Podcast La Casa Encendia

Han Nefkens (Róterdam, 1954), mecenas y escritor afincado en Barcelona, estudió Periodismo en Francia y en Estados Unidos. En 2006, crea la Fundación ArtAids, organización sin ánimo de lucro que utiliza el arte en la lucha contra el sida invitando a artistas reconocidos a crear piezas que traten sobre la enfermedad y cuestiones relacionadas. Estas obras de arte se usan para aumentar la concienciación pública, para mejorar la actitud de la sociedad hacia las personas seropositivas. Además, ArtAids financia proyectos enfocados a prevenir y combatir el sida, e interviene en ámbitos culturales, educativos y de la salud pública. Ha desarrollado proyectos en Asia, África, España, Holanda, Bélgica, Suiza y Francia. En paralelo a los proyectos con la Fundación ArtAids, Nefkens ha impulsado otros para H+F Curatorial Grant, H+F Fashion on the Edge, H+F Patronage y Fundación Han Nefkens, cuyo denominador común es la apasionada voluntad de compartir. “El acto de dar es uno de los valores más infravalorados de nuestra sociedad. Al crear algo que puedo compartir con otras personas consigo formar parte del mundo. Cuando compartes, no estás solo”, afirma Nefkens. Recientemente, ha sido galardonado con el prestigioso Zilveren Anjer 2011 (Clavel de plata) que reconoce la labor de personas que realizan contribuciones altruistas y extraordinarias a la cultura holandesa. En junio de 2011, Han Nefkens recibió esta condecoración de manos de la Reina Beatriz de Holanda.

Una excusa perfecta para regresar a las calles de Detroit y sumergirnos en los albores del techno de la mano de algunos de sus protagonistas. Coloquio con la directora tras la proyección.

Documental definitivo sobre la tragedia del colapso de The Clash, uno de los grupos más importantes de la Historia del rock 'n' roll. Rise and Fall of The Clash, de Danny García. Reino Unido, 2012. 90 min. VOSE Presentación de la película a cargo de su director. La biografía definitiva de la caída en desgracia de The Clash tras su actuación en el SHEA Stadium de Estados Unidos, en lo más alto de su carrera. Su historia es una de las más impactantes de la industria musical de los años 80 y nunca antes se había contado la tragedia del colapso de uno de los grupos más importantes de la historia del rock 'n' roll.

Uno de los miembros más destacados del panorama jazzístico neoyorkino desde 2003, el trompetista Peter Evans está inmerso en escenas varias, ya sea como solista, con su cuarteto y quinteto o como miembro del combo de bebop salvaje Mostly Other People Do The Killing. Entre otros proyectos se suman sus colaboraciones con Christian Marclay, Nate Wooley, Mary Halvorson, Evan Parker, John Zorn, Tony Buck, etc. A nivel personal, su lenguaje se arma como una combinación de pasión inquisitiva y de meticuloso análisis de la topografía y materialidad de la trompeta, donde los clichés del jazz saltan por los aires. Con su quinteto ha grabado esa maravilla autopublicada que ha titulado Ghosts (2011, More is More), donde se juega con una sobreabundancia de información, textos, situaciones, abstracciones y visiones que garabatean un diálogo entre el presente y el pasado-futuro del sonido, donde la improvisación articula tanto el papel de las diferentes voces como el material notado acosado por enfoques históricos e idiomáticos. Su quinteto lo integran Tom Blancarte (bajo), Carlos Homs (piano), Jim Black (batería) y Sam Pluta (procesando en tiempo real el sonido de sus compañeros), músicos que se merecerían cada uno una glosa de sus respectivas virtudes. Un viaje de lo conocido (standards canibalizados) a lo que está por llegar.

jaime Conde Salazar es dramaturgo, teórico y crítico de danza. Participa en el festival In-Presentable con una pieza escénica y reflexiona sobre las maneras de producioón y de presentación de las prácticas artísticas y cuál es la misión de los artistas en una sociedad en crisis

Ejemplo del papel esencial que tiene en su obra el rock and roll, la supervivencia de referencias en su memoria poética y la melancolía, la película es la encarnación de voces para un souvenir largamente disecado, por el que transitan deseos y tiempos no vividos. El proyecto, comisariado por Alicia Chillida y Alexis Callado, ha sido producido por LCE en colaboración con la AECID y el Institut Ramon Llull. Carlos Pazos (Barcelona, 1949) estudia Arquitectura en la Universidad Politécnica de Barcelona, Filosofía en la Universidad de Barcelona y Diseño en la Escuela EINA. Ha recibido el Premi Nacional d’Arts Visuals de la Generalitat de Catalunya en 2008, el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en 2004 y el Premio Villa de Madrid (Mariano Benlliure) en 2003. Hizo su primera exposición individual en enero de 1970 y en 2007 realizó la exposición retrospectiva “No me digas nada” en el MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona) y en el MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía). Para esta exposición preparó la película Mnemocine. Película Recortable, un collage audiovisual constituido por 11 episodios, de 26 minutos de duración. En 1975 inició la serie “Voy a hacer de mí una estrella”, que se presentó en La Sala Vinçon de Barcelona un año después y que, entre otras actuaciones y manifestaciones, dio lugar a la perfomance y exposición “The Floor of Fame” en el Centre Georges Pompidou de París en 1978. El último capítulo de la saga, no cerrada, es “Robados”, presentado en la Galería Raíña Lupa de Barcelona en 2009. Su amor por la música y la noche le llevó a dirigir salas de baile (Salón Cibeles, 1978-1983), cocktails bars (Bijou, 1983-1986) y bares musicales (Je-rrix, 1994-1995, local en el que se estableció la sede de su club de fans, el "C.P.FANS CLUB", creado en diciembre de 1994). En enero de 1995, funda en Nueva York, junto al artista Steven Pollack, la asociación esporádica en activo "Vodoo Victims" y en 1999 "Mic y Mau", con el fotógrafo Luis Ros, desactivada en 2009. Además, desde 2004 colabora con Pascal Comelade en libros, vídeos y conciertos. Su carácter inquieto y curioso se refleja en su obra y en las múltiples actividades que realiza. Así, en 1987 protagoniza la película Es quan dormo que hi veig clar, de Jordi Cadena, sobre poemas de J. V. Foix. En 1998, dirige y realiza la escenografía de la obra teatral El bell lloc, de Joan Brossa, estrenada en el Espai Brossa de Barcelona. Ese mismo año, publica El mundo del ritmo (Tabelaria + Antojos), en colaboración con Eduardo Mendoza, y actúa como protagonista en el vídeo "Pianito", de Jordi Colomer. En el 2002, escribe y publica el guión de la película, en espera de productor, Aquí en la tierra como en el infierno, y en diciembre del 2004 publica su primer libro de textos Garabatos y Zarpazos (Universidad de Barcelona), del cual se realiza la 2.ª edición en 2007, año en el que también publica Fidelidad Total (Raíña Lupa ediciones), en colaboración con Ramón de España; en 2008 Diodrama, con textos de Eduardo Lago, editado por Atelier Clot de París; en 2011 …y entre paréntesis un blues inacabable, con texto de Ramón de España y música de Pascal Comelade, editado por La Naval (Cartagena). En la actualidad, tiene pendiente de publicación su segundo libro de textos Pimpollos y Papanatas.

Lugo, 1977. Artista multidisciplinar. Licenciado en Bellas Artes, se forma paralelamente en danza contemporánea y teatro-performance. Ha sido becado en 2010 por Gas Natural - FENOSA para residir en Berlín y New York; en el 2008 por el Centro Coreográfico Galego y la Comunidad de Madrid; en el 2005 por La Casa Encendida y en el 2004 por el INJUVE. Actualmente disfruta de una beca de residencia el Museo de Gas Natural FENOSA de A Coruña. La obra Existe en nuestra cultura una figura mediadora entre el estado y el pueblo que nace con la intención de hacer reinar el orden en lo social. Esta performance escénica busca profundizar en las estrategias a seguir por este colectivo de personas a la hora de garantizar dicho orden, y, lejos de buscar un tratamiento panfletario del tema, nos planteará situaciones desde un punto de vista simbólico, a veces lúdico e interactivo, que nos harán reflexionar sobre la esencia de dicha figura.

