Les Sens de la Danse

Pourquoi une œuvre née au XIXe siècle continue-t-elle de toucher autant le public aujourd’hui ?Dans cet épisode de Un pas de côté, Myriam Sellam revient sur l’histoire de La Dame aux Camélias, chef-d’œuvre littéraire devenu opéra, puis ballet.Du roman d’Alexandre Dumas fils à La Traviata de Giuseppe Verdi, jusqu’au ballet de John Neumeier, cette figure féminine traverse les époques et les arts sans jamais perdre sa force émotionnelle.Pourquoi cette histoire nous bouleverse-t-elle encore ?Que raconte-t-elle du corps féminin, du désir, de l’épuisement, du regard social… et de la danse elle-même ?À travers ce format court, Myriam Sellam explore ce qui fait de La Dame aux Camélias l’un des ballets les plus intenses du répertoire contemporain.Un épisode également en résonance avec l’actualité de Roxane Stojanov, actuellement à l’affiche de cette œuvre à l’Opéra national de Paris dans les rôles de Prudence et de Manon.🎧 Les Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement, du corps et de la transmission à travers les artistes qui font la danse aujourd’hui.Disponible sur Spotify, Apple Podcasts et Deezer.💬 Si cet épisode vous plaît, n’hésitez pas à vous abonner, laisser un avis et partager le podcast autour de vous.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si devenir Étoile n’était que le début ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je vous propose de redécouvrir ma rencontre avec Roxane Stojanov, enregistrée en janvier 2026, quelques mois après sa nomination comme Danseuse Étoile à l’Opéra national de Paris.À ce moment-là, nous parlions de ce que ce titre change.Dans le corps. Dans le regard des autres. Dans la manière d’habiter la scène.Mais aujourd’hui, cette conversation résonne autrement.Car depuis, quelque chose s’est ouvert.Le 18 avril 2026, à Skopje, en Macédoine du Nord — le pays où elle a grandi — Roxane Stojanov a lancé la première édition de son propre concours : le Prix Roxane Stojanov.Un projet tourné vers la transmission, qui offre à de jeunes danseurs une immersion artistique à Paris.Dans le même temps, elle poursuit son parcours sur scène, à l’Opéra de Paris, où elle danse La Dame aux Camélias de John Neumeier, dans les rôles de Prudence et Manon, et s’apprête à interpréter Gamzatti dans La Bayadère de Rudolf Noureev du 21 juin au 2 juillet 2026.Alors, écouter cet épisode aujourd’hui, c’est entendre autre chose.C’est écouter le moment juste après la bascule.Avant que le parcours ne s’élargisse.Avant que la danse ne se transmette autrement.Un épisode sur ce que signifie devenir Étoile.Et sur ce que cela engage, au-delà du titre.🎙️ Un podcast imaginé et présenté par Myriam Sellam.🎧 Disponible sur toutes les plateformes (Spotify, Apple Podcasts, Deezer…) et sur YouTube.💬 Si cet épisode vous touche, n’hésitez pas à vous abonner, laisser un avis et le partager autour de vous — c’est ce qui permet au podcast de continuer à grandir.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Pourquoi Rudolf Noureev a-t-il bouleversé l’histoire du ballet ?Et en quoi son héritage continue-t-il encore aujourd’hui de transformer les danseurs de l’Opéra de Paris ?Dans cet épisode d'Un Pas de côté, le format court du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam revient sur la révolution artistique portée par Noureev : son arrivée fracassante en Occident en 1961, sa virtuosité, son intensité dramatique… mais surtout sa manière de réinventer la place des hommes dans le ballet classique.Avant lui, les danseurs étaient souvent relégués au rôle de partenaires.Avec Noureev, ils deviennent des interprètes à part entière : physiques, sensibles, théâtraux, profondément incarnés.De Roméo et Juliette à Don Quichotte, en passant par son travail à l’Opéra national de Paris, cet épisode explore comment Noureev a déplacé la danse du simple geste vers l’incarnation.Un éclairage qui résonne particulièrement aujourd’hui, alors qu’Andrea Sarri danse actuellement Roméo et Juliette de Noureev à l’Opéra Bastille.🎧 Les Sens de la Danse est le podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des entretiens immersifs avec des danseurs, chorégraphes et artistes du corps.⭐ Si cet épisode vous plaît, pensez à vous abonner et à laisser 5 étoiles sur Apple Podcasts ou Spotify : c’est ce qui aide le plus le podcast à grandir.Références citées dans l’épisode🩰 Rudolf Noureev — danseur et chorégraphe russo-soviétique, ancien directeur de la danse de l’Opéra national de Paris🩰 Roméo et Juliette — ballet adapté par Noureev d’après Shakespeare et Prokofiev🩰 Giselle — ballet romantique créé en 1841🩰 Margot Fonteyn — partenaire artistique emblématique de Noureev au Royal Ballet🩰 Serge Lifar — danseur et maître de ballet ayant contribué au renouveau de la danse masculine à Paris🩰 George Balanchine — chorégraphe majeur du XXe siècle, fondateur du New York City Ballet🩰 Kirov Ballet — aujourd’hui Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg🎙️ Épisode en lien : Andrea Sarri : Premier danseur de l’Opéra de Paris, entre doute et renaissanceHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Après avoir exploré son enfance en Sicile, ses années à Nanterre et la rigueur de l’École de danse de l’Opéra de Paris dans le premier épisode, Andrea Sarri revient ici avec un regard plus intérieur, plus apaisé.Dans cette seconde partie, le danseur de l’Opéra de Paris se livre sur son rapport à la scène, ses doutes et cette maturité qui s’installe peu à peu dans son parcours d’interprète.Aujourd’hui Premier danseur du Ballet de l’Opéra de Paris que l’on peut voir en ce moment dans Roméo et Juliette à l’Opéra Bastille, Andrea Sarri incarne une nouvelle génération de danseurs classiques, à la croisée de la technique et de l’interprétation.Il évoque son attachement aux grands ballets du répertoire classique (Giselle, Roméo et Juliette), mais aussi son goût grandissant pour la danse contemporaine.Danser du William Forsythe, du Alexander Ekman ou du Crystal Pite, c’est pour lui explorer de nouvelles dynamiques, libérer le mouvement et trouver une autre forme de vérité du corps.Au fil de cet entretien, Andrea Sarri aborde les enjeux de l’excellence dans le ballet :la pression, le perfectionnisme, la peur de ne pas être à la hauteur… mais aussi la nécessité de rester aligné avec soi-même.Il revient également sur les distinctions qui ont marqué son parcours — Prix AROP de la danse, Giovani Talenti Siciliani nel Mondo, Taobuk Award et sur ce qu’elles représentent réellement : non pas une finalité, mais une étape dans un chemin artistique en constante évolution.Cet épisode explore aussi des thématiques essentielles dans la vie d’un danseur professionnel : la gestion du corps, la fatigue, la récupération, le travail invisible et cette compréhension progressive que la danse n’est pas seulement un art de la performance, mais aussi un art de l’écoute et de la présence.À travers cet échange, on découvre un artiste en transformation, un danseur qui interroge son art, qui doute, qui évolue — et qui trouve dans chaque rôle une opportunité de grandir.Un épisode sur la danse, bien sûr… mais aussi sur le corps, l’exigence, l’identité et le dépassement de soi.🎙️ Les Sens de la Danse est un podcast créé par Myrima Sellam sur la danse qui explore le pouvoir du mouvement.Disponible sur Spotify, Apple Podcasts, Deezer et YouTube.🎧 Abonnez-vous et laissez 5 étoiles ⭐ pour soutenir le podcast et découvrir de nouveaux épisodes.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si, dans Roméo et Juliette, le personnage le plus libre… était aussi le plus condamné ?Dans ce nouvel épisode Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam vous emmène au cœur d’un rôle aussi fascinant que vertigineux : Mercutio, dans le ballet Roméo et Juliette de Noureev.Souvent éclipsé par les amants tragiques, Mercutio est pourtant le véritable point de bascule de l’histoire. Ami de Roméo, provocateur, insaisissable, il incarne une énergie brute, une liberté presque dangereuse. Sur scène, son corps va vite, trop vite — comme s’il dansait déjà au bord du précipice.À travers ce Pas de côté, découvrez pourquoi ce rôle est l’un des plus intenses du répertoire classique :— une écriture chorégraphique explosive signée Noureev— un mélange unique d’humour, de virtuosité et de tragédie— un moment charnière qui fait basculer tout le balletAujourd’hui interprété sur la scène de l’Opéra Bastille par Andrea Sarri, Mercutio devient un véritable défi pour les danseurs : tout donner, sans retenue, jusqu’à frôler la rupture.Mais au fond, Mercutio dépasse la danse.Il incarne la jeunesse, l’insouciance, ce moment fragile où le corps se croit invincible… juste avant que tout ne bascule.🎧 Un épisode court, immersif, pour (re)découvrir Roméo et Juliette autrement — à travers le prisme du corps, du risque et de l’émotion.🎙️ Les Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement : celui qui libère, transforme et raconte ce que les mots ne suffisent pas à dire.Disponible sur toutes les plateformes d’écoute (Spotify, Apple Podcasts…) et sur YouTube.Les références citées :• Roméo et Juliette de Noureev — ballet créé en 1977 pour le Ballet de l’Opéra de Paris, d’après l’œuvre de William Shakespeare• Andrea Sarri — Premier danseur à l’Opéra national de Paris, interprète du rôle de Mercutio🎧 Pour prolonger l’écoute, retrouvez l’épisode complet avec Andrea Sarri dans Les Sens de la Danse.👉 Pensez à vous abonner au podcast et à laisser une note ou un commentaire : c’est ce qui permet à ces récits et à ces voix de continuer à circuler.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Il a quitté sa mer à 10 ans pour danser.Aujourd’hui, Andrea Sarri est sur la scène de l’Opéra Bastille, dans Roméo et Juliette de Rudolf Noureev — en Mercutio.Né à Palerme en 1998, il grandit dans une culture où les garçons ne dansent pas.Ou plutôt, où ils ne sont pas censés danser.