Cum Lingus Communicamus

Re-Animator es una película de terror de 1985 dirigida por Stuart Gordon y basada en el relato de H. P. Lovecraft "Herbert West: reanimador". Protagonizada por Jeffrey Combs como Herbert West, un estudiante de medicina transferido de Europa a la Facultad de Medicina de la Universidad de Miskatonic para continuar desarrollando su suero de reanimación corporal. Las pruebas que realiza no son las que él esperaba y traen consigo una serie de fatídicas consecuencias para él y la vida personal de su compañero de cuarto, Dan Cain. La película se volvió de culto, entre fanes del cine gore combinando el terror con la comedia.

What Ever Happened to Baby Jane? (en Hispanoamérica, ¿Qué pasó con Baby Jane?; en España, ¿Qué fue de Baby Jane?) es una película de suspense y thriller psicológico estadounidense del año 1962 basada en la novela homónima de 1960, escrita por Henry Farrell. La película fue dirigida por Robert Aldrich y contó con dos estrellas de la época dorada de Hollywood, Bette Davis y Joan Crawford, encarnando a los personajes principales. Obtuvo un notable éxito de crítica y taquilla: fue propuesta como candidata a cinco premios Oscar (de los que ganó uno) y, con un coste de 980.000 dólares, recaudó más de 4 millones en los Estados Unidos y más de 13 en total. La supuesta amarga rivalidad hollywoodiense entre las dos estrellas de la película, Davis y Crawford, fue fundamental para el éxito inicial de la película. Esto condujo en parte a la revitalización de las carreras de las dos veteranas estrellas. En 2021, fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

El coleccionista es una película dirigida por William Wyler en 1965. Fue una coproducción entre el Reino Unido y los Estados Unidos, basada en la novela homónima de John Fowles. La película tuvo tres candidaturas a los Oscar en las categorías de Mejor Director, Mejor Actriz (Samantha Eggar) y Mejor Guión Adaptado.

La ragazza con la valigia (conocida en español como La chica con la maleta en España y La muchacha de la valija en México y Argentina) es una película de drama romántico italiana de 1961 de Valerio Zurlini protagonizada por Claudia Cardinale como una joven enérgica pero ingenua que vive de la fluctuante buena voluntad de los demás. Fue inscrita en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1961. En 2008, la película fue incluida en la lista de las 100 películas italianas que deben salvarse del Ministerio de Patrimonio Cultural de Italia, una lista de 100 películas que «han cambiado la memoria colectiva del país entre 1942 y 1978»

Bienvenido, Mister Marshall es una película española de 1953, dirigida por Luis García Berlanga y con José Isbert, Manolo Morán y Lolita Sevilla como actores principales. El film, que es una crítica de la sociedad española de la época, fue estrenado el 4 de abril de 1953 en el Cine Callao de Madrid y reestrenado el 20 de diciembre del 2002 en Guadalix de la Sierra (Madrid),​ lugar en el que se rodó la película, con 25.260 espectadores y 39.346,58 € de recaudación. Además, como homenaje al centenario de la Gran Vía de Madrid, se proyectaron una decena de películas famosas, entre las que se encontraba esta.​ Enormemente popular se hizo la canción Coplilla de las divisas, también conocida como Americanos, cantada por Lolita Sevilla.

Psicosis (en inglés: Psycho) es una película estadounidense de suspense y terror de 1960, producida y dirigida por Alfred Hitchcock. El guion, escrito por Joseph Stefano, se basa en la novela homónima de Robert Bloch publicada en 1959. La película está protagonizada por Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin y Martin Balsam. La trama se centra en el encuentro entre la malversadora fugitiva Marion Crane (Leigh) y Norman Bates (Perkins), el tímido propietario de un solitario motel. Posteriormente, un investigador privado (Balsam), el amante de Marion, Sam Loomis (Gavin), y su hermana Lila (Miles) investigan su desaparición.​ Psicosis fue considerada un cambio con respecto a la anterior película de Hitchcock, North by Northwest (1959), ya que fue filmada con un presupuesto reducido y en blanco y negro por el equipo de su serie de televisión Alfred Hitchcock presenta. Inicialmente, la película dividió a la crítica debido a su temática controvertida, pero el interés del público y su excelente recaudación en taquilla dieron lugar a una importante revaluación crítica. Psicosis fue nominada a cuatro premios Óscar, incluyendo mejor director para Hitchcock y mejor actriz de reparto para Leigh. Psicosis está considerada como una de las mejores películas de Hitchcock y posiblemente su obra más famosa e influyente.Críticos y académicos internacionales la han aclamado como una obra maestra del cine, elogiando su impecable dirección, su tensa atmósfera, su impactante uso de la cámara, su memorable banda sonora y sus icónicas actuaciones. Se la considera «la película más analizada en la dilatada carrera del director más estudiado de la historia del cine estadounidense»​ y a menudo se la clasifica entre las mejores películas de todos los tiempos. La película estableció un nuevo nivel de aceptabilidad de la violencia, los comportamientos pervertidos y la sexualidad en las películas, y se la considera uno de los primeros ejemplos del género slasher.

The Evil Dead es una franquicia de películas de terror y comedia creada por Sam Raimi que consiste en cinco películas y una serie. Las dos primeras películas giran en torno al Necronomicón Ex-Mortis, un antiguo texto sumerio, que causa estragos a un grupo de habitantes de una cabaña en una zona boscosa de Tennessee, Estados Unidos. El protagonista, Ashley J. Ash Williams (Bruce Campbell) y su interés romántico Linda, interpretada por 3 actrices diferentes, son los únicos personajes que aparecen en todas las entregas de la trilogía original. Dicha trilogía incluye The Evil Dead (1981), Evil Dead II 1987) y Army of Darkness (1992), todas escritas y dirigidas por Raimi, producidas por Robert Tapert y protagonizadas por Campbell. La franquicia ha sido expandida en otros formatos, como videojuegos y cómics, y un musical hecho en Toronto que contiene material de las tres películas. La franquicia fue resucitada en 2013 con Evil Dead, como un remake y una vaga continuación de la serie dirigida por Federico Álvarez y producida por Raimi, Campbell y Tapert. Raimi dijo que otras tres entregas de la franquicia están siendo consideradas: una secuela del remake de 2013 por ahora titulada Evil Dead II y dirigida nuevamente por Álvarez, una secuela directa de la trilogía original por ahora titulada Army of Darkness II dirigida y protagonizada por Campbell,​ y una séptima y final película que fusionaría los relatos de ambas cronologías.

El resplandor (título original: The Shining) es una película británico-estadounidense de 1980 del subgénero de terror psicológico, producida y dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd y Scatman Crothers. Está basada en la novela homónima del escritor Stephen King, publicada en 1977, si bien la novela y la película difieren notablemente. La película relata la historia de Jack Torrance, un escritor que acepta un puesto como vigilante de invierno en un solitario hotel de alta montaña para ocuparse del mantenimiento. Al poco tiempo de haberse instalado allí junto con su esposa y su hijo, empieza a sufrir inquietantes trastornos de personalidad. Paulatinamente, debido a la incomunicación, al insomnio, a sus propios fantasmas interiores y, tal vez, a la influencia maléfica del lugar, se verá inmerso en una espiral de violencia contra ellos, que a su vez parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrenaturales. Si bien su estreno fue acogido con frialdad por la crítica, con el tiempo ha ido ganando adeptos e influencia en la cultura popular. Hoy día se la considera una película de culto, así como un «desafío directo para el espectador».