El trio escandinavo/británico Phronesis tiene la habilidad y capacidad de impresionar, excitar, inspirar y conmover como pocas otras formaciones de jazz actual. En 2010 Phronesis cautivó al público británico y son considerados como uno de los mejores trios de jazz en Inglaterra. El album debut Organic Warfare salió en 2007 en Loop Records. Su segundo y aclamado album Green Delay salió en 2009 y fue elogiado por The Guardian, Jazzwise (lo calificó como uno de los 10 mejores discos del 2009) y The Times. El trio escandinavo/británico Phronesis tiene la habilidad y capacidad de impresionar, excitar, inspirar y conmover como pocas otras formaciones de jazz actual. En 2010 Phronesis cautivó al público británico y son considerados como uno de los mejores trios de jazz en Inglaterra. Fueron nominados a “Mejor Grupo de Jazz” en los Parliamentary Jazz Awards en abril, salieron en la portada de la revista Jazzwise y fueron nominados a “Mejor Grupo de Jazz” en los prestigiosos Mobo Awards en 2010. En 2011 realizaron su primera gira por Estados Unidos incluyendo conciertos en el Festival de Jazz de Ottawa y en el de Montreal y en el legendario Jazz Standard Club de Nueva York. Su tercer album Alive (Edition Records), con el batería invitado Mark Guiliana (Avishai Cohen/Meshell Ndegeocello), salió en julio de 2012 y fue elegido como disco del año por la revista Jazzwise y MOJO Magazine. Ficha artística: MaJasper Høiby: contrabajo. Ivo Neame: piano. Anton Eger: batería.

Un sorprendente número de mujeres en todo el mundo sufrirá violación u otro tipo de violencia de género a lo largo de su vida. Diferentes organizaciones han trabajado para detener la violencia de género en conflictos, pero los resultados no han conducido a una mayor seguridad para las mujeres ni a poner fin a estos crímenes atroces. La sociedad civil ha de unirse para presionar a gobiernos locales y a la comunidad internacional con el fin de acabar con la violencia de género en las guerras. La profesora Jody Williams, ganadora del Premio Nobel de la Paz en 1997, nos contará su experiencia en la coordinación de la campaña internacional para la prohibición de las minas antipersonas a este nuevo esfuerzo global. En aquel momento, Williams se convirtió en la décima mujer ganadora del Nobel en los casi 100 años de historia de este premio. Desde febrero de 1998, ha servido de embajadora de la campaña para la prohibición de las minas antipersonas, impartiendo conferencias por todo el mundo Como otros que han visto los estragos de la guerra, Jody Williams es una activista que lucha para reclamar el concepto real de “paz”, un concepto que va más allá de la ausencia de conflictos armados y que se define por la seguridad humana, no por la seguridad nacional. En 2003, fue nombrada Distinguished Visiting Professor of Global Justice, en el Graduate College of Social Work de la Universidad de Houston. Desde enero de 2006 trabaja en sus objetivos de paz desde la Nobel Women’s Initivative y, en la actualidad, prepara unas memorias sobre su trabajo sobre la justicia social.

Su papel como padre de Marty McFly en Regreso al futuro hizo de él todo un icono generacional. Pero además de actor especializado en personajes excéntricos, Crispin Hellion Glover ha editado libros muy extraños y ha realizado enigmáticas películas. Los días 12 y 13 de junio estará en La Casa Encendida presentando su show itinerante Big Slide Show, sus películas y firmando sus libros. Su papel como padre de Marty McFly hizo de él todo un icono generacional, pero también acabó convirtiéndole en la única persona capaz de desafiar en los tribunales al imperio de Steven Spielberg: cuando este decidió adjudicarle el papel a otro actor en las secuelas de la película, Crispin Glover optó por no permanecer callado. Con el tiempo, Crispin Hellion Glover se erigió en toda una personalidad de culto a través de su querencia por los papeles excéntricos (Los Ángeles de Charlie, Willard, Ferdydurke, Bartleby, Alicia en el País de las Maravillas), pero, en especial, por su labor como auto-editor de libros increíblemente extraños (Rat Catching, Oak Mot, Concrete Inspection) y presentador de sus propios shows itinerantes, en los que proyecta sus enigmáticas películas como director: What is It? e It is Fine. Everything is Fine. Crispin Hellion Glover, vivo ejemplo del poder trasgresor del polimorfo perverso, presentará en persona sus películas y firmará ejemplares de sus libros en el gran broche de oro del ciclo “Luces y sombras de Nunca Jamás”. En los títulos de crédito de What is It?, puede leerse: “Esta película no aboga de ningún modo por el asesinato de Steven Spielberg”. Parafraseándolo, podríamos decir que estas dos sesiones tampoco abogan, de ninguna manera, por el exterminio total de la madurez. Si hay que creerlo a pies juntillas o no, ya es responsabilidad de cada asistente. . Programa 1 - Ma12.Junio De 20.00 a 21.00 h - Crispin Hellion Glover's Big Slide Show (2.ª parte) Crispin Hellion Glover realiza una narración dramática de ocho libros diferentes profusamente ilustrados. Las imágenes de los libros son proyectadas detrás del Sr.Glover durante su actuación. De 21.00 a 22.14 h - It is Fine! Everything is fine!, de Crispin Glover. EE. UU., 2007. 74 min. VOSE Película que se adentra en el universo de Steven C. Stewart, actor y guionista de la película. El personaje, inmóvil tras sufrir una parálisis cerebral, da rienda suelta a su imaginación, generando todo tipo de fantasías que lo sitúan rodeado de un sin fin de mujeres. Un despilfarro visual en una película en la que todo vale. De 22.14 a 23.45 h - Coloquio con Crispin Glover y firma de libros. Programa 2 - Mi13.Junio De 20.00 a 21.00 h - Crispin Hellion Glover's Big Slide Show (1.ª parte) Crispin Hellion Glover realiza una narración dramática de ocho libros diferentes profusamente ilustrados. Las imágenes de los libros son proyectadas detrás del Sr.Glover durante su actuación. De 21.00 a 22.12 h - What is It?, de Crispin Glover. EE. UU., 2005. 80 min. VOSE Cinta surrealista en la que se encuentran muchos personajes extraños entre los que cabe destacar un cómico pintado de negro, Shirley Temple, mujeres con cara de mono, un semidiós con abrigo de piel humana, un hombre que se inyecta sangre de caracoles para convertirse en invertebrado, un bebé-ostra, una madre que obliga a su hijo a inhalar el humo de su pipa... De 22.12 a 23.45 h - Coloquio con Crispin Glover y firma de libros.

Del 14 al 23 de junio se celebra la 10.ª edición del festival In-Presentable, que propone este año un encuentro masivo. 100 artistas: nacionales e internacionales que trabajarán durante los 10 días compartiendo con los espectadores todo tipo de prácticas, discursos, situaciones, acciones y obras. "In-Presentable cumple diez años y en su décima edición termina su proyecto en formato festival. Se necesita un cambio rotundo y un periodo de reflexión para pensar cómo continuar, qué proyectos tienen sentido y cómo ser más eficientes además de eficaces. Proponemos un encuentro masivo. 100 artistas: nacionales e internacionales que trabajarán durante los 10 días compartiendo con los espectadores todo tipo de prácticas, discursos, situaciones, acciones y obras. Un maratón final que pretende ser una sobredosis de procedimientos que dejarán, espero, un caldo de cultivo para empezar, y no terminar, nuestras nuevas prácticas, siguientes proyectos, nuevas relaciones, nuevos tiempos. Toda esta diversidad propuesta por los 100 artistas se organizará en tres franjas horarias: en la primera (18.00 h), tendremos todos los días una presentación. Y tanto en la segunda (20.00 h) como en la tercera (22.00 h) habrá tres presentaciones siempre diferentes ocurriendo al mismo tiempo. Gracias a todos los artistas, a los espectadores y a La Casa Encendida por hacer posible este festival; gracias por desear, curiosear, exigir, criticar, generar y excederos. Es un absoluto placer contar con todos vosotros. Os esperamos, no faltéis, tiene buena pinta." Juan Domínguez

Bajo el nombre de Pigmy se esconde Vicente Macià, el que en su día fue cantante, guitarrista y compositor de Carrots. Su primer disco en solitario, Miniaturas, combina el pop con pinceladas de folk y pequeños guiños psicodélicos. En la actualidad, está terminando Hamsterdam, cuyas canciones viene a presentarnos a La Caja de Música. El disco es “una ópera pop y narrará la vida de un humilde ratón de finales del siglo XVIII que posee la habilidad de escuchar el alma de las personas como canciones y melodías”. Musicalmente hablando, deambula entre el folk, el pop-barroco y la psicodelia, con momentos de gran belleza y arreglos orquestales.