À 10 ans, il quitte tout pour rejoindre l’École de danse de l'Opéra de Paris.Depuis, il a gravi chaque échelon de cette hiérarchie si singulière: Corps de ballet, Coryphée, Sujet...Jusqu’à être nommé Premier danseur en janvier 2025.Quand je l’ai rencontré, c’était quelques jours avant qu’il monte sur la scène du Palais Garnier dans le rôle d’Albrecht de Giselle.Dans cet épisode, Andrea Sarri revient sur :— l’enfance qu’on laisse derrière soi— le déracinement et les choix irréversibles— le doute, même au sommet— ce que ça demande, profondément, de tenirUn échange intime, sur le corps, l’exigence et ce qui nous fait continuer, même quand tout vacille.🎧 Un épisode créé et animé par Myriam Sellam à (re)découvrir, alors qu’il est actuellement sur scène dans Roméo et Juliette.Si cet épisode vous parle :👉 Partagez-le autour de vous👉 Laissez un commentaire👉 Et attribuez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écouteC’est grâce à vous que ces récits continuent de circuler. 📲 Pour prolonger la discussion :Instagram — @lessensdeladanse.podcastHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si la danse pouvait révéler ce que les mots ne suffisent pas à dire ?Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, je vous propose d’explorer Ce que le jour doit à la nuit, œuvre emblématique du chorégraphe Hervé Koubi, inspirée du roman de Yasmina Khadra.Un texte et une pièce au cœur de thématiques puissantes :identité, mémoire, exil, transmission, héritage franco-algérien.À travers ce récit, on revient sur un moment fondateur du parcours d’Hervé Koubi :la découverte tardive de ses origines, son voyage en Algérie et la rencontre avec des danseurs de rue qu’il décrira comme ses “frères retrouvés”.Un basculement qui va transformer sa manière de créer et donner naissance à une écriture chorégraphique unique, à la croisée de la danse contemporaine et du hip-hop.Dans cet épisode, on explore aussi une question essentielle :comment la danse peut-elle devenir un langage universel, capable de relier les cultures et de réparer les histoires ?Ce Pas de côté vous donne les clés pour mieux comprendre l’univers d’Hervé Koubi et entrer plus profondément dans son travail artistique. 🎧 Pour prolonger l’écoute, retrouvez l’épisode complet avec Hervé Koubi dans Les Sens de la Danse.💡 Toutes les références (artistes, œuvres, contextes) sont disponibles dans la description de l’épisode principal pour vous permettre d’aller plus loin.👉 Pensez à vous abonner au podcast et à laisser une note ou un commentaire : c’est ce qui permet à ces récits et à ces voix de continuer à circuler.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si la danse pouvait révéler ce que l’on ignore encore de soi ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Hervé Koubi, chorégraphe français de renommée internationale, dont le travail mêle danse contemporaine, hip-hop et héritages culturels.On revient sur son parcours singulier — de la pharmacie à la scène —, sur sa formation, et sur ce moment fondateur : la découverte tardive de ses origines algériennes.Un basculement qui le conduit en Algérie, à la rencontre de danseurs de rue qu’il décrit comme ses “frères retrouvés”, et qui transforme profondément sa manière de créer.À travers cet échange, on explore la question de l’identité, du groupe, de la transmission, et la manière dont la danse peut devenir un langage universel, capable de relier les cultures et de porter une mémoire.🎙️ DANS CET ÉPISODE— enfance et formation entre danse et musique— parcours entre science et création— découverte de ses origines algériennes— voyage en Algérie et rencontre avec les danseurs de rue— groupe, fraternité, transmission— doute et légitimité artistique— danse comme langage universel🎧 Podcast créé et animé par Myriam Sellam.Photo: Sébastien LozéSi cet épisode vous parle :👉 Partagez-le autour de vous👉 Laissez un commentaire👉 Et attribuez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écouteC’est grâce à vous que ces récits continuent de circuler. 📲 Pour prolonger la discussion :Instagram — @lessensdeladanse.podcast📚 RÉFÉRENCES & REPÈRES🎧 Pour mieux comprendre ou approfondir :👤 Artistes & influencesHervé Koubi — site officiel👉https://cie-koubi.fr/Guillaume Gallienne — Les Garçons et Guillaume, à table !, rapport à l’identitéRoland Barthes — Fragments d’un discours amoureux, pensée de l’intimeYasmina Khadra — Ce que le jour doit à la nuit, inspiration majeurehttps://fr.wikipedia.org/wiki/Yasmina_Khadra🎬 Références cinémaQuentin Tarantino — Boulevard de la mort, rapport au corps et à la mise en scènehttps://fr.wikipedia.org/wiki/Boulevard_de_la_mort🏛️ Formation & lieuxCentre International de Danse Rosella Hightower (Cannes)https://www.pnsd.fr/Espace 614 — Anne-Marie & Michèle Sanguin, Nathalie Crimi🎭 Pièces évoquéesLe Golem (2000) — première pièce, autour de la création et de l’identitéCe que le jour doit à la nuit (2013) — tournant majeur, inspiré du roman de Yasmina KhadraLes Nuits barbares (2015) — mémoire des civilisations méditerranéennes et histoire des corpsBoys Don’t Cry (2018) — exploration de la masculinité et des émotions empêchéesSol Invictus (2023) — pièce collective et lumineuse, autour de l’unité et de l’énergie🌏 Focus — No MatterNo Matter — création internationale réunissant des danseuses sud-coréennesHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Pour Jann Gallois, méditer c'est danser mais de l'intérieur. Ce qu'elle faisait avec le mouvement : désarticuler, réarticuler, harmoniser.Elle l'a retrouvé dans la méditation bouddhiste : concentrer l'esprit sur un point et le travailler. Encore et encore.Les neurosciences le confirment : ces deux pratiques modifient le cerveau de manière similaire, renforcent l'attention et la conscience de soi. Elles travaillent le même espace, entre le dedans et le dehors.Méditer n'est pas s'immobiliser. Danser n'est pas maîtriser. Les deux demandent d'accueillir ce qui est là. De travailler avec, pas contre.Pour Jann, la méditation est devenue sa source créative. Ses idées chorégraphiques naissent de cet espace intérieur cultivé en silence.Deux disciplines, une seule question : comment habiter ce corps, cet esprit, cette vie avec un peu plus de grâce ?🎧 Les Sens de la Danse est un podcast indépendant créé par Myriam Sellam, qui explore le pouvoir du mouvement.🤍 Si ce contenu vous parle : abonnez-vous, likez, commentez et partagez.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce deuxième épisode avec Jann Gallois, on descend plus loin.Derrière le succès, derrière Chaillot, derrière les tournées qui se multiplient — il y a une souffrance que personne ne voyait. Un traumatisme intérieur. Une fracture profonde. Un moment où le sens disparaît complètement.Et c'est là, au cœur de cette chute, qu'elle a trouvé un chemin inattendu.Le bouddhisme. La méditation. Un travail intérieur radical qui a tout changé — dans sa vie, dans sa manière de créer, dans sa manière d'être avec les autres.On parle de reconstruction. De spiritualité. De ce que ça signifie de se reconstruire quand on a tout misé sur son art. De la différence entre chercher le bonheur dans ses créations… et le construire d'abord en soi.On parle aussi de transmission. De l'Agora à Montpellier, qu'elle co-dirige aujourd'hui aux côtés de Dominique Hervieu, Pierre Martinez et Hofesh Shechter. Un lieu pensé pour accueillir, soutenir, faire grandir — la création, la recherche, les nouvelles générations.Et notamment Boost — cette toute nouvelle formation conçue pour les jeunes danseurs autodidactes, éloignés des circuits classiques, qui ont développé une singularité rare mais manquent encore des clés pour s'inscrire dans le milieu professionnel.Jann Gallois leur dit : votre danse existe. Et tout peut se danser.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Que signifie vraiment habiter son corps ?Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, Myriam Sellam propose une exploration sensible et accessible d’une notion au cœur du mouvement : la relation que nous entretenons avec notre propre corps.À travers la danse, mais aussi la philosophie, la psychologie et l’expérience des danseurs et danseuses, cet épisode interroge une sensation universelle : celle de ne pas toujours se sentir “à sa place” dans son propre corps. Trop grand. Trop petit. Trop visible. Ou au contraire, absent.Pourquoi certaines personnes semblent pleinement incarnées, quand d’autres ont l’impression d’être en décalage ?Comment la danse peut-elle devenir un espace de réconciliation ?Et que se passe-t-il, concrètement, quand on commence à habiter son corps autrement ?En écho à l’univers de Jann Gallois, ce Pas de côté propose des repères pour mieux comprendre ce que le mouvement révèle de notre identité, de notre rapport au monde, et de notre capacité à nous sentir vivants.Un épisode court, comme une respiration, pour remettre du lien là où parfois tout semble fragmenté.🎙️ Les Sens de la DanseLe podcast qui explore le pouvoir du mouvement : celui qui libère, transforme et relie.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

