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Arnault Leclerc, propietario de la legendaria bodega bordelesa Château Marchant, aparece colgado de una soga en su habitación de hotel el día en el que iba a recibir un homenaje por el éxito de sus vinos de parte de toda la comunidad enológica. Aparentemente se trata de un suicidio, pero Cristina Castillo, una periodista especializada, sospecha que hay gato encerrado. Comienza así una investigación que irá atrapando a Cristina en una peligrosa tela de araña que envuelve las miserias y los secretos del mundo del vino. De Washington a La Rioja, y pasando por Burdeos, Pepe Müller aprovecha todo su conocimiento sobre enología para construir una novela que todo lector aficionado al género disfrutará como el mejor tinto. Un thriller trepidante ambientado en el universo del vino, las bodegas y las antiguas dinastías vinícolas.

EL CINE QUE NO VISTE: CREADORES QUE MERECEN PANTALLA con Diego Estruga. Eric Toledano (Intocables, Samba) Fernando Trullols, especial hincapié en su última película Balandrau, Vent Salvatge, comparada injustamente con La Sociedad de la Nieve. Iciar Bollaín (Te doy mis Ojos, Soy Nevenka) Carla Simón (Alcarrás, Romeria) ---------- EL CINE QUE NO VISTE: CREADORES QUE MERECEN PANTALLA con Diego Estruga. Eric Toledano (Intocables, Samba) Fernando Trullols, especial hincapié en su última película Balandrau, Vent Salvatge, comparada injustamente con La Sociedad de la Nieve. Iciar Bollaín (Te doy mis Ojos, Soy Nevenka) Carla Simón (Alcarrás, Romeria).

Un poquito de cine donde se habla de: -Un Paseo por el Borne de Nick Igea. -La Clase de Laurent Cantet. - Léo y Lou de Carlos Solano. - Ay, Carmela de Carlos Saura Y algunos estrenos - Michael dirigida por Antoine Fuqua - La Momia de Lee Cronin - Kraken, El Libro Negro de las Horas de Manuel Sanabria y Joaquín Llamas - El Diablo Viste de Prada II de David Frankel

Frogstomp es el álbum de estudio debut de la banda de rock australiana Silverchair. Fue lanzado por primera vez en Australia en 1995, cuando sus miembros tenían sólo 15 años de edad, por un subsidiario de Sony Records El 20 de junio de 1995, el disco fue lanzado por Epic Records en Estados Unidos, convirtiéndose en disco de platino en noviembre.

The Birthday Massacre (abreviado TBM) es una banda canadiense de rock, formada en 1999 en London (Ontario), y actualmente establecida en Toronto, Ontario. La actual formación consiste de Chibi como cantante principal, Rainbow como guitarrista rítmico, Falcore como guitarrista líder, el tecladista Owen y el bajista Brett Carruthers. Cuando la banda se formó en 1999, eran conocidos como Imagica. Este nombre fue inspirado por la Literatura fantástica Imajica (1991) de Clive Barker.[1] En 2002, ellos cambiaron su nombre a The Birthday Massacre después de una de sus primeras canciones con el objetivo de evitar confusión con otro grupo. La canción "The Birthday Massacre" fue renombrada a "Happy Birthday". Conforme con su vocalista Chibi: "Funciona bastante bien para la música que estamos haciendo. Una especie de contraste, ¿sabes? Cumpleaños y masacre. Luz y oscuridad. Lindo y malvado".[2] Una característica particular de esta banda es que todos sus integrantes, actuales o anteriores, utilizan pseudónimos asociados a diversos simbolismos.

El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía) es la técnica y el arte de crear y proyectar metrajes (como se conocía a las películas en sus inicios). Etimológicamente, la palabra «cinematografía» fue un neologismo creado a finales del siglo xix y compuesto a partir de dos palabras griegas: por un lado kiné, que significa «movimiento» (ver, entre otras, «cinético», «cinética», «kinesis», «cineteca»); y por otro γραφóς (grafos). Con ello se intentaba definir el concepto de «Imagen en movimiento». Cuando se habla del nacimiento del cine se toma como referencia la fecha del 28 de diciembre de 1895, en la que se proyectaron al público las primeras películas realizadas por los hermanos Auguste y Louis Lumière, en la memorable sesión realizada en el Salón Indio del Gran Café de París.

El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía) es la técnica y el arte de crear y proyectar metrajes (como se conocía a las películas en sus inicios). Etimológicamente, la palabra «cinematografía» fue un neologismo creado a finales del siglo xix y compuesto a partir de dos palabras griegas: por un lado kiné, que significa «movimiento» (ver, entre otras, «cinético», «cinética», «kinesis», «cineteca»); y por otro γραφóς (grafos). Con ello se intentaba definir el concepto de «Imagen en movimiento». Cuando se habla del nacimiento del cine se toma como referencia la fecha del 28 de diciembre de 1895, en la que se proyectaron al público las primeras películas realizadas por los hermanos Auguste y Louis Lumière, en la memorable sesión realizada en el Salón Indio del Gran Café de París.

Volvemos a las raíces del programa para meternos un chupito entre pecho y espalda. Un "hechizante brebaje" de alta velocidad y potencia. Hoy nos trasladamos hasta las calles de Filadelfia, cuna de bandas legendarias, para descubrir a una manada que suelta ritmos a borbotones con la furia de los setenta y la actitud del siglo 21. Al igual que el cuento de "la princesa y el guisante", un buen rockero solo necesita cerrar los ojos para sentir el peso de las botas sobre el escenario… porque aquí llegan: Crazy Bull. Una banda que no busca domesticar el sonido; busca embestir con él. ----- Volvemos a las raíces del programa para meternos un chupito entre pecho y espalda. Un "hechizante brebaje" de alta velocidad y potencia. Hoy nos trasladamos hasta las calles de Filadelfia, cuna de bandas legendarias, para descubrir a una manada que suelta ritmos a borbotones con la furia de los setenta y la actitud del siglo 21. Al igual que el cuento de "la princesa y el guisante", un buen rockero solo necesita cerrar los ojos para sentir el peso de las botas sobre el escenario… porque aquí llegan: Crazy Bull. Una banda que no busca domesticar el sonido; busca embestir con él.

El autor de Nunca digas «A mí no me va a pasar» sufrió un grave accidente en bicicleta que lo dejó varios meses postrado en una silla de ruedas, afrontando una recuperación larga, dolorosa e incierta. Tras la caída, sus prioridades cambiaron y todos sus planes quedaron en suspenso. ¿Podría volver a caminar? ¿Qué iba a ocurrir con sus compromisos? ¿Cuáles serían las consecuencias en su negocio? Fueron meses difíciles que pusieron a prueba tanto su fortaleza mental como la solidez de su empresa. Sin embargo, consiguió minimizar el impacto gracias a las estrategias que ya llevaba unos años implementando, tanto en su negocio como a nivel personal. Como empresario, hay que asumir que cualquier cosa puede ocurrir: un accidente, una enfermedad, un incendio en las instalaciones, una crisis financiera global… ¡hasta una pandemia! En Nunca digas «A mí no me va a pasar», el autor explica, basándose en su propia experiencia, cómo, con perseverancia y siguiendo las pautas adecuadas, es posible prepararse para los imprevistos, fortalecer la capacidad de adaptación y resistir mejor cualquier golpe, tanto en la vida como en la empresa. Comparte las claves personales y profesionales que todo empresario debe implementar para proteger su negocio de cualquier eventualidad.

Y ese que tanto habla, está totalmente hueco, ya sabéis que el cántaro vacío es el que más suena Soziedad Alkohólika, abreviado a menudo como S.A., es una banda de crossover thrash fundada en Vitoria, País Vasco (España). Su estilo musical es definido normalmente como thrash metal y hardcore punk, y viene de la oleada de bandas vascas que cambiaron su sonido punk hacia un sonido más pesado. En sus letras, suelen criticar con dureza el militarismo, fascismo, racismo y xenofobia, entre otros asuntos. Y ese que tanto habla, está totalmente hueco, ya sabéis que el cántaro vacío es el que más suena

Destino de hoy? La Alemania más profunda y rebelde. Vamos a hablar de una banda que, para muchos, es ese tesoro escondido que merece ser desenterrado: ¡VENDETTA! Y en concreto, vamos a destripar su segundo hijo musical, un disco que se llama igual que un famoso álbum de Pink Floyd, pero que suena a todo menos a psicodelia inglesa. Hablamos de Brain Damage, de 1988. Vendetta nació en 1984 en un pequeño pueblo de Baviera . Y ojo, que el nombre no es una declaración de intenciones sacada de una película de Corleone. Por lo visto, en los 80, molaba mucho llevaba una marca que sonara a inglés o a italiano, y ellos optaron por lo segundo. Pero su música no tiene nada de "dolce vita". Es puro thrash metal teutón, de la vieja escuela. De hecho, ellos mismos, para que nadie los encasillara, inventaron su propia etiqueta: F.A.S.T. Metal. Que era un juego de siglas para describir que música, era Diversión, Vanguardia, Velocidad y por suspuesto Thrash. Una de las curiosidades de este disco es que aunque son alemanes hasta la médula, hasta el frankfurt. Su estilo bebía mucho de la complejidad técnica de bandas americanas como Metallica o Death Angel y siempre confesaron que solo querían sonar agresivos, como sus ídolos: Metallica, Slayer y Anthrax. Este disco tiene de todo. Incluso se atreven con una una power ballad, de esas de mechero al viento, o ahora móvil alzado que se cuela entre notas afiladas como cuchillas y demuestra que estos tíos tenían una sensibilidad musical que iba más allá de la artillería pesada. Otra curiosidad de Vendetta es que, lejos de letras satánicas o fantásticas, ellos miraban al mundo real. Eran políticamente muy combativos, prácticamente de extrema izquierda, y en canciones de este álbum hablaban de corrupción, violencia y conciencia social, algo que los diferenciaba de la mayoría de bandas de la época. Por desgracia, y como a veces suele pasar, el éxito no les sonrió lo suficiente. Las ventas no acompañaron, la discográfica rescindió su contrato y la banda se disolvió a principios de los 90, no sin antes dejar una última anécdota: grabaron un disco compartido, con la banda inglesa Sabbat. Una auténtica joya de coleccionista que hoy en día es carísima y difícil de encontrar . Es verdad que Vendetta resurgió en el año 2002 pero con cambios de formación y dejando atrás la calidad de antaño. Hoy hemos elegido el segundo disco pero no puedo descartar que en una próxima emisión le demos un buen repaso a su álbum debut.

