Píxel Sonoro

¡Volvemos con otra entrega de Tokyo Sound Machine! En esta ocasión nos adentramos en Sonic Wings Limited (1996), una de las mejores entregas de la mítica saga de Video System. Con un apartado visual que quita el hipo y que es herencia de los títulos anteriores de la franquicia, SWL también llama la atención por el encomiable trabajo musical de Soshi Hosoi, el protagonista del programa. Aquí te narramos las influencias de Hoso-Q, como también era conocido, y te contamos qué es lo que hace al sonido de Sonic Wings tan especial. Por supuesto, este programa se corona con los siempre cruciales consejos que Víctor Alonso nos trae para que podamos superarlo con un crédito. ¡Aquí puedes consultar el tutorial de Sonic Wings Limited para el 1cchttps://www.youtube.com/watch?v=sNZt4URXwiY

En este episodio exploramos el período de bonanza que experimentaron los videojuegos de gestión y estrategia durante la década de 1990. Concretamente, ahondaremos en la obra musical de David y Stephen Rippy en Age of Empires, el clásico de Ensemble Studios. Le dedicaremos unos minutos a clarificar algunas de las propiedades principales del sonido “Age of”, cuyo principal responsable es Stephen Rippy, y su asentamiento en AoEII: The Age of Kings. Y, ¿he oído a alguien decir “Wololo”? Por si dos hermanos Rippy fueran pocos, en el tramo final del episodio desvelamos la procedencia del mítico “Wololo” que hacían los sacerdotes en Age of Empires; un sonido que se ha convertido en todo un fenómeno de la cultura popular de internet y que fue obra de Chris Rippy. Todo eso aderezado con la increíble música de las entregas originales, las nuevas versiones de Todd Masten y el evocador cóver que hoy nos brinda Pablo Naop en Covermanía. ¿Nos acompañas?

Con motivo del lanzamiento de Crisol: Theater of Idols el pasado 10 de febrero, en este nuevo episodio recibimos a Xavi Quès, compositor de su música y diseñador de audio, y a Celica Soldream y Txema Fonz, los dos magníficos intérpretes que han puesto su voz a las canciones del juego. A lo largo de esta interesante entrevista tratamos temas interesantísimos, desde cómo la música se emplea para crear espacios de tensión hasta cómo un profesional de la voz se prepara para interpretar a personajes recogidos en textos centenarios.El contexto lo pone, como es costumbre, una pequeña intro de unos minutos en los que se habla de la representación de la españolidad y de los romances, nuestro tema estrella de hoy.¡No te lo puedes perder! Bibliografía de interés para muy cafeteros Alonso, Celsa. 2010. Creación Musical, Cultura Popular y Construcción Nacional en la España Contemporánea. Ediciones del ICCMU.González, Aurelio. «Fórmulas en el romancero: Elementos significativos». Actas XIII Congreso AIH (Tomo I).López Gómez, Lidia. 2025. «Mixed Identities: Picturing Spanish Music in World-Travelling Games». En Music, Sound and Identity in Video Games. Palgrave games in context. Palgrave Macmillan.Manzano, Miguel. 1994. «La música de los romances tradicionales: Metodología de Análisis y reducción a tipos y estilos». Nassarre, vol. 10, no. 1.Menéndez Pidal, Gonzalo. 1936. Romancero. Biblioteca Literaria del Estudiante, vol. XXV, dirigida por Ramón Menéndez Pidal. Instituto-Escuela Junta Para Ampliación de Estudios.Menéndez Pidal, Ramón. 1969. Flor Nueva de Romances Viejos. Espasa-Calpe.Pimentel García, Miriam. 2020. «Catálogo-Índice de romances y canciones narrativas de tradición oral». Boletín de Literatura Oral, nº 5.

Volvemos con la décima edición del segmento Tokyo Sound Machine. En esta especial entrega contamos con una sustanciosa entrevista concedida por Ruzarin Kashiwagi, compositor de la música de un bellísimo shooting japonés creado por una sola persona en los noventa para el sistema Sharp X68000: Cho Ren Sha 68K. Analizamos, junto a Víctor Alonso, los aspectos esenciales de la escena "doujin" en la que se produjo Cho Ren Sha, las particularidades del diseño visual del juego y el modo en que la música contribuye a dividir en bloques el túnel infinito por el que este se desarrolla. Todo ello, por supuesto, contrastado con el testimonio de Loser Kashiwagi sobre su vida y sus influencias. ¡No os lo podéis perder!

En este episodio repasamos brevemente la historia de la computación doméstica, desde la fundación del Homebrew Computer Club en 1975 hasta el final de la edad de oro del software español. Espera, ¿he dicho final? Perdón, igual esa no era la palabra más adecuada. Porque vamos a hablar de creación musical en productos homebrew, es decir, desarrollos nuevos para sistemas antiguos. Para ello, nos acompañan, por un lado, César Arminio y Rodrigo Núñez del estudio mexicano 2think, quienes traen un montón de secretos sobre el ARPG de Game Boy “Glory Hunters”. Por otro, recibimos a Francisco Javier Velasco (“Pagantipaco”) y Luis García (“Benway”), ambos miembros del mítico colectivo de desarrolladores Retroworks.Además, Pablo Naop nos presenta “Feature Length”, un álbum de cóvers de Donkey Kong Country producido por Mega Mixtape —esto es, por él mismo—.Y para celebrar todas estas intervenciones vamos a realizar ¡un triple sorteo! Comentando el episodio en plataformas (Ivoox, Spotify y YouTube) o su publicación en RRSS (X y Bluesky) podréis ganar un código de Glory Hunters para Nintendo Switch o una copia del álbum Feature Lenght en Bandcamp. Contactaremos con l@s ganadores para entregarles las claves. ¡Acompañadnos! Bibliografía: Ariza, Pablo. «Aprende a programar tu propio juego (I)». MicroHobby, nº 97 (1986): 16-20.Campbell-Kelly, Martin. 2004. From Airline Reservations to Sonic the Hedgehog: A History of the Software Industry. MIT Press.Collins, Karen. 2008. Game Sound: An Introduction to the History, Theory, and Practice of Video Game Music and Sound Design. MIT Press.Esteve, Jaume. 2016. Ocho Quilates: Una Historia de la Edad de Oro Del Software Espanol (1987 - 1992). CreateSpace Independent Publishing Platform.Höltgen, Stefan. 2025. «Symbolic Music and Algorithmic Composing: Computer Archaeological Perspectives on BASIC Game Sounds». En The Oxford Handbook of Video Game Music and Sound, ed. Por William Gibbons y Mark Grimshaw, 240-271. Oxford University Press.Martín Tello, José Antonio. 2022. Bits armónicos y pijamas de monos. Dolmen.Martínez del Vas, Jesús. 2019. Queremos su dinero. El hombre tras Amstrad España. Dolmen.Merino, Atila, Iván Sánchez, e Ignacio Prini. 2019. Enciclopedia homebrew. Videojuegos contemporáneos para sistemas obsoletos. Vol. 1. Dolmen.Merino, Atila. 2021. Amstrad eterno. Dolmen.Timeline:00:00:00 - Breve historia de la informática doméstica00:26:45 - Entrevista con 2think Studio01:34:50 - Covermanía01:46:43 - Entrevista con Retroworks02:48:01 - Final

¡Alabado sea el Sol, querid@s oyentes! En este programa retomamos el análisis de Dark Souls que comenzamos en el anterior episodio mientras avanzamos hacia El Horno de la Primera Llama. Por ello, aquí enfatizaremos en la vida personal de Gwyn, Dios de la Luz Solar, y en las relaciones que este mantuvo con sus más allegados. El objetivo principal es construir el contexto del antagonista principal de Dark Souls para poder ofrecer un análisis robusto de uno de los temas musicales más enigmáticos de la historia del videojuego: «Gwyn, Lord of Cinder». Esto nos llevará a ahondar en la historia de Gwyndolin, el hijo menor de Gwyn, y también a perseguir las misteriosas pistas que indican que no hay una profecía del Elegido, sino dos. Como sucedía en el anterior episodio, para llevar a cabo nuestros análisis hemos empleado algunos conceptos de la conocida como teoría de tópicos, aunque, en esta ocasión, nos centramos en madrigalismos y figuras retóricas que se fueron popularizando entre los siglos XVI y XVIII. Pero ¡eso no es todo! Porque, además, hoy tenemos dos invitados que, cada uno a su manera, ampliarán sobremanera la información que tenemos sobre el contexto de Dark Souls y su recepción. Por un lado, Adrián Suárez viene para hablarnos de su último libro, “Almas Oscuras: Berserk Contra Dark Souls”, en el que el autor aborda las múltiples conexiones que existen entre el manga de Kentaro Miura y la obra de Hidetaka Miyazaki. Por otro, regresa a Píxel Sonoro Sebastià Pou, más conocido como Tiaviolí Gaming, quien se ha hecho famoso en Twitch y otras plataformas por superar los souls de FromSoftware utilizando un violín. Sebastià revela aquí algunas de las entretelas de su proyecto en una conversación muy divertida. ¡No te lo pierdas!Bibliografía: Dickensheets, Janice. “The Topical Vocabulary of the Nineteenth Century.” Journal of Musicological Research, no. 31 (2012): 97-137.Grimalt, Joan. Mapping Musical Signification. Cham: Springer, 2020.Klein, Michael L. Intertextuality in Western Art Music. Bloomington: Indiana University Press, 2005.MacDonald, Keza, and Jason Killinsgsworth. You Died:The Dark Souls Companion. Cardross, UK: BackPage Press, 2017, e-book.Mateo-García, Alejandro. “Battle Soundtrack: Exploring Battle Music as a Video Game Trope.” Master diss., Universitat Autònoma de Barcelona, 2025.McKee, Eric. Decorum of the Minuet, Delirium of the Waltz: A Study of Dance Music Relations in 3/4 time. Bloomington: Indiana University Press, 2012.McKee, Eric. “Ballroom Dances of the Late Eighteenth Century”. In The Oxford Handbook of Topic Theory, edited by Danuta Mirka, 164-194. Oxford: Oxford University Press, 2014. Mecheri, Damien, and Sylvain Romieu. Dark Souls: Beyond the Grave Vol. 1. Spanish trans. E.Kruidenier. Toulouse: Third Editions, 2017.Péteri, Lóránt. “Scherzo and the Unheimlich: The Construct of Genre and Feeling in the Long 19th Century.” Studia Musicologica 48, no. 3/4 (2007): 319–333.Ratner, Leonard. Classic Music: Expression, Form, and Style. New York: Schirmer, 1980.Suárez, Adrián. El padre de las almas oscuras. Hidetaka Miyazaki a través de su obra. Madrid: Star-T Magazine, 2019.YouTube:MiqueCaleb, Historia de Dark Souls: https://www.youtube.com/watch?v=puc-HK3atGQ&t=520s The Tarnished Archeologist (Ep. 1): https://www.youtube.com/watch?v=rONDMmuSG9cThe Tarnished Archeologist (Ep. 2): https://www.youtube.com/watch?v=5Kyo2YxxkCs