El nombre de la rosa (Der Name der Rose, en alemán) es una película de suspense y drama de 1986, coproducida entre Italia, Francia y Alemania, dirigida por Jean-Jacques Annaud y basada en la novela homónima, escrita por el italiano Umberto Eco y publicada con enorme éxito en 1980.​ Centrándose en el elemento detectivesco y alejándose de los temas políticos y teológicos de la novela original, la película presenta a Sean Connery en el papel del fraile franciscano Guillermo de Baskerville y a Christian Slater en el del novicio, también franciscano, Adso de Melk (benedictino en la novela), siendo el primero requerido para resolver el misterio que rodea una serie de asesinatos en una abadía del norte de Italia durante la Baja Edad Media.

La Top 100 Greatest Films of All Time de la revista Sight and Sound ha generado un considerable revuelo en el mundo de la Teoría y Crítica Cinematográficas; en la última versión de esta lista, que se publica cada diez años y votan unos 1600 profesionales del cine, Vértigo (1958) y Ciudadano Kane (1941) se han visto desplazadas del primer puesto por Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975). La segunda oleada del feminismo en los 70 señaló esta película de Chantal Akerman como película pionera asociada a este pensamiento; especialmente fue la iniciadora ese mismo año del análisis feminista en el cine, Laura Mulbey, quien otorgó especial preeminencia a esta película de 193 minutos que también entusiasmó a Susan Sontag. Mulbey valoró que se trataba de «mujeres que salieron de esa nueva articulación de feminismo y cine, que hacían películas influenciadas por la vanguardia, más que por el cine de arte, (…) un nuevo cine de mujeres». Contrariamente, Akerman negaba esa supuesta filiación feminista de su película, si bien, admitía que su intención era dar protagonismo a imágenes que tuvieran que ver con el universo femenino. Esto jamás se había hecho de esta manera, y hay que celebrar que 1.639 profesionales del cine, o su mayoría, hayan coincidido encumbrando esta como la mejor película de la historia. No quiero preguntarme por qué reputados críticos mayoritariamente varones no le hicieron antes justicia a esta obra de arte rodada por Akerman a los 25 años. Estrenada en Cannes en 1975, los espectadores huían de la sala, se dice que la propia Marguerite Duras aseveró: «¡Esta mujer está loca!». Sin embargo, los festivales de cine se la rifaban y The New York Times la definió como «la primera obra maestra del feminismo en la historia del cine». A decir verdad, que la película no pretendiese representar los valores feministas no significa que no brindara una apabullante muestra de la dureza de la vida cotidiana del ama de casa, es más, el filme recoge los dos lugares alienantes más extremos en los que puede encasillarse a una mujer: la prostitución y las labores del hogar. Esto lo hace mediante largas tomas de planos frontales fijos en los que la protagonista, la inquietante actriz Delphine Seyring, realiza mecánicamente tareas domésticas comunes relacionadas con el orden, la limpieza, la cocina y el mantenimiento de la casa que comparte con un supuesto hijo adolescente encarnado por un Jan Decorte de veinticinco años (nada es casual en las elecciones de Akerman, la edad real del actor que encarna al hijo otorga más repulsión a las preguntas sexuales que le realiza a su madre en una de las casi únicas conversaciones que mantienen)...

Watchmen (título original en inglés y en España, Watchmen, Los Vigilantes en México, y Watchmen: Los Vigilantes en el resto de Hispanoamérica) es una película estadounidense de acción y ciencia ficción de 2009 dirigida por Zack Snyder, adaptación fílmica de la serie limitada de cómics homónima ganadora del premio Hugo, escrita y dibujada por Alan Moore y Dave Gibbons, respectivamente. Tras la publicación de la serie en 1986, el desarrollo de la adaptación a la pantalla grande estuvo atascado durante varios años. El productor Lawrence Gordon comenzó el proyecto en los estudios 20th Century Fox y Warner Bros. Junto al productor Joel Silver y el director Terry Gilliam, aunque más tarde Gilliam consideró que el cómic era imposible de llevar a la pantalla a causa de su complejidad. Durante la década de 2000, Gordon y Lloyd Levin trabajaron con Universal Studios y Paramount Pictures para producir un libreto escrito por David Hayter (según el cual la historia transcurría en la actualidad). Darren Aronofsky y Paul Greengrass estuvieron vinculados al proyecto de Paramount antes que este se cancelara debido a disputas relacionadas con el presupuesto. Este regresó a Warner Bros, y Snyder fue contratado para ocupar el puesto de director en 2006; mientras tanto, Paramount mantuvo los derechos a nivel internacional. Más adelante, Fox demandó a Gordon por no pagar en 1991 una parte de la compra, lo que le permitió desarrollar la película en los demás estudios. Se lanzó un DVD basado en los elementos del universo de Watchmen, que incluyó una adaptación animada del cómic Relatos del Navío Negro (Tales of the Black Freighter), perteneciente a la historia, con Gerard Butler, además del documental Bajo la máscara (Under the Hood), que describe a la generación anterior de superhéroes y proporciona un trasfondo a la película Watchmen. También se editó una versión extendida del filme que incorpora Relatos del Navío Negro intercalado dentro de la historia principal, de modo tal que evocaba al cómic.

Narciso Ibáñez Serrador (Montevideo, 4 de julio de 1935 - Madrid, 7 de junio de 2019​), más conocido como Chicho Ibáñez Serrador o Luis Peñafiel (el seudónimo con el que firmaba sus guiones), fue un director de cine y realizador de televisión, director teatral, actor y guionista uruguayo-español. A lo largo de su vida, destacó por su contribución al cine fantástico y de terror en idioma español, así como por los numerosos programas que dirigió para Televisión Española, entre los que destacan Historias para no dormir, Historia de la frivolidad y Un, dos, tres... responda otra vez, entre otros. Era un reconocido admirador de Alfred Hitchcock, de quien intentó seguir sus pasos, según él mismo confesó.

Hellraiser es una película de terror británica estrenada en 1987, escrita y dirigida por Clive Barker, y basada en su propia novela titulada The Hellbound Heart. Se la considera tanto una película de culto como un clásico del género.​ Nominada como la mejor novela del año en el Reino Unido, treinta años después se ha convertido en una obra de culto tras la primera versión cinematográfica que se hizo de ella en 1987. Clive Barker aborda en sus páginas cuestiones cruciales como el amor y la desesperación, el deseo, la muerte y la sangre, mediante metáforas sugerentes, reflejando el hedonismo desenfrenado hasta límites trascendentes. La película explora temas como el sadomasoquismo, la relación entre el dolor y el placer, y la moralidad de personajes sometidos al temor y la tentación. Es la primera entrega de una saga que llega hasta el año 2022 y presenta al personaje Pinhead, el cual rápidamente se convirtió en un icono del cine de terror.

En este episodio número 100 hemos querido llevar a cabo una propuesta de episodio desde una perspectiva más personal en la que conversamos sobre CINE como fenómeno artístico, cultural y comercial exponiendo nuestra visión particular sobre estilos, gustos, preferencias y todo lo inabarcable del séptimo arte a lo largo de su historia remota y actual. Un episodio en el que pretendemos compartir nuestras visiones actuales cinéfilas a lo largo de trayectorias que abarcan desde la infancia hasta la edad adulta donde el espacio temporal generado nos permite fundamentar nuestra opinión crítica desde la experiencia como espectador que observa, interpreta, comprende y, ante todo, siente las obras e intención de sus autores. Un episodio para todas aquellas personas con curiosidad por conocer cómo el cine puede ser interpretado y sentido yendo desde el mero entretenimiento hasta lo más abstracto y elevado de un gran arte siendo capaz de transmitirnos conceptos y emociones tan profundas capaces de modificar nuestras creencias, conceptos e incluso a veces, hasta acariciar la propia epigénesis del ser humano. Nuestro más sincero agradecimiento para Idoia Arbillaga, Antonio Rentero y Jimmy por su participación, complicidad y acompañamiento en este proyecto que construimos entre todos y que inicia su cuarta temporada donde sin duda seguiremos debatiendo apasionadamente sobre el fascinante arte del CINE.