🎙️ Et si la danse était une peau…Une manière de refléter et de partager ce que signifie, profondément, être humain ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Jann Gallois, danseuse et chorégraphe majeure de la scène contemporaine dont le parcours singulier relie hip-hop, danse contemporaine et recherche chorégraphique.Avant d’être chorégraphe, il y a une enfant qui danse dans son salon. Une danse instinctive, presque animale. Puis une formation musicale exigeante, au conservatoire et très vite, un manque : celui de ne pas pouvoir improviser, de ne pas pouvoir exister librement dans le mouvement.Le hip-hop ouvre une brèche. Un espace de liberté, d’expérimentation, d’apprentissage autodidacte.Jann Gallois construit alors son langage en dehors des cadres traditionnels, entre culture des battles et recherche personnelle. Elle développe une approche du corps à la fois instinctive et structurée, nourrie ensuite par la rigueur de la danse contemporaine et des rencontres déterminantes.Très vite, tout s’accélère : premières grandes scènes, collaborations avec des chorégraphes reconnus, tournées, reconnaissance institutionnelle. Son parcours d’interprète la mène sur des scènes majeures, jusqu’à devenir artiste associée dans des lieux emblématiques de la danse en France.Mais derrière cette ascension fulgurante dans le monde de la danse et de la création chorégraphique, un décalage intérieur apparaît. Plus le succès grandit, plus une forme de perte de sens s’installe.Dans cette première partie, Jann Gallois revient sur ces années fondatrices : son rapport au corps, à la scène, à la création, à l’interprétation.Un parcours entre liberté et exigence, instinct et rigueur, hip-hop et écriture contemporaine.Un récit profondément humain, au croisement de la danse, de l’identité et de la quête de sens.Pour aller plus loin👤 Artistes & influences– Thony Maskot — danseur hip-hop, figure des battles, influence dans ses débuts– Peter Goss — structure son regard et son exigence– Sébastien Lefrançois — premières grandes expériences scéniques (Roméos et Juliettes)– Sylvain Groud — travail en solo et exploration de l’interprétation (Elles, 2010)– Angelin Preljocaj — rencontre déterminante dans son rapport à la composition (Royaume Uni, 2012)🏛️ Institutions & contextes– Théâtre National de Chaillot — artiste associée plusieurs années– Festival Suresnes Cités Danse — plateforme majeure du hip-hop chorégraphique– Agora Montpellier — qu’elle co-dirige aujourd’hui🎭 Pièces mentionnées– Roméos et Juliettes — Sébastien Lefrançois– Elles (2010) — Sylvain Groud– Royaume Uni (2012) — Angelin Preljocaj🎬 Créations de Jann Gallois– 2012 — Fondation de la compagnie BurnOut– 2013 — P=mg– 2015 — Diagnostic F20.9🎥 À découvrir aussi :👉 Mon entretien avec Angelin Preljocaj : https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/angelin-preljocaj-quand-la-danse-parle-du-vivantet sur YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=4kSANZx_LQs&t=2041s🎧 Épisode disponible sur toutes les plateformes⭐ Abonnez-vous et laissez 5 étoiles pour soutenir le podcastHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce pas de côté des Sens de la Danse, Myriam Sellam revient sur trois figures majeures de la danse contemporaine africaine : Germaine Acogny, Nadia Beugré et Nora Chipaumire.Trois femmes. Trois trajectoires. Mais un même geste : ouvrir la voie.De la fondation de l’École des Sables par Germaine Acogny, à l’engagement physique et politique du corps chez Nadia Beugré, jusqu’à la radicalité et la désobéissance revendiquée par Nora Chipaumire, ce passage propose des repères essentiels pour comprendre comment la danse contemporaine africaine s’est construite — et transformée.Ces chorégraphes ont profondément déplacé la place du corps africain sur scène :un corps qui ne se contente plus d’être regardé, mais qui crée, pense et s’impose.Un éclairage précieux pour comprendre le parcours d’artistes d’aujourd’hui, comme Jolie Ngemi, et plus largement les enjeux de transmission, d’identité et de création dans la danse.🎧 Dans ce pas de côté, on parle notamment :– de la naissance de la danse contemporaine africaine– de l’École des Sables et de la transmission– du corps comme espace politique– des héritages coloniaux et du regard occidental– de figures féminines majeures dans la danse– de modèles et de filiation artistique🎧 Les Sens de la Danse est un podcast indépendant créé par Myriam Sellam, qui explore le pouvoir du mouvement à travers des récits d’artistes.🤍 Si ce contenu vous parle : abonnez-vous, likez, commentez et partagez.#dansecontemporaine #africandance #choregraphie #podcastfrancais#germaineacogny #nadiabeugre #norachipaumire #lessensdeladanseHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si la danse était une manière de rester debout ?Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Jolie Ngemi, danseuse et chorégraphe originaire de Kinshasa.Elle revient sur son parcours : ses débuts entre l’église et la rue, les interdits familiaux, sa rencontre déterminante avec Jacques BanaYanga, puis sa formation à P.A.R.T.S. à Bruxelles.Elle évoque aussi ses collaborations avec Boris Charmatz et David Zambrano, et la création de son spectacle MBOK’ELENGI.Au cœur de cet épisode : une idée forte — la joie comme résistance.Un échange sur le pouvoir de la danse, entre identité, transmission et création🎧 Un épisode sur ce que la danse permet : tenir, créer… et transformer.Si cet épisode vous parle :👉 Partagez-le autour de vous👉 Laissez un commentaire👉 Et attribuez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écouteC’est grâce à vous que ces récits continuent de circuler.📲 Pour prolonger la discussion :Instagram — @lessensdeladanse.podcastLES REPÈRES DE L’ÉPISODE🩰 Artistes & chorégraphes• Jolie Ngemi→ https://fr.wikipedia.org/wiki/Jolie_Ngemi• Jacques BanaYangaDanseur et chorégraphe congolais, mentor fondateur dans son parcours→ https://www.instagram.com/banayanga/• Germaine AcognyPionnière de la danse contemporaine africaine, fondatrice de l’École des Sables→ https://ecoledessables.org/germaine-acogny/• Nadia BeugréChorégraphe ivoirienne, connue pour un travail physique et engagé→ https://www.nadiabeugre.com/nadia-beugr%C3%A9• Nora ChipaumireChorégraphe zimbabwéenne, figure de la scène contemporaine internationale→ https://companychipaumire.com/🎓 Formation & institutions• P.A.R.T.S.École internationale de danse contemporaine à Bruxelles, fondée par Anne Teresa De Keersmaeker et Theo Van Rompay🤝 Collaborations• Boris CharmatzChorégraphe majeur de la scène contemporaine française (Danse de nuit, 10000 gestes)• David ZambranoChorégraphe et pédagogue reconnu pour son travail sur l’improvisation• Jolie (solo)Créé avec Ula Sickle (chorégraphe) et Yann Leguay (artiste sonore)🎵 Univers musical• BalojiArtiste belgo-congolais mêlant rap, poésie et identité diasporique→ https://fr.wikipedia.org/wiki/Baloji• Fally IpupaChanteur majeur de la scène congolaise contemporaine• DJ ArafatFigure emblématique du coupé-décalé→ https://fr.wikipedia.org/wiki/DJ_Arafat• Bill Clinton KalonjiChanteur et animateur musical congolais→ https://fr.wikipedia.org/wiki/Bill_Clinton_KalonjiHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si la danse ne servait pas seulement à s’exprimer… mais à révéler ce qui résiste ?Dans ce Pas de côté de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam explore un endroit plus discret du mouvement : celui de la faille.À partir du parcours de Suzanne Degennaro, danseuse et chorégraphe de la scène waacking, cet épisode interroge ce moment où le geste ne suffit plus, où quelque chose échappe, résiste — et devient précisément le point de bascule.Entre exigence technique, répétition, doute et transformation, la danse apparaît ici comme un espace de recherche plus que de maîtrise.Un endroit où le corps ne corrige pas immédiatement, mais apprend à rester, à traverser, à se déplacer.Un regard sensible sur ce que la danse peut révéler, au-delà de la performance. 🎧 Dans ce Pas de côté, on explore :– la faille comme moteur dans le travail du danseur– le rapport entre maîtrise, doute et transformation– le corps comme espace de recherche– le passage du geste maîtrisé au geste nécessaire– le lien entre pratique artistique et expérience intérieure Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : @lessensdeladanse.podcast Je vous souhaite une très belle écoute.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si la danse n’était pas seulement une forme… mais une exigence ?Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Suzanne Degennaro, artiste et chorégraphe, figure singulière du waacking en France.Formée au modern’ jazz, au hip-hop et au dancehall, elle traverse plusieurs esthétiques avant de rencontrer — presque par hasard — un langage qui va profondément transformer son rapport au corps : le waacking.Née dans les clubs queer de Los Angeles dans les années 1970, cette danse est à l’origine flamboyante, rapide, théâtrale. Mais chez Suzanne, elle devient un espace d’exploration intérieure, un terrain de recherche où le geste se dépouille pour toucher à quelque chose de plus essentiel.Dans cet échange, il est question d’un corps qui cherche, qui doute, qui travaille. D’un rapport exigeant au mouvement, à la précision, à la présence. D’un moment charnière où la danse ne sert plus à montrer… mais impose d’être là, pleinement.Nous évoquons également deux œuvres qui jalonnent son parcours : LIMBO, son solo, qui explore les zones de transition et d’entre-deux, et STUCK, création de Mounia Nassangar, présentée notamment au festival Groove’N’Move.Un épisode sur la faille, sur ce qui résiste, sur ces endroits où le corps vacille — et sur la manière dont la danse peut devenir un révélateur puissant de ce que nous traversons.🎧 Podcast créé et animé par Myriam Sellam.Si cet épisode vous parle :👉 Partagez-le autour de vous👉 Laissez un commentaire👉 Et attribuez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écouteC’est grâce à vous que ces récits continuent de circuler.📲 Pour prolonger la discussion :Instagram — @lessensdeladanse.podcastLES REPÈRES DE L’ÉPISODE🎭 Autour de la pièce STUCK• Mounia Nassangar — chorégraphe→ Écouter son épisode dans Les Sens de la Danse• Oumrata Konan — interprète @oumrata_k• Muteki — interprète @muteki_no_rena• Waabee — danseur et répétiteur @waabee__• Nicole Kufeld, Serena Freira, Carla Parcianello — interprètes💃 Figures et transmission du waacking• Josepha Madoki — figure majeure en France @princessmadoki• Arianne Brown — pionnière du waacking @arianebrown_🧠 Création & parcours• LIMBO — solo de Suzanne Degennaro→ exploration de l’identité et de l’entre-deux🧬 Corps, identité et engagement• Intersexuation — variation naturelle du corps humain (≈ 1,7 % de la population)• OII France (CIA-OII France) — collectif pour les droits des personnes intersexes🔗 Ressources & prolongements• L’Histoire du Waacking — un Pas de côté→ À écouter dans Les Sens de la Danse• Collectif Delacrèmehttps://www.instagram.com/delacreme.collectif/• Réseau Attitudeshttps://attitudeshiphopdance.eu/• Saïdo Lehlouhhttps://ccnrb.org/collectif-fair-e/membres/saido-lehlouh/Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce Pas de côté, on s’éloigne un instant de l’entretien pour explorer une question qui traverse l’épisode avec Sonia Duchesne :Pourquoi a-t-on appris aux femmes à immobiliser leur corps pendant la grossesse ?Longtemps, dans de nombreuses cultures, le mouvement du corps faisait partie de la préparation à la naissance. Pourtant, avec la médicalisation progressive de l’accouchement en Europe, la grossesse est devenue un moment où l’on demande souvent aux femmes de ralentir, se reposer, et parfois de ne plus bouger.Ce Pas de côté revient sur l’histoire de cette transformation du regard porté sur le corps enceinte, et sur les recherches de figures comme Bernadette de Gasquet ou Blandine Calais-Germain, qui ont remis le mouvement, la respiration et la biomécanique du bassin au cœur de l’accompagnement de la maternité.Un éclairage pour comprendre pourquoi aujourd’hui encore, des pratiques comme la danse prénatale ou le mouvement pendant la grossesse peuvent transformer la manière de vivre cette période.Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : @lessensdeladanse.podcast Je vous souhaite une très belle écoute.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, je reçois Sonia Duchesne, chorégraphe, professeure de danse et créatrice de la méthode MamDanse®.Formée à la danse classique, au jazz, au contemporain et au hip-hop, Sonia Duchesne a travaillé comme danseuse et chorégraphe au théâtre, à la télévision et au cinéma. Mais un moment va transformer profondément sa relation au mouvement : la maternité.Que devient un corps de danseuse quand il porte la vie ?Peut-on continuer à bouger, respirer, danser pendant la grossesse ?À partir de cette expérience intime, Sonia Duchesne développe MamDanse®, une approche qui accompagne les femmes pendant la grossesse, l’accouchement et le post-partum. Aujourd’hui, cette méthode est transmise dans des maternités, des cabinets de sages-femmes et des centres spécialisés, et fait également l’objet d’un parcours de formation certifié Qualiopi.Pour rendre cette approche accessible à toutes, même sans expérience de la danse, elle publie aussi le livre La danse prénatale.Dans cette conversation, nous parlons :– du premier souvenir de danse– du corps qui change pendant la grossesse– des idées reçues autour du corps enceinte– du mouvement comme ressource pendant l’accouchement– du lien entre danse, souffle et féminitéEt puis il y a la scène.En 2026, Sonia Duchesne signe la chorégraphie du spectacle Voltige, présenté au Théâtre du Petit Montparnasse jusqu’au 26 avril 2026. Le spectacle retrace le destin exceptionnel de Dorine Bourneton, seule survivante d’un crash d’avion à 16 ans, devenue la première femme paraplégique pilote de voltige au monde.Un épisode sur le pouvoir du mouvement dans les moments de transformation.🎧 Podcast créé et animé par Myriam Sellam. Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : @lessensdeladanse.podcast Je vous souhaite une très belle écoute.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce Pas de côté, Myriam Sellam propose un éclairage historique sur le waacking, une danse aujourd’hui présente dans les battles, les clips et les scènes contemporaines à travers le monde.Né dans les clubs queer afro-américains et latino de Los Angeles dans les années 1970, ce style — d’abord appelé punking — s’est développé au cœur de la culture disco et des communautés LGBTQ+ qui trouvaient dans ces espaces un lieu d’expression et de liberté.Cet épisode revient sur les origines du waacking, ses pionniers, son lien avec l’émission Soul Train, et la manière dont cette danse s’est construite entre performance, attitude et culture club.Il évoque également l’impact de l’épidémie de sida dans les années 1980, qui a profondément marqué cette génération d’artistes et failli faire disparaître cette culture.Un détour historique pour mieux comprendre l’histoire du waacking, aujourd’hui pratiqué dans le monde entier et porté par des artistes comme Mounia Nassangar, invitée de l’épisode principal.🎧 Les Sens de la Danse, le podcast de Myriam Sellam, explore le pouvoir du mouvement et les histoires que les corps racontent.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Mounia Nassangar, danseuse et chorégraphe, figure majeure du waacking en France et à l’international.Formée entre les battles, les clubs et les scènes contemporaines, Mounia Nassangar a contribué à faire rayonner cette danse née dans les clubs queer afro-latinos de Los Angeles dans les années 1970.Elle a notamment collaboré avec Jean Paul Gaultier, dansé dans des clips d’Aya Nakamura ou de Travis Scott, et développé un travail artistique singulier entre performance, mode et création chorégraphique.Dans cette conversation, elle revient sur son parcours, son rapport au waacking et sur un moment de rupture dans sa trajectoire : un burn-out qui donnera naissance à la pièce S.T.U.C.K, présentée notamment au festival Groove’N’Move .Un échange autour du corps, de la pression de la réussite et de la manière dont la danse peut parfois transformer une chute en puissance.Dans cet épisode, on parle notamment :– de waacking et de culture club– de battles et de transmission– de création chorégraphique– de burn-out et de reconstruction– de la danse comme langage de résistance 🎧 Podcast créé et animé par Myriam Sellam. Cet épisode est réalisé dans le cadre de mon partenariat média avec le festival Groove'N' Move qui se tient du 4 au 15 mars 2026 à Genève. Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : @lessensdeladanse.podcast Je vous souhaite une très belle écoute.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce Pas de côté de Les Sens de la Danse, je vous propose de remonter à l’une des racines du parcours de Amala Dianor : le sabar, danse et tradition rythmique majeure du Sénégal.Bien plus qu’une danse, le sabar est un espace de dialogue entre le danseur et les tambours, entre l’individu et le collectif. Une pratique vivante, sociale et festive, où l’écoute, la précision et l’énergie du cercle façonnent le mouvement.À travers cet éclairage, on comprend autrement certaines forces qui traversent le travail d’Amala Dianor aujourd’hui : la relation au rythme, le dialogue entre les cultures et cette idée de faire société par la danse, notamment dans sa pièce DUB.Je suis Myriam Sellam, journaliste et danseuse, et avec Les Sens de la Danse, j’explore le pouvoir du mouvement : ce que la danse révèle de nos corps, de nos histoires et du monde qui nous entoure.Si cet épisode vous plaît, abonnez-vous au podcast et n’hésitez pas à le partager autour de vous.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

« Mon ADN est purement hip hop. Ma structure, ma colonne vertébrale. »Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Amala Dianor, danseur et chorégraphe majeur de la scène française et internationale. Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse, et je vous propose ici une conversation profonde, intime et politique autour du pouvoir du mouvement. Né à Dakar, arrivé en France à 7 ans, Amala grandit entre sabar sénégalais, culture hip-hop, Michael Jackson et arts martiaux. Très tôt, la danse devient pour lui un langage, un refuge, un espace de liberté.De la télévision des années 80 à l’émission de Sidney, des battles en Haute-Savoie et à Angers, jusqu’au Centre national de danse contemporaine (CNDC), il traverse les esthétiques.Hip-hop, contemporain, néo-classique. Il refuse de choisir. Il refuse de s’enfermer.« Comment rester libre dans ma danse ? »Dans cette conversation, Amala revient sur :– Son enfance au Sénégal et la puissance du sabar– Son arrivée en France et le choc culturel– Le racisme et la prise de conscience dans le monde du travail– Son passage audacieux vers la danse contemporaine– Son désir de casser les frontières esthétiques– La naissance de sa compagnie en 2012– Et la création de DUB, pièce manifeste réunissant 11 danseurs venus de communautés urbaines du monde entierAvec DUB, Amala cherche à « recréer l’utopie du vivre ensemble sur scène ». Un spectacle lumineux, puissant, profondément politique. 🎟️ Vous pourrez retrouver Amala Dianor au festival Groove'N' Move le 7 mars, où il sera présent avec son travail — une occasion précieuse de voir cette énergie contagieuse sur scène. 🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires. Il est partenaire média du festival Groove’N’Move. Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : @lessensdeladanse.podcast Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce Pas de côté, on s’arrête un instant pour approfondir ce que la conversation avec Raïssa Lei a ouvert.Danseuse amazighe, elle nous a parlé de transmission, de deuil, d’identité.Mais au-delà de son parcours personnel, une question plus large apparaît :Que transmet-on quand tout vacille ? Comment le corps devient-il un lieu de mémoire ?À travers son récit, c’est toute la notion d’héritage culturel qui se dessine — non pas comme folklore figé, mais comme mouvement vivant.Ce Pas de côté propose une réflexion sur :– la mémoire incarnée– la transmission intergénérationnelle– le rôle du corps dans la construction identitaireParce que la danse n’est pas seulement un art.Elle est aussi un langage. Et parfois, un refuge.🎧 À écouter en complément de l’épisode avec Raïssa Lei, disponible sur toutes les plateformes.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Raïssa Leï, danseuse et chorégraphe qui fusionne le waacking, né dans les clubs queer afro-américains de Los Angeles, avec les danses amazighes traditionnelles du Maroc.Née à Paris, dans le 20ᵉ arrondissement, entre conservatoire, culture hip-hop et héritage nord-africain, elle crée un langage chorégraphique profondément identitaire.En 2017, elle fonde la compagnie Kif-Kif Bledi.En 2022, elle lance Timazighin, un projet dédié au matrimoine amazigh.Son travail interroge la transmission, la mémoire corporelle et la responsabilité de ne pas laisser disparaître une culture.Dans cet épisode, nous parlons :– de danse et d’identité– de waacking et de réappropriation culturelle– de matrimoine amazigh– de transmission intergénérationnelle– de mémoire inscrite dans le corpsUne conversation intime et politique sur ce que signifie continuer.