Cada año mueren 200.000 mujeres durante el embarazo y el parto en el África Subsahariana. Esta conferencia pretende concienciar a la sociedad occidental sobre la necesidad de formar más matronas para evitar así la muerte de mujeres que son la clave del desarrollo social y económico en África. Durante las últimas décadas del siglo XX se han incorporado grandes avances científicos que han tenido un reflejo en la mejora de la salud y en el aumento de la esperanza de vida. Sin embargo, en distintas regiones de África se produce una alta tasa de mortalidad maternal, como consecuencia de la falta de atención prenatal y los partos domiciliarios sin atención sanitaria cualificada. Los adelantos en la reducción de la mortalidad y morbilidad maternas dependen de la mejora del acceso de las mujeres a servicios de salud reproductiva de calidad y la utilización adecuada de los mismos. En pleno siglo XXI, se nos presenta un reto necesario: el derecho humano a la salud, tan vulnerado en el continente africano y en otras zonas del mundo en desarrollo. El poder para una transformación duradera de la salud en África reside en sus comunidades y en la labor de mujeres como Esther Madudu. La ponente Esther Madudu, matrona del Centro de Salud de Atiriri, Katione (Uganda), en el que desarrolla diversas funciones que incluyen los servicios prenatales (revisión médica de las madres, asesoramiento a las madres VIH-positivas, educación nutricional, prevención de la transmisión de VIH de la madre al niño) y los servicios de maternidad, incluyendo el parto y el posparto.

Este taller se acercará a la manera de mirar de Diego Lara, sus influencias y modos de asociar temas, trabajando diversos aspectos del mundo de la edición con el fin de realizar un hipotético n.º 0 de Chocolate. Objetivos Acercarse a un conocimiento general del mundo editorial. Buscar un discurso personal activo en un contexto de creación artística. Relacionarse con los diferentes agentes que participan en la concepción de una publicación de carácter artístico. Los profesores: Juan Antonio Molina Foix y Chiqui Abril (edición), Javier Campano y Horacio Fernández (fotografía), Filiep Tacq (diseño gráfico) y Juan Ugalde (arte).

El taller tendrá por objetivo la realización de narrativas colectivas a partir del uso de plataformas digitales (YouTube, Flickr, Google Maps, códigos QR, etc.). Se explorarán los posibles relatos en lugares públicos, revelando un collage de paisajes narrativos en la ciudad. Con los nuevos medios digitales, el ciberespacio permite y propone hoy infinidad de recorridos narrativos posibles. En clase se darán consignas a partir de las cuales los asistentes realizarán una obra colectiva (utilizando plataformas 2.0) que será exhibida al finalizar el taller. La profesora Belén Gache practica diferentes formatos literarios, desde la narrativa en su sentido tradicional hasta maneras expandidas e hipertextuales. Desde 1996, ha producido poemas interactivos en internet, blogs ficción, video poesías, instalaciones sonoras y narrativas multimedia. Su libro Escrituras Nómades es un referente en lengua española sobre formas literarias experimentales. www.belengache.net

Todo sucede en una juguetería. Pinocho es una marioneta inquieta, torpe y alborotadora. Comienza su andadura hace veinte años en Vigo junto a su anterior grupo, Los Piratas. Tras una carrera meteórica con ellos, decide continuar su camino en solitario. Recientemente, ha grabado un disco repasando toda su carrera, Confesiones de un artista de mierda, grabado en directo y con colaboraciones de otros reputadísimos músicos, como resumen a una trayectoria llena de grandes discos y cientos de actuaciones.

En este ciclo de conferencias, contaremos con la intervención de varios "inventores" de alternativas para que ofrezcan vías de esperanza y den testimonio de la eficacia de sus iniciativas. El lunes, 28 de mayo, nos visitará Mbuyi Kabunda, director del Observatorio sobre la realidad social del África Subsahariana (FCA-UAM) y profesor en el Instituto Internacional de Derechos Humanos de Estrasburgo. En relación con la época de la descolonización, África ha pasado de representar el 4% de la economía mundial, en 1960 a representar hoy el 1,8%. Parecen haber fracasado las experiencias del socialismo, del liberalismo y del neoliberalismo. De ahí la apuesta por los Estados Unidos de África, o la integración regional maximalista y endógena. El objetivo es reducir la dependencia del continente y fortalecer la autosuficiencia colectiva. Esta conferencia se enmarca en el Ciclo “Imaginando Alternativas”, cuyo marco es la reflexión en torno a como con la agravación de las crisis (financiera, social, política, cultural, ecológica), muchos ciudadanos tienen la impresión de vivir en una situación aparentemente bloqueada, sin perspectivas, ni aperturas, en un callejón sin salida. Sin embargo, en muchos dominios de la vida social, unos soñadores de nuevo tipo, gracias a esfuerzos de imaginación y de creatividad, están proponiendo soluciones de recambio a los impases actuales. El número de nuevas propuestas de “ingeniería social” es enorme, y su éxito está transformando muchos aspectos de nuestras vidas. Coordina: Le Monde diplomatique en español y Fundación Mondiplo.

De caballeros, , de Adrián Orr. España, 2010. 17 min Jose tiene un pequeño negocio, una peluquería de caballeros. Sus clientes le visitan regularmente para cortarse el pelo, compartir su tiempo, sus historias Juan Cavestany (1967) es guionista, director y autor teatral. Ha escrito los guiones de Los lobos de Washington (Mariano Barroso, 1999) y Guerreros (Daniel Calparsoro, 2002), entre otros. En 2004 salta a la dirección de largometrajes con El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo, al que siguen Gente de mala calidad (2008) y Dispongo de barcos (2010), una propuesta radical que marca una ruptura en su forma de entender el cine. Como autor teatral presentó con éxito en 2010 su texto sobre el mítico boxeador Urtain. La obra, dirigida por Andrés Lima, fue la gran vencedora en la edición anual de los premios Max.

Se propondrá a los participantes el trabajo individual y en grupo con vistas a la producción de diversas experiencias creativas que puedan traspasar o dejar de lado los límites disciplinarios entre artes visuales, danza, teatro, performance, crítica, música o historia. Se trata de crear situaciones experimentales a través de las cuales podamos también cuestionarnos la forma de entender nuestro mundo cotidiano y subvertirlo. Este taller se plantea como un laboratorio de experimentación en el cual el punto de partida será el uso de la propia biografía como elemento generador de material artístico. Tomando como punto de partida textos, documentos y por supuesto el material biográfico propio, se propondrá a los participantes el trabajo individual y en grupo con vistas a la producción de diversas experiencias creativas que pongan en cuestión los límites disciplinarios entre artes visuales, danza, teatro, performance, crítica, música o historia. Se trata de crear situaciones experimentales a través de las cuales podamos también cuestionarnos la forma de entender nuestro mundo cotidiano y subvertirlo. Objetivos: es una propuesta cuyo enfoque está puesto en llevar a cabo con los participantes un trabajo de creación y concepto, no de técnica. La atención vendrá puesta en el proceso como lugar de infinitas posibilidades, y no en el producto o resultado final. El objetivo no es enseñar a los participantes cómo se hacen las cosas, sino generar en ellos un motor de puesta en marcha de la propia creatividad y una visión crítica y autocrítica que vaya más allá del binomio: esto está bien/esto está mal o me gusta/no me gusta. Se trata de ser capaces de enfrentarse con lucidez al propio proceso de creación y al de los demás. La profesora: Paloma Calle, artista madrileña cuyo trabajo se sitúa en el ámbito de la creación escénica contemporánea, ha presentado sus trabajos en teatros, museos, galerías, calles, escaparates, casas privadas y supermercados de diferentes países europeos y asiáticos.