¡Bienvenidos al programa número 100 de Píxel Sonoro! En el primer episodio de esta nueva temporada ahondamos en una de las obras más ricas a nivel simbólico jamás creadas, Dark Souls (2011), un título que causa asombro y rechazo a partes iguales pero que, en cualquier caso, parece recubierto de un aura inquietante y difícil de explicar. Los fantasmas de su propio mundo atraviesan Dark Souls en cada una de las facetas de su diseño, brillantemente encabezado por el célebre director Hidetaka Miyazaki, donde nada parece ser fruto del azar. Esto incluye el “reducido” conjunto de piezas, gran parte de ellas de batalla, escritas por el también famoso compositor Motoi Sakuraba. En Dark Souls, la música se pone en estrecha relación con el silencio que se experimenta durante la mayor parte del gameplay, así como con el diseño de los escenarios, el sistema de dificultad y, quizá de forma destacada, con una forma de contar la historia que deja en manos de los jugadores la tarea de rellenar sus múltiples lagunas. Utilizando la teoría de los tópicos —o topic theory— trataremos de establecer puentes entre estos enigmas y ciertos recursos musicales que llevan siglos codificándose en la tradición musical occidental para expresar afectos y emociones. Hablamos del tópico de ombra; de la representación musical de lo demoníaco o lo grotesco; del lamento; de lo misterioso y de la significación de traumas y obsesiones. Además, ¡Pablo Naop nos acompaña con Covermanía!Bibliografía: Dickensheets, Janice. “The Topical Vocabulary of the Nineteenth Century.” Journal of Musicological Research, no. 31 (2012): 97-137.Foucault, Michel. “Of Other Spaces, Heterotopias.” Translated from Architecture, Mouvement, Continuité 5 (1984): 46-49.Grimalt, Joan. Mapping Musical Signification. Cham: Springer, 2020.Jenkins, Henry. “Game Design as Narrative Architecture.” In First Person: New Media as Story, Performance, and Game, edited by Noah Wardrip-Fruin and Pat Harrigan, 118-130. Cambridge, MA: The MIT Press, 2004.Klein, Michael L. Intertextuality in Western Art Music. Bloomington: Indiana University Press, 2005.MacDonald, Keza, and Jason Killinsgsworth. You Died:The Dark Souls Companion. Cardross, UK: BackPage Press, 2017, e-book.Mateo-García, Alejandro. “Battle Soundtrack: Exploring Battle Music as a Video Game Trope.” Master diss., Universitat Autònoma de Barcelona, 2025.McClelland, Clive. Ombra: Supernatural Music in the Eighteenth Century (Lanham: Lexington, 2012).McKee, Eric. “Ballroom Dances of the Late Eighteenth Century”. In The Oxford Handbook of Topic Theory, edited by Danuta Mirka, 164-194. Oxford: Oxford University Press, 2014. Mecheri, Damien, and Sylvain Romieu. Dark Souls: Beyond the Grave Vol. 1. Spanish trans. E.Kruidenier. Toulouse: Third Editions, 2017.Monelle, Raymond. The Sense of Music: Semiotic Essays. New Jersey: Princeton University Press, 2000.Péteri, Lóránt. “Scherzo and the Unheimlich: The Construct of Genre and Feeling in the Long 19th Century.” Studia Musicologica 48, no. 3/4 (2007): 319–333.Ratner, Leonard. Classic Music: Expression, Form, and Style. New York: Schirmer, 1980.Ryan, Marie-Laure. Possible Worlds, Artificial Intelligence and Narrative Theory. Bloomington: Indiana University Press, 1991. Suárez, Adrián. El padre de las almas oscuras. Hidetaka Miyazaki a través de su obra. Madrid: Star-T Magazine, 2019.Tópicos en UVaDoc: Pedrero Encabo, Águeda y Mikel Díaz-Emparanza. “Tópico de ombra”. UVadoc (2022) https://uvadoc.uva.es/handle/10324/54168 Pedrero Encabo, Águeda y Mikel Díaz-Emparanza. “Tópico de ombra”. UVadoc (2024) https://uvadoc.uva.es/handle/10324/68881

El verano del presente 2025 ha podido ser muchas cosas, pero, ante todo, ha sido un verano ninja en toda regla. Los lanzamientos de Shinobi: Art of Vengeance y Ninja Gaiden Ragebound han conseguido devolver a mucha gente a la época dorada de los ninjas, cuya eclosión se produjo alrededor de los primeros años 80. Puesto que en Píxel Sonoro nos sumamos a esta corriente, hoy tenemos el privilegio de contar con el testimonio de Sergio de Prado, la persona detrás del apartado musical y el diseño sonoro de Ninja Gaiden Ragebound (The Game Kitchen). Antes de eso, repasaremos brevemente la historia de los primeros Ninja Gaiden (Tecmo, 1988), algunos de los tropos representativos de los ninjas en el audiovisual y también hablamos de qué es hiperrealidad y cómo las producciones de esta temática han contribuido a que interioricemos determinados sonidos como "más reales que lo real". ¡Nos ha quedado un programa largo pero divertido y lleno de información, así que te esperamos!

Si te has quedado prendad@ de la impresionante portada de este episodio, estás de suerte, porque ¡te traemos mucho más! En esta novena entrega del segmento Tokyo Sound Machine exploramos, junto a Víctor Alonso, una de las más valoradas (y ocultas) joyas de los últimos tiempos en el terreno de los Shooting Games. Senjin Aleste (M2, 2021) es un título moderno repleto de guiños e influencias de las obras maestras de su género, como DoDonPachi o Batsugun, con un apartado artístico bellísimo y un conjunto de mecánicas que lo convierten en uno de los juegos de disparos más originales jamás creados. Además, como es costumbre, ahondamos en la vida de su compositor, también desconocido, Tatsuhiko Kasuga, quien confeccionó una banda sonora que hace las delicias de los amantes de los timbres FM y establece sutiles vínculos con otras entregas de la legendaria saga Aleste (Compile, 1988). Este no es un programa para nostálgicos, sino para descubrir, disfrutar y saborear cosas nuevas. ¡Acompáñanos!

En esta nueva entrega de Tokyo Sound Machine ahondamos en el fenómeno de Super Street Fighter II X desde la perspectiva de su enorme comunidad, que se extiende a lo largo de todo el globo. Víctor Alonso viene para contarnos cómo aparecieron los primeros grupos de juego en España y nos ofrece una descripción impagable de las comunidades que se afincan en Japón, Latinoamérica y Estados Unidos. Además, ¡tenemos que hablar de música! Así que revisitamos la vida de Yoko Shimomura, famosísima autora de los temas originales de Street Fighter II y abordamos una pequeña parcela de la historia de Alph Lyra, el equipo de sonido de Capcom.¡Únete a nosotros en este viaje por el mundo!

En esta nueva entrega de Tokyo Sound Machine ahondamos en las raíces de Metal Slug 2, uno de los juegos más laureados y populares en la historia de los arcades. Aprovechando esta coyuntura, ponemos el foco en la vida de Takushi Hiyamuta, artífice de la increíble música de las tres primeras entregas de la serie Metal Slug, quien tal vez no ha gozado del reconocimiento que se merece por su trabajo. ¡Pero no os preocupéis porque aquí estamos para solucionar eso! Por otro lado, como es costumbre, Víctor Alonso nos iluminará con algunos datos increíbles sobre el impacto de Metal Slug en el terreno del arcade español, el sistema de cartuchos MVS de SNK y sobre diversas cuestiones que afectan al apartado artístico de la segunda entrega y sus notorios problemas de rendimiento, entre otras cuestiones. Además, nos da varios consejos para poder superar Metal Slug 2 con un solo crédito, algo sumamente difícil. Por último, no podemos dejar de comentar el apabullante trabajo que se realizó con el diseño de los efectos de sonido en la trilogía original de la saga, lo que nos lleva a profundizar en las bondades del chip Yamaha YM2610 que incorporaba el sistema MVS y también en el “misterioso” concepto de “rompler”. ¡Subíos al Metal Slug con nosotros! Recuerda que puedes escucharnos y contactar con nostros a través de todas estas vías: https://linktr.ee/pixelsonoropodcast ¡Suscríbete al canal de YouTube de Víctor Alonso para más consejos!: https://www.youtube.com/@viku-victoralonso

En este episodio cumplimos una promesa que me había hecho a mí mismo hace un tiempo. Atender las demandas de un podcast como Píxel Sonoro exige hacer sacrificios dolorosos durante el transcurso canónico de las temporadas, esto es, dejar multitud de juegos e historias atrás. Hoy, rescatamos uno de esos temas pendientes para viajar directamente a los entresijos de una de las aventuras narrativas más profundas que se han creado en España a nivel simbólico: «TAPE: Unveil the Memories» o, como alguna vez se ha sugerido, el “Silent Hill Gallego”. Este, nos traslada a un pueblo llamado Antumbria, a la mente de una niña llamada Iria que se debate por revivir recuerdos traumáticos que han sido borrados. En este episodio nos acompañan tres de sus creadores: Toni Alarcón (diseño y efectos de sonido); José Massa (Guion y narrativa); y, por tercera vez en el pódcast, el talentoso compositor Pablo Rodríguez-Tembleco, todos ellos miembros de BlackChiliGoat Studio. Nuestros invitados vienen para relatarnos algunos de los secretos que se ocultan detrás de un planteamiento narrativo repleto de significados y cuyo diseño se encuentra particularmente atado a la creación musical. Entre sus inspiraciones se encuentran obras canónicas de los noventa como Twin Peaks o el mencionado Silent Hill, pero esta búsqueda de lo simbólico ha llevado a sus hacedores a insertar todo tipo de referencias a la cultura popular española y, en especial, a la música tradicional gallega. ¡Ven, déjate imbuir de esta atmósfera y adéntrate en el mundo psicológico de Iria!

