabajo fue una vuelta de tuerca al estilo de rock progresivo y canción de autor de los discos anteriores, utilizando sonoridades enteramente basadas en sintetizadores, máquinas de ritmo y mezclándolas con texturas propias del barroco y de la música de tradición escrita, usando referencias textuales a compositores como Debussy, Chopin y Grieg. "Con este trabajo logré una nota muy polémica en El Espectador en la que me categoricé como una "nea", cosa que al público del periódico no le gustó mucho por la connotación que tiene esa palabra fuera de Medellín. Esto sólo me confirmó que, si mi música debe hablar por sí sola, era necesario hacer un álbum que dejara en claro que ser culto y ser popular no son necesariamente cosas que se excluyen entre sí", cuenta El Diestro. 'Mientras viva, siempre te recuerdo' es el nuevo disco de El Diestro, un trabajo cuyo concepto viene de una serie pictórica del pintor Oswaldo Guayasamín, en la que explora este lema y la relación del artista con su madre. Es ideal escucharlo en un viaje porque es una experiencia catártica y graciosa. "Yo lo transformé en un concepto que pretende abarcar todas las aristas del amor, la intimidad y el cariño con las mujeres que han pasado por mi vida. En una palabra, la memoria: cómo en definitiva quizás uno pueda recordar absolutamente a todas las personas con las que ha labrado relación, pero no necesariamente las extraña. Y como la memoria no es lineal, aparecen multitudes de anécdotas narradas y referencias a la cultura popular que lo configuran como una especie de monólogo interno y personal, como si quién canta y quién habla fueran personificaciones distintas de la memoria. A través del disco, recordar primero es un proceso de superposición de recuerdos y canciones mías previas, y luego es un torrente de cosas inconexas que forman un todo confuso y agridulce", agrega. Con este álbum El Diestro pretende que la gente escuche y atesore las canciones como si vieran un álbum de fotos antiguas, en este sentido el disco es textualmente un álbum físico. Instantáneas que no representan una realidad latente, si no una captura honesta de cómo el artista se ha sentido al respecto del otro a través de los años. Busca que con la sonoridad recuerden que la mal llamada música clásica es una tradición gastada y como sostiene desde antes, un chiste mal contado. Sólo en el sentido de que si esta vale lo que vale por sí misma es por las obras individuales que han trascendido el tiempo, y no solo por ser una herencia europea o de otro estatus social. Estudiar y escuchar activamente esta música le ha ayudado a verla como una herramienta a la cual le debe su estilo compositivo, y no como un horizonte al cual ver con temor o recelo. Por ello, considera que la música contemporánea o de vanguardia son un lugar donde cabe cualquier tradición de cualquier época y es lo que pretende alcanzar sónicamente hacia el futuro. 'Mientras viva, siempre te recuerdo' presenta una evolución a nivel de producción, buscando que las canciones remitan a artistas que hasta ahora el músico había temido imitar: Daft Punk, The Beatles, Gorillaz, pero teniendo como mayor referente el rock argentino de Charly García, Fito Páez y Gustavo Cerati. Es un disco profundamente relacionado al 'rock nacional' si se considera que los grandes referentes latinoamericanos en materia de new wave, rock progresivo y canción de autor son de Argentina, pero con la ayuda del productor Simón Acosta Ramírez de La Banda del Bisonte, El Diestro logró una sonoridad actualizada a los estándares de la industria musical de hoy en día. Hay desde canciones completamente sintéticas hasta canciones interpretadas en una guitarra acústica y algunos híbridos con sonidos orquestales y superposiciones de guitarras como un wall of sound. La mayor inspiración del álbum de El Diestro fue el 'Abbey Road' de Los Beatles. El disco formalmente corresponde a las diecisiete canciones de ese disco, pensándolo como un LP de dos lados que contiene un medley en el lado B, de canciones cortas que se suceden unas a otras. A través del álbum aparecen recurrentemente motivos que anuncian o referencian a otras, y motivos de discos anteriores para insistir en el tema de la memoria, como si toda su obra estuviera sucediendo en el tiempo y nunca se cerraran las heridas que dieron pie a crear las canciones anteriores. Este disco es un esfuerzo consciente de cerrar esos capítulos. A nivel de arreglos y orquestación, The Beach Boys y el álbum 'Say no More' de Charly García, con un concepto propio de él que nombra como 'Maravillización': hacer que la mezcla de los instrumentos y los efectos de sonido parezcan una banda sonora de una película que no se ve, pero se escucha.

