Explorando Versiones

RAPPER'S DELIGHT Muy buenas oyentes de Explorando Versiones, aquí Chesco Murillo, creador audiovisual, cómico entre otras cosas y a pesar de mis vídeos virales de grupos que casi todos son de punk, hoy venga hablaros de rap, un rap muy primigenio. En concreto el tema Rapper's Delight de Sugarhill Gang. SUGARHILL GANG - RAPPER'S DELIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=H8yUxDOHlh8 Esta canción se publicó en 1979 y ayudó a popularizar el rap, unos ritmos bailongos y ochenteros, uno de los himnos de la cultura hip-hop. La canción curiosamente de forma comercial tiene una duración de casi 5 minutos, pero cuenta con versiones de 6 minutos y su versión completa que dura tan solo 14:36, tenían cosas que contar. Como todo buen himno dentro del hip hop, otros artistas han utilizado la instrumental o la han reversionado con los mismos sonidos. DEF SQUAD - DEF SQUAD DELITE: https://www.youtube.com/watch?v=AfqSY7dgia8 El grupo Def Squad, el supergrupo formado por Redman, Erick Sermon y Keith Murray, es significativo que sea un trío de MC's, ya que Sugarhill Gang también lo eran. En 1998 sacaron Def Squad Delite, usando la instrumental tal cual, ellos mismos lo consideraron un cover, algo no muy habitual en el rap. FREESTYLE KASE O Y ERIK B: https://www.youtube.com/watch?v=ykx0pH9Mc-E Pero si nos movemos al panorama nacional uno de los mayores referentes del rap en español también versionó la canción en un freestyle, Kase O, junto a Erik B, no se sabe el año exacto ya que es una grabación rara que su publicación al menos en Wikipedia data de 2010, la realidad es que es un directo en Zaragoza Realidad por lo que probablemente la grabación date del 2003. ASEREJE: https://www.youtube.com/watch?v=arZZw8NyPq8 Y si hablamos de España, y nos lo llevamos a un terreno más cómico, no podemos olvidar que Las Ketchup en 2002 lanzaron Asareje, qué ese estribillo tan raro y pegadizo no deja de ser Rapper's Delight como lo pronunciaba su amigo Diego, con un malísimo pero divertido inglés. DESPEDIDA Si habéis llegado hasta aquí, muchas gracias por escucharme. Un saludo a todos los oyentes y un fuerte abrazo a Explorando Versiones. Chesco Murillo para todos vosotros… ¡¡Adiós!! Web de Chesco Murillo: https://chescomurillo.com/ Canal de Youtube: https://www.youtube.com/@ChescoMurillo Instagram: https://www.instagram.com/chescoxz/ Linkedin: https://www.linkedin.com/in/chesco-murillo

Bienvenidos al manicomio, estáis escuchando el episodio 100 de Explorando Versiones. El podcast que nació de las entrañas de Locos por Incordiar para demostrar que, si una canción es mítica, nosotros siempre encontraremos una versión que la mejore... o que te den ganas de arrancarte las orejas nunca se sabe. Durante esta pechá de episodios seguro que hemos aprendido, conocido nuevas versiones de temas míticos o simplemente hemos dado autoría real a canciones que creíamos de otros artistas Hemos explorado desde el rock más puro hasta sintonías de anime pasando por canción protesta, country, reggae, rumba canalla…… artistas como Elvis, The Beatles, Bob Marley, The Clash o como no, nuestros admirados Siniestro Total. Nos hemos sorprendido diciendo cosas como: “Ostia que buena esa version” o “Joder no sabia que esta cancion era de…” pero tambien hemos pensado… “¿Qué necesidad había de hacer ésta?” Cien programas, ¡Cien!. ¿Quién nos iba a decir a nosotros, cuando grabamos aquel primer capítulo de “Stand by me”, que llegaríamos tan lejos sin que la policía nos cerrara el chiringuito de Torreblanca? Así que para tal efeméride hemos decidido hacer algo especial, porque no se cumplen 100 programas todos los días y porque hay que tener muchos amigos y amigas para llegar a esta cifra…. por eso mismo hoy os presentamos el especial 100 programas rodeados de esos amigos que han tenido que ver en mayor o menor medida con esta chalaura. Hoy no solo saludamos a los que nos buscáis en plataformas como iVoox, Spreaker, Apple Podcasts, o vuestra plataforma de confianza mientras vais al curro,estáis trabajando o lo que es peor…en el gimnasio. Hoy subimos el volumen para saludar a la gente que nos sintoniza a través de la radio convencional en FM y en radios online. Gracias a esas radios amigas que se atreven a pincharnos sin miedo a que les quiten la licencia. Gracias por estar ahí, al otro lado de la antena y de la pantalla. Llegar al programa 100 es un hito, pero llegar a vuestras casas a través de las ondas es un orgullo. Queremos mandar un abrazo fuerte a los locutores y técnicos de las radios que nos dan cobijo; gracias por creer en esta chalaura y por permitir que 'Explorando Versiones' sea ese ruido necesario en vuestro dial. Han sido un total de 40 participantes los que hemos participado de una manera u otra en este podcast de Explorando Versiones. Algunos le ha cogido el gusto hasta tal punto de haber empezado su propio podcast, otros han repetido la experiencia y se han convertido en unos maestros de esto y alguno que otro lo ha pasado regular pensando aquello de… “Como voy a hacer un podcast si yo no sé hacerlo”... Y antes de seguir con la fiesta con el sonido cochera, un último mensaje: Gracias a ti, que nos escuchas en la soledad de tus auriculares, y a ti, que nos tienes puestos de fondo en la radio de la cocina. Vosotros sois los que dais sentido al trabajo que hacemos y por el que nos hemos puesto delante de un micro para desgranar canciones. ¡Por otros 100 programas más de versiones, de radio y de libertad!"

MANERAS DE VIVIR Un 23-F, maldita coincidencias, pero de 1954 nace en Madrid el hijo de unos emigrantes manchegos, de Bolaños de Calatrava para ser mas concreto al que tienen a bien poner el nombre de Rosendo Mercado por su padre y Ruiz por su madre. Criado entre Lavapiés y Carabanchel este inquieto niño aún no sabia que se convertiría en una leyenda del rock Español y como bien sabeis el unico Mercado fiable. LEÑO: https://www.youtube.com/watch?v=2ZK5zNkFgXc Ya de chaval encontraría en la música su verdadera pasión así que abandonó sus estudios en la escuela de ingeniería para incorporarse a la banda Fresa tocando versiones de canciones de moda y acompañando a algunos solistas puntualmente, corría el año 1972. De este embrión de banda, tras varios cambios de componentes y tras la incorporación de José Carlos Molina como cantante la banda pasó a denominarse Ñu y aquí comienza la leyenda de este músico de barrio. La mili, que para las nuevas generaciones puede sonar a Chino, era un servicio militar que tenias que hacer , del latín motu propio que significa por cojones y nuestro joven Rosendo tuvo que hacerla como todo kiski…. pero compaginó el servicio militar con la creación musical llegando a grabar con Curro Savoy durante esa época …. ahí tenéis otra búsqueda de Google imberbes oyentes de este podcast Ya en 1974 y en plena mili descubre la música de Rory Gallagher que significaría una influencia troncal en su estilo, su música y su vida casi. Es abiertamente conocida la mala relación de Rosendo con José Carlos Molina, cantante de Ñu, así que tras varias grabaciones y giras abandona la banda para fundar su propio grupo, el nombre elegido fue Leño… cuenta la leyenda que el nombre fue sugerido, sin querer por José Carlos Molina que sistemáticamente desechaba canciones que proponía Rosendo diciendo que eran un Leño. Leño, que merece otro explorando versiones se convertiría con el tiempo en la banda referencia del Rock Urbano pese a su corta trayectoria y es sin duda una influencia primordial de todos los músicos de rock que han venido después. Soy Sergio Serrato y hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de Maneras de vivir. La canción fue compuesta por Rosendo Mercado y lanzada como sencillo en 1981, más adelante es incluida en un disco en directo de la banda grabado en la sala Carolina y sin querer y sin saberlo se convirtió en un himno del Rock en Español siendo la canción más emblemática de la banda. Rosendo llegó a decir sobre el tema “Lo que quería expresar con Maneras de Vivir es que nos sentíamos diferente y nos gustaba sentirnos así ,esa era la idea pero la verdad no se muy bien como se me ocurrió la frase”. Como todo himno de cualquier estilo, esta canción se ha prestado a múltiples interpretaciones, versiones, tributos…..vamos que básicamente todo el mundo quiere cantar este tema aunque sea a su manera Aquí os voy a poner algunas de las versiones que a mí más me han gustado, seguramente me dejaré algunas pero eso deja abierta la puerta a que os animéis a hacer otro episodio de este podcast…si , ese que llevas tiempo deseando hacer… ya sabes LUZ CASAL: https://www.youtube.com/watch?v=30to3IQAWqo Luz Casal es sin duda una de las voces con más personalidad de la música en Español, amiga y muchas veces colaboradora de Rosendo se marcó entre muchas otras esta interpretación en directo de Maneras de vivir acompañado del propio maestro de Carabanchel MIGUEL RÍOS: https://www.youtube.com/watch?v=28htJcTrvvI Los viejos rockeros nunca mueren… eso dicen, ojalá fuera así aunque quizás sí que sea así… no sé. Miguel Ríos incluyó esta versión en su famosa gira y disco Rock in Ríos de 1982….. otro grande Mike Rivers EL GRAN WYOMING , EVA AMARAL Y ANA BELEN: https://www.youtube.com/watch?v=14zz0bvzUKs Cuando se tienen tantos y tan buenos amigos es lógico que se acuerden de tí, y eso le pasa mucho a Rosendo. En el programa especial nº 2000 del intermedio, El gran Wyoming interpreta esta canción junto a Eva Amaral y Ana Belén… hablando de voces con personalidad. Eva Amaral y Ana Belén han "tenido el placer" de acompañar a El Gran Wyoming para cantar 'Maneras de Vivir' y despedir el programa 2.000 de El Intermedio. REINCIDENTES Y BOIKOT: https://www.youtube.com/watch?v=wZGc9T6ZD44 Mis admirados Reincidentes con el gran Fernando Madina a la cabeza también han querido aparecer en este podcast, por eso hicieron esta versión junto a la banda madrileña Boikot….. o eso me han dicho BARRICADA: https://www.youtube.com/watch?v=DlpBk2L7I2E Cuando digo que este señor, esta banda y esta canción son la base de muchos músicos de rock que llegaron después no exagero, y prueba de ello es esta versión de Barricada y amigos en directo, en el festival Luna Lunera de Sos del Rey Católico en 2008… por cierto se suma a los coros Fernando de Reincidentes entre otros ROSENDO, BARRICADA Y AURORA BELTRÁN (DIRECTO 2008): https://www.youtube.com/watch?v=bc0AgzWf7no Y si, se pueden repetir versiones porque pa eso hago yo este episodio….y porque sinceramente creo que lo merece, en esta ocasión Rosendo, junto a Barricada y Aurora Beltrán en el concierto Otra noche sin dormir, en Las Ventas en 2008 KUTXI ROMERO (MAREA): https://www.youtube.com/watch?v=uUE84gsov4s Seguramente todos los que hemos soñado alguna vez escribir canciones envidiamos insanamente a este tío, Kutxi Romero … pero estoy seguro que él también envidia a Rosendo por escribir temazos así… tanto que incluyó esta versión en el disco de Marea Raigambre de 2008 TIGRE: https://www.youtube.com/watch?v=VKW359WjvXc Tengo que reconocer que cuando escucho el concepto Power trio me salta el pamplinometro pero es muy humano querer etiquetarlo todo así que vosotros mismos podréis decir cual merece esta versión de Tigre, valencianos de pro que hicieron esta versión para su disco Eléctrica religión LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=nYW0Ly0DImM La música en directo es algo así como la verdad, la sinceridad…donde a un grupo se le ve que es capaz de hacer. Mis admirados Suaves hicieron un disco en directo en 1995 grabado durante la gira 1994-95 y como no Yosi y los suyos interpretan en directo Maneras de Vivir con sus correspondientes solos de guitarra RAW BOOGALOO: https://www.youtube.com/watch?v=MOeY4hGZF0g Cuando una canción es buena suele ser transversal a muchos géneros, esta versión / rareza es el homenaje de Raw Boogaloo, con mucho Hammond, saxo tenor y la cálida voz de Pastora Andrades LABUELA: https://www.youtube.com/watch?v=oiG0-lHF5U4 A propuesta de la asociación cultural planeta Clandestino de Logroño , varios grupos riojanos publicaron un disco homenaje a Rosendo donde se incluye esta versión Heavy que seguramente hará las delicias de todos esos agita melenas con uñas negras que estáis escuchando WYOMING Y LOS INSOLVENTES (ACÚSTICO): https://www.youtube.com/watch?v=blya_V68ReI Si, también os voy a poner una versión en acústico esta tuvo lugar en un programa de la cadena ser en directo, con la reconocible voz y estilo del Gran Wyoming que también toca el piano y es acompañado de los insolventes. ANUNCIOS Y TV Habrá muchas otras versiones pero por si os quedaba alguna duda de cuanto supone esta canción en la cultora popular de nuestro país, aquí tenéis varios ejemplos de cómo ha sido usada en anuncios y series de televisión. NAFARROA, MANERAS DE VIVIR: https://www.youtube.com/watch?v=xu2mv6W-4gg En 2015 en Gobierno de Navarra lanzaba esta campaña publicitaria incluyendo una versión de Maneras de Vivir con sus Txalapartas, gaitas, acordeón y un gusto brutal para respetar el clásico… tanto que daban ganas de ponerse hasta el mocho de moyate en La Plaza del Castillo. M CLAN (ANUNCIO DE MAHOU CINCO ESTRELLAS): https://www.youtube.com/watch?v=hGYJv3sqPvI Si eres de esos que no le gusta la cerveza solo puedo acompañarte en el sentimiento, si en cambio te gusta seguro que recuerdas las campañas publicitarias de Mahou ….y sí también grabaron una versión para las mismas con Carlos Tarque de M-Clan, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jaime Urrutia y si… India Martínez. El emblemático tema de Leño fue interpretado por M-Clan, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jaime Urrutia e India Martínez para un anuncio de Mahou Cinco Estrellas. EL MINISTERIO DEL TIEMPO: https://www.youtube.com/watch?v=vhV_U8Tp5ZM A los que nos encanta la historia, el cine y las series bien hechas guardamos con cariño en la memoria esa escena del Ministerio del Tiempo en el que Lope de Vega le mete ficha a la prota y su enamorado le responde con otros versos…. más castizos, más de barrio, más de Carabanchel. CONCLUSIONES MANERAS DE VIVIR (DIRECTO LAS VENTAS): https://www.youtube.com/watch?v=-7oN5FNpqlI Rosendo nos ha regalado himnos como maneras de vivir o sin ir mas lejos canciones que han dado nombre a podcast como Locos por Incordiar el cual recomiendo encarecidamente, pero siempre ha sido sinónimo de sinceridad, Rosendo es la verdad en una guitarra, sin postureos, poses de diva y complementos de purpurina, por eso Rosendo Mercado es el único mercado fiable, por eso todos quieren cantar sus canciones, por eso aunque retirado de la música como trabajo sigue resonando, sigue siendo versionandos y sigue recibiendo homenajes tan buenos como estas versiones y tan humildes como este episodio de Explorando Versiones….. nos vemos en los bares.