Y si estabas esperando a que subiera la temperatura, prepárate, porque vamos a pasar del clima templado directamente a un temblor de tierra. Pero no es un terremoto cualquiera... es un Sludge-quake. Porque mis amigos, hay bandas que tocan, y hay bandas que construyen. Y la que traemos hoy viene desde Akron, Ohio, con una historia que parece sacada de una película de acción, con más cambios de alineación que una novela turca, y un sonido tan denso que podrías untarlo en una tostada. Hablemos de RADIAN. Estos tipos no son nuevos en esto. Nacieron en el frío invierno de 2017, cuando el guitarrista Mike Burns dijo: "Oigan, ¿y si mezclamos el barro con la furia y lo hacemos sonar a gloria?". El resultado fue su debut Chapters, un discazo que ya avisaba: "Cuidado, que aquí hay mala leche de la buena". Pero si creían que eso era todo, resulta que la banda dijo: "No, espera, que esto se va a poner más oscuro que un callejón sin salida". Y llegó Discordian. Y ahí empezó el verdadero caos. Porque entre disco y disco, hubo más vueltas que en una noria: cambios de formación, momentos de incertidumbre... Vamos, lo típico cuando eres una banda que vive al límite. Pero de las cenizas... ¡SURGE EL FÉNIX! Y no, no me refiero a la serie de Marvel. Me refiero a RADIAN, renacido y con una formación que ya es un escuadrón de élite: Corey Staley al grito, Derek Vaive golpeando parches, Carly Allman en el bajo y el cerebro Mike Burns en la guitarra. Y de esa tormenta perfecta nace su nuevo hijo, su tercer gran golpe sobre la mesa: Subterfuge. Pero ojo, que esto no es solo un disco. ¡Esto es una película! Imagínense un Egipto moderno. Pero no el que conocemos, sino un Egipto que nunca fue conquistado por los romanos. Un lugar que está siendo amenazado por un grupo de villanos con traje y corbata que quieren borrar su cultura del mapa. Y nuestro héroe, un tipo cabreado y decidido, dice: "Ni de coña". Eso es Subterfuge. Una historia de resistencia, de proteger lo tuyo a machetazos de guitarra. Es como Indiana Jones, pero con más distorsión y menos látigo. ¿Y cómo suena? Pues imagina que te cae una montaña encima, pero la montaña tiene ritmo y no para de moverse. Sludge, doom, groove, y una producción que haría babear a cualquier ingeniero de sonido. Grabado por el propio Mike Burns, mezclado por el legendario Sanford Parker (sí, el de Voivod y YOB) y masterizado por Collin Jordan. Vamos, una liga de las superestrellas del metal. El vocalista Corey lo resume perfecto: "Es la historia de un tipo dispuesto a hacer lo que sea para proteger su hogar, su gente y su cultura de un grupo de imbéciles que quieren destruirlo todo por dinero." Así que ya lo saben. Si están listos para un viaje sonoro al inframundo, si les gusta el metal que piensa y que pega duro, abróchense los cinturones. Porque esto que viene desde Ohio, esto que es El Burno Records y Third House Communications, es pura dinamita. Les presento, con ustedes, el sonido de la resistencia... RADIAN y su nuevo álbum: Subterfuge. ¡Suban el volumen que esto va a temblar!

¡Alerta, alerta! Código rojo en la cabina de mando. Tenemos una intrusión sónica procedente de Italia. Y no, no es una ópera, es algo mucho más pesado. Ellos son DESERT COLLIDER y vienen a presentarnos su carta de presentación: el álbum 'Generation Ship: Endless Drift Through Infinity', que verá la luz el 6 de marzo bajo el sello Small Stone Recordings. Si este nombre no te suena, búscalo, porque solo editan auténticas bombas de fuzz. ¿Y qué nos encontramos aquí? Pues imagina que juntas la vibra hipnótica de Yawning Man, la pegada de Kyuss, el rollo espacial de Monster Magnet y un puntito de progresivo. Lo metes en una coctelera, lo agitas durante un año de experimentación y lo sirves en los estudios Stone Bridge de la mano de Andrea Cola y el mago de la masterización Karl Daniel Lidén (sí, el de Lowrider). El resultado: ocho cortes que te llevan de la densidad de una estrella de neutrones a la calma de un amanecer en el desierto. Y no es postureo. La banda se ha inspirado en el escritor de ciencia ficción Robert A. Heinlein para construir un concepto sobre la pérdida, el reencuentro y los viajes interestelares... pero del alma. Vamos, que si te gusta pensar mientras el bajo te retumba en el pecho, esto es para ti. Hoy sonamos el primer adelanto, un temazo que flota en el vacío y se llama 'Floating Space Hand'. Según ellos, es lo que queda de ti cuando sueñas con alcanzar las estrellas. Según nosotros, es el temazo que necesitas para empezar el día con energía. ¡Abrimos puerta de aire y soltamos DESERT COLLIDER!

Una inmersión en la conciencia del mundo legal y las batallas internas de quienes lo habitan. Eva Herbergen es una apasionada abogada penalista. Su trabajo consiste en proteger a las personas del castigo: el autor famoso, el millonario frágil, la madrastra abrumada. Sabe que no se necesita mucho para que alguien se convierta en criminal, quizá incluso en asesino. Un momento oscuro basta para marcar el punto de inflexión: ser víctima o agresor. Eva también lidia con estos límites, que ella misma ya ha cruzado, con los puntos ciegos de nuestro juicio moral. Con cada caso que Eva relata, en el que la línea entre la justicia y la ley se difumina, sus certezas se desvanecen. Hasta que se pregunta qué conclusiones debe sacar. Nueve casos de true crime que ponen al lector contra las cuerdas. Una inmersión en el complejo mundo legal y las batallas internas de quienes lo habitan.

Si buscan en Wikipedia "will-o'-the-wisp" (o "Irrlicht"), les dirá que es un fenómeno luminoso fantasmal que aparece en pantanos, bosques oscuros y… a veces, en cementerios. La leyenda dice que son almas perdidas o trampas de seres sobrenaturales. ¡Perseguirlas trae mala suerte! Pero ¡OYE! Escuchar el disco de regreso de EDEN CIRCUS no trae NADA de mala suerte. Si hay algún engaño aquí, es solo en la forma en que estos músicos de Hamburgo nunca revelan sus intenciones a la primera. Crean un sonido rock que exige atención y esfuerzo para descifrarse. No se dejen engañar por la aparente accesibilidad de sus canciones, que navegan entre post-rock, prog-rock y rock alternativo. En el fondo, nada es lo que parece —eso ya pasó con su debut "Marula" (2014) y se repite con su segundo álbum, justamente titulado "Irrlicht". ¿Que ha pasado más de una década desde su primer disco? ¡Ni se nota! Los cambios de formación tampoco alteran la esencia. EDEN CIRCUS sigue ofreciendo su rock intrincado y cerebral, que profundiza sin perder un impulso imparable. Los músicos del norte de Alemania se centran en crear atmósferas intensas y estados de ánimo a través de arreglos deliberados. Así, "Irrlicht" se despliega con una delicada complejidad y peso emocional, lleno de contrastes dinámicos que van mucho más allá de lo que se percibe a primera escucha. En resumen: si el Irrlicht folclórico te lleva al peligro, el "Irrlicht" de EDEN CIRCUS te lleva a un viaje sonoro hipnótico, retador y fascinante. ¿Listos para seguir esta luz… sin miedo a las consecuencias?

¡Preparen sus neuronas y ajusten sus cinturones! Desde las profundidades de Europa llega PHILOSOPHOBIA, el "supergrupo" que decidió que el metal progresivo no era lo suficientemente intenso... y decidió subirle el volumen. Con un árbol genealógico que incluye nombres como Kamelot y Paul Di’Anno, estos músicos están repartidos por Alemania, Grecia y Países Bajos, demostrando que ni el GPS puede detener el buen metal. Tras un debut que dejó a la prensa con la boca abierta (¡y varios 10/10 en los bolsillos!), vuelven a la carga con su segundo hijo: "The Constant Void". Son 65 minutos de pura adrenalina, melancolía y técnica, con el virtuoso Sebastian Heuckmann destrozando el bajo. Si te gusta Dream Theater o Nevermore, prepárate: esto no es solo música, es un viaje de una hora del que no vas a querer volver. ¡Con ustedes, la nueva realeza del prog!

En el programa de hoy tenemos una noticia excelente para los amantes del rock con peso, de esos riffs que se clavan en la espina dorsal. Desde la ciudad que respira motor y rock 'n' roll, Detroit, nos llega WINDS OF NEPTUNE, un trío que está a punto de hacer temblar los cimientos. Su álbum debut, homónimo, verá la luz el próximo 21 de noviembre bajo el sello Small Stone Recordings. Pero su historia es de esas que solo podrían nacer en tiempos extraños. Imaginen: verano de 2020, el mundo en pausa forzada. Mike Alonso (batería), habituado a las giras frenéticas con los célebres Flogging Molly, se encontraba en tierra. Kevin Roberts (guitarra) y Ross Westerbur (bajo/voz) también, entre proyectos y con el tiempo detenido. ¿Su solución? Una idea que entonces parecía casi una herejía: reunirse en persona, en el sótano de Kevin, para una jam session al viejo estilo. De esas primeras sesiones, nacidas para conservar la cordura, brotaron versiones de clásicos de Free, Santana y Jethro Tull. No era una banda aún, era terapia sonora. Pero la química fue instantánea y, quizás, inevitable: estos tres pesos pesados de la escena de Detroit ya habían colaborado entre sí en distintas formaciones durante años. Cerraban un círculo, unidos por una devoción común por el sonido crudo y poderoso de los primeros 70: Black Sabbath, Aerosmith, Deep Purple... De las versiones surgieron temas propios. De los temas propios, más temas. Y cuando los locales reabrieron sus puertas tímidamente en 2021, aquel proyecto sin nombre ya tenía una identidad sonora robusta. Bautizados como Winds Of Neptune —tomando el nombre de un tema instrumental inédito de un proyecto anterior—, dieron su primer concienso real. Y desde entonces, no han dejado de crecer. Su sonido es un cohete directo a la era dorada del heavy rock, con ecos de UFO, Budgie o Captain Beyond, pero con la energía y el peso de bandas modernas como Clutch o Kadavar. No son una simple copia; es la esencia clásica filtrada por tres músicos excepcionales que saben construir canciones con matices, donde cada instrumento, cada riff monstruoso, tiene su lugar en un todo demoledor. Fue ese poder en vivo el que, en 2023, captó la atención de Scott Hamilton, de Small Stone Recordings, sellando el destino de su primer larga duración. El viaje desde aquella burbuja pandémica hasta el rock serio y contundente de WINDS OF NEPTUNE está completo. Su álbum, grabado en los míticos Rustbelt Studios y masterizado por Chris Goosman, llegará el 21 de noviembre en CD, digital y en una edición especial en vinilo "Black Dust", limitada a sólo 200 copias. Prepárense, porque los vientos de Neptuno están a punto de soplar con fuerza. ¡Señoras y señores, WINDS OF NEPTUNE!