Por sombrío que se postule el día, nuestro corazón se regocija sin parangón cuando hay un nuevo episodio de Tokyo Sound Machine... Digo... ¡Saludos querid@s oyentes de Píxel Sonoro! En esta entrega de TSM ahondamos en un título del género shooting que nos tiene fascinados. Hablamos de Deathsmiles, un STG horizontal publicado por Cave en el año 2007 que es toda una celebridad en Japón pero un tanto desconocido en España. El apartado musical de Deathsmiles es sobrecogedor, heredero de una estética barroco-rock con otros muchos tintes que encantará a los aficionad@s a la saga Castlevania y que guarda mucha relación con la subcultura de las "Goth Lolitas" japonesas. Aquí te lo contamos al detalle después de explorar sucesos de la vida de Manabu Namiki, su compositor, que no se trataron en el episodio dedicado a la saga Mushihimesama. Por último, profundizamos en el larguísimo idilio de la Toccata y Fuga en re menor de J.S. Bach con el mundo audiovisual. Por supuesto, como es costumbre, Víctor Alonso nos iluminará con una buena cantidad de datos sobre el desarrollo de Deathsmiles, así como sobre el brillante apartado artístico obra de Junya Inoue y, cómo no, nos ofrecerá muchos consejos para poder completar el juego con un crédito. ¡No te lo puedes perder! ¡Cuéntanos tu experiencia!Aquí podras encontrar enlaces a otras plataformas en las que se aloja el podcast y un vínculo a su página de Ko-Fi, por si quieres colaborar con el proyecto: https://linktr.ee/pixelsonoropodcast

¡Un saludo muy grande querid@s oyentes! En este FINAL DE TEMPORADA, y para ser congruentes con la estética de las miniaturas del podcast, proponemos un "largo" paseo por los primeros mundos musicales de la franquicia Super Mario. Esto implica revisitar algunos aspectos de la vida del gran Koji Kondo, así como sus influencias y otras características esenciales del sonido de Nintendo que ayudaron a configurar un plausible "sonido Super Mario". Así pues, repasamos algunos de los tracks más famosos de las cuatro primeras entregas de la franquicia mientras reflexionamos sobre su impacto en obras posteriores. Como es habitual, Pablo Naop nos trae un cóver de Super Mario World que nos devuelve al terreno de la EDM. Además, el plato fuerte llega al final del episodio, donde nos acompaña, en formato presencial, el gran Nacho Bartolomé de Nintendatos, quien trae consigo detalles alucinantes de Super Mario Bros. 3 y Super Mario World. Un final de episodio tan divertido como instructivo. Por último, tenemos SORTEOS: solo con comentar o retuitear la publicación del episodio podréis llevaros algunas bandas sonoras compuestas por Enrique Martín Pentadrangle y por WildCat Records, ambos amigos del programa. ¡Esta temporada se acaba, pero seguiremos dando guerra en la cuarta! Por favor, búscanos en RRSS, otras plataformas de streaming y en nuestro perfil de Ko-Fi, donde podréis apoyar a la causa económicamente. Entra en: https://linktr.ee/pixelsonoropodcast ¡Nos oimos! ♪♫

En esta nueva entrega de nuestra sección Tokyo Sound Machine, viajamos hasta el año 1996 de la mano de Víctor Alonso para explorar a fondo una especie de “joya oculta” de su tiempo. Estamos hablando de Street Fighter EX, una ramificación de la famosa saga de CAPCOM desarrollada por Arika. En este programa profundizamos en las obras de sus compositores, el trío compuesto por Shinji Hosoe, Ayako Saso y Takayuki Aihara, quienes habían atesorado una enorme experiencia en Namco antes de unirse a Arika. Por su parte, Víctor amplía la información que conocemos sobre la placa ZN-1, ofrece valiosos consejos para jugar y ahonda en la interpretación de los escenarios, entre otras muchas cuestiones. Querid@s oyentes, os aseguramos que este programa es un portal hacia toneladas de música increíble, gráficos poligonales bellísimos y escenarios que transmiten una extraña sensación de nostalgia.¡Esperamos vuestros comentarios! ¡Uníos a la pelea =D!

En este episodio te contamos la historia de un Tokio nocturno, vibrante y misterioso, en el que los cartelones de neón se reflejan en charcos y cristales mientras miles de personas recorren sus atestadas calles. Este Tokio, que bebe de la imaginería ciberpunk y retrofuturista que tantos videojuegos, películas y series han mostrado, es el que nos presenta nuestro colaborador Víctor Alonso en su fotolibro "Tokyo Nights" (2022) editado por Héroes de Papel. Hoy volvemos a esta obra con el motivo del reciente lanzamiento de su segunda edición.ATENCIÓN. Con la excusa del relato fotográfico de este mágico Tokio, nos visita por vez primera "la voz de Píxel Sonoro": nuestro otro queridísimo colaborador Alber Muñoz, quien compuso una banda sonora completa para la exposición original que motivó la publicación del libro. En él también se incluyen estas piezas.En este programa grabado entre amigos queremos desearte felices fiestas con un pedacito de historia que sirve como colofón a una serie de episodios consagrados a las estéticas ciberpunk y retrofuturista. ¡Cuéntanos tu opinión y anímate a adquirir Tokio Nights!Encuéntra tu plataforma favorita, accede a la tienda de Píxel Sonoro en LaTostadora o contribuye a la iniciativa en Ko-fi: https://linktr.ee/pixelsonoropodcast

En este episodio recibimos a Alexander Elósegui y Sergio Villar de Wild Cat Records, autores de la increíble música de lo nuevo de ChaoticBrain Studios: Neon Blood, una fascinante aventura narrativa con toques RPG ambientada en un mundo ciberpunk con claros toques de cine noir cuyo lanzamiento, para todas las plataformas, se produjo el pasado 26 de noviembre. Aprovechamos la bellísima estética audiovisual de Neon Blood para adentrarnos en algunos de los detalles de la música y del proceso de creación que únicamente conocen sus creadores. Sin embargo así a vuelapluma, en ella se identifican recursos que remiten a los tropos habituales del ciberpunk en el cine y las series, así como otros del noir y de esa categoría estética un tanto abstracta, según los casos, que muchos denominan “retrofuturismo”. Neon Blood es todo eso y mucho más, y por eso, precisamente, la primera parte de este programa lo dedicamos a explicar qué es un tropo en el cine y cuáles han sido los tropos más habituales en relación con estos géneros en el videojuego. Por último, llega Pablo Naop con un cóver ciberpunk, retrofuturista —literalmente— y navideño —figuradamente— que no es de un videojuego pero sí de una banda omnipresente en los orígenes de la música del medio: Kraftwerk.¡Acompáñanos! Aquí puedes acceder a todas las plataformas donde se emite Píxel Sonoro y también a la tienda del programa en LaTostadora y a la página de Ko-fi, por si quieres contribuir económicamente a la causa: https://linktr.ee/pixelsonoropodcast

En esta edición de Tokyo Sound Machine viajamos hasta el año 1993 para revisitar uno de esos juegos de culto, importantísimos en la historiografía del medio por su enorme calado y carácter seminal en su ámbito. Batsugun fue el último shooter vertical de la empresa Toaplan antes de su disolución en 1994, aunque se convertiría en el juego precursor de los “bullethell” o “danmaku”. Por otro lado, hablamos brevemente de Yoshitatsu Sakai, un desconocidísimo compositor que siguió algunas de las prerrogativas de lo que los empleados de Toaplan denominaban cariñosamente “estilo Toaplan”, el cual había sido instaurado por figuras capitales del sonido de la empresa como Tatsuya Uemura y Masahiro Yuge. Por su parte, Víctor nos trae una gran cantidad de secretos del desarrollo de este clásico de los STG extraídos de fuentes privilegiadas —casi en exclusiva— y, como es habitual, nos ofrece algunos tips para lograr completar Batsugun con un solo crédito. ¡Aprovechad, que este sí que es accesible! Por favor, no olvides dejarnos tus comentarios en este episodio, ya sea en Ivoox, en Spotify o en X, Instagram y Bluesky. ¿De qué juego te gustaría que habláramos en Tokyo Sound Machine? ¿Nos das ideas? En este enlace puedes visitar el resto de plataformas, así como nuestros perfiles de Ko-fi y de "la tostadora": https://linktr.ee/pxelsonoro ¡Acompáñanos!