🎧 Les Sens de la Danse est un podcast animé par Myriam Sellam, journaliste et passionnée de danse, qui explore le pouvoir du mouvement à travers des artistes aux parcours singuliers.👉 Abonnez-vous pour ne manquer aucun épisode.⭐ Et si le podcast vous touche, laissez un avis : cela aide ces voix à circuler. Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, Myriam Sellam explore une question essentielle : le hip-hop est-il vraiment une culture réservée à la jeunesse ?Né en 1973 dans le Bronx à New York avec les block parties de DJ Kool Herc et d’Afrika Bambaataa, le hip-hop a aujourd’hui plus de cinquante ans. Des pionniers du breaking, du popping et du locking aux juges de battles contemporains, une génération entière continue d’influencer la scène internationale.À travers des repères historiques — de l’émission H.I.P H.O.P en France dans les années 1980 à l’entrée du breaking aux Jeux Olympiques de Paris 2024 — cet épisode analyse l’évolution d’une culture née dans la rue et devenue patrimoine vivant.Que devient le corps hip-hop avec l’âge ? Comment la transmission s’organise-t-elle entre générations ?Le hip-hop est-il une culture “jeune” ou une culture du renouvellement ?Un éclairage historique et culturel pour mieux comprendre l’épisode consacré à Sébastien Boucher, danseur, chorégraphe et fondateur du festival Groove’N’Move à Genève.🎙 Les Sens de la Danse explore le pouvoir du mouvement comme outil de transformation, de transmission et de dialogue entre les mondes.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Ça commence par un cercle.Un cercle de danse hip-hop, au milieu d’un club de boxe.Des corps différents, des styles, des identités. Une énergie brute, instinctive.Et la sensation qu’à l’intérieur de ce cercle, quelque chose peut changer.Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, je reçois Sébastien Boucher — danseur, chorégraphe, programmateur et fondateur Groove’N’Move, festival des danses urbaines à Genève.Figure de la scène underground depuis les années 90, il a vu le hip-hop évoluer des cercles et des battles vers les scènes institutionnelles, les musées et les grandes salles de spectacle.Son parcours raconte cette traversée : de la rue aux institutions, de l’énergie brute à la programmation culturelle,du collectif spontané à la transmission organisée.Avec lui, on parle :– des premiers cercles et de la culture hip-hop– de la différence entre battle et rituel– de la place du hip-hop dans les institutions culturelles– de transmission intergénérationnelle– et de la naissance d’un festival devenu une véritable plateforme internationale : Groove’N’Move, qui célèbre en 2026 sa 16e édition et se tiendra du 4 au 15 mars à Genève.Un épisode sur le pouvoir de la danse à relier les mondes, à décloisonner les territoires et à faire vibrer une ville entière.🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires. Il est partenaire média du festival Groove’N’Move. Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce Pas de côté des Sens de la Danse, retour sur une histoire souvent méconnue : celle de la danse auprès des corps fragilisés.Danser à l’hôpital, au chevet, auprès de personnes malades ou âgées… Cette pratique n’est pas née d’hier.Dès les années 1960–70, des artistes comme Anna Halprin remettent en question l’idée du corps idéal et ouvrent la danse à des corps réels, vulnérables, traversés par la vie.Dans les années 1990, la community dance au Royaume-Uni affirme une autre vision : la danse comme lien social, comme espace de présence et de participation, loin de la seule performance.Comment ces mouvements ont-ils transformé notre regard sur le corps dansant ?En quoi la danse peut-elle devenir un espace relationnel, sans se substituer au soin médical ?Ce Pas de côté propose des repères historiques et internationaux pour mieux comprendre comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour rejoindre tous les corps — quels qu’ils soient.🎙 Un éclairage complémentaire à l’épisode avec Aude Michon.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, Aude Michon raconte comment la danse a progressivement quitté les scènes traditionnelles pour s’inscrire dans des lieux inattendus, notamment à l’hôpital, auprès de personnes touchées par le cancer.Danseuse et chorégraphe, fondatrice de l’association Elles Dansent, Aude Michon revient sur son parcours personnel, ses choix professionnels, les renoncements nécessaires, et la manière dont son rapport à la danse s’est transformé au fil du temps.Au cœur de cet échange d’une heure, il est question de danse à l’hôpital, de présence au chevet des patientes, mais aussi des enjeux éthiques liés à l’intervention artistique dans les contextes de soin. Comment danser avec des corps fragilisés ? Que peut — ou ne peut pas — la danse face à la maladie ? Où se situe la frontière entre art, accompagnement et soin ?Aude Michon partage également les réalités concrètes de son travail : l’adaptation aux lieux, la relation avec les équipes soignantes, la place du silence, et la nécessité de repenser la notion même de scène.🔗 POUR ALLER PLUS LOIN🎥 Découvrir le reportage Elles Dansent, réalisé auprès de femmes touchées par la maladie et mentionné dans cet épisode :👉https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/episode-special-octobre-rose-elles-dansent-quand-la-vie-fait-un-pas-de-coteUn épisode qui interroge la danse hors des théâtres, la place du corps vulnérable dans l’histoire de la danse, et ce que le mouvement peut encore transmettre dans des contextes où rien n’est acquis.🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des conversations approfondies avec des artistes, danseurs et chorégraphes, et questionne ce que la danse transforme dans les corps et les trajectoires.Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Créé en 1994 pour le Ballet de l’Opéra de Paris, Le Parc est l’une des œuvres les plus emblématiques du chorégraphe Angelin Preljocaj. Une pièce entrée au répertoire, régulièrement reprise depuis plus de trente ans, et qui sera à nouveau présentée à l’Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026.Dans ce pas de côté, nous prenons quelques minutes pour éclairer cette œuvre majeure : son contexte de création, ses thèmes, et les raisons pour lesquelles Le Parc continue de nous parler aujourd’hui.Inspirée de l’imaginaire des jardins à la française et portée par la musique de Mozart, la pièce explore les jeux de séduction, le désir, le regard et la relation à l’autre.Loin d’un récit amoureux idéalisé, Le Parc propose une véritable cartographie du désir : un désir observé, retenu, négocié, inscrit dans les corps et dans le temps.À travers des scènes devenues iconiques — notamment celle du baiser suspendu — Le Parc interroge la confiance, le consentement et l’abandon, avec une écriture chorégraphique où la lenteur et la précision font émerger une tension rare.Pourquoi cette œuvre traverse-t-elle les époques ? Parce que notre regard sur l’amour, sur les relations et sur les corps a changé — et que Le Parc change avec nous. Un éclairage sensible et accessible, pour mieux entrer dans l’univers d’Angelin Preljocaj et dans la conversation qui suit.🎙️ Les Sens de la Danse — le podcast qui explore ce que la danse fait à nos vies.Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je reçois Angelin Preljocaj pour une conversation au long cours sur la danse comme langage du vivant, du temps et de la relation à l’autre.Il revient sur son enfance, l’exil de ses parents albanais, et la manière dont ces histoires ont façonné son rapport au corps, à la rigueur et au cadre.Au fil de l’entretien, il évoque sa formation — de Karin Waehner à Merce Cunningham — et la construction d’une écriture chorégraphique exigeante et profondément structurée. Une danse où la contrainte n’enferme jamais le geste, mais crée les conditions de son surgissement. Il parle de la danse comme d’un art « très puissant », capable de dire ce que les mots ne savent pas formuler, et de relier les corps à l’espace et au temps.L’épisode explore son processus de création, la place du collectif, les collaborations artistiques, et la transmission de la danse dans des contextes variés : prisons, hôpitaux, écoles, espace public. Une conviction traverse tout l’échange : la danse est un acte de relation, profondément ancré dans le réel, et une manière d’aller vers l’autre.Angelin Preljocaj aborde également le temps long, la finitude, et son rapport à la mort à travers Requiem(s), une pièce pensée non comme une représentation de la disparition, mais comme une manière de réaffirmer le vivant.Alors que la pièce Le Parc, créée en 1994, sera reprise à l’Opéra Garnier du 3 au 25 février 2026, cet épisode propose un retour sur Angelin Preljocaj, en explorant l’origine du geste, la pensée du corps et ce que la danse permet de dire.Un épisode dense pour entrer au cœur de l’œuvre d’un chorégraphe majeur — au plus près de ce qui le met en mouvement.Si cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Cet épisode a été enregistré au Théâtre des Champs-Élysées, que je remercie chaleureusement pour son accueil et la mise à disposition d’un espace de travail, propice à cet échange.Photo: Julien BengelHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode, Les Sens de la Danse fait un pas de côté vers l’une des institutions majeures du ballet mondial : l’American Ballet Theatre.Compagnie mythique basée à New York, l’American Ballet Theater incarne une vision du ballet à la fois exigeante, vivante et profondément ouverte, où les traditions classiques dialoguent avec la création contemporaine, les identités multiples et le monde d’aujourd’hui.À travers ce détour, l’épisode interroge ce que représente une grande institution chorégraphique : un lieu de transmission, de renouvellement, mais aussi de mouvements intérieurs, de choix artistiques et de chemins singuliers.Un pas de côté pour regarder la danse autrement. Pour comprendre comment une maison emblématique peut devenir un espace de respiration, d’évolution et de liberté du corps.🎙️ Un épisode qui s’adresse autant aux passionnés de ballet qu’à celles et ceux qui aiment explorer ce que la danse raconte du monde.