Bailando con Lobos es una película épica revisionista del género western estadounidense de 1990, protagonizada, dirigida y producida por Kevin Costner en su debut como director. Se trata de una adaptación cinematográfica de la novela de 1988 Bailando con Lobos, de Michael Blake, que narra la historia del teniente del ejército de la Unión John J. Dunbar (Costner), quien viaja a la frontera estadounidense en busca de un puesto militar y conoce a un grupo de lakotas. Costner desarrolló la película con un presupuesto inicial de 15 millones de dólares. Gran parte del diálogo está hablado en lakota con subtítulos en inglés. Se rodó entre julio y noviembre de 1989 en Dakota del Sur y Wyoming, y fue traducida por Doris Leader Charge, del departamento de Estudios Lakota de la Universidad Sinte Gleska. La película recibió críticas favorables de la crítica y el público, quienes elogiaron la dirección, las actuaciones, el guion, la banda sonora, la fotografía y la calidad de producción de Costner. Fue un éxito de taquilla, recaudando 424,2 millones de dólares a nivel mundial, convirtiéndose en la cuarta película más taquillera de 1990 y la película más taquillera de Orion Pictures. La película fue nominada a 12 premios en la 63.ª edición de los Premios Óscar y ganó 7, incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Costner), Mejor Guión Adaptado, Mejor Montaje, Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora Original y Mejor Mezcla de Sonido. La película también ganó el Globo de Oro a la Mejor Película Dramática. Es uno de los cuatro westerns que han ganado el Óscar a la Mejor Película; los otros tres son Cimarrón (1931), Sin Perdón (1992) y No es país para Viejos (2007). Se le atribuye una influencia clave en la revitalización del género cinematográfico western en Hollywood. En 2007, Bailando con Lobos fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por su importancia cultural, histórica y estética.

Event Horizon es una película de ciencia ficción y terror de 1997 dirigida por Paul Anderson y escrita por Philip Eisner. Está protagonizada por Laurence Fishburne, Sam Neill, Kathleen Quinlan y Joely Richardson. Ambientada en 2047, narra la historia de una tripulación de astronautas enviada en una misión de rescate después de que la nave espacial desaparecida, la Event Horizon, aparece espontáneamente en órbita alrededor de Neptuno, solo para descubrir que una fuerza siniestra ha regresado con ella. La producción de la película fue problemática, con el rodaje y la edición acelerados por Paramount Pictures cuando se hizo evidente que Titanic no cumpliría con la fecha de estreno prevista. El montaje original de 130 minutos fue editado drásticamente por exigencia del estudio, para consternación de Anderson. Estrenada en Estados Unidos el 15 de agosto de 1997 y en el Reino Unido el 22 de agosto, Event Horizon fue un fracaso comercial y de crítica, recaudando 42 millones de dólares con un presupuesto de producción de 60 millones. Sin embargo, comenzó a venderse bien en formato doméstico. Su lanzamiento inicial en DVD fue tan exitoso que Paramount contactó a Anderson para comenzar a trabajar en la restauración del metraje eliminado, pero este se había perdido o destruido. Con el paso de los años, la película ha adquirido un estatus de culto y se la menciona en otras obras de la cultura popular. En 2025, IDW Publishing publicó una serie de cómics que sirve de precuela.

En el folklore haitiano, un zombi ( en francés : zombi ; en criollo haitiano : zonbi ) es un cadáver animado que se levanta por medios mágicos, como la brujería. La palabra inglesa "zombie" se registró por primera vez en 1819, en una historia de Brasil del poeta Robert Southey, como "zombi", refiriéndose en realidad al líder rebelde afrobrasileño llamado Zumbi y a la etimología de su nombre en "nzambi". El Oxford English Dictionary atribuye el origen de la palabra a África Central y la compara con las palabras congoleñas "nzambi" (dios) y "zumbi" (fetiche). Un diccionario kimbundu-portugués de 1903 define la palabra relacionada nzumbi como alma, mientras que un diccionario posterior la define como un "espíritu que se supone que vaga por la tierra para atormentar a los vivos". No está del todo claro cómo las criaturas de las películas contemporáneas de zombis llegaron a llamarse "zombies". La película La noche de los muertos vivientes (1968) no hizo referencia oral a sus antagonistas no muertos como "zombies", describiéndolos en cambio como "necrófagos" (aunque los necrófagos, que derivan del folclore árabe, son demonios, no no muertos). Aunque George A. Romero utilizó el término "necrófago" en sus guiones originales, en entrevistas posteriores utilizó el término "zombie". Romero utiliza la palabra "zombie" exclusivamente en el guión de su secuela El amanecer de los muertos (1978), incluso una vez en el diálogo. Según Romero, los críticos de cine influyeron en la asociación del término "zombie" con sus criaturas, especialmente la revista francesa Cahiers du Cinéma. Finalmente aceptó este vínculo, aunque en ese momento seguía convencido de que los "zombis" correspondían a los esclavos no muertos del vudú haitiano, como se representa en White Zombie con Bela Lugosi.

Young Frankenstein (en España, El jovencito Frankenstein; en México y Argentina, El joven Frankenstein; en otros países de Hispanoamérica, Frankenstein Junior) es una película cómica estadounidense de 1974 dirigida por Mel Brooks y con Gene Wilder, Teri Garr, Cloris Leachman, Marty Feldman, Peter Boyle, Madeline Kahn, Kenneth Mars y Gene Hackman como actores principales. El guión fue escrito por Brooks y Wilder. La película es una parodia del cine de terror clásico, en particular de las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley Frankenstein y, más en concreto, de las producidas por Universal en los años 1930. Esto se refleja en el hecho de que la mayoría de las piezas del laboratorio sean las mismas que las usadas en la película Frankenstein de 1931, diseñadas por Ken Strickfaden, y que el largometraje esté ambientado en esa década. Para plasmar más eficazmente una atmósfera parecida a la de aquellas películas, Brooks rodó esta producción en blanco y negro, una rara elección en esa época. Young Frankenstein aparece en el puesto 28 de la lista de las 50 películas de todos los tiempos de la revista Total Magazine, en el número 56 de las «100 películas más divertidas» de la cadena Bravo y en el número 13 de las 100 películas estadounidenses más divertidas del American Film Institute.

