EL DISCO DEL AÑO

Techy presenta 'CHULA', su cuarto álbum de estudio y el proyecto más personal y ambicioso de su carrera, una obra en la que la artista dominicana abraza todas las facetas que conforman su identidad. Tras tres años de trabajo, el disco se convierte en una celebración de la autenticidad, combinando emoción, fuerza y sentido del humor a través de doce canciones que reflejan diferentes etapas de su vida. El merengue es el gran protagonista del álbum, aunque se expande hacia sonidos como el merengue house, el pambiche, el mambo electrónico y otras fusiones que evidencian su constante evolución artística. A lo largo de 'CHULA', Techy demuestra que tradición e innovación pueden convivir con naturalidad, reuniendo colaboraciones con artistas como Fefita La Grande, Ella Bric, Claudia Brant y Yoel Henríquez. El álbum alterna momentos íntimos y románticos con temas cargados de energía y empoderamiento, consolidando una propuesta fresca que reivindica el merengue desde una mirada contemporánea. Con este lanzamiento, la cantante reafirma su compromiso con sus raíces y confirma su posición como una de las voces independientes más destacadas de la música tropical actual.

Con una trayectoria marcada por la inmediatez de sus estribillos, la energía de sus directos y una capacidad innata para convertir lo cotidiano en himnos generacionales, La La Love You regresa con un nuevo trabajo discográfico que reafirma su posición como una de las bandas imprescindibles del pop-rock español. Fieles a su identidad, el grupo vuelve a combinar guitarras luminosas, melodías contagiosas y letras que conectan con las emociones de toda una generación. Este nuevo álbum supone un paso más en la evolución artística de la banda, ampliando su universo sonoro sin perder la frescura que les ha llevado a conquistar escenarios y millones de reproducciones. Entre canciones vibrantes, momentos de introspección y un inconfundible espíritu festivo, La La Love You demuestra que sigue encontrando nuevas formas de emocionar, divertir y poner banda sonora a las historias de quienes viven sus canciones como parte de su propia vida.

KAIA LANA irrumpe con una propuesta que confirma el momento creativo que atraviesa dentro de la nueva escena musical mexicana. Su nuevo disco se presenta como una obra en la que convergen sensibilidad, identidad y una mirada artística que apuesta por la emoción sin artificios. Con una producción cuidada y una interpretación que pone el foco en los matices, la artista construye un universo propio donde cada canción parece dialogar con una experiencia, una memoria o una pregunta abierta. Este lanzamiento supone también un paso adelante en la evolución de KAIA LANA, que continúa definiendo un lenguaje musical reconocible y cercano. A través de sonidos contemporáneos y una narrativa íntima, el álbum invita a detenerse y escuchar desde otro lugar: el de las emociones que permanecen, las historias que transforman y la búsqueda constante de una voz auténtica dentro del panorama musical actual.

Con “Romería Negra”, Nia abre una nueva etapa artística en la que tradición y contemporaneidad dialogan sin miedo a mezclarse. Este nuevo EP supone una exploración sonora y emocional donde la artista profundiza en sus raíces para reinterpretarlas desde una mirada actual, libre y profundamente personal. Entre ritmos que evocan el sur, atmósferas envolventes y una interpretación llena de matices, Nia construye un trabajo que se mueve entre la celebración, la memoria y la identidad. Lejos de buscar fórmulas previsibles, Nia apuesta en “Romería Negra” por una propuesta con carácter propio, donde cada canción funciona como una escena dentro de un mismo relato artístico. El EP refleja una artista en plena evolución creativa, capaz de mantener su cercanía y fuerza interpretativa mientras amplía los límites de su sonido. El resultado es un proyecto con personalidad, intensidad y una estética que invita tanto al baile como a la emoción.

El nuevo disco de Monsieur Periné llega convertido en una declaración de intenciones. Bajo el título Instrucciones para ser feliz, la banda colombiana abre una nueva etapa artística en la que mantiene su identidad —esa mezcla inconfundible de jazz, pop y raíces latinoamericanas— pero la lleva hacia un terreno más luminoso, emocional y expansivo. El álbum reúne 19 canciones nacidas tras varios años de exploración creativa y plantea una idea sencilla pero poderosa: entender la música como un espacio de encuentro, disfrute y reconexión con uno mismo. Lejos de buscar fórmulas cerradas, este trabajo parece construirse como un viaje sonoro donde conviven la sofisticación de sus arreglos con una energía cálida y cercana. Liderados por Catalina García y Santiago Prieto, Monsieur Periné apuesta por canciones que abrazan, acompañan y celebran la belleza de lo cotidiano, sin renunciar a la riqueza musical que les ha convertido en una de las propuestas más reconocibles del panorama latinoamericano.