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode de Les Sens de la Danse, Myriam Sellam reçoit Thibaut Eiferman, danseur et chorégraphe contemporain au parcours international, passé par certaines des institutions les plus prestigieuses du monde de la danse.Formé à l’American Ballet Theatre à New York, puis au San Francisco Conservatory of Dance, Thibaut Eiferman a construit son langage chorégraphique entre rigueur classique et recherche contemporaine. Il a dansé au sein de compagnies majeures comme Ballet BC au Canada, Ate9 à Los Angeles, avant de rejoindre Batsheva en Israël, la compagnie mythique dirigée par Ohad Naharin.Dans cette conversation au long cours, il revient avec sincérité sur son parcours non linéaire, les déplacements géographiques, les remises en question, et la manière dont la danse est devenue pour lui bien plus qu’un métier : une nécessité vitale. Il évoque sa découverte du Gaga, ce langage du mouvement fondé sur la sensation, l’écoute du corps et la vérité du geste, qu’il enseigne aujourd’hui en France et à l’international.Thibaut parle aussi de sa pièce HHH (Hand, Heart, Head), création primée à l’international, née d’un geste presque punk, interrogeant les normes du corps, la masculinité et le rapport à l’autorité. Il partage enfin sa recherche actuelle, au croisement de la danse et des arts visuels, menée dans le cadre d’une résidence à la Cité internationale des arts et à l’Académie des Beaux-Arts, autour de la gravité, de la matière et de la fragilité.Un épisode  sur le pouvoir de la danse, le corps comme lieu d’ancrage, et le mouvement comme espace de vérité. 🎧 Les Sens de la Danse, le podcast qui explore le pouvoir du mouvement. Photo: Quentin ChevrierSi cet épisode vous inspire,👉 partagez-le, laissez un message et mettez-lui 5 étoiles sur votre plateforme d’écoute. C’est grâce à vous que la danse continue de voyager. Et pour prolonger la discussion, rejoignez-moi sur Instagram : https://www.instagram.com/lessensdeladanse.podcast/Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce pas de côté, on s’attarde sur un détail discret du monde de l’Opéra, souvent invisible pour le public, mais profondément révélateur : la loge.À travers ce détour par les coulisses, il ne s’agit pas d’expliquer, ni de commenter, mais de déplacer le regard. De s’interroger sur ce que certains espaces racontent d’un métier, d’un statut, d’un passage.La loge n’est pas ici un lieu anodin. Elle dit quelque chose du rapport au corps, au temps, à l’attente.Elle marque une frontière, un avant et un après.Ce pas de côté invite à écouter autrement l’épisode, à prêter attention à ce qui ne se voit pas sur scène et à ce que ces zones silencieuses disent de la danse, de l’engagement, et de la place que l’on occupe.Un moment à part, pour rappeler que dans la danse, ce sont parfois les marges qui éclairent le centre.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

En mars 2024, Roxane Stojanov acceptait de répondre à mes questions pour la toute première fois dans Les Sens de la Danse.C’était le premier épisode du podcast. Elle était alors Première danseuse à l’Opéra national de Paris. Quelques mois plus tard, le 28 décembre 2024, à l’issue d’une représentation de Paquita sur la scène de l’Opéra Bastille, son nom est prononcé devant le public.Roxane Stojanov est nommée Danseuse Étoile.Un an après cette nomination, je la reçois à nouveau. Pour prendre le temps. Faire un point.Et regarder ce que devenir Étoile change vraiment — et ce que cela ne change pas.Dans cet entretien, Roxane Stojanov parle du travail, du corps, des rôles qui comptent, du regard qui évolue.Et elle fait une confidence, rare, intime, qui éclaire autrement son parcours et cette année charnière.👉 Retrouvez ici le premier épisode avec Roxane Stojanov (mars 2024) :https://smartlink.ausha.co/lesensdeladanse/roxane-stojanov-premiere-danseuse-de-l-opera-national-de-parisSi cet épisode vous a touché, interrogé ou accompagné, pensez à vous abonner aux Sens de la Danse sur votre plateforme d’écoute ou sur YouTube et à partager vos impressions.Un podcast de Myriam Sellam.Photo: © James BortHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce pas de côté, Les Sens de la Danse propose un éclairage historique sur la danse, envisagée comme pratique collective et espace de rassemblement à travers différentes époques et contextes.De l’Afrique de l’Ouest aux Amériques,des danses sociales afro-américaines aux cultures urbaines,ce segment replace certaines formes de danse dans une histoire plus large, souvent peu visible : celle de pratiques développées en dehors des institutions, dans des lieux accessibles, temporaires, partagés.Sans interprétation ni conclusion,ce pas de côté apporte des repères factuels pour comprendre comment la danse s’est transmise par les corps, le mouvement et l’expérience collective, bien avant d’être codifiée ou institutionnalisée.Un temps de contextualisation pour mieux saisir ce que la danse met en jeu lorsqu’elle devient un lieu de rencontre, de continuité et de transmission.🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir du mouvement à travers des parcours, des pratiques et des regards croisés sur la danse aujourd’hui.Disponible sur toutes les plateformes d’écoute.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cette deuxième partie de l’entretien avec Pauline Terestchenko, cofondatrice de S.W.A.G. Studio, nous entrons au cœur de ce que la danse peut produire lorsqu’elle est pensée comme une expérience collective.À travers S.W.A.G., la danse dépasse le cadre du studio pour devenir un espace de rencontre, un cadre commun, et un outil de lien entre des personnes aux trajectoires très différentes.Dans cet épisode, il est question de :
– programmes sociaux menés auprès d’enfants placés et de publics en situation de handicap
– travail avec des artistes venus d’ailleurs
– occupation de l’espace public par la danse
– création d’événements mêlant mouvement, parole et expérience partagée
– naissance d’une compagnie, comme prolongement artistique du projet
– place du corps et du collectif, loin des carcans et des rôles assignésPauline revient également sur la manière dont ce projet, construit dans l’indépendance, a trouvé un écho plus large, jusqu’à donner lieu à une prise de parole au format TEDx, pour mettre en mots ce que la danse rend possible sur le terrain.Un échange qui montre comment la danse, lorsqu’elle est prise au sérieux, peut :
– créer des cadres
– faire circuler du lien
– ouvrir des espaces communs
– et proposer une autre manière d’être ensemble, qui ne passe pas d’abord par les mots🎧 Les Sens de la Danse est un podcast qui explore le pouvoir de la danse à travers des parcours, des pratiques et des expériences sensibles, sociales et artistiques.👉 Abonnez-vous pour ne pas manquer les prochains épisodes
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Très belle écouteHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Et si la danse était plus qu’un art ou un spectacle ?Et si elle devenait un espace où l’on peut simplement arriver avec un corps ?Dans ce Pas de côté, Les Sens de la Danse propose une parenthèse pour prendre du recul et prolonger l’épisode du dimanche.Une réflexion sensible et accessible sur la danse comme espace d’accueil, de rencontre et de relation, au-delà des mots, des statuts ou des parcours.Un format court, pensé comme un écho à l’épisode principal, pour explorer ce que le mouvement permet quand on le regarde autrement.🎧 Un Pas de côté à écouter comme une respiration, pour élargir le regard et ouvrir la réflexion.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode, je reçois Pauline Terestchenko, cofondatrice avec Chloé Louisin de S.W.A.G. Studio (Share What Art Gives).Un lieu né en 2021, en plein confinement, dans le sous-sol d’une colocation.Un lieu où la danse n’est ni un spectacle, ni une compétition, mais un acte de lien, un geste pour se rencontrer, un moyen de faire société.À travers son parcours, Pauline raconte ce que signifie écouter une voix intérieure, oser y croire, et surtout choisir de ne pas construire seule.Avec Chloé, elle porte une conviction simple et puissante, formulée un jour par ces mots :« Nous ne vivons pas une crise migratoire.Nous vivons une crise de l’accueil. »Chez S.W.A.G., la réponse aux frontières, aux exclusions et aux étiquettes collées aux corps est d’une simplicité presque désarmante :dansons.Danser pour se rassembler, même sans se ressembler.Danser pour se libérer de ce qui enferme.Danser pour être ensemble.Aujourd’hui, S.W.A.G. existe à Paris et Marseille, avec des professeurs venus du monde entier, des élèves de tous âges, des corps qui doutent, qui osent, qui se redressent.Et une conviction profonde : la danse peut changer une trajectoire — parfois même une vie.🎧 Dans cette première partie, nous posons les fondations :la naissance de S.W.A.G. Studioles intentions et les convictions du projetle chemin parcouru depuis le sous-sol jusqu’à aujourd’huiHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

À l’aube d’une nouvelle année, Les Sens de la Danse propose un temps de pause.Un temps pour réfléchir à ce qui nous relie. À ce qui nous élève. À ce qui, par les temps qui courent, reste essentiel.Dans cet épisode voix seule, il est question de mouvement comme langage premier, de danse comme geste ancien, collectif, presque rituel.Un geste qui traverse les âges, accompagne les passages et continue d’exister quand tout se durcit.Sans analyse, sans témoignage, ce texte explore ce que la danse permet encore aujourd’hui : rester ouvert, maintenir du lien, préserver un espace de liberté et de vivant.Un épisode de fin d’année,comme un vœu discret adressé au corps, au mouvement, au commun.Si cet épisode vous touche, n’hésitez pas à vous abonner à Les Sens de la Danse et à soutenir le podcast.Très belles fêtes de fin d'année et rendez-vous dimanche prochain pour ouvrir ensemble une nouvelle saison.Je vous souhaite une très s belle écoute,Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

À l’approche de la fin de l’année, Les Sens de la Danse fait une pause.
