Préludes en balade

Les mots offrent à la musique vocale un pouvoir unique au sein du répertoire. Nous explorons à titre d’exemple la proposition artistique du baryton Thomas Hampson, pour découvrir comment les auteurs et les compositeurs de différentes époques peuvent être ainsi unifiés autour d’un concept, ici celui de la liberté.

On se penche sur les conséquences musicales de l’éveil nationaliste en Europe au XIXe siècle et à la façon dont il se poursuit au début du XXe siècle.

Nous approfondissons le rôle du piano comme laboratoire musical à travers les divers courants du 20e siècle.

Nous retraçons la naissance de la polyphonie, un développement de la musique vocale survenu à partir du Moyen-Âge qui aura un impact majeur sur la suite de l’histoire de la musique dans son ensemble.

Plusieurs révolutions esthétiques et musicales ont eu lieu dans cette période effervescente couvrant le tournant du XXe siècle, et nous nous attardons à quelques compositeurs qui la caractérisent.

Quel rapport unit ces compositeurs œuvrant à Vienne au même moment mais qu’une génération sépare ? En se penchant sur quelques œuvres, on en apprend davantage sur leur admiration réciproque et leur influence.

On s’intéresse à la très longue tradition de la chanson et à son importance pour les humains qui ne s’est jamais démentie au cours des siècles. Créé sans l’aide extérieure d’un instrument et porteur d’un texte qui ajoute une couche de sens à la musique, le chant occupe une place toute spéciale dans le répertoire musical et c’est sur ces différentes facettes que nous nous penchons.

Nous abordons les liens professionnels et personnels qui unissent Robert et Clara Schumann avec Johannes Brahms, soit la rencontre d’un trio influent qui a laissé sa marque dans l’histoire de la musique. On retrace les grands jalons de leur parcours commun pour mieux comprendre ce qu’il en reste dans les chefs-d’œuvre que nous continuons d’apprécier aujourd’hui.

Nous explorons d’abord l’obsession des nombres et la quête de complexité chez Jean-Sébastien Bach, pour ensuite nous plonger au cœur de ses célèbres Variations Goldberg afin d’illustrer cette démarche, un peu anachronique pour son époque.

Voici trois exemples de la vision et de la place de la musique de chambre à l’époque du romantisme tardif. À l’aide de chefs d’œuvres de compositeurs au sommet de leur art, soit Schumann, Grieg et Brahms, on verra comment chacun s’inscrit respectivement dans la conception de son temps et ce qui les distingue.

Nous explorons d’abord le genre musical du trio avec piano, pour ensuite s’attarder à la façon dont ses caractéristiques s’illustrent dans trois chefs d’œuvres de Beethoven, Brahms et Ravel.

On se penche sur l’origine et l’évolution de la musique de chambre, de son cadre privé de divertissement réservé à des privilégiés à sa migration vers le public des grandes salles de concert d’aujourd’hui.

Nous brossons cette fois un portrait du compositeur Antonio Vivaldi et un panorama de son œuvre, notamment l’importance des différents genres musicaux qu’on y retrouve et la façon dont elle a traversé le temps jusqu’à nous.

Cet épisode consacré au concert EDEN propose un parcours guidé à travers ce programme thématique centré sur la nature et sur des considérations environnementales, en se penchant particulièrement sur sa courbe dramatique et le rôle qu’y jouent les différentes œuvres.

Dans cet épisode est résumé le caractère indissociable de l’évolution du fonctionnement des pianos au 19e siècle, et leur utilisation par les compositeurs-pianistes pour développer l’écriture et le répertoire de cet instrument à l’époque romantique.

Comment se positionner comme créateur par rapport au poids des chefs d’œuvres qui nous précèdent ? Nous observons comment des compositeurs emblématiques du 19e et du début du 20e siècle ont relevé ce défi, dans la continuité ou dans l’audace, à l'aide d'exemples tirés du vaste répertoire pour quatuors à cordes.

Le concept de « récital » et le développement de la transcription au 19e siècle sont intimement liés. C’est ce que nous explorons ici, sans perdre de vue la place du hautbois comme instrument soliste dans ce répertoire.

Cet épisode sous la forme d’une entrevue entre l’animatrice Sylvia L’Écuyer et le chef de l’ensemble, Sébastien Daucé, développe les différentes facettes du travail de Correspondances et du programme Les plaisirs du Louvre. Il vous est présenté grâce à une collaboration spéciale d’Early Music Vancouver, notre partenaire de tournée.

Nous partons à la découverte de l’univers des salons romantiques. Cet environnement nouveau à l’époque, sa dimension sociale et son esthétique particulière nous amènerons naturellement sur les traces de plusieurs compositeurs qui y ont fait leur marque, en passant par Schubert et Chopin.

Nous explorons l’univers des œuvres composées pour un instrument à cordes seul, et comment Jean-Sébastien Bach en a légué des exemples incontournables avec ses Suites pour violoncelle, influençant ainsi des siècles de musique.