El nuevo disco de Niña Pastori supone uno de los movimientos más inesperados y valientes de su trayectoria. Bajo el título Color Fania, la artista gaditana se adentra en el universo de la salsa clásica para reinterpretar algunos de los grandes himnos vinculados al histórico sello Fania Records, pero llevándolos a su propio terreno: una mezcla natural entre el flamenco, la emoción y la sonoridad latina que siempre ha formado parte de su identidad musical. El álbum reúne once versiones de canciones emblemáticas y ha sido grabado entre España y Miami con producción de CASTA. Lejos de plantearlo como un ejercicio de nostalgia, Color Fania se presenta como una declaración artística sobre el valor de la fusión y el diálogo entre géneros. Temas tan reconocibles como Periódico de ayer, El Gran Varón o Bemba colorá adquieren una nueva lectura desde la sensibilidad de Niña Pastori, que vuelve a demostrar que su carrera sigue guiándose más por la curiosidad musical que por las fórmulas previsibles. Con este trabajo, la artista abre una etapa diferente sin renunciar a esa forma tan personal de cantar que la ha convertido en una de las voces más reconocibles de la música española.

El nuevo disco de Malú, Quince, supone probablemente uno de los trabajos más sinceros y emocionales de toda su carrera. La artista madrileña abandona parte de la grandilocuencia pop de otras etapas para centrarse en canciones mucho más íntimas, vulnerables y personales, construidas desde la madurez emocional y el aprendizaje vital. El álbum transmite una sensación constante de liberación, algo que la propia cantante ha reconocido en distintas entrevistas, definiéndolo incluso como un disco donde por fin se siente libre de máscaras y presiones externas. Musicalmente destaca por su elegancia, por arreglos sobrios pero efectivos y por una interpretación vocal impecable, donde Malú vuelve a demostrar que sigue siendo una de las grandes voces del pop español. Canciones como “Rota”, “Primer amor” o “Por si alguna vez” funcionan especialmente bien gracias a esa mezcla de fragilidad y fuerza que atraviesa todo el trabajo. Entre los aspectos menos destacados, algunos oyentes podrían echar de menos un mayor riesgo sonoro o una producción más innovadora. Quince apuesta claramente por la emoción y la honestidad antes que por reinventar el sonido de Malú, y eso hace que en ciertos momentos el disco se mueva dentro de terrenos bastante conocidos para quienes siguen su trayectoria desde hace años. También hay canciones que mantienen una estructura muy clásica y continuista dentro del pop melódico español, algo que puede hacer que el álbum no sorprenda tanto como otros trabajos recientes de artistas de su generación. Aun así, esa aparente falta de riesgo queda compensada por la autenticidad del proyecto: Quince no pretende ser un disco revolucionario, sino profundamente humano. Y precisamente ahí reside gran parte de su fuerza.

Con Melendi, el pop rock vuelve a encontrar refugio en las emociones cotidianas, en las cicatrices que dejan los años y en esa manera tan suya de convertir las historias sencillas en himnos generacionales. Pop Rock, su nuevo disco, es un viaje sonoro que mira de frente a las guitarras, a las melodías luminosas y a la esencia de una música que marcó a toda una generación. Lejos de perseguir modas pasajeras, el artista asturiano abraza aquí un sonido más orgánico y directo, donde conviven la nostalgia, la madurez y la energía de quien todavía tiene mucho que contar. En este trabajo, Melendi recupera el pulso más emocional de su repertorio mientras explora nuevas texturas dentro del pop rock contemporáneo. Las canciones se mueven entre la épica íntima de los recuerdos, el amor que resiste al paso del tiempo y esa necesidad de seguir adelante incluso cuando todo parece tambalearse. Pop Rock no es solo un título: es una declaración de intenciones, una mirada sincera hacia las raíces musicales que moldearon al artista y una invitación a reencontrarse con esas canciones que acompañan la vida como si fueran viejos amigos.

El cantante colombiano Carlos Vives ha regresado con fuerza con El Último Disco Vol. 1, un trabajo en el que apuesta por recuperar la esencia más orgánica y humana de la música latina. El álbum, grabado completamente en vivo junto a su banda, reúne diez canciones en las que el artista vuelve a conectar con las raíces del vallenato, el Caribe colombiano y los sonidos tradicionales que marcaron su trayectoria. La producción destaca además por sus colaboraciones con figuras como Juan Luis Guerra, Niña Pastori y el productor Sergio George. Con este proyecto, Carlos Vives no plantea una despedida, sino una declaración artística en defensa de la música hecha con alma y sin artificios. Temas como “Te dedico”, “Tuyo y nada más” o “Buscando el mar” reflejan un disco cargado de nostalgia, identidad y emoción, además de rendir homenaje al legado cultural latinoamericano. Uno de los momentos más emotivos del álbum es la participación del fallecido acordeonista Egidio Cuadrado, cuya última grabación quedó incluida en esta producción. El Último Disco Vol. 1 confirma así a Carlos Vives como una de las grandes figuras de la música iberoamericana contemporánea.