En el folklore haitiano, un zombi ( en francés : zombi ; en criollo haitiano : zonbi ) es un cadáver animado que se levanta por medios mágicos, como la brujería. La palabra inglesa "zombie" se registró por primera vez en 1819, en una historia de Brasil del poeta Robert Southey, como "zombi", refiriéndose en realidad al líder rebelde afrobrasileño llamado Zumbi y a la etimología de su nombre en "nzambi". El Oxford English Dictionary atribuye el origen de la palabra a África Central y la compara con las palabras congoleñas "nzambi" (dios) y "zumbi" (fetiche). Un diccionario kimbundu-portugués de 1903 define la palabra relacionada nzumbi como alma, mientras que un diccionario posterior la define como un "espíritu que se supone que vaga por la tierra para atormentar a los vivos". No está del todo claro cómo las criaturas de las películas contemporáneas de zombis llegaron a llamarse "zombies". La película La noche de los muertos vivientes (1968) no hizo referencia oral a sus antagonistas no muertos como "zombies", describiéndolos en cambio como "necrófagos" (aunque los necrófagos, que derivan del folclore árabe, son demonios, no no muertos). Aunque George A. Romero utilizó el término "necrófago" en sus guiones originales, en entrevistas posteriores utilizó el término "zombie". Romero utiliza la palabra "zombie" exclusivamente en el guión de su secuela El amanecer de los muertos (1978), incluso una vez en el diálogo. Según Romero, los críticos de cine influyeron en la asociación del término "zombie" con sus criaturas, especialmente la revista francesa Cahiers du Cinéma. Finalmente aceptó este vínculo, aunque en ese momento seguía convencido de que los "zombis" correspondían a los esclavos no muertos del vudú haitiano, como se representa en White Zombie con Bela Lugosi.

Tanto el cuento “El gato negro” de Edgar Allan Poe como las películas que se inspiraron en su título —El gato negro (The Black Cat, 1934, dirigida por Edgar G. Ulmer y titulada en España Satanás), The Black Cat (1941, de Albert S. Rogell), Il gatto nero (1981, de Lucio Fulci) y Kuroneko (1968, de Kaneto Shindō)— comparten un trasfondo inquietante en el que la culpa, lo macabro y la presencia ominosa de lo sobrenatural se convierten en ejes narrativos. En el relato de Poe, el gato funciona como un símbolo de la conciencia atormentada: un animal aparentemente inocente que, tras ser maltratado y asesinado, regresa en la figura de un doble para delatar el crimen y materializar la culpa del protagonista. Es un cuento íntimo y psicológico, donde el verdadero terror surge del interior humano —la violencia, el alcoholismo, la locura— y no de fuerzas externas. Las películas, en cambio, trasladan esa atmósfera de angustia y lo siniestro a un plano más externo y fantástico. En Satanás (1934), el título remite a Poe pero la trama apenas guarda relación con el cuento: aquí el gato negro es más un elemento simbólico, mientras que la historia se centra en rituales satánicos, venganzas y la tensión entre los personajes interpretados por Bela Lugosi y Boris Karloff. En The Black Cat (1941), el animal y la mansión funcionan como recursos para una intriga con tintes de misterio y comedia negra, en la que la alusión a Poe es más estética que narrativa. Por su parte, Il gatto nero (1981), de Lucio Fulci, recupera de manera más directa la dimensión maldita del animal: el gato aparece como un ser vinculado a fuerzas ocultas y a una cadena de muertes misteriosas, en un entorno propio del cine de terror italiano, con un estilo atmosférico y perturbador que mezcla el giallo con lo sobrenatural. Finalmente, Kuroneko (1968) reinterpreta la figura del gato negro en clave de leyenda japonesa: dos mujeres violadas y asesinadas por soldados regresan como espíritus felinos para vengarse de los hombres, en un relato que combina lo espectral con una fuerte carga poética y crítica social. Así, mientras que en Poe el gato es la encarnación de la culpa y la inevitable justicia moral, en el cine clásico estadounidense se transforma en un recurso simbólico y atmosférico para explorar lo oculto o el misterio, en Fulci adquiere un carácter de fuerza oscura que conecta con el terror europeo, y en Kuroneko se convierte en una representación del rencor y la justicia sobrenatural desde una tradición cultural distinta. En todos los casos, lo que persiste es la idea de que lo aparentemente cotidiano —un animal, una casa, una sombra— puede convertirse en vehículo de horror, ya sea a través de la mente perturbada del hombre, de tensiones humanas irresueltas o de poderes sobrenaturales que trascienden lo racional.

En el folklore haitiano, un zombi ( en francés : zombi ; en criollo haitiano : zonbi ) es un cadáver animado que se levanta por medios mágicos, como la brujería. La palabra inglesa "zombie" se registró por primera vez en 1819, en una historia de Brasil del poeta Robert Southey, como "zombi", refiriéndose en realidad al líder rebelde afrobrasileño llamado Zumbi y a la etimología de su nombre en "nzambi". El Oxford English Dictionary atribuye el origen de la palabra a África Central y la compara con las palabras congoleñas "nzambi" (dios) y "zumbi" (fetiche). Un diccionario kimbundu-portugués de 1903 define la palabra relacionada nzumbi como alma, mientras que un diccionario posterior la define como un "espíritu que se supone que vaga por la tierra para atormentar a los vivos". No está del todo claro cómo las criaturas de las películas contemporáneas de zombis llegaron a llamarse "zombies". La película La noche de los muertos vivientes (1968) no hizo referencia oral a sus antagonistas no muertos como "zombies", describiéndolos en cambio como "necrófagos" (aunque los necrófagos, que derivan del folclore árabe, son demonios, no no muertos). Aunque George A. Romero utilizó el término "necrófago" en sus guiones originales, en entrevistas posteriores utilizó el término "zombie". Romero utiliza la palabra "zombie" exclusivamente en el guión de su secuela El amanecer de los muertos (1978), incluso una vez en el diálogo. Según Romero, los críticos de cine influyeron en la asociación del término "zombie" con sus criaturas, especialmente la revista francesa Cahiers du Cinéma. Finalmente aceptó este vínculo, aunque en ese momento seguía convencido de que los "zombis" correspondían a los esclavos no muertos del vudú haitiano, como se representa en White Zombie con Bela Lugosi.

Stalker (en ruso: Сталкер; conocida en algunos países de habla hispana como La Zona) es una película soviética de ciencia ficción de 1979 dirigida por Andréi Tarkovski. Está basada parcialmente en el libro Picnic extraterrestre de los hermanos Arkadi y Borís Strugatski. Stalker significa «acechador». El uso del vocablo inglés proviene de su empleo frecuente en el libro original de los hermanos Strugatski, que sitúa la acción en Canadá. La película describe el viaje de tres hombres a través de un lugar postapocalíptico conocido como «la Zona», donde buscan una habitación que tiene la capacidad de cumplir los más recónditos deseos de una persona.​ Está protagonizada por Aleksandr Kaidanovski en el papel de Stalker, quien guía a los otros dos hombres: el Escritor, interpretado por Anatoli Solonitsyn, y el Profesor, interpretado por Nikolái Grinkó. Alisa Freindlich interpreta el papel de la esposa de Stalker. Este film nos muestra la estética de Tarkovski con tomas largas, intensamente elaboradas, intercaladas con diálogos y poemas filosóficos.​ Stalker ha sido llamada una de las mejores películas dramáticas de la segunda mitad del siglo XX y ocupa el puesto 29 en la encuesta "Las 50 mejores películas de todos los tiempos" del British Film Institute.