Año 2112. En la Estación Espacial Copérnico, cien jóvenes de todo el mundo entrenan en el hostil entorno del vacío. Algún día formarán la élite destinada a colonizar el Sistema Solar. Tres amigos muy diferentes tropiezan con secretos y muertes que nadie quiere explicar. ¿Qué esconde el gobierno de United World tras la brillante fachada de este proyecto de prestigio? Un thriller de acción y descubrimiento que recorre todo el sistema solar, con un fuerte componente ético y político. La historia explora la rebelión, el choque entre lo individual y lo colectivo y la riqueza de un mundo diverso, marcado por el mestizaje cultural. En el fondo es un homenaje, actualizado y para todas las edades, a la gran tradición de la aventura, desde La isla del tesoro (R.L. Stevenson) a La vieja guardia (John Scalzi). Situada en un futuro cercano, plantea acuciantes problemas actuales: el giro geopolítico, la escasez de materias primas críticas, la tensión entre demografía y recursos o los límites éticos de las nuevas tecnologías

Si te gusta la música sin maquillaje, la que se graba tal cual nace, bajo el cielo y con los pies en la tierra, The Magnolia Sessions es uno de esos lugares mágicos donde pasan cosas auténticas. Y en los primeros días de 2026 llega una nueva entrega firmada por Chris Emmert. Canciones grabadas al aire libre, bajo un gran árbol de magnolia en Nashville, sin artificios, sin prisas… solo voz, madera y emoción. Chris Emmert viene de una pequeña ciudad del sureste de Ohio, y eso se nota en cada acorde. Su música mezcla folk, country, blues y bluegrass con una naturalidad desarmante. Son canciones que cuentan historias de vida, de amor y de paisajes que se quedan dentro. En esta Magnolia Session recupera temas antiguos y nuevos, canciones que habían quedado en un cajón y que aquí encuentran su lugar perfecto. Grabaciones crudas, desnudas, tocadas exactamente como fueron escritas. Sin pensar demasiado. Dejándolas respirar. Hoy, ya instalado en Nashville, Emmert representa ese sonido apalachense honesto y profundo que no necesita levantar la voz para emocionar. Si te gustan las canciones que parecen contarte algo al oído, Chris Emmert es un nombre que merece atención… y silencio alrededor para escucharlo bien. Lanzadas en 2020, The Magnolia Sessions presentan propuestas de bluegrass, dark country y folk de cantautores y bandas, grabadas en directo en un entorno íntimo al aire libre, bajo un gran árbol de magnolia en la sede de Anti-Corp / Black Matter Mastering en Nashville, Tennessee, por su propietario, Dan Emery. La serie ha publicado álbumes de artistas como Lost Dog Street Band, The Hill Country Devil, Joe Wunderle, Cooper McBean, The Resonant Rogues, Matt Heckler, Jason Dea West, Johno Leeroy, Cristina Vane, Nick Hans, Casper Allen, Jeff Loops, Angela Autumn, Tyler Hood, Jade Brodie, Douglas Francisco, Ivan McLeod, Austin Stambaugh y Willi Carlisle, muchos de los cuales debutaron en las listas Billboard Bluegrass. La serie permaneció en hibernación desde finales del verano de 2022 hasta finales de 2024, cuando se lanzó la entrega de Willi Carlisle para beneficiar a las víctimas del huracán Helene, seguida de dos nuevas sesiones de Coleman Williams y Joe’s Truck Stop en noviembre de 2025. Los primeros días de 2026 traerán nuevos álbumes de The Magnolia Sessions a cargo de Aurelia Anne Cohen y Chris Emmert. Sobre su participación, Chris Emmert explica: “Este álbum es una mezcla de canciones antiguas y nuevas. La mayoría estaban pensadas para otros discos o proyectos y quedaron apartadas o en segundo plano. Las grabamos hace unos años y esta colección algo heterogénea encajaba perfectamente con este tipo de grabación cruda y desnuda, permitiéndome tocarlas tal como las escribí, sin pensar demasiado en arreglos o desarrollo. Aun así, hay algunas que todavía quiero retomar algún día”. Dan Emery, de Anti-Corp Music y Black Matter Mastering, creador y responsable de The Magnolia Sessions, añade: “La sesión de Chris es la segunda de dos que se grabaron hace tiempo y no se publicaron hasta un par de años después. La hicimos en septiembre de 2023, pero estas canciones siguen sonando vibrantes y asombrosas. Así que no publicarlas nunca no era una opción”. El álbum puede reservarse anticipadamente y también está disponible la playlist oficial de Spotify de The Magnolia Sessions. Desde una pequeña ciudad situada en las estribaciones del sureste de Ohio llega la voz auténtica y el talento musical de Chris Emmert. Marcado por el rico entorno cultural en el que creció, Emmert es un compositor dotado y un músico consumado cuyo sonido fusiona de forma natural las tradiciones atemporales del folk, el alma narrativa del country, la emoción cruda del blues y el sonido alto y solitario del bluegrass. Su música dibuja imágenes vívidas de la vida, el amor y los paisajes que lo han formado. Actualmente afincado en Nashville, Tennessee, Emmert ha llevado su sonido profundamente arraigado al corazón de la música country. Su álbum debut en solitario, Fool From The Foothills, publicado por el sello independiente Anti-Corp Records, marcó un hito en su trayectoria musical. Este conjunto de canciones ofrece una experiencia íntima de su profundidad lírica y de su habilidad para tejer historias poderosas a través de la música. Con una conexión genuina con su herencia apalachense y una pasión por crear canciones honestas y perdurables, Chris Emmert es un artista cuya música promete cautivar y perdurar.

Lanzadas en 2020, The Magnolia Sessions muestran propuestas de bluegrass, dark country y folk de cantautores y bandas, grabadas en directo en un entorno íntimo al aire libre, bajo un gran árbol de magnolia en la sede de Anti-Corp / Black Matter Mastering en Nashville, Tennessee, por su propietario, Dan Emery. La serie ha publicado álbumes de artistas como Lost Dog Street Band, The Hill Country Devil, Joe Wunderle, Cooper McBean, The Resonant Rogues, Matt Heckler, Jason Dea West, Johno Leeroy, Cristina Vane, Nick Hans, Casper Allen, Jeff Loops, Angela Autumn, Tyler Hood, Jade Brodie, Douglas Francisco, Ivan McLeod, Austin Stambaugh y Willi Carlisle, muchos de los cuales debutaron en las listas Billboard Bluegrass. La serie estuvo en hibernación desde finales del verano de 2022 hasta finales de 2024, cuando se lanzó la entrega de Willi Carlisle para beneficiar a las víctimas del huracán Helene, seguida de dos nuevas sesiones de Coleman Williams y Joe’s Truck Stop en noviembre de 2025. Los primeros días de 2026 traerán nuevos álbumes de The Magnolia Sessions a cargo de Chris Emmert y Aurelia Anne Cohen. Sobre su participación, Aurelia Anne Cohen afirma: “Esta Magnolia Session es una cápsula del tiempo. A veces hay un estado de ánimo o una sensación muy fuerte que impregna una grabación. Esta sesión fue bastante improvisada y me interesa ver cómo maduran algunas de las canciones, pero estas variaciones fueron divertidas de grabar… y los grillos lo hicieron especialmente bien”. Dan Emery, de Anti-Corp Music y Black Matter Mastering, creador y conductor de The Magnolia Sessions, añade: “Esta fue la segunda visita de Aurelia al árbol. La primera fue con una banda anterior que se disolvió antes de que pudiéramos publicar la sesión. Fue muy fácil de grabar porque Aurelia se siente completamente en casa actuando en plena naturaleza. Todo fluyó de forma muy suave”. El álbum puede reservarse anticipadamente y también está disponible la playlist oficial de Spotify de The Magnolia Sessions. Originaria de Tucson, Aurelia Anne Cohen se formó desde niña en ballet clásico, danza folclórica y teatro. Su abuela, Stephanie Stigers Varon, una reconocida bailarina, comenzó su formación a los tres años. Mudarse a una reserva navaja a los ocho años y posteriormente a la frontera con México a los once amplió su visión del mundo desde muy joven. A los catorce descubrió las artes aéreas, entrando en una compañía de danza como la integrante más joven, y pronto se adentró en el teatro físico profesional, el espectáculo y las artes circenses. Desde 2006 ha viajado, enseñado y actuado internacionalmente, trabajando con la principal compañía de teatro pirotécnico de Norteamérica, Flam Chen, como intérprete principal, coreógrafa y directora, así como con la organización sin ánimo de lucro Many Mouths One Stomach. También colaboró en el desarrollo del programa de artes aéreas del Tucson Circus Arts. En 2010 conoció a Jason Dea West y decidió aprender un instrumento para acompañar sus composiciones. Desde entonces han creado música y girado extensamente como Intuitive Compass. Ha trabajado además como intérprete principal con The Carpetbag Brigade y como acróbata aérea, bailarina y diseñadora con Anatomia Dance Collective y Shadow Tender, participando como asistente de dirección, diseñadora de vestuario y coreógrafa. La entrega de Aurelia Anne Cohen en The Magnolia Sessions incluye una mezcla de canciones originales y algunas tradicionales, con su amigo Brice Clayborne Clark al violín. En febrero estarán de gira por el Oeste y la Costa Oeste para presentar el lanzamiento.

Hoy nos vamos de viaje, pero sin mochila ni billete. Solo tienes que seguir escuchando, porque en cuanto suene este grupo, vamos a ver catapultados a un universo lleno de secretos, simbolismos y una atmósfera tan densa que se puede cortar con un navaja. Detrás de este hechizo están THE FORESHADOWING, una banda italiana que no solo compone canciones: construye rutas sonoras. Ellos tienen muy claro que lo importante no es solo el destino… sino el camino. Y vaya camino. Su música se desarrolla de forma orgánica, envolvente, y siempre con arcos de tensión que te mantienen enganchado de principio a fin. Vamos, que estos tíos saben lo que hacen. No en vano llevan años siendo una especie de institución dentro del género. Nos adentraremos en un ambiente oscuro y melancólico, pero con ese punto majestuoso y épico que te hace sentir como si estuvieras paseando por Roma al atardecer... Porque sí: THE FORESHADOWING vienen de Roma, y de alguna manera, su música es tan monumental como la propia ciudad. La banda nació en 2005 y los amantes del gothic, doom y dark metal los tienen más que vistos. Si a esto le sumas que han girado con grandes bandas metaleras, pues ya te haces una idea del nivel. Así que nos abrochamos los cinturones y avanzamos. While listening to “New Wave Order”, you are whisked away into a world full of secrets and allusions. The path is THE FORESHADOWING’s goal, which manifests itself in all-encompassing, organically developed musicality. The Italians are outstanding songwriters who create captivating arcs of suspense and also keep an eye on the overarching strands. Nothing else can be expected from this eternal band. The mood is dark to melancholic, but also majestic and epic. Hailing from Rome (Italy), THE FORESHADOWING are something like the musical equivalent of the city they come from. Founded in 2005, the group can look back on a successful and eventful history. Listeners of gothic, doom and dark metal are very familiar with the quartet’s work. THE FORESHADOWING gained popularity in the international scene with four acclaimed albums released between 2007 and 2016: “Days of Nothing” (2007), “Oionos” (2010), “Second World” (2012) and “Seven Heads, Ten Horns” (2016) and through touring with SWALLOW THE SUN, SATURNUS, MARDUK, MOONSPELL, ANTIMATTER and IN THE WOODS.