Hola, hola... ¿qué tal? Buenos días, buenas tardes o buenas noches, dependiendo de cuándo le deis al play. Yo soy Raulillo y hoy me paso por Explorando Versiones para hablaros de una de las canciones más míticas de la historia del rock. Y sí... seguro que la habéis reconocido en cuanto ha empezado a sonar. Pero lo que mucha gente no sabe es que esta canción nació en uno de los peores momentos de Queen. EPIC ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=ETKeFJaLPtM Porque, antes de convertirse en leyendas, el grupo estaba prácticamente arruinado. Imaginadlo: Freddie Mercury era diseñador gráfico, Roger Taylor estudiaba odontología, John Deacon era ingeniero electrónico y Brian May, físico y matemático, llegó incluso a fabricarse su propia guitarra, la mítica Red Special. Cuatro músicos brillantes que, pese a tener ya varios discos y giras internacionales, seguían sin ver un duro. Todo por culpa de un contrato terrible con su mánager y con Trident, la filial de EMI que manejaba la banda. Mientras Queen llenaba salas, ellos acumulaban deudas. La situación era tan surrealista que a Roger Taylor le pedían tocar más flojo para no gastar tantas baquetas... mientras su mánager aparecía conduciendo un Rolls-Royce nuevo. Freddie Mercury lo tuvo claro: aquello tenía que terminar. Queen despidió a su mánager y se jugó el todo por el todo con un nuevo disco. EMI quería un éxito gigantesco y la banda sabía que, si fallaban, probablemente desaparecerían. Aquel álbum fue A Night at the Opera... y dentro escondía una canción imposible. Esa canción era Bohemian Rhapsody. Y hoy, en Explorando Versiones, vamos a recorrer su historia y algunas de las reinterpretaciones más sorprendentes que ha dejado uno de los temas más inmortales de todos los tiempos. Afinad el oído... porque comenzamos. QUEEN - BOHEMIAN RHAPSODY: https://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQ La banda londinense tenía claro que su nuevo disco podía ser el último. Era una apuesta a todo o nada, sin nada que perder y muchísimo que ganar. Y Freddie Mercury se lo tomó literalmente. El álbum A Night at the Opera comenzó a grabarse en agosto del 75 y se convirtió en el más caro de la historia hasta ese momento. ¿La razón? Entre otras cosas, para dar forma a la canción que Freddie tenía en la cabeza se utilizaron cinco estudios de grabación distintos y más de 180 pistas de sonido. Solo él sabía cómo debía sonar aquello, y el resto del grupo se limitaba a tocar lo que les pedía, sin tener ni idea de cómo iba a terminar construyéndose la pieza. El disco salió en noviembre de ese mismo año, pero, curiosamente, Bohemian Rhapsody no fue el primer single. Para los directivos de EMI era una locura: demasiado larga para la radio, sin estribillo y mezclando ópera, rock y balada de una forma que nadie terminaba de entender. Pero ocurrió algo inesperado. Una copia de la canción llegó a manos de Kenny Everett, DJ de la radio londinense Capital Radio. Everett quedó tan impresionado con la rapsodia que la emitió hasta 14 veces en un solo fin de semana. Y, a partir de ahí... el resto es historia. Más de nueve semanas seguidas en el número uno de las listas del Reino Unido y un éxito mundial que llevó a Queen a girar por todo el planeta, batiendo récords de asistencia en sus conciertos. Bohemian Rhapsody no solo se convirtió en un himno, también marcó varios hitos. Quizá el más importante: fue uno de los primeros videoclips de la historia, el primer single promocionado con un vídeo pensado específicamente para televisión. Así que todos los que hemos crecido con la MTV y aquellas épocas doradas de los videoclips - antes de que, para muchos, perdiera parte de su magia-, en realidad tenemos que darle las gracias a Queen por haber apostado todo a esta canción. Otro momento clave llegó en 1991, tras la muerte de Freddie Mercury, cuando la canción volvió al número uno en las listas de todo el mundo dieciséis años después de su lanzamiento. Y aún habría más. En 1992, Bohemian Rhapsody volvió a resurgir gracias a la película El mundo de Wayne, donde Mike Myers, interpretando a Wayne, aparecía en un coche junto a sus amigos agitando la cabeza al ritmo de la canción, en una escena que se volvió icónica. Años después, en el biopic sobre Freddie Mercury, Bohemian Rhapsody, ganador de cuatro premios Óscar, el propio Mike Myers aparece en un guiño brillante interpretando a un directivo de EMI que no quiere que la canción suene en la radio... cerrando así el círculo con uno de los homenajes más inteligentes del cine musical reciente. MONTSERRAT CABALLÉ Y BRUCE DICKINSON: https://www.youtube.com/watch?v=X3Ps5FW5rzs Freddie Mercury estaba profundamente enamorado de la ópera y, especialmente, de la voz de Montserrat Caballé, algo que nunca ocultó. De hecho, esa admiración llegó a materializarse en 1988 con uno de los cruces más inesperados de la música: el álbum Barcelona, donde el líder de Queen y la soprano española fusionaron sus estilos. Lo que estamos escuchando pertenece ya a otro proyecto de Caballé, grabado en 1997, en un disco lleno de colaboraciones titulado Friends for Life. Un trabajo que nace casi como continuación natural de aquella etapa en la que la soprano descubrió el poder de los duetos y la capacidad que poseía para adaptar su lírica a otros estilos musicales. Y aquí es donde todo se conecta. Porque este disco no es solo una colección de colaboraciones, sino también un homenaje directo a Freddie Mercury, fallecido seis años antes. Ya que Caballé abre el álbum con esta versión de Bohemian Rhapsody. Bajo la producción de Mike Moran, el mismo músico que ya había trabajado codo con codo con Freddie Mercury y Montserrat para producir Barcelona, se cerró un círculo creativo donde la ópera, el rock y la emoción no solo conviven... sino que se potencian entre sí. El elegido para el dueto fue Bruce Dickinson, cantante de Iron Maiden y uno de los vocalistas más representativos del heavy metal. El resultado es un contraste fascinante: la voz lírica y perfectamente controlada de Caballé chocando -y al mismo tiempo encajando- con el registro dramático y arrollador de la voz de Bruce. THE BRAIDS: https://www.youtube.com/watch?v=O3QkBFkYdLg Vamos a dejar atrás un poco la lírica para ir con unos ritmos más sencillos. Esta versión pertenece al álbum The Braids, el único disco de estudio del dúo australiano formado por Angie Hart y Zoe Ellis. Un trabajo que mucha gente recuerda precisamente por atreverse con una reinterpretación muy distinta de Bohemian Rhapsody. La canción terminó formando parte de la banda sonora de la película High School High y consiguió algo nada fácil: transformar completamente un himno del rock sin perder su esencia. Además, la versión tuvo bastante repercusión en Estados Unidos, llegando hasta el puesto 42 de las listas de Billboard. Porque, en lugar de intentar competir con la grandiosidad de Queen, The Braids decidió llevar la canción hacia un terreno mucho más íntimo y atmosférico, mezclando soul, trip-hop y R&B con unas armonías vocales muy suaves y envolventes. El resultado es una Bohemian Rhapsody completamente diferente, casi hipnótica, que demuestra hasta qué punto la composición original de Freddie Mercury podía sobrevivir a cualquier género. El álbum también incluía temas como The Wind, Fire Escape o incluso una versión de Young Americans de David Bowie, dejando claro que el grupo tenía una fuerte influencia del pop sofisticado y del soul de los noventa. Y quizá ahí esté la magia de esta versión: no intenta imitar a Queen, sino reinterpretar la canción desde otro universo musical completamente distinto. Porque, cuando una composición es realmente inmortal, puede transformarse una y otra vez... y seguir funcionando. BETWEEN THE BURIED AND ME: https://www.youtube.com/watch?v=HvbA2Cnd5xw La versión de Bohemian Rhapsody de Between the Buried and Me es una reinterpretación sorprendente que encaja a la perfección con la banda. La grabaron en 2006 dentro de su disco de versiones The Anatomy Of, donde rendían homenaje a algunas de sus mayores influencias, como Metallica, Pink Floyd o King Crimson, antes de enfrentarse a uno de los temas más intocables de la historia del rock: el clásico de Queen. Años después, la banda recuperó esta versión y la lanzó también como parte de un EP de 7 pulgadas, distribuido de forma exclusiva en formato físico para los compradores de entradas VIP de su gira Transcending the Coma Tour en 2016, convirtiéndolo casi en una pieza de coleccionista. Entre los fans del metal progresivo, este cover es considerado uno de los mejores homenajes modernos a Queen, precisamente porque no intenta superar el original ni transformarlo en otra cosa. No cae en el típico enfoque de "metalizarlo" con doble bombo y guitarras pesadas; al contrario, BTBAM apuesta por algo mucho más inteligente: respetar la estructura original y potenciar su carácter teatral y progresivo. Y ahí está lo más interesante. Porque, cuando escuchas la versión de Between the Buried and Me, entiendes algo clave: Bohemian Rhapsody ya tenía, en esencia, alma de prog-metal. Cambios de dinámica, secciones múltiples, dramatismo operístico y libertad estructural... todo lo que definiría al género décadas después ya estaba ahí, esperando a ser reconocido. THE FLAMING LIPS: https://www.youtube.com/watch?v=X5E-C93lhG0 The Flaming Lips es una banda estadounidense de rock formada en Oklahoma City, Oklahoma, en 1983. Ellos mismos definen su sonido como rock psicodélico de varias capas y afirman que, líricamente, sus composiciones muestran elementos del rock espacial de finales de los sesenta y primeros setenta. The Flaming Lips lanzó su versión de Bohemian Rhapsody en 2005 como parte del álbum tributo Killer Queen. Mientras que otros grupos intentan reconstruir la complejidad de Bohemian Rhapsody, The Flaming Lips hace lo contrario: no reconstruye la obra, sino que la reinterpretan como un sueño alterado desde dentro de una nube psicodélica y onírica -muy acorde ala p

Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en una de las canciones más icónicas del punk español. Hablamos de “Autosuficiencia” de Parálisis Permanente. PARÁLISIS PERMANENTE - AUTOSUFICIENCIA: https://www.youtube.com/watch?v=OtKzflzRlsw La canción fue grabada por primera vez en octubre de 1981 y lanzada en enero de 1982 como parte de un EP compartido con Gabinete Caligari. Fue el debut en estudio de ambos grupos y marcó un antes y un después en la escena punk española. Parálisis Permanente destacó por su sonido oscuro, siniestro, muy alejado del optimismo de la Movida madrileña. “Autosuficiencia” habla de alguien aislado, encerrado en sí mismo, rechazando toda dependencia externa y alcanzando una independencia absoluta, casi extrema. En 2020, el diario El País la calificó como la canción más importante del punk español, un reconocimiento más que merecido, con el permiso de Ayatollah de los gallegos Siniestro Total (y del que ya hemos hablado en un Explorando Versiones). PIPERAK: https://www.youtube.com/watch?v=Ok-QbYyWn_o La primera versión que exploramos es la de Piperak, incluida en el álbum Los muertos de siempre, publicado en 1995. Esta banda, que formó parte de la escena punk española de los 90, aportó una lectura que respeta la esencia original pero la envuelve en una producción más pulida y contemporánea para la época. La interpretación de Piperak destaca por mantener la crudeza de la canción, pero con un sonido más elaborado, con guitarras distorsionadas y una voz que no pierde la agresividad. NARCO: https://www.youtube.com/watch?v=APpgp9nSS8k Luego nos encontramos con la versión que hizo la banda de rap metal Narco, publicada en 2017 dentro de la compilación Rockzone. The Bipolar Sessions 4. Narco, conocidos por su estilo que mezcla, rap, metal, hardcore y punk, imprimen a Autosuficiencia un giro extremo, con una energía brutal y una voz desgarrada que le da un carácter más violento y agresivo. La potencia sonora y la actitud enérgica de Narco convierten el tema en un grito de rebeldía contemporáneo, demostrando la influencia duradera de Parálisis Permanente en las bandas de metal y de punk más actuales. LADY SPARTAKUS: https://www.youtube.com/watch?v=Z8TIPvz9_Ec Una lectura completamente distinta nos llega de la mano de Lady Spartakus, una banda francesa formada en 2010. Su versión de Autosuficiencia es literalmente un susurro: delicada, atmosférica y casi como una caricia inquietante, que transforma la oscuridad punk en un terreno casi etéreo y experimental. Este enfoque minimalista y silencioso hace que la canción adquiera un aire introspectivo y fantasmal, llevando la letra hacia un espacio donde la soledad se siente desde la fragilidad en lugar de la rabia. VENTURI: https://www.youtube.com/watch?v=A-wB5htur3U Durante el confinamiento por la pandemia del COVID-19, muchos músicos recurrieron a grabaciones caseras para mantener viva la música. Venturi, un proyecto musical surgido en ese contexto, lanzó su versión de Autosuficiencia el 21 de marzo de 2020, justo al inicio de la crisis sanitaria global. Esta versión casera y sincera refleja perfectamente el sentimiento de aislamiento extremo que describe la canción, convirtiendo el acto de grabarla en una declaración personal y colectiva de resistencia y soledad compartida. La elección de Autosuficiencia para ese momento no fue casual: su mensaje resonaba por la situación mundial de estar encerrados teniendo que ser autosuficientes a la fuerza. ZÜ: https://www.youtube.com/watch?v=QEMmkjakyYM En una línea más suave, la mexicana Gabriela Medina, conocida por su nombre artístico Zü, presentó su versión en el álbum “Desde las Entrañas” de 1994. Conocida por su trabajo como vocalista de apoyo para bandas como Héroes del Silencio, Zü aporta a Autosuficiencia una interpretación pausada, que explora la canción desde un ángulo más íntimo y melancólico. Su voz femenina introduce una nueva dimensión emocional al tema, suavizando su agresividad original para convertirlo en una reflexión sobre el aislamiento desde la vulnerabilidad. NISTAL: https://www.youtube.com/watch?v=d6RX-xKk41c También merece un lugar especial la versión realizada por Nistal, un cantautor asturiano conocido por su sensibilidad melódica y su enfoque introspectivo dentro del pop-rock alternativo. Su versión de “Autosuficiencia” aparece en su álbum “10 Motivos para viajar de noche”. Aquí, Nistal transforma la canción en un ejercicio de delicadeza: guitarras acústicas, arreglos mínimos y una voz melódica que suaviza la dureza del mensaje sin restarle intensidad. El resultado es una interpretación intimista que convierte el aislamiento de la letra en algo más contemplativo, casi confesional. Su versión invita a mirar el tema desde la fragilidad y la calma, mostrando una nueva faceta del clásico de Parálisis Permanente, más cercana al indie que al punk. CELESTE CARBALLO Y LA GENERACIÓN: https://www.youtube.com/watch?v=YERuMfIv9UY La siguiente parada nos lleva a Argentina, donde en 1985 Celeste Carballo, una de las voces más potentes e intensas del rock argentino, publicó su disco “Celeste y La Generación”. Dentro de ese álbum —uno de los más radicales y viscerales de su carrera— aparece “Autosuficiencia” como la canción número 6, incrustada en un repertorio rebosante de rabia, electricidad y actitud punk. En esta época, Celeste había formado la banda La Generación Fusilada y contaba con la producción de Charly García, lo que dio al proyecto un sonido impetuoso, sucio y urgente. La versión es más agresiva: guitarras más crudas, una base rítmica que avanza como un latigazo y una interpretación vocal que mezcla furia con vulnerabilidad. Aquí, la autosuficiencia se siente como un estallido emocional. Es una de las versiones más intensas y transformadoras del tema, capaz de trasladar del underground madrileño al corazón de la escena rock de la Argentina de los años 80. ANALÓGICOS: https://www.youtube.com/watch?v=AyOY_zpyXvI Para cerrar este viaje, volvemos a España y a la potencia del rock de la banda sevillana Analógicos, que publicó su interpretación de Autosuficiencia en el año 2018 dentro de su primer disco “Salve, Mockers!”. El tema refleja claramente cómo Autosuficiencia sigue viva y en movimiento. Su interpretación es una explosión de energía rockera, con guitarras con ritmos sureños y un espíritu rebelde que rinde homenaje a la crudeza del original sin perder frescura. Una forma de conectar con nuevas generaciones manteniendo intacta su esencia. CONCLUSIÓN Autosuficiencia no es solo una canción; es un símbolo del punk que sigue vigente y en constante reinvención. Desde la crudeza original de Parálisis Permanente, hasta las versiones que van desde lo más agresivo y visceral hasta lo susurrado y sereno, cada artista aporta una nueva voz a este himno de aislamiento. Lo que está claro es que esta canción sigue inspirando y conectando con nuevas generaciones y estilos. Su mensaje resuena fuerte, y estas versiones son prueba de que Autosuficiencia no sólo permanece viva, sino que sigue evolucionando con el tiempo. Gracias por llegar hasta aquí, y ya sabes, nos vemos en el siguiente capítulo. ¡Un saludo!