Hay un recuerdo de mi infancia que siempre tengo muy presente, y era un solitario WipEout de PlayStation colocado en una marquesina de la librería de mi barrio, que pasó días y días expuesto en una marquesina hasta que perdió el color a causa de la continua exposición a la luz del sol. Esto no quiere decir que WipEout fuera un fracaso comercial; al contrario. Es más, tiene que ver con la frustración que sentí una y otra vez cuando mis padres se negaban a comprármelo. Tanto WipEout (1995) como WipEout 2097 (1996) se caracterizaron por ser juegos de su tiempo, con una estética visual y musical que reflejó un gran número de tendencias que estaban desarrollándose a nivel cultural. Entre ellas, la escena de la Música Electrónica de Baile en Reino Unido. En este programa profundizamos en ese aspecto. En primer lugar, hablaremos del contexto musical en el que surgió la obra original de Psygnosis, tanto en el marco británico como en otros. Después, abordaremos de lleno la historia del proyecto y las inspiraciones musicales de Tim Wright para crear una banda sonora original que imitase a los subgéneros de la electrónica que se escuchaban en clubs y raves. Por último, relataremos cómo el éxito de WipEout desencadenó el que muchos artistas relevantes del panorama quisieran enrolarse en la banda sonora de WipEout 2097.Además, Pablo Naop nos acompaña con un cóver muy a la “Prodigyana”, si es que esa palabra sirve.Este programa trata, en definitiva, de perseguir a los fantasmas que se quedaron encerrados en un tiempo muy especial. ¡Acompáñanos!Bibliografía:Blánquez, Javier y Omar Morera (eds.). Loops 1. Una historia de la música electrónica en el siglo XX. Madrid: Reservoir Books, 2021.Millea, James. «Rave Racing. Electronic Dance Music and Immersion in WipEout». Journal of Sound and Music in Games, vol. 4, 1, (2023): 72-90.Roth, Martin. Thought-Provoking Play: Political Philosophies in Science Fictional Videogame Spaces from Japan. Pittsburh, PA: ETC Press, 2017.«The Making Of WipEout 2097». Retro Gamer, 152, (2016): 20-28.Vídeo de Youtube:«Wipeout 2097: The Making of an Iconic Playstation Soundtrack – Noclip Documentary». Vídeo de YouTube, 31:16, subido por Noclip – Video Game Documentaries el 11 de junio de 2024, https://www.youtube.com/watch?v=-nwWpQJFGp8Otros:McAllister, Gillen. «Extended Play: The Inside story of how iconic PlayStation series WipEout was born». PlayStation Blog (blog), publicado el 7 de junio de 2017, https://blog.playstation.com/archive/2017/06/07/extended-play-the-inside-story-of-how-iconic-playstation-series-wipeout-was-born/Stuart, Keith. «Return of WipEout and Tekken takes us back to the heady world of 90s Friday night gaming». The Guardian (web), publicado el 2 de junio de 2017, https://www.theguardian.com/technology/2017/jun/02/wipeout-tekken-return-90s-gamingOmbler, Matt. «Tony Hawk’s Pro Skater Exposed Millions to Punk. WipEout did the same for Rave». Vice Magazine (web), publicado el 29 de septiembre de 2021, https://www.vice.com/en/article/tony-hawks-pro-skater-exposed-millions-to-punk-wipeout-did-the-same-for-dance-music/

En el episodio de esta semana, que coincide a propósito con la víspera del día de los Santos (de Muertos en México) y, por consiguiente, con la Noche de Halloween, vamos a profundizar en algunos de los aspectos conceptuales que dieron lugar a diseños sonoros tan fascinantes e innovadores en su tiempo como son los que se aplicaron a las dos primeras entregas de la saga Silent Hill. En este programa, recorremos la vida de Akira Yamaoka, el autor del apartado sonoro al completo en todas las entregas de Silent Hill hasta “Revelations”. De igual modo, reflexionamos brevemente sobre qué impacto tiene el diseño musical en la desorientación del individuo cuando este debe valerse de las señales acústicas para avanzar por un terreno que le está vedado a la vista. Véanse, las neblinosas calles del tenebroso pueblo de Silent Hill. Pero además, hablamos sobre la cuestión del tiempo; sobre cómo las señales acústicas pueden distorsionar la percepción temporal del jugador durante la partida. Algo realmente terrorífico en juegos del género survival horror. Ya en la última sección del episodio, ofreceremos una perspectiva un tanto arqueológica sobre el sonido de Silent Hill: tratamos la cuestión de los ya descatalogados CD`s de samples que contuvieron los sonidos que identificamos con una estética afincada en la década de 1990. Por último, pero no por ello menos importante, como es habitual Pablo Naop nos acompaña con un Covermanía que pone el mundo patas arriba… Como casi todo lo que ocurre en Silent Hill. ¿Nos acompañas? Enlaces: «Cómo se hizo la música de Silent Hill (samples, loops, sounds, libraries, beats, análisis y más)», vídeo de Youtube, 39:59, subido por Avith Ortega el 14 de abril de 2019, https://www.youtube.com/watch?v=ygAwlFZN8Hg «Eric Persing: Creating Spectrasonics», soundtosound (web), publicado el 14 de julio de 2000, https://www.soundonsound.com/people/eric-persing-creating-spectrasonics «Silent Hill - 1999 Developer Interview», shmuplations (web), último acceso el 31 de octubre de 2024, https://shmuplations.com/silenthill/ Bibliografía: Carr, Diane. «Play Dead. Genre and Affect in Silent Hill and Planescape Torment». Game Studies (web), acceso el 29 de octubre de 2024, https://www.gamestudies.org/0301/carr/ Perron, Bernard. Silent Hill: The Terror Engine. Michigan: University of Michigan Press, 2012.

En esta nueva edición de Tokyo Sound Machine hablamos de «Los Últimos Game Center», el nuevo fotolibro de nuestro colaborador Víctor Alonso quien llega para ofrecernos muchos detalles sobre un trabajo que documenta visualmente el tramo final de vida de los últimos salones arcade que quedan en Japón. Para enriquecer todavía más nuestra conversación, repleta de alusiones a la cultura pop japonesa y a hábitos de vida y de consumo que se desvanecen, contamos con la presencia de Ricardo Martínez, editor jefe de Héroes de Papel, que nos relatará como se fragua un proyecto así desde los comienzos. Además, Víctor e Iván se sumergirán en los característicos paisajes sonoros de los Game Center; una plétora de sonidos que muchos recuerdan desde la nostalgia de la lejanía y que, en cierta medida, son ecos que muchos jugadores todavía sienten como identitarios. ¡Como colofón, SORTEAMOS una copia de este magnífico libro! ¡Vente con nosotros!

¡Alerta de programa apasionante y conmovedor! Desde sus implicaciones respecto a la narrativa y los espacios, hasta el papel que desempeña en lo concerniente a las diferentes esferas de tiempo en las que nos vemos sumidos cuando jugamos a videojuegos, las posibles aplicaciones de la música en la confluencia de estos tres ámbitos permanece, en ocasiones, como un secreto a voces; como el elefante en la habitación. Hoy nos enorgullece contar de nuevo con el gran compositor José Ramón “Bibiki” García para hablar de su última obra: la magnífica y singular banda sonora de ARCO. Lanzado el pasado 15 de agosto, ARCO es un título con tintes de aventura narrativa y RPG táctico por turnos, con un apartado visual tan bello como minimalista y cuya historia nos conduce a recorrer las vidas de cuatro personajes insertos en un mundo inundado por la codicia humana. ARCO es uno de esos juegos que destina cada una de sus partes al relato de una historia que trasciende los límites de lo que se ve, que está cargado de simbolismo y que se rodea de un aura de misticismo difícil de definir. En este episodio, comenzamos el discurso sobre la música de la música de la obra maestra de Tequila Works RiME (2017) para después pasar a la entrevista, donde escucharemos algunas de sus las increíbles piezas vocales de ARCO mientras charlamos con su autor sobre el significado de sus composiciones en el juego en relación con los espacios, la narrativa y el tiempo. Por si fuera poco, Pablo Naop nos va a trasladar hasta Silent Hill en Covermanía, pero de una forma muy original y sorprendente. ¡Acompañadnos!

Computer Art Visual Entertainment (CAVE) es actualmente una de esas empresas que gozan de un aura "de culto" entre los jugadores acérrimos a los salones arcade japoneses y, concretamente, aquellos aficionados a la vertiente danmaku de los shooting games. Esto es, bullethell, juegos frenéticos en los que la pantalla suele cubrirse de proyectiles. Entre la segunda mitad de la década de 1990 y hasta finales de la siguiente, CAVE fue la responsable de algunas de las joyas más cotizadas del género como DoDonPachi, DeathSmiles, EspGaluda, Akai Katana, Guwange y, por supuesto, los títulos que integran la saga Mushihimesama. En esta edición de Tokyo Sound Machine, Víctor Alonso nos cuenta multitud de detalles sobre el juego original —cuyo título significa "la princesa de los insectos"—, sobre su segunda entrega "Mushihimesama Futari" y acerca de una versión un tanto apócrifa —y muy exclusiva— llamada Mushihimesama 1.5. Por otra parte, y puesto que esto es un programa musical, también repasamos la vida, influencias y obra de uno de los compositores principales de la Saga y de CAVE, Manabu Namiki; una figura no perteneciente al mainstream de los compositores de música de videojuegos pero cuyo corpus es de capital importancia dentro del género shooting, con trabajos para juegos como Battle Garegga, Armed Police Batrider y varias franquicias CAVE. ¡Acompáñanos en este viaje al reino de los insectos!

Saludos de nuevo querid@s oyentes cibernéticos. Como hacía mucho que no traíamos una entrevista al podcast, esta vez toca una a tres bandas. Y es que, después de una introducción en la que recorreremos brevemente la historia del género ciberpunk y sus temáticas más habituales, nos acompañan Nacho Teruel —compositor— y Hugo Gómez —CEO y fundador— del estudio talaverano Aeternum Game Studios para hablarnos en profundidad del desarrollo de su último título, Eden Génesis, y de su banda sonora, como no podría ser de otro modo. Imperdible, una charla amena en la que aparecen multitud de curiosidades y referencias a un montón de obras de la cultura pop y de la industria española del videojuego. Además, llega Pablo Naop con un Cóver muy especial que se queda directamente en Aeterna. ¡Para no perder el hilo ni en Covermanía! ¡Acompáñanos en este programa distópico!