El artista colombiano de rock Leon Clef está de regreso con nueva música. Desde su último lanzamiento 'Si la vida me deja', el cantante y compositor de Medellín inició un proceso de recoger ideas que tenía guardadas desde hace años. A partir de ahí, se reunió con su nuevo productor Pyngwi para iniciar el proceso de creación de su nuevo álbum de estudio. "Este 2025 ha sido un año interesante, con varios conciertos, pero sin duda el más importante fue en el Circuito Bogotano de Rock, un espacio que me abrió las puertas aún siendo de otra ciudad y me han tratado de una forma especial", cuenta el músico. 'Viejos Escombros' es lo nuevo de Leon Clef, una canción que habla de esos momentos en la vida en los que nos sentimos abrumados, salimos porque toca y sonreímos casi por obligación, aunque por dentro no siempre lo queremos. Es una canción sobre esos días grises que llegan de vez en cuando y que, aunque difíciles, hacen parte inevitable de la vida. Las guitarras siempre son un elemento predominante en las creaciones musicales de Leon Clef y en 'Viejos Escombros' no es la excepción. Se combinan con sintetizadores que aportan atmósferas intensas y un aire contemporáneo. Para el artista colombiano, esta canción en particular se alinea más con el sonido de Interpol y, en algunos matices con Foals, logrando un balance entre lo sombrío y lo melódico que refuerza la carga emocional de la letra. "La inspiración surgió de los sentimientos de un día gris. Va dirigida a cualquier persona que haya sentido esa pesadez existencial que, aunque pasajera, marca y se queda en la memoria. Es una canción para quienes entienden que no siempre hay que ocultar la tristeza", cuenta Leon. El sencillo no tendrá videoclip, al menos por ahora. La intención es que la canción hable por sí sola y que el público conecte directamente con la letra y el sonido, sin distracciones visuales. "Con 'Viejos Escombros' quiero simplemente compartir mi música y conectar con aquellas personas que puedan disfrutarla y encontrar un reflejo de sus propios sentimientos en ella", enfatiza.

Tomás Santiago es un artista y cantor colombiano. El canto ha sido su forma más leal de arte desde muy temprana edad haciendo parte de coros estudiantiles o simplemente como medio de expresión en cualquier contexto de la vida. Con el tiempo y la madurez entendió que la composición era un factor fundamental para acompañar esa proyección de su existencia, más allá de lo que hace con su voz, crear su propia música es la mejor manera de decir "este soy yo, y esto dice mi alma". Después de la separación de su banda Rucus, en donde era el principal compositor, Tomás Santiago tomó la decisión de continuar el camino de la composición de canciones, pero esta vez a su nombre siguiendo el camino de la clásica figura del cantautor. Entre 2019 y 2020 comenzó la composición de su EP debut 'Me dejé caer' el cual vio la luz 5 años después en agosto de 2025. La intención de su propuesta musical busca unir a la gente, ayudar a las personas a canalizar las emociones que no saben cómo expresar, utilizar el arte como medio para exponer y combatir las opresiones del sistema capitalista, esparcir amor y lograr la trascendencia a través de la constante creación y el constante cambio. "A través de mis canciones quiero enviar múltiples mensajes como por ejemplo que el amor es lo más grande que hay en el universo, que un mundo equitativo y en paz puede ser una utopía, pero la resistencia a la injusticia y el caos, y la capacidad de no caer en el cinismo y el pesimismo son fundamentales para el avance y la permanencia de la humanidad. También quiero decir que somos esclavos de la entropía, que todo tiene su final, que Colombia merece paz y que la construcción de identidad es una forma de combatir el fascismo y la hiperglobalización que quiere que todos seamos iguales en pro del capital", afirma Tomás Santiago, quien para su proyecto solista tiene influencias de rock, soul, pop y folk. 'Me dejé caer' es el EP debut de Tomás Santiago, es una exploración con el diseño sonoro y la fusión de dichas influencias. Aborda temas variados como en su carta de amor a los artistas en 'Brillo en tanta oscuridad', la protesta social en 'Sin alma y corazón', el reencontrarse y sanar en 'Sol hermoso bermexas' y el crecer y abandonar la niñez en 'Hoy'. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

