El Invitado de RFI

La artista argentina Laura Cardoner inaugura este martes la exposición “El rastro de la ausencia” en la Galería Argentina de París en la que muestra su trabajo en fotograbados. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI Laura Cardoner es una artista visual argentina especializada en fotografía, fotograbado, grabado experimental y prácticas artísticas vinculadas a la memoria, el archivo y la identidad. Su trayectoria se ha desarrollado principalmente entre Buenos Aires y diversos circuitos artísticos internacionales, con exposiciones en Argentina, Francia, España, México y otros países. Comenzó sus estudios de fotografía en 1993 en la Escuela Barabino Devoto. Posteriormente amplió su formación en el Fotoclub Argentino y participó en talleres de creatividad con reconocidos fotógrafos y docentes como Diego Ortiz Mugica, Julie Weisz, Julieta Escardó y Raquel Bigio. Entre 2012 y 2016 se formó en fotograbado con Lucrecia Urbano. Más adelante asistió a clínicas de obra y talleres de arte contemporáneo dirigidos por Vivian Galbán y Ana Sánchez Zinny. También participó en el taller “Arte en Origen”, coordinado por Andrea Juan en Cantabria, España. Desde fines de la década de 1990 se dedica profesionalmente a la fotografía artística, incorporando posteriormente técnicas de fotograbado, collage y procesos gráficos experimentales.

El escritor franco-venezolano Vicente Ulibe Schenell presenta el 28 de junio en la librería L’araqbesque du 104 su nueva novela ‘Coco exprés’ que publicna en Francia las Editions Intervalles. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   Vicente Ulive Schnell (Caracas, Venezuela, 1976) escritor, cineasta y filósofo venezolano.​ Es autor de varias novelas de ficción, así como cuentos, artículos de opinión, cortometrajes y ensayos filosóficos. Sus trabajos han aparecido en periódicos y revistas electrónicas y en papel, y sus libros han sido editados en Venezuela y España. Hijo del dramaturgo uruguayo-venezolano Ugo Ulive y de la médico y profesora universitaria Mercedes Schnell, Ulive-Schnell estuvo inmerso en un ambiente intelectual y bohemio desde temprana edad. Vivió en Londres cuando niño, mientras su madre completaba un segundo Ph.D., lugar donde se sumergió en la vasta cantera de libros escritos en inglés y se interesó por la literatura en esa lengua. De regreso a Venezuela, siguió estudios de música y composición antes de inscribirse en la Escuela de Psicología de la Universidad Central de Venezuela. Cursó dos menciones (Psicología Clínica y Psicología Social), formó parte del Centro de Estudiantes y participó activamente en el grupo Léxicos, escribiendo artículos y ensayos para la revista estudiantil del mismo nombre y ayudando a organizar conferencias en 1999. En 2001, decide continuar sus estudios superiores en París, Francia. Ahí se desempeña en todo tipo de empleo y comienza a formar parte de la bohemia nocturna parisina. Todas estas experiencias alimentaron su novela semi-autobiográfica, Historias de un arrabal parisino y condujeron a un doctorado en Filosofía en el 2007 en la Universidad de Paris 8.​ Historias de un arrabal parisino fue escrito originalmente en francés, pero el manejo burdo y rudimentario de la lengua gala decepcionaron al autor y lo llevaron a considerar engavetar el texto. Sin embargo, en 2006 el escritor y periodista español Xavier B. Fernández se ofreció a mostrárselo a la editorial independiente mexicana Resistencia que había publicado su novela “Kensington Gardens”. Para ello, el manuscrito debía estar en español, lo que llevó a Ulive-Schnell a encerrarse diez días en su apartamento y producir la traducción completa y reescrita del manuscrito. Su obra Caracas cruzada fue rechazada por varias editoriales que criticaron el estilo oscuro, nihilista y asfixiante de los personajes, así que, su consumo casi compulsivo de sexo y drogas que enmascaraba "las cosas bonitas" (sic) que podían escribirse sobre la ciudad. Vicente Ulive-Schnell ha expresado una gran preocupación por los vínculos entre el lenguaje y las imágenes y la capacidad de un escritor de manipular las palabras para crear ideas y cuadros que de otra manera no existirían en la cabeza del lector. Sus estudios en filosofía del lenguaje, su reivindicación temprana de Ludwig Wittgenstein (Anécdotas de la decadencia caraqueña) y su atención al papel de la música y lo musical en la narrativa forman una aproximación particular a la literatura y a los textos en general.

La peruana Yael Izárraga de Vuilleminroy es la responsable para América Latina de la Cumbre Internacional de la Ganadería de Clermont Ferrand que tendrá lugar del 6 al 9 de octubre. Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. Yael Lizárraga de Vuilleminroy nació el 13 de agosto de 1957 en Moquegua, Perú. Hija de padre arequipeño y madre puneña, creció desde los 8 años en el emblemático distrito limeño de Barranco, muy cerca del icónico Puente de los Suspiros. En 1980 viajó por primera vez a París, ciudad que no solo marcaría su vida profesional, sino también personal, al convertirse en su nuevo hogar. Ingeniera Agrónoma por la Universidad Nacional Agraria La Molina (Lima, Perú), se especializó posteriormente en Mercados Internacionales en el Conservatorio Nacional de Artes y Oficios (CNAM) de París. En 1999 fundó en Francia la consultora internacional Cabinet VLPM, dedicada al asesoramiento en comercio exterior, análisis de mercados agroalimentarios, ganadería y promoción de la oferta tecnológica y genética bovina francesa hacia América Latina. Desde 2002, Yael ha sido consultora para la Comisión Europea en el marco de los programas de cooperación Al-Invest II, III y IV, participando en más de 150 proyectos de internacionalización en sectores productivos claves para América Latina y Europa. Su experiencia ha sido clave en el desarrollo de vínculos comerciales sostenibles entre ambos continentes, especialmente en rubros como la agricultura, la ganadería y los agro alimentos. Comprometida con la formación de nuevas generaciones, fue docente e investigadora en la Universidad de La Sorbona (París) durante más de dos décadas, dictando cursos sobre mercados latinoamericanos y negociación internacional. También impartió clases en escuelas superiores de negocios e ingeniería en Francia, siendo jurado de admisión, de tesis y de titulación. Actualmente, continúa liderando proyectos desde Francia como asesora internacional, realizando misiones técnicas y brindando conferencias en América Latina. Su trabajo ha impulsado la promoción y exportación de productos latinoamericanos como café, cacao, frutas exóticas y Pisco, contribuyendo activamente a posicionar la riqueza de los productores latinoamericanos en el escenario global. Con una visión estratégica, pasión por el desarrollo sostenible y profundo amor por su país, Yael Lizárraga de Vuilleminroy es una peruana que inspira y deja huella.

Mario Terzano, presidente de Radio Cultura de Buenos Aires, acaba de lanzar la edición 2026 del Premio al Fomento de las Artes que ofrecen Radio Francia Internacional y Radio Cultura que este año está dedicado a la arquitectura. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   Mario Terzano es un abogado y gestor de medios argentino, conocido principalmente por su labor como presidente de Radio Cultura (FM Cultura 97.9), una de las emisoras culturales más tradicionales de la ciudad de Buenos Aires. Bajo su conducción, la radio amplió su perfil periodístico y cultural, incorporando espacios dedicados a la actualidad política, económica, artística y social, con una propuesta plural y orientada al debate de ideas. Junto con Gonzalo Peltzer asumió la dirección de la emisora a comienzos de la década de 2010, impulsando una renovación de la programación y fortaleciendo el posicionamiento de Radio Cultura como medio de referencia para el pensamiento, las artes y la divulgación cultural. Uno de los ejes más destacados de su gestión ha sido la promoción de la cultura argentina a través del Premio RFI–Radio Cultura al Fomento de las Artes, desarrollado en alianza con Radio France Internationale. Desde su creación en 2014, el premio ha reconocido diversas disciplinas artísticas —artes escénicas, visuales, fotografía, muralismo, cine y proyectos culturales innovadores— consolidándose como un espacio de estímulo para artistas emergentes y consagrados. Terzano participa permanentemente como miembro del jurado y representante de la emisora organizadora. Su visión de la radio y la cultura se caracteriza por una perspectiva humanista, abierta al diálogo y al intercambio internacional, especialmente a través de los vínculos culturales entre Argentina y Francia.

La bailarina y coreógrafa española La Ribot es la invitada del Teatro de la Comuna de Aubervilliers para el “Pavillon Danse La Ribot” carta blanca que se desarrolla del 5 al 13 de junio en el marco de los “Rencontres Choréographiques internationales de Seine-Saint Denis”. Naturalmente ha estado junto al actor Juan Loriente con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   Nacida en Madrid en 1962, María Ribot empieza formándose en danza clásica a mediados de los años 70. Crítica desde muy pronto con las convenciones del ballet, continúa su formación en danza contemporánea en Francia, Alemania y los Estados Unidos antes de fundar, a su regreso a Madrid en 1986 Bocanada Danza junto a la coreógrafa Blanca Calvo. La experimentación de los años 80, cimentada en las prácticas colectivas y transdisciplinares, participa de la mezcla de géneros que se desarrolla dentro del underground madrileño, y que conjuga la danza, el cabaré, el free jazz, la música contemporánea y las artes visuales. Aunque España representa para La Ribot un punto de anclaje artístico e intelectual constante, su trayectoria la expone a entornos diversos. Entre 1997 y 2004 se instala en Londres, donde su trabajo recibe el apoyo de la corriente del live art, que presagia una cada vez mayor hibridación entre las artes del espectáculo y la performance artística. Desde 2004 vive, trabaja y enseña en Ginebra, donde ha fundado su compañía, La Ribot-Genève. A partir de 1989, La Ribot se aleja de los colectivos de Madrid para dedicarse a radicalizar los elementos principales de su investigación. En 1991 firma, por primera vez con el nombre de La Ribot, una pieza llena de humor y autocrítica que ocupa un lugar seminal en su obra: Socorro! Gloria! Sola sobre el escenario, vestida con una montaña de ropa, la artista baila e interpreta un interminable estriptís con la sonata n.º 22 de Beethoven como banda sonora. La deconstrucción de los códigos de la danza apunta a la economía del espectáculo, al voyerismo y al acto de consumición del artista por parte del público que dirigen el ritual vivo del teatro. Abre la posibilidad a un regreso conceptual de esa información. Desde que deja al desnudo, literalmente, el material corporal de la danza, La Ribot desarrolla sus Piezas distinguidas que, de momento, constan de cinco series y cincuenta y tres piezas (1993-2020). Se trata de solos breves, encadenados sin solución de continuidad a lo largo de varias horas, con la fuerza poética de las pequeñas formas, y en los que la expresión se vuelve nítida y mordaz. El cuerpo que los interpreta se convierte en material entre objetos cotidianos, reinventados con una aparente ligereza y que destilan una crítica silenciosa de la sociedad. Con un gran ahorro de medios y una dramaturgia precisa, la artista convierte el espacio en sí en una partitura coreográfica, y llega incluso a incluir al público cuando pasa de un escenario a un cubo en blanco. Esta obra pionera se enmarca en un enfoque conceptual que, desde los años 90, ha surgido de la coreografía para reflexionar sobre las convenciones del arte contemporáneo y las prácticas sociales del museo. No se conforma con abrir la danza a espacios no escénicos, sino que se atreve a proponer, por primera vez en el campo de la performance, un principio de transacción inmaterial que permite que cada Pieza distinguida sea adquirida por un/a «propietario/a distinguido/a». Desde el año 2000, las piezas coreográficas y las instalaciones de La Ribot se cuestionan los límites del tiempo real de la obra viva comparándolo con el de los medios. La grabación de vídeo, así como los circuitos de transmisión directa que permiten la presencia «a distancia», dan pie a comprimir o dilatar el espacio-tiempo de la performance, a cuestionar la representación del cuerpo. Despliegue (2001) rompe, por así decirlo, la larga secuencia de las Piezas distinguidas en el espacio-tiempo reducido a un único plano fijo de vídeo de cuarenta y cinco minutos. Por el contrario, la herramienta del «cuerpo-operador», origen de su serie Traveling (2003), de Mariachi 17 (2009) o de su homenaje a Loïe Fuller, Beware of Imitations ! (2014), dota a los bailarines de su propia cámara, en un desafío cada vez más complejo al plano secuencia. El espacio percibido a partir del cuerpo es el de una avalancha visual que, en contraposición a los medios de comunicación, ofrece un sensorium orgánico que el cerebro no es capaz de asimilar. Renace en él la teatralidad por medio del suspense, el trampantojo, el vuelco de las escalas y de las distancias. En su serie de vídeos FILM NOIR (2014-2017), la artista hace una labor de observación política del cine de los años 60, analizando lo que revelan las posturas de los figurantes, contratados de entre la población local, de las grandes películas históricas rodadas en España bajo el régimen de Franco.   La obra de La Ribot va y viene entre los cuerpos y las cosas, entre el teatro y la exposición. Su instalación performática de 2006, Laughing Hole, que reúne a tres bailarinas entre un cúmulo de cartones rotulados, tiene una carga crítica de alto voltaje. «Fiesta en Gaza», «inmigrante en venta», «agujero brutal»… Palabras que las intérpretes llevan, literalmente, a modo de precaria pancarta mientras no dejan de reírse. En 2010 concibe Walk the Chair, una instalación de cincuenta sillas plegables con citas, que sugiere una conciencia activa del papel del espectador y se plantea su relación con los objetos de la exposición. En una de las sillas escribió: «He soñado que todas las obras de arte del mundo, millones y millones, cobraban vida y nos devoraban a todos». La presencia humana circula, inestable, y el lugar del individuo nunca se concreta. Es lo que muestran también piezas escénicas como Gustavia (2008), escrita e interpretada junto a Mathilde Monnier, un homenaje a la comedia física o a la rebelión anárquica y absurda de las cosas, o la radical El Triunfo de la Libertad (2014), escrita y puesta en escena con Juan Domínguez y Juan Loriente. En esta última pieza, el público se enfrenta a un escenario completamente vacío y desierto. El texto de una obra invisible va desfilando por pantallas de LED, como las cotizaciones de la bolsa de Times Square, a la vez que una cronología de efectos tan precisa como enigmática deja al desnudo la fábrica del teatro. Por último, en sus trabajos en grupo, que encarnan toda la dimensión experimental de su obra, La Ribot explora las posibilidades de un cuerpo colectivo, en el que se presenta un reparto orgánico e intuitivo del gesto creador. Entre estos trabajos cabe citar 40 Espontáneos (2004), que recurre a cuarenta figurantes cuya actividad en escena consiste, por medio de una lenta repetición, en la recopilación gráfica y material de una memoria colaborativa. O, más recientemente, Happy Island (2018), creada junto a la compañía Dançando com a Diferença y representada por bailarines con capacidades diferentes. La obra, que combina los retratos individuales y la energía del grupo, desarrolla con pudor un espacio de movimiento en el que sensualidad, sexualidad e imaginario afirman su derecho a cabalgar entre el arte y la vida. Hasta el momento, las Piezas distinguidas siguen siendo para la Ribot una obra en curso inacabada y, a la vez, un laboratorio conceptual que alimenta el conjunto de su filosofía coreográfica y un diario de su perspectiva política del mundo. Las tres primeras series, sutilmente estructuradas a partir del arte encontrado y el ensamblaje, anclan la obra a lo largo del solo, en la línea de los grandes gestos de ruptura protagonizados desde el auge de la danza moderna por parte de las bailarinas coreógrafas: son 13 Piezas distinguidas (1993-1994), Más distinguidas (1997) y Still Distinguished (2000). Estos tres conjuntos darán lugar a Panoramix (1993-2003), antología completa de tres horas creada en la Tate Modern (Londres), que explota todas las características de una sala de museo. En PARAdistinguidas (2011), La Ribot vuelve a escena para dedicarse a alterar su propia obra, introduciendo solos coreografiados para otras bailarinas y la participación de veinte figurantes. Más recientemente, el trío inquieto y palpitante que forma La Ribot junto a Juan Loriente y Tami Manhekela representa las diez piezas agrupadas en la serie Another Distinguée (2016). En semipenumbra, en una escena obstaculizada por una masa informe, ningún cuerpo parece capaz de quedarse quieto. El espacio se estrecha en torno a movimientos forzados, en sainetes burlescos y mordaces, de una violencia contenida. Los vídeos e instalaciones de La Ribot se han presentado en varias exposiciones, y algunos de ellos se conservan en las colecciones permanentes de instituciones públicas, como el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria – Artium (Euskadi), el Centre National des Arts Plastiques (París), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, el Musée National d’Art Moderne – Centre Pompidou (París), el MUSAC- Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (León) o La Panera (Lleida).