VALLETTA unleashes pure fury on their second EP, "Bitter Lucid Truth", out this October via Germany’s LIFEFORCE RECORDS. Fueled by raw anger toward today’s political climate, the Raleigh, NC quartet transforms venom into powerful, melodic outbursts that are both soaring and scathing. Written and recorded in early 2025, the "Bitter Lucid Truth" EP was tracked by Al Jacob (He Is Legend, Wailin Storms) at Warrior Sound with input from Inter Arma’s TJ Childers, and mastered by Matt Tuttle (Codeseven). It’s a lean, explosive statement and a bold step forward from a lineup whose pedigree includes Lord Almighty, Mo’ynoq, Prayer For Cleansing and Between the Buried And Me. VALLETTA hits the road in the U.S. this August and October 2025, with a European tour and re-release of "Summer" slated for 2026. Creator-Destructor Records is proud to welcome Southern California’s AUDITORY ANGUISH to the label for the November release of their new EP, AFA. Having brought their crushing blend of death metal-infused metalcore to cities across the West Coast over the past few years, AUDITORY ANGUISH self-released their Tragedies Of Western Existence three-song promo in 2023, followed by the Crime Rituals EP in 2024. Now aligned with Creator-Destructor Records, the band arrives with their new EP, AFA, delivering their most critical material to date. Here, the band’s vast array of influences is infused into a crushing alloy of hardcore/death metal, with everything from Xibalba, Deftones, Trash Talk, and Cannibal Corpse converging to create the DNA of the band’s sound with unrelenting heaviness. AFA was recorded and mixed at The Pit Recording Studio in Van Nuys, California by Taylor Young (Disgrace, Twitching Tongues, God’s Hate) who also provides additional vocals to “Unrelenting Blade,” while the track “Tierra Santa” features guests from Xibalba offshoot Tzompantli. Mastering was handled by Nick Townsend at Townsend Mastering, and the artwork duties were completed by Rodridgo Morales. Arriving in 2016 from coordinates unknown, WARP CHAMBER spent the first two years of their existence festering and rotting in derelict basements and dilapidated garages across Olympia, Washington. Drawing influence from bands like Morbid Angel, Demilich, and Timeghoul, and the science fiction and horror films, video games, and books they grew up on, WARP CHAMBER sought to bring their own brand of twisted, psychotic death metal to the terminally infected West Coast scene. 2018 was a very active time for the band: they recorded the Abdication Of The Mind demo early that year with Ethan Camp, followed by a short West Coast tour that culminated in the recording of Implements Of Excruciation with Greg Wilkinson at Earhammer Studios in Oakland, California. Mounting challenges, from physical injury to neurosis, saw the collapse of the band upon the return home. Despite the successes of Implements Of Excruciation, by the time of its release in 2020, WARP CHAMBER existed only as a traumatic memory. WARP CHAMBER reemerged in 2022, corporeal once more and hungry for flesh. This new era ushered in regional tours and shows in the US, Mexico, and Canada, with reported sightings at Maryland Deathfest, Infest Edmonton, and Covenant Festival. “Warp III” is the first new WARP CHAMBER music since Implements…. Recorded and mixed by Ethan Camp and WARP CHAMBER, with mastering handled by none other than Dan Lowndes at Resonance Sound Studio, the release features a nearly six-minute track that reflects the maturation of WARP CHAMBER’s sound and a preview of new music to come. BENOTHING is a death metal band from Finland that approaches the genre in an ambitious and subconscious way. Their old-school death metal foundation incorporates ideas closer to ‘70s progressive rock, without ever losing heaviness or grimness. BENOTHING is and will remain a death metal band, but boundaries will never stand in the way of creativity. They are progressive without being complicated, experimental without losing focus, and contemporary without being modern. Formed around 2017 with the intention of playing raw and straightforward death metal in the vein of late ‘80s and early ‘90s US and Scandinavian classics, BENOTHING soon felt the inner need for experimentation and boundary-pushing. This eventually led to the release of their four-song, 28-minute EP Temporal Bliss Surrealms in 2021 through Everlasting Spew Records. “Deathways” is the most annihilating BENOTHING song to date, but not without spiraling into psychedelic atmospheres. Recorded in 2023 at the band’s rehearsal studio, the song retains its live feeling even with multiple layers of instruments, ambience and noise. “Deathways” is a heavy, dark, and punishing trip into nothingness. BENOTHING is about honesty. The band does not release anything that doesn’t satisfy their own ears. BENOTHING requires inspiration, experimentation, and dedication. After several years of grasping their voice, the band has begun writing new material to be released in the coming months. “Deathways” is an example of what this band is capable of — and a glimpse of what may be coming when the next step is taken.

Nearly twenty years after its humble beginning, the journey of FUCKED UP’s ever-evolving Zodiac series begins its towering conclusion with the announcement of Grass Can Move Stones, a monumental ten-part finale set to a meticulously crafted text beginning with the album Year Of The Goat, set for physical release on December 12th. Four-and-a-half-years on from their last entry Year Of The Horse, Grass Can Move Stones will encompass the final three entries into the series – Goat, Monkey, and Rooster – telling one connected story over three albums, an almost five-hour musical voyage through their varied styles and influences, that will revisit and recontextualize elements from the previous nine zodiac entries in ingenious and limitlessly imaginative ways. The ten sides of music will be released serially over the course of a year starting with Year Of The Goat later this Fall, Year Of The Monkey in Spring 2026, and concluding with Year Of The Rooster in Autumn, the last entry of which will coincide with the 20th anniversary of Year Of The Dog in October 2026. Each entry will debut on the FUCKED UP Bandcamp, followed by a vinyl preorder for release on the longstanding home of FUCKED UP’s Zodiac releases, Tankcrimes. Issues the band, “We are excited to announce Grass Can Move Stones, the ten part finale to our twenty-year Zodiac album cycle. Join us over the next year as we release the Year Of The Goat LP, the Year Of The Monkey 2xLP, and the Year Of The Rooster 2xLP in installments, one story spread over almost five hours of music, that dives back into the characters, narratives, and music from all our previous zodiac records, told by dozens of characters and special guests. Sides will be released (almost) monthly on Bandcamp, leading up to the finale side in October 2026, the twenty-year anniversary of the first zodiac album, Year Of The Dog. Vinyl will hit stores through this year, so stay tuned.”

Con el credo férreo de “Death metal implacable. Sin modas. Sin piedad.”, CALCRAFT define su esencia. Y con su debut "Reborn Through Torture", lanzan un golpe directo contra todo lo que suene diluido o dictado por tendencias: un manifiesto brutal y sin concesiones. Desde Texas, la banda descarga un death metal crudo, rabioso y cargado de odio, profundamente marcado por el legado de Immolation, Suffocation e Incantation. Pero CALCRAFT no se limitan a seguir esa línea: sus temas desprenden una atmósfera oscura, una agresión thrasher y una violencia cinematográfica que remite a los momentos más sangrientos del giallo y del slasher. El nombre tampoco es casual. William Calcraft, el infame verdugo inglés, es su sombra e inspiración. Y al igual que él, la banda no perdona: su música funciona como una soga sonora, donde cada pista es una ejecución. "Reborn Through Torture" se convierte así en un manifiesto empapado de sangre, riffs retorcidos, locura y horror, arrastrando al oyente a un paisaje de dolor y carnicería. Cada canción narra una historia distinta: locura, tortura, últimos alientos. CALCRAFT no quieren entretenerte; quieren inquietarte, sacudirte, descolocarte. Buscan construir un entorno sonoro amenazante, una especie de “banda sonora bañada en sangre de la escena final que jamás sobrevives”. Quien se atreva con este álbum no tendrá escapatoria. CALCRAFT cumplen con su propio estándar de brutalidad y entregan death metal en su forma más feroz, directa e intransigente.

Destruction – Live Without Sense (1989) A finales de los 80, el thrash metal alemán vivía su edad dorada con: Kreator, Sodom, Tankard y Destruction. De esas cuatro, Destruction era probablemente la más técnica y la más caótica a la vez: una mezcla de ostinatos ultrarrápidos, estructuras complicadas y una voz chillona y única de su cantante fundador. “Live Without Sense” fue lanzado en 1989 y se grabó durante la gira del álbum Release from Agony (1988). La formación clásica en aquel momento era: Schmier – Bajo y voz Mike Sifringer – Guitarra principal Harry Wilkens – Segunda guitarra Oliver Kaiser – Batería Este fue el último disco que su cantante grabó con la banda ya que poco después fue expulsado del grupo por tensiones internas. Aunque diez años más tarde, en 1999, volvió a la banda. Grabación y sonido Aunque se promociona como “en directo”, su sonido se escucha sorprendentemente nítido para la época. Fue grabado principalmente en Viena, Austria, durante la gira europea, con añadidos de otros conciertos de esa misma gira. No hubo regrabaciones posteriores de estudio —solo una ligera mezcla para equilibrar niveles—, lo que le da un sonido auténtico y rabioso, lejos de otros discos en vivo retocados de los 80. El título “Live Without Sense” (Vivir sin sentido) fue una referencia a su caos constante en los conciertos y a la energía sin control que solían desatar en cada escenario. Canciones destacadas El setlist combina material de todas sus etapas ochenteras: Curse the Gods Unconscious Ruins Thrash Attack Invincible Force Dissatisfied Existence Reject Emotions Mad Butcher Release from Agony Eternal Ban Bestial Invasion La canción “Mad Butcher” solía ser el punto culminante de los conciertos porque el cantante gritaba desbocado el estribillo mientras agitaba la cabeza como si quisiera romperse el cuello. Unheadbanging de campeón —y lo hacía cada noche. Sin excusas. 1. El público vienés casi destruye la sala Durante la grabación, el público estaba tan descontrolado que la seguridad tuvo que bloquear las puertas para evitar avalanchas. Los fans “querían literalmente subir al escenario, arramblar con todo lo que encontraban a su paso y formar parte del show. ⚔️ 2. Rivalidad con Kreator Aunque ahora se respetan, en aquella época Destruction y Kreator se detestaban. Ambas bandas competían por ser “los más duros de Alemania”. Destruction acusaba a Kreator de ser violentos y ruidosos mientras que ellos eran hermanitas de la caridad. “Nosotros no queremos ser los más violentos, solo los más reales. Otros solo hacen ruido.” 3. Destruction fue vetado temporalmente por SPV Tras la salida del cantante fundador en 1989, su sello discográfico los “congeló” porque su siguiente formación con otro cantante no convencía a nadie. Así que durante casi una década, Destruction desapareció del mapa metálico, mientras Kreator y Sodom seguían girando y comiéndoles la tostada. 4. Schmier fue despedido… con una nota Según declaraciones del mismo, Marsel Eschimer, en una entrevista especializada de Rock y Metal un día llegó al local de ensayo y encontró una triste nota: “Ya no estás en la banda.” No hubo discusión ni aviso. Simplemente, fuera. El resto de los miembros intentaron seguir sin él, pero el público (al que normalmente no le suelen gustar este tipo de cambios) rechazó totalmente esa nueva versión de Destruction. 5. “Bestial Invasion” se convirtió en himno por accidente Originalmente no era una de las favoritas del grupo, pero el público comenzó a corearla en cada concierto, lo que la transformó en su tema insignia. Desde entonces, es una fija. No ha habido un solo concierto de Destruction en el que no la hayan tocado. 6. El regreso de Schmier En 1999, tras una década alejado del grupo, Schmier regresó con Mike Sifringer y reactivaron Destruction con el EP All Hell Breaks Loose. Ese reencuentro devolvió al grupo al trono del thrash europeo, y desde entonces el tema “Curse the Gods” se ha convertido en su clásico de apertura en casi todos los shows. ️ Valor y legado Este directo Live es considerado: El mejor disco en directo del thrash alemán (junto con Live Kreation de Kreator). Una fotografía del thrash europeo en su máxima pureza. Y sobre todo, un testamento de lo que era Destruction antes del colapso interno. A día de hoy, muchos fans lo colocan al nivel de directos de Slayer y Metallica por su intensidad y honestidad, aunque con una crudeza más underground.