'Revolución' de Bobby Zaga y Halcón 7 es un junte histórico entre el poder del manifiesto y la fuerza del metal. Después del impacto mediático de 'Revolución' —tema con el que el músico, compositor y productor mexicano Bobby Zaga irrumpió en solitario y que lo llevó a medios internacionales como Rolling Stone— llega ahora una versión demoledora: la versión metal de 'Revolución', en colaboración con la agrupación Halcón 7, originaria de Torreón, Coahuila. El lanzamiento no es solo una reinterpretación, sino una secuela audiovisual y conceptual de lo que Bobby Zaga presentó en el desierto de Torreón con el videoclip original. Si aquella primera entrega retrataba el hartazgo colectivo y la necesidad de transformación, esta nueva versión lo lleva a un territorio más crudo y visceral, donde la contundencia del metal se convierte en catalizador de rabia, energía y resistencia. "Esta versión es una revolución desde otra trinchera: la del metal. Es un grito que no tiene miedo a confrontar la oscuridad para encontrar un nuevo comienzo", afirma Bobby Zaga. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Javier Gutiérrez, más conocido como "Mala Fe", es un artista dominicano que ha logrado convertirse en uno de los exponentes más virales y reconocidos del merengue moderno. Desde muy pequeño, la música fue parte esencial de su vida: hijo de un tamborero de Perico Ripiao y hermano de músicos destacados, encontró en la percusión y en el escenario su verdadera pasión. Su talento lo llevó a integrarse rápidamente a orquestas profesionales, y fue precisamente con el Grupo Chabely que realizó su primer viaje internacional a Bogotá, Colombia, país que marcó un antes y un después en su carrera. Años más tarde, Mala Fe conquistaría escenarios en Europa y Estados Unidos, consolidándose como una figura clave dentro del merengue jocoso y contagioso.  En 1998 lanzó su primera producción discográfica “Mala Fe con su Loquera”, de donde nació el éxito mundial “La Vaca”, tema que lo posicionó en los primeros lugares de la radio y televisión, obteniendo múltiples Discos de Oro y una nominación a los prestigiosos Premios Billboard. Su estilo irreverente, fresco y único lo convirtió en un fenómeno musical, con canciones virales que han dado la vuelta al mundo como:  “La Vaca” (traducida en más de 8 idiomas)  “Con la Pompi Pa’rriba” “Pluma Pluma Gay” “El Tra Tra Tra” Hoy, con 7 producciones discográficas, 3 Discos de Oro y una trayectoria reconocida internacionalmente, Mala Fe reafirma su deseo de conquistar de manera definitiva al público colombiano. Actualmente, promociona su nuevo tema “Barrera de Envidia”, con el cual busca reforzar ese lazo especial con Colombia, tierra que lo acogió en sus inicios y a la que quiere devolver alegría, ritmo y sabor con su estilo inconfundible. Mala Fe llega con la firme decisión de poner a bailar a toda Colombia. 

E Multicolor estrena un disco personal e introspectivo y se prepara para presentarse en vivo en Bogotá el sábado 27 de septiembre en Smoking Molly. E Multicolor es un proyecto musical colombiano de pop rock electrónico que nace en 2010 como consecuencia del desarrollo en artes visuales especializado en animación de Nicolás Botero, un artista multidisciplinario independiente que está en la búsqueda de encontrar su lugar en el mundo. Después de haber pasado años buscando pertenecer a una banda y no tener resultado alguno, el músico, guitarrista, cantante, escritor, compositor y productor decidió formar su propio proyecto para darle rienda suelta a su creatividad, además, para trabajar también su faceta audiovisual con un enfoque artístico para su trabajo de grado. Inicialmente formó un grupo, eligió tres canciones, les hizo videos animados y las presentó en su proyecto de grado en enero de 2010. Ahora, quince años después, E Multicolor está más vigente que nunca y con nuevas canciones. "A través de mis canciones quiero mostrarle al mundo que hay varias formas de pensar y varias ideas que pueden existir conceptualmente, abriendo horizontes y proponiendo una mirada diferente de la vida. Tiendo a escribir sobre ideas que me gustan como en dónde se encuentra sentido a lo que no tiene sentido en 'La Colección de Verónica', o ideas que contraponen extremos como 'Nuestra Mala Suerte Universal' o 'Matilde'. Soy una persona con pensamientos y mensajes individuales, únicos y originales en cuanto al artista independiente que me considero", cuenta el músico bogotano con influencias de Pink Floyd, Gustavo Cerati, Justice, Leonard Cohen, New Order y David Bowie.