En el folklore haitiano, un zombi ( en francés : zombi ; en criollo haitiano : zonbi ) es un cadáver animado que se levanta por medios mágicos, como la brujería. La palabra inglesa "zombie" se registró por primera vez en 1819, en una historia de Brasil del poeta Robert Southey, como "zombi", refiriéndose en realidad al líder rebelde afrobrasileño llamado Zumbi y a la etimología de su nombre en "nzambi". El Oxford English Dictionary atribuye el origen de la palabra a África Central y la compara con las palabras congoleñas "nzambi" (dios) y "zumbi" (fetiche). Un diccionario kimbundu -portugués de 1903 define la palabra relacionada nzumbi como alma, mientras que un diccionario kimbundu-portugués posterior la define como un "espíritu que se supone que vaga por la tierra para atormentar a los vivos". No está del todo claro cómo las criaturas de las películas contemporáneas de zombis llegaron a llamarse "zombies". La película La noche de los muertos vivientes (1968) no hizo referencia oral a sus antagonistas no muertos como "zombies", describiéndolos en cambio como "necrófagos" (aunque los necrófagos, que derivan del folclore árabe, son demonios, no no muertos). Aunque George A. Romero utilizó el término "necrófago" en sus guiones originales, en entrevistas posteriores utilizó el término "zombie". Romero utiliza la palabra "zombie" exclusivamente en el guión de su secuela El amanecer de los muertos (1978), incluso una vez en el diálogo. Según Romero, los críticos de cine influyeron en la asociación del término "zombie" con sus criaturas, especialmente la revista francesa Cahiers du Cinéma. Finalmente aceptó este vínculo, aunque en ese momento seguía convencido de que los "zombis" correspondían a los esclavos no muertos del vudú haitiano, como se representa en White Zombie con Bela Lugosi.

Phase IV es una película de terror y ciencia ficción de 1974 dirigida por el diseñador gráfico y cineasta Saul Bass, con guión de Mayo Simón, inspirada en el cuento de H. G. Wells de 1905 "El imperio de las hormigas". La película está protagonizada por Michael Murphy, Nigel Davenport y Lynne Frederick. Los interiores se rodaron en los estudios Pinewood de Inglaterra y los exteriores en Kenia, aunque la película se ambienta en el desierto de Arizona, Estados Unidos. Fue producida por Alced Productions y Paramount Pictures. La película fue un fracaso de taquilla y, por lo tanto, el único largometraje dirigido por Bass. Desde entonces, se ha convertido en una película de culto gracias a sus emisiones televisivas a partir de 1975 y a su proyección en el Mystery Science Theater 3000 durante la era KTMA. Una novelización del guion, escrita por Barry N. Malzberg, se publicó con el título de Phase IV en noviembre de 1973.

Barry Lyndon es una película angloamericana dramática-histórica de 1975 escrita y dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee y Hardy Krüger. Está basada en la novela La suerte de Barry Lyndon de William Makepeace Thackeray, publicada en 1844. ​La cinta describe las desventuras ficticias de un estafador irlandés durante el siglo XVIII, y está ambientado en parte durante la Guerra de los Siete Años, período que fue abordado con una mirada realista y cruda. Los exteriores fueron rodados en diversas localizaciones de Irlanda, Inglaterra y Alemania. El cineasta Martin Scorsese citó a Barry Lyndon como la mejor película dentro de su género, y su película favorita de Kubrick, sirviendo de inspiración para su famoso film La edad de la inocencia. Algunas citas del guión de esta película han aparecido en otras obras cinematográficas tan dispares como Los duelistas de Ridley Scott, La edad de la inocencia del propio Scorsese, Rushmore de Wes Anderson y Dogville de Lars von Trier.

Serguéi Mijáilovich Eisenstein (Riga, 22 de enero de 1898 - Moscú, 11 de febrero de 1948) fue un director de cine y teatro soviético de religión judía. Su innovadora técnica de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior.​ Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos. Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre la teoría cinematográfica de la época. Sergei Eisenstein es uno de los cineastas soviéticos más reputados e importantes de la historia del cine, un pionero bautizado para la posteridad como el padre del montaje moderno. Su figura es de indiscutible relevancia al ser quien construyó parte de las bases del lenguaje y narrativa cinematográfica, gracias a su teoría —y práctica— del montaje de atracciones, un concepto clave sobre el que reposa (casi) todo lo que hoy aún se aplica al medio. Con Eisenstein, el montaje se convertiría en el arte de editar los cortes de un metraje para que cautive y moldee la atención del espectador, ignorando así la típica secuencia cronológica que prosperaba en el cine mudo.

The Man Who Wasn't There —titulada El hombre que nunca estuvo allí es una película neo-noir de 2001 escrita, dirigida, producida y montada por los hermanos Coen. La película estuvo protagonizada por Billy Bob Thornton, acompañado por Frances McDormand, James Gandolfini, Michael Badalucco, Tony Shalhoub, Scarlett Johansson, Jon Polito y Richard Jenkins. Fue coproducida de forma independiente a través de productoras estadounidenses y británicas. La filmación comenzó el 26 de junio del año 2000 en California y finalizó el primero de septiembre, tras diez semanas de rodaje. Parte importante de la filmación se llevó a cabo durante un día en la ciudad de Orange, que se usó para representar los exteriores del pueblo de Santa Rosa, donde se ambienta la mayor parte de la película.

John Ford (Cape Elizabeth, Maine, 1 de febrero de 1894 - Palm Desert, California, 31 de agosto de 1973) —bautizado como John Martin Feeney y que comenzó su carrera cinematográfica con el nombre de Jack Ford— fue un actor, director y productor cinematográfico estadounidense, cuatro veces ganador del Premio Óscar. Con una carrera profesional de más de 50 años, en la que participó en casi todas las facetas del arte cinematográfico antes de dedicarse a la dirección, Ford dirigió más de 140 películas, muchas de ellas de cine mudo, y está ampliamente considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación. Cineastas como Ingmar Bergman y Orson Welles lo consideraban uno de los grandes directores de cine de todos los tiempos. Fue también marino y militar. Participó en la Segunda Guerra Mundial como oficial de los servicios cinematográficos de la Armada de los Estados Unidos y fue herido en combate durante la batalla de Midway. Tras el final de la guerra continuó siendo reservista, colaboró en la realización de documentales durante la guerra de Corea y la de Vietnam y alcanzó el grado de contraalmirante.

Akira Kurosawa (黒澤 明 Kurosawa Akira, (Shinagawa, 23 de marzo de 1910 - Setagaya, 6 de septiembre de 1998) fue uno de los más célebres directores de cine de Japón.​ Sugata sanshirô (La leyenda del gran Judo) (1943)​ fue su ópera prima y su filmografía consta de 30 películas, rodadas a lo largo de cinco décadas,​ que incluyen influyentes títulos como Rashōmon (1950),​ Shichinin no samurai (Los siete samuráis) (1954), Dersu Uzala (El cazador) (1975)​ o Ran (Caos) (1985).​ Calificado por el director Steven Spielberg como "el Shakespeare del cine contemporáneo"​ durante su trayectoria fue premiado en festivales como Berlín, Venecia, Cannes o Moscú​ y reconocido en ceremonias como los BAFTA o los premios Óscar que, en 1990, le otorgaron el Óscar honorífico por su trayectoria.

Hiroshi Inagaki (稲垣浩 Inagaki Hiroshi) Tokio, 30 de diciembre de 1905 - Tokio, 21 de mayo de 1980) fue un director de cine japonés, conocido por su trilogía Samurái y el filme El hombre del carrito, ganadora en el Festival Internacional de Cine de Venecia 1958. Fue hijo de un actor ambulante, y desde muy joven se dedicó al teatro. Llevó una vida errante, después de quedarse huérfano a los 9 años. Entró en la productora Nikkatsu comenzando como actor, en la película Yoru dirigida por Mizoguchi en 1923. Poco después fue nombrado director por la productora. En 1928 dirigió su primera película, La reina de la paz. Hizo muchas jidaigeki (películas del género épico) y varias películas en tres partes, además de adaptaciones literarias como El paso del gran Bodhisattva. Durante la Segunda Guerra Mundial filmó La vida de Muhomatsu, de la cual hizo posteriormente la versión ganadora en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 1958, El hombre del carrito. Su obra más conocida es la Trilogía Samurái basada en la novela de Eiji Yoshikawa.