Cheap Trick es una banda estadounidense de rock formada en Rockford, Illinois, en 1974, que ha sabido mezclar a la perfección el power pop, el hard rock y el sentido del humor a lo largo de más de cinco décadas. Imagina una agrupación donde los músicos parecen salidos de dos planetas distintos: por un lado, el vocalista y el bajista, quienes tenían toda la pinta de ser unos salidos rompebragas, y por otro, el baterista con la estética de un contable El Corte Inglés y el guitarrista que parecía sacado de una hamburguesería. Origen inusual Todo arrancó con el grupo Fuse a finales de los años 60, compuesto por aguerridos fans de los Beatles y The Who. Sin embargo, el éxito se les resistía y tras varios estrepitosos fracasos, cambios de nombre y formación, finalmente reclutaron a Robin Zander como cantante y en 1974 se bautizaron como Cheap Trick (dejando claro que ni ellos mismos estaban dispuestos a tomarse en serio). Éxito internacional inesperado Lo curioso es que Cheap Trick empezó triunfando... ¡pero en Japón! Tanto así, que llenaron el mítico Budokan y grabaron un disco en vivo que los convirtió en ídolos de masas en el país de Son Goku, mucho antes de conquistar su propio país. Sus enérgicos conciertos los llevaron a recorrer Estados Unidos como teloneros de Kiss, Queen y The Who. Momentos inolvidables Su aspecto peculiar y sentido del humor se colaba en todos lados. Crearon himnos generacionales como "Surrender", "I Want You to Want Me" o "Dream Police". El bajista Tom Petersson fue de los primeros en usar bajos de 12 cuerdas, mientras que el guitarra Rick Nielsen llegaba a aparecer con guitarras de cinco mástiles y más de cuatrocientas guitarras de su colección personal. En 1976, cuando tocaron en el famoso Max’s Kansas City de Nueva York, antes de que saliera su primer disco. El público era escaso, pero entre los asistentes estaba Gene Simmons, de Kiss. Durante el show, Simmons lanzó un billete de cien dólares al escenario, y Nielsen, sin cortarse un pelo, lo agarró, se lo metió en la boca ¡se lo zampó. Además según cuenta el propio protagonista de esta historia, Simmons lo llamó tiempo después para grabar en su disco solista. Pero él bromea diciendo que probablemente fue para que le devolviera el dinero. Legado y personalidad excéntrica Cheap Trick nunca perdió la vena divertida ni la pasión por el show, logrando sobrevivir a modas y géneros a base de canciones pegadizas, actuaciones enérgicas y ese toque de locura visual que los hizo leyenda. Incluso han llegado a ser considerados como "los reyes del power pop" y demuestran que el rock también puede (¡y debe!) saber reírse de sí mismo. En resumen, Cheap Trick es la prueba de que el buen humor, la auto-parodia y los melodías irresistibles pueden hacer historia en el rock, convirtiendo la rareza y la autenticidad en sinónimo de éxito y diversión.

Cuatro estrellas, cuatro vidas de excesos, y un camino que solo el rock podía inspirar Jim Morrison, Keith Moon, Freddie Mercury y Nikki Sixx: cuatro nombres que brillaron y se consumieron a la velocidad del rock A través de los ojos de una sagaz reportera musical, un veterano fotógrafo exhibe con orgullo una selección de instantáneas muy especiales. En ellas aparecen Jim Morrison, Keith Moon, Freddie Mercury y Nikki Sixx. Cuatro fenómenos con muchas diferencias pero con dos grandes aficiones en común: el descontrol y las drogas. Ellos, como tantos otros, se tomaron muy al pie de la letra aquello de vivir como un rockstar. Esta novela gráfica ilustra de manera descarnada pero real escenas desquiciadas de estos cuatro genios de la música, auténticos iconos e ídolos de masas. Cuatro nombres consagrados que dejaron estupendas obras maestras pero cuyas vidas fueron sinónimo de descontrol y exceso, reflejo de una época y de una manera de vivir la música.

John Michael Osbourne (Marston Green, Warwickshire, 3 de diciembre de 1948-Jordans, Buckinghamshire, 22 de julio de 2025), más conocido como Ozzy Osbourne, fue un cantante, músico y compositor inglés, reconocido por haber sido vocalista de la banda de heavy metal Black Sabbath y por su carrera como solista. Participó en la grabación de nueve álbumes de estudio con Black Sabbath, de los cuales Paranoid, Master of Reality y Sabbath Bloody Sabbath lograron ventas millonarias y son considerados por la crítica especializada como pioneros y referentes del heavy metal. En su carrera en solitario publicó álbumes con notable posicionamiento en las listas de éxitos y elogiados por la crítica como Blizzard of Ozz, Diary of a Madman, The Ultimate Sin y No More Tears. Durante su trayectoria impulsó, además, la carrera de jóvenes músicos como los guitarristas Randy Rhoads, Jake E. Lee y Zakk Wylde. Conocido como el «padrino» del heavy metal y el «príncipe de las tinieblas», Osbourne aparece en la octava posición de la lista de los mejores vocalistas del metal según la revista Hit Parader. Ha sido certificado por la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA) como multiplatino por las ventas de varios de sus álbumes en solitario. Las ventas totales de sus discos como solista, sumadas a sus producciones con Black Sabbath, alcanzaron las 100 millones de copias. Como miembro de Black Sabbath fue presentado en el Salón de la Fama del Rock and Roll, al igual que en el Salón de la Fama del Reino Unido, como solista y como miembro de la agrupación. También posee una estrella en la calle de las Estrellas de Birmingham y en el paseo de la fama de Hollywood. En los premios MTV Europe Music Awards de 2014, Osbourne recibió el galardón de Icono Global. Con el cambio de siglo, además, adquirió una gran repercusión mediática, especialmente por su aparición en el programa de telerrealidad The Osbournes, emitido por la cadena MTV y basado en el día a día de su familia. En 2023, aparece en el puesto número 112 de la lista "Los 200 mejores cantantes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone. ----- John Michael Osbourne (Marston Green, Warwickshire, 3 de diciembre de 1948-Jordans, Buckinghamshire, 22 de julio de 2025), más conocido como Ozzy Osbourne, fue un cantante, músico y compositor inglés, reconocido por haber sido vocalista de la banda de heavy metal Black Sabbath y por su carrera como solista. Participó en la grabación de nueve álbumes de estudio con Black Sabbath, de los cuales Paranoid, Master of Reality y Sabbath Bloody Sabbath lograron ventas millonarias y son considerados por la crítica especializada como pioneros y referentes del heavy metal. En su carrera en solitario publicó álbumes con notable posicionamiento en las listas de éxitos y elogiados por la crítica como Blizzard of Ozz, Diary of a Madman, The Ultimate Sin y No More Tears. Durante su trayectoria impulsó, además, la carrera de jóvenes músicos como los guitarristas Randy Rhoads, Jake E. Lee y Zakk Wylde. Conocido como el «padrino» del heavy metal y el «príncipe de las tinieblas», Osbourne aparece en la octava posición de la lista de los mejores vocalistas del metal según la revista Hit Parader. Ha sido certificado por la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA) como multiplatino por las ventas de varios de sus álbumes en solitario. Las ventas totales de sus discos como solista, sumadas a sus producciones con Black Sabbath, alcanzaron las 100 millones de copias. Como miembro de Black Sabbath fue presentado en el Salón de la Fama del Rock and Roll, al igual que en el Salón de la Fama del Reino Unido, como solista y como miembro de la agrupación. También posee una estrella en la calle de las Estrellas de Birmingham y en el paseo de la fama de Hollywood. En los premios MTV Europe Music Awards de 2014, Osbourne recibió el galardón de Icono Global. Con el cambio de siglo, además, adquirió una gran repercusión mediática, especialmente por su aparición en el programa de telerrealidad The Osbournes, emitido por la cadena MTV y basado en el día a día de su familia. En 2023, aparece en el puesto número 112 de la lista "Los 200 mejores cantantes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone.