Un temps pour relier.
Un temps pour remercier.
Un temps pour écouter ce qui reste.Cet épisode n’est ni un bilan, ni un best-of. 
C’est un moment, 
un geste de reconnaissance 
pour toutes celles et ceux qui ont accepté de partager leur parcours, leur regard, leur rapport au mouvement au fil de l’année 2025.Merci à
France Schott Billmann,
Svetlana Panova,
Aurélien Lehmann,
Sofiane Chalal,
Jemi Van Dijk,
Veronica Christiny,
Nelson Ewandé,
Queensy,
Cédric Andrieux,
Yann Antonio,
Andrea Sarri,
Aurélia Monaco,
Claire Francisci-Ducret,
Bruce Ykanji,
Aurélie Lili Boo,
Karl Paquette,
Fabienne Haustant,
et Ruben Molina.Autant de voix singulières.
Autant de manières d’habiter le corps, la danse, le monde.Si certains épisodes vous ont marqué,
 si d’autres vous ont échappé,
 c’est peut-être le moment de les (ré)écouter,
de vous laisser traverser à nouveau par ces récits,
ces gestes,
ces élans.Et si Les Sens de la Danse résonne pour vous,
 n’hésitez pas à vous abonner au podcast
pour continuer à explorer, ensemble,
le pouvoir du mouvement.Un épisode pour fermer l’année en douceur,
et laisser résonner
 les Sens de la danse.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce Pas de côté du podcast Les Sens de la Danse, je vous propose une plongée dans l’histoire du flamenco, un art né en Andalousie au XVIIIᵉ siècle, à la croisée des cultures gitanes, arabes, juives et populaires espagnoles.Cette capsule audio revient sur les origines du flamenco, son développement dans les cafés-concerts, la structuration des styles flamencos, et le rôle essentiel de la transmission à travers les écoles, les conservatoires et les lieux emblématiques de formation.Pensée comme un repère pédagogique, cette capsule permet de mieux comprendre le flamenco contemporain, son évolution, et la manière dont les artistes d’aujourd’hui s’inscrivent dans une histoire longue, vivante et en constante transformation.Un contenu idéal pour celles et ceux qui souhaitent découvrir le flamenco, approfondir leur culture chorégraphique, ou enrichir leur écoute des épisodes consacrés à la danse flamenca.🎙️ Les Sens de la Danse est un podcast sur la danse imaginé et animé par Myriam Sellam, journaliste et danseuse passionnée, dédié au pouvoir du mouvement, à la transmission artistique et aux parcours de danseurs et chorégraphes.👉 Abonnez-vous au podcast Les Sens de la Danse pour recevoir chaque nouvel épisode👉 Laissez un avis et des étoiles sur votre plateforme d’écoute : c’est essentiel pour soutenir le podcast et améliorer sa visibilité👉 Podcast disponible sur Spotify, Apple Podcasts, Deezer et toutes les plateformes d’écouteTrès belle écouteHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode des Sens de la Danse, je vous invite à entrer sous la peau du flamenco à travers le parcours de Rubén Molina, danseur et chorégraphe né à Cordoue, au cœur de l’Andalousie. Rubén appartient à cette génération d’artistes qui portent la tradition tout en la transformant, en la faisant dialoguer avec le monde d’aujourd’hui. Son histoire traverse les grandes écoles espagnoles, les studios mythiques, les tournées internationales, les collaborations inattendues et ce rapport au mouvement qui ne l’a jamais quitté.Rubén grandit dans une Andalousie où la danse se vit avant de se penser, où le corps devient expression, refuge, liberté. Très jeune, il comprend que le geste peut raconter ce que les mots ne savent pas dire. Cette intuition le conduit d’abord au Conservatoire de Cordoue, puis au Conservatoire supérieur de Madrid, où il explore la rigueur du flamenco technique autant que son intensité émotionnelle.Il poursuit sa formation à Amor de Dios, studio emblématique du flamenco contemporain, lieu de passage où se croisent maîtres, danseurs et chercheurs du mouvement. Là, il apprend à écouter son corps autrement : dans la verticalité, dans le compás, dans la tension du regard, dans cette manière unique qu’a le flamenco de raconter la vie.Rubén élargit ensuite ses horizons en partant à Londres, au contact de la danse contemporaine. Cette rencontre transforme radicalement son approche : son flamenco devient un espace plus ouvert, plus poreux, où se rencontrent l’ancrage andalou et la liberté du contemporain. Au fil de sa carrière, il danse dans des compagnies espagnoles, voyage, crée, et multiplie les collaborations artistiques, notamment avec Christian Louboutin, mêlant la scène au monde de la mode et de l’image.Dans cet épisode, Rubén raconte son chemin, ses passages, ses blessures, les moments de rupture et ceux qui ont tout réinventé. Il parle aussi de La Salida, son œuvre la plus intime : une pièce sur la transformation, la mémoire, les femmes qui ont marqué son parcours, et ces portes que l’on franchit pour se rapprocher un peu plus de soi.C’est une conversation menée par Myriam Sellam, où on traverse l’histoire du flamenco, la création contemporaine, la transmission, l’identité, et ce lien essentiel entre le corps et la vie. Une rencontre qui dévoile ce que la danse peut ouvrir : un espace intérieur, un territoire sensible, un mouvement vers soi.Si cet épisode résonne pour vous, je vous invite à vous abonner au podcast et à laisser un avis. Votre soutien est précieux : il permet à ce projet indépendant de continuer à vivre, à grandir et à faire rayonner les voix de celles et ceux qui donnent sens à la danse.Très belle écoute, Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cette capsule d’Un Pas de Côté, je vous propose de prendre un instant pour comprendre ce que représente réellement le titre de Chevalier des Arts et des Lettres, une distinction que Fabienne Haustant a reçue pour son engagement artistique et humain.D’où vient cet ordre honorifique ?Quelle est son histoire ?À quoi sert-il aujourd’hui dans le paysage culturel français ?Et qu’est-ce que cela signifie, concrètement, pour une artiste ou un artiste qui le reçoit ?Entre repères historiques, enjeux symboliques et éclairage sur la place de la danse dans cette reconnaissance institutionnelle, cette capsule vous offre une mise en perspective accessible et référencée — un pas de côté pour mieux saisir l’importance de cette distinction dans un parcours artistique.Je suis Myriam Sellam, et chaque semaine dans Les Sens de la Danse, je vous accompagne au cœur des mouvements qui façonnent la création.👉 Pour soutenir le podcast, pensez à vous abonner et à laisser une note sur votre plateforme d’écoute.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce deuxième épisode de Les Sens de la Danse, Fabienne Haustant, danseuse malvoyante et créatrice des ateliers Danse les yeux fermés, partage avec Myriam Sellam un moment clé de son parcours : sa participation à La France a un incroyable talent. Elle raconte la douleur physique qui la traverse ce jour-là, l’improvisation imposée par une sciatique, le trac, la gestion de l’espace en situation de handicap visuel, et l’arrivée inattendue de Kamel Ouali à ses côtés sur scène.Cet épisode explore aussi :• la création de son spectacle ,• son lien avec le Krump et l’improvisation,• la manière dont elle adapte son corps et sa danse à la malvoyance,• son engagement artistique auprès de publics variés,• et la reconnaissance institutionnelle qui marque une étape importante : son titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres.À travers ce dialogue intime et inspirant, Les Sens de la Danse interroge la résilience, la perception du mouvement, la scène, la visibilité et le rôle du corps dans les parcours artistiques.Un épisode essentiel pour comprendre comment la danse peut rester un espace de liberté, même dans les moments de fragilité.Présenté et réalisé par Myriam Sellam.👉 Pour soutenir le podcast, pensez à vous abonner et à laisser 5 étoiles : cela fait une vraie différence et aide Les Sens de la Danse à toucher encore plus d’auditeurs. Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans Un Pas de Côté, je vous propose un voyage à travers le temps, loin des studios modernes et des pratiques contemporaines, pour découvrir que danser les yeux fermés n’a rien d’une invention récente.Bien avant les ateliers sensoriels d’aujourd’hui, fermer les yeux pour bouger était un moyen d’entrer dans un autre état : un rituel pour écouter le souffle, une porte vers l’intuition, un moyen de sentir le monde plutôt que de le regarder.Dans ce récit immersif, nous remontons aux danses des derviches tourneurs, aux pratiques chamaniques, aux rituels africains et polynésiens, mais aussi aux méthodes somatiques qui ont transformé la danse au XXᵉ siècle. Nous explorons comment l’obscurité, l’absence de vision et le lâcher-prise ont façonné des traditions entières, souvent oubliées aujourd’hui.Fermer les yeux, c’est réapprendre à sentir. C’est retrouver une liberté ancestrale. C’est danser loin du regard, avec le corps comme seule boussole.Une capsule pour enrichir l’épisode consacré à Fabienne Haustant, et comprendre pourquoi sa démarche résonne avec des pratiques bien plus anciennes qu’on ne l’imagine.Bienvenue dans Un Pas de Côté, je suis Myriam Sellam, et je vous emmène sur les traces d’une danse instinctive, intime et profondément humaine.