Insómnica es una banda de pop rock alternativo fundada en Tunja, Colombia en el año 2020 bajo influencias del rock en español, el pop rock, el funk, el blues y la electrónica. A lo largo de los años, se ha consolidado como una de las agrupaciones más representativas del departamento de Boyacá, al llevar una continuidad en su proyecto con calidad, persistencia, pasión y amor por la música. Conformado por Lamena (voz y bajo), Betty (teclados), Favarez (voz y guitarra electroacústica), Juancho (guitarra líder) y Walter (batería), el grupo logra conectar con su público al combinar influencias del rock clásico con una identidad propia, donde las canciones abordan emociones profundas y humanas a modo de dualidades entre el dolor y el amor, la depresión o las ganas de vivir, rendirse o seguir para cumplir los sueños del corazón; logrando acompañar a sus seguidores tanto en momentos de introspección como de catarsis, al crear una atmósfera emocional y energética en los oídos y el corazón de quienes escuchan su música. La intención de Insómnica no es solo hacer canciones, sino crear un puente emocional entre lo clásico y lo alternativo, invitando al público a experimentar un viaje entre la introspección y la catarsis. Su visión apunta a ser una banda que acompaña emocionalmente y vibra energéticamente en cada escenario, a través de su sonido propio con potencial para resonar en Colombia y el mundo. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

La Armada es una agrupación de hardcore punk originada en Santo Domingo, República Dominicana en 2001. Actualmente, la banda está radicada en Chicago, IL desde 2008 y está compuesta por miembros dominicanos y puertorriqueños. La intención de su propuesta musical es dejar una huella en la historia de la música pesada, representando al caribe en el rock latinoamericano y mundial. La banda fusiona ritmos afrocaribeños —de forma sutil o explícita— para crear un sonido propio, fácilmente reconocible y que sirva como bandera musical de la región dentro del género, así como el merengue y la salsa han representado al Caribe internacionalmente en los géneros tropicales. "Queremos que el público latino vea en nosotros una banda con calidad igual o mejor que cualquier otra de nivel internacional, y que a través de eso sirvamos de inspiración", cuenta el grupo. "Como propósito ideológico, la banda recurre a la sátira y el auto-cuestionamiento para evidenciar los males socio-políticos que aquejan a la sociedad actual, como el neo-colonialismo en Latinoamérica, las guerras a nivel mundial, el control de las redes sociales y las formas inconscientes en que el modernismo conduce al autosabotaje", agrega la banda con influencias del punk, el metal y rock duro en bandas como La Polla Records, No Demuestra Interés. Bad Brains, Propagandhi y Death, Deftones y Alice in Chains. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.

Vehementes es una banda nacida en Bucaramanga en el año 2025, fundada por Juan Acevedo. Aunque el proyecto original se gestó en 2013, la vida llevó a Juan a pausar su camino musical durante varios años. Sin embargo, la pasión nunca se apagó. El nombre de la banda refleja justamente eso: una entrega total a la música, un arte que disfrutan intensamente y que hoy vuelve con más fuerza, con una visión fresca y una nueva nómina conformada por Juan Acevedo en la voz, David Camargo en la guitarra y la voz, Edo en la batería y Pallomino en el bajo. Su sonido es tan amplio como sus ganas de experimentar: pop, rock, cumbia, bossa nova, salsa y más se mezclan para crear canciones que conecten con la gente, sin etiquetas ni límites. Vehementes no busca encasillarse en un solo género, sino construir una propuesta que haga parte de la vida de quienes los escuchan. Cada canción nace con la intención de generar identificación, de ponerle melodía a emociones que todos hemos sentido en algún momento. "Nuestra música habla del amor en todas sus formas: del que levanta y del que destruye, del que sueña y del que no vuelve. Es un recorrido por cada rincón emocional que habita entre dos personas, desde la euforia hasta la herida, desde la ternura hasta el silencio", cuenta la agrupación con influencias de Tan Biónica, Jorge Drexler, Miranda, Natalia Lafourcade y Caramelos de Cianuro. Editorial y Locución: JUAN RUBIO Dirección y Producción: JUAN RUBIO Copyright © 2025 Todos los derechos reservados – Universidad La Gran Colombia. Se prohíbe de reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin la autorización escrita del titular.