En la nonagésima sexta entrega de Explorando Versiones, nos vestimos de gala (y nos soltamos el pelo) para desmenuzar un auténtico torbellino del siglo XXI. De la mano de nuestra amiga Sandra Brenes, nos adentramos en el laberinto sonoro de «Chop Suey!», el himno definitivo de System of a Down. ¿Cómo es posible que una canción que combina ritmos frenéticos, un breakdown esquizofrénico y letras sobre el suicidio se convirtiera en un clásico imperecedero de la radiofórmula? Lanzada en un momento histórico complicadísimo (en pleno septiembre de 2001), este tema rompió todos los moldes del metal y demostró que la agresividad también puede esconder una sensibilidad melódica brutal. En este episodio analizamos la genialidad de la pista original y su arrolladora fuerza en directo, pero prepárate, porque las mutaciones de hoy son de otra galaxia. MARGARITA SIPATOVA: https://www.youtube.com/watch?v=KMHqOyc5HlA THE ROCK ORCHESTRA https://www.youtube.com/watch?v=Q1wJ1U_0JEA SYSTEM OF A DOWN - CHOP SUEY (LIVE) https://www.youtube.com/watch?v=iKVzWSe26cU SYSTEM OF A DOWN - CHOP SUEY https://www.youtube.com/watch?v=GK-DkHHAMIU

Hola, ¿Qué tal estáis?... Para mí es un placer estar aquí y os doy la bienvenida a otro capítulo más de Explorando Versiones. En el día de hoy, hablaremos de una de las canciones más intensas y dramáticas jamás publicadas. Una historia que mezcla poesía persa del siglo XII, un triángulo amoroso entre leyendas del rock y un riff de guitarra que se grabó a fuego en la memoria colectiva. Hoy exploramos las múltiples caras de Layla. Porque este tema no es solo una canción; es, prácticamente, una tragedia griega —o mejor dicho, persa— trasladada al siglo XX. Tiene todos los ingredientes: una relación marcada por la lealtad, el deseo y la traición, una crisis de identidad y una de las melodías más reconocibles de la historia. La canción es una confesión de amor desesperada de Eric Clapton hacia Pattie Boyd. El problema era que Pattie no solo estaba casada, sino que era la esposa de su mejor amigo: el Beatle George Harrison. Pattie Boyd es probablemente la musa más influyente de la historia del rock. No solo inspiró a Clapton para componer “Layla” y “Wonderful Tonight”, sino también a George Harrison en temas como “Something” y “For You Blue”. Clapton no quería usar el nombre real de Pattie por razones obvias. Y como la historia de Romeo y Julieta estaba muy vista, se inspiró en un poema persa del siglo XII llamado La historia de Layla y Majnun, del poeta Nizami Ganjavi. La historia trata sobre el joven Majnun, cuyo nombre en árabe significa loco, y que se enamora de una mujer inalcanzable hasta quedar consumido por su deseo hacia Layla. Clapton se identificó tanto con ese estado mental que adoptó el nombre para su canción. No era solo una metáfora literaria: era un reflejo exacto de su propio estado emocional. DEREK AND THE DOMINOS: https://www.youtube.com/watch?v=Th3ycKQV_4k Eric Clapton estaba tan abrumado por su fama como “Dios de la guitarra” y por el caos emocional que estaba viviendo con Pattie Boyd que decidió no firmar el disco con su propio nombre. Así nació Derek and the Dominos, una banda creada casi como un escondite artístico. El nombre del grupo fue un accidente ya que el presentador del concierto celebrado el 14 de junio de 1970 en la sala londinense "The Lyceum" confundió "The Dynamics", el nombre original del grupo, por "Derek and the Dominos". Tanto le gustó que se quedó así. La canción se publicó en el álbum "Layla and Other Assorted Love Songs" en 1970. El riff de entrada es un gancho de angustia, la voz de Clapton suena ronca y suplicante, y el famoso solo de piano que suena al final (compuesto por el batería Jim Gordon) es un lamento instrumental que eleva el drama a niveles épicos. Sin embargo, y como siempre suele pasar en estos casos, el disco fue un auténtico fracaso comercial en su momento. Algunos años más tarde, en 1974, Pattie Boyd finalmente dejó a George Harrison por Eric Clapton y se casaron en 1979. Lo más loco es que George fue a la boda y siguió siendo amigo de ambos. Sin embargo, el dicho aquel de "Fueron felices y comieron perdices" duró poco ya que el matrimonio se desmoronó años después debido a las adicciones que sufría Eric Clapton. La historia de amor que había inspirado una de las canciones más intensas del rock tampoco tuvo un final ideal. ERIC CLAPTON: https://www.youtube.com/watch?v=EOs0qeiJyIg Más de dos décadas después, la historia da un giro fundamental. En el año 1992, un Clapton sobrio y transformado por la tragedia personal por la pérdida de su hijo, se sentó en el escenario de la MTV para ofrecer un concierto en acústico, muy popular en aquella época. La versión de Layla que interpretó, incluida en el álbum Unplugged (que ganó 6 Grammys), es una reinvención total. Transformó el grito distorsionado de 1970 en una balada acústica y sofisticada, con aires de blues y folk. La desesperación juvenil dio paso a una melancolía adulta, a un ajuste de cuentas consigo mismo. No es una súplica: es un recuerdo. Con esta versión, Clapton ganó el Grammy a la Mejor Canción de Rock en 1993, venciendo nada menos que a "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana. RONNIE CHARLES: https://www.youtube.com/watch?v=c4k_6XeGxJI En 1975, el australiano Ronnie Charles publicó una de las versiones más ambiciosas del tema. Charles, que venía de liderar a la banda psicodélica “The Groop”, incluyó esta pieza en su primer álbum en solitario titulado: Prestidigitation. Se trata de una versión que respeta el espíritu setentero de la original, pero elevando la apuesta sonora al máximo. Para lograrlo, no escatimó en recursos y contó con el respaldo de la Orquesta Sinfónica de Londres y el Coro de Cámara Inglés. De hecho, esta apuesta fue tan grande que, en su momento, se consideró una de las grabaciones más caras de toda Inglaterra. Fue un esfuerzo enorme por transformar el lamento de Clapton, en una pieza sinfónica de primer nivel. IMPULSIA: https://www.youtube.com/watch?v=aETg2D1Jevs Damos un salto en el tiempo hasta 2009 para encontrarnos con Impulsia, un proyecto sueco de metal melódico y hard rock. Ellos incluyeron esta versión en su álbum debut, Expressions, dándole un lavado de cara total al clásico de Clapton con un sonido mucho más actual. En esta ocasión, la angustia de la versión original se transforma en pura potencia. Es un tema cargado de energía donde las guitarras ganan todo el protagonismo, aportando ese matiz épico y pesado que caracteriza al rock más duro. Lo más curioso de esta versión es que se centra exclusivamente en la parte más eléctrica y guitarrera. El grupo decidió prescindir por completo del famoso solo de piano final, dejando que sea el riff y la distorsión los que lleven el peso del tema de principio a fin. JEAN SHY: https://www.youtube.com/watch?v=zXeTh_cIm8U Y aquí es donde el viaje se pone realmente fascinante. ¿Cómo pasó una canción sobre la locura y el amor inalcanzable a ser música de baile? La cantante estadounidense Jean Shy lo hizo posible con un single que transformó la obra por completo. Aunque empezó su carrera en los 70, lanzó esta versión en 1979 tras mudarse a Alemania, bajo el nombre artístico simplificado de Shy. En esta versión, el drama desaparece para dejar paso a la pista de baile. El riff se convierte en un loop funky, la batería marca un ritmo implacable y los coros son puro espíritu de fiesta. Es una reinterpretación que le da la vuelta a todo lo que sabíamos de la canción, moviéndola desde el dolor de Clapton hacia el brillo de las discotecas. Es, sin duda, la desconexión total del sentimiento original, pero también un documento histórico fantástico. Nos muestra cómo la cultura disco de finales de los 70 era capaz de absorberlo todo, incluso las tragedias más profundas del rock, para convertirlas en puro entretenimiento. CHICA: https://www.youtube.com/watch?v=NRTAhBt7qeU Llegamos ahora al territorio del Eurodance alemán de mediados de los 90. El proyecto Chica, que en realidad era el alias del productor Wolfgang Ále Koeppen, lanzó en 1994 un single que es puro caramelo para las pistas de baile. En esta versión, el riff de Clapton se transforma en un loop de sintetizador brillante y pegadizo. Todo el drama original desaparece bajo un ritmo imparable y una voz femenina, casi robótica. Es fascinante ver cómo este género despojó a Layla de todo su peso trágico para convertirla en un tema pensado para las pistas de baile. Es el ejemplo perfecto de cómo la música electrónica de los 90 podía absorber cualquier icono del rock y reinventarlo por completo para el consumo masivo en las discotecas. JACKIE AND DOMINO: https://www.youtube.com/watch?v=0MZmbiu2HnE Del Eurodance alemán, saltamos ahora a la escena musical italiana. En ese mismo año, 1994, el sello “A Beat C” publicó esta versión bajo el nombre de “Jackie and Domino”, una combinación de voces muy común en las producciones de los estudios italianos de la época. A diferencia de la velocidad frenética de otros temas del sello, aquí nos encontramos con un ritmo mucho más acompasado y marcado. La versión juega constantemente con el contraste: por un lado, tenemos unos coros femeninos melódicos y, por otro, una voz masculina profunda que va rapeando las frases de la canción, dándole un aire casi urbano. Es una transformación curiosa porque mantiene la estructura de la letra, pero cambia totalmente la intención. Ya no es un lamento ni un grito desesperado; es una mezcla de rap y bases electrónicas noventeras que convierte la tragedia de Clapton en un diálogo rítmico pensado para sonar en las radios de mediados de los 90. PLAZA PEOPLE: https://www.youtube.com/watch?v=p0SYGOP2Lq8 El viaje no termina, y por lo visto, el año tampoco. 1994 fue especialmente prolífico para la mutación bailable de "Layla". El proyecto europeo Plaza People llevó la canción de lleno a la pista de baile con una versión publicada en pleno auge del Euro House. Editada en Alemania por el sello Zeta, Y griega, Equis, Music, esta reinterpretación transforma el riff original en un patrón electrónico repetitivo, apoyado en bases house contundentes y sintetizadores brillantes. Es una producción diseñada específicamente para el ecosistema de los clubes. Aquí, "Layla" se despoja de su carga bluesera y emocional para transformarse en un artefacto funcional, orientado al movimiento y la evasión colectiva. Esta versión supuso la confirmación definitiva de que el legado de Clapton ya no pertenecía a un solo género ni a una época concreta. En 1994, "Layla" había dejado de ser una confesión íntima para convertirse en materia prima universal de la escena electrónica europea. ED SHEERAN CON JOOLS HOLLAND: https://www.youtube.com/watch?v=5zP4yWzb24M Cerramos este repaso con una de las versiones más sorprendentes y frescas de los últimos años. El músico británico Ed Sheeran llevó el tema a su terreno en 2019, durante una actuación en directo para el programa de la BBC de Jools Holland, acompañados por su famosa Big Band. El resultado es una reinterpretación brillante que viste a Layla co