Kiss (estilizado KISS) fue una banda estadounidense de rock formada en Nueva York en enero de 1973 por el bajista Gene Simmons, el guitarrista Paul Stanley y el batería Peter Criss, a los que más tarde se uniría el guitarrista Ace Frehley. Conocidos por su maquillaje facial y su extravagante vestuario, el grupo se dio a conocer al público a mediados de los años 1970 gracias a sus actuaciones en directo, en las que incluían pirotecnia, llamaradas, cañones, baterías elevadoras, guitarras con humo y sangre falsa. Si se tienen en cuenta los álbumes en solitario de 1978, Kiss ha conseguido treinta discos de oro de la RIAA y es la banda estadounidense que ha recibido un mayor número de estas certificaciones. El conjunto ha vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo y 21 millones solo en los Estados Unidos. A pesar de no haber alcanzado nunca la primera posición del Billboard 200, ha situado veintiséis de sus trabajos entre los cuarenta primeros puestos. Desde su formación, sus miembros asumieron personalidades acordes con los maquillajes y trajes que llevaban, así Simmons asumió el rol de «Demon», Stanley el de «Starchild», Criss el de «Catman» y Frehley el de «Space Ace» o «Spaceman». Sus tres primeros álbumes de estudio apenas tuvieron repercusión y tuvo que ser con el lanzamiento de Alive!, un disco en directo, que la banda consiguiera fama y popularidad. Sus siguientes trabajos, entre los que destacan Destroyer y Love Gun, aumentaron la popularidad del grupo y consiguieron varias certificaciones de platino. Después de que cada integrante publicara un álbum en solitario y rodar una película, las tensiones dentro del grupo aumentaron, lo que ocasionó la marcha de Criss y posteriormente la de Frehley. Tras la salida de dos de sus miembros fundadores —Eric Carr y Vinnie Vincent reemplazaron a Criss y Frehley y asumieron las personalidades de «The Fox» y «The Wizard», respectivamente— y publicar algunos álbumes que no tuvieron el número de ventas esperadas, como Music from "The Elder" y Creatures of the Night, en 1983, Kiss decidió abandonar el maquillaje y orientar su estilo musical hacia el glam metal. En la década de 1990 se produjo la reunión de la formación con sus respectivos maquillajes, aunque con la llegada del nuevo milenio, Frehley y Criss volvieron a dejar la banda. Simmons y Stanley decidieron continuar con el batería Eric Singer y el guitarrista Tommy Thayer, quienes asumieron las personalidades de «Catman» y «Spaceman», respectivamente. ----- Kiss (estilizado KISS) fue una banda estadounidense de rock formada en Nueva York en enero de 1973 por el bajista Gene Simmons, el guitarrista Paul Stanley y el batería Peter Criss, a los que más tarde se uniría el guitarrista Ace Frehley. Conocidos por su maquillaje facial y su extravagante vestuario, el grupo se dio a conocer al público a mediados de los años 1970 gracias a sus actuaciones en directo, en las que incluían pirotecnia, llamaradas, cañones, baterías elevadoras, guitarras con humo y sangre falsa. Si se tienen en cuenta los álbumes en solitario de 1978, Kiss ha conseguido treinta discos de oro de la RIAA y es la banda estadounidense que ha recibido un mayor número de estas certificaciones. El conjunto ha vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo y 21 millones solo en los Estados Unidos. A pesar de no haber alcanzado nunca la primera posición del Billboard 200, ha situado veintiséis de sus trabajos entre los cuarenta primeros puestos. Desde su formación, sus miembros asumieron personalidades acordes con los maquillajes y trajes que llevaban, así Simmons asumió el rol de «Demon», Stanley el de «Starchild», Criss el de «Catman» y Frehley el de «Space Ace» o «Spaceman». Sus tres primeros álbumes de estudio apenas tuvieron repercusión y tuvo que ser con el lanzamiento de Alive!, un disco en directo, que la banda consiguiera fama y popularidad. Sus siguientes trabajos, entre los que destacan Destroyer y Love Gun, aumentaron la popularidad del grupo y consiguieron varias certificaciones de platino. Después de que cada integrante publicara un álbum en solitario y rodar una película, las tensiones dentro del grupo aumentaron, lo que ocasionó la marcha de Criss y posteriormente la de Frehley. Tras la salida de dos de sus miembros fundadores —Eric Carr y Vinnie Vincent reemplazaron a Criss y Frehley y asumieron las personalidades de «The Fox» y «The Wizard», respectivamente— y publicar algunos álbumes que no tuvieron el número de ventas esperadas, como Music from "The Elder" y Creatures of the Night, en 1983, Kiss decidió abandonar el maquillaje y orientar su estilo musical hacia el glam metal. En la década de 1990 se produjo la reunión de la formación con sus respectivos maquillajes, aunque con la llegada del nuevo milenio, Frehley y Criss volvieron a dejar la banda. Simmons y Stanley decidieron continuar con el batería Eric Singer y el guitarrista Tommy Thayer, quienes asumieron las personalidades de «Catman» y «Spaceman», respectivamente.

Ghost es una banda sueca de rock conocida por combinar la teatralidad con disfraces inspirada en el shock rock, el heavy metal y el arena rock. Formada en Linköping en 2006,[1]​ la banda lanzó su álbum debut Opus Eponymous en 2010, que les valió reconocimiento internacional. A este le siguieron Infestissumam en 2013 y Meliora en 2015. A este le siguieron los álbumes Prequelle en 2018 e Impera en 2022. Su sexto álbum de estudio, Skeletá, se lanzó en 2025; posteriormente se convirtió en su primer álbum número uno en Billboard. Conocidos por su presencia disfrazada en el escenario, los miembros de Ghost, a excepción del vocalista principal, son conocidos como «Nameless Ghouls». El vocalista principal ha actuado bajo el personaje de «Papa Emeritus», conocido por su imagen de «antipapa demoníaco», aunque lo ha cambiado en giras posteriores. En 2017, se reveló que el cantante principal era Tobias Forge, después de que varios músicos que habían trabajado con él en el proyecto Ghost, iniciaran acciones legales por regalías. El sencillo «Cirice» le valió a la banda un premio Grammy a la «Mejor Interpretación de Metal en 2016», y han sido nominados a varios premios Grammis suecos. ----- Ghost es una banda sueca de rock conocida por combinar la teatralidad con disfraces inspirada en el shock rock, el heavy metal y el arena rock. Formada en Linköping en 2006,[1]​ la banda lanzó su álbum debut Opus Eponymous en 2010, que les valió reconocimiento internacional. A este le siguieron Infestissumam en 2013 y Meliora en 2015. A este le siguieron los álbumes Prequelle en 2018 e Impera en 2022. Su sexto álbum de estudio, Skeletá, se lanzó en 2025; posteriormente se convirtió en su primer álbum número uno en Billboard. Conocidos por su presencia disfrazada en el escenario, los miembros de Ghost, a excepción del vocalista principal, son conocidos como «Nameless Ghouls». El vocalista principal ha actuado bajo el personaje de «Papa Emeritus», conocido por su imagen de «antipapa demoníaco», aunque lo ha cambiado en giras posteriores. En 2017, se reveló que el cantante principal era Tobias Forge, después de que varios músicos que habían trabajado con él en el proyecto Ghost, iniciaran acciones legales por regalías. El sencillo «Cirice» le valió a la banda un premio Grammy a la «Mejor Interpretación de Metal en 2016», y han sido nominados a varios premios Grammis suecos.

Steven John Wilson (Londres, Inglaterra; 3 de noviembre de 1967) es un músico y productor británico, nominado cinco veces a los premios Grammy. Se hizo conocido por ser el fundador, vocalista, guitarrista y compositor de la banda Porcupine Tree. Igualmente es miembro de muchos otros grupos y ha colaborado con artistas como Opeth, King Crimson, Jethro Tull, Yes, XTC, Anathema, entre otros. Wilson, un autodidacta, es productor e ingeniero de audio, además de multinstrumentista, cantando y tocando tanto guitarra como teclados. Steven fusiona influencias del cine y la literatura en un estilo que denomina rock conceptual, comparando sus álbumes con ver una película o leer una novela. Aunque su género es principalmente descrito como rock progresivo (etiqueta que él evita), sus influencias y andanzas musicales son extremadamente dispares, abarcando desde algunos como la psicodelia o la música ambiental, pasando por la electrónica, el pop, hasta el metal extremo, siendo llamado una "personalidad musical bipolar" por la imprevisibilidad y evolución de su obra. Sus letras suelen tratar sobre temas relacionados con la melancolía y en ocasiones son una crítica implícita a la sociedad y tecnología modernas. Sus conciertos son muy pomposos, incluyendo sonido cuadrafónico envolvente y elementos visuales elaborados. Ha sido nominado a cinco Premios Grammy, dos con Porcupine Tree, en dos ocasiones como solista y en otra con Storm Corrosion. Su álbum de estudio To The Bone obtuvo la posición #3 en el Chart Oficial de Reino Unido, en su primera semana. En el año 2015 con el álbum Hand Cannot Erase recibió tres premios en los Progressive Music Awards de Londres y lo llevó a ser denominado "rey del rock progresivo" por la BBC. A pesar de ser reconocido como uno de los compositores más prolíficos y aclamados de las últimas dos décadas, gracias a su multifacética carrera, la popularidad de Steven Wilson se ha mantenido fuera del mainstream, llegando a ser denominado, junto a Porcupine Tree, como "la mejor banda de la que jamás has oído". ----- Steven John Wilson (Londres, Inglaterra; 3 de noviembre de 1967) es un músico y productor británico, nominado cinco veces a los premios Grammy. Se hizo conocido por ser el fundador, vocalista, guitarrista y compositor de la banda Porcupine Tree. Igualmente es miembro de muchos otros grupos y ha colaborado con artistas como Opeth, King Crimson, Jethro Tull, Yes, XTC, Anathema, entre otros. Wilson, un autodidacta, es productor e ingeniero de audio, además de multinstrumentista, cantando y tocando tanto guitarra como teclados. Steven fusiona influencias del cine y la literatura en un estilo que denomina rock conceptual, comparando sus álbumes con ver una película o leer una novela. Aunque su género es principalmente descrito como rock progresivo (etiqueta que él evita), sus influencias y andanzas musicales son extremadamente dispares, abarcando desde algunos como la psicodelia o la música ambiental, pasando por la electrónica, el pop, hasta el metal extremo, siendo llamado una "personalidad musical bipolar" por la imprevisibilidad y evolución de su obra. Sus letras suelen tratar sobre temas relacionados con la melancolía y en ocasiones son una crítica implícita a la sociedad y tecnología modernas. Sus conciertos son muy pomposos, incluyendo sonido cuadrafónico envolvente y elementos visuales elaborados. Ha sido nominado a cinco Premios Grammy, dos con Porcupine Tree, en dos ocasiones como solista y en otra con Storm Corrosion. Su álbum de estudio To The Bone obtuvo la posición #3 en el Chart Oficial de Reino Unido, en su primera semana. En el año 2015 con el álbum Hand Cannot Erase recibió tres premios en los Progressive Music Awards de Londres y lo llevó a ser denominado "rey del rock progresivo" por la BBC. A pesar de ser reconocido como uno de los compositores más prolíficos y aclamados de las últimas dos décadas, gracias a su multifacética carrera, la popularidad de Steven Wilson se ha mantenido fuera del mainstream, llegando a ser denominado, junto a Porcupine Tree, como "la mejor banda de la que jamás has oído".

Roots —en español: Raíces — es el sexto álbum de Sepultura y el último con el cantante y fundador de la banda, Max Cavalera, editado en marzo de 1996 en CD y casete. Fue reeditado en 2005 en un doble CD por el sello Roadrunner Records. El disco se caracteriza por incluir un sonido más orientado al nu metal y al groove metal. Además, el disco se convierte en uno de los más afamados de la banda por el hecho de incluir sonidos de la música popular brasileña en sus composiciones, como es el caso, por ejemplo, de Ratamahatta. En ésta y otras canciones colabora el percusionista brasileño Carlinhos Brown.​ En la grabación y composición del disco ayudaron Jonathan Davis de Korn y Mike Patton de Faith No More, quienes compusieron la canción Lookaway junto con DJ Lethal de Limp Bizkit. En 2001, la revista Q nombró el álbum como uno de los 50 álbumes más pesados de la historia. ---- Roots —en español: Raíces — es el sexto álbum de Sepultura y el último con el cantante y fundador de la banda, Max Cavalera, editado en marzo de 1996 en CD y casete. Fue reeditado en 2005 en un doble CD por el sello Roadrunner Records. El disco se caracteriza por incluir un sonido más orientado al nu metal y al groove metal. Además, el disco se convierte en uno de los más afamados de la banda por el hecho de incluir sonidos de la música popular brasileña en sus composiciones, como es el caso, por ejemplo, de Ratamahatta. En ésta y otras canciones colabora el percusionista brasileño Carlinhos Brown.​ En la grabación y composición del disco ayudaron Jonathan Davis de Korn y Mike Patton de Faith No More, quienes compusieron la canción Lookaway junto con DJ Lethal de Limp Bizkit. En 2001, la revista Q nombró el álbum como uno de los 50 álbumes más pesados de la historia.