The Deer Hunter​ (en Hispanoamérica, El francotirador; en España, El cazador) es una película bélica, dramática y épica británico-estadounidense de 1978, dirigida por Michael Cimino y protagonizada por Robert De Niro, Christopher Walken y Meryl Streep. Además de ser galardonada con cinco premios Óscar, incluyendo el premio a mejor película, la película está considerada como una de las 100 mejores de la historia del cine estadounidense por el American Film Institute. Tres amigos, amantes de la caza y que trabajan como obreros en una fábrica de fundición de acero de Pennsylvania, pasan juntos las últimas horas antes de despedirse para ir a luchar como voluntarios a la guerra de Vietnam, un conflicto bélico que les cambiará a todos la vida para siempre.

Masaki Kobayashi (小林 正樹 Kobayashi Masaki, 14 de febrero, 1916–4 de octubre, 1996) fue un director de cine japonés, ampliamente considerado uno de los mejores y más influyentes directores de cine mundiales. Empezó su carrera en el cine como ayudante de dirección bajo las órdenes de Keisuke Kinoshita hasta que en 1952 dirigió su primera película para Shochiku. En su larga carrera dirigió veintidós largometrajes en los que mostró su mirada humanista y pacifista. Siempre estuvo rodeado de una serie de colaboradores habituales, como Tatsuya Nakadai, protagonista de muchas de sus grandes obras, el compositor Tôru Takemitsu o el director de fotografía Yoshio Miyajima, que, gracias a su trabajo en las películas de Kobayashi, pasaron a la historia del cine japonés. Encontramos entre sus películas El más allá (1964) (Kwaidan), una colección de cuatro historias sobre fantasmas extraídas del libro Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things (1903) escrito por Lafcadio Hearn. Kobayashi dirigió, probablemente a partir de sus propias experiencias, La condición humana (Ningen no joken, 1959-1961), una trilogía sobre los efectos de la Segunda Guerra Mundial en un japonés pacifista y socialista llamado Kaji, encarnado por Tatsuya Nakadai, uno de los mejores actores del siglo XX. También es el autor de Harakiri (1962), un extraordinario alegato antimilitarista ambientado durante el Período Edo y el Shogunato Tokugawa, que pone en evidencia la crueldad del feudalismo japonés y el absurdo del código de los samuráis, y en definitiva, del mal entendido «honor» humano.​ Esta cinta, entre otros premios, fue premio especial del jurado en el Festival Internacional de cine de Cannes. También destaca su obra Rebelión (1967) Más que ningún otro cineasta japonés contemporáneo, el cine de Kobayashi estuvo marcado por el trauma de sus experiencias durante la guerra, marcadas siempre desde su perspectiva humanista, pacifista y antimilitarista. Sin embargo, no es ni de lejos su única temática, pues fue un cineasta prolífico abarcando muchos géneros fílmicos y sus películas son mucho más variadas temáticamente que las de sus contemporáneos, abarcando aspectos políticos, militares, sociales, amorosos, tecnológicos, del choque de culturas y generaciones humanas, etc.​ Retirado en 1985, Kobayashi falleció en Tokio el 4 de octubre de 1996 dejando un legado imprescindible en la cultura cinematográfica del siglo XX.

Mississippi Burning (en español: Mississippi en llamas o Arde Mississippi) es una película estadounidense dramática de 1988, dirigida por Alan Parker. Es protagonizada por Gene Hackman, Willem Dafoe, Frances McDormand, Brad Dourif, Michael Rooker, Stephen Tobolowsky y R. Lee Ermey. La película está inspirada en una historia real,​ concretamente en el asesinato de activistas pro derechos civiles, que ocurrió en 1964.

Yōji Yamada (山田 洋次 Yamada Yōji, Toyonaka, Osaka, 13 de septiembre de 1931) es un director de cine japonés autor de la serie de películas como "Tora-san: Es duro ser un hombre" y la denominada trilogía Samurái (El ocaso del samurái, La hoja escondida y Amor y honor), basada en tres novelas de Shûei Fujisawa. Ha desarrollado la práctica totalidad de su carrera en el estudio japonés Shochiku. Nació en Osaka, pero debido al trabajo de su padre como ingeniero para el ferrocarril del sur Manchuria, cuando tenía dos años se desplazó con su familia a Dalian, China. Después del final de la Segunda Guerra Mundial, regresó a Japón y posteriormente vivió en prefectura de Yamagata. Después de obtener el grado de Universidad de Tokio en 1954, entró en Shochiku y trabajó como guionista y ayudante de dirección con Yoshitaro Nomura. Ha ganado multitud de premios durante su larga carrera y es muy respetado en Japón y por críticos de todo el mundo. Escribió su primer guión en 1958 y dirigió su primera película en 1961. Yamada ha realizado su último film en 2023. Fue presidente del gremio de directores de Japón, y es actualmente un profesor invitado de Universidad de Ritsumeikan.

Kenji Mizoguchi (溝口健二 Mizoguchi Kenji) (Tokio, 16 de mayo de 1898 - Kioto, 24 de agosto de 1956) fue un director de cine japonés.​ Es considerado, por su maestría como narrador de historias y por su dominio técnico, uno de los directores más influyentes del siglo XX.​ Su familia cayó en la pobreza tras la crisis económica de 1904 y se trasladó al barrio de Asakusa, un barrio muy pobre de Tokio y lleno de burdeles. El padre de Kenji era un hombre violento que maltrataba a su mujer y, ante los problemas de dinero que padecían, vendió a su hija como geisha. Kenji estaba muy unido tanto a su madre como a su hermana por lo que todo esto le provocó un trauma que influiría sin duda en sus películas. Se le sitúa, junto con Akira Kurosawa, Masaki Kobayashi y Yasujirō Ozu​ como uno de los grandes realizadores nipones de todos los tiempos.​ Entre la crítica se destaca su influencia en la historia del cine en la composición de planos secuencia y en el montaje de las escenas aunque solo se conservan aproximadamente la mitad de las 89 cintas​ que rodó en su trayectoria. Kenji Mizoguchi fue descubierto en Occidente en la década de los 50, aunque llevaba varios años de trabajo exitoso en Japón. Destaca especialmente su tratamiento de la mujer y la defensa de su libertad e identidad. Mizoguchi encontró inspiración en su propia existencia y en su país, Japón. Las mujeres que pasaron por su vida le marcaron: su madre, una mujer maltratada por un marido al que no ama; su hermana Suzu, vendida por su padre a cambio de dinero a una casa de geishas; su amante, una prostituta que le atacará al no ser correspondida; y su esposa, que tuvo que ser ingresada en un psiquiátrico. Otro dato a destacar en su filmografía es la temática. Las películas de Kenji Mizoguchi tienen como protagonistas mujeres fuertes que viven alguna situación desgraciada. El director lo trata con realismo y denuncia las injusticias. Para destacar el valor, la sinceridad y la fortaleza de las mujeres, el director recurre muchas veces a argumentos clásicos. Pero, lo más llamativo es que estas tragedias están contadas con una gran belleza estética. Se convirtió en un director preciosista, muy estético, de planos bellos y largos. La década de los cincuenta supuso el período de mayor esplendor del cine de Kenji Mizoguchi.