Los editores peruanos Magdalena Suárez Pomar y César Coca Vargas presentan este lunes en al Maison de l’Amérique latine de París “Revolución en los Andes” en París que libro que Victor Polay, fundador del Movimiento Revolucionario Tupac Amaru, escribió desde la cárcel y que ahora es publicado por las Ediciones Achawata. Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Magdalena Suárez Pomar es estudiante del cuarto año del programa de Estudios Hispánicos en Washington University in St. Louis. Es egresada de la maestría en Estudios Literarios por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y bachiller en Literatura por la Universidad Nacional Federico Villarreal. Es cofundadora de Ediciones Achawata, una editorial independiente peruana, y directora del proyecto Biblioteca Popular Achawata, una iniciativa dedicada a democratizar el acceso al libro y a la lectura. Su investigación, materializada en artículos publicados en diversas revistas académicas, se centra en los circuitos intelectuales y editoriales del Perú de inicios del siglo XX, así como en las experiencias de producción cultural popular en el Perú de los años sesenta y setenta, enfocándose en sus soportes, prácticas y articulaciones con espacios públicos no hegemónicos. Suárez Pomar ha registrado, escrito y publicado el testimonio de Máxima Acuña, una campesina peruana y activista ambiental galardonada con el Premio Medioambiental Goldman en 2016 en el libro Máxima. La voz de la tierra. César Coca Vargas es licenciado en Literatura en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos con una tesis dedicada a la narrativa de las vanguardias peruanas. Magíster en Análisis Político por la Universidad Complutense de Madrid. Es doctor en Estudios Latinoamericanos en la Universidad de la Ciudad de Nueva York, con una tesis que estudia las discusiones intelectuales en torno a nacionalismo y decolonialidad en México, Perú y Bolivia de los últimos veinte años. Dirigió la revista de literatura Entre caníbales. Actualmente es codirector de Ediciones Achawata y director de la revista Indoamérica, así como del Centro de Estudios Populares Achawata (CEPA). Tiene como temas centrales de investigación las figuras intelectuales peruanas de los primeros años del siglo XX en el Perú. Viene desarrollando una investigación sobre el anarquismo peruano.

El director de orquesta argentino Leonardo García Alarcón acaba de estrenar en la Opera Nacional de París, con la Cappella Mediterránea y el Coro de Cámara de Namur, la ópera “Ercole Amante” que encargó Luís XIV a la compositora italiana Antonia Bembo. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Leonardo García Alarcón nació el 5 de agosto de 1976 en La Plata, Argentina. Es director de orquesta, clavecinista, organista, pianista, compositor e investigador musical, reconocido internacionalmente como una de las figuras más importantes de la interpretación de música antigua y barroca de las últimas décadas. Realizó sus estudios iniciales de piano y música en La Plata, donde obtuvo el título de Bachiller en Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. En 1997 se trasladó a Europa para perfeccionarse en el Conservatorio de Ginebra, estudiando clavecín con la prestigiosa maestra Christiane Jaccottet. Durante esos años trabajó junto al especialista en música antigua Gabriel Garrido, de quien fue asistente y colaborador. En 2005 fundó el conjunto barroco Cappella Mediterranea, dedicado inicialmente a la exploración del repertorio barroco italiano, español y latinoamericano. Bajo su dirección, la agrupación se convirtió en uno de los conjuntos especializados en música barroca más prestigiosos del mundo. Su reputación creció especialmente gracias a la recuperación de obras olvidadas del siglo XVII y XVIII. Uno de sus mayores éxitos fue la redescubierta interpretación del oratorio Il diluvio universale de Michelangelo Falvetti en el Festival de Ambronay en 2010, producción que le otorgó reconocimiento internacional. Desde 2010 es director artístico del Chœur de Chambre de Namur, una de las agrupaciones corales especializadas en repertorio barroco más importantes de Europa. También fundó la Millenium Orchestra y ha desarrollado una intensa actividad pedagógica en la Haute École de Musique de Genève, donde enseña clavecín, canto barroco y dirección musical.

El sociólogo y filósofo peruano Julio Roldán presenta este sábado 6 de junio en la asociación MRAP (Movimiento contra el Racismo y por la Amistad de los Pueblos) de París su libro “China. ¿El nuevo centro de la civilización?”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  Julio Roldán es sociólogo y doctor en Filosofía por la Universidad de Bremen, Alemania. A lo largo de su trayectoria académica ha ejercido la docencia e investigación en diversas universidades de Perú y Alemania, entre ellas las universidades de Hamburgo, Bremen, Potsdam y la Universidad Libre de Berlín. Especialista en sociología histórica, filosofía política y análisis geopolítico, ha dedicado gran parte de su trabajo al estudio de las transformaciones del sistema mundial, las relaciones de poder entre las grandes potencias y los cambios civilizatorios que marcan el siglo XXI. Su producción intelectual incluye dieciséis obras de investigación en los campos de la historia política, la filosofía y las ciencias sociales. Además de su labor académica, participa como analista en medios de comunicación internacionales, donde aborda temas relacionados con la política global, los procesos históricos contemporáneos y la evolución del orden internacional. Su publicación más reciente es China. ¿El nuevo centro de la civilización?, editada por Icaria, un ensayo en el que examina el ascenso de China y las profundas transformaciones económicas, políticas y culturales que están redefiniendo el equilibrio mundial. En esta obra, Roldán propone una reflexión sobre el posible desplazamiento del eje de la civilización contemporánea hacia Asia y los desafíos que este proceso plantea para Occidente y el resto del mundo.

La cantante suiza Neda Cainero y el guitarrista francés Germain Chaperon, del grupo “Caminos”, presentan este jueves su EP “Caminos” en la sala parisina Le Triton. Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Neda Cainero nació el 5 de noviembre de 1989 en el cantón del Tesino, en la Suiza italiana. Es hija de la reconocida clown suiza Gardi Hutter y del narrador y director teatral italiano Ferruccio Cainero. Desde niña estuvo vinculada al mundo artístico y comenzó a participar en proyectos de música, teatro, danza y artes de calle. Estudió Biología y Etnología en la Universidad de Neuchâtel, pero paralelamente desarrolló una intensa carrera musical. Su repertorio abarca estilos muy diversos, desde la canción de autor y el jazz hasta la cumbia, el reggae y la tarantela italiana. También ha trabajado en proyectos artísticos por Europa, América Latina y África. En CAMiNOS es la voz principal y una de las autoras de textos. Su estilo refleja la mezcla de influencias culturales que caracteriza al grupo, viajando musicalmente entre Europa, Latinoamérica y África.   Germain Chaperon es compositor, guitarrista, cantante y fundador de CAMiNOS. El proyecto está construido sobre sus composiciones originales y su visión artística. Su formación musical se centra especialmente en la guitarra flamenca, aunque incorpora influencias procedentes de la India, África, Europa del Este y América Latina. En el grupo desempeña múltiples funciones: compositor, arreglista, autor de textos, guitarrista y cantante. Su propuesta artística busca tender puentes entre culturas a través de un repertorio mediterráneo interpretado en occitano, español e italiano, enriquecido con elementos de jazz y músicas del mundo. Aunque suele ser presentado principalmente como guitarrista, en distintos proyectos también ha utilizado instrumentos de cuerda afines a las tradiciones mediterráneas; algunas referencias lo mencionan asimismo como mandolinista dentro de su trayectoria musical. Su trabajo creativo es el eje sobre el que gira la identidad sonora de CAMiNOS.   CAMiNOS es una formación radicada en la región de Marseille que reúne influencias del flamenco andaluz, músicas mediterráneas, jazz y tradiciones de distintas partes del mundo. La banda está integrada por Germain Chaperon, Neda Cainero, Marek Eichler y Sven Clerx. En 2026 publicaron su primer EP homónimo, Caminos.

El escritor peruano Gustavo Faverón Patriau publica en la editorial francesa Christian Bourgois la traducción de su novela “Vivir abajo” novela considerada como la más importante del siglo XXI en lengua española. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Gustavo Faverón Patriau es un destacado novelista, ensayista, crítico literario, periodista y académico peruano, considerado una de las voces más importantes de la literatura peruana contemporánea. Nació en Lima el 31 de diciembre de 1966 y creció en el distrito de La Punta, en el Callao. Desde temprana edad desarrolló una profunda afición por la lectura, influenciado por un ambiente familiar donde los libros ocupaban un lugar central. Estudió Literatura en la Pontificia Universidad Católica del Perú, institución en la que consolidó su formación humanística y su interés por la crítica literaria. Durante la década de 1990 trabajó intensamente en el periodismo cultural y político. Formó parte del diario El Comercio y llegó a dirigir la revista Somos. En los últimos años del gobierno de Alberto Fujimori participó activamente en el periodismo de oposición. En el año 2000 renunció a su cargo para trasladarse a Estados Unidos y continuar sus estudios de posgrado. Ingresó a la Cornell University, donde obtuvo una maestría y posteriormente un doctorado (PhD) en Literaturas Hispánicas con especialización en Literatura Comparada. Durante su estancia académica colaboró con la prestigiosa revista Diacritics y trabajó junto a reconocidos intelectuales y escritores latinoamericanos. Como escritor, Faverón ha desarrollado una obra diversa que incluye novela, ensayo, crítica literaria e investigación histórica. Entre sus libros de ensayo destacan Rebeldes, dedicado a las rebeliones indígenas en Hispanoamérica; Contra la alegoría; Puente aéreo; y El orden del Aleph. Asimismo, editó importantes volúmenes colectivos como Toda la sangre y Bolaño salvaje, este último en colaboración con Edmundo Paz Soldán. Su producción narrativa ha recibido amplio reconocimiento internacional. Su primera novela, El anticuario, obtuvo elogios de la crítica por su compleja estructura narrativa y su exploración de los límites entre realidad, memoria y ficción. Más tarde publicó Vivir abajo, considerada por numerosos críticos como una de las novelas latinoamericanas más importantes del siglo XXI. Esta obra fue finalista de la Bienal de Novela Mario Vargas Llosa y recibió elogios de medios y escritores de prestigio internacional por su tratamiento de la violencia política, la memoria histórica y las relaciones familiares. Posteriormente aparecieron las novelas Minimosca y Madame Vargas Llosa, que consolidaron aún más su trayectoria literaria. Además de su labor como escritor, Gustavo Faverón ha desarrollado una destacada carrera académica en Estados Unidos. Ha sido profesor invitado en la Stanford University y en Middlebury College. Desde 2005 está vinculado al Bowdoin College, donde actualmente se desempeña como profesor de Lenguas y Literaturas Romances y dirige actividades relacionadas con los estudios latinoamericanos. Sus investigaciones se centran en la literatura latinoamericana contemporánea, la representación de la violencia política, la enfermedad mental en la literatura y la obra de Jorge Luis Borges. La obra de Gustavo Faverón Patriau se caracteriza por la combinación de erudición académica, experimentación narrativa y reflexión histórica. Sus libros han sido traducidos a diversos idiomas, entre ellos inglés, francés, italiano, alemán, árabe, japonés y chino. Gracias a su producción intelectual y literaria, es considerado una figura fundamental de la literatura peruana y latinoamericana contemporánea, destacando por su capacidad para abordar temas como la memoria, la violencia, la identidad y el poder desde perspectivas innovadoras y profundamente críticas.

El escritor y periodista argentino Mariano Pacheco presentaba este domingo en el Centro Internacional de Cultura Popular de París su libro “Literatura y revolución”, ensayo sobre la literatura argentina comprometida del siglo XX editado por Nido de Vacas. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Mariano Pacheco nació en Quimes, la Zona Sur del Conurbano Bonaerense en 1980. Ha desarrollado una trayectoria vinculada al periodismo cultural, la investigación histórica, la filosofía política y los movimientos sociales argentinos. Durante varios años residió en Córdoba y colaboró con diversos medios gráficos, revistas culturales y proyectos de comunicación popular. Su formación fue en gran medida autodidacta, aunque cursó estudios en las carreras de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. También participó en experiencias de militancia social y política vinculadas a los movimientos populares surgidos en Argentina durante las décadas de 1990 y 2000. Entre sus libros más conocidos se encuentran: Montoneros silvestres (2014), una investigación sobre la resistencia militante durante la última dictadura argentina. Cabecita negra. Ensayos sobre literatura y peronismo, donde analiza la relación entre la literatura argentina y el peronismo. Kamchatka. Nietzsche, Freud, Arlt. Desde abajo y a la izquierda, dedicado a los movimientos sociales y las militancias populares. 2001. Odisea en el Conurbano. Darío Santillán, el militante que puso el cuerpo, del que fue coautor. Respecto de Literatura y revolución. Ensayos argentinos, publicado en 2026, el autor examina cómo la literatura argentina del siglo XX se relacionó con la política y los procesos revolucionarios. El libro analiza obras y trayectorias de escritores como Raúl González Tuñón, David Viñas, Manuel Puig, Néstor Perlongher, Ricardo Piglia y Juan José Saer, explorando cómo la escritura puede adquirir una dimensión política más allá de los temas o la militancia explícita. A lo largo de su obra, Pacheco ha trabajado de manera recurrente sobre las relaciones entre literatura, memoria histórica, movimientos populares, peronismo, izquierda y cultura política argentina, convirtiéndose en una voz reconocida dentro del ensayo político-cultural contemporáneo.

Los mexicanos Luisa Pardo y Lázaro Rodríguez de la compañía de teatro “Lagartijas tirada sal sol” y la actriz y directora cubana Mariam Montero presentan sus creaciones en el Festival de Teatro París Globe. Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. La obra que estrenan en París es Centroamérica, la última creación de “Lagartijas tiradas al sol”. Al igual que en otros trabajos anteriores del grupo, el proyecto se compone de un libro y de una obra de teatro. El libro como otra manera de compartir la investigación, lo que necesita quizás ser contado o asimilado de otra forma (el libro estará disponible para comprarlo en el masterclass que darán lxs artistas, abajo les compartimos la información). La obra como reflexión escénica. Para desarrollar, Luisa y Lázaro viajaron por distintos lugares de Centroamérica, especialmente por Guatemala, donde tuvieron varios encuentros con mujeres migrantes. La obra nace a partir de los viajes a esa región tan cercana a México y que, sin embargo, no aparece en los imaginarios ni en los relatos públicos de la mayoría de los mexicanos. La preponderancia de Estados Unidos en las fantasías de ese país, hace que ese territorio permanezca velado, aislado por unas fronteras al sur protegidas y cada vez más militarizadas. ------ La directora, actriz, escritora y artista visual cubana Mariam Montero se graduó del Instituto Superior de Artes y de la Escuela Nacional de Teatro de La Habana. Fundó su compañía, La Perla Teatro, en Cuba en 2016 y luego en Francia en 2023, dirigiendo diversos espectáculos que fusionan teatro, música, danza, artes visuales y cine. Estos son los primeros pasos cruciales hacia el desarrollo de sus primeras creaciones en Francia: una trilogía de espectáculos unipersonales que Mariam Montero presentará en Plateaux Sauvages. Cuatro semanas de exploración para esta artista multifacética, quien escribirá e interpretará esta primera historia —la suya propia— sobre una artista que aún busca su identidad en un nuevo país, sin encontrar del todo su lugar. Un primer paso que se dará durante una muestra de residencia que promete ser profundamente conmovedora… Cuba está experimentando el mayor éxodo masivo de su historia y se está vaciando a un ritmo alarmante. La Trilogía de Mujeres Cubanas presenta tres historias de migración, tres voces que resuenan entre sí, narrando la partida y la llegada a otros lugares, con la necesidad de crear nuevos rituales para el país de origen y reconstruir una vida en el país de destino. Tres poemas dramáticos entrelazados con performance, video y danza, enriquecidos con rituales yoruba, que reflejan la herencia africana de las actrices. Tres maneras de expresar la migración como mujer artista. La primera, Yo soy una denuncia, cuenta la historia de la propia creadora.