El nuevo disco de Fonseca, “Antes que el tiempo se vaya” (2026), se posiciona como uno de los lanzamientos más destacados de la música latina actual. Este undécimo álbum del artista colombiano apuesta por una propuesta profundamente emocional, centrada en el paso del tiempo, los recuerdos y la importancia de vivir el presente. A lo largo de sus doce canciones, Fonseca construye un relato íntimo y reflexivo que conecta fácilmente con el público, consolidando su estilo cercano y auténtico. Con este trabajo, el cantante reafirma su capacidad para combinar letras sinceras con melodías accesibles, manteniéndose como una referencia clave dentro del pop latino. En el apartado musical, “Antes que el tiempo se vaya” destaca por su fusión de ritmos tropicales con sonidos contemporáneos, integrando géneros como la salsa, el merengue o la cumbia dentro de una producción moderna y cuidada. El álbum cuenta además con colaboraciones de gran peso en la industria, como Rubén Blades, Juanes y Manuel Medrano, lo que refuerza su atractivo internacional. Gracias a esta combinación de identidad sonora, emoción y nombres destacados, el nuevo disco de Fonseca se perfila como una apuesta sólida dentro de las tendencias actuales del pop latino, ideal tanto para seguidores fieles como para nuevos oyentes.

El nuevo disco de Kany García, Puerta Abierta, se posiciona como uno de los lanzamientos más destacados de la música en español en 2026. En este trabajo, la artista puertorriqueña vuelve a demostrar su capacidad para emocionar con letras profundas, honestas y cargadas de sensibilidad, abordando temas como el amor, la libertad personal y la reconstrucción emocional. Puerta Abierta no solo consolida su madurez artística, sino que también refuerza su lugar como una de las voces más influyentes del pop latino actual, conectando con una audiencia que busca autenticidad y verdad en cada canción. A nivel sonoro, Puerta Abierta de Kany García apuesta por una producción cuidada que combina elementos del pop, la balada y matices de música de autor, logrando un equilibrio perfecto entre lo íntimo y lo comercial. Este nuevo álbum de Kany García destaca por su coherencia narrativa y por un repertorio que invita a escucharlo de principio a fin, convirtiéndose en una referencia imprescindible para quienes buscan lo mejor de la música latina actual. Sin duda, Puerta Abierta es un disco que no solo se escucha, sino que se siente y se vive.

El nuevo trabajo de Efecto Mariposa, “2190000 horas de vuelo”, se presenta como una obra que mira de frente al paso del tiempo y a la madurez artística sin renunciar a la emoción que siempre ha definido su sonido. El título, cargado de simbolismo, parece condensar una vida entera dedicada a la música, a los escenarios y a esas pequeñas historias que, canción a canción, han ido construyendo una identidad reconocible dentro del pop español. En este disco, la banda despliega una propuesta sonora que combina la sensibilidad melódica con una producción contemporánea, donde conviven la nostalgia, la reflexión y una renovada energía creativa. Las letras, íntimas y honestas, funcionan como un diario emocional que conecta con el oyente desde lo cotidiano, mientras las composiciones mantienen ese equilibrio entre lo accesible y lo profundo. “2190000 horas de vuelo” no es solo un álbum, sino una declaración de permanencia, un recordatorio de que hay trayectorias que no se miden en éxitos puntuales, sino en la huella que dejan con el paso del tiempo.

El regreso discográfico de Laura Pausini con Yo canto 2 se siente como un acto de memoria y emoción que trasciende lo musical para convertirse en homenaje. En esta nueva entrega, la artista italiana vuelve a tender puentes entre generaciones, revisitando canciones que han marcado la historia de la música en español y reinterpretándolas desde su inconfundible sensibilidad. No se trata solo de versionar, sino de revivir historias, de dotarlas de una nueva piel sin perder su esencia, con una producción que equilibra respeto y modernidad. En Yo canto 2, Laura Pausini reafirma su papel como una de las grandes embajadoras de la música latina a nivel global, apostando por colaboraciones y arreglos que enriquecen cada tema sin eclipsar su emoción original. Su voz, siempre protagonista, actúa como hilo conductor de un proyecto que celebra el repertorio hispano desde la pasión y el compromiso artístico. El disco se presenta así como un viaje íntimo y colectivo, donde cada canción funciona como un refugio compartido entre artista y oyente.