...And Justice for All es el cuarto álbum de estudio del grupo musical estadounidense de thrash metal Metallica, publicado el 7 de septiembre de 1988 a través de Elektra Records en Norteamérica y por Vertigo Records en Europa. Se trata del primer álbum de estudio con el bajista Jason Newsted, que sustituyó a Cliff Burton tras su muerte en 1986. Newsted ya había aparecido en el EP The $5.98 E.P.: Garage Days Re-Revisited, su primer trabajo con Metallica. El álbum ganó ocho discos de platino entregados por la RIAA el 9 de junio de 2003, tras alcanzar las ocho millones de copias vendidas. La portada muestra una imagen de la estatua de la Dama de la Justicia agrietada, atada con cuerdas, con los pechos al descubierto y con su balanza llena de dólares; las palabras «...And Justice for All» están escritas al estilo grafiti en el lado derecho. Stephen Gorman fue quien la diseñó, inspirado en un concepto desarrollado por Lars Ulrich y James Hetfield.[6]​ ...And Justice for All es la última colaboración entre Metallica y el productor Flemming Rasmussen. En 1989 fue nominado al premio Grammy, en la categoría de mejor interpretación de hard rock/metal vocal o instrumental, aunque el ganador fue Crest of a Knave de Jethro Tull. ------ ...And Justice for All es el cuarto álbum de estudio del grupo musical estadounidense de thrash metal Metallica, publicado el 7 de septiembre de 1988 a través de Elektra Records en Norteamérica y por Vertigo Records en Europa. Se trata del primer álbum de estudio con el bajista Jason Newsted, que sustituyó a Cliff Burton tras su muerte en 1986. Newsted ya había aparecido en el EP The $5.98 E.P.: Garage Days Re-Revisited, su primer trabajo con Metallica. El álbum ganó ocho discos de platino entregados por la RIAA el 9 de junio de 2003, tras alcanzar las ocho millones de copias vendidas. La portada muestra una imagen de la estatua de la Dama de la Justicia agrietada, atada con cuerdas, con los pechos al descubierto y con su balanza llena de dólares; las palabras «...And Justice for All» están escritas al estilo grafiti en el lado derecho. Stephen Gorman fue quien la diseñó, inspirado en un concepto desarrollado por Lars Ulrich y James Hetfield.[6]​ ...And Justice for All es la última colaboración entre Metallica y el productor Flemming Rasmussen. En 1989 fue nominado al premio Grammy, en la categoría de mejor interpretación de hard rock/metal vocal o instrumental, aunque el ganador fue Crest of a Knave de Jethro Tull.

Su particular propuesta musical (una fusión de rock, hip-hop, metal, funk, ragamuffin y otros estilos) resultaba por entonces innovadora. Sus letras eran comprometidas políticamente, pero con un espíritu constructivo y una visión positiva del mundo que, inmediatamente les dieron personalidad propia. Tras ganar o quedar finalistas de varios concursos y premios musicales[cita requerida] empezaron a darse a conocer, y pronto se convirtieron en un grupo carismático entre la juventud roquera y alternativa de Madrid. Una desafortunada sucesión de problemas de sus casas discográficas y de carencia de medios de producción impidió que su éxito -con canciones como Uno, Sube, Luz o Planeta Azul- se viese reflejado adecuadamente a nivel discográfico[cita requerida]. El grupo se disolvió definitivamente en 2003, pero su música ha quedado como referente de algunos grupos madrileños actuales influidos por su legado. Tras varias reuniones de los antiguos miembros, vuelven a juntarse en Navidad de 2011 para dar un concierto por la celebración de su aniversario; el resultado es positivo y el 25 y 26 de mayo deciden realizar un concierto doble en la mítica Sala Barracudas como celebración de su regreso. Para esta segunda etapa, David Obelleiro deja su lugar a Kike Fuentes (guitarra, Vega), que junto a los ya conocidos Ro Llamazares (Voz y efectos sonoros), Javier Rojas (Bajo y coros), Javier Gómez (Batería, percusión y coros.) e inician la composición de nuevas canciones para el que podría ser su 4º álbum de estudio.

LO QUE APRENDÍ SOBRE LA FELICIDAD LECCIONES DE VIDA DE MI VECINO DE 102 AÑOS David Von Drehle La apasionante historia de un hombre centenario y sus lecciones sobre la felicidad Cómo el humor, la resiliencia y los pequeños gestos cotidianos se convierten en inspiración para una vida plena. Cuando el periodista veterano David Von Drehle se muda a Kansas, conoce a un nuevo vecino con más de cien años, con el que aprende una profunda lección sobre el significado de la vida. Charlie White no era un vecino cualquiera. Nacido antes de la radio, aprende a usar el teléfono móvil, vive un viaje épico por la era del jazz, hace carreras de ambulancias entre gánsteres e improvisa técnicas para las primeras cirugías a corazón abierto. Todas sus experiencias le ayudan a dominar estrategias de supervivencia que reflejan miles de años de sabiduría humana. ¿POR QUÉ LEER LO QUE APRENDÍ SOBRE LA FELICIDAD? La vida de Charlie White es un viaje al pasado y una importante guía de inspiración. Una historia emocionante que combina aventuras, superación personal y hechos contemporáneos. Sus lecciones de vida inspiran a lectores de todas las edades y se publicarán en 14 países. RESEÑA: «Tengo que recomendar este libro, lleno de historia, sabiduría, sentido común y risas a raudales. ¡Ojalá hubiera vivido al otro lado de la calle de Charlie! ¡Y hubiera llegado a 109!». Tom Hanks ----- LO QUE APRENDÍ SOBRE LA FELICIDAD LECCIONES DE VIDA DE MI VECINO DE 102 AÑOS David Von Drehle La apasionante historia de un hombre centenario y sus lecciones sobre la felicidad Cómo el humor, la resiliencia y los pequeños gestos cotidianos se convierten en inspiración para una vida plena. Cuando el periodista veterano David Von Drehle se muda a Kansas, conoce a un nuevo vecino con más de cien años, con el que aprende una profunda lección sobre el significado de la vida. Charlie White no era un vecino cualquiera. Nacido antes de la radio, aprende a usar el teléfono móvil, vive un viaje épico por la era del jazz, hace carreras de ambulancias entre gánsteres e improvisa técnicas para las primeras cirugías a corazón abierto. Todas sus experiencias le ayudan a dominar estrategias de supervivencia que reflejan miles de años de sabiduría humana. ¿POR QUÉ LEER LO QUE APRENDÍ SOBRE LA FELICIDAD? La vida de Charlie White es un viaje al pasado y una importante guía de inspiración. Una historia emocionante que combina aventuras, superación personal y hechos contemporáneos. Sus lecciones de vida inspiran a lectores de todas las edades y se publicarán en 14 países. RESEÑA: «Tengo que recomendar este libro, lleno de historia, sabiduría, sentido común y risas a raudales. ¡Ojalá hubiera vivido al otro lado de la calle de Charlie! ¡Y hubiera llegado a 109!». Tom Hanks

Formed 1995, Castelló de la Plana, Comunitat Valenciana, Spain Members Vicente Gil (guitar), Mole (vocals), Rodrigo (guitar), David (bass), Victor (drums), Alex (bass), Raúl (vocals) Related Artists The Art of Butchery, Damned Race, Obispo Fornicado, Rottest Slag, Runic Formed 1995, Castelló de la Plana, Comunitat Valenciana, Spain Members Vicente Gil (guitar), Mole (vocals), Rodrigo (guitar), David (bass), Victor (drums), Alex (bass), Raúl (vocals) Related Artists The Art of Butchery, Damned Race, Obispo Fornicado, Rottest Slag, Runic

Pearl Jam es una banda de rock alternativo nacida en Seattle, Washington en 1990 y formada por el bajista Jeff Ament, el guitarrista rítmico Stone Gossard, el guitarrista principal Mike McCready, el cantante y guitarrista principal Eddie Vedder y el baterista Matt Cameron. Más de 3 décadas después, Pearl Jam continúa siendo una de las grandes referencias de la historia del rock. La banda ha vendido más de 85 millones de álbumes en todo el mundo y fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2017.

VIAJES EN EL TIEMPO Un viaje al pasado y al futuro a través de las mejores películas de siempre. Este libro es un homenaje a los grandes títulos de un género, el de los viajes en el tiempo, que bajo el amparo de la ciencia ficción ha conmovido generaciones de espectadores, ya sea en las salas de cine o ante la pantalla de un televisor. Escrito de una manera cautivadora y amena, Doc Pastor nos recuerda, a través de estas páginas, que la cultura popular también está hecha con los mejores mimbres del buen entretenimiento. «Todos los capítulos de esta edición han sabido captar la esencia del cine como obra de ficción, siendo uno de los denominadores comunes el cambio e impacto que supusieron cada una de estas películas el año de su estreno, amén de la construcción y el guion de cada una de las mismas.» Alfon Arranz (colaborador en Cuarto Milenio) «Doc Pastor tiene ese don, esa capacidad para transportanos, con un estilo claro y sencillo, a tiempos pasados y probablemente mejores, que nos harán rememorar esa película, esa serie o ese juguete que antaño nos marcó y que tan felices nos hizo.» Vito Vázquez (autor de Zombie Superstar)

Que levante la mano quien no haya visitado alguna vez una casa, un bosque o un paraje donde se podría haber rodado la película de terror perfecta. En ocasiones nos cuesta pensar que la ficción se nutre de la realidad, y que la mayoría de los terribles sucesos a los que asistimos hoy en día ya no transcurren en mansiones abandonadas, cementerios u oscuras mazmorras. La Parca es muy caprichosa, y ha cambiado sus hábitos con el paso del tiempo. Los lugares de terror actualiza los sitios preferidos por asesinos, monstruos, zombis o fantasmas desde el punto de vista del cine, los libros, las series, los videojuegos y los cómics. Viaja con Ellie a través de la América apocalíptica de The Last of Us, sumérgete con From Hell en la historia de Jack, el Destripador, visita el angustioso hogar de Hereditary, o intenta escapar de un plató de televisión repleto de demonios salidos de la serie Creepshow. ¿Cuál será tu muerte favorita?