El escritor peruano Rafael Dumett presenta este jueves su libro de ensayos “Incas, espías y astronautas” en la asociación parisina de artistas “La vache bleue” y el viernes en la Universidad de la Sorbonne Nouvelle. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Rafael Dumett nació en Lima el 28 de julio de 1963. De madre de raíces ayacuchanas y padre ayacuchano quechuahablante descendiente de una familia que emigró desde Siria. Estudió en el colegio La Recoleta y posteriormente Lingüística en la PUCP. A los 18 años tras una crisis nerviosa abandona y universidad y viaja a Argentina. Al regresar al Perú, reanuda sus estudios universitarios y además, por consejo de uno de sus profesores, inicia estudios de teatro en el Teatro de la Universidad Católica, graduándose profesionalmente como actor luego de tres años. En 1990 Viaja a París, Francia, huyendo de la inestabilidad política y económica del Perú en ese entonces, donde continuó sus estudios de teatro en la Sorbona y vivió más de 8 años. Posteriormente se muda a California, Estados Unidos donde trabaja como profesor a tiempo parcial en la Universidad de San Francisco. Después de escribir el guión de la película Both (2005), Rafael Dumett decidió escribir una novela basada en la "Construcción del Personaje" de Konstantín Stanislavski, en la cual los personajes ensayan una obra de teatro que escribiría también como un anexo a la novela. Para la obra teatral investigó la vida del traductor indígena Felipillo y ante la cantidad de información descartó la idea inicial y escribió "El Espía del Inca" una novela que narra un intento de rescate del Inca Atahualpa. "El Espía del Inca", tardó 11 años en ser escrita. Inicialmente fue publicada en formato digital en el año 2012 y en 2018 fue publicada en papel por la editorial independiente Lluvia y luego por la editorial Alfaguara en 2021. El crítico literario Carlos García-Bedoya la considera la mejor novela peruana del siglo XXI y además una respuesta arguediana a la pregunta vargasllosiana “¿Cuándo se jodió el Perú?”. Su segunda novela "El Camarada Jorge y el Dragón" (2023) es el primer volumen de una saga en torno a la vida del político peruano Eudocio Ravines. Obra ganadora del Premio Nacional de Literatura del Perú del año 2024.

La cantante Jimena Gómez y el guitarrista Pablo Juárez Levar presentan su álbum “A duelo Criollo” este jueves en la Embajada de Argentina en Francia y el viernes en el Théâtre de la Terre de París Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Jimena Gómez es actriz y cantante criolla. Ha llevado a cabo varios trabajos como actriz de teatro musical como lo son en este último tiempo "La Desgracia", "Narices", "Tangos Mágicos" y "Benito de La Boca" (Complejo Teatral de Buenos Aires). Como cantante de música criolla, se encuentra cantando en el proyecto "A duelo criollo" junto al cuarteto de Pablo Juárez Levar, así como también difundiendo su material solista "Nodriza mía", junto al percusionista Patricio Pompozzi. Pablo Juárez Levar es guitarrista, arreglador y productor bonaerense. Desde el Tango como eje, aborda la estética más criolla del género interpretando Tangos, Milongas y Estilos como se puede apreciar en su primer EP solista titulado "Madera" (2021) y su simple de dúos "Tango y Triunfo" (2021), como así también en el trabajo que lleva junto a la cantante Jimena Gómez.

El realizador venezolano Edsel Sierralta acaba de volver del Festival de Cannes donde ha presentado ‘Gvantsa: el caso de la bailarina’ su primer largometraje que se estrenará el mes de agosto en Venezuela. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Edsel Sierralta es un realizador, director, productor y guionista venezolano originario de Barquisimeto, estado Lara. Pertenece a una nueva generación de cineastas venezolanos que han impulsado proyectos audiovisuales independientes utilizando recursos tecnológicos accesibles, especialmente el cine realizado con teléfonos móviles y producciones de bajo presupuesto con enfoque autoral y experimental. Su trabajo comenzó a ganar notoriedad internacional a partir de 2018 gracias al cortometraje Pálida, obra que lo llevó a participar en espacios asociados al Festival de Cannes y al Mobile Film Festival de Francia. Sierralta estudió Comunicación Social en la Universidad Fermín Toro y posteriormente realizó estudios especializados en cine en la escuela Cieca Escuela de Medios. Desde temprana edad mostró interés por el arte, la narrativa visual y la literatura, aunque no provenía de una familia vinculada directamente al medio cinematográfico. Durante sus primeros años en el audiovisual desarrolló proyectos experimentales influenciados por el cine de acción, el thriller psicológico y el lenguaje visual contemporáneo. Él mismo ha señalado influencias provenientes del arte venezolano, mencionando referencias visuales asociadas a Armando Reverón, César Rengifo y Macario Colombo. El gran impulso en la carrera de Sierralta ocurrió con el cortometraje Pálida (2018), filmado íntegramente con un teléfono celular Samsung Galaxy. La obra fue seleccionada entre más de 2.000 propuestas internacionales y quedó dentro de los 50 mejores trabajos del Mobile Film Festival de Francia. Gracias a ese reconocimiento fue invitado al programa “Tres días en Cannes” del Festival de Cannes en 2019, convirtiéndose en uno de los jóvenes representantes del cine venezolano contemporáneo presentes en el prestigioso evento francés. Pálida llamó la atención no solo por sus limitaciones técnicas convertidas en recurso artístico, sino también por demostrar que era posible realizar cine independiente en Venezuela en medio de dificultades económicas y tecnológicas. El corto narra una persecución vinculada al narcotráfico y utiliza un lenguaje visual dinámico y urbano. Sierralta ha estado vinculado a un movimiento creativo denominado “Acción”, cuya propuesta consiste en explorar nuevas formas de hacer cine utilizando herramientas digitales accesibles y narrativas contemporáneas. Parte de su discurso creativo gira alrededor de democratizar la producción audiovisual y fomentar el talento emergente venezolano. Su visión del cine está asociada al trabajo colectivo, la experimentación estética y la producción independiente. En entrevistas ha señalado que las limitaciones presupuestarias del cine venezolano obligan a los realizadores jóvenes a innovar técnicamente y replantear las formas tradicionales de producción cinematográfica. Posteriormente fundó la productora “Sierralta Films”, orientada tanto a la realización cinematográfica como a la formación de nuevos actores, directores y técnicos audiovisuales. Desde Barquisimeto impulsó talleres y programas de formación intensiva para jóvenes interesados en el cine. A través de esta iniciativa organizó cohortes de formación cinematográfica cuyos estudiantes desarrollaban cortometrajes que luego eran proyectados en salas comerciales venezolanas. Según declaraciones del propio director, el objetivo era profesionalizar talentos locales y construir una industria regional desde Lara hacia el resto del país.

La socióloga Anouk Guiné pertenece al comité editorial del libro "Violencia de Estado en el Perú" que se presente el miércoles 27 de mayo en la Maison de l'Amérique Latine de París en el marco de la Semana de América latina y el Caribe en Francia. Pero antes, junto al antropólogo guatemalteco Sergio Palencia, ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI.  La Dra. Anouk Guiné es socióloga, investigadora y profesora asociada en la Facultad de Asuntos Internacionales de la Université Le Havre Normandie. Forma parte del Groupe de Recherche Identités et Cultures (GRIC) y participa en redes internacionales dedicadas a los estudios de memoria, resistencia y ciudadanía. Su trayectoria académica se caracteriza por un enfoque interdisciplinario que articula sociología, estudios de género, teoría crítica y estudios poscoloniales. Sus investigaciones se concentran en los conflictos armados, la violencia de género, los movimientos sociales y las memorias colectivas, especialmente en América Latina y, de manera particular, en el conflicto interno peruano (1980-2000). Ha desarrollado estudios sobre violencia sexual en contextos de guerra, ciudadanía multicultural y feminismos decoloniales. Asimismo, su trabajo previo abordó el debate británico sobre la mutilación genital femenina entre comunidades migrantes africanas en el Reino Unido, mostrando un interés constante por los derechos humanos y las violencias estructurales.   Sergio Palencia es antropólogo y sociólogo guatemalteco, actualmente profesor asistente en el Departamento de Antropología de la William & Mary. Su formación combina estudios en sociología, antropología y teoría crítica realizados en Guatemala, México y Estados Unidos. Antes de incorporarse a William & Mary, impartió clases en instituciones como la City University of New York y universidades guatemaltecas, consolidando una trayectoria académica centrada en la historia social y política de Centroamérica. La obra de Sergio Palencia examina las memorias indígenas, las relaciones interétnicas, la formación del Estado y las experiencias de las comunidades mayas durante la guerra guatemalteca y la Guerra Fría en América Latina. Sus investigaciones integran antropología histórica, etnografía visual y economía política para estudiar los procesos de resistencia indígena y las formas de violencia estatal y colonial. Ha publicado libros y artículos sobre racismo, genocidio, movimientos indígenas y memoria histórica en Guatemala, destacándose por su compromiso con la recuperación de las voces y narrativas de las comunidades mayas.

El guitarrista peruano Riber Oré ofrece un concierto este viernes en la sala parisina Patronage laïque Jules Vallès que servirá de presentación de su nuevo disco “Corazón ayacuchano”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Riber Oré es un destacado concertista y compositor peruano especializado en guitarra andina y criolla. Nació en Lima, dentro de una familia de profundas raíces ayacuchanas y cajamarquinas, donde la música formó parte esencial de su formación desde la infancia. Su padre, Poli Oré, integrante del conjunto ayacuchano Evocación Huanta, fue su primer maestro y quien lo introdujo en las afinaciones y estilos tradicionales de la guitarra andina. Riber Oré comenzó a tocar guitarra a los 3 años y debutó públicamente a los 4 años de edad. A los 10 años ofreció su primer concierto en el Teatro Felipe Pardo y Aliaga. Más adelante perfeccionó su técnica con reconocidos maestros de la guitarra peruana como Carlos Hayre, Pepe Torres, Álvaro Lagos, Sergio Valdeos y Jaime Basulto. También recibió la influencia artística del legendario guitarrista ayacuchano Raúl García Zárate. Considerado desde joven como un “niño prodigio” de la guitarra, desarrolló una carrera internacional difundiendo la música peruana en América, Europa y Asia. Ha realizado conciertos en países como Japón, Estados Unidos, Francia, Suiza, España, Suecia, Noruega y Taiwán, llevando especialmente la guitarra andina peruana a públicos internacionales. Además de su labor como solista, ha participado en grabaciones y presentaciones junto a importantes artistas peruanos como Tania Libertad, Jaime Guardia, Diosdado Gaitán Castro, Daniel Lazo y Amanda Portales. En 2017 presentó su libro Guitarra Andina Contemporánea, una obra que reúne partituras, historia y elementos visuales relacionados con la música andina peruana. El libro fue publicado por el sello estadounidense Goin’ Native y consolidó su aporte académico y artístico a la guitarra peruana contemporánea. Su trayectoria ha sido reconocida por instituciones como el Congreso de la República del Perú y la UNESCO, debido a su labor de difusión de la música andina en el mundo. Actualmente también se dedica a la enseñanza musical mediante cursos y plataformas digitales de guitarra andina y criolla.

El guitarrista argentino Agustín Luna se presenta este jueves en la sala parisina Studio Cross Liner, concierto en el que interpretará obras propias y sus arreglos para guitarra de tangos celebres. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   Agustín Luna es uno de los guitarristas, compositores y arregladores más destacados de la música popular argentina contemporánea. Su trayectoria combina el virtuosismo técnico de la guitarra clásica con la sensibilidad expresiva del tango y el folclore argentino, convirtiéndolo en una figura reconocida tanto en Argentina como en escenarios internacionales. Nació en 1981 en la ciudad de La Plata. Desde muy joven mostró interés por la guitarra y comenzó sus estudios musicales con los maestros Marcelo Iglesias y Julio Azcano. Más adelante continuó su formación académica en el Conservatorio Provincial de Música “Luis Gianneo” de Mar del Plata, donde estudió con la profesora Silvia Castro. A los 18 años obtuvo un reconocimiento decisivo para su carrera al recibir el premio “Revelación” en el Festival de Baradero del año 2000, uno de los encuentros más importantes de la música popular argentina. Ese logro lo posicionó rápidamente dentro del ambiente guitarrístico nacional. Posteriormente participó en numerosas ediciones del festival Guitarras del Mundo, considerado uno de los eventos internacionales más relevantes dedicados a la guitarra. En paralelo a su actividad artística, profundizó sus estudios universitarios y en 2007 se graduó como Profesor de Música con orientación en guitarra en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Su formación académica fue fundamental para desarrollar un lenguaje musical sofisticado, caracterizado por el trabajo polifónico, los arreglos complejos y la integración de elementos clásicos dentro de la música popular. En 2008 se trasladó a Florencia para perfeccionarse en guitarra clásica con el maestro Edoardo Catemario. Esa experiencia europea amplió todavía más su visión artística y lo llevó a realizar giras y presentaciones en países como España, Italia, Estados Unidos, Brasil y Uruguay. Su estilo se caracteriza por unir la tradición argentina con influencias de compositores clásicos como Johann Sebastian Bach y Heitor Villa-Lobos. En sus interpretaciones se percibe un fuerte trabajo armónico y contrapuntístico, aplicado tanto al tango como a las chacareras, zambas y milongas. El reconocido músico Juan Falú definió a Agustín Luna como “un ejemplo a seguir” dentro de la excelencia guitarrística argentina, destacando su virtuosismo, sensibilidad y creatividad interpretativa. Entre sus trabajos discográficos más importantes se encuentra el álbum Cuerda al Aire (2011), editado dentro de la colección “Guitarras del Mundo”, donde interpreta arreglos propios de tango y folclore argentino. En ese disco participó como invitado Juan Falú. Más adelante lanzó San Telmo (2018), consolidando una propuesta artística más madura y personal. Además de intérprete, Agustín Luna es un destacado arreglador y compositor. Ha realizado versiones para guitarra de obras emblemáticas como “Adiós Nonino”, “La Trampera”, “Don Agustín Bardi”, “La Puñalada” y “Kilómetro Once”, además de composiciones propias como “Dos metros más allá”, “Chacarera de la yegua” y “De vuelo en vuelo”. En los últimos años ha desarrollado una intensa actividad internacional, especialmente en Europa, ofreciendo conciertos, clases magistrales y participando en festivales vinculados al tango y la guitarra. Su presencia frecuente en Francia y otros países europeos refleja el creciente interés internacional por su obra. La figura de Agustín Luna representa la continuidad de la gran tradición guitarrística argentina: una combinación de disciplina académica, raíz popular y búsqueda artística personal. Su carrera es también un ejemplo del valor del estudio profundo y del esfuerzo sostenido para alcanzar el virtuosismo musical.