Antes de escuchar este programa os recomiendo que agarréis bien vuestro skate y os preparéis para un auténtico flip musical porque hoy hablamos de uno de los soundtracks licenciados más importantes de todos los tiempos: el de Tony Hawk`s Pro Skater (Neversoft, 1999) y, de rebote, del de su segunda parte (Nerversoft, 2000). Porque el soundtrack de las franquicias del famoso patinador de San Diego supusieron algo más que un bonito adorno para un juego mítico; de hecho, diversos medios apuntan hacia ellas como la guinda del pastel de un imaginario musical de la subcultura skateboarding que se venía cocinando desde, atención, principios de la década de 1970. En este programa hablaremos de la historia de algunos de los géneros que condujeron a lo que, más tarde, se denominó “skate-punk”; en concreto, el ska y el punk, estilos muy dispares que se unieron hacia finales de la década de 1980 para consagrarse como emblema musical de la subcultura skateboarding. Y esto es solo una mínima parte de un panorama súper complejo y heterogéneo que fue desarrollando multitud de componentes estilísticos de esa subcultura, con marcas de ropa, revistas, canales de televisión y videojuegos (otros) que fueron sellando los elementos distintivos de ese movimiento. Programa cortito pero intenso. Y encima llega Pablo Naop con un Covermanía que mezcla Kirby y ska. En fin, ¿qué más se puede pedir? ¡Sube a tu skate y acompáñanos!

Tras un período cortito de espera, pero que a nosotros se nos ha hecho eterno, volvemos en Píxel Sonoro nada más y nada menos que ¡ESTRENANDO SECCIÓN! Tokyo Sound Machine es un viaje hacia las profundidades del mundo arcade japonés en busca de nuevas y fascinantes músicas que descubrir a los oyentes o, en su caso, para explicar su historia a los ya versados. Además, de la mando de Víctor Alonso, un auténtico experto en el campo, en esta sección ofreceremos detalles de primera mano sobre la mejor forma de jugar a estos juegos para poder superarlos con un solo crédito. En este primer episodio de Tokyo Sound Machine nos trasladamos al año 1994 para hablar de una joya, quizá un tanto desconocida, pero misteriosa y enigmática. Hablamos de la tercera entrega de la saga Darius, Darius Gaiden (Taito, 1994) un juego que se caracterizó por un apartado visual muy atractivo y, sin duda, por un componente musical verdaderamente inaudito en los salones arcade, con composiciones del maestro Hisayoshi Ogura, una de las personalidades clave en el surgimiento del equipo de audio de Taito: ZUNTATA. Aquí también os contamos su historia y, de manera breve, qué se esconde tras el concepto de la música de Darius Gaiden. Pero ¡No os quedéis ahí! ¡Acompañadnos a las profundidades del espacio!

Después de haber saboreado como se merece Senua´s Saga: Hellblade II, volvemos una semana más, querid@s oyentes, con una entrega que se había demorado mucho considerando que la saga Hellblade ha supuesto un elemento de ruptura en lo que se refiere al diseño de audio en el ámbito del videojuego. En ese sentido, lo más sensato era dividir el programa en dos partes. La primera de ellas está dedicada a explicar los fundamentos de la historia de Senua y de los componentes que integran la propuesta sonora en ambas entregas de la franquicia; esto es, la combinación de grabaciones binaurales de las voces que escucha Senua con un sistema posicional de audio en 3D, y lo hacemos con música de David García y Andy LaPlegua para Hellblade: Senua´s Sacrifice. Y ahora llega lo mejor. En la segunda sección nos visita la doctora Raquel Jiménez Pasalodos, especializada en arqueología musical, para enseñarnos qué se sabe de la música de los pueblos vikingos del siglo IX y para aportarnos otro punto de vista sobre qué es históricamente preciso y qué no de propuestas musicales como la de la banda de folk experimental Heilung, que pone banda sonora a la nueva y espectacular entrega de Ninja Theory. Estas sonoridades forman parte de un imaginario inventado heredado de los medios audiovisuales que tod@s tenemos interiorizado pero ¿hasta qué punto es fidedigno históricamente? Aquí resolvemos algunas de tus preguntas. Por último, el ganador del sorteo del libro Console Wars de Héroes de Papel que iniciamos en nuestro programa de la publicidad de SEGA y Nintendo es… ¡¡Carlosjaen!! Felicidades amigo. Por favor, compártenos tu dirección en [email protected] o por privado en X e Instagram @pixel_sonoro. Aquí más enlaces relacionados con el programa como Kofi, plataformas y nuestra tienda en LaTostadora: https://linktr.ee/pxelsonoro

ADVERTENCIA. Este programa está prescrito sólo para la nocturnidad o las situaciones de extrema relajación. Volvemos una semana más con un episodio de la serie “entretiempos” que trata de forma más amena asuntos tangenciales a las temáticas habituales del podcast. Hoy nos acompaña nuestro habitual colaborador Pablo Naop para hablar del disco más reciente de la serie “Prescription for Sleep”, Prescription for Sleep: Heavenly Avatar, de la discográfica Scarlett Moon y Gentle Love, un dúo de jazz fusión extraordinario integrado por AYAKI y Norihiko Hibino. Este último, más conocido por ser el compositor principal de Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty y Metal Gear Solid 3: Snake Eater, es una figura tan relevante como fascinante dentro del mundo del videojuego, con una biografía que arroja momentos extraordinarios. Hoy hablamos de la vida de Norihiko Hibino mientras reseñamos Prescription for Sleep: Heavenly Avatar, donde Gentle Love transforman en jazz experimental las composiciones original de Yuzo Koshiro para el juego de Súper Nintendo ActRaiser… ¡Y todo ello para ayudarte a dormir! No lo olvides, en este programa queremos que duermas bien pero, sobre todo, que descubras música maravillosa. ¿Nos acompañas? Enlace al perfil de Bandcamp de Scarlet Moon: https://scarletmoonrecords.bandcamp.com/ Aquí puedes acceder a todas las plataformas donde está disponible el podcast, así como a la tienda en LaTostadora y a nuestro perfil de Ko-fi =D https://linktr.ee/pxelsonoro

Querid@s oyentes, podría daros la bienvenida una semana más como si este fuera un episodio cualquiera, pero no lo es. En este programa nos unimos, en riguroso directo desde nuestro querido Akiba, a Nacho Bartolomé, del canal de youtube Nintendatos, y a Eneko Osaba de Arqueología Nintendo para charlar sobre lo que yo creo que es uno de los temas más apasionantes de la historia de la industria del videojuego. Aquí hablamos de las diferentes estrategias de publicidad que llevaron a cabo SEGA y Nintendo durante la popularmente conocida como “guerra de consolas”; una disputa comercial que abarcó un cortísimo período de tiempo a principios de la década de 1990, pero que dejó historias increíbles. Nacho y Eneko vienen para aportar un montón de información al relato y yo, por mi parte, me dedico, como no podría ser de otra forma, a hablar de música; de la fascinante música que acompañó a algunos de los anuncios televisivos lanzados por ambas compañías. Os prometo que algunos os dejarán boquiabiertos. Además, Pablo Naop vuelve con un cóver súper noventero y, lo más importante, seguero —nótese de qué lado estoy— y… ¡Notición! La editorial Héroes de Papel vuelve a apoyar al podcast con un nuevo sorteo. Esta vez sorteamos entre todos los comentarios en Ivoox, Spotify, X/Twitter e Instagram una copia de la magnífica obra de referencia Console Wars escrita por Blake Harris y editada en castellano por Héroes de Papel. ¿Qué más necesitas? ¡Acompáñanos! Lista de anuncios: Genesis Does What Nintendon´t: https://www.youtube.com/watch?v=k7nsBoqJ6s8 Super Mario World (USA): https://www.youtube.com/watch?v=oWyMk-2aH9E A Link to the Past (JP): https://www.youtube.com/watch?v=0GIJiuBMj_0 Welcome to the Next Level: https://www.youtube.com/watch?v=MOJxWgakXbc Blast Processing: https://www.youtube.com/watch?v=zlulSyBI2aY Play it Loud: https://www.youtube.com/watch?v=5_fUis8HFS4 Yoshi´s Island: https://www.youtube.com/watch?v=Z0E2lmgLF_k Donkey Kong Country: https://www.youtube.com/watch?v=vfYVoyeQMMA

¡Saludos querid@s oyentes! Píxel Sonoro regresa una vez más a las tierras del Europa del Este y de más allá con un episodio que abarca dos períodos interconectados de la historia del sonido en este medio. Hoy te contamos la historia de la versión japonesa de Castlevania III: Dracula´s Curse, llamada Akumajo Densetsu, que llegó al territorio nipón apoyada por un chip de expansión de audio para Famicom. Esto no fue un fenómeno aislado de Konami, sino que varias compañías llevaron a cabo esta práctica para poder otorgar a los diseñadores de sonido más posibilidades en el sistema 8 bit de Nintendo. En la segunda parte del programa vuelve —una vez más, ya van tres— un amigo del programa y talentoso compositor, Enrique Martín "Pentadrangle", con un montón de detalles sobre Lords of Exile, un lanzamiento reciente con una esencia muy castlevaniesca tanto en lo visual como en lo sonoro y en lo jugable. Por último, Pablo Naop nos trae lo que sin duda será uno de los lanzamientos del año en Covermanía. Así, tal cual. ¿Te lo vas a perder? ¡Acompáñanos!