En este capítulo de Explorando Versiones, nos ponemos las chaquetas de cuero para gritar aquello de "More, more, more!". Hoy, nuestros amigos Pedro A. Luis y Andrea nos desvelan los secretos detrás de «Rebel Yell», el himno definitivo del británico Billy Idol. Lo más curioso es que este tema no nació entre partituras, sino en una fiesta privada de los Rolling Stones. Tras ver a Mick Jagger y Keith Richards compartiendo confidencias abrazados a una botella de whisky de la marca Rebel Yell, Idol supo que ahí tenía un título ganador. Analizamos la fuerza del directo original con su mítica presentación en la MTV de 1983 y cómo la canción ha sabido mantener su vigencia, saltando de generación en generación hasta llegar a la potente colaboración de Billy Idol con Miley Cyrus. Un viaje desde el punk-rock de los 80 hasta el sonido más actual. BILLY IDOL Y MILEY CYRUS https://www.youtube.com/watch?v=tVHdESbXV2o BILLY IDOL - MTV LIVE 1983 https://www.youtube.com/watch?v=INX_P_mDEBw

️ ¡Nuevo episodio de Explorando Versiones! Capítulo 92 ✨ Escúchalo aquí https://www.41016.com/explorando-versiones/92-voodoo-mojo En la nonagésima segunda entrega de Explorando Versiones, nos adentramos en los ritmos hipnóticos y cargados de misticismo del Blues y el R&B. En esta ocasión, nuestra amiga Agartha, de Radio Apis Music, nos guía por un viaje lleno de hechizos, "mojos" y vudú musical. Descubriremos cómo el clásico "It’s Your Voodoo Working" de Charles Sheffield cobra nuevas vidas a través de la elegancia de Ida Sand y la arrolladora energía de Imelda May. También exploraremos la curiosa historia detrás de "Got My Mojo Working", una canción que nació con Ann Cole, alcanzó la inmortalidad con Muddy Waters y que incluso ha tenido su particular y divertida interpretación en castellano con Txus Blues & José Bluefingers y su "Tengo el mocho loco". Para cerrar con broche de oro, nos dejaremos llevar por el sonido potente de The Fabulous Thunderbirds y su icónico "Tuff Enuff". Un episodio esencial para entender cómo el magnetismo de estas melodías sigue funcionando, década tras década, como un auténtico sortilegio sonoro. Todos los episodios están en el blog https://blog.41016.com/ #VoodooWorking #MojoWorking #ExplorandoVersiones #MuddyWaters #ImeldaMay #CharlesSheffield

En esta entrega de Explorando Versiones, nos sumergimos en la historia de «Blue Moon», una joya compuesta por Richard Rodgers y Lorenz Hart en 1934 que ha sabido reinventarse como pocas. En esta ocasión, nuestro amigo Kiko Perelló nos guía por el curioso viaje de esta melodía: desde sus orígenes cinematográficos con letras olvidadas como "The Bad in Every Man", pasando por la elegancia de Billie Holiday y el magnetismo de Elvis Presley, hasta convertirse en un fenómeno del doo-wop de la mano de The Marcels en los años 60. VINCENT LOPEZ: https://www.youtube.com/watch?v=ZG8XmoMGa4g THE BAD IN EVERY MAN (MANHATTAN MELODRAMA): https://www.youtube.com/watch?v=zQ2qYxAqlkk TED FIO RITO: https://www.youtube.com/watch?v=IQEQ8hr7lG0 MEL TORMÉ: https://www.youtube.com/watch?v=MOFIwO3e_cc BILLIE HOLIDAY: https://www.youtube.com/watch?v=y4bZu56EylA ELVIS PRESLEY: https://www.youtube.com/watch?v=MiY5auB3OWg THE MARCELS: https://www.youtube.com/watch?v=8lLimYtAY2o MANCHESTER CITY: https://www.youtube.com/watch?v=0aIgSvDDT5Q

En esta nonagésima entrega, nuestro amigo Manuel Espejito nos sumerge en el fascinante universo del flamenco-rock para analizar un hito absoluto: «Te estoy amando locamente» de Las Grecas. Esta canción no solo cambió la música en España, sino que inventó un género propio conocido como el "Gipsy Rock". Analizamos cómo las hermanas Carmona, bajo la producción de Felipe Campuzano, lograron fusionar el quejío más puro con guitarras eléctricas psicodélicas y arreglos dignos de las mejores producciones internacionales de los 70. Además, recorremos la vida de este estribillo eterno a través de las versiones de los oscenses Los Mestizos, los sevillanos Dulce Venganza, el toque de rock andaluz de Medina Azahara y la frescura de los valencianos Gazella. Un viaje sonoro por una obra de vanguardia que sigue traspasando fronteras.

Hola, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones nos sumergimos en las olas del Surf Rock con una canción que ha marcado una época y ha dejado su huella a lo largo del tiempo. Hoy hablamos del tema “Surfin' Bird” del grupo The Trashmen. Lanzada en 1963, la canción no solo alcanzó un puesto destacado en la lista de éxitos, sino que ha sido versionada en numerosos géneros y formatos a lo largo de los años. THE RIVINGTONS Y SUS CANCIONES Pero antes de adentrarnos en esta canción, es esencial conocer sus raíces. Las influencias de “Surfin' Bird” provienen de dos canciones icónicas del grupo The Rivingtons. The Rivingtons fue un grupo formado en Los Ángeles en la década de 1950, una época dorada para el R&B y el doo-wop. Este grupo vocal afroamericano destacó por sus armonías y ritmos contagiosos, que marcaron una diferencia significativa en la música popular de la época. THE RIVINGTONS - PAPA-OOM-MOW-MOW: https://www.youtube.com/watch?v=AnW2WNHiTPw Esta primera canción, “Papa-Oom-Mow-Mow”, lanzada en 1962, es quizás el tema más emblemático de The Rivingtons y se caracteriza por su coro repetitivo y sin sentido, un sello distintivo que la hizo destacar. Aunque no fue un gran éxito comercial en su lanzamiento, “Papa-Oom-Mow-Mow” capturó la esencia del doo-wop con una energía y una vitalidad que la hicieron muy popular en la escena musical de la época. El impacto fue tal que su influencia se extendió más allá del R&B. Su estilo vocal y su ritmo animado ayudaron a allanar el camino para la fusión de géneros que The Trashmen explorarían más tarde. THE RIVINGTONS - THE BIRD'S THE WORD: https://www.youtube.com/watch?v=-gJtCU0G2Is Esta segunda canción, “The Bird's the Word”, fue lanzada en 1963, un año después de “Papa-Oom-Mow-Mow”. Aunque no alcanzó la misma fama, la canción mantendría el tono alegre y repetitivo característico del grupo. Su estribillo, “The Bird's the Word”, es una frase que se repetía constantemente, lo que la hacía igualmente pegajosa y memorable. EL NACIMIENTO DE “SURFIN' BIRD” THE TRASHMEN - SURFIN' BIRD: https://www.youtube.com/watch?v=Qgmh0BjLKVM Pero volvamos a la canción de la que hablamos hoy. La historia de “Surfin' Bird” comienza cuando The Trashmen, una banda surfera originaria de Minneapolis, descubrió las canciones de The Rivingtons. El grupo comenzó a experimentar mezclando ambas canciones en vivo, combinando la energía frenética de la primera con el estribillo pegadizo de la segunda hasta crear una nueva versión enérgica llamada 'Surfin' Bird'. El resultado fue una mezcla vibrante y emocionante que resonó con el público. La banda decidió grabar esta fusión como sencillo creando una pieza musical única que rápidamente se convirtió en un éxito. “Surfin' Bird” se lanzó como sencillo en 1963 y alcanzó el cuarto lugar en la lista Billboard Hot 100. La canción destacó por su ritmo enérgico, su coro repetitivo y su estilo surfero característico. La combinación de estos elementos la convirtió en un éxito instantáneo, convirtiendo a The Trashmen en un referente imprescindible del sonido de los años sesenta. Pero el éxito de “Surfin' Bird” no pasó desapercibido para The Rivingtons, quienes notaron la evidente similitud con sus propias canciones. Y claro está, la banda demandó a The Trashmen por infracción de derechos de autor, lo que llevó a un acuerdo en el que The Trashmen acordaron dar crédito a The Rivingtons como coautores de la canción. THE RAMONES: https://www.youtube.com/watch?v=V_48Qz_Oj6g La influencia de “Surfin' Bird” se ha mantenido en una variedad de versiones musicales a lo largo de las décadas. Comenzaremos hablando de la versión que hicieron los Ramones. En 1977, los Ramones incluyeron “Surfin' Bird” en su álbum Rocket to Russia. Esta versión de los Ramones es conocida por su energía frenética y su adaptación al estilo punk de la banda y ayudó a mantener la canción viva en la cultura musical de finales de los años 70. THE CRAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=n9-HJu6osew Un año después, en 1978, The Cramps, pioneros del psychobilly, incluyeron su versión de “Surfin' Bird” en el álbum Gravest Hits. La interpretación de The Cramps es más oscura y retorcida, alineándose con el estilo único y surrealista del grupo. Esta versión, que combina elementos del punk con influencias del rockabilly y el horror, le da un toque de misterio y oscuridad a la canción original, mostrando la flexibilidad de “Surfin' Bird” para adaptarse a diferentes estilos musicales. SKIANTOS: https://www.youtube.com/watch?v=7wLg6puVoMo En 1979, la banda italiana Skiantos, conocida por su “rock demencial”, versionó “Surfin' Bird” en su álbum Kinotto. La interpretación de Skiantos mantiene la esencia frenética de la canción original, pero le añade un toque de humor absurdo y provocador, adaptándola a su estilo único, dándole una nueva dimensión al tema, demostrando cómo el humor y la sátira pueden transformar una canción clásica. APARICIONES EN PELÍCULAS Y SERIES PEE-WEE HERMAN EN BACK TO THE BEACH: https://www.youtube.com/watch?v=l8zuNRNdWqw Pero “Surfin' Bird” no solo ha sido versionada musicalmente, sino que también ha hecho numerosas apariciones en películas y series de televisión. Estas inclusiones han ayudado a mantener la canción relevante y han contribuido a su estatus como ícono cultural. En 1987, Pee-wee Herman interpretó “Surfin' Bird” en la película Back to the Beach, un vibrante homenaje al surf rock de los 60 protagonizado por Frankie Avalon y Annette Funicello. Con su característico humor excéntrico, Pee-wee aportó un toque cómico y refrescante a la canción. Su participación añade una capa adicional de diversión a la cinta, funcionando como un nostálgico reencuentro con los días dorados de la cultura playera. LA CHAQUETA METÁLICA: https://www.youtube.com/watch?v=5MNZSCrcC04 La aparición de “Surfin' Bird” en la banda sonora de la película La Chaqueta Metálica, dirigida por Stanley Kubrick en 1987, introdujo el tema a una nueva generación y consolidó aún más su estatus como símbolo cultural. La canción se utiliza de manera irónica durante una escena en la que se muestra a soldados estadounidenses en la Guerra de Vietnam desde un punto de vista de reporteros de guerra. La elección de esta canción, con su ritmo frenético y letra absurda, contrasta con el ambiente violento de la guerra, algo característico del estilo de Kubrick, quien solía utilizar música de manera irónica para enfatizar la disonancia entre la acción en pantalla y la banda sonora. PETER GRIFFIN EN PADRE DE FAMILIA CANTA "SURFIN' BIRD": https://www.youtube.com/watch?v=wsVGiBV2MM0 En los dibujos animados Padre de Familia, Peter Griffin ha convertido 'Surfin' Bird' en un fenómeno viral. Al incluir esta canción como un gag recurrente, la serie ha servido como un puente generacional, asegurando que el pegajoso ritmo de The Trashmen siga vigente en el actual imaginario colectivo. Gracias al episodio "Sueño con Jesucristo", donde Peter se obsesionaba por primera vez con este tema, la canción volvió a entrar en las listas de éxitos en varios países en 2008 e incluso hubo una campaña masiva en Reino Unido para llevarla al número 1 en la navidad en 2010. CONCLUSIÓN Desde su creación, “Surfin' Bird” ha sido reinterpretada y utilizada en diversos contextos, demostrando su versatilidad y atractivo duradero. La canción ha pasado de ser un éxito de surf en los años 60 a convertirse en un ícono cultural, con versiones musicales y apariciones en medios que han mantenido su relevancia a lo largo de las décadas. Gracias por acompañarme en este episodio de “Explorando Versiones” y nos vemos en el próximo. Un abrazo.