El cantante, guitarrista y compositor argentino Valerio Rinaldi presenta el domingo 24 de mayo en la sala parisina Volver su proyecto “Sesenta años, sesenta canciones”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  Valerio Rinaldi es un guitarrista, cantante y compositor argentino vinculado al rock en español, el pop y la música electrónica. Comenzó su carrera musical a fines de los años 80 con la banda Trilogy, que llegó a presentarse como grupo invitado de Fricción en el mítico Palladium de Buenos Aires. Más tarde formó la banda Extra, con la que editó los discos No puedo parar de hablar y Presionados, este último grabado en Los Ángeles y publicado por BMG. Durante los años 90 también trabajó como guitarrista acompañando a Willy Iturri en distintas giras nacionales e internacionales. A comienzos de los 2000 integró el grupo Mestizo y luego inició su carrera solista con el álbum Sagitario, presentado en Nueva York durante el Latin Alternative Music Conference. En 2004 lanzó oficialmente el disco Vida Pop y continuó desarrollando una extensa carrera independiente. Entre sus trabajos posteriores destacan Amplificarse, Hasta el fin del mundo y El lago que rebalsó la gota. Su estilo combina influencias del rock argentino clásico, especialmente de Gustavo Cerati y Soda Stereo, con elementos electrónicos y acústicos. En los últimos años lideró el proyecto “Valerio & Los Extravagantes”, junto a Hernán Guerra y Mauro Galosi. Con esta banda grabó discos en vivo y trabajos como Inmunofluorescencia, explorando sonidos que van desde el funk pop hasta el soul y el rock alternativo. Además de su actividad artística, Valerio Rinaldi participó en giras por México, Estados Unidos y otros países, y colaboró con iniciativas solidarias vinculadas a la inclusión musical.

La cantante franco-española Almiña presenta el próximo 28 de mayo en la sala parisina La Java su primer EP que con el título ‘Yper’ nos muestra su universo “pop nostálgico”. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Almiña, artista franco-española, creció en una familia de músicos y amantes de la música, un entorno que despertó su sensibilidad artística y musical desde muy temprana edad. Desde pequeña, se sumergió en todos los estilos musicales, desde el soul hasta el rock, pasando por el pop francés y la música y los sonidos de muchos países del mundo. Con tan solo tres años, ingresó en el conservatorio de danza, cautivada por esta disciplina, que practicaría durante casi 15 años. También estudió clarinete, luego piano y más tarde guitarra, pero fue su trabajo vocal, a través del canto operístico y la música del mundo, que estudió en clases y talleres desde los 13 años, lo que la vinculó definitivamente a la música. Fue a esa misma edad cuando se enamoró de la composición. Se mudó a París en 2016 para comenzar el programa de composición de canciones en La Manufacture Chanson. Allí, descubrió la escena parisina de micrófono abierto, multiplicando encuentros y experiencias sobre el escenario. Fue durante este periodo cuando germinó la idea de desarrollar su proyecto musical, fusionando música, voz y estética visual, un aspecto esencial para esta apasionada del arte, la moda, la pintura y la fotografía. En 2019, se unió a Les Glottes Trotters, y bajo la dirección de Martina Catella profundizó su desarrollo vocal y físico, revelando su identidad vocal, que se volvió más rica y segura. Perfeccionó sus habilidades con artistas de la escena parisina durante varios años y formó un dúo de voz, clarinete y guitarra con Jordan Garcia, interpretando composiciones propias y versiones, que presentó en numerosas ocasiones en París. En 2023 decidió lanzar su primer proyecto, YPER, que comenzó con su colaboración con el pianista Thibaud Lalanne, se desarrolló con el lanzamiento de su primer EP, publicado el 23 de octubre de 2025, con el apoyo de la asociación artística 11BIS MUSICS, y continúa hoy con la fiesta de lanzamiento del proyecto, que tendrá lugar el 28 de mayo de 2026 en Java Belleville.

El periodista y locutor argentino Martín Berrade acaba de publicar en la editorial argentina Remitente Patagonia su libro “Speakers. Historia de la locución argentina”. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   Martín Berrade nació en Mar del Plata en 1976. Es Licenciado en Comunicación Audiovisual (UNSAM) y Locutor nacional egresado de COSAL. Como locutor, productor, periodista y conductor trabajó en LU6 Radio Atlántica y KLA de Mar del Plata; Mitre, Continental, Del Plata, Nacional, América, Libertad, Metro y Federal, entre otras emisoras de Buenos Aires. Además, fue conductor de espacios culturales en WCMQ Clásica FM y doblajista del estudio BVI de Miami. En televisión se desempeñó como columnista del noticiero América Rural, presentador de C5N y panelista de Estudio País 24 (Canal 7). Fue Director de Noticias de la TV Pública de Chubut. Actualmente es coordinador de #LA17 de Puerto Madryn, docente de la carrera de Locución en el Instituto Superior de Formación Docente Artística 805 de Trelew (adscripto al ISER) e integrante del Consejo Directivo de la Asociación Radiodifusoras Privadas Argentinas (ARPA). En 2009 publicó el libro El Mundo, la radio...Un recorrido por el esplendor de la BBC argentina (Ediciones Corregidor) y en 2022 Juan Carlos Del Missier. El señor de la radio (Remitente Patagonia) en coautoría con Quique Figueroa.

Eduardo Tábara, presidente de la Fundación del artista ecuatoriano Enrique Tábara, ha venido a París tras las huellas dejadas por su padre entre los años cincuenta y sesenta en los que vivió y trabajó en Europa. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.   Eduardo Tábara Castro, es el penúltimo hijo de los 11 que tuvo el artista ecuatoriano Enrique Tábara, quien antes de morir dejó instrucciones precisas, señalando que debía ser éste quien asumiera la dirección de la Fundación Enrique Tábara y el desarrollo de los proyectos destinados a preservar, investigar y difundir su obra. Eduardo es también cofundador y representante de ALMA (Asociación de Legados de la Modernidad Americana) una red que agrupa más de 40 legados artísticos de 14 países. Actualmente, trabaja en conjunto con instituciones culturales y diplomáticas de Europa y América Latina para preparar una exposición internacional en el Art Museum of the Americas en Washington DC este 2026. Como Presidente de la Fundación Enrique Tábara, lidera iniciativas enfocadas en la preservación, investigación y difusión del legado del maestro Enrique Tábara. Gestiono proyectos como el Archivo Documental Enrique Tábara, que reconstruye la trayectoria artística del maestro en Europa y coordina la certificación y registro de sus obras mediante metodologías archivísticas avanzadas. 

El pianista y compositor argentino Lalo Zanelli acaba de publicar en el sello francés Buda Musique su nuevo álbum ‘Solar’ con la Orquesta Modulable La Buena Unión. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Compositor, pianista y arreglador, Lalo Zanelli nació en Buenos Aires en 1959, se formó a la guitarra en autodidacta y tocó en grupos de rock locales desde los 13 años. Estudia piano con Rubens Vitale y Nessy Mur, composición con Luis María Corallini. Se trasladó a París en 1983 y continuó su formación en la Ecole Normale de Musique en la clase de Composición de Música de Cine dirigida por Laurent Petit Girard , obteniendo la Primer premio por unanimidad en 1985. También estudia música electroacústica en INA GRM, arreglos en el CIM con Ivan Jullien. Sigue las enseñanzas de François Jeanneau, Lalo Zanelli funda el grupo OMBU en 1992, con Minino Garay a la batería, Line Kruse al violín, Glaucus Linx al saxo, Fabrizio Fenoglietto al contrabajo, Eduardo García al bandoneón y Eddy Tomassi a la percusión. Graban un disco homónimo "OMBU" (1996), que forma parte de la selección de los mejores discos "World Music" 1997 de Jazz Magazine y Le Monde de la Musique. En 2008 nace una nueva formación: Lalo Zanelli al piano y voz, Tomas Gubitsch a la guitarra, Juanjo Mosalini al bandoneón, Carlos Tero Buschini al bajo y Martin Bruhn a la batería. Ombù actúa regularmente en Francia, Europa y Buenos Aires.  En 2010, los cinco músicos de Ombù se reunen en el prestigioso estudio La Buissonne para grabar “Memoria colectiva” (Buda Musique, distribución Francia: Universal). En 2013 forma un nuevo equipo con Bruno Bongarçon a la guitarra, Pablo Gignoli y Lysandre Donoso al bandoneón, Fabrizio Fenoglietto al contrabajo y Javier Estrella a la batería. Su tercer álbum Inmigrantes fue lanzado en mayo de 2016. (Buda Musique, distr. Francia: Socadisc. ​Actualmente, está escribiendo orquestaciones para un proyecto de creación de una orquesta de tango con sus propios tangos .

La cantante argentina Lilí Gardés ha venido a París en el marco de su gira europea para presentar su nuevo álbum “Mis otros yo” que la llevará a varias ciudades alemanas y a los Países Bajos. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI acompañada por Gianni Sabbione, músico, compositor, letrista y director escénico, y Alan Puyol compositor, arreglador y pianista del Teatro Colón y el Teatro San Martín quienes forman el Lilí Gardés Trio. Lilí Gardés es una cantante, compositora, letrista y performer argentina vinculada al movimiento del tango electrónico o neotango contemporáneo. Su obra se caracteriza por fusionar el tango tradicional rioplatense con elementos de música electrónica, pop, rock y ritmos latinos, creando una propuesta artística moderna que mantiene la sensibilidad poética del tango clásico mientras la proyecta hacia nuevas generaciones. Nacida y formada en Buenos Aires, Lilí Gardés comenzó su relación con el tango desde muy joven. Según contó en entrevistas, desde niña participaba en coros escolares y estudiaba guitarra. Su apellido artístico surgió como un apodo relacionado con su admiración por Carlos Gardel: la llamaban “La Gardés” o “La Gardelita”, sobrenombre que finalmente adoptó como nombre artístico por la fuerte identificación emocional y cultural que sentía con el tango. Su carrera profesional comenzó alrededor de 2013 con el lanzamiento de su primer álbum, titulado Uno. En esa etapa inicial, su sonido estaba más cercano al tango tradicional, aunque ya incluía composiciones propias y búsquedas sonoras contemporáneas. Con el tiempo, Gardés empezó a distanciarse de las formas más conservadoras del género y desarrolló una identidad artística más experimental. Ella misma explicó que no se sentía cómoda dentro de los límites rígidos del tango clásico y que necesitaba “crear y recrear” antes que limitarse a interpretar repertorio tradicional. El verdadero punto de consolidación de su estilo llegó con su segundo álbum, Acostumbrarse no es bueno, publicado en 2018. Este trabajo marcó un giro definitivo hacia el electrotango y la fusión musical. El disco combinó bandoneón, sintetizadores, electrónica suave y ritmos latinos, junto con letras propias cargadas de introspección, crítica social y sensibilidad urbana. La cantante declaró que recién en ese segundo trabajo sintió haber encontrado su verdadera identidad artística. Dentro de la escena del tango contemporáneo, Lilí Gardés se destacó por proponer una visión abierta y multidisciplinaria. Sus conciertos no se limitan únicamente a la música: incluyen elementos teatrales, intervenciones poéticas, performances visuales y un cuidado diseño de vestuario y estética escénica. Esta concepción integral del espectáculo busca acercar el tango a públicos jóvenes y romper el prejuicio de que el género pertenece solamente al pasado o a sectores tradicionales. Musicalmente, su propuesta se inscribe dentro del movimiento del electrotango, corriente surgida a fines de los años noventa y comienzos de los 2000, impulsada internacionalmente por proyectos como Gotan Project, Tanghetto, Narcotango y Bajofondo. Este género mezcla estructuras del tango con beats electrónicos, ambientaciones digitales y producción moderna. Lilí Gardés ha participado en numerosos festivales y escenarios importantes de Argentina y Uruguay. Fue artista destacada del Festival de Tango de Buenos Aires en 2021 y 2022, y también formó parte del Electrotango Buenos Aires en 2022 y 2023. Además, actuó en el Festival Tango Vivo y en diversos espacios emblemáticos del circuito tanguero porteño como Torquato Tasso, La Viruta Tango Club, Centro Cultural de la Cooperación y La Catedral. También compartió escenario y colaboró con referentes del tango electrónico contemporáneo, entre ellos Tanghetto, Otros Aires y Narcotango. Asimismo, participó como cantante invitada del proyecto San Telmo Lounge y colaboró con artistas emergentes como Nahuel Santos. En los últimos años, Gardés ha ampliado su proyección internacional. En 2025 realizó presentaciones en Europa con su formato de trío neotango, acompañado por Gianni Sabbione y Alan Puyol, mostrando adelantos de un tercer álbum en preparación. Su música continúa explorando cruces entre tango, electrónica, world music y canción urbana contemporánea. Más allá de lo musical, Lilí Gardés se ha convertido en una de las voces representativas del tango contemporáneo femenino e independiente. En varias entrevistas habló sobre las dificultades de abrirse camino en ambientes tradicionalmente masculinos y conservadores dentro del tango, defendiendo la autogestión artística y la necesidad de renovación estética del género.

La realizadora mexicana Valentina Leduc presentaba este miércoles en el cine La Clef de París y el jueves en la Escuela de Artes Decorativas su película “Los sueños que compartimos” en la que nos ofrece una mirada llena de esperanza a través de un mundo nuevo a partir de la organización comunitaria. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Valentina Leduc Navarro nació en Ciudad de México en 1969. Es considerada como una de las editoras más reconocidas del cine en México. La mirada y la propuesta narrativa de Valentina Leduc Navarro han quedado impresas en largometrajes como La Vocera, Luciana Kaplan (2020); Cartas a distancia, de Juan Carlos Rulfo (2020); Temporada de Campo, de Isabel Vaca (2020) Lorena, la de pies ligeros, de Juan Carlos Rulfo (2019); Sonora, de Alejandro Springall (2018); Locura al Aire, de Alicia Cano (2017); Plaza de la Soledad, de Maya Goded (2015); Las oscuras primaveras, de Ernesto Contreras (2013); Carrière, 250 mts. de Juan Carlos Rulfo (2011), Vuelve a la vida, de Carlos Hagerman (2013); Tiempo Suspendido, de Natalia Bruschtein (coedición, 2013); Los que se quedan, de Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman (2008), Cobrador, In God We Trust, de Paul Leduc (2006), y En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo (2006), por mencionar algunas. Ha recibido el Ariel de la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas en cuatro ocasiones: como directora, con los cortometrajes Un volcán con lava de hielo y La historia de I y O, y como editora con En el Hoyo, de Juan Carlos Rulfo, y Las Oscuras Primaveras, de Ernesto Contreras. Ha sido nominada al premio Ariel como Mejor Edición en otras cinco ocasiones con las cintas: Cobrador: In God We Trust (2006), Carrière, 250 metros (2011), Plaza de la Soledad (2016), Sonora (2018) y La Vocera (2020). Ha participado como jurado en diversos festivales nacionales e internacionales, e impartido seminarios y Master Clases tanto en México y como en el extranjero. ¨Los sueños que compartimos¨ es su primer largometraje como directora.