¡Hola a tod@s, querid@s oyentes! Bienvenidos a otro episodio de Píxel Sonoro. En esta ocasión hemos preparado un programilla especial hablando de algunos casos de música “anempática” en videojuegos. ¿Y qué es eso de música anempática? Si no tienes ni idea, en este episodio te lo aclaramos con varios ejemplos. Digamos… que si te gustan franquicias como Fallout, Bioshock, Gears of War o Mass Effect te va a encantar. ¿Nos acompañas? Ganador del sorteo de Héroes de Papel, Así se hizo Final Fantasy VII: ErSorro. ¡Felicidades! Enlace al análisis de «Suicide Mission» de Mass Effect 2 en el canal de YouTube 8Bit Music Theory: https://www.youtube.com/watch?v=vsQyqgO_XIQ&t=1s Sigue el programa en otras plataformas y RRSS: https://linktr.ee/pxelsonoro

Regresamos una semana más en Píxel Sonoro, con uno de esos episodios que alegra y duele hacer al mismo tiempo. Sin duda, la reciente pérdida del aclamado dibujante Akira Toriyama ha supuesto una conmoción para aquell@s niños que crecimos acompañados por las aventuras de Goku y su amigos... Pero eso no es todo. En este programa vamos a recorrer brevemente algunos de los videojuegos en los que intervino Toriyama como diseñador de personajes, poniendo todo en relación con la música y con la historia de los mangas y/o animes que precedieron a dichas obras. Para ello contamos con la ilustre participación —en directísimo directo— de Víctor Alonso; empresario, fotógrafo, coleccionista y experto en cultura pop japonesa. Víctor viene para dotar al programa de profundidad y muchos datos, nutriéndolo con sus comentarios y con una selección de ejemplos "extraños" para determinados sectores del público occidental. Al final, la conclusión es clara: Akira Toriyama, desde su propio ámbito, posiblemente fue la llave de entrada a Europa de videojuegos y música que hoy en día se consideran piedras angulares en la historia del medio. Por último, como acostumbramos con cada entrega numerada de la temporada, llega Pablo Naop con un cóver y una historia personal con la obra de Toriyama que dan mucho qué pensar. ¿Nos acompañas en este viaje? ¡Recuerda que a través del siguiente enlace puedes acceder a otras páginas relacionadas con el podcast, como su página de Ko-fi y su tienda en LaTostadora! https://linktr.ee/pxelsonoro

Querid@s oyentes, a tiempo para el lanzamiento de Final Fantasy VII Rebirth concluimos nuestro ciclo de dos episodios dedicados a Final Fantasy VII con un programa muy profundo pero, de igual modo, muy variado, con muchos colores. En la primera parte nos adentraremos en la mente de Cloud, un personaje al que relegamos a un segundo lugar en el anterior episodio, y lo haremos para analizar qué nos puede contar la música sobre sus numerosos y graves conflictos internos. En consecuencia, este episodio no trata solo sobre la música sino también sobre la importancia que adquiere esta cuando se trata de expresar qué siente el avatar y también a la hora de establecer vínculos con el jugador. En ese sentido, algunos de los temas de la Banda Sonora Original de Final Fantasy (1997) contienen elementos que nos pueden hacer pensar que existen motivos musicales consagrados a Cloud. Así, llegamos al análisis del tema principal de Final Fantasy VII, del cual se cree es un «tema de Cloud» oculto y que, por añadido, se construye a modo de reflejo de la estructura narrativa del juego. Por eso el episodio se titula «el mundo a través de los ojos de Cloud». Hablamos también de la estructura narrativa en cuatro actos «kishotenketsu» por medio de un reciente trabajo de investigación y análisis musical llevado a cabo por Richard Anatone, quien emplea este esquema para efectuar su análisis musical. Por otra parte, como es habitual, Pablo Naop nos traslada al lejano Cañón Cosmo con un cover de esos que quedan para el recuerdo. Además, en este episodio nos hemos guardado una SORPRESA para la sección final. Nos acompaña Adrián Suárez, reputado redactor en medios como GTM, 3DJuegos y Revista Manual y escritor de libros como «Los secretos de las Tierras Intermedias» y el reciente «Los secretos de Hyrule. Más allá de The Legend of Zelda». Adrián viene para aportar una gran cantidad de datos sobre el diseño de los personajes de Final Fantasy VII, sobre la narrativa y sobre la construcción del mundo del juego, así como para hablar sobre los dos temas centrales de este episodio: identidad y nostalgia. Por último, tenemos NUEVO SORTEO de la mano de Héroes de Papel. En este caso sorteamos una edición limitada SOLDADO impresionante del libro «Cómo se hizo Final Fantasy VII/Remake» escrito por Raphael Lucas. Para participar podéis comentar en Ivoox y Spotify, compartir la publicación del episodio en X/Twitter o también el episodio en Instagram mencionando a @pixel_sonoro y a Héroes de Papel. El GANADOR del anterior concurso ha sido: ¡José Manuel Garrote! Muchas felicidades. Bibliografía de ambos episodios Anatone, Richard ed. «Introduction». En The Music of Nobuo Uematsu in the Final Fantasy Series. Bristol: Intellect, 2022. Anatone, Richard. «Final Fantasy VII´s Musical Legacy». Journal of Sound and Music in Games, vol. 4, 4: 1-14. Boym, Svetlana. The Future of Nostalgia. New York: Basic Books, 2001. Bribitzer-Stull, Matthew. Understanding the Leitmotif: From Wagner to Hollywood Film Music. Cambridge: Cambridge University Press, 2015. Courcier, Nicolas y Mehdi El Kanafi. La legénde Final Fantasy VII. Trad. por Cristina Quintana Déniz. Epub: Titivillus, 2014. Dalhaus, Carl. Estética de la música. Trad. Juan Luis Milán. Reinchenberger: Zaragoza, 1996. Hooper, Giles. «Sounding the Story: Music in Videogame Cutscenes». In Emotion in Video Game Soundtracking, edited by Duncan Williams and Newton Lee, 115–141. Cham, Switzerland: Springer International Publishing, 2018. Kizzire, Jessica. «The Sound of Good and Evil in Final Fantasy VII». Journal of Sound and Music in Games, vol. 4, 4: 71-87. Leone, Matt. 500 años después. La historia de Final Fantasy VII a través de sus creadores. Sevilla: Héroes de Papel, 2020. Lucas, Raphael. Cómo se hizo Final Fantasy VII/Remake. Sevilla: Héroes de Papel, 2023. Ross, Alex. El ruido eterno. Escuchar el siglo XX a través

ALERTA SPOILER! Bienvenid@s querid@s oyentes a un programa muy esperado de Píxel Sonoro; uno que inaugura una serie de dos episodios dedicados a la música de Nobuo Uematsu para Final Fantasy VII. En este primer episodio, nos centramos en los precedentes del videojuego, en las claves de su relevancia en la industria, en la figura del compositor y, especialmente, en una dualidad palpable durante el transcurso del juego: la pugna entre el bien y el mal que se representa, principalmente, en los personajes —y los temas— de Aeris y Sefirot. En este programa te contamos cuál es la aproximación compositiva de Uematsu a la entrega y tratamos de arrojar luz sobre cómo la música expresa esta gran dicotomía y cómo se inserta en la estructura narrativa del juego. Además, tenemos al gran Alber Muñoz poniendo voz a Nobuo Uematsu y Pablo Naop llega con un cóver grácil y ligero, como la propia Aeris. Y, para rematar, TENEMOS SORTEO. En este episodio sorteamos entre los oyentes un ejemplar del libro «500 Años Después: La Historia de Final Fantasy VII a Través de sus Creadores» editado por Héroes de Papel y que podéis conseguir de las siguientes formas: 1. Dejando un comentario en el programa en Ivoox o Spotify sobre el podcast o vuestra experiencia con la música de FFVII. 2. Compartiendo el episodio en Stories de Instagram etiquetando a Héroes de Papel. 3. Retuiteando en X/Twitter la publicación del programa siguiendo a Héroes de Papel, a ser posible acompañando el retuit con vuestras experiencias con la música o con el programa. ¡Acompañadnos! Fuentes bibliográficas: Anatone, Richard ed. «Introduction». En The Music of Nobuo Uematsu in the Final Fantasy Series. Bristol: Intellect, 2022. Anatone, Richard. «Final Fantasy VII´s Musical Legacy». Journal of Sound and Music in Games, vol. 4, 4: 1-14. Bribitzer-Stull, Matthew. Understanding the Leitmotif: From Wagner to Hollywood Film Music. Cambridge: Cambridge University Press, 2015. Courcier, Nicolas y Mehdi El Kanafi. La legénde Final Fantasy VII. Trad. por Cristina Quintana Déniz. Epub: Titivillus, 2014. Dalhaus, Carl. Estética de la música. Trad. Juan Luis Milán. Reinchenberger: Zaragoza, 1996. Hooper, Giles. «Sounding the Story: Music in Videogame Cutscenes». In Emotion in Video Game Soundtracking, edited by Duncan Williams and Newton Lee, 115–141. Cham, Switzerland: Springer International Publishing, 2018. Kizzire, Jessica. «The Sound of Good and Evil in Final Fantasy VII». Journal of Sound and Music in Games, vol. 4, 4: 71-87. Leone, Matt. 500 años después. La historia de Final Fantasy VII a través de sus creadores. Sevilla: Héroes de Papel, 2020. Ross, Alex. El ruido eterno. Escuchar el siglo XX a través de su música. Trad. Luis Gago. Barcelona: Seix Barral, 2009. Shahmehri, Demetrius. «A Great, Never-Ending Sky. Musical Memory and the Desire for Openness in Final Fantasy VII». Journal of Sound and Music in Games, vol. 4, 4: 88-107. Yee, Thomas B. «Battle Hymn of the God-Slayers: Troping Rock and Sacred Music Topics in Xenoblade Chronicles». Journal of Sound and Music in Games 1, no. 1 (2020): 2–19.