Hay discos que llegan para entretenerte y discos que llegan para acompañarte. Sol de Invierno, el nuevo trabajo de Andrés Koi, es de los segundos. Once canciones grabadas con piano, guitarra y banda en directo, sin artificios, en las que el artista madrileño habla de identidad, de calma y de esa esperanza que aparece, casi sin avisar, después de los momentos más duros. Como un rayo de sol en pleno enero: no quema, pero calienta justo lo que necesita. Es además su primer disco completamente independiente, y se nota. Hay algo diferente en Sol de Invierno, una libertad y una honestidad que lo alejan de todo lo que no le pertenece. Andrés Koi ha vuelto a sus instrumentos de siempre para contar quién es a los 33 años, y el resultado es uno de esos trabajos que no caduca.

l nuevo trabajo de Ana Torroja, Se ha acabado el show, publicado el 20 de marzo de 2026, supone un punto de inflexión en su trayectoria. Se trata de su séptimo álbum en solitario, pero también del primero que ha compuesto íntegramente ella misma, un paso decisivo tras más de cuatro décadas de carrera. Con diez canciones que se mueven en el terreno del pop contemporáneo, el disco mantiene la esencia melódica que siempre la ha caracterizado, pero apuesta por una producción más orgánica, cercana y emocional, incorporando matices actuales e incluso ciertos guiños al sonido indie. Más allá de lo musical, el álbum destaca por su profundidad temática. Se ha acabado el show es un trabajo introspectivo que aborda el paso del tiempo, las despedidas, el duelo, el amor desde la madurez y la reconciliación personal, incluyendo referencias a su propia historia artística. Concebido como un proceso casi terapéutico, este disco no solo refleja una etapa vital compleja, sino que simboliza también un renacimiento creativo. Lejos de ser un cierre, el título sugiere el final de una etapa y el inicio de una artista más libre, honesta y conectada consigo misma.

El trío mexicano MATISSE vuelve a demostrar su sensibilidad única con el lanzamiento de El Ayer, un trabajo que se sumerge en la memoria emocional para reconstruir, desde la música, aquellos momentos que dejaron huella. El álbum se convierte en un viaje íntimo donde los recuerdos, las decisiones y las heridas del pasado dialogan con el presente, en una propuesta sonora que mantiene la esencia romántica del grupo, pero con una madurez artística evidente. Con letras que abrazan la nostalgia sin caer en la melancolía fácil, MATISSE apuesta por un sonido elegante y contemporáneo, donde el pop se entrelaza con arreglos sutiles y una interpretación vocal cargada de verdad. El Ayer no es solo un título: es una declaración de intenciones, una invitación a mirar atrás no para quedarse, sino para entender quiénes somos hoy. En este nuevo trabajo, la banda reafirma su capacidad para convertir emociones universales en canciones que parecen escritas al oído de cada oyente, consolidándose como una de las propuestas más sólidas y honestas del pop latino actual.

El cantante colombiano Juanes vuelve a la actualidad musical con un nuevo disco que reafirma su capacidad para reinventarse sin perder la esencia que lo convirtió en una de las voces más influyentes del pop rock latino. En este trabajo, el artista combina guitarras eléctricas, ritmos latinos y una producción contemporánea que dialoga con las tendencias actuales sin abandonar su sello personal. Las canciones del álbum vuelven a explorar algunos de los temas que han marcado su trayectoria: el amor, la identidad, la memoria y la búsqueda de sentido en tiempos convulsos. Con letras directas y emotivas, Juanes apuesta por un sonido que mira tanto a sus raíces colombianas como al rock que siempre ha sido parte de su ADN musical. El resultado es un disco honesto y luminoso, en el que el artista demuestra una vez más su habilidad para construir canciones que conectan con el público desde la emoción y la autenticidad. Un nuevo capítulo en la carrera de uno de los nombres imprescindibles de la música en español de las últimas décadas.

El nuevo trabajo de Leire Martínez marca el inicio de una etapa muy personal en su carrera artística. Tras más de quince años como voz de La Oreja de Van Gogh, la artista se lanza definitivamente en solitario con el álbum Historias de aquella niña, un proyecto en el que explora su propia identidad musical y emocional con canciones más íntimas y autobiográficas. El disco, publicado en febrero de 2026, reúne temas que hablan de crecimiento personal, recuerdos y reconstrucción tras los cambios vividos en los últimos años. Entre las canciones destaca “El Ruido”, una colaboración con el dúo argentino Miranda!, además de otros sencillos que muestran un pop contemporáneo con matices emocionales muy marcados. Con este álbum, Leire abre una nueva etapa creativa en la que busca contar su propia historia con libertad y honestidad, llevando estas canciones al directo con la gira Aquella Niña Tour, que recorrerá España y varios países de América durante 2026.

YAREA regresa con Si tú supieras, un disco que suena a confesión susurrada al oído en mitad de la madrugada. La artista valenciana profundiza en su universo emocional con una colección de canciones donde el amor, la vulnerabilidad y la herida abierta se convierten en materia prima sonora. En este nuevo trabajo, la sensibilidad vuelve a ser su sello, pero también se percibe una evolución en la producción y en la manera de narrar: más directa, más descarnada, menos miedo a mostrar la grieta. Yarea no canta para impresionar, canta para sanar, y en ese gesto encuentra su verdad. Con Si tú supieras, la cantante consolida su espacio dentro del pop íntimo español, moviéndose entre atmósferas envolventes y letras que parecen escritas en el margen de un diario personal. El disco respira honestidad y madurez artística, y confirma que Yarea ha aprendido a convertir la fragilidad en fortaleza creativa. Cada canción funciona como un capítulo de una historia sentimental que no busca finales felices impostados, sino emociones reales, de esas que duelen y, precisamente por eso, permanecen.