El artista argentino Ricardo Mosner, miembro de “El colectivo” -colectivo compuesto por artistas mayoritariamente argentinos en Francia- nos presenta su nueva exposición que acaba de inaugurarse en la Galería Jorge Alyskewycz de París con el título de “Las pasiones de la razón & viceversa” en El invitado de RFI con Jordi Batallé. Ricardo Mosner (Buenos Aires, 1948), quien vive y trabaja en París desde 1972, es un artista contemporáneo. Con este término quiero decir que es un artista auténticamente de su tiempo. No habiendo querido encerrarse o limitarse nunca a una sola actividad, Mosner ha incursionado desde 1970 —gracias a su desbordante curiosidad sin prejuicios y con una libertad que no admite ninguna restricción— en el teatro, el video, el afiche cultural y publicitario, así como en la radio y la ilustración, sin nunca faltar a su pasión central, motor de su energía: su triple actividad de pin tor, escultor y grabador. Esta versatilidad, que algunos pueden reprobar en nombre de una especialización (con frecuencia cas tradora), o de una identificación simplificadora, hace parte de su na turaleza inmutable. Bulímico, antropó fago dentro de la más pura tradición latinoamericana (Picasso u otros se esbozan en ocasiones, como en Trébol) , Ricardo Mosner es, sin embargo, un artista atormentado por la obsesión y la inquietud. Sus interrogacio nes sobre las relaciones entre el hombre y el mundo le han llevado a colocar la figura humana en el centro de sus preocupaciones formales y es téticas. Eje y pedestal de su indagación esencial, la figura humana es triturada, amasada, estirada, recogida, cortada, desdoblada, sigue siendo humana. Reinventada con ins pirateación y con cierta malicia, el sopor te puede ser el lienzo, el cartón, el hierro, la madera, el alambre, el yeso, el papel. Los pigmentos son trabaja dos al máximo de su potencial, den tro de una gestualidady un deseo de experimentación que le permiten a Mosner establecer un registro Infinito de actitudes, de fisionomías y de caracteres. Sin caer nunca en la repetición o la rutina, sin querer adherirse al arte bruto o limitarse a la sola fi guración narrativa, sino más bien manchando al lado de un Baselitz, un Clemente o un Lupertz, en la tradición de la década de 1980, pero con humor y ternura. Su vena carica turesca lo acerca a la obra de Anto nio Seguí, con quien comparte esa constante del espíritu pictórico argentino. Lo que caracteriza y hace interesante el arte de Mosner es que no va en contra del famoso adagio libertario del poeta: "Haz lo que te plazca". El mundo urbano de Mosner no está organizado en trama, como, por ejemplo, en la obra de Seguí; su desorganización, que es sólo aparente, es más bien el resultado de lo que podría llamarse su generación espontánea. El rostro se descompone para reconstruirse mejor, en sinuosidades y curvas. Sin embargo, esta aparente facilidad es el fruto de un trabajo constante de búsqueda y de introspección sobre la expresión del cuerpo y del rostro, y las manos en particular. La misma fobia al vacío reaparece en los bosques y dibujos de sus innumerables cuadernos, verdaderos trazos entrelazados (o escritura automática) de objetos orgánicos. La proliferación y prolijidad de personajes (tintas) que recubren sus cuadernos son a la vez el preludio y el alter ego de sus lienzos, en donde, de manera diferente pero continua, el artista abrevia la forma y la materia, en búsqueda de la individualización del personaje y su densidad. Los hombres (o las mujeres) están solos sobre el lienzo, sin contexto, sin escolta iconográfica, sin ninguna posibilidad de una pista sociológica o antropológica (objetos, naturaleza) para el espectador, aunque la influencia de la danza y el teatro es omnipresente ( Las 3 noches y Envueltos , técnica mixta sobre papel, 1998 y 1999). El hombre está solo consigo mismo y con la mirada del otro. Él es a veces torpe y miedoso, su cuerpo es macizo, apenas esbozado o, por el contrario, muy trabajado. Sus capacidades de pintar, dibujar, recortar, pegar y ensamblar hacen de Ricardo Mosner un artista y un artesano del placer y de la libertad. En la fuerza y ​​la debilidad mezcladas de la forma y del "objeto", nada de lo que es humano le es ajeno. CHRISTINE FRÉROT

El artista argentino Octavio Blasi inaugura este viernes 8 de mayo su exposición ‘Ida y vuelta’ en la Galería Argentina de París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Octavio Blasi ha nacido en Cordoba, Argentina en 1960. Su trayectoria se ha tejido entre la exploración estética y una profunda conexión con su contexto cultural. Nacido en Argentina, su infancia estuvo marcada por la curiosidad y la observación constante del entorno, elementos que más tarde se transformarían en el motor de su obra. Desde joven mostró inclinación por las artes visuales, encontrando en el dibujo y la pintura no solo un medio de expresión, sino una forma de comprender el mundo que lo rodeaba. A medida que fue creciendo, Blasi comenzó a desarrollar un lenguaje propio. Sus primeras obras reflejaban una búsqueda intensa, en la que experimentaba con materiales, formas y colores, sin miedo a equivocarse. Esta etapa de exploración fue clave para definir su identidad artística: una mezcla de sensibilidad, introspección y una mirada crítica sobre la realidad. Con el tiempo, su trabajo empezó a ganar reconocimiento en circuitos locales. Exposiciones en galerías y espacios culturales le permitieron entrar en diálogo con otros artistas y con el público. En estas instancias, su obra fue consolidándose como una propuesta auténtica, capaz de generar preguntas más que respuestas, invitando a quien la observa a detenerse y reflexionar. La producción de Blasi se caracteriza por una tensión constante entre lo figurativo y lo abstracto. En sus piezas, los límites entre ambas dimensiones se difuminan, dando lugar a composiciones que parecen estar en permanente transformación. Esta ambigüedad no es casual: responde a su interés por capturar la complejidad de la experiencia humana, aquello que no siempre puede ser nombrado con claridad. A lo largo de su carrera, ha atravesado distintas etapas creativas, cada una marcada por cambios en su técnica y en sus preocupaciones temáticas. Sin embargo, hay un hilo conductor que permanece: la necesidad de explorar lo invisible, de dar forma a emociones, recuerdos y tensiones internas. Su obra, en este sentido, puede leerse como un diario visual, una cartografía íntima de su propio recorrido. Más allá de las exposiciones y el reconocimiento, Octavio Blasi continúa trabajando desde un lugar de búsqueda. Lejos de instalarse en fórmulas seguras, su práctica artística se mantiene abierta, en constante transformación. En cada nueva obra, parece volver a empezar, como si el arte fuera, para él, no un destino, sino un camino que se recorre una y otra vez.

El poeta mexicano Audomaro Hidalgo acaba de publicar “Matière noire / Materia oscura” libro en versión bilingüe en la editorial francesa Editions Phloème. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo.    Poeta, ensayista y traductor mexicano, Audomaro Hidalgo estudió Literatura Hispanoamericana en la Universidad Nacional del Litoral unl, en Santa Fe, Argentina. Maestro en Literatura por la Universidad de La Havre en Francia.  Fue becario de la Fundación para las Letras Mexicanas flm y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes fonca, del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Tabasco, del Programa de Apoyo a la Creación y Desarrollo Artístico pecda de Tabasco y del Programa de la Unión de Universidades de América Latina. Obtuvo el Premio Tabasco de Poesía José Carlos Becerra en 2013 y el Premio Nacional de Poesía Juana de Asbaje en 2010 con el libro El fuego de las noches. Dirigió  durante cinco años el Encuentro Iberoamericano de Poesía "Carlos Pellicer", celebrado en Villahermosa. Reside en Francia desde 2016.

El flautista chileno Boris Rojas Oyanedel presenta el 9 de mayo en un con cierto en la iglesia Sainte-Thérèse des Joncherolles de Saint Denis su nuevo álbum dedicado a obras para flauta solo de Bach. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   Boris Rojas Oyanedel, flautista chileno con maestría en el Conservatorio Regional en Francia y ex estudiante del Liceo Experimental Artístico de Santiago de Chile, es actualmente profesor en el Conservatorio de Saint Denis, localidad aledaña a París. 

El escritor chileno José Francisco Robles acaba de presentar en la librería parisina SMD Books su novela “Historia de la lluvia” que ha editado en español las Ediciones Equidistancias. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El Invitado de RFI para presentárnosla.    José Francisco Robles nació en Santiago de Chile en septiembre de 1979. Entre sus publicaciones destacan los libros Polemics, Literature, and Knowledge in Eighteenth-Century Mexico: A New World for the Republic of Letters (Oxford, 2021), ganador del Louis Gottschalk Prize 2022, los libros de poesía Especies (Granada, 2022) y La isla blanca (Santiago, 2024). Ha estado a cargo de la edición y co-traducción de una selección poética de Vicente Huidobro, Poetry is a Celestial Attack / La poesía es un atentado celeste (Santiago-Barcelona, 2022) y de la edición de Se escribe en español: una antología poética del Puget Sound (Seattle, 2025). Ha participado en diversos proyectos literarios y académicos tanto en América Latina como en Estados Unidos. Vive en Seattle donde enseña literatura latinoamericana en la Universidad de Washington.

El escritor venezolano Pedro Plaza Salvati presentaba el pasado viernes su libro “La vida interrumpida, crónicas de un regreso a Caracas” en la Maison de l’Amérique Latine de París con la participación del escritor y editor venezolano Gustavo Guerrero. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Pedro Plaza Salvati nació en Caracas, Venezuela en 1967. Se graduó cum laude en Estudios Internacionales en The American University de Washington D. C., y cursó una maestría en Escritura Creativa en la Universidad de Nueva York y un máster en Creación Literaria en la Universidad Pompeu Fabra. Es autor de las novelas Broadway-Lafayette: el último andén, El hombre azul y El lugar de las nubes, así como del libro de cuentos Decepción de altura. Su obra Lo que me dijo Joan Didion: crónicas de Nueva York obtuvo el XVI Premio Anual Transgenérico de la Fundación para la Cultura Urbana, Venezuela, Finalista del 69º Concurso de Novela Ciudad de Valladolid. Autor de las novelas Broadway-Lafayette: el último andén, El hombre azul y El lugar de las nubes, así como del libro de cuentos Decepción de altura. Ha publicado crónicas y artículos literarios en Zenda Libros, Hedónica, Prodavinci, Asymptote, Latin American Literature Today, Papel Literario, Ficción Breve y Buensalvaje.

El fotógrafo peruano Javier Silva Meinel acaba de inaugurar en la Maison de l’Amérique latine de París la exposición “Umbrales” en la que muestra su trabajo fotográfico de casi medio siglo. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI acompañado por Alejandro León Cannock, comisario de la muestra. Javier Silva Meinel nació en 1949 en Lima, donde reside y trabaja actualmente. Está representado por la Galería Younique. Javier Silva Meinel es una de las figuras más destacadas de la fotografía peruana y latinoamericana. Su obra dialoga con los fotógrafos más importantes de su generación, como Graciela Iturbide, Juan Carlos Alom, Paz Errázuriz y Fernell Franco. Decidió dedicarse a la fotografía a mediados de la década de 1970. Posteriormente, se vinculó al movimiento que surgió en torno a la ya legendaria Fotogalería Secuencia, fundada en Lima por Fernando La Rosa en 1977. Durante más de cuarenta años, ha recorrido el Perú, creando una obra en blanco y negro de gran intensidad, donde retratos, paisajes y rituales exploran las conexiones entre la humanidad, el territorio y lo sagrado. Trabajando con el formato cuadrado de la película de gelatina de plata como un espacio geométricamente equilibrado, transforma la realidad en un reino espiritual. Nutrido por la cosmovisión andina y una conexión íntima con sus sujetos, su obra, impregnada de un sentido de lo insólito, trasciende lo visible para abrir un umbral a lo invisible. Las fotografías de Javier Silva Meinel forman parte de numerosas colecciones institucionales, entre ellas el Museo de Arte de Lima (Malí), el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Lima, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo de Brooklyn, el Museo de Phoenix, el Museo del Quai Branly – Jacques Chirac y la Biblioteca Nacional de Francia (BnF), así como de numerosas colecciones privadas en Perú, Estados Unidos y Europa.

La pianista argentina Lucia Abonizio presenta en la sala parisina “Les rendez-vous d’ailleurs” el espectáculo ‘El Aleph, Tango y laberintos” con el trio Monumental Tango. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Nacida en Rosario (Santa Fe), Argentina, y de una familia de músicos, Lucia Abonizio eligió París como su lugar de inspiración y residencia. Su formación clásica de piano comenzó en la Universidad de Música de Rosario en Argentina, donde recibió una sólida educación con Aldo Antognazzi, quien a su vez fue alumno de Arturo Benedetti Michelangeli. Continuó sus estudios en París con Jacqueline Bourgès-Maunoury. Diplomas y primeros premios se sucedieron rápidamente: Primer Premio de Piano de la Televisión Argentina, Primer Premio otorgado por unanimidad en el Conservatorio Nacional de Gennevilliers, y diplomas estatales en Argentina y Francia para la enseñanza del piano. Actúa como solista y en varios conjuntos instrumentales en Alemania, Luxemburgo, Italia, Suiza, Francia, Argentina y Brasil, y participa en numerosos festivales como "Piano en Creuse" y "Un Printemps en Hiver". "Jueves Musicales en Iglesias Románicas"; "Festival de Tango de Conflans"; "Festival de Tango de Poitiers"; “Festival Internacional de Ópera de Río de Janeiro”; “Musiques en Valois”, entre otros. Ha sido invitada varias veces en la Maison de la Radio (“Sur le pont des artistas”) y “Les Démons de midi”, y en el canal de televisión francés TV5 (“Paris Lumières”). Actualmente, compagina su actividad musical con la enseñanza. Profesora titular de piano en el departamento de Hauts-de-Seine, comparte con sus alumnos su pasión por la cultura musical argentina y latinoamericana. Por consiguiente, su programa ofrece un repertorio con gran potencial rítmico y melódico. Como docente, impulsó el proyecto "Alrededor del Tango", que integra la teoría musical con las clases de instrumento. Imparte clases magistrales sobre este proyecto en diversas instituciones, como los Conservatorios Regionales Nacionales (CNR) de Poitiers, Boulogne-sur-Mer, Verrières-le-Buisson y Le Plessis-Robinson. Ha sido artista residente en la región de Pays de Valois y en los Conservatorios Regionales Nacionales (CNR) de Clamart y Saint-Denis. Es responsable de la dirección pedagógica del taller de verano «Música Clásica y Latinoamericana», organizado por la Association des Rencontres Symphoniques (ARS) en Vercors, y del taller de «Tango Argentino» en el Château de Ratilly. Publicaciones más recientes: «Método de Piano-Tango», vol. 1 y vol. 2. Editions Gérard Billaudot.

La realizadora argentina Marina Rubino presentaba este lunes en la Maison de l'Amérique Latine de París su película “Yvonne” en la que cuenta la historia de Yvonne Pierron, sobreviviente a la desaparición de dos religiosas durante la dictadura argentina. Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI.   Marina Rubino es una artista visual, cineasta y docente argentina. Desde 1994 trabaja en diferentes productoras de contenido audiovisual como archivista, asistente de dirección, de producción, de montaje, al tiempo que participa de exhibiciones de artes visuales en galerías de arte, museos y centros culturales. Es fundadora de Grupo Documenta, colectivo de artistas, profesionales, docentes y técnicos con trayectoria en el ámbito audiovisual desde el año 2001. Dirigió dos largometrajes: “Tunteyh o el rumor de las piedras” (2014), estrenado en el Festival Internacional de cine de Mar del Plata, e “Yvonne” (2019) estrenado en el Festival Internacional del nuevo cine latinoamericano de la Habana. Estos largometrajes fueron proyectados en salas de cines, festivales internacionales de cine, centros culturales, bibliotecas, ollas populares, entre otros, recibiendo premios y menciones. Realizó las videoinstalaciones “La Colección”, “Niño Bandera”, y los cortometrajes “Cielo Abierto”, “Mi amigo José”, “Prólogo”, “Wichí del monte y del río”, “Nocturno a mi barrio”, "Cuarto oscuro". Realizó la producción de los largometrajes “Mal del Viento” (2012), “La Ceremonia” (2014), “Nuestro Mundo Anuhu Yrmo” (2016), “Los Relocalizados” (2016) y “Fui Alan por un año” (2021). En este momento está desarrollando dos proyectos de largometraje: "Escala de grises", con dos sobrevivientes del campo de concentración ESMA de la dictadura en Argentina y "El tiro por la culata", vinculado al tema de la desaparición de las monjas francesas Alice Domon y Leonie Duquet en Argentina durante la dictadura cívico militar.  Yvonne Pierron fue una religiosa francesa nacida en 1928 en Alsacia que dedicó su vida a ayudar a los más pobres. En 1955 se trasladó a Argentina como misionera, donde trabajó como maestra y enfermera, viviendo junto a comunidades vulnerables como campesinos e indígenas. Su compromiso estuvo siempre centrado en la justicia social y la dignidad humana. Durante la dictadura militar argentina (1976–1983), defendió activamente los derechos humanos. Fue cercana a las religiosas francesas Alice Domon y Léonie Duquet, quienes fueron secuestradas y asesinadas por el régimen. Debido a la persecución, Yvonne Pierron tuvo que huir del país en 1978.