¡Saludos querid@s oyentes! Antes de nada os informo de que ESTAMOS DE CELEBRACIÓN, ¡Píxel Sonoro ha cumplido 3 años esta semana! Y aquí lo vamos a celebrar como mejor sabemos: con buena música y excepcionales invitados. En este episodio nos visita Eduardo de la Iglesia, reputadísimo compositor y diseñador de sonido con más de 22 años de experiencia en la industria, quien ha participado en varios lanzamientos de finales del pasado año: «Song of Nunu: A League of Legends Story» y «Lords of the Fallen», en ambos casos en el diseño de sonido; y también en una joya muy reciente, «American Arcadia», del estudio madrileño Out of the Blue, para el que Eduardo ha compuesto también la música. Este último va a ser el protagonista del programa por su original propuesta sonora, aunque también aparecerán otros juegos, como el fascinante «Call of the Sea» del mismo estudio. Además, llega Pablo Naop con un Cover de Persona 3 de lo más interesante, puesto que la aproximación es un poquito anómala... ¡Os va a encantar! En definitiva, en este episodio entramos de lleno en territorio inexplorado, efectos de sonido, con un testimonio que, a buen seguro, os va a hacer replantearos el modo en el que creéis que se construye el sonido de un videojuego. Y, por supuesto, con mucha música. ¡Acompañadnos!

¡Feliz Año Nuevo para todxs los oyentes de Píxel Sonoro! Este programa te lo dedicamos a tí, que eres un enamorad@ de la música de videojuegos, para que recibas el año como se merece, aunque este "directo" lo puedes oír cuando tú quieras. ¿Hart@ de escuchar siempre las mismas composiciones de los mismos autores en el Concierto de Año Nuevo de Viena? 😜 No te preocupes, ¡tenemos la alternativa! Un año más, abrimos las puertas del Píxel Sonoro Musikverein para que nuestra orquesta virtual te deleite con una selección increíble de arreglos de algunos de los temas musicales más icónicos de la historia del medio y otros más inusuales. ¡Que 2024 venga cargado de juegos y música!

Este vuestro podcast sobre música y sonido en videojuegos regresa con un nuevo y súper emocionante programa que ha costado tanto esfuerzo como satisfacción ha dado, ¡Por favor, qué divertido ha sido grabarlo! Con motivo de la salida del próximo Persona 3 Reload, en este programa abordamos el perfil de Shoji Meguro, una de las principales figuras musicales de ATLUS y compositor, entre otros muchos trabajos, de la maravillosa música de Persona 5; el título que protagoniza nuestro monográfico de hoy. En este programa trataremos de definir bien qué es cada cosa en Persona 5 y cómo podría explicarse el modo en el que funcionan algunos de sus temas musicales en relación con la psique del protagonista. Además, viene Pablo Naop con un Covermanía de infarto; con otra versión de esas que quitan el hipo, en definitiva. Para terminar, tenemos sorpresita. Y es que nos visita mi buen amigo Víctor Alonso para hablarnos de las cafeterías en Tokyo en general y de los "audiofile café" en particular. Es decir, que vamos a vivir la experiencia de estar en una cafetería en Tokyo desde aquí mismo. Para terminar Víctor Alonso nos trae UN SORTEO INCREÍBLE de una de sus obras fotográficas que podéis conseguir comentando en redes sociales o en los episodios en vuestra plataforma. Este es el último programa de 2023 y me gustaría agradeceros a tod@s el estar ahí, espero que este programa, aunque largo, os alegre un poquito más estas navidades. ¡Nos vemos en el metaverso!

Bienvenidos una vez más, querid@s oyentes, a otra edición de Pixel Sonoro Entretiempos; la versión reducida del formato habitual, pero no por ello menos interesante. Hoy hablamos brevemente de la carrera que se produjo, a comienzos de la década de 1990, entre diferentes empresas productoras de videojuegos por implementar el codiciado audio en tres dimensiones en sus títulos. Mencionamos, como no podía ser de otra forma, sistemas como Dolby Surround, THX o Pro-Logic; sin embargo, como soy un nostálgico, la mayor parte del programa estará consagrado al sistema de audio virtual 3d QSound, que incorporaron, en esos años, un buen número de títulos de Sega Mega CD y, especialmente, casi una veintena de placas CPS2 de Capcom y, entre ellas, la de Super Street Fighter II. Además, solo me queda decir que este programa se ha grabado en UN ARCADE CENTER REAL, promesa. ¡No te lo pierdas! Entrevista con Scott Willing: https://web.archive.org/web/20150117140414/http://www.soundonsound.com/sos/1995_articles/nov95/qsound.html Datos adicionales: SegaRetro, manual de instrucciones de la versión de Mega CD de «Ecco the Dolphin» (1993) y el artículo «Soundscape» contenido en el número de octubre de 1993 de la revista EDGE. Síguenos en nuestras diferentes plataformas: https://linktr.ee/pxelsonoro

Que la noche os abrace para escuchar este nuevo episodio querid@s oyentes. El pasado agosto salió uno de esos juegos que te hacen removerte por dentro cuando te encuentras inmerso en su planteamiento. The Cosmic Wheel Sisterhood es la más reciente creación del estudio valenciano Deconstructeam; un diamante en bruto; una propuesta singular y sobrecogedora. Hoy nos visita Paula Ruiz «Fingerspit», creadora de la música de este juego y de otros anteriores del mismo estudio. Paula es, al igual que The Cosmic Wheel Sisterhood, una compositora con un estilo muy personal que, sin duda, dejará asombrad@s a aquellos que no hayan tenido la oportunidad de entrar en contacto directo con su obra. Aquí nos cuenta cómo se hizo la música de este título cósmico que nos ocupa hoy… Si podéis, experimentad el programa de forma todo lo introspectiva posible; merecerá la pena. Además, a colación de algunas de las influencias más notorias de Paula Ruiz Fingerspit, hablamos brevemente, en nuestra introducción, de un ¿subgénero del rock? Denominado “post-rock”, sobre el que se ha escrito mucho y que hace gala de una sonoridad inconfundible. Por si esto fuera poco, cierra el programa Pablo Naop con otro maravilloso cover, como viene siendo costumbre, pero que guarda relación con la compositora. ¡Únete a este viaje cósmico!

Saludos querid@s oyentes!!! Volvemos una semana más con un programa repleto de curiosidades y de buena música; mejor que buena, yo diría. En este episodio viajamos hacia finales de la década de 1990 para hablar de la banda sonora de Street Fighter 3 (en sus tres ediciones) que supuso un auténtico cambio de rumbo en cuanto a su concepto. Así, en Street Fighter 3 se inició un cambio hacia sonoridades próximas al jazz fusión y a la música electrónica de baile; una revolución que terminaría en Street Fighter 3: Third Strike, título cuyo punto de partida fue la estética hip hop. De todo esto saldrán muchas curiosidades, garantizado. Además, nos visita Pablo Naop con un cover increíble del tema Jazzy NYC 99 de SF3: Third Strike que os va a encantar. Por último, en la recta final del programa, comentamos algunas curiosidades del diseño y la integración de la música en el flamante Street Fighter VI, el último título de la serie numerada. SF6 se encuentra en conexión con SF3 y uno de ellos podría ser la música, pero es que la aproximación del equipo de sonido de CAPCOM esta vez dejó detalles muy interesantes, más allá de una vuelta a la estética Hip Hop como punto de partida. Jazz fusión, drum n bass, dance, rap, trap, techno... Tenemos de todo y mucho más en este episodio, ¡Lo vais a disfrutar! ¡Acompañadnos!

Un gran saludo a tod@s l@s oyentes de Píxel Sonoro. Esta semana nos embarcamos en un viaje que nos llevará a recorrer algunos de los juegos en los que ha aparecido el easter egg musical más famoso de la historia del videojuego: la "Canción de Totaka". Para ello, repasaremos algunas de las principales obras de Kazumi Totaka, su principal artífice, y determinaremos qué implicaciones generan este tipo de prácticas por parte de Nintendo. Porque la Canción de Totaka ya no es simplemente un easter egg, sino que es algo más; una especie de sello de Nintendo, como otros muchos. Y ahí está el trasfondo de todo este asunto: el legado musical que Nintendo lleva cultivando desde sus comienzos y que le confiere identidad propia a sus franquicias. Además, Pablo Naop nos visita con ¡dos covers por el precio de uno! Si quieres descubrir más covers, no olvides escuchar su podcast Mega Mixtape. ¡Qué mejor manera que esta para recibir un juego como Super Mario Bros Wonder!? ¡Acompañadnos! Vídeo de Thomas Game Docs sobre la voz de Yoshi: https://www.youtube.com/watch?v=r5cz6H3PTc4&t=196s Análisis de la música de Wii Shop en 8bitmusictheory: https://www.youtube.com/watch?v=fc_Sk26qOHk Phil Bond sobre la búsqueda de la Canción de Totaka: https://www.youtube.com/watch?v=eLMAgcGA8Dw&t=244s ¡Nos oímos!