Con dos álbumes para Rough Trade en 2002 y 2005, en este 2011 que acaba de terminar nos ha llegado su tercer largo, "Happy Soup", con el que esté inglés de aire entre insolente y divertido se ha colado en todas partes. Mezclado por Craig Silvey (Arcade Fire, Arctic Monkeys, Portishead), su canciones se alejan del romanticismo oscuro de "Flor Show" para entregarse a una psicodelia mucho más optimista, retratando desde bailes en patios traseros a escarceos amorosos en Portugal. Atrás queda su primer single publicado en 2001, ‘Oscar Brown EP’, single de la semana en NME; ahora, en Regal, comparte sello con estrellones del universo pop, como Tinie Tempah y Katy Perry. Aunque esas mieles, las de la fama, las conoce desde pequeñito, ya que su padre, Ian Dury, irrumpió como elefante por cacharrería en la escena new wave británica de los 70 con The Blockheads, aventuras de estrellatos y despropósitos varios que se documentaron en el biopic ‘Sex & Drugs & Rock & Roll’ (2010), en cuya realización Baxter Dury estuvo también inmerso. Por fin podemos contar ya con su nuevo álbum, compendio de pop soulero de mucho brillo.

Este curso tratará sobre cómo el ocio debe ser valorado en sí, y no entenderse como un complemento al tiempo ocupado (recompensa al trabajo realizado, etc.), o como algo secundario, sino como una necesidad de toda persona para formar parte del contexto social en el que se encuentra. Los Servicios de Ocio para personas con discapacidad intelectual surgen de la necesidad de promover actividades de tiempo libre por las grandes dificultades que muchas de estas personas tienen a la hora de participar de forma autónoma en los recursos de ocio que ofrece la comunidad. Si los comparamos con otros servicios dirigidos a personas con discapacidad intelectual, como educativos y laborales, podemos afirmar que estos servicios son relativamente recientes. Como consecuencia de la concepción del ocio como un derecho universal, entendemos éste como un canal para potenciar la afirmación personal que ha de ser valorado en sí mismo, no debe verse como un complemento al tiempo ocupado (recompensa al trabajo realizado, etc.) o como algo secundario. Las sociedades actuales experimentan cambios económicos que afectan a la organización del tiempo libre de las personas, generando unos mayores tiempos de ocio y una distribución diferente a éstos. Por ello, la oferta a realizar por los Servicios de Ocio públicos y privados ha de ajustarse a ellos. Objetivos Formar a los participantes en metodología práctica, basada en valores para la intervención con personas con autismo. Mejorar la formación de las personas que trabajan o trabajarán en el futuro con personas con autismo. Aumentar las posibilidades de un ocio de calidad para las personas con autismo formando a los profesionales. Cualificar a la comunidad para hacer posible la inclusión de las personas con T.E.A. en los recursos de ocio. Contenidos Introducción al movimiento asociativo y al marco histórico conceptual El autismo Ocio inclusivo Deporte adaptado Sistemas alternativos y aumentativos de comunicación Intervención en actividades de ocio Apoyo conductual positivo Expresión artística y cultural Coordina: María Gómez Carrillo, profesional de la Asociación PAUTA. Los profesores: Carmen Gil Vela, presidenta de la Asociación PAUTA; Francisco Fernández, director de la Asociación PAUTA; Eva Murillo,profesora de Psicologia de la UAM y miembro de la junta directiva de AETAPI; Gema Alcolea, directora de Ocio de la Asociación PAUTA; Agustín Utrilla, miembro de FEMADDI; Lola Barrera, Directora de la Asociación DEBAJO DEL SOMBRERO; e Irene López, psicóloga y orientadora de la Asociación PAUTA, Allende López. Responsable del Programa de Mediación, Grupo AMÁS. Dirigido a: personas interesadas en la intervención con personas con autismo y sus familias. No es necesario tener formación específica. Duración del curso: 20 horas. Fecha y horario: 25 y 26 de mayo y 1, 2, 8, 9, 15 y 16 de junio. Viernes, de 16.00 a 20.00 h y sábados, de 10.00 a 14.00 y de 15.30 a 19.30 h

Los Venga Monjas conectarán su ordenador a la pantalla de la Sala audiovisual para presentarnos algunos de sus vídeos de referencia en Internet. Venga Monjas Esteban Navarro y Xavier Daura cuelgan en Internet desde 2006 originales vídeos que han despertado un ferviente interés en el público y han sido su plataforma de lanzamiento a otros medios. En 2011 fueron los responsables de los delirantes guiones de la segunda temporada de Museo Coconut. En esta sesión, dedicada a la nobleza, nos mostrarán su divertida y particular selección de vídeos en Internet realizados por otros.

Estas jornadas suponen la continuación de las celebradas el pasado mes de enero en la Fundación Helga de Alvear de Cáceres y forman parte de un proyecto de investigación más amplio que se plantea como una reflexión sobre la creación artística española de los últimos veinte años. En este proyecto, participan reconocidos historiadores de arte, críticos y comisarios de exposiciones de nuestro país. Del mismo modo que en las primeras jornadas se plantearon una serie de cuestiones a los conferenciantes: ¿Qué es para ti el arte español contemporáneo? ¿Cuáles son sus puntos de inflexión? ¿Es posible encontrar en él características propias y diferenciales con el resto de países? ¿Cómo definirías sus capítulos esenciales?, en esta segunda edición, cada participante responderá a una única pregunta en su intervención: ¿Qué ha sido para ti el arte español contemporáneo en los 20 últimos años?, analizando a través de una pluralidad de miradas la historia del arte más reciente en el estado español. Las respuestas a esta pregunta centrarán un debate continuado que ayudará a la configuración de una visión global y contrastada sobre el tema. Objetivos: publicar un manual que sirva de herramienta para el uso de estudiantes y amantes del arte contemporáneo que se presentará en las jornadas a desarrollar en el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa de La Coruña en el mes de noviembre. Viernes 25 17.00 h. Presentación. José Guirao, director de La Casa Encendida. 17.15 h. Introducción al Proyecto Arte Español Contemporáneo. Rafael Doctor Roncero, gestor cultural e historiador del arte. De 18.00 a 19.00 h. Conferencia. Juan Antonio Álvarez Reyes, director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC, Sevilla). De 19.15 a 20.15 h. Conferencia. Elena Vozmediano, crítica de arte. Sábado 26 De 11.00 a 12.00 h. Conferencia. Montse Badía, comisaria, critica de arte, co-directora de A-Desk y directora artística de Cal Cego. De 12.15 a 13.15 h. Conferencia. Manuel Segade, historiador del arte y comisario de exposiciones. De 16.30 a 17.30 h. Conferencia. Beatriz Herráez, historiadora del arte y comisaria de exposiciones. De 17.45 a 18.45 h. Conferencia. Álvaro de los Ángeles, comisario, crítico de arte y profesor de la Universidad Politécnica de Valencia. De 19.00 a 20.00 h. Conferencia. Tania Pardo, historiadora del arte y comisaria de exposiciones. Domingo 27 De 11.00 a 12.00 h. Conferencia. Sergio Rubira, historiador del arte, comisario y profesor de la Universidad Complutense. De 12.15 a 13.15 h. Conferencia. Francisco Javier San Martín, historiador del arte, crítico y profesor de la Universidad del País Vasco. 14.00 h. Clausura de las jornadas. Director de las jornadas: Rafael Doctor. Directores adjuntos: Tania Pardo y Sergio Rubira. Consejo editorial: Óscar Alonso Molina, Juan Antonio Álvarez Reyes, Álvaro de los Ángeles, David Barro, Beatriz Herráez, Glòria Picazo y Manuel Segade. Dirigidas a: estudiantes de Historia del Arte y Bellas Artes, así como personas interesadas en el arte contemporáneo.