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Il existe des artistes qui bouleversent notre manière de comprendre la danse.Des artistes qui ne cherchent ni la perfection ni la performance, mais la vérité d’un geste.Fabienne Haustant fait partie de ceux-là.Malvoyante depuis l’enfance, elle a appris à ressentir avant de voir, à écouter avant de regarder, à laisser son corps parler lorsqu’il n’y avait plus de mots.Sa danse n’est pas un style : c’est un langage intérieur.Un souffle.Une pulsation.Une manière d’habiter le monde autrement — de l’intérieur, littéralement.Dans ce premier épisode, je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse, et je plonge avec Fabienne dans ce lien viscéral au mouvement, né très tôt dans une enfance fracturée où la danse a été un refuge autant qu’un instinct de survie.Fabienne raconte son rapport singulier à l’espace, à la perception, à l’intuition, et cette énergie brûlante qui l’a accompagnée toute sa vie.Ensemble, nous évoquons :• sa manière unique de percevoir le monde avec un champ visuel fragmenté,• son lien intime à la danse comme ancrage, comme respiration,• l’enfant intérieurement vieille qu’elle était déjà, et la femme puissamment vivante qu’elle est devenue,• son humour, son instinct, son autodérision,• et cette décision folle, un jour, de créer Danse les yeux fermés : une approche où la vue s’efface pour laisser place à la sensation.Ce premier épisode est une plongée dans la source : dans ce que la danse révèle lorsque l’on cesse de vouloir être regardé, dans ce qu’elle transforme lorsqu’on s’autorise, simplement, à bouger pour soi.Une rencontre puissante, sensible et bouleversante, qui interroge nos perceptions et notre rapport au corps.La suite du parcours de Fabienne — ses scènes inattendues, ses rencontres déterminantes, son passage à La France a un incroyable talent, son expérience auprès de Kamel Ouali, la création d’un spectacle dans le noir et son titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres — vous attendra dans la seconde partie.Bienvenue dans Les Sens de la Danse. Je suis Myriam Sellam, et je vous emmène à la rencontre de celles et ceux qui dansent… même quand le monde semble leur dire le contraire.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Avant d’écouter Karl Paquette évoquer sa manière d’aborder La Belle au Bois dormant dans son travail de transmission, cette capsule propose un pas de côté indispensable : comprendre l’héritage de ce ballet avant d’entendre celui qui le fait vivre aujourd’hui.Je suis Myriam Sellam, journaliste et créatrice du podcast Les Sens de la Danse.Dans cet épisode court, je remonte aux origines de l’œuvre, à son contexte de création et aux repères historiques qui éclairent encore sa lecture actuelle. Il ne s’agit pas de raconter l’intrigue ni de révéler les scènes emblématiques, mais de tracer les lignes de force qui expliquent pourquoi La Belle au Bois dormant est devenue un monument du répertoire classique — un ballet dont la structure, l’esthétique et la tradition continuent d’influencer celles et ceux qui le transmettent.Cette mise en perspective prépare l’écoute de l’entretien avec Karl Paquette : elle replace son regard dans une histoire qui le dépasse et lui donne toute sa résonance. Ce que l’on comprend d’un ballet change quand on connaît d’où il vient — et ce qu’il continue de porter.Si ce format vous plaît, abonnez-vous à Les Sens de la Danse sur votre plateforme d’écoute pour découvrir d’autres capsules et entretiens inédits autour de ceux qui font vivre la danse aujourd’hui.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cette deuxième partie consacrée à Karl Paquette, danseur Étoile emblématique de l’Opéra national de Paris, je vous invite à plonger au cœur de ce que la scène révèle lorsque les projecteurs s’éteignent et que l’artiste se raconte enfin.Ce nouvel épisode explore les émotions de scène, le rapport intime à la responsabilité d’un rôle, la confiance absolue du partenariat, les soirs où tout bascule… et ce moment unique du 31 décembre 2018, où Karl fait ses adieux dans Cendrillon après vingt-cinq années de carrière à l’Opéra de Paris. Un témoignage rare, subtil, profondément humain.Karl revient aussi sur la transmission, son métier de pédagogue à l’École de danse de l’Opéra, et sur son lien singulier avec les jeunes danseurs.Il évoque également son travail autour du conte et de la dramaturgie, notamment à travers La Belle au bois dormant, une œuvre qui traverse toute l’histoire du ballet et qui continue d’inspirer de nouvelles générations de spectateurs.Au fil de cet épisode, vous entendrez :• comment un danseur Étoile vit ses dernières représentations,• ce que la scène lui a appris sur lui-même,• comment on transmet un héritage sans le figer,• pourquoi certains conseils reçus en studio peuvent façonner une carrière entière,• et combien la danse peut encore toucher celles et ceux qui découvrent leur premier ballet, parfois à 7 ans… ou à 80 ans.Entre confidences, rire, précision technique et réflexions profondes, ce second volet offre une plongée unique dans l’univers de l’Opéra de Paris, entre tradition, exigence et liberté intérieure.Si ce podcast vous touche et que vous souhaitez soutenir le travail éditorial derrière Les Sens de la Danse, abonnez-vous et laissez 5 étoiles ainsi qu’un avis sur votre application d’écoute : c’est le meilleur moyen de faire rayonner ces voix et ces histoires.🎧 Les Sens de la Danse, un podcast de Myriam Sellam pour comprendre le pouvoir infini du mouvement.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans ce nouvel épisode de Un pas de côté, je vous propose un instant à part.Un hommage discret, mais essentiel, à une grande figure de l’Opéra national de Paris : Patrice Bart, maître de ballet, ancien danseur étoile, chorégraphe, pédagogue d’exception, disparu le 6 octobre 2025.À travers ce portrait, je reviens sur son rôle unique dans la Maison, sur son héritage artistique — façonné auprès de Rudolf Noureev, nourri par des décennies de transmission — et sur l’empreinte indélébile qu’il laisse dans la danse française.Mais surtout, vous entendrez combien il a compté pour Karl Paquette, danseur étoile invité de cette saison.Comment un conseil, une phrase, une façon de regarder un danseur peut changer une carrière.Comment l’œil d’un maître peut réorienter une vie entière.Un épisode pour tous ceux qui aiment l’Opéra de Paris, son histoire, ses figures silencieuses mais essentielles.Un épisode pour celles et ceux qui veulent comprendre comment se construit un danseur, comment se transmet une tradition, comment un geste se perpétue.Sans tout dévoiler, vous y trouverez :• des repères historiques,• des souvenirs précis,• une parole rare sur l’art du maître de ballet,• et un hommage profondément humain.🎧 Abonnez-vous pour ne pas manquer la suite de cette série spéciale.⭐ Laissez 5 étoiles si ce contenu vous touche : cela aide vraiment le podcast à grandir.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Dans cet épisode je reçois Karl Paquette, danseur étoile emblématique du Ballet de l’Opéra de Paris.Un artiste dont le parcours force l’admiration : nommé Étoile le 31 décembre 2009 après un Casse-Noisette de Rudolf Noureev, il a marqué plus de vingt-cinq années de scène par sa générosité, sa rigueur et un lien unique avec le public.Dans cette première partie, Karl revient sur :✨ Ses débuts : de l’expression corporelle au studio de Max Bozzoni, figure essentielle de la danse classique.✨ Son entrée à l’École de danse de l’Opéra à 10 ans, sous la direction de Claude Bessy.✨ Ses premières années dans la compagnie, sa progression rapide et ses remplacements de dernière minute qui ont fait de lui “le danseur qu’on appelle pour sauver une représentation”.✨ Ses doutes, ses blessures et ses forces, et la manière dont il a transformé ses “défauts” en signature artistique.✨ Des anecdotes savoureuses, des moments drôles, et des confidences touchantes sur son parcours.✨ Sa passion pour la transmission, héritée de sa famille et ancrée dans sa nouvelle vie de professeur à l’École de danse de l’Opéra.Fils de professeurs, Karl Paquette porte en lui l’envie de transmettre.Il fait aujourd’hui découvrir la danse classique au jeune public à travers sa trilogie :🩰 Mon Premier Lac des Cygnes🎄 Mon Premier Casse-Noisette👑 Et tout juste lancé cette semaine : Mon Premier La Belle au bois dormant (15 novembre 2025 → 8 mars 2026), où il incarne également la Fée Carabosse.Dans cet épisode, Karl nous parle avec sincérité de ce qui construit une carrière : la discipline, la passion, l’humilité…Et de ce qui construit un artiste : le courage d’être soi.🎧 Dans la seconde partie, Karl reviendra en profondeur sur :— ses plus grandes émotions de scène,— son rapport au temps et au corps,— ses adieux du 31 décembre 2018 dans Cendrillon, l’un des moments les plus forts de sa carrière,— la vie après le Ballet de l’Opéra,— et sa vision de la transmission comme acte d’amour et d’héritage. Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.