El nombre Nosferatu ha sido presentado como una palabra rumana, sinónimo de "vampiro". Sin embargo, parece ser una creación literaria y sus orígenes en el folklore rumano son inciertos. El significado original de la palabra «nosferatu» es difícil de determinar. No hay duda de que adquirió popularidad a través de la novela de 1897 Drácula, de Bram Stoker, quien acusó como su fuente para el término a la oradora y autora británica del siglo XIX, Emily Gerard, escritora escocesa especializada en el folklore transilvano que sin duda con sus publicaciones ejerció una influencia directa en Bram Stoker. Ésta introdujo la palabra en un artículo de una revista​ y en su diario de viaje La tierra más allá del bosque​ (lo que literalmente significa Transilvania en latín). Apenas menciona que sea la palabra rumana para vampiro: "Más decididamente malvado es el nosferatu, o vampiro, en quien cada campesino rumano cree firmemente como en El Cielo y El Infierno que solo es un rumor".​ Sin embargo, la palabra nosferatu no corresponde a ninguna palabra existente identificada en el idioma rumano en ninguna fase histórica (aparte del que se introdujo por la novela y el film).​ Evidencia interna en Drácula sugiere que Stoker creía que el término significaba "no muerto" (not dead en inglés) en rumano y por ende su intención habrá sido la palabra «undead» (en inglés, «no muerto»), un calco semántico.

La carretera (de título original The Road) es una película dramática apocalíptica estrenada en 2009, dirigida por John Hillcoat y escrita por Joe Penhall. Basada en la novela homónima de 2006 del estadounidense Cormac McCarthy, la película protagonizada por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee retrata a un padre y a su hijo en un desierto post-apocalíptico. El rodaje tuvo lugar en Pensilvania, Luisiana y Oregón. La película tuvo un lanzamiento limitado en los cines de EE. UU. a partir del 25 de noviembre de 2009 y fue lanzada en los cines del Reino Unido el 4 de enero de 2010.

Si no fuese por la versión que hizo Takeshi Kitano de Zatoichi en el año 2003, quizás hoy no tendríamos acceso (o interés alguno en acceder) a la saga de veinticinco películas ambientadas a finales del período Edo que protagonizó Shintaro Katsu sobre el personaje del samurái ciego entre 1962 y 1973 (impecablemente editadas por Criterion Collection), con una coda final en 1989 y el añadido de una serie de televisión de cien capítulos entre 1974 y 1979. Pero, del mismo modo, podemos decir que sin Zatoichi la carrera de Takeshi Kitano habría sido muy distinta, no solo por la influencia que el personaje ha podido tener en buena parte de su filmografía, sino también porque la misma forma de actuar de Shintaro Katsu no parece haber sido ajena a la construcción de las torpes aunque carismáticas maneras del director de Dolls en su faceta de Beat Takeshi. 

John Ford (Cape Elizabeth, Maine, 1 de febrero de 1894 - Palm Desert, California, 31 de agosto de 1973) —bautizado como John Martin Feeney y que comenzó su carrera cinematográfica con el nombre de Jack Ford— fue un actor, director y productor cinematográfico estadounidense, cuatro veces ganador del Premio Óscar. Con una carrera profesional de más de 50 años, en la que participó en casi todas las facetas del arte cinematográfico antes de dedicarse a la dirección, Ford dirigió más de 140 películas, muchas de ellas de cine mudo, y está ampliamente considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación. Cineastas como Ingmar Bergman y Orson Welles lo consideraban uno de los grandes directores de cine de todos los tiempos. Fue también marino y militar. Participó en la Segunda Guerra Mundial como oficial de los servicios cinematográficos de la Armada de los Estados Unidos y fue herido en combate durante la batalla de Midway. Tras el final de la guerra continuó siendo reservista, colaboró en la realización de documentales durante la guerra de Corea y la de Vietnam y alcanzó el grado de contraalmirante.

El shogunato Tokugawa (徳川幕府 Tokugawa bakufu), también conocido como shogunato Edo, bakufu Tokugawa o, por su nombre original en japonés, bakufu Edo (江戸幕府 Edo bakufu), fue el tercer y último shogunato que ostentó el poder en todo Japón; los dos anteriores fueron el shogunato Kamakura (1192-1333) y el shogunato Ashikaga (1336-1573). Este shogunato fue instaurado por el shōgunnota 1​ Tokugawa Ieyasu, fundador del clan Tokugawa (徳川氏 Tokugawa-shi) y descendiente del clan Matsudaira, el 24 de marzo de 1603 (que corresponde al 12.º día del segundo mes del año 8 de la era Keichō en el calendario tradicional japonés). Durante el período de los shogunatos, existía una especie de dictadura militar sometida específicamente al emperador de Japón. El shōgun, convertido en general en jefe de las fuerzas armadas de Japón, tenía el poder militar y político del país; mientras que al emperador le fueron asignados poder espiritual y religioso, a modo de enlace entre las personas y los dioses, y poder nominal en la Corte Imperial de Kioto. Esta situación era análoga, en parte, a la dominante en el universo político europeo durante la Edad Media, cuando el sacro emperador romano-germánico ostentaba el poder político y militar, y el papa, el poder religioso.

Solaris (en ruso: Солярис, romanizado: Solyaris) es una película de ciencia ficción soviética de 1972 basada en la novela homónima del escritor polaco Stanisław Lem. Fue dirigida y coescrita por Andréi Tarkovski, uno de los directores soviéticos más famosos y aclamados por la crítica. La película es un drama psicológico meditativo que ocurre principalmente a bordo de una estación espacial que orbita el planeta ficticio Solaris. La misión científica se ha estancado porque la mínima tripulación de tres científicos ha caído en crisis emocionales separadas. El psicólogo Kris Kelvin viaja a la estación espacial Solaris para evaluar la situación, solo para encontrarse con los mismos misteriosos fenómenos como los demás. Fiel a la narrativa compleja y lenta de la novela, Tarkovski quería aportar una nueva profundidad emocional e intelectual al género, viendo la mayor parte de la ciencia ficción occidental como superficial.​ Las ideas que Tarkovski trató de expresar en esta película las desarrollaría aún más en Stalker (1979).​ El éxito crítico de Solaris se estrenó en el Festival de Cannes de 1972, ganando el Gran Premio del Jurado, el premio FIPRESCI y estuvo nominada a la Palma de Oro.​ La película se cita a menudo como una de las mejores películas de ciencia ficción en la historia del cine.

Desde que el cine se popularizó, un tema recurrente en Japón fue el de los samuráis. Si bien en sus comienzos el tema se abordaba de una forma más dramática, después de la Segunda Guerra Mundial se transformaron en películas de acción con personajes más oscuros y violentos, donde los directores se enfocaron en presentar guerreros cicatrizados psicológica o físicamente.​ Akira Kurosawa, uno de los directores japoneses más famosos, estilizó y exageró la muerte y la violencia en las películas «épicas samurái». Los samuráis que representaba en sus obras eran figuras solitarias, más preocupados en ocultar sus habilidades que hacer alarde de ellas. En Japón, el término chanbara (チャンバラ), conocido popularmente como "chambara" (contracción de “chanchan”; onomatopeya del sonido de dos espadas al chocar, y "barabara"; la de la carne al ser despedazada),​ es el nombre específico con el que se conoce a este género, que es el equivalente al cine de capa y espada occidental. En realidad, el chanbara es un subgénero dentro del jidaigeki o drama de época japonés. El término jidaigeki hace referencia al cine que narra una historia que sucede en un periodo histórico, mientras que chambara se utiliza para definir exclusivamente al cine de acción con samuráis. En cuanto a la historia, este género suele estar ambientado en el Periodo Edo (1600-1868) y los temas suelen ser: el final del estilo de vida como samurái, ya que en la mayoría de los films el personaje principal es un rōnin (samurái sin amo), o las dificultades del samurái para cambiar de estatus en una sociedad en continua transformación. Las películas de samuráis empezaron a entrar en decadencia a partir de la década de 1970. La repetición de ciertas películas en televisión, el envejecimiento de las grandes estrellas y la disminución de la producción en la industria cinematográfica japonesa pusieron fin la originalidad y belleza que alcanzó el género con las primeras películas.​ A pesar de ello, en la actualidad se ha rodado un buen número de películas.