La cortada perfecta (título original: The Perfect Alibi) se sitúa entre la imagen y la ausencia de la imagen, creando presencia a través de la ausencia. “Para poder aparecer, desaparezco. Y para desaparecer, escribo. Y cuando escribo, me desdoblo; y en ese desdoblamiento, el espectador se queda en medio. En medio del pensamiento y de la imagen-escritura La obra La cortada perfecta (título original: The Perfect Alibi) se sitúa entre la imagen y la ausencia de la imagen, creando presencia a través de la ausencia. “Para poder aparecer, desaparezco. Y para desaparecer, escribo. Y cuando escribo, me desdoblo; y en ese desdoblamiento, el espectador se queda en medio. En medio del pensamiento y de la imagen-escritura.” La coartada perfecta es una novela, es una performance a través de la escritura, es una película de acción; es el viaje de una hora de una persona cuando está sola, donde el tiempo, el espacio y la percepción se despliegan hasta no saber quién, cuándo o dónde estás. La artista Nace en: Madrid, 17 Marzo 1978/ Trabaja principalmente en: Europa/ Reside oficialmente en: Madrid/ Su trabajo se sitúa entre: el cine, la coreografía, el teatro y las artes visuales/ Se interesa por: la multiplicidad/ Ha trabajado y colaborado con: Cristina Blanco, Juan Domínguez, Amaia Urra, Jerôme Bel, Gary Stevens, Cuqui Jerez, entre otros/ Inicia su trabajo y sigue estando cerca del proyecto: Mugatxoan/ Produce las piezas: El caso del espectador (2004), This Side Up (2006), The Neverstarting Story (2008), La Coartada Perfecta (título original: The Perfect Alibi) (2011-2012)/ Realiza la película: The Movie (2008)/ Forma parte del grupo de trabajo: El CLUB/ Organiza: Living Room Festival (Madrid- Berlin)/ Recibe los encargos de: La Capital Cultural Europea Linz 09 (Austria), CAMPO (Bélgica) y VIA 2018 (Maastricht) para realizar los proyectos "I like to move it move it" , Five People y “The School Project” respectivamente/ En la actualidad planea la película: The Trip (2013). Ficha artística Concepto: María Jerez. Asistencia técnica: Samuel Anarte y Tim Bosselaar. Produce: María Jerez. Coproduce: Noorderzon/Grand Theatre (Groningen) y Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt). Con el apoyo de: Iberescena, sommer.bar 2010 (proyecto de Tanz im August, Berlín), BUDA Kunstencentrum (Kortrijk) y espacios cómodos’12- La Porta (Barcelona).

Stocos es un proyecto transdisciplinar que combina procesos estocásticos y simulaciones de inteligencia artificial para crear dependencias de comportamiento y relaciones estéticas entre bailarines, música, entidades simuladas visualmente y luz. La obra La que fuera primera bailarina del Bayerisches Staatsballet de Múnich y el Gran Théatre de Ginebra, entre otros, pone ahora en pie uno de los espectáculos españoles de danza contemporánea más fascinantes de los últimos tiempos. Su más reciente creación, Stocos, cierra una apasionante trilogía –que comenzara con Catexis y Acusmatrix– en torno a la conexión entre danza contemporánea y nuevas tecnologías. Stocos es un proyecto transdisciplinar que combina procesos estocásticos y simulaciones de inteligencia artificial para crear dependencias de comportamiento y relaciones estéticas entre bailarines, música, entidades simuladas visualmente y luz. En Stocos, la danza combina secuencias precoreografiadas con secuencias improvisadas para dos bailarines humanos y otros virtuales. La composición musical se genera mediante funciones matemáticas de probabilidad que sintetizan directamente los sonidos de la pieza. Estas funciones definen asimismo algunas de las secuencias de movimientos de los bailarines y afectan a la simulación visual de comportamiento enjambre. Los movimientos espaciales de la música son obtenidos mediante un anillo de ocho altavoces que rodea tanto al público como al escenario. La imaginería visual es generada en tiempo real y proyectada sin discontinuidades en el fondo de escenario, en el suelo y en los cuerpos de los bailarines, en un intento de crear una continuidad visual y comportamental entre las propiedades naturales del espacio, sus habitantes y las entidades simuladas. La compañía Muriel Romero, bailarina y coreógrafa, centra su trabajo en el desarrollo de técnicas coreográficas generativas, incorporando en su lenguaje abstracciones tomadas de otras disciplinas. Pablo Palacio, compositor, basa su trabajo en las conexiones perceptivas entre imágenes sonoras que emergen en el curso de una composición. Ambos colaboran desde 2007 en un proyecto centrado en el análisis y el desarrollo de la interacción entre el gesto corporal y el gesto sonoro. La trilogía Acusmatrix, Catexis y Stocos constituye hasta el momento el resultado de esta investigación, y en ella los bailarines se sitúan en un espacio de sonido tridimensional en el que interaccionan con objetos sonoros que se crean, transforman y desplazan en su interior. En un contexto escénico, estos trabajos integran abstracciones tomadas de otras disciplinas, como la inteligencia artificial, la Biología, la Matemáticas o la psicología experimental. Ficha artística Concepción e idea: Pablo Palacio y Muriel Romero. Coreografía: Muriel Romero. Interpretación: Begoña Quiñones y Muriel Romero. Composición de sonido: Pablo Palacio. Simulación visual interactiva: Daniel Bisig. Vestuario: Vuokko. Coproducción: Mercat de las Flors. Con el apoyo de Unterwegs Theater (Heilderberg, Alemania), Teatros del Canal, El Graner y Festival V.A.D.

Rancapino hijo y jesús Núñez actuaron en el Festival Bankia Flamenco en febrero de 2012.

Jeff Tartakov, propietario de la colección que se muestra en la exposición, guiará a los visitantes por un personal recorrido en el que analizará las claves de la obra de Daniel Johnston. Las visitas guiadas serán en lengua inglesa y tendrán lugar los tres domingos de mayo en los que el ciclo de conciertos “Soundays” rinde homenaje a la figura de Daniel Johnston y en los que participan Caty McCarthy, Norman Blake + Jad Fair y Mary Lou Lord. Jeff Tartakov (Houston, Texas, EE. UU., 1957) se trasladó a Austin para estudiar en la University of Texas en 1975. Tres años después dejó los estudios para fundar su propio sello discográfico, Stress Records. En 1986 empezó a trabajar con Daniel Johnston, convirtiéndose en su mánager al año siguiente. Entre los años 1986 y 2000 su sello discográfico publicó catorce grabaciones caseras del artista en cintas de casete. Siendo un ávido coleccionista del arte gráfico de Daniel Johnston, mostró los dibujos de su colección en diversas galerías y museos de Europa y Estados Unidos. En 1999, a petición de Daniel, comenzó informalmente a gestionar su carrera como dibujante y continuó haciéndolo hasta 2005. Jeff trabajó también como horticultor de 1982 a 2001. Posee obras de arte originales de Jad Fair y Jon Langford, y prefiere escuchar discos de vinilo y casetes a archivos MP3. Plazas: 20 personas por grupo.