Siniestro Total (capítulo 1) MIAMI VICE THEME: https://www.youtube.com/watch?v=dEjXPY9jOx8 En los 80, mientras que Madrid vivía obsesionada con la Movida, en Galicia estaba pasando algo bastante más interesante. Lejos del centralismo y con mucho sentido del humor, empezó a surgir una escena que mezclaba punk, cultura popular y gamberrismo sin complejos. De ese caldo de cultivo nació Siniestro Total: un grupo capaz de convertir cualquier pamplina en una canción de culto. Fue una nueva forma de mirar la vida con ironía, sarcasmo y humor absurdo. Y si algo hacían como nadie era coger canciones ajenas, pasarlas por la trituradora y sacarlas como si siempre hubieran sido suyas. Ya sabéis que soy muy fan, y era cuestión de tiempo dedicarles un programa. Soy Francisco, y esto es… Explorando Versiones de Siniestro Total (Volumen 1). THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — HOY VOY A ASESINARTE THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — PETULA CLARK The Life and Soul of the Party (Petula Clark): https://www.youtube.com/watch?v=9p2UarqccsY Para abrir este repaso nos remontaremos a 1964, cuando apareció la primera versión de The Life and Soul of the Party, lanzada por el trío vocal femenino británico The Debs. Un par de años más tarde la popularizó la también británica Petula Clark en su disco “My love” publicado en 1966. En aquellos años Petula era la reina del pop, y el tema se convirtió en un pequeño himno de fiestas de salón, con sofás de terciopelo y cócteles con sombrillita. Ella la cantaba con tal dulzura que te hacía querer comprarte un juego de té para servirlo con puntualidad británica a las cinco de la tarde. SINIESTRO TOTAL — HOY VOY A ASESINARTE Hoy voy a asesinarte - (¿Cuándo se come aquí? - 1982): https://www.youtube.com/watch?v=KAtqj-vLMwo Pero entonces llega Siniestro Total. En su debut ¿Cuándo se come aquí?, publicado en 1982, deciden que a esa melodía tan mona le falta un poco de sangre y convierten la idea de “ser el alma de la fiesta” en Hoy voy a asesinarte. Transforman la versión original en un monólogo punk sobre la infidelidad y los celos extremos. Pasan de tomar gin-tonic con el meñique levantado a un plan de asesinato como solución doméstica al problema de la cornamenta ósea del protagonista. La letra del tema es tan exagerada que el narrador acaba siendo un pobre tipo ridículo y no un villano. No tratan de justificar nada, mas bién poner en evidencia, desde el humor negro, una reacción tan desproporcionada como absurda. O TREN O TREN — ANDRÉS DO BARRO O tren (Andrés Do Barro): https://www.youtube.com/watch?v=Pyp3jylc9JE El siguiente tema que os traigo es: “O tren”, de Andrés do Barro, una de las canciones más emblemáticas de la música gallega. Este tema aparece en 1970 en el primer LP del cantante ferrolano titulado “Me llamo Andrés Lapique do Barro”, un disco histórico por ser la primera grabación en gallego que consiguió éxito comercial en plena dictadura, cuando cantar en tu lengua materna era casi un acto subversivo. “O tren” es su gran clásico: una mezcla de folk, música melancólica y una enorme carga simbólica. O TREN — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - O tren (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=k-tn3CiHkIA ¿Y qué hace Siniestro en su segundo disco El Regreso, publicado en 1983? Pues lo que nadie esperaba: ¡ser respetuosos! Bueno, a su manera. No parodian la canción, pero le meten el motor de un AVE al tren de vapor original. Mantienen la melancolía pero la envuelven en una energía eléctrica que te hace querer pegar saltos dentro del vagón. Esta versión es un homenaje sin retintín, lo cual en Siniestro es casi una excentricidad. DO THE MUTILATION — OPERA TU FIMOSIS DO THE MUTILATION — THE REVILLOS Do the mutilation (The Revillos): https://www.youtube.com/watch?v=2DhKkQ37Sjg Los escoceses The Revillos eran unos bichos raros de la New Wave. Estética de serie B, peinados imposibles y un sonido que parecía sacado de un tebeo de ciencia ficción de los años 50. El tema "Do the Mutilation" aparece por primera vez en la cara B del single "Motorbike Beat" publicado en 1980. Y su letra juega con temas relacionados con monstruos de películas de serie B, ciencia ficción y mutilaciones de manera cómica. OPERA TU FIMOSIS — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Opera tu fimosis (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=5slEKyHR5x8 Pero Siniestro escuchó "mutilación" y pensó: Demasiado genérico, vamos a llevar esto al terreno de la cirugía. Y así nace "Opera tu fimosis". Es, probablemente, la canción más didáctica del punk español y consiguen que una intervención en una zona tan delicada suene como algo que quieras bailar en una boda. Aquí entras en la consulta de un médico charlatán que te recomienda operarte sin pensarlo demasiado, con un martillo en una mano y un serrucho en la otra, mientras tú le gritas que, por el bien de los dos, mejor no os hagáis daño mutuamente. De esto no tengo pruebas, pero tampoco dudas. SWEET HOME ALABAMA — MIÑA TERRA GALEGA SWEET HOME ALABAMA — LYNYRD SKYNYRD Sweet home Alabama (Lynyrd Skynyrd): https://www.youtube.com/watch?v=-35W_FWCT9Q “Sweet Home Alabama” es un clásico absoluto del rock sureño publicado por Lynyrd Skynyrd en 1974 en el álbum Second Helping. Guitarras limpias, orgullo local, identidad del sur de EE.UU., “Sweet Home Alabama” se convirtió en su canción más famosa y un himno cultural, que cualquier persona reconoce aunque nunca haya escuchado un disco de Lynyrd Skynyrd. Si queréis conocerlo con más detalle ya hicimos un podcast sobre este tema en Explorando Versiones. MIÑA TERRA GALEGA — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Miña Terra Galega (Menos mal que nos queda Portugal - 1984): https://www.youtube.com/watch?v=FqocsS2KCIg Pero cuando Siniestro Total la reescriben como “Miña Terra Galega”, sucede algo especial: de pronto la canción deja de ser un homenaje al sur de EE.UU. y se convierte en una declaración de amor —y de humor— a Galicia, dejando en un segundo plano el tema original de Lynyrd Skynyrd. “Miña Terra Galega” no es una versión más, y se convirtió por derecho propio en el himno oficioso de Galicia. El tema aparece en el álbum “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en el año 1984 siendo un acierto absoluto y una de las mayores apropiaciones culturales que se hayan hecho, y además bien hecha. ROCKAWAY BEACH — ROCK EN SAMIL ROCKAWAY BEACH — THE RAMONES Rockaway beach (The Ramones): https://www.youtube.com/watch?v=8Z1-R2LEuao “Rockaway Beach” es Ramones en estado puro: surf, velocidad, punk playero neoyorquino y olor a crema solar de gasolinera. Este tema aparece en uno de los grandes discos del punk: Rocket to Russia , publicado en 1977, donde se combina la velocidad ramoniana con un toque surfero y melodías más pulidas. ROCK EN SAMIL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Rock en Samil (Bailaré sobre tu tumba): https://www.youtube.com/watch?v=w3In9cQ723E ¿Qué hacen Siniestro? Muy fácil: cogen un mapamundi, lo pliegan a la mitad y teletransportan esa playa americana a la playa de Samil, en Vigo. Un cambio geográfico perfecto: de una orilla del Atlántico a la otra, pero mucho más cerca de casa. “Rock en Samil” aparece en el disco Bailaré sobre tu tumba, publicado en 1985, mantiene la velocidad, la simplicidad y el sabor playero, pero le añade ese toque cercano que lo convierte en un himno local, pero con ADN global. VAMOS MUY BIEN VAMOS MUY BIEN — OBÚS Vamos muy bien (Obús): https://www.youtube.com/watch?v=TbqTzvOPLDs “Vamos muy bien” seguramente sea uno de los temas más conocidos de la banda madrileña Obús. Apareció primero como single en 1981 y luego entró en el álbum “Poderoso como el trueno”, uno de los discos clave del heavy metal español. El tema se convirtió rápidamente en un clásico del rock duro con guitarras distorsionadas, actitud macarra y un espíritu ochentero al 200%. VAMOS MUY BIEN — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Vamos muy bien (En beneficio de todos - 1990): https://www.youtube.com/watch?v=J4lg_Z1eFOw Cuando Siniestro la versionan en 1990 en su disco “En beneficio de todos”, mantienen esa energía y lo hacen con una fidelidad sorprendente… pero pasada por el filtro de la banda. La letra sigue siendo una oda al desfase, pero en boca de Siniestro suena más callejera. Es como si ambos grupos cantaran lo mismo pero con filosofías distintas. Y aun así, esta versión funciona de maravilla. HIGHWAY TO HELL — SOMOS SINIESTRO TOTAL HIGHWAY TO HELL — AC/DC Highway to Hell (AC/DC): https://www.youtube.com/watch?v=zi60ZrJj34M Highway to Hell: una de las canciones más icónicas del rock mundial y es literalmente un himno planetario. El tema da nombre al disco, que fue publicado en 1979, y sin duda marcó una era. Además es el último disco con Bon Scott, y probablemente uno de los más importantes de la historia del rock. Si no eres un extraterrestre que acaba de llegar a este planeta, poco más hay que explicar de esta canción. SOMOS SINIESTRO TOTAL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Somos Siniestro Total (En beneficio de todos): https://www.youtube.com/watch?v=mKqqOk2qhrI Pero aquí Siniestro Total no hacen una versión, sino una canción nueva apoyada en la base musical de AC/DC. “Somos Siniestro Total” es un autorretrato de la banda en la que cuelan en su letra grandes frases de sus temas más conocidos. Una autopresentación gamberra usando un clásico como plantilla. Pura genialidad. FOLLA CON ÉL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Folla con él (Me gusta como andas): https://www.youtube.com/watch?v=Ia_hD5dp5YI Pero no siempre tuvo ese título. De hecho, el título original fue “Folla con él”, aunque se ve que lo pensaron mejor y escribieron una letra más “seria”. No obstante, Julián Hernández, a la sazón líder del grupo, publicó en 2022 el libro titulado “Folla Con Él: Todas las versiones de Siniestro Total y sus circunstancias”. CASIMIRO CASIMIRO — SINTONÍA RTVE Casimiro (RTVE): https://www.youtube.com/watch?v=4YITJc9bYqE Y para terminar este repaso, hablaremos d