El cantante senegalés Daouda Diabaté, afincado desde hace años en España en un valle de los Pirineos, ha venido a Francia a presentar su álbum “A new day” -un nuevo día- verdadero mensaje de esperanza para África y para el mundo. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Daouda Diabaté, nacido en Ziguinchor, Casamance (Senegal), en 1974, proviene de una familia de Jaly, término que significa griot en francés. Inició su carrera musical a los 14 años, inspirado por la rica herencia cultural de su familia. Su filosofía musical, llamada abedical en mandinka, significa "dar lo mejor de uno mismo". Un proverbio africano dice que cualquiera puede convertirse en griot; solo hay que aprender. Pero uno no se convierte en Jaly por elección: se nace con este arte y con este deber de compartir la memoria en África. Así, los Jaly nacen en esta tradición y no pueden eludir la misión que se les ha encomendado. Algunos nombres predestinan a alguien al arte. Este es el caso de la familia Diabaté. Ciertamente, no es Sékou Diabaté de Bembeya, virtuoso de la guitarra apodado por la BBC "el hombre del dedo de diamante", quien nos contradirá, ni ningún otro miembro del linaje Diabaté. Cabe destacar que Daouda Diabaté nació en el seno de las familias Diabaté y Kouyaté, confirmando el dicho de que "la sangre habla". Otro proverbio dice que del hijo de un elefante se espera mucho más que un gran peso. Desde los 14 años, Daouda Diabaté supo que tenía una misión: aportar su toque personal a la herencia musical africana que su nombre ha perpetuado durante siglos. "Me crié con los sonidos y el concepto de la música abedical. Esto refleja la filosofía de mi enfoque artístico. Abedical significa literalmente en mandinka: 'Prometer dar lo mejor de uno mismo'. Mi música es abierta, de carácter universal. Demuestra que la música no tiene fronteras; se trata de atreverse a cruzarlas. Canto en francés, mandinka, wolof, inglés y español, colaborando con músicos que comparten mi sensibilidad musical, la que quiero mostrar". » Hace unos ocho años, se instaló en España, en Vielha, en el Valle de Arán, donde continuó su carrera musical y colaboró ​​con músicos locales.

El Power Tango Trio, compuesto por los guitarristas argentinos Javier Díaz González y Fabián Cortes y la contrabajista francesa Inés de Montesquieu, se presenta este viernes en la sala parisina Théâtre de la Terre. Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Javier Díaz González nació en Buenos Aires. Guitarrista autodidacta. Compartió escenarios y grabaciones con las figuras más destacadas del Tango: Virginia Luque, Ernesto Baffa, Osvaldo “Marinero” Montes, Nelly Vázquez, Sandra Luna, Paco Peñalba, Juan Carlos Godoy Ricardo “Chiqui” Pereyra, Daniel Cortés, Carlos Morel, Walter “Chino” Laborde, Cucuza Castiello, Viviana Scarlassa, y muchos más. Ha actuado en escenarios de Buenos Aires, todo el interior de Argentina, Santiago (Chile) y Granada (España). Grabó mas de 20 discos. Ha sido también guitarrista estable de la emisora radial FM 92.7 Mhz “La 2×4” la radio de Tango de la Ciudad de Buenos Aires, ademas de participar en varios programas de televisión. Ha dictado clases de repertorio para cantantes de Tango en la Academia Nacional del Tango, de Buenos Aires e junto a Maria José Mentana. Fabián Cortez nació en el barrio de Flores (CABA, Argentina), el 6 de diciembre de 1966. Inició su formación musical, con la guitarra, a los 8 años. Se graduó como profesor de guitarra en la Academia Superior de Carmelo Rizzuti, capacitándose también en la Academia LeClech en teoría y solfeo. Luego obtuvo la diplomatura en Musicalización e Historia del Tango del Instituto Nacional de Tango (Marcelo Castelo). Como músico ecléctico, colaboró con El Laboratorio de Diego Merlo en la producción de tangos MIDI y librerías de sonido. Su trabajo en loops, batería y bajo también ha sido incluido en álbumes de reconocidas bandas de rock argentinas como Flema y Los Auténticos Decadentes. Inès de Montesquieu se destaca como una exquisita contrabajista de notable maestría. Su profunda formación, que incluye estudios en La Sorbona y la Universidad Paul Valéry de Montpellier, la ha preparado para una versátil carrera orquestal. Inès es una figura habitual en distintas formaciones, como la Orquesta del Conservatorio de Música de Marsella, interpretando con solvencia un amplio espectro de obras que van desde Ravel y Haydn hasta Falla, Bondon y Mozart. Demostrando su versatilidad, Inès de Montesquieu amplía su presencia musical en el ámbito del tango. Forma parte de la Orquesta Típica Lunes de Marsella, dirigida por el bandoneonista y pianista Fernando Maguna. Asimismo, es integrante del cuarteto femenino Utertango, una nueva propuesta que hizo su debut el pasado 20 de abril de 2025, en el festival Tango du Futur (Tango del Futuro), en Grenoble (Francia).

Los coreógrafos argentinos Margarita Bali y Gerardo Litvac obtenían el Premio Arte total de RFI - Radio Cultura 2025 por su espectáculo “Juego del tiempo”. Naturalmente han venido a celebrarlo con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Margarita Bali nace en 1943 en Capital Federal, vive su infancia y adolescencia en el barrio de Florida. Hogar bilingüe, de padres suizos  Se gradúa del Colegio St Peters participando de actividades deportivas de atletismo y hockey. De 1962 a 1964 estudia en la UBA en la facultad de Ciencias Exactas, cursando la carrera de Física y luego emprende estudios paralelos en la carrera de Biología con la perspectiva de dedicarse a la Biofísica. En 1965 viaja a Estados Unidos y continúa su carrera en la Universidad de California en Berkeley, recibiéndose con un Bachellor of Arts en Ciencias Biológicas. Retomando un interés de infancia por el arte, cursa en la misma universidad también materias de historia del arte, dibujo y pintura. Incursiona por primera vez en la danza moderna lo cual fue una revelación importante que paulatinamente cambia su carrera. Convive en los años agitados de Berkeley en los 60, signados por la guerra en Vietnam y el auge del rock. Se traslada como estudiante graduada de Fisiología a la Universidad de Washington de Seattle y en 1968 nace su hija Valentina. Decide tomarse un año de libertad creativa alejada de la universidad y se inscribe en “The Factory of Visual Arts” donde toma cursos de diseño, arte textil y escultura de resina de polyester, exhibiendo luego sus esculturas y tapices en galerías de Seattle. Intensifica sus estudios de danza moderna y ballet hasta formar parte del elenco de la compañía Dance Theatre Seattle donde se inicia como bailarina profesional y crea sus dos primeras coreografías: Hasta que una Mañana y Crinoideos. En 1971 vuelve interinamente un año a la Argentina y se conecta con la danza contemporánea de Bs Aires en el estudio de Ana Kamien, donde conoce a Susana Tambutti en la muestra de fin de año de este estudio. Retorna definitivamente a la Argentina en 1974 y junto a Susana Tambutti y Ana Deutsch forman Nucleodanza, compañía de danza que tendrá 25 años de continuidad. Comienzan a realizar funciones asiduamente en los teatros del off: Sala Planeta, Teatro Payró, Teatro Armando Discépolo, Teatro Lassalle, Campana del Rosedal y también la prestigiosa Sala Casacuberta del Teatro San Martin. Monta las obras Pulsos, Climas Sónicos, Nocturno y Holothurnio, Juego del Tiempo, la Secretaria y Lunas. Realiza dos giras a Europa, en 1975 con Ana Deutsch y en 1976 con Daniel Angrisani, con obras propias y de los coreógrafos invitados Ana Itelman, Anamaría Stekelman, Mauricio Wainrot y Oscar Araiz. Forma parte del grupo de Danza Contemporánea del Teatro San Martin en 1977 y 1978 e interpreta roles de Itelman y Stekelman, y monta con el elenco las propias coreografías Biosfera y Lunas. Es intérprete de la película Borges para Millones de Ricardo Wullicher. En 1980 nace su hijo Lucas y en ese año abre su propio estudio de danza en Zabala 3040 en el barrio de Colegiales, en donde intensifica su actividad como docente de danza contemporánea. Nucleodanza abre la convocatoria a un elenco de 12 intérpretes y tanto Tambutti como ella realizan obras de mayor envergadura, fundamentalmente en el Teatro Presidente Alvear, y en todas las convocatorias de Danza Abierta de 1982 a 1984. Se crean las obras De Saco y Corbata, Ráfagas, Judith, Los tres Músico de Picasso (Bali) y Como de Costumbre, Pasos Perdidos, Living Room (Tambutti.) En 1985 Nucleodanza realiza la coreografía de la película Tangos, El exilio de Gardel de Pino Solanas y deciden conformar un grupo compacto de cuatro bailarines para concentrar sus objetivos en el desafío de llevar las obras de Nucleodanza al exterior. Se inicia así un periodo estimulante de diez años de giras en continuidad anual principalmente a Europa y a Estados Unidos, que luego continúa con presentaciones también en Korea, India, Indonesia, Australia, Venezuela, Mexico y Brazil, con participaciones en más de 30 festivales. Las principales coreografías suyas en esta etapa son: Noche de Garufa, Femme Foret, Cadaver Exquisito, Doble Espacio, Tilt, Risas en la Oscuridad y Doblar Mujer por Linea de Puntos. A partir de 1993 comienza un período de aprendizaje acelerado de todo lo relacionado al video como herramienta artística, el uso de la cámara, la edición de video analógico y digital y la coreografía pensada para ser filmada en lugares específicos. De la mano de Jorge Coscia, Julio Real, el estudio Rodolfo Hermida y Horacio Cohen va perfeccionando el lenguaje del video y realiza una seguidilla de doce obras de videodanza. Las primeras en el entorno arquitectónico de la ciudad como Paula en Suspenso, Asalto al Patio, Dos en la Cornisa, seguidas por incursiones de la danza en contacto físico con la naturaleza, generando los videos Agua, Arena y La Hundida, obras que reciben muchos reconocimientos en concursos y premios. Con la Beca Guggenheim de 1998 obtiene el incentivo para investigar Naufragio in Vitro, obra escénica compleja que incorpora muchos de estos elementos de la naturaleza como el agua y la arena, además de sonidos y música que accionan los propios bailarines en vivo en concordancia con las proyecciones de video. Esta obra recibe el Premio Alexander Onassis de coreografía y viaja con el compositor para la ceremonia de entrega a Athenas en Grecia. Son varias las obras que realiza en formato interdisciplinario con proyecciones y coreografía escénica: Dos en la Cornisa, Linea de Fuga, Ave de Ciudad, aumentando aún más la interrelación entre el vivo y lo proyectado en Hombre Rebobinado en 2011. En esta última obra son ocho los videos simultáneos que corren en paralelo, proyectados por mapping exacto en distintos lugares del ambiente sobre mobiliario y detalles arquitectónicos de un living, combinado con la intervención en vivo del performer con las imágenes. Investiga las tecnologías interactivas en varias obras financiadas con una Beca Antorchas de investigación en el exterior que culminan en un trabajo muy complejo con diversos dispositivos y programas interactivos en la obra Ojo Al Zoom, producida y desarrollada entre la Universidad de Wisconsin en USA y el Teatro San Martin, realizándose funciones en ambos países, con la participación del músico argentino Jorge Sad, Durante estos años experimenta en nuevos formatos expositivos, en especial las video instalaciones para los espacios de las artes visuales. Realiza su primer instalación Tubo Oceánico, y a partir de allí se dedica a full montando la Duna es Movil, y con el Premio Faena Arte y Tecnología de 2007, despliega El Acuario Electrónico en el CC Recoleta, una serie de diez videoinstalaciones sobre objetos y muebles en un recorrido de 3 espacios. El tema de las series se continúa como formato de exhibición en la obra Marea Alta de 2013 y en Vuelo Rasante de 2016. Aborda el tema del mapping de grandes dimensiones sobre edificios en varios proyectos, comenzando con el más ambicioso: Pizzurno Pixelado, obra multidisciplinaria de video proyecciones sobre la fachada del Palacio Pizzurno. Seleccionada por convocatoria del Proyecto Cruce de FIBA, dedica todo el año 2005 para realizar la coreografía, filmación, edición y el montaje en donde participan veinte bailarines en vivo del Ballet de la UNA sobre balcones y a través de ventanales del edificio. Retoma este tema de proyecciones arquitectónicas con la invitación a generar un evento original para la inauguración de la Casa Nacional del Bicentenario en 2012. Escrito en los Pies hace un recorrido de diversas corrientes estilísticas de la danza proyectadas sobre los ventanales de la fachada. Toma el tema galáctico haciendo navegar digitalmente a los humanos en el espacio sideral incentivada por la propuesta de la Bienal Gyula Kosice de 2012, comenzando por la premiada Homo Ludens Intergaláctico, siguiendo con Agujero negro, Capas nebulosas, Disco y culminando con la invitación a realizar la mega proyección Homo Ludens Espacial sobre la cúpula del Planetario Galileo Galilei, para la ceremonia de inauguración de la bienal. Como bailarina es invitada a volver a las tablas en 2011 para interpretar Tres Generaciones de Jean Claude Gallotta con el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martin, representando a la “tercera edad”. También con el mismo elenco montó como coreógrafa invitada De Saco y Corbata en 1992, Hombres en Juego en 1996, y Galaxias en 2013. Gabriel Gendin, quien viene creando las músicas de todas sus videoinstalaciones desde 2007 en adelante, también compone la partitura original para este ballet. A nivel gestión, dirige su escuela de formación en danza y coreografía, y se involucra de manera intensiva en los años 90 en la formulación de leyes para la danza a nivel ciudad y nación. Convoca con un grupo de colegas la formación de COCOA, asociación que organiza el primer Festival de Danza Contemporánea de la Ciudad en 1998, gestiona la inclusión de la danza teatro en el Instituto del Teatro y colabora en las diversas instancias de la Ley de Danza en la Legislatura porteña, realizando un seguimiento activo que culmina con la creación del Instituto Prodanza. En 2017 recibe el Premio a la Trayectoria en Danza del Fondo Nacional de las Artes y en 2018 es invitada como artista residente en la Universidad de Washington de Seattle, con una MELLON FOUNDATION GRANT, para realizar una nueva obra y dictar un curso sobre danza y tecnología. Elije el tema del cuerpo en escaleras, las espirales, las imposibles perspectivas de MC Escher y concluye con la obra de videodanza para 25 bailarines Escaleras sin Fin.