Nils Frahm empezó su temprana formación musical como alumno de Nahum Brodski. Su familiaridad con el repertorio clásico se adivina en una soberbia y personal técnica al piano. Las concisas piezas de Frahm funcionan como un emocional travelling sonoro proyectado sobre la imaginación del oyente. Virtuosa e impresionista, minimalista y dinámica, la música de Frahm es talento en estado puro. Los interesados pueden buscar su música en Erased Tapes Records, Hush o AtelierMusik. http://www.myspace.com/nilsfrahm

Africa Rising ofrece una mirada profunda desde la primera línea de una revolución silenciosa que está tomando por asalto el continente, viajando a través de aldeas remotas de Burkina Faso, Kenya, Malí, Somalia y Tanzania. Entre el cuerno de África y la costa occidental de los países del África subsahariana, 6.000 niñas son sometidas diariamente a una práctica conocida como mutilación genital femenina (MGF). Y todos los días, contando con poco más que una fuerte determinación y un profundo amor por sus comunidades, valientes activistas están abriendo camino para romper el silencio que rodea una tradición practicada desde hace siglos. Africa Rising ofrece una mirada profunda desde la primera línea de una revolución silenciosa que está tomando por asalto el continente, viajando a través de aldeas remotas de Burkina Faso, Kenya, Malí, Somalia y Tanzania. Coloquio tras la proyección con Sandra Astete (IEPALA) y Red Activas. Intervención por vídeo-conferencia de Paula Heredia. Modera: Corinne Navarrete (Vocal de Educación de FONGDCAM)

Alejandra Freymann (Xalapa, México, 1983) utiliza la pintura y el dibujo como medio de expresión. En esta ocasión, pintará un mural en el pasillo de la segunda planta. En él, animales, plantas, rocas y personajes aparecen “caídos del cielo” –out of the blue–, componiendo pequeños relatos “venidos de la nada”. Los escenarios de Alejandra Freymann, por donde vagan sus personajes libremente, nos abren la puerta a un universo paralelo de ensoñaciones donde predomina la imaginación. La pintura es para esta artista, en sus propias palabras, “el medio por el cual asimilo y comprendo el mundo. Pienso en la superficie visual de las cosas tanto como en la distancia o el espacio que existe entre ellas, por mucho que sepamos que son ilusorias y subjetivas, se encuentran (al igual que a través del resto de sentidos) las pistas que nos permiten entender el mundo en el que vivimos ‘tal como es’. Y no me refiero a ninguna verdad objetiva, sino más bien a una intención de observación y atención como herramientas para una construcción simbólica y pictórica”. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha (Cuenca), especializándose en pintura y dibujo, Alejandra Freyman ha realizado destacadas exposiciones individuales, entre ellas “Cuando los lobos comían niñas tontas” en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-La Mancha, Cuenca, (2006) y en la galería Pepe Cobo & Cía (2009). Ha participado en diferentes exposiciones colectivas, como “El color, el tiempo de los ritmos”, Museo Espacio Escala, Sevilla (2008) o “Ayermañana”, Museo Casa Zavala, Cuenca (2007); ha sido reconocida con importantes premios y ha realizado el libro de dibujo Todas las cosas del mundo están (aún) por suceder (Ediciones Puré, 2007), así como la exposición “El misterio del perro del sol”, del colectivo The Children Pox, que integra junto a Juan Zamora, en el Museo ABC de Madrid. Su obra se encuentra entre los fondos de las colecciones de la Fundación Caja Sol, Sevilla; la Fundación Antonio Pérez, Cuenca; y la Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, Las Palmas de Gran Canaria, entre otras.

Dos días de debate y reflexión sobre el sector de la fotografía en España a través de la mirada intergeneracional de diferentes profesionales que compartirán su experiencia, en los que disfrutaremos de los PhotoVj Speech, pequeñas dosis de performance y fotografía contenida. Se habilitará un espacio de consulta y lectura de revistas de fotografía nacionales e internacionales, junto con una selección de libros de fotografía independientes del Inventario BookIP, abierto desde las 17.30 h.+(PHOTO). Martes 8. “¿Hacia dónde se dirige la fotografía contemporánea?”, con Aitor Ortíz y Aleix Plademunt. Modera: Mikel Bastida Durante décadas la tensión creativa con la que generaciones de fotógrafos han alimentando sus procesos de trabajo e investigaciones ha surgido del asociacionismo, de copiarse-inspirarse unos en otros, de vivir un mismo contexto histórico, de mirar hacia fuera para volver a mirar hacia dentro. Tenemos acceso a porfolios y obras de quienes de otra manera no hubiera sido posible, y si a esto añadimos el auge de escaparates (exposiciones, catálogos, etc.), ¿podemos hablar de discursos artísticos individuales? ¿estamos viviendo una tendencia/moda estética fotográfica contemporánea universal?, etc. PhotoVJ Speech #1: “Intangibles”, por Olga Simón. “¡Hacia dónde se dirige la fotografía contemporánea! De Getxo a Granada: Festivales de fotografía en emergencia”, con Jokin Aspuru y Cecilio Puertas. Modera: Luis Castelo Sin duda el formato festival nace como una celebración colectiva promovida por el entusiasmo en la fotografía. De Norte a Sur han nacido propuestas que consiguen romper los complejos conservadores de un tipo de fotografía artística para hacerla igualmente accesible a cualquiera, sin por supuesto prescindir de la excelencia y una puesta en escena atractiva. En España, no están tan de moda los festivales de fotografía como los de cine o artes escénicas, pero sí hay festivales haciendo una apuesta decidida por formatos, espacios y comunicaciones no convencionales, como lo hacen Getxophoto y Pa-ta-ta Festival de fotografía emergente de Granada. Miércoles 9. “¿Por qué publicar? Para no andar siempre corrigiendo borradores”, con Gonzalo Golpe, José Manuel Suárez, Salva López. Modera: Jon Uriarte Catálogos, libros de fotografía… adeptos y retractores. El libro, como objeto, que hace una década tocó las mieles del éxito, ahora está en crisis. Nuestra ya manida era digital ha hecho polvo el papel y en el metro cada vez vemos menos papel encuadernado y más tablets. Pero en la fotografía, parece que el mundo de la edición vive otro momento. PhotoVJ Speech #2: “Varios desplazamientos fotográficos en un aula de La Casa Encendida”, por José Otero. PhotoVJ Speech #3: “Del bodegón a la basura”, por Toya Legido. PhotoVJ Speech #4: “El mundo sin fotografía sería…”, por Deneb Martos y Juan Jiménez. Horario: de 18.00 a 21.30 h

DJ Sean participó en la Roller Disco para niñas y niños de diciembre de 2012 pinchando temas de disco, soul y funk.

Lo festejamos en La Casa Encendida el 25 de abril con varias actividades: la inauguración de la exposición “27 metrópolis”, la proyección de “1001 noches con Metrópolis”, la charla-coloquio “Metrópolis: arte-televisión-educación-participación” y la acción “Metrópolis reloaded”, por Félix Fernández, Diana Larrea y Andrés Senra.

DJ pincho disco, soul, funk... en la Roller Disco para niños y niñas de La Casa Encendida en diciembre de 2011.

Los medios de comunicación muchas veces trasmiten una información y una imagen escasa y cargada de estereotipos que incrementa la visión de inferioridad, dependencia y subdesarrollo de países del sur. Esa visión cargada de matices distorsiona la realidad y las causas reales de las situaciones a las que se enfrentan las personas que viven en determinados lugares del mundo. El objetivo de esta mesa está en debatir si son los medios de comunicación o las propias ongd las encargadas de trasmitir los testimonios y la información real, y si esa información proporciona poca o nula información para la ciudadanía del norte. Se cuestionará, gracias a la colaboración de las personas invitadas a la mesa si los medios de comunicación tienen una función en el llamado ejercicio de la educación global y si esa función pasa por trasladar una información veraz y constructiva a la ciudanía, ajena en muchas ocasiones a realidades lejanas. Ponentes: Javier Bernabé Fraguas, periodista, codirector del Título de Especialista en Información Internacional y Países del Sur y del Diploma de Periodismo Preventivo, de la UM; Rosa Maria Calaf, periodista y corresponsal de RTVE. doctora honoris causa por varias universidades. y Xavier Obach, periodista de Televisión Española y ex responsable del Departamento de Comunicación de Entreculturas