Isaac Asimov (2 de enero de 1920 - Nueva York, 6 de abril de 1992)​ fue un escritor y profesor de Bioquímica en la Escuela de Medicina de la Universidad de Boston,​ de origen judío​ (aunque era ateo)​ y ruso, nacionalizado estadounidense, conocido por ser un prolífico autor de obras de ciencia ficción y divulgación científica.​ Su obra más famosa es la Serie de la Fundación, también conocida como Trilogía o Ciclo de Trántor, que forma parte de la serie del Imperio Galáctico y que más tarde combinó con su otra gran serie sobre los robots. También escribió obras de misterio y fantasía, así como una gran cantidad de textos de no ficción. En total, firmó más de quinientos volúmenes y unas nueve mil cartas o postales. Sus trabajos han sido publicados en nueve de las diez categorías del Sistema Dewey de clasificación. Junto con Robert A. Heinlein y Arthur C. Clarke, Asimov fue considerado en vida como uno de los «tres grandes» escritores de ciencia ficción. Se destacó por su capacidad de crear universos imaginarios basados en la ciencia que conocemos.​ La mayoría de sus libros de divulgación explican los conceptos científicos siguiendo una línea histórica, retrotrayéndose lo más posible a tiempos en que la ciencia en cuestión se encontraba en una etapa elemental. A menudo brinda la nacionalidad, las fechas de nacimiento y muerte de los científicos que menciona, así como las etimologías de las palabras técnicas.

2001: A Space Odyssey (conocida como 2001: Odisea del espacio en Hispanoamérica y 2001: Una odisea del espacio en España) es una película de culto británico-estadounidense del género ciencia ficción y épica dirigida por Stanley Kubrick y estrenada el 3 de abril de 1968. Marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales, su realismo científico y sus proyecciones vanguardistas. Fue producida por Kubrick para la Metro-Goldwyn-Mayer​ y contó con Victor Lyndon como productor asociado. El guión fue escrito por el propio Kubrick y por el novelista Arthur C. Clarke, basándose en un cuento de este último titulado El centinela, escrito en 1948 y publicado originalmente en la revista Historias de Fantasía, en 1951.

Rocco y sus hermanos (en italiano: Rocco e i suoi fratelli) es una película dramática francoitaliana de 1960 dirigida por Luchino Visconti y con la actuación de Alain Delon, Annie Girardot, Renato Salvatori, Katina Paxinou, Roger Hanin, Paolo Stoppa y Claudia Cardinale. La música fue compuesta por Nino Rota. El drama se sitúa en Milán, y cuenta la historia de una familia inmigrante del sur de Italia, de Basilicata, y sus problemas de integración en el industrializado norte. Se presenta en cinco partes distintas: una por cada hermano. Rosaria y sus cuatro hijos (Simone, Rocco, Ciro y Luca) abandonan su tierra natal, Lucania (la actual Basilicata), para emigrar a Milán en busca de trabajo y oportunidades que les permitan mejorar sus condiciones de vida. Allí encuentran a Vincenzo, el hermano mayor, que trabaja de albañil pero que está relacionado con el mundo del boxeo.

Tengoku to Jigoku (天国と地獄 Tengoku to Jigoku, literalmente "Cielo e Infierno"),​ conocida como El infierno del odio (en España),​ es una película japonesa policial​ y dramática de 19638​ dirigida por Akira Kurosawa.​ Protagonizada por Toshirô Mifune, Tatsuya Nakadai, Kyôko Kagawa, Isao Kimura, Tatsuya Mihashi y Tsutomu Yamazaki​ está basada libremente en la novela El secuestro del Rey de Ed McBain. En un momento crucial de su vida financiera, Gondo (Toshirô Mifune), un directivo de una importante empresa de zapatos, recibe la noticia de que su hijo ha sido secuestrado. El rescate exigido es una gran cantidad de dinero, pero Gondo la necesita para cerrar una negociación que le dará el control de la empresa.

Serpico es una película policíaca neo-noir ítalo-estadounidense de 1973 dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Al Pacino. El guión fue escrito por Waldo Salt y Norman Wexler basándose en el libro biográfico homónimo escrito por Peter Maas sobre el agente Frank Serpico del Departamento de Policía de Nueva York. La historia detalla la lucha de Serpico contra corrupción policial de la ciudad de Nueva York durante sus once años de servicio y su trabajo como denunciante que llevó a la investigación de la Comisión Knapp. Años 70. Relato biográfico sobre Frank Serpico, un policía íntegro de principios incorruptibles que, a diferencia de sus colegas, nunca se dejó sobornar, y precisamente por ello siempre tuvo problemas con sus compañeros de profesión y se vio expuesto a situaciones muy peligrosas.

Propuesta de muerte (en inglés: The Proposition) es una película occidental australiana de 2005 dirigida por John Hillcoat y escrita por el guionista y músico Nick Cave. Está protagonizada por Guy Pearce, Ray Winstone, Emily Watson, John Hurt, Danny Huston y David Wenham. La producción de la película se completó en 2004 y fue seguida por un amplio estreno en 2005 en Australia y una carrera cinematográfica en 2006 en los EE. UU. a través de First Look Pictures. La película se rodó en las localizaciones de Winton, Queensland. Australia, finales del siglo XIX. El capitán Stanley ha capturado a dos jóvenes de la banda de los hermanos Burns. El trato que Stanley le ofrece al hermano mediano coloca a éste frente a un dramático dilema moral: si decide salvar a su hermano menor de morir en la horca, entonces morirá su hermano mayor.  

Dune es una película de ciencia ficción estadounidense de 1984 dirigida por David Lynch y basada en la novela homónima de Frank Herbert. Estuvo protagonizada por Kyle MacLachlan, Silvana Mangano, Brad Dourif y José Ferrer, entre otros, y la producción corrió a cargo de Dino y Raffaella De Laurentiis. Fue filmada en los Estudios Churubusco de la Ciudad de México así como en las Dunas de Samalayuca. La película está basada en una novela épica de ciencia ficción escrita por Frank Herbert en 1965. Su éxito fue rotundo; en el año de su salida, logró el Premio Nébula a la mejor novela en su primera edición y al año siguiente el Premio Hugo a la mejor novela. Publicada en español por la editorial Acervo en 1975, abrió una de las sagas más importantes de la literatura fantástica y de ciencia ficción. En 2007 registró ventas de más 12 millones de ejemplares, convirtiéndola en la novela de ciencia ficción más vendida a la fecha.

M (en España, M, el vampiro de Düsseldorf; en México, M, el maldito; en Argentina, El vampiro negro) es una película alemana policial de 1931 dirigida por Fritz Lang. Está parcialmente inspirada en el caso real del asesino serial Peter Kürten, quien mató a varios niños en la ciudad de Düsseldorf. Es ampliamente considerada como un clásico de la cinematografía mundial y una obra maestra de su director. Era la penúltima película de Lang dirigida en Alemania, y el realizador siempre la consideró su mejor trabajo allí. M fue una de las primeras películas en emplear fuertemente un leitmotiv. Se considera que inicia las formas que, posteriormente, serían desarrolladas por el llamado cine negro; entre otras, el uso del fuera de campo, para lo que utiliza de manera muy eficaz la música.