¿CÓMO SEGUIR VIVIENDO CUANDO NO SABES EL PRECIO DE TU PROPIA VIDA? LA RESPUESTA ESTÁ EN ESTE THRILLER VALIENTE Y ADICTIVO. HUBO UN TIEMPO Y UN LUGAR EN LOS QUE LA VIOLENCIA DOMINABA LA VIDA DE TODOS Estamos en 2005, una época convulsa y envenenada por una ETA que se resiste a desaparecer. A partir del material incautado a un comando, los agentes Alkorta y Reyes se lanzan a la caza implacable de un escurridizo jefe etarra. No cuentan con mucho tiempo, ya que un atentado es inminente y la banda tiene en el punto de mira a Xabi, un concejal de un municipio de Guipúzcoa que empieza a ser consciente de que cualquier paso en falso puede significar su muerte. Al mismo tiempo la abogada abertzale Jone Larrucea intenta desenredar la madeja de intereses tejida por su entorno y arrancar una tregua a la cúpula etarra, pero su hijo Pipe tiene otros planes. Se ha adueñado de las calles junto a su cuadrilla de borrokas y está dispuesto a hacer lo que se espera de él: entregar su vida a la causa. Arrastrados por la vorágine de la violencia, las vidas de todos ellos están a punto de colisionar en este thriller lleno de acción y suspense en el que cada uno tiene sus motivos, pero quizá no sean los que los demás presuponen. Mediante una narración frenética en la que subyace la necesidad de reconciliación, pero también de memoria,El último gudari despliega diversas tramas que convergen de forma inesperada, como piezas de un delicado rompecabezas, en un inexorable final.

Una historia divertida, con pasajes inolvidables, que despierta en los niños y las niñas la curiosidad por la música rock. ¿Cómo? Durante todo el libro, los adultos pueden identificar guiños a la banda de Guns N’ Roses y compartirlos con los pequeños, desde referencias a canciones hasta personajes como Axl, Slash y Duff McKagan. Además, esta lectura ejemplifica el valor de la cooperación, y al mismo tiempo, fusiona dos elementos que fascinan a los niños: Los trolls y una niña huérfana.

10contra1 13x02: Axl y el jardín mágico Guns N' Roses es una banda estadounidense de hard rock formada en Hollywood en la zona de Sunset Strip, alrededor de Santa Mónica, en el área metropolitana de Los Ángeles, California en 1985. El grupo fue fundado por el vocalista Axl Rose y el guitarrista Izzy Stradlin.​

Diez crímenes de diferentes tipologías, pertenecientes a una época concreta, el franquismo, de la cual son un claro reflejo. En su momento, algunos tuvieron más repercusión mediática que otros, pero esa repercusión se fue apagando a medida que la investigación policial no llegaba a buen puerto y al final quedaron olvidados, arrinconados y archivados y nunca más se volvió a hablar de ellos. Espías, prostitutas, mecánicos, amas de casa, anticuarios... Vidas truncadas por presuntos suicidios, envenenamientos, fracturas craneales, hemorragias, asfixias y todo tipo de suertes macabras. El autor de la historia olvidada de la ciudad, que ya nos deslumbró con sus estudios sobre los bajos fondos y el ambiente nocturno de la posguerra, se zambulle ahora de pleno en la crónica negra barcelonesa. No te lo puedes perder. Paco Villar también ha publicado con Comanegra La Criolla. La puerta dorada del Barrio Chino.

La historia del grupo que creó el heavy metal y se convirtió en una de las bandas más influyentes e icónicas de todos los tiempos. Black Sabbath cambió la historia de la música. Con 19 discos de estudio y más de setenta millones de discos vendidos, este grupo nacido en Birmingham revolucionó el panorama musical con la oscuridad de las letras de sus canciones, unos poderosos riffs de guitarra y un sonido contundente, denso y distorsionado. Esta es la trayectoria de cuatro desconocidos que unieron sus vidas y su trabajo para crear un estilo que se conocería como heavy metal y que ha servido de faro y referencia fundamental a otros grupos. Escrito con conocimiento de causa y de la manera más amena por el periodista musical César Muela, este libro describe el camino que iniciaron Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería) y el recorrido –con todos sus altibajos– que les ha llevado a ser considerada como una de las mejores bandas de todos los tiempos. De cómo Jethro Tull impulsó el nacimiento de Black Sabbath. Los gloriosos y devastadores años setenta: del disco Black Sabbath a Never Say Die! Los años de Ronnie James Dio. Headless Cross: un intento para regresar a la oscuridad. Ozzy Osbourne se hace una estrella de la televisión.

Después de un grave accidente, David decide llevarse a su mejor amigo Javi y cuidarlo. Sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que salgan a la superficie las peleas entre los dos, dejando al descubierto una relación envenenada y homicida, más cercana a la locura que a la amistad que parecen tener. #Amigo #DavidPareja #JavierBotet

With twelve of their most seminal and foundational tracks brutally delivered in less than twenty-four minutes, Trapped In A World was recorded with the band all playing together at once to capture a more raw and “rehearsal tape” type of energy in July 2020 at Jet to Mars Studio, engineered and mixed by Nick Jett with additional engineering by Ryan Marr, and mastered by Will Putney. The record is completed with cover art by Rico Pakun with additional art by Chase Mason, handwritten elements by Tyler Mullen, layout and design by Martin Stewart.

The music of Silent Skies, the collaborative project between Tom S. Englund, vocalist of Swedish progressive group Evergrey, and virtuoso classical pianist Vikram Shankar, feels at once lushly cinematic, warmly intimate, darkly melancholic and incandescently beautiful. It’s making is a story of a deep musical kinship between two seemingly divergent talents. The pair first crossed paths when the Swedish singer saw American Oberlin film score graduate Shankar’s engrossingly sensitive piano interpretation of Evergrey’s Distance on YouTube: “I heard an instant musicality coming from him” Englund says: “he can take one chord and add one melody note and immediately you understand he has this deep musical knowledge.” He sensed in Shankar a kindred musical spirit who could help him channel new forms of musical expression. A series of email exchanges between the pair gave birth to ideas of a sonic landscape rooted in cinematic score music - what they both came to see as ‘films for the inner eye’. As they began playing together it quickly became apparent that they shared profound musical common ground. Evergrey’s music had been a founding influence on the pianist after all: “They had a huge impact on the way my playing developed.” Shankar says: “Their musical and emotional language remains a critical component to the way I write and play music. Tom's singing in particular has been very influential - my favourite way to play melodically is to emulate and channel the emotional impact of the human voice, and his has an impact unlike any other.” “I think part of the magic of Silent Skies is that we come from fairly different backgrounds, and do not have identical musical personalities” Shankar adds: “but we have certain shared musical, aesthetic, and emotional values that make the art we make together really click. There were countless times while working together where we both know exactly where we needed to go.” The recording sessions produced a series of dark, grandly melancholic pieces built around a strong melodic sensibility. Shankar’s tender and emotive piano playing drives the music, with Englund's unique and charismatic vocals adding extra depth, drama and melodic sensibility. Lushly dramatic tracks like Horizons and Endless pair hauntingly filmic classical music with a Scandinavian sense of melancholy and melody. It's a potent combination which opens up little-explored musical paths. Alongside a brilliant series of original compositions, a cover of Eurythmics’ 1983 hit Here Comes The Rain Again offers up a further example of strong melodies transcending stylistic boundaries. “That song influenced my writing.” Englund says “It speaks my language in terms of melody. So to bring that back into my life and also discover that it had a major part of my musical upbringing was great. And we made it our own. I’m really happy with the version.” Despite being based principally on just piano and voice, there’s a sense of grandiosity to the compositions, yet they also feel intensely personal and intimate. “I think when you write from the heart and don’t care about anything else but liking music, then what comes out comes out” Englund says. “We didn’t have any image set or felt that we wanted to present ourselves in a certain way. Recording on a grand piano you want to have the sound of wood snapping and crackling and the sound of feet being put down. I think it makes it really organic and honest. It makes you feel like you’re in the room. But then when you add all of these atmospheric elements, it becomes something I haven’t heard before.” Complementing the music’s melancholic sounds are lyrics marked by self-reflection and existential contemplation: “I was not in a place in my life where I wanted to be.” Englund says. “They reflect a transition period... it’s all those thoughts fragmented and also well thought out ideas of what I wanted to do and needed to do. But also in retrospect of where I am now”. While the Silent Skies album presents a vivid demonstration of the pair’s musical ideas and simpatico musicianship it’s far from the end of their artistic partnership. “I think we have two more albums worth already” says Englund, concluding: “For me personally I feel Silent Skies shows a different side of myself. It’s tilting the camera another way into another perspective. And I think this music fills a gap that isn’t there, that combination of score music with vocals.”

El ocultismo, las artes adivinatorias, las sectas, la magia y los rituales satánicos han impregnado el mundo del rock’n’roll a través de sus canciones, sus conciertos y buena parte de la estética que rodea su vestuario y sus conciertos. Entre los años sesenta y la actualidad muchas bandas y muchos músicos se han sentido atraídos por unas formas y unos planteamientos cercanos a los ritos paganos y a la brujería que aplicaron a su vida personal y profesional. Mientras que algunos artistas profundizaron en los estudios de lo oculto, otros se subieron al carro para crear polémica y vender más discos. Este libro es un particular paseo por lo prohibido de aquellos músicos que se han inclinado por una estética y unas propuestas transgresoras, cercanas en ocasiones al paganismo de las antiguas religiones, al satanismo y las artes ocultas. El origen del vudú en Nueva Orleans. Elvis Presley. El lado oscuro del rey. Screaming Lord Sutch: El padrino del shock rock. The Beatles. De chicos buenos, nada. Led Zeppelin: El ocultismo de Jimmy Page. Nine Inch Nails: Los clavos de Cristo. Marilyn Manson: La llegada del Anticristo.

The Magnolia Sessions is a special new series which launched in early September 2020, which sees a new album released the first week of each month. All three records in the series to date – albums by Matt Heckler, Jason Dea West, and Johno Leeroy – have instantly caught the attention of the scene’s passionate fans and have reached the Billboard Bluegrass Charts. The series showcases bluegrass, dark country, and folk singer/songwriter acts in an intimate outdoor setting at the Anti-Corporate Music/Black Matter Mastering headquarters in Nashville, Tennessee. Each installment features a different artist, some with additional guest musicians, who performs a live album of sorts, recorded outdoors by a large magnolia tree, as originally seen in Lost Dog Street Band’s “September Doves” video for GemsOnVHS several years ago.

LENNY KRAVITZ es cantautor, compositor, productor discográfico y actor. Además de sus propias composiciones, ha escrito y producido, por encargo, canciones para Michael Jackson, Mick Jagger, Madonna y David Bowie. Cosechó grandes elogios por su interpretación en sus escarceos con la cámara en largometrajes como Precious, Los juegos del hambre y El mayordomo. Es, además, alma mater de una próspera empresa internacional de diseño. Publicó, en fecha reciente, un libro con su obra fotográfica, Flash. Tras su épico debut con el álbum que da título a la edición original de este volumen de memorias —grabación para la que tomó la legendaria decisión de tocar todos los instrumentos a fin de dar con el esquivo sonido que se le resistía— y la meteórica consagración con los nueve trabajos que seguirían y le catapultarían a lo más alto de las listas de éxitos, Lenny se regaló esta suerte de regresión introspectiva, con el fin de consignar e inventariar todo lo vivido en sus azarosos comienzos. Marcado por su necrofílica militancia en el rock clásico a la par que depositario del latido funk más templado del rhythm & blues primigenio, acabó reclamando para sí un lugar singular en el panteón de la cultura popular. Pocos dan con la proteica combinación que asiste a los alumbrados epicúreos: dar con la piedra filosofal que une a generaciones de amantes de la música de los últimos 25 años.