En la octogésima séptima entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo David Revueltas, de radio Nido Musical (Galdakaoko Albistegia), nos hablará de la canción «Hay poco Rock & Roll» de la banda bilbaína «Platero y Tú». Lanzada originalmente en 1994, esta canción se convirtió en el grito de guerra de una banda que reivindicaba la esencia del rock directo y sin artificios. En esta sección, analizamos cómo este clásico ha sobrevivido al paso del tiempo a través de diferentes interpretaciones que van desde lo tecnológico hasta la pura adrenalina del directo. PLATERO Y TU: https://www.youtube.com/watch?v=FFQdttqbhGA THE WEDDING ROCK BAND: https://www.youtube.com/watch?v=aOXhnbSzRlI COVER AI: https://www.youtube.com/watch?v=2EgTPOYpRBE THE BON SCOTT BAND: https://www.youtube.com/watch?v=TQ-wHmqsV2U COTOYE: https://www.youtube.com/watch?v=GmFzhs2De1s FITO Y FITIPALDIS & IÑAKI ANTÓN GONZÁLEZ (Uoho): https://www.youtube.com/watch?v=glPcn85SIa8

"Yo maté al sheriff, pero al ayudante no maté" es una de las frases más icónicas de la música popular. Escrita por Bob Marley en 1973, esta canción no es solo un hit, es un duelo al sol por la justicia y una rebelión contra la opresión de Babylon. Hola, soy Francisco y hoy repasamos sus versiones más sorprendentes: “I shot the sheriff”. BOB MARLEY & THE WAILERS: https://youtu.be/bCAHC_BYMfM Incluida en el álbum Burnin', el sexto álbum de estudio, publicado en 1973 por Bob Marley & The Wailers, el tema es un reggae puro, con un ritmo pausado pero intenso. Como si de un Western moderno se tratara, la letra nos pone en la piel de un hombre que es acosado por el Sheriff John Brown. Según el narrador, Brown lo odiaba y siempre intentaba eliminarlo cada vez que éste plantaba una semilla, que se sobreentiende que de marihuana, pero en realidad se refiere a la libertad frente a Babylon. En la cultura rastafari, Babylon representa el sistema opresor y la autoridad corrupta. El sheriff funciona como metáfora de ese sistema y dispararle no es solo un acto violento, sino un acto simbólico de rebelión contra quienes temen que la gente piense por sí misma y sea libre. El clímax se produce cuando, al intentar abandonar la ciudad, el sheriff lo intercepta. Durante la confrontación, el protagonista dispara en defensa propia, dejando claro que el ayudante salió ileso. Asume su acción, pero insiste en que él no es un asesino. Tiempo después, Marley confesó que inicialmente la letra decía "I shot the police" (yo disparé a la policía), pero la cambió para evitar represalias por incitar al odio y personificó la crítica en la figura del Sheriff. ERIC CLAPTON: https://youtu.be/L0xLLPJ0bOw Tan solo un año después, en 1974, Eric Clapton lanzó su versión para el álbum “461 Ocean Boulevard”. Fue la que hizo que la canción fuera conocida masivamente, llegando al número 1 de la lista de Billboard e hizo que Marley se volviera masivamente conocido en todo el mundo. Con un sonido de rock suave con toques de blues y reggae hizo la canción más comercial. Irónicamente, Clapton no quería grabarla, pero su banda lo convenció. La grabación se realizó en Miami y, aunque Clapton sentía que su versión era casi una falta de respeto al original por lo suave que sonaba, terminó siendo el mayor éxito en solitario hasta ese momento. DEODATO: https://youtu.be/KbvgY8Ogl_w En 1976 el tema da un giro hacia el Jazz y la Fusión de la mano del arreglista brasileño Eumir Deodato que transforma el drama de Marley en una fiesta Disco / Funk. La canción aparece en el álbum “Very Together” y se trata de una versión instrumental cargada de sintetizadores espaciales y una sección de vientos que parece sacada de una banda sonora de persecuciones de los años 70. JACO PASTORIUS: https://youtu.be/4McCouCvMTg En 1986 Jaco Pastorius, el genio del bajo, lleva la canción a un terreno de improvisación pura. La utiliza para demostrar cómo un tema de tres acordes puede sostener una improvisación de jazz-fusión sorprendente. Se trata de una clase magistral donde Jaco Pastorius toca la línea melódica y el bajo al mismo tiempo, llevando el reggae a una complejidad técnica inaudita y convirtiéndola en una obra de arte compleja. WARREN G: https://youtu.be/nuJVHQ7D5UA A finales de los 90, el rapero Warren G sampleó la melodía de la versión de Eric Clapton para adaptarla a la cultura del rap de la costa oeste de Estados Unidos. No se trata de una versión literal del tema, sino una reinterpretación que mantiene el espíritu y nos habla de la supervivencia en las calles en los barrios de Long Beach. VOODOO GLOW SKULLS: https://youtu.be/zuDL9CiX36E El grupo Voodoo Glow Skulls hicieron una versión frenética para su disco Symbolic publicado en el año 2000. Aquí la canción se acelera a 200 pulsaciones por minuto. Mezclan la estructura del reggae con la agresividad del punk y es ideal para entender cómo la letra de Marley encaja perfectamente con la rabia del punk. MAD SIN: https://youtu.be/MSGkO27KD8w La banda alemana “Mad Sin” lleva el tema al terreno del Psychobilly. Aparece en el álbum “Teachin' The Goodies ...And More!” publicado en 2003. Con un contrabajo que suena como una locomotora y una voz cavernosa, transforman la historia del Sheriff en algo parecido a una película de terror de serie B. LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/mWZVJfE7hPM Ahora hablemos de algunas versiones en español. La primera es del grupo catalán Leonor ϟϟ, nos dejó esta versión cruda de punk en español ("Yo maté al sheriff"). Corta, directa y al grano. Esta versión aparece en el álbum “Maqueta Para Retrasados” publicada en 2013. LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/nco1UrPYU4k Un par de años después, 2015 hacen una nueva versión para el álbum “Sistema De Entretenimiento” RUMBEAT (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/lDSjciz2xqo En el año 91, el grupo de rumba catalana Rumbeat incluyó en su primer álbum homónimo una adaptación rumbera del clásico reggae “I Shot the Sheriff” de Bob Marley, titulada como “Yo Maté al Sheriff”. Se trata de una versión en clave de rumba, reinterpretando la canción con ritmos y sonoridades propias de la rumba, con palmas, guitarras rumberas y acercando la canción al terreno de la fiesta callejera en vez de al mensaje introspectivo del reggae. CONCLUSIÓN Cincuenta años después, seguimos sin saber por qué el Sheriff John Brown le tenía tanta inquina a Bob Marley, pero lo que sí sabemos es que su historia aguanta lo que le echen: sintetizadores, contrabajos psicópatas y palmas rumberas. "I Shot the Sheriff" demuestra que una gran composición y no tiene fronteras ni género. Gracias por acompañarme y nos escuchamos en la siguiente entrega de Explorando Versiones.