Tras seis años de silencio discográfico desde La otra vida (2019) los granadinos regresan con Espejismo nº 9 un álbum que no se apoya en la nostalgía sino que consolida su vigencia en 2026 con rock elegante sólido y poético. El disco, grabado entre octubre de 2024 y julio de 2025 en el estudio El Cobertizo de Granada bajo la producción de Raúl Bernal muestra a una banda que no pretende revolucionar el rock ni reinventar su sonido sino afinarlo con sabiduría y madurez. La energía no se ha desvanecido sino que se ha canalizado — con las palabras en primer plano y la electricidad medida — una combinación que se percibe desde la apertura con “Algo parecido a un sueño” y se extiende a lo largo de las diez canciones que componen el trabajo. En temas como “Piezas de desguace” las guitarras acústicas y melodías sedosas contrastan con la tensión rock más clásica de “Nadie quiere oír tu llanto” y el medio tiempo envolvente de “No tiene sentido escapar” primer single adelantado en diciembre de 2025. Este álbum reafirma la evolución vocal de José Antonio García que, lejos de su antiguo apodo “Pitos”, ofrece una interpretación más contenida y madura que acompaña a las letras cuidadas y profundas de José Ignacio Lapido, uno de los compositores más respetados del rock en castellano. La banda se adentra también en territorios más suaves explorando grooves soul sin perder su identidad en “Ven vestida de nube” y “Los cantes de la sinrazón” mientras que “Dormir con un ojo abierto” exhibe un nervio blues evocador. El cierre del disco con “Puede que el tiempo” despliega un crescendo instrumental que abraza el psych rock y el southern rock como un viaje completo hacia horizontes sonoros compartidos entre pasado y futuro. Espejismo nº 9 es, sin duda, un disco que crece con cada escucha y reafirma por qué 091 sigue siendo indispensable — un puente entre lo que fueron y lo que pueden todavía sonar siendo auténticos y atentos al momento presente.

Sintonías, el nuevo disco de SIN BANDERA, supone el regreso de uno de los dúos más influyentes del pop romántico en español con un trabajo que mira al pasado sin dejar de sonar contemporáneo. El álbum recoge la esencia que convirtió a Leonel García y Noel Schajris en referentes de la balada moderna: melodías elegantes, letras íntimas y una interpretación vocal que apuesta por la emoción antes que por el artificio. En este proyecto, el dúo explora el amor desde distintas etapas vitales, combinando nuevas composiciones con una producción cuidada que respeta su identidad sonora. Sintonías no busca reinventar a SIN BANDERA, sino reafirmar su lugar en la música latina como narradores de sentimientos universales, demostrando que la sensibilidad y la buena canción siguen teniendo espacio en el pop actual.

El nuevo disco de Rawayana, titulado ¿Dónde es el after?, es el sexto álbum de estudio que la banda venezolana lanzó el 1 de enero de 2026 como una sorpresa de Año Nuevo. Se trata de un proyecto ambicioso y festivo con 23 canciones en el que la banda explora un mosaico de estilos que van desde ritmos caribeños, afrobeats, funk, música urbana hasta elementos tradicionales venezolanos como tambores costeros y venetón, fusionándolos con pop latino y sonidos electrónicos. El concepto del disco gira en torno al “after” como metáfora del presente, un espacio donde la música, el cuerpo y la conciencia convergen, dejando atrás la nostalgia para abrazar el ahora y celebrar la vida con creatividad y energía. Además, ¿Dónde es el after? destaca por sus numerosas colaboraciones internacionales con artistas como Manuel Turizo, Elena Rose, DannyLux, Justin Quiles, Jowell & Randy, Magic Juan, Carín León, Grupo Frontera, Servando & Florentino y más, lo que amplía el alcance sonoro del álbum y lo convierte en una verdadera fiesta cultural. Desde temas de apertura como “Si te pica es porque eres tú” hasta mezclas de géneros y flujos nocturnos, el disco ha tenido una recepción muy positiva, consolidándose como un de los lanzamientos más relevantes del inicio de 2026 para Rawayana y reforzando su presencia en la escena musical latinoamericana

Nuevo programa de El disco del año repasando un disco completo a la semana para deleite de todos

Con El Día que me Olvides, Walls —nombre artístico del murciano Ginés Paredes— firma un tercer álbum que representa un salto cualitativo en su evolución sonora y emocional. Tras consolidarse en la escena pop urbana española, aquí abraza con decisión un pop-rock más orgánico, vulnerable y atemporal, marcando un punto de inflexión en su trayectoria. Este trabajo de 12 canciones es, ante todo, un viaje emocional profundo: parte del caos interior y la confrontación con sus propias inseguridades para acabar en una narración de aceptación y despedida consciente. Es un disco que no teme mostrar fragilidad, transformándola en uno de sus mayores activos artísticos.