El realizador peruano Daniel Rehder presentaba este martes su película ‘No te mueras por mí’ en la clausura del Festival de Cine Peruano de París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.     Daniel Rehder Normand (Lima, 10 de abril de 1992) es un director, escritor y productor peruano. En 2016 estrenó El Candidato, su primer largometraje como productor. Su ópera prima, Hotel Paraíso se estrenó en Perú en el 2019 y ganó más de 40 festivales a nivel mundial. Actualmente, se encuentra trabajando en Lima en el guion y desarrollo de su tercer largometraje El Atrapanieblas. Daniel se graduó en el 2015 de Tisch School of the Arts de NYU. Previamente, estudio derecho en Lima antes de decidir seguir su sueño y mudarse a Nueva York a estudiar cine. Daniel estrenó su ópera prima Hotel Paraíso en los cines de Perú en 2019 y luego en Ecuador en 2020, convirtiéndolo en uno de los primeros cineastas peruanos en hacerlo. Luego, participó con la película en más de 40 festivales. Antes de eso dirigió, produjo y escribió varios cortometrajes y estrenó dos películas como productor en Perú. Daniel quiere seguir haciendo películas con una connotación social en Perú y a la par mejorar la sustentabilidad de la industria cinematográfica peruana. Para ello, fundó con las empresas productoras de Perú la Asociación de Empresas Cinematográficas del Perú, en la cual fue elegido para la

El percusionista cubano Abraham Mansfarroll presenta el 17 de        abril en la sala parisina Studio de l’Ermitage su nuevo álbum ‘Africa sí’. Pero antes ha estado junto a Yaroldi Abreu y Abdoulaye Koyaté con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  Abraham Mansfarroll, nacido el13 de abril de 1974Es un músico, autor, compositor y percusionista cubano. Graduado de la ENA (Escuela Nacional de Arte),  continuó sus estudios en el Instituto Superior de Artes de La Habana (ISA), equivalente a un conservatorio nacional de música, donde, tras obtener su diploma, se desempeñó como profesor de percusión. En 1997, creó su proyecto de percusión Pi-A-Pa y emprendió una gira por Francia en colaboración con el conjunto vocal Soli-Tutti. Con el grupo Síntesis y el del flautista cubano Orlando "Maraca" Valle, del cual es miembro, participa en diversos festivales en La Habana, así como en el extranjero (España, Bélgica, Francia, Suiza, Estados Unidos, etc.). En 2002, mientras estaba de gira con Las Hermanas Faez y Casa de la Trova, regresó a Francia y decidió establecerse allí definitivamente. Desde entonces, ha mantenido una colaboración regular con músicos y grupos de diversos orígenes musicales, entre ellos: Ernesto Tito Puentes , Patrice Caratini, Julien Lourau , Alfredo Rodríguez , Charles Aznavour , David Murray , Michel Fugain , Fred Pallem , Papa Wemba , así como Chucho Valdés (Jazz Bata 2), Ibrahim Maalouf (S3NS), Clara Luciani ... Mansfarroll ha participado en la grabación de numerosos CD para varios sellos discográficos en Francia y en el extranjero, como Rosalia, Starmania... En 2014, Mansfarroll creó el grupo Campana Project en torno al jazz afrocubano. Reunió a percusionistas, violonchelistas, bajistas, músicos de viento metal y madera de Perú, Cuba, Grecia, Marruecos, Madagascar ... prueba viviente de la universalidad de la música tal como la concibió Mansfarroll.   Compuso y lanzó dos CD: Utopia Guantanamera (2016) y Dizzy el Afrocubano (2021), que presentó en el Festival Jazz à La Villette en Septiembre de 202 .   En 2023, Mansfarroll fue seleccionado como "Artista de la Generación Spedidam" en la categoría "Jazz y Música del Mundo", y esto hasta 2025.

La artista mexicana Betsabée Romero inauguraba este viernes su exposición “Huellas y sombras florecientes” en la LODO Gallery de París. Pero antes estuvo con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  Betsabeé Romero (Ciudad de México, 1963) es una artista visual mexicana. Su lenguaje artístico comprende instalaciones, arte objeto, intervenciones y videos; su estilo mezcla el arte contemporáneo con el arte popular. El trabajo de Romero se especializa en temas de importancia social como la migración, los roles de género, las tradiciones mexicanas, la religiosidad y el mestizaje. Para ello, utiliza y modifica artículos cotidianos de consumo global urbano como llantas, chicles, automóviles y tatuajes, transformándolos en objetos simbólicos que dialogan con problemáticas sociales, a los que impregna una connotación femenina para destacar el papel de las mujeres en la época moderna. Sus piezas, instalaciones e intervenciones son una reflexión acerca de las contradicciones de la modernidad. Desde su infancia, mostró un fuerte interés por el arte. Estudió la licenciatura de Comunicación en la Universidad Iberoamericana (1980-1984) y la maestría de Artes Visuales en la UNAM. Posteriormente, estudió en el Louvre y en la Escuela de Bellas Artes de París e hizo el doctorado de Historia del Arte en la UNAM. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Ha participado en más de 20 bienales y ha llevado a cabo más de 40 exposiciones individuales en México y en el extranjero. Entre las que destacan las del Museo Británico, el Colegio de San Ildefonso, Museo de Arte Carrillo Gil, la Universidad UNISA de Sudáfrica y la Recoleta en Buenos Aires. Además, ha participado en numerosas exhibiciones colectivas como una exposición en el Louvre, una en la Fundación Santander, obras para el bienal de Cuba, el de Brasil y el de Filadelfia, entre muchas otras. Esta trayectoria la ha convertido en una de las principales representantes del arte latinoamericano del siglo XXI. Betsabeé Romero se ha mantenido fiel al estilo mexicano, rescatando tradiciones y elementos culturales: su obra hace referencias a los juegos de pelota, ídolos aztecas, representaciones prehispánicas de la muerte, etcétera. La temática de Romero se enfoca en los problemas de la realidad mexicana contemporánea, muchos de los cuales son herencia de un complejo proceso histórico. Por ejemplo, el tema de la industria textil de México y el tema mestizaje: La industrial textil en México ha sido muy importante desde que Hernán Cortés y los primeros españoles introdujeron los telares, la seda y las pieles ovinas a América; esta industria creció de manera importante durante la colonia, cuando incrementa la producción de algodón. Sin embargo, desde la primera industria textil mecanizada en 1835, se ha dejado de lado el trabajo manual de las costureras; en búsqueda de dignificar el trabajo manual de las costureras de su país, Betsabeé Romero ha apelado a las tradiciones textiles de México en sus obras, al utilizar muchos elementos bordados y tejidos. El mestizaje, por otra parte, es un rasgo actual que tiene sus orígenes desde la llegada de los españoles a América y se acentuó con el sistema de castas que se manejaba durante la colonia. Este problema se ha convertido en un aspecto intrínseco a la cultura y personalidad del mexicano, por lo que ha capturado la atención de la artista. Para representar el mestizaje, Betsabeé utiliza mucho los neumáticos, como emblema de la movilidad; el caucho de los mismos representa la mezcla de materiales. Desde 1997, Betsabeé Romero ha hecho importantes proyectos y ofrendas para el día de muertos. Esta celebración ha capturado el interés de la artista por ser muy emblemática de la cultura mexicana. El Día de Muertos es una festividad que se lleva a cabo en México y en América Central el 1 y 2 de noviembre como conmemoración a los difuntos. Tiene sus orígenes desde hace 3000 años, cuando los indígenas mesoamericanos rendían culto a la muerte; sin embargo, la celebración actual es producto de la fusión de la cultura prehispánica y la religión católica que se dio con la llegada de los españoles. En su obra, Romero busca dignificar la capacidad de los mexicanos para celebrar la muerte y trata de interpretar, complementar y modernizar los símbolos tradicionales. Por ello, sus ofrendas no están dedicas sólo a personas, sino también a problemas y preocupaciones contemporáneas tales como la corrupción, los feminicidios, el cáncer de mama, etcétera. La artista destaca la presencia de los cuatro elementos (agua, fuego, tierra y viento) en las ofrendas: el vaso de agua para calmar la sed del espíritu; las velas encendidas representan la guía para el espíritu; las flores de cempasúchil y las semillas representan la tierra; y el papel picado representa al viento. Para el día de muertos de 2016, fue encargada de dos grandes proyectos: “Canto de Agua” y “Los huesos tienen memoria”: “Canto de Agua” fue una ofrenda presentada en el zócalo, en la que se expusieron 113 trajineras-ofrendas para conmemorar los tiempos prehispánicos en los que las trajineras circulaban por Tenochtitlán. La exposición interactiva retoma elementos de las ofrendas tradicionales e incorpora el mensaje de la importancia de la conservación del agua, al apelar al hecho de que el lago de Texcoco está en proceso de desaparición. “Los huesos tienen memoria”, expuesta en el Museo Dolores Olmedo Patiño desde octubre de 2016 hasta enero de 2017, está dedicada a Dolores Olmedo, a todas las pérdidas colectivas padecidas en el 2016 y a los casi 28 mil desaparecidos que registra el gobierno federal mexicano. El altar incluye tanto códices prehispánicos, como iconografía urbana moderna. Romero utiliza la iconografía mesoamericana del Códice Borgia y la estructura del Tzompantli, altar mesoamericano en donde se exponían los cráneos de los prisioneros de guerra sacrificados con el objetivo de honrar a los dioses. Fuente: Wikipedia

La artista argentina Constanza Piaggio protagoniza la exposición ‘Entre dos’ en la galería LAC Loukoums & Art Contemporain de París, junto a la francesa Deborah Fischer Naturalmente ha estado junto a la comisaria de la exposici, la cubana Dayneris Brito, con Jordi Batallé en El invitado de RFI.     Constanza Piaggio, nacida en Buenos Aires y radicada en París, desarrolla una práctica artística en laintersección de la fotografía, el cine y los dispositivos de video. Formada en fotografía, cine e historiadel arte, inscribe su trabajo en una reflexión profunda sobre los regímenes de representación y laspotencialidades contemporáneas de la imagen.Tras un inicio de carrera muy activo en Argentina, participa regularmente en exposiciones y feriasinternacionales. Instalada en Francia, se integra rápidamente en la escena artística. En 2011, fueseleccionada para la residencia Gyeonggi Creation Center en Corea del Sur, donde inicia un trabajo envideo. Sus obras forman parte de prestigiosas colecciones públicas y privadas, como el Museum ofContemporary Photography de Chicago, el Chrysler Museum of Art de Norfolk, en Estados Unidos, asícomo el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. La fotografía constituye un campo de experimentación central en su práctica; más que una herramientade captura, se convierte en un lenguaje plástico donde se despliegan materias, alteraciones ydifracciones. Su trabajo interroga tanto lo que la imagen muestra como aquello que retiene: el fuera decampo, el fragmento o la imposibilidad de representación.Impregnada de referencias pictóricas, su práctica nace de una atención contemplativa que evolucionahacia formas experimentales. Al manipular las propias condiciones de producción de la imagen, buscahacer emerger formas latentes de lo real, perturbar la percepción y desplazar las certezas de lamirada. Esta exploración adopta a menudo la forma de series, donde cada variación actúa como unintento de recomposición de lo visible. Mantiene así un vínculo estrecho con lo íntimo y la naturaleza,concebidos como espacios de proyección y transformación.La investigación de Constanza Piaggio se articula en torno a los estatutos y usos de la imagencontemporánea. A través de obras que convocan filosofía y poesía, propone una experienciaperceptiva en la que la imagen se despliega como un espacio de resonancia y pensamiento

Este miércoles se abría el Festival de Cine Peruano de París en el que este sábado el realizador peruano Santi Zegarra presenta su película "Pucallpa, La Europea". Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Artista visual, guionista y director, Santi Zegarra recorre el mundo a la búsqueda de si mismo. Estudió cine en Lima y luego continuó sus estudios en París. El tema central de su creación artística es la inmigración. Esta temática se trata especialmente en su próximo proyecto, Pucallpa, que narra la historia de una mujer transgénero peruana en París, la ciudad del amor. Asimismo, Santi Zegarra participó en una residencia artística de Changwon Rhizome 2019 y en el 24th Busan International Film Festival, en Corea del Sur. También, ha expuesto en Wangju, París, Londres, Sao Paolo, La Habana, Buenos Aires, Marsella, Lyon, Lima, Santo Domingo, etc. Santi Zegarra ha expuesto principalmente en el Memorial del Inmigrante, Sao Paolo en el marco del Año de Francia en Brasil, 2009; en la X Bienal de La Habana; en París, Marsella, Lyon, Lima, Santo Domingo, La Florida, Washington. Sus obras están en las Colecciones del Museo de la Inmigración de París, en el Fórum de las Imágenes de la Municipalidad de París y en Alta Tecnología Andina de Perú.  

El realizador peruano Francisco Lombardi estrena en Francia la versión restaurada su película “La ciudad y los perros” de 1985, basada en la novela homónima de Mario Vargas Llosa. Este miércoles es además la película de apertura del Festival de Cine Peruano de París. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.   Francisco Lombardi nació el 3 de agosto de 1949 en Tacna. Cursó sus estudios primarios en el Colegio Nacional Coronel Bolognesi de su ciudad natal, y la secundaria en el Colegio de la Inmaculada de Lima, donde publicó sus primeras críticas de cine en la revista escolar Cine Estudio, editada en mimeógrafo. Esa publicación lo puso en contacto con el grupo editor de la revista de crítica cinematográfica Hablemos de Cine, donde publicó varios textos críticos. Luego estudió en la Escuela de Cine de la Universidad Nacional del Litoral en Santa Fe, Argentina, hasta que la institución fue intervenida por el gobierno militar de Onganía. Regresó al Perú y realizó estudios de cine en la Universidad de Lima. En 1974, fundó junto a su cuñado José Zavala Rey de Castro la productora Inca Films S.A., con el que comenzaron a filmar cortometrajes aprovechando la Ley de Fomento a la Industria Cinematográfica promulgada por Juan Velasco Alvarado. Entre sus cortos destacan Al otro lado de la luz, Tiempo de espera y Callejón oscuro. Además fue productor de cortometrajes de Augusto Tamayo, Aldo Salvini, Pablo Guevara, Augusto Cabada, Lucho Barrios, entre otros directores. En 1977 debutó en la dirección de largometrajes con Muerte al amanecer cuyo éxito de público y crítica le permitió emprender rápidamente Cuentos inmorales (1978), película de episodios junto a Augusto Tamayo, José Carlos Huayhuaca y Pili Flores Guerra. A partir de entonces, la carrera cinematográfica de Lombardi ha ido en ascenso filmando una serie de largometrajes, buena parte de ellos en coproducción con España y especialmente con Gerardo Herrero como productor. Lombardi también había sido productor de las series Bajo tu piel y Estrellita, así como de la película La fuga del Chacal de Tamayo. En 2002 fue reconocido por el Encuentro Latinoamericano de Cine, en que sus películas fueron emitidas en el festival de Lima. Ese mismo año, el Festival de Cine de Lima le otorgó el Spondylus, máximo galardón del evento, como homenaje y reconocimiento a su carrera de cineasta. En 2003 se desvinculó de Producciones Inca Films y a partir de ese momento trabajó independientemente. Su labor en el cine ha sido reconocida a través de homenajes y retrospectivas en varios foros internacionales, como en los Festivales de La Habana, Friburgo, Huesca y Trieste, entre otros. En 2004 Lombardi obtuvo el premio “Irene Diamond, Lifetime Achievement Award” que otorga anualmente Human Rights Watch «por su extraordinario compromiso con el cine de derechos humanos». También ha obtenido la medalla de Orden al Mérito Artístico y Cultural Pablo Neruda otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile «por su destacada contribución al cine y la cultura latinoamericanas». En 2014 el Ministerio de Cultura del Perú le otorgó el Premio Nacional de Cultura, máximo reconocimiento que otorga el estado a los creadores en las distintas áreas de la actividad cultural. En los últimos años ha incursionado también en la dirección teatral poniendo en escena hasta el momento seis obras con marcado suceso (Rancho, Se busca payaso, Cita a ciegas, La prueba, Las tres hermanas y Cosecha). En 2008 obtuvo el premio que otorga anualmente el diario El Comercio de Lima a “mejor obra del año” y “mejor director” en el área de teatro. Al margen de la actividad en el ámbito cultural Francisco Lombardi ha trabajado en la cervecería Backus, como uno de los dirigentes del Sporting Cristal (1994-1997 y 2000-2001), equipo de fútbol de la empresa cervecera, cuando este equipo se consagró tricampeón del fútbol profesional peruano los años (1994-95-96) y llegó a disputar la final de la Copa Libertadores de América en 1997. En 2003 fue elegido vicepresidente de la Federación Peruana de Fútbol, cargo al que renunció en 2005 luego de culminar la realización del Campeonato Mundial de Fútbol Sub-17 y la Copa América, eventos organizados por dicha Federación en el Perú. En el 2023, Lombardi fue invitado junto a otras 397 personas a formar parte de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas como miembro votante, volviéndose así el segundo peruano en recibir dicha invitación desde Claudia Llosa en 2010. Fuente: Wikipedia