Saludos, querid@s oyentes. Hacía ya bastante tiempo que rondaba por mi cabeza la idea de dedicarle un programa a Blasphemous, uno de los juegos más representativos de la suma importancia que adquiere la conceptualización de la música con vistas a generar una identidad propia. Identidad que, no me cabe la menor duda, ha fascinado al público nacional e internacional a partes iguales. Con la excusa del reciente lanzamiento de Blasphemous II, en este programa contamos con el ejecutor de ese concepto musical: el genial Carlos Viola; uno de los compositores nacionales del momento. Carlos viene a Píxel Sonoro a dar testimonio de algunos detalles increíbles de esta segunda parte, de los cuales no se ha hablado en otros medios (o al menos yo no lo he visto) y, por añadido, a contarnos qué hay detrás del enorme telón que cubre el legado musical de Blasphemous. Hablamos, en definitiva, de las raíces musicales del juego, de sus inspiraciones, de la intrahistoria... ¡No os lo podéis perder de ningún modo! Además llega Pablo Naop con Covermanía y, qué decir, os va a sorprender!! ¡ALERTA! Ganador del sorteo de Summum Aeterna del programa anterior es Angel Osuna. Se ruega al agraciado que contacte a [email protected] indicando la plataforma deseada para entregarle el código. Gracias a todos por participar. Más enlaces a Píxel Sonoro: https://linktr.ee/pxelsonoro ¡Perfil del programa en Ko-fi! : https://ko-fi.com/pixelsonoro Ahora también tenemos tienda en La Tostadora: https://www.latostadora.com/shop/pixelsonoro/?shop_trk

¡Volvemos, una semana más, a las ondas digitales del podcasting con un programa cargado de contenido musical! Continuamos y terminamos con la serie de programas dedicados a los compositores de la época temprana del videojuego en España —y no tan temprana, como comprobaréis— con la visita de un compositor mítico como Alberto González McAlby. McAlby, quien militó primero en New Frontier y luego en Bit Managers, fue una de las pocas personas que pudo dedicarse a la composición musical a nivel comercial durante la década de 1990 en España; trabajo que desempeñó en títulos lanzados para una amplia variedad de consolas, tanto de sobremesa como portátiles. Efectivamente, Game Boy fue una de las plataformas habituales con las que trabajó en estos años, pero también otras como NES, SNES, SGG, Playstation o Game Boy Advance. Es, sin lugar a dudas, una de esas voces de la experiencia imprescindibles de escuchar si amas la historia del videojuego y, desde luego, su música. Además, tenemos SORPRESA. En el primer tramo del programa nos acompaña el gran Nacho Teruel, compositor interino de Aternum Game Studios, para presentarnos Summum Aeterna, el nuevo roguelike del estudio que creó el mundo de Aeterna Noctis. Para celebrar su reciente lanzamiento, y gracias al estudio talabricense, en este programa ¡SORTEAMOS UNA COPIA DIGITAL de Summum Aeterna! Escucha la primera parte del programa para saber como participar. El juegazo lo merece. En resumen, mucha música, mucho contenido y la misma ilusión de siempre. Acompañadnos!!! Perfil de Alberto González McAlby en Soundcloud: https://podcasters.ivoox.com/#/episodes/upload#2 Perfil de Bit Managers en DEVUEGO: https://www.devuego.es/bd/festudio/bit-managers Escucha la OST de Summum Aeterna en Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/album/15PVOx6OYnpgs3h40nx2gb?si=wShGFl87TtOvKGBrJ7904g Mail del podcast: [email protected] Enlaces de interés (otras plataformas, LaTostadora, Ko-fi): linktr.ee/pxelsonoro

Querid@ oyente, ofrecer una descripción de este programa me resulta especialmente difícil porque aquí se tratan temas dispares y fenómenos musicales complejos que no tienen que ver únicamente con videojuegos. Hoy hablaremos de la música del maravilloso arcade de conducción OutRun, desarrollado por SEGA y lanzado en el año 1986. Diseccionaremos el proyecto de Yu Suzuki (la mente detrás del producto) y, desde luego, la obra de Hiro Kawaguchi quien, con el paso de los años, se ha convertido en un referente del sonido SEGA. Contaremos con un invitado excepcional como David Gigo para hablar de algunos de los aspectos de tres de los cuatro tracks que componen la banda sonora. Además, llega el gran Pablo Naop con un Cover que quita el aliento. Además, por si toda esta aproximación no tuviese ya la suficiente enjundia, en la segunda parte del programa nos sumergiremos en el desarrollo del subgénero de la electrónica típicamente conocido como Synthwave, Retrowave, Futuresynth o, también, OutRun. ¿Por qué? ¿Qué tiene que ver el arcade de SEGA con la subcultura Outrun y su estética? ¿Qué elementos la componen? Hablaremos, en definitiva, sobre el lugar privilegiado que ocupa la música en esta ecuación y qué vínculos la aproximan al juego (y cuáles no). Acompañadnos!!! Enlace al perfil de Hiro Kawaguchi en VGMO: http://www.vgmonline.net/hiroshikawaguchi/ Característica de la cabina OutRun en Arcade Museum: https://www.arcade-museum.com/game_detail.php?game_id=8938 Enlace al documental synthwave de Vosto Vlad: https://www.youtube.com/watch?v=efvQvaN5AI8&t=456s Gelbar "SynthStuff Ep.1 A history of synthwave": https://www.youtube.com/watch?v=k3brwm9OLEA&t=305s

Saludos a tod@s nuestr@s querid@s oyentes! Volvemos una semana más con una nueva entrevista de esas que buscan remover el pasado, el presente y los corazones de todo aficionado a la música de los videojuegos. En este episodio nos visita otro compositor mítico de la Edad de Oro del Software Español (y más allá), José Antonio Martín Tello, quien, entre otras cosas, destacó por sus trabajos en Commodore Amiga, una «máquina musical de ensueño». En este programa nos asomaremos brevemente a la historia de Commodore Amiga y repasaremos la trayectoria de este magnífico músico, que además hace muy poco lanzó un libro con sus memorias titulado «Bits Armónicos y Pijamas de Monos» —editado por Dolmen—. Finalmente, Pablo Naop nos trae un Cover salvaje de la música introductoria del mítico Turrican, cuya música original corrió a cargo del legendario compositor de sistemas Commodore Chris Hüelsbeck. No os lo podéis perder! Aquí el enlace al perfil de Soundcloud de Ayer en Albania: https://soundcloud.com/search?q=ayer%20en%20albania Compra «Bits Armónicos y Pijamas de Monos»: https://dolmeneditorial.com/tienda/bits-armonicos-y-pijamas-de-monos/ Podcast Mega MixTape en Spotify: https://open.spotify.com/show/7lytpJqhZ4aj989F3l43Z7?si=198e371080034d38 Enlace a plataformas de podcasting, perfil de Ko-fi y la tienda en LaTostadora: https://linktr.ee/pxelsonoro Gracias!

En este nuevo y apasionante programa nos adentramos en el recóndito paraje de la Tierra Prohibida, para señalar algunas cuestiones fundamentales que rodean y constituyen la banda sonora de Shadow of the Colossus, ese juego de culto desarrollado por el Team ICO y publicado en 2005 para ps2. Aquí, cuando se habla de banda sonora se hace en sentido abierto. Hay una parte del diseño sonoro de Shadow of the Colossus que es crucial para toda la propuesta: la ausencia de música, el silencio que ocupa una gran porción del juego. Asimismo, vamos a resaltar de qué modo los signos musicales pueden transmitir los conflictos morales a los que se somete el jugador y, de igual modo, cómo estos se emplean para representar lo que sucede en el "gameplay" de forma casi pictórica. Además, esta semana Pablo Naop nos trae en Covermanía una pedazo de versión, a cargo de la célebre banda The Consouls, que no te puedes perder. ¡Quedáos porque es un viaje colosal! ¡Emocionante! Sigue este enlace para descubrir más sitios en los que se encuentra el podcast, así como links al perfil de Ko-fi y de LaTostadora: https://linktr.ee/pxelsonoro

Saludos querid@s oyentes de Ivoox! Sirva este episodio como píldora de entretenimiento para que os ayude a llevar mejor el verano y como anticipo de lo que vendrá en el siguiente programa... Estamos dando muchas pistas aunque, a priori, no haya relación entre el mito de la diosa del sol Amaterasu y lo que vamos a narrar en el próximo episodio. Pero oye, que no sea por no trazar puentes =D Escúchanos en: https://linktr.ee/pxelsonoro Ko-fi: https://ko-fi.com/pixelsonoro Ahora también tenemos tienda con tazas y esas cosas!: https://www.latostadora.com/shop/pixelsonoro/?shop_trk

Saludos querid@s melómanos videojueguiles. Para mí todos los episodios son especiales por el gran cariño y trabajo que hay detrás de cada uno; sin embargo, este en concreto inaugura una serie de episodios en los que vamos a viajar a la «edad de oro del software español» de la mano de algunos de sus protagonistas. Como no podía ser de otro modo, el primero será César Astudillo, más conocido como «Gominolas», uno de los compositores míticos de la época, eternamente ligado a la productora Topo Soft. Quedáos con nosotros tanto si vivistéis la época como si no porque el programa lleva aparejada, de manera casi implícita, la invitación a reflexionar sobre la volubilidad de la figura del compositor en estos años y las convenciones que normalmente damos por hechas sobre la creación y aplicación de la música en el videojuego. Esta es, además, una de las entrevistas más divertidas que se han publicado en el podcast debido al carácter hiper jovial de «Gominolas», quien además es una auténtica fuente de sabiduría. Un gran honor contar con él aquí. ¡Espero que lo disfrutéis!

Este episodio lo dedicamos a explorar algunos aspectos de la propuesta musical de un juego reciente, Atomic Heart, desarrollado por el estudio Mundfish y publicado el pasado 21 de febrero. Atomic Heart es otro ejemplo de distopía ucrónica, en este caso, una URSS hiper avanzada tecnológicamente en 1955 en el que la Academia de las Consecuencias ha logrado calcular y simular las ondas de la radio del futuro, ¿muy loco no? Pero esto no es todo, aprovechando la excusa del increíble apartado sonoro del juego, hablaremos brevemente de diversas formas en las que los jugadores escuchamos la música de los videojuegos; cuatro tipologías diferentes para ser más concretos, según señala el doctor Michiel Kamp en su tesis «Four Ways of Hearing Video Game Music». En definitiva, este episodio es para descubrir nueva música de mucha calidad y explorar a fondo el mundo sonoro que presenta la Unión Soviética alternativa en Atomic Heart. Todo un viaje. No olvides comentar tus impresiones con nosotros ¡ahora también en Spotify! Además, aquí puedes encontrar algunos enlaces de interés del programa, incluyendo la cuenta de Ko-fi por si deseases contribuir al proyecto: https://linktr.ee/pxelsonoro Hasta la siguiente!

En este brevísimo "entretiempos" me desplazo a Madrid para presenciar un evento apadrinado por Gustavo Santaolalla, más conocido en nuestro mundillo por ser el compositor de The Last of Us, aunque en realidad él es un prestigioso compositor de música para cine (con 2 Oscar en su haber) y un grandísimo músico con más de cincuenta años de experiencia. Este programa se disfruta mejor con auriculares =D