TQ+ es el último gran paso discográfico de Reik, un trabajo que funciona como cierre, expansión y declaración de intenciones tras más de dos décadas de trayectoria. Publicado en diciembre de 2025, el álbum amplía el universo emocional que el grupo había comenzado a dibujar unos meses antes con el EP TQ, transformándolo ahora en un disco completo de doce canciones que respiran madurez, calma y una vuelta consciente a la esencia del pop romántico que siempre ha definido a la banda. Lejos de buscar tendencias pasajeras, TQ+ apuesta por la emoción directa, por letras que hablan sin rodeos del amor, la pérdida, la nostalgia y el paso del tiempo. Reik se muestra aquí más reflexivo que nunca, abrazando melodías limpias y producciones cuidadas, donde cada arreglo está al servicio de la canción y del sentimiento que quiere transmitir. Es un disco que no necesita alzar la voz para impactar; lo hace desde la honestidad y la cercanía. El álbum combina momentos íntimos y casi confesionales con otros más luminosos, manteniendo siempre un equilibrio muy reconocible dentro de su discografía. Canciones como TQ, Melancólico o Nada Nadie Nunca funcionan como ejes emocionales del disco, mientras que otros temas exploran matices distintos del desamor, la duda y la aceptación. Todo el conjunto transmite la sensación de estar escuchando a una banda que sabe exactamente quién es y qué quiere contar en este momento de su carrera. Uno de los puntos fuertes de TQ+ es la manera en la que Reik integra las colaboraciones. Artistas como Gabito Ballesteros, Leo Rizzi, Yami Safdie o Xavi no aparecen como simples reclamos, sino como voces que enriquecen el relato del disco y dialogan de forma natural con el universo sonoro del grupo. Especialmente destacable es Es tan corta la vida, junto a Yami Safdie, una canción que refuerza el tono introspectivo y emocional que atraviesa todo el álbum. En conjunto, TQ+ se siente como un trabajo sereno, coherente y muy humano. No es un disco pensado para la urgencia del consumo rápido, sino para escucharse con tiempo, dejándose llevar por sus letras y melodías. Reik demuestra que, después de más de veinte años de carrera, sigue siendo capaz de emocionar sin artificios, apoyándose en canciones que conectan con experiencias universales y sentimientos reconocibles para varias generaciones. Con TQ+, Reik no solo amplía un EP previo: firma un álbum que reafirma su identidad, celebra su madurez artística y recuerda por qué sigue siendo una de las bandas fundamentales del pop latino en español. Un disco que mira hacia dentro, pero que encuentra eco en cualquiera que haya amado, perdido o aprendido a soltar.

La cantante madrileña nos regala uno de esos discos que son para escuchar el calma y resolver despacio. Amor Letal es un viaje personal por muchas sensaciones, una de esas pequeñas joyitas de nuestro pop que se disfrazó de canción de autor pero que en realidad tiene un curioso regusto comercial desde la intimidad. La voz de Bely enamora desde la primera canción, nos hace cómplices de historias grandes, pequeñas y vertiginosas que son las que, como en el disco, conforman también las vidas de todos

Esta semana os queremos presentar el disco de debut de 5 chicos criados en Hialeah (Florida), se llaman Dboyzz y con sus canciones reivibndican el pop de las boybands en español de los 90. Una cuidada producción y el romanticismo de sus canciones ya les han hecho estar en un montón de rankings de artistas a los que seguir en el 2026 que está al caer. Hoy queremos que conozcas ese primer álbum, inusualmente largo, con 13 canciones.

Diego Torres siempre sorprende. El argentino navega por un pop que encaja perfectamente en todos los países de habla hispana. En esta ocasión no es una excepción. 'Mi norte mi sur' es una colección de canciones perfecta para disfrutar en cualquier momento del año y no solo en casa, también en los directos. La voz de Diego es ya un icono del pop argentino y, desde lo reconocible, alcanza su pequeño triunfo

Juan Pablo Vega ha hecho un brillantísimo trabajo al tomar a un monstruo urbano como es la ciudad de Bogotá y retratarlo en un mosaico de canciones brillantísimo y casi podría decirse que descarado. Cachaoleto, sin ser un disco de música urbana, es muy urbano, muy cosmopolita y evidencia el extraordinario momento creativo por el que atraviesa su creador, quien, además, ha escrito canciones para nombres muy destacados de l pop colombiano e internacional

Después de diez años sin publicar material inédito, TAN BIONICA vuelve a escena con un anuncio que ha sacudido al panorama musical: su nuevo disco “El Regreso” verá la luz el próximo 4 de noviembre. El álbum marcará una nueva etapa para la banda argentina formada por Chano, Bambi, Diega y Seby, y llega cargado de simbolismo, nostalgia y energía renovada. El trabajo reúne diez canciones inéditas y cuenta con colaboraciones estelares junto a Nicki Nicole, Andrés Calamaro y Airbag, nombres que subrayan la conexión intergeneracional del proyecto.