José-Miguel Ullán (Villarino de los Aires, Salamanca, 1944-Madrid, 2009) desarrolló paralelamente a su creación literaria una abundante actividad dentro del periodismo cultural; subdirector de la revista de artes plásticas Guadalimar y codirector de Cuadernos Guadalimar. En Radio Televisión Española, dirigió y presentó la serie Tatuaje. En Radio Nacional, hizo los programas Otra canción y Acércate más. Fue subdirector del periódico Diario 16, donde fundó el suplemento “Culturas” y columnista del diario El País. Fundó la colección de Poesía de la editorial Cátedra y la editorial Ave del Paraíso. A lo largo de cuarenta años de escritura, muchas de las obras de este poeta han sido objeto de ediciones de bibliofilia en colaboración con pintores y se han expuesto en diversos museos, como MoMA de Nueva York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Biblothèque Nationale de France de París… Dentro de ese apartado, destaca Funeral mal, ilustrada con grabados originales de Eduardo Chillida, Antoni Tàpies y Joan Miró, entre otros. Es autor, asimismo, de numerosos textos sobre arte, publicados en libros, catálogos, diarios y revistas especializadas. Durante varios años coorganizó el Salón de los XVI y formó parte del comité de selección de pintura y escultura en Europalia/España (Musée d’Art Moderne, Bruselas, 1985). Fue miembro del consejo de colaboración de la revista Vuelta, Artes de México y Letras Libres. Para la cadena Televisa (México), intervino en dos programas monográficos: uno, sobre Marcel Duchamp; y otro, sobre arte contemporáneo, en la serie Conversaciones con Octavio Paz. Perteneció al Patronato del CGAC (Santiago de Compostela) y fue el organizador de las exposiciones de artistas mexicanos en España (Frida Kahlo, Manuel Álvarez Bravo, Vicente Rojo, etc.), así como de artistas españoles en México (Zush, Broto, Sicilia, Ràfols-Casamada, etc.) Obras suyas –que él llama “agrafismos” – han formado parte de muestras de “poesía visual”. Expuso en la 49º Bienal de Venecia (2001), así como en la Universidad de Concepción (Chile) en 2005. En 2008, comenzó la exhibición de sus Agrafismos por diversas sedes del Instituto Cervantes. Sus poemas han pasado también a formar parte de composiciones musicales de Luis de Pablo: Pocket Zarzuela (1978), Circe de España (2006) y Trío de doses, estrenada en Nápoles en 2008.

Ya no es un secreto que algunos de los componentes de los desaparecidos The Sunday Drivers, se hayan embarcado en un nuevo proyecto, Mucho. Un grupo renacido con tres de los integrantes de The Sunday Drivers , Fausto Pérez, Miguel de Lucas y el batería Carlos Pinto, todos ellos junto a Martí Perarnau,forman la compocisión de la nueva banda.

El objetivo principal de esta mesa redonda es la exposición del significado de la cultura de paz y la gestión de los conflictos como base para la convivencia entre sociedades diversas, así como sus diferentes formas. Al público asistente se le ofrecerá una visión clarificadora de lo que el tema representa para una ciudadanía organizada y consciente. Para hablar de paz hoy en día necesitamos volver a construir este concepto. La paz no es sólo la ausencia de guerra, y, en este ámbito, hablar de paz es hablar de resolución y gestión de los conflictos surgidos tanto desde el enfrentamiento como desde la ausencia de justicia social en todas sus dimensiones. ¿Cómo se construye la paz en un contexto como el actual? ¿Cómo se aplican estas soluciones pacíficas desde una perspectiva global? Para hablar de estas y otras cuestiones, participan en la mesa redonda: Araceli Caballero, filóloga y periodista, posee una diplomatura de Cultura de paz en la Escola de Cultura de Pau de la Universitat Autònoma de Barcelona. Ha trabajado en varios periódicos (Ya y El Independiente) y en diferentes ONGD (Manos Unidas, Medicus Mundi, Enginyeria Sense Fronteres e Intermón Oxfam). Es coautora de Cultura de paz y nuevo militarismo (Sodepaz/Gapael, 2002), Campos de juego de la ciudadanía (El Viejo Topo, 2003) y autora de Protozoos insumisos. Ciudadanía y consumo responsable (Intermón Oxfam Editorial, 2009). Sirim Adlbi Siba, doctoranda en Estudios Internacionales Mediterráneos en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Madrid (su tesis lleva por título: "Colonialidad, mujeres e Islam: construcción y deconstrucción de la mujer marroquí") e investigadora visitante en la Universidad de Hassan II, Ain Chock, de Casablanca (julio-diciembre de 2009). Miriam Acebillo: investigadora y docente de la Escola de de Cultura de Pau de la Universitat Autònoma de Barcelona.

Ciencia y realidad son dos conceptos que deben estar unidos para facilitar la experimentación científica, es decir, la observación del mundo real cuando lo sometemos a condiciones deseadas por el ser humano. En el caso de las enfermedades endémicas, esta necesidad se amplía por el gran impacto social que las mismas tienen casi en la mitad de la población del planeta y su tendencia a crecer por el cambio climático. Iniciamos este ciclo con Pilar Mateo, doctora en Ciencias Químicas por el CSIC y Honoris Causa por la Universidad de México, miembro Numerario de la Real Academia de Ciencias de España, miembro especialista de Fórum UNESCO e investigadora y promotora del uso de diferentes productos de control sobre insectos que transmiten enfermedades, como el dengue y la malaria, y que en pleno siglo XXI deberían poder estar controladas. Además, colabora con numerosas Administraciones Públicas, universidades, empresas y entidades sin ánimo de lucro. Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales, entre ellos: UNICEF en Salud y Medio Ambiente. En su conferencia, nos hablará de la unión de ciencia y realidad para facilitar la experimentación científica en las enfermedades endémicas, unión que es necesaria por el gran impacto que tienen en casi la mitad de la población del planeta. Hay necesidad de buscar nuevas bioherramientas de control de los vectores de transmisión de las enfermedades, que actúen no sólo para prevenir las mismas, sino que además sean elementos de cambio social.

Esta exposición nos acerca el particular mundo del músico Daniel Johnston a través de la colección personal de dibujos de Johnston, atesorada por su exmánager Jeff Tartakov, cuya simbología se irá desgranando en la muestra. Personajes de su infancia, como el Capitán América, el Increíble Hulk, el Diablo o el Fantasma Casper, con otros de creación propia, enigmáticos y oscuros, como Polka Dot Underwear Guy (el tipo de los calzoncillos de lunares), Joe The Boxer (Joe “El Boxeador”) y su álter ego, la Rana Jeremiah, se muestran como espejos de su realidad personal y nos ayudan a dibujar el perfil del artista, a establecer conexiones entre todos los aspectos que conforman su universo creativo. Desde finales de los 80, Daniel Johnston (Sacramento, 1961) es una figura de culto. Un creador único con una historia personal dura y enternecedora, marcada por el amor, la religión, los conflictos familiares, el sufrimiento y sus problemas psicológicos, temas que están indivisiblemente ligados a sus dibujos a lápiz y rotulador. Una faceta que desarrolla desde hace más de 30 años, cuando grababa maquetas con una rudimentaria grabadora de casete en el garaje de su casa, antes de convertirse en una leyenda de la música indie. A pesar de todo el fenómeno creado a su alrededor y de su deseo de dar a conocer su trabajo, él habla de sí mismo como una persona normal, “un niño que olvidó crecer y que pasa todo el día escribiendo canciones y dibujando”.

Diego Lara lleva a cabo en los años 70 diversos proyectos de diseño gráfico: cubiertas de libros para editoriales como Siglo XXI, Seix Barral, Fundamentos, Turner, Trece de Nieve… En 1972 funda con Mauricio d’Ors la editorial La Fontana Literaria, de cuya línea gráfica es responsable, al igual que lo será de la editorial Nostromo, que funda un año después también con d’Ors y con Juan Antonio Molina Foix, y en la que se desarrolla una imagen editorial radicalmente nueva y personal. Entre 1974 y 1982 es responsable gráfico de las publicaciones de la Fundación Juan March, de Madrid, en las que renueva el concepto gráfico y editorial del “catálogo de la exposición”. De 1979 a 1981 dirige junto a Gonzalo Armero la revista Poesía, que edita el Ministerio de Cultura y que se convierte en un hito en el campo de las publicaciones culturales. Entre 1982 y 1986 realiza la imagen gráfica de las publicaciones de la feria de arte ARCO. En esos años, es director artístico y diseñador gráfico de la revista de arte Buades e inicia una fructífera colaboración con Ediciones El Viso, realizando los catálogos de muchas de las principales exposiciones de la década de los 80. Otros trabajos de esa época son: el diseño de colecciones de libros para editorial Cátedra y Editora Nacional; el diseño de marcas comerciales, el de catálogos de pintura; etc. En paralelo a su labor profesional como diseñador gráfico, Diego Lara no deja de crear una abundante obra pictórica que mantiene en el terreno de lo privado, hecha excepción de las contadas exposiciones colectivas en que participó (Galería Fenicia, Almuñecar, 1979; “Dibujos”, Galería Buades, Madrid, 1984; “Cota Cero”, Alicante y Madrid, 1985).