En la octogésima quinta entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Nicolás Carmona nos hablará del grupo sevillano «Pata Negra», de su impacto en la fusión entre flamenco y blues, y de su tema «Yo me quedo en Sevilla» publicado en el álbum «Blues De La Frontera». Pata Negra - Pasa La Vida: https://www.youtube.com/watch?v=r_wzmTFdVis Pata Negra - Bodas de Sangre: https://www.youtube.com/watch?v=PpErvxHYvIk Pata Negra - Camarón: https://www.youtube.com/watch?v=igBqq7uODd0 Pata Negra - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=N-9zEvBNpLs Antonio Carmona - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=BnKNj92AUOI Manuel Carrasco - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=TDYXV6rJ0PU Marta Quintero - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=KL2japzz0As

Bienvenidos a un nuevo episodio de "Explorando Versiones". Hoy nos adentramos en un clásico del soul y el rock 'n' roll: "Nutbush City Limits" de Tina Turner. IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS https://www.youtube.com/watch?v=tFMXV2xqW8o "Nutbush City Limits" fue escrita por Tina Turner, cuyo nombre de nacimiento es Anna Mae Bullock, junto con su entonces esposo Ike Turner. La canción fue lanzada en 1973 como parte del álbum "Nutbush City Limits", que también lleva el nombre de la canción y fue uno de los álbumes más exitosos de Ike & Tina Turner. La letra de la canción está inspirada en la ciudad natal de Tina Turner, Nutbush, Tennessee. A pesar de que Tina había dejado Nutbush para seguir su carrera musical, siempre mantuvo un fuerte vínculo emocional con su lugar de origen. "Nutbush City Limits" no sólo rememora la vida en una pequeña ciudad sureña, sino que también es un homenaje personal a las raíces de Tina Turner y a su identidad como mujer afroamericana creciendo en el sur de Estados Unidos por su connotación racial. A pesar de su éxito musical, la relación entre Tina y Ike fue tumultuosa y marcada por problemas personales y profesionales. En julio de 1976, Tina finalmente tuvo el coraje de dejar a Ike Turner, escapando con poco más que 36 centavos y un nombre que necesitaba reinventarse. Esta separación marcó un punto de inflexión en su vida, permitiéndole liberarse del control abusivo y comenzar una carrera en solitario. TINA TURNER (VERSIÓN 1991) https://www.youtube.com/watch?v=jg7qrYqJ9ns En 1991, Tina Turner decidió revisitar "Nutbush City Limits" como parte de su álbum recopilatorio "Simply the Best". Esta decisión fue parte de un esfuerzo por reintroducir su música a una nueva generación de oyentes y adaptarse a los estilos musicales contemporáneos de la época. A diferencia de la versión original de 1973, que era más orientada hacia el funk y el soul, la versión de 1991 adopta un enfoque más orientado hacia la música dance y el pop rock. Esta versión incorpora sintetizadores y ritmos electrónicos, lo que la hace más adecuada para las pistas de baile de la época. Esta versión no solo consolidó la posición de Tina Turner como una artista versátil capaz de adaptarse a diferentes estilos musicales, sino que también contribuyó a su resurgimiento como una fuerza dominante en la industria musical en la década de 1990. BOB SEGER: https://www.youtube.com/watch?v=IThlyeflBOc Bob Seger, figura icónica en la historia del rock estadounidense y conocido por su voz distintiva y su habilidad para capturar la esencia del rock 'n' roll, realizó esta versión de "Nutbush City Limits" para su álbum "Beautiful Loser" lanzado en 1975 y en el que incluía esta versión de "Nutbush City Limits". BRIAN JOHNSON & FRIENDS: https://www.youtube.com/watch?v=wRQgh17_b0w En 2004, Brian Johnson, conocido principalmente como el vocalista de la legendaria banda de rock AC/DC, participa en un festival tipo “Monsters of Rock” con varios músicos invitados bajo el nombre de "Brian Johnson & Friends". Durante este evento realizan esta versión de "Nutbush City Limits". BETH HART & JOE BONAMASSA: https://www.youtube.com/watch?v=Erw00WZYhQ8 Beth Hart, cantante y compositora conocida por su potente voz y Joe Bonamassa, virtuoso guitarrista de blues y rock, realizan esta versión de "Nutbush City Limits" que mantiene la esencia original de la canción, pero le añade un enfoque fresco y contemporáneo con influencias claras del blues y el rock. DORO PESCH: https://www.youtube.com/watch?v=SYYE4VoPiDE La cantante alemana de heavy metal Doro Pesch, conocida simplemente como Doro, también grabó en 2014 esta versión de "Nutbush City Limits" para el álbum “Powerful Passionate Favorites”. Su versión tiene un enfoque más orientado hacia el rock y el heavy metal, adaptando la canción original de Tina Turner con riffs de guitarra pesados y una voz potente. THE BO DEREK’S: https://www.youtube.com/watch?v=FsGgxcKRtcs Aunque hay innumerables versiones más de este tema, queremos cerrar con la versión que hizo el grupo gallego The Bo Derek’s. Este power-trío, liderado por el ex Siniestro Total Óscar Avendaño, también hizo una versión de este tema para cierra el álbum “Porca miseria”, lanzado en 2023, y que pudimos disfrutar en directo en el pasado festival de rock en 2023 que organizó la Asociación Cultural Torre Rock. CONCLUSIONES IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS https://www.youtube.com/watch?v=bpuf6AmQH4M Esta canción ha dejado una huella indeleble en la historia musical y sus versiones proporcionan una nueva perspectiva sobre este clásico atemporal, asegurando su lugar en la historia musical contemporánea. Muchas gracias por acompañarme en este repaso de Nutbush City Limits y nos vemos pronto en otro episodio de Explorando Versiones. Un saludo.

Hola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones hablaremos de otra canción relacionada con el correcaminos. En esta ocasión nos subimos a toda velocidad en el ritmo de Road Runner, un clásico del inconfundible Bo Diddley. Esta es la continuación del episodio 61 de este podcast, donde ya exploramos la versión de Barbara Cameron utilizada en la introducción de los dibujos animados del Correcaminos. Pero atención, porque aunque esta canción también habla del Correcaminos, no tiene relación aparente con la serie. ORIGEN DE LA CANCIÓN BO DIDDLEY: https://www.youtube.com/watch?v=v6qDAvsfyvg Road Runner fue lanzada como sencillo en enero de 1960 por Checker Records y luego incluida en el álbum Bo Diddley in the Spotlight. Compuesta e interpretada por el propio Bo Diddley, esta joya del rock and roll llegó al puesto 20 en la lista de R&B de Billboard y alcanzó el puesto 75 en la lista del Hot 100. La canción sigue la estructura de un blues de 12 compases, pero con ese inconfundible ritmo de Bo Diddley, esa cadencia percutiva que se convirtió en su sello personal. GRABACIÓN Y SONIDO Road Runner fue grabada en septiembre de 1959 en los legendarios Chess Studios de Chicago. En la sesión participaron grandes músicos como Otis Spann al piano y Jerome Green en las maracas, aportando ese sonido tan característico. Además de la colaboración de músicos como Otis y Jerome, no podemos dejar de hablar del papel esencial de la guitarra de Bo Diddley. Su fiel compañera, la Gretsch G6138 Bo Diddley, con su forma rectangular única, le permitía hacer sonar esa cadencia tan peculiar y su distintivo Bo Diddley Beat. Esta guitarra, que parece tan propia de su estilo como su presencia en el escenario, contribuyó en gran medida a dar forma a ese sonido tan energético y contagioso. ¿El resultado? Un tema vibrante, dinámico y contagioso, donde la guitarra de Bo Diddley marca el ritmo como un motor en plena aceleración. IMPACTO CULTURAL Y PRESENCIA EN MEDIOS Anuncio Mazda: https://www.youtube.com/watch?v=eQcy6KXaex8 La canción no solo ha sido versionada, sino que también ha aparecido en anuncios y películas. Por ejemplo, en 2012 fue usada en un anuncio de la marca Mazda, y en 2013 formó parte de la banda sonora de El lobo de Wall Street de Martin Scorsese. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=_M_ZIsADngQ En marzo de 1963, los Rolling Stones grabaron su versión de Road Runner en Londres, en una de sus primeras sesiones de estudio. Aunque la canción no se publicó oficialmente en su momento, la influencia de Bo Diddley en su sonido es innegable. Keith Richards replicó el ritmo característico con su guitarra, mientras Mick Jagger le imprimía su sello personal a la interpretación vocal. Este tema fue parte del repertorio en sus primeros conciertos y marcó el inicio de su conexión con el blues americano. THE PRETTY THINGS: https://www.youtube.com/watch?v=bPRBR9Y8dII Para su álbum debut, publicado en 1965, la banda londinense The Pretty Things decidieron incluir su propia versión de Road Runner, llevándola a un sonido aún más crudo y agresivo que el original. Su interpretación tuvo tanto éxito en los Países Bajos que llegó al puesto 11 en las listas de éxitos. La banda, con su actitud desafiante y su estilo salvaje, fue una de las que más se acercó a la energía pura del Bo Diddley original. THE ANIMALS: https://www.youtube.com/watch?v=m3XvRyULbdU También en el año 1965, otro grupo británico como The Animals publica su segundo disco titulado Animal Tracks, en el que Eric Burdon y compañía dieron su propia visión del clásico. A diferencia de otras versiones, la de The Animals se caracterizó por un tono más intenso y una base rítmica potente, con la inconfundible voz rasgada de Burdon llevándola a otro nivel. Su amor por el blues y el rhythm & blues americano se reflejó claramente en esta interpretación. THE WHO: https://www.youtube.com/watch?v=me-tMmqsZow Durante sus conciertos en la década de los 70, The Who tocaban Road Runner en vivo con una energía arrolladora. En 1975, grabaron una versión en el Pontiac Silverdome, fusionándola con Join Together y My Generation Blues. Esta interpretación se publicó en 1979 dentro del disco que acompañó la película The Kids Are Alright, mostrando su dominio del directo y su conexión con los clásicos del rock. AEROSMITH: https://www.youtube.com/watch?v=rHk1vafrZ9o En su álbum de versiones Honkin’ on Bobo publicado en 2002, Aerosmith rindió homenaje a sus raíces con una versión explosiva de Road Runner. Steven Tyler y Joe Perry recuperaron el espíritu del blues-rock con una interpretación cargada de potencia y matices modernos. El disco en sí fue un tributo a los grandes del blues, y esta canción destacó por su fidelidad al estilo original sin perder la marca distintiva de la banda. THE PHANTOMS: https://www.youtube.com/watch?v=ZO3t_RVwzjI El grupo alemán The Phantoms incluyó una versión del tema en su LP, llamado también, Roadrunner y lanzado en 1966. A pesar de su origen europeo, su versión refleja la influencia de las bandas británicas de garage de la época. Con un enfoque crudo y energético, la banda mantuvo la estructura del blues de 12 compases, pero con un sonido de garage rock. Este enfoque europeo mostró cómo la influencia de Bo Diddley cruzó fronteras, adaptándose al estilo propio del rock alemán de los 60s. HURRIGANES: https://www.youtube.com/watch?v=hu67ysV6Qzc En Finlandia, la banda Hurriganes hizo historia con su álbum Roadrunner publicado en 1974 y que tomó el nombre de la canción de Bo Diddley. Su versión, con un sonido más cercano al rock clásico, se convirtió en un himno en el país y sigue siendo una de las versiones más icónicas de la canción fuera del mundo anglosajón. En Finlandia, este álbum es considerado una obra clave del rock & roll. JOHNNY WINTER: https://youtu.be/QogdraH6_E4?si=07XaVfCwbvE3smYJ En 1970, el legendario guitarrista Johnny Winter, conocido por su virtuosismo en el blues, hizo su propia interpretación de Road Runner en su álbum Johnny Winter. Su versión mantiene la esencia de Bo Diddley pero le añade su estilo único, con una guitarra potente y una energía cruda que eleva la canción a nuevas alturas. Johnny Winter, con su inconfundible toque, fue capaz de hacer que esta pieza de Bo Diddley sonara fresca y revitalizada, a la vez que rendía homenaje a su influencia. WAYNE FONTANA AND THE MINDBENDERS: https://