Alejandro Sanz completa su nueva etapa discográfica con ‘¿Y ahora qué +?’, la versión extendida del EP publicado en mayo. El disco reúne nuevas canciones que se integran con temas ya conocidos como El vino de tu boca, Palmeras en el jardín y Bésame, manteniendo su sello emocional y su capacidad para conmover desde la primera escucha.

Miguel Ríos sigue sorprendiéndonos y eso que, a estas alturas, el rock español adolece de cierto decaimiento. El último vals parecía un disco de despedida, muy del gusto de fans, muy enla onda de ese tono de Sabina, pero resulta que venimos a encontrar perlitas luminosas y, sobre todo, un gran sentido de la adaptabilidad. El resultado no decepciona y consigue reterner la escucha con facilidad

Fito Cabrales vuelve a hacer de las suyas, pero esta vez desde un lugar mucho más íntimo y valiente. El monte de los aullidos no es un disco que quiera encajar en la radio ni hacerse viral: es un refugio. Un trabajo donde Fito aparca el piloto automático y se planta frente al micrófono con una honestidad que casi duele. Tras cuatro años de silencio discográfico, el bilbaíno regresa sin artificios, sin buscar el estribillo que todo el mundo corea, y apostando por una forma de grabar casi artesanal, como en los viejos tiempos. Lo primero que sorprende no es una canción, sino una atmósfera. El álbum huele a otoño, a madera, a estudio pequeño y luces cálidas. Las guitarras suenan vivas, imperfectas, reales. Y la lírica, sombría pero luminosa en su verdad, nos recuerda que Fito no tiene nada que demostrar: solo cosas que contar. Con 59 años, firma uno de esos trabajos que no aspiran a llenar estadios, sino a quedarse a vivir en quien lo escucha. Es un Fito más introspectivo, más crudo y más libre. Y quizá, por eso mismo, más grande que nunca.

PABLO ALBORÁN lanzó ‘KM0’, su séptimo disco de estudio, marcando el inicio de una nueva etapa creativa llena de introspección y libertad artística. El álbum, compuesto y producido casi íntegramente por él, reunió 14 canciones y 4 bonus tracks que exploraron desde el folk hasta la salsa y el merengue, con colaboraciones de Vicente Amigo y Ana Belén. El malagueño definió este trabajo como “un homenaje a sus fans y un nuevo punto de partida”. Coincidiendo con su estreno, actuó en LOS40 Music Awards Santander 2025 en Valencia, donde estuvo nominado a Mejor Artista y Mejor Video Musical por “Vámonos de aquí”. Además, anunció su Global Tour KM0 2026/2027, una gira internacional que recorrerá Latinoamérica, España, Estados Unidos y Europa.

Nos ha gustado mucho la nuva propuesta salsera de Nathy Peluso. Después del éxito de Grasa, premiadísimo en todos lados, el retorno de la artista ha sido hacia la salsa, género en donde ha demostrado que se mueve como pez en el agua. 'Malportada' son pocas canciones pero, señoras y señores, qué disco tan bien pensado, producido y ejecutado

Esta semana queremos presentarte el nuevo trabajo de Gonzalo Hermida, uno de esos pequeños grandes discos, con letras que te van a llevar más allá de la reflexión y unas cuidadísimas canciones, de esas que resultan ser importantes con el tiempo, un disco para quienes huyen del pop facilón y las propuestas sensibleras pero sin espíritu.

Pues ya tenemos aquí el nuevo disco de Álvaro Soler, una producción muy pop, fresca, con su sello sonoro habitual... No se le puede pedir más. Disfruta uno de esos trabajos que te van a hacer vivir en el verano musical aunque estés en otoño

Tras décadas de éxito en México poniéndole sus personalísimiso sellos a canciones que son icónicas, aquí tenemos un nuevo disco de Pandoira. Grandes himnos que encuentran en sus voces una nueva manera de conectar con el público de generaciones posteriores. Hoy queremos que también forme parte de tus discos de referencia si buscas canciones con corazón

Cada vez más centrado en nuevos géneros musicales, Rauw Alejandro nos ha traído hace muy poquito esta segunda entrega de su Cosa Nuestra en la que la salsa y otros ritmos tropicales son mucho más protagonistas que el reguetón con el que comenzó. Un disco muy heterogéneo, lleno de matices que confirma el renacimiento de la salsa, por ejemplo y la reinvención (enésima) del artista