Nous nous penchons sur un intéressant parallèle entre l’Angleterre et la Pologne qui, à deux siècles d'intervalle, ont basé leur quête d’identité sur leur littérature et leur musique.

Comment se manifeste le nationalisme en musique dans les pays hispanophones, alors que d’autres nations connaissent aussi un essor ? Une discussion qui nous amène notamment sur les traces de Manuel de Falla au début du 20e siècle et, plus tard, d’Astor Piazzolla.

Nous abordons le thème des célèbres Préludes, op. 28, de Chopin, notamment leurs influences mozartiennes et leurs particularités.

On s’intéresse à ces œuvres et à leur caractère innovant pour le genre de la sonate classique et le répertoire de violoncelle, tout en se penchant plus particulièrement sur les 2e et 3e Sonates de cet ensemble de 5 œuvres écrites par le compositeur.

Cet épisode retrace les origines de la musique de chambre depuis la cour de France au 16e siècle, puis il suit son évolution pour découvrir ce qu’en feront, trois à quatre siècles plus tard, Dvořak et Chostakovitch.

Il est ici question de la période de la vie de Bach se déroulant dans la ville de Leipzig, où on assiste à une intense activité du compositeur, à ses nombreux conflits, au déclin de ses jours et finalement, à son accès tardif et posthume à la renommée.

Nous nous intéressons ici aux grands thèmes romantiques qui sont développés dans Le voyage d’hiver de Franz Schubert, ainsi que les échos biographiques de l’œuvre dans la vie du compositeur.

Nous abordons ici la période de la vie de Jean-Sébastien Bach dite « de Köthen », du nom de la ville dans laquelle il a composé la majeure partie de sa musique instrumentale profane, dont les Concertos brandebourgeois.

Afin de mieux apprivoiser les différentes mises en musique des poésies de Baudelaire proposées lors du concert, cette émission retrace la grande histoire de la mélodie française, de ses origines à nos jours.

Cette émission présente la façon dont la forme sonate héritée des siècles précédents se renouvelle à l’orée du 20e siècle, et comment les compositeurs incontournables que sont Claude Debussy et Maurice Ravel y ont participé en y intégrant, chacun à leur façon, des éléments-clés de leur style.

Cet épisode aborde la transformation de la sonate chez les romantiques, pour se tourner ensuite plus spécifiquement vers Frédéric Chopin et la place de la musique de chambre dans son œuvre, connue pour être majoritairement dédiée au piano.

On se penche cette fois sur le cas de la célèbre Sonate de César Franck. Composée pour violon, abondamment transcrite et adoptée dans le répertoire de plusieurs autres instruments, cette œuvre est emblématique du renouveau de la musique française dans la 2e moitié du 19e siècle, renouveau bien ancré dans les modèles germaniques.

Du côté de la République tchèque et de la Russie, au début du 20e siècle, on constate que les préoccupations des compositeurs ont changé depuis les grands romantiques : nationalisme, commentaire politique, expérimentation de nouvelles avenues sonores... Découverte de ce nouveau tournant à travers la musique de Leoš Janáček et de Sergueï Prokofiev.

On se penche ici sur l’apogée du piano romantique allemand au 19e siècle avec ses pièces de caractère, ses cycles au grand souffle, ses débordements parfois émotifs et parfois virtuoses, notamment dans l’art de la transcription et de la paraphrase de concert. En exemple, deux représentants emblématiques avec Robert Schumann et Franz Liszt.

Cette émission aborde l’importance de l’art et la musique au Grand Siècle de Louis XIV. Nous y retrouvons la place de la musique dans le faste de la cour tout comme dans le quotidien et l’intimité du Roi-Soleil, ainsi que la façon dont cette forme d’art s’insère dans d’autres classes sociales et devient un moyen d’expression des passions humaines.

Cet épisode s’attarde à l’émergence de la mélodie française, à la façon dont les grands poètes des 19e et 20e siècles l’ont nourrie, et comment Maurice Ravel et Francis Poulenc y ont laissé leur empreinte.

Cet épisode met la table quant au lien étroit entre la musique et la poésie dans la sensibilité allemande et française, pour plonger ensuite au cœur de l’apparition du lied allemand avec les grands maîtres qu’en sont devenus Franz Schubert et Johannes Brahms.

Cet épisode aborde la contribution de notre quatuor invité au rayonnement du folklore des pays scandinaves. On verra en quoi le répertoire traditionnel peut influencer la musique classique et comment cela ressemble à ce qui se fait ici pour garder le patrimoine musical québécois vivant. Invité : Inti Manzi, violoniste.

Cet épisode se consacre à la place incontournable du quatuor à cordes classique dans le répertoire, et comment le Quatuor op. 20 no 2 de Haydn et le célèbre Quatuor no 16 de Beethoven s’y insèrent.