Los Coronas actuaron en La Casa Encendida en diciembre de 2012, dentro de EnFamilia Especial Navidad. Un concierto especial para niñas niños hasta 12 años

Durante los meses de abril, mayo y junio La Casa Encendida acogerá el ciclo “Luces y sombras de Nunca Jamás”, que propone un recorrido a través de los distintos rostros de un concepto que parece ser una de las señas de identidad de la contemporaneidad: la inmadurez. “De la inmadurez –¡vaya una palabra comprometedora y desagradable! – hice mi caballo de batalla”, afirmaba Witold Gombrowicz. Este ciclo cinematográfico propone un recorrido a través de los distintos rostros de un concepto que parece ser una de las señas de identidad de la contemporaneidad: la inmadurez como patología, pero también como trinchera, como resistencia frente a una madurez que se encarna en valores absolutos y en dogmas que reciclan todo potencial de libertad en nombre de la responsabilidad y que conllevan la parálisis existencial. La inmadurez como perversión, insumisión, burbuja y herramienta para cuestionar los valores establecidos, pero también la inmadurez como solipsismo enfermizo, mecanismo de defensa y claudicación irritante en un recorrido apasionante donde Gombrowicz, Harry Langdon, Cary Grant, Pee Wee Herman, Adam Sandler y el situacionismo demente de Lars Von Trier y Harmony Korine se dan la mano. Nada mejor que reivindicar un ritual tan asociado a nuestras infancias como el del programa doble para hablar de todo esto: preparémonos para un viaje alucinante al mágico mundo de colores, luces y sombras de los polimorfos perversos y los niños póstumos, a través de los canales subterráneos que podrían unir la isla de Nunca Jamás, Disneylandia, la Playhouse de Pee Wee y el rancho Neverland de Michael Jackson. Además del programa de películas, este ciclo incluye la conferencia “Polimorfos perversos en las arquitecturas del placer: de Disneylandia a Neverland”, impartida por Jordi Costa el martes, 10 de abril; el taller de “Nanovídeos”, de Nacho Vigalondo (del 7 al 11 de mayo); una sesión de videoplaylist con Venga Monjas (jueves, 24 de mayo); y, como colofón, el extravagante show y las películas de Crispin Glover (12 y 13 de junio).

La Casa Encendida y el Festival Electrónica en Abril revisitarán un año de música electrónica arriesgada en el que enlazamos, como es consustancial al festival, los extremos estilísticos más diversos del panorama internacional. Como novedad, comenzamos un día antes para celebrar nuestro aniversario, invitando a una leyenda viva de la música electrónica, Manuel Göttsching, que nos presentará en directo su clásico E2-E4, álbum sin el que seguramente no estaríamos aquí. El que fuera líder de Ash Ra Tempel se suma a otros nombres clásicos, como los de Thomas Köner –uno de los primeros artistas que actuó en LCE el año de su inauguración– o Laraaji, acercándolos a la sabia nueva representada por Roly Porter en esa nueva deconstrucción del ambient. Y ya no de clásico, sino de enciclopédico (pasará a la historia), podemos calificar el trabajo de investigación de la síntesis analógica y digital desarrollada por Keith Fullerton Whitman, junto a quien estarán dos de los artistas británicos que están reescribiendo el nuevo devenir electrónico: por un lado, Raime, desde las coordenadas del techno; y, por otro, Hype Williams, desde el dub. Y desde Seattle, TheeSatisfaction, con un hip hop que nos habla como ninguna otra ciencia de la negritud en todo su esplendor. Y sí ya veníamos de una edición, la del 2011, que evidenciaba como pocas la maravillosa fecundidad y capacidad de infección del virus electrónico, capaz de dejar su marca en cualquier otro estilo, este último año algunos de los mejores trabajos electrónicos nos han llegado de artistas que vienen de otros terrenos, como los del rock (Nate Young y Blues Control, presentes en el festival, no así Pete Swanson, ausente por temas académicos). Y el festival se hace eco de esta mutabilidad incesante, que es síntoma de potencialidades y de futuro inagotable. Esas barreras estilísticas, geográficas, temporales parece que se han esfumado para siempre, aunque sea desde los reductos más microscópicos de la electrónica desde donde muchas veces surgen las nuevas formas y contenidos.

La Roller Disco de La Casa Encendida es ya todo un clásico. Los DJ’s más celebrados de Madrid pinchaRON para que los más pequeños se muevieran a ritmo de la mejor música Disco. Esta edición pasaron por nuestra cabina Casbah 73, Toni Rox y Rayko.

Los DJ’s más celebrados de Madrid pincharon para que los más pequeños se movieran a ritmo de la mejor música Disco.

Sally Golding combina performance con las proyecciones sobre su cuerpo creando imágenes de fantasmagoría entre la ciencia y la superstición. Makino Takashi actúa como músico acompañado sus propias películas, impresionantes paisajes abstractos hechos a partir de un trabajo muy cuidada de imágenes en alta definición. En Anharmonium un rayo laser se refleja en un liquido sensible a las mínimas variaciones sonoras y el espacio se ilumina en consonancia con la banda sonora cuadrofónica. La Chambre Des Machines retoma los Intonarumoris, las maquinas sonoras, inventados por los futuristas italianos a principios del siglo XX. Sculpture combina la música electrónica con la animación tradicional del zootropo, basado en discos de imágenes que giran sobre sí mismos creando movimiento. Martha Colburn proyectará sus múltiples bobinas de cine y animará manualmente las transparencias de sus dibujos con la compañía musical del saxofonista Hayden Chisholm y el compositor Juan Felipe Waller.

El proyecto VEO, es una herramienta de Internet que archiva textos relacionados con obras susceptibles de ser narradas, un taller y un seminario donde, se pretende una reflexión sobre la forma en que los medios comunican las obras de arte. Se pedirá a periodistas, críticos, jefes de secciones de cultura o responsables de revistas especializadas y suplementos culturales así como a miembros de los gabinetes de prensa de instituciones dedicadas al arte contemporáneo, que reflexionen sobre la forma en que se selecciona y trata el arte contemporáneo, cuales son las prioridades, cuales son los mensajes a transmitir desde los diversos medios y qué funciones y futuro le atribuyen a los nuevos medios.

Alex Under participó con una performance-concierto para niñas y niños dentro del Festival Let´s Dance 2011 y En Familia.

La fundadora de Mondo Brutto presenta una ecléctica y divertida selección de vídeos de Internet. La Casa Encendida invita a Grace Morales a mostrar en directo una selección personal de vídeos que pueden encontrarse en Internet. Una amalgama de vídeos nuevos e históricos, piezas raras y exitosas, realizadas tanto por profesionales como por aficionados. Una sesión que alimentará al mismo tiempo la risa, la perplejidad y el pensamiento. Grace ha llegado a ser lo que es haciendo lo contrario de lo que hacen sus semejantes: en vez de prepararse una oposición, estudió Filosofía; en 1993, cuando tenía que estar haciendo cursillos de informática, fue cofundadora del fanzine Mondo Brutto, en el que escribe hasta el día de hoy. Mientras prepara su próxima novela, en la otra dimensión es profesora de secundaria, y colabora en diferentes y prestigiosas publicaciones. Además de ser madrileña, Grace es Acuario, con ascendente Virgo.