El violinista venezolano Pablo Agudo Lٴópez dirigiendo el Ensemble Les Impertinences saca al mercado ‘Bestiario’ su primer álbum dedicada los compositores ‘impertinentes’ del siglo XVIII. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé acompañado por la violoncelista francoargentina Emma Vignier. Nacido en 2003 en Valencia, Venezuela, Pablo Agudo López comenzó a tocar el violín a los cuatro años en El Sistema, compaginándolo con su formación musical con su padre. Fue miembro de la Orquesta Barroca Simón Bolívar durante cuatro años y es miembro fundador, arreglista y multiinstrumentista del Solsticio Ensamble en su ciudad natal, con el que ha ofrecido varios conciertos y grabado recientemente un álbum. Fue invitado a participar en un trío con Christoph Rousset, Florence Malgoire y Emmanuel Jacques en la 40.ª edición del Festival de Música Antigua de La Rotonde en Francia (2022). Colabora habitualmente con la Cappella Mediterranea, dirigida por Leonardo García Alarcón, con la que interpretó el estreno de La Passione di Gesù en septiembre de 2022 en el Festival de Ambronay. Grabó un álbum de duetos de Jean-Marie Leclair con Florence Malgoire para el sello Ricercar, producido por Jérôme Lejeune. Ha actuado bajo la dirección de prestigiosos directores y solistas como Gustavo Dudamel, Alfredo Bernardini, Michael Form, Paul Agnew, Andrew Parrot y Chouchane Siranossian, y también ha participado en clases magistrales con Leila Schayegh, Edson Scheid, Sigiswald Kujiken, Veronika Skuplik, Anne Katharina Schreiber, William Dongois, Thibault Vieux y Francesco Iorio, entre otros. Ha realizado estudios de violín barroco con Florence Malgoire en la Universidad de Música de Ginebra. Emma Vignier es una violonchelista franco-argentina formada en la Universidad de Música de Ginebra, donde se especializó en violonchelo e instrumentos históricos y obtuvo dos premios de música de cámara. Actúa regularmente con conjuntos especializados como Les Impertinences, Gravidades, La Guitarra de Babel y TakiPaki, explorando un repertorio que abarca desde el barroco europeo hasta las tradiciones musicales latinoamericanas. Recientemente ha actuado bajo la dirección de Ton Koopman, Leonardo García Alarcón y Andrea Marcon. En 2025-2026, ofrecerá conciertos en Europa y Latinoamérica con conjuntos como la Orquesta Barroca Simón Bolívar, la Frau Musika Orchestra y la Cappella Mediterranea.

La flautista y cantante argentina Diana Baroni presentan este 10 de abril en la sala 360 Music Factory de París su nuevo álbum “Madre Selva” grabado con el Ensemble Vedado del violagambista y director de orquesta cubano Ronald Martín Alonso en el sello francés Paraty. Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Diana Baroni ha nacido en la ciudad argentina de Rosario en 1968. Ha actuado en los más reconocidos festivales tanto de la escena barroca como de la nueva música tradicional. Nacida a orillas del Rio Paraná, aprende desde niña varios instrumentos, gracias al método Orff: piano, guitarra, flautas, canto. A los 15 años, elije definitivamente la flauta travesera que le ofrece el prestigioso repertorio de la música clásica, y obtiene poco después una beca de la Yehudi Menuhin Academy de Gstaad, Suiza. De regreso a Buenos Aires, se interesa por la música contemporánea y desarrolla una intensa actividad en el marco de las producciones del Centro Experimental del Teatro Colon; desde su creación, integra la orquesta estable dirigida por el maestro Gerardo Gandini. En 1997, decide regresar al Viejo Mundo para estudiar la interpretación histórica en el seno de la Schola Cantorum de Basilea, Suiza, y la flauta travesera en el Sweelinck Conservatorium de Amsterdam, con Wilbert Hazelzet y Jed Wentz. Invitada regularmente por las orquestas barrocas como Les Cyclopes, Elyma, Les Nouveaux Caractères, Les Musiciens du Louvre, entre otros, participa activamente a la creación de la orquesta barroca Café Zimmmermann. Sus grabaciones dedicadas a la obra orquestal completa de J. S. Bach, reciben los más importantes premios de la crítica especializada, convirtiéndolas en referencia. Sus propios proyectos de música barroca junto a Dirk Boerner, como la integral de las Sonatas de Johannes Mattheson, y de Johann Sebastian Bach, serán recibidos elogiosamente por la prensa musical. Junto a Dirk y Sarah van Cornewal, crea el conjunto barroco I LUDI MUSICI para profundizar el repertorio de cámara en torno a la flauta travesera. En calidad de solista, Diana Baroni ha actuado ido en los festivales más prestigiosos: Innsbruck, Salzburg, Ambronay, Praga, Saint Denis, en las más bellas salas europeas, Théâtre de La Ville, Theatre des Abbesses, Musikverein Wien, Théâtre du Châtelet, Teatro Gulbenkian, Brucknerhaus Linz, y más allá de sus fronteras, en China, Japón, Argentina, Colombia, Brasil, Uruguay. Su curiosidad la lleva a explorar otros horizontes, inspirada por la música tradicional y el canto. Funda así su propio conjunto del que nacen numerosos discos, revivificando el repertorio de América Latina, proyectos que afirman su sensualidad, su dinamismo y su creatividad. En este marco, colabora regularmente con artistas inclasificables como el Brodsky Quartet, Alter Quintet o Tunde Jegede, provocando lazos entre las músicas de vanguardia y el folklore afro-amerindio.

El Colectivo Bululú, grupo nacido en Francia dedicado a la música venezolana, se presenta el próximo 28 de abril en La Marbrerie de Montreuil. Pero antes cuatro de sus miembros, Rossmary Rangel, Marina Soto, Adrien Ditrerte y Daniel Uzcategui, han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. En Venezuela, un “bululú” es la palabra que se utiliza para describir el alboroto o el gran ruido provocado por un grupo de personas en movimiento, ruidosas, turbulentas y agitadas. Este colectivo, compuesto por músicos de diversos horizontes, pero todos apasionados por la música tradicional venezolana, propone el descubrimiento de los ritmos y melodías que hacen tan particular a Venezuela. El colectivo propone un viaje musical a través de las distintas regiones de Venezuela: desde los Andes hasta el Caribe, pasando por los llanos del Orinoco. Al ritmo de las percusiones y de voces polifónicas, y acompañado por instrumentos tradicionales como el cuatro y la bandola, con los que transmiten la riqueza y la energía de estos fascinantes sonidos.

La cantante argentina Natalia Doco acaba de sacar al mercado “Hacha” su cuarto álbum, verdadera oda a la emancipación femenina que cuenta con la colaboración de artistas franceses como Shaga y Johan Papaconstantino. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Natalia Doco nació en Buenos Aires​ el 6 de septiembre de 1982. Comenzó a darse a conocer actuando y cantando en bares.​ En 2004, fue candidata en el programa Operación Triunfo, la versión argentina de Star Academy. Debido al poco éxito y la mala experiencia en el programa, se mudó a México​ (cinco​ o seis años) para dar un paso atrás y aprender la profesión de cantante, actuando en clubes o festivales populares, donde interpreta canciones tradicionales y populares. Hizo un viaje a Europa en 2011 y decidió instalarse en París​ después de conocer a Florian Delavega, con quien entabló una relación. En mayo de 2014, lanzó un EP, Freezing, luego en junio su primer álbum, Mucho chino. Cantado en español e inglés, este álbum incluye tres covers: «Et Pourtant» de Charles Aznavour, «And I Love Her» de The Beatles y «La Celestina» de Lhasa de Sela. Su single «Respira» fue lanzado en junio de 2015. Actuó como telonera para varios artistas, incluido Gilberto Gil. También en 2014, acompañó a Imany como una de las voces de la banda sonora de la película de Audrey Dana Ellas saben lo que quieren. Imany la invitó a participar en conciertos organizados para la lucha contra la endometriosis en 2015​ y 2016. A pesar de cierto éxito, pensó que su primer álbum no refleja su estilo lo suficiente, y creó su propio sello junto con su mánager y compañero. Para su nuevo proyecto, contactó al músico argentino Axel Krygier. Después de una colaboración remota, Natalia Doco grabó su segundo álbum en Argentina en octubre de 2015. Titulado El buen gualicho, cantado en español y francés, fue lanzado en septiembre de 2017. El buen gualicho recibió críticas positivas en particular en Le Monde y Madmoizelle.​ Al anunciar el lanzamiento de este álbum en Instagram, también reveló públicamente su embarazo. En enero de 2018, Natalia anunció que había dado a luz a un niño.​

Las artistas mexicanas Ximena Pérez Grobet y Lorena Velázquez y la chilena Kati Riquelme muestran sus libros de artista en la exposición “Convergences” de la Lodo Gallery de Paris. Naturalmente han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnosla.   Kati Riquelme es artista multidisciplinar nacida en Chile y residente en Barcelona. Su obra se nutre de múltiples fuentes y gira en torno a procesos heterogéneos, siendo las técnicas fotográficas de mediados del siglo XIX uno de sus principales medios de expresión. Capturar momentos de profunda humanidad es una constante en su trayectoria, con especial atención a los detalles y objetos donde el tiempo deja su huella. Sus obras son sutiles y delicadas, marcadas por una cierta modestia, donde palabras y gestos se fusionan para crear narrativas poderosas, adentrándose en territorios nuevos e inexplorados. Paralelamente a su práctica artística, participa en diversos centros educativos y proyectos colaborativos como Utopía Barcelona y L’Altre Festival, iniciativas que promueven el diálogo entre las artes escénicas y la salud mental.   Ximena Pérez Grobet es artista gráfica y diseñadora mexicana residente en Barcelona. En 1994 fundó su propia editorial, donde publica sus libros de artista. También colabora con artistas de diversas disciplinas, dando como resultado la publicación de ediciones limitadas que interpretan obras originales, otorgándoles así un valor único. Ha expuesto su obra en México, Estados Unidos y Europa. Sus obras forman parte de las colecciones de museos, bibliotecas e instituciones educativas en varios países. Entre los premios que ha recibido destacan el Premio al Mejor Libro Histórico en las Rencontres de la Photographie d’Arles (Arles, 2023), una mención especial en el Premio Bob Calle de Libros de Artista (París, 2023), así como el Premio ArtsLibris Banc Sabadell (Barcelona, ​​2020, 2015 y 2010) y el Premio Charnwood Book (Northampton, Reino Unido, 2011). Ha recibido becas del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2012, 2024) y del Programa Jóvenes Creadores (2000) en México, así como una beca de la Agencia Japonesa de Cooperación Internacional (JICA) en 1996. Lorena Velázquez, artista interdisciplinaria franco-mexicana, ha vivido los últimos años entre Francia y México. Actualmente, se centra en la fotografía y la creación de libros de artista como su principal medio de expresión. En el ámbito editorial, ha publicado 12 libros de artista que abordan temas serios y diversos. Entre sus obras destacan Cuando las flores no crecen (2023) y Para mí (2021), entre otras. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos y Europa. Sus libros de artista forman parte de importantes colecciones públicas en instituciones como la Biblioteca de la Universidad de Stanford, la Universidad de California, Berkeley, el Museo Carrillo Gil, el Centro de la Imagen y la Biblioteca de la Universidad Nacional Autónoma de México…

El pianista y compositor cubano Gabriel Urgell Reyes estrena este viernes 27 de marzo en el palacio de Congresos de Versalles un oratorio para solistas, coro, orquesta y musica electrónica. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Gabriel Urgell es oriundo de La Habana, Cuba. Se inició en el mundo de la música por vocación propia, adoptando el piano como su fuente de expresión. Su formación estuvo guiada por las profesoras y pianistas Vilma Garriga y Viera Ulashkievich en el Conservatorio Elemental de Música «Alejandro García Caturla» y consolidada por la maestra Teresita Junco en el Conservatorio Profesional de Música «Amadeo Roldán» y en el Instituto Superior de Arte de La Habana. En 2001 se tituló con honores por la Universidad de las Artes de Cuba (ISA) como Licenciado en Música en la especialización de Piano. Posteriormente en el año 2004 fue admitido en el Conservatorio Nacional de Música y Danza de París donde perfeccionó sus estudios con el maestro y destacado pianista Hervé Billaut. También ha participado en numerosas clases magistrales de los grandes pianistas Frank Fernández (Cuba), Mauricio Vallina (Cuba), Roberto Bravo (Chile), Vladimir Krainev (Rusia), Jean-Philippe Collard y Anne Queffélec (Francia). Además ha realizado estudios de Máster en Musicología en la Universidad de la Sorbona de París. ​Ganador de varios premios internacionales, los medios especializados aclaman sus logros y le otorgaron un Diapason d'Or. En 2019, su álbum  Metaphor of Silence obtuvo nominaciones en la 17ª edición de los Independent Music Awards en Nueva York  en las categorías de "Álbum ecléctico" y "Productor musical". ​En 2021, fue galardonado como compositor laureado por la Beaumarchais-SACD. Recibió el Certificado de Mérito Artístico en la 5.ª, 7.ª y 10.ª edición del Premio de Arte de Luxemburgo por sus obras pictóricas.

El poeta argentino Mariano Rolando Andrade será uno de los tres poetas seleccionados por “Le Printemps des poètes” para realizar un “Descenso poético internacional al Panteón”’ de París, el próximo 31 de marzo. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Mariano Rolando Andrade nació en Buenos Aires en 1973. Como escritor, poeta, traductor y periodista ha tejido su obra entre diversas geografías y lenguajes. Actualmente radicado en Montevideo, ha publicado Los viajes de Rimbaud (1996), Canciones de los Mares del Sur (2018), Aristas, relatos en los confines de Europa (2021) y Baladas de los Mares del Norte (2023). Su libro Canciones de los Mares del Sur ha trascendido fronteras, siendo traducido al italiano (Canzoni dei mari del sud, 2023) y al francés (Chansons des mers du Sud, 2024). Como editor, Rolando Andrade se ha destacado por compilar los dos primeros volúmenes de la poesía reunida de Luisa Futoransky, con las ediciones Los años argentinos (2019) y Los años peregrinos (2022). Además, ha traducido obras como la antología Poesía Beat (2017), y Testamento (siguiendo a François Villon) (2022) y Al norte del futuro de Christophe Manon (2023). Reconocido internacionalmente, obtuvo el Premio Juan Rulfo de Radio Francia Internacional en 2001 y su obra ha sido incluida en múltiples antologías, tanto en Argentina como en Europa. Sus poemas, publicados en países como Marruecos, Grecia y Venezuela, han sido traducidos a más de seis idiomas, confirmando su lugar como una voz clave de la poesía contemporánea. En Francia obtuvo en 2025 el presitgioso Premio Mallarmé por su libro "Cancions de los mares del sur" traduicido al francés por el poeta Christophe Manon