Un disco que indaga en el rock de frontera, en la esencia lorquiana, en sonidos de esa España profunda que se tatarareaban y hoy son casi himnos de pasado y de pueblos. El Quebranto es una obra conceptual, rockera y sentida que llega para quedarse en la memoria de todos. Un disco de esos que tienes que escuchar, sí, pero que sentir también

BELÉN AGUILERA ha lanzado este 12 de septiembre su esperado nuevo disco, Anela, un trabajo en el que la artista barcelonesa abre de par en par las puertas de su mundo más íntimo y místico. Se trata de su “cuarto hijo”, un álbum conceptual que trasciende lo musical para crear un universo imaginario donde conviven la mitología, la fantasía y lo onírico en una estética barroca y surrealista. El proyecto nació tras un verano de 2023 transformador, en el que Belén trabajó entre Estados Unidos, México y España, afrontando el reto de reinventarse y salir de su zona de confort. De ese proceso surge Anela —acrónimo de “Aunque No Exista La Arcadia”—, un lugar creado para soñar despierto, donde la artista se reencuentra con su faceta más lírica y teatral.

Sin duda ninguna, nos encontramos ante uno de los discos más heterogéneos del actual panorama de músicas populares. La electrónica es fundamental, casi podría decirse que imprescindible, pero es que vamos encontrándonos con canciones que son experimentación en estado puso. Sofía Reyes consigue dejarnos con la sensación de que más que un disco es un juego sonoro en el que lo ha pasado francamente bien

Iniciamos la nueva temporada con uno de esos discos que van a convertirse en uno de tus favoritos si buscas melodías originales, ese puntito de lo latino que llama la atención y unas canciones que combinan el amor y el desamos de una manera singular y muy inteligente. Estas 'Canciones para llorar bailando' son justo eso pero para pegarse más bailes que lloreras

Permitidnos que cerremos la temporada esta semana con el nuevo trabajo de Ana Belén. La artista española nos trae una producción llena de reivindicaciones, sencilla y muy en su línea. Con su hijo David al frente y con un puñado de canciones que, si bien no van a ser las grandes señas identitarias de su ya amplia carrera, si nos arrojan una idea de hacia dónde va la música que ahora la llena

Este coctail originario del norte de México le da nombre al último trabajo de la artista cordobesa, un disco grabado a caballo entre España y el país azteca con colaboraciones de lujo y una cuidada producción que nos trae sonidos diferentes pero en donde los aires del flamenco están presentes de un modo un otro. La conjunción del pop queda estupenda cuando se trata de sorprender

KAROL G ha lanzado su nuevo álbum Tropicoqueta, una colección de 20 canciones que rinden homenaje a los ritmos latinos que marcaron su infancia, como la bachata, el merengue, el vallenato y la música de telenovela de los años noventa. El disco incluye colaboraciones con artistas como MARCO ANTONIO SOLÍS, MANU CHAO, FEID y GREEICY. Con una estética nostálgica y letras cargadas de emoción, la artista invita a sus fans a escucharlo “sin prejuicios” y con el corazón abierto. La colombiana define el álbum como un “viaje emocional” lleno de sentimientos y raíces culturales. En redes sociales, expresó que cada canción tiene una identidad propia y que el disco debe ser descubierto poco a poco. Tropicoqueta consolida a KAROL G como una artista versátil y profundamente conectada con la música popular latinoamericana.

Hace unos días, en nuestro comentario de TikTok, nos preguntábamos el motivo de que un compositor sacase un disco completamente con canciones que fueron éxito hace muchos años. Y seguios preguntándonoslo, pero eso no tiene que ver con que escuchemos el disco y las versiones estén muy en la línea del proyecto musical de Abel Pintos. Efectividad y facilismo son las claves para entender este disco, pero puede que haya más factores de fondo

Nuevo disco de Aitana y nueva oportunidad de asomarnos a su versatilidad como artista en un disco que partía con el marchamo de ser el más personal. 'El cuarto azul' no decepciona y construye con argumentos muy sólidos la delicadeza de una artista única, con su consolidado sonido y mirando de frente, en más de un caso, a la canción del verano

Pueblo Salvaje II es la nueva propuesta de Manuel Carrasco, un disco del que podríamos decir muchas cosas pero lo mejor es escucharlo. La producción se llena de experimentación, con pequeños cortes que nos hacen ver que las pinceladas de originalidad amplifican la conceptualización. Un trabajo en el que Carrasco se va alejando poco a poco del pop para hacernos sentir otra cosa pero la esencia del onubense está aún intacta

Este es el disco definitivo para demostrar que el cantante y compositor colombiano se aleja inexorablemente de los ritmos urbanos con los que comenzó su andadura. 'Milagro', se mire por donde se mire, es un disco de pop, que llega incluso a incluir un clásico de Silvio Rodríguez para hacerse importante. Estábamos esperando escuchar todo esto luego de que los singles que fueron llegando nos mostrasen a un Sebastián Yatra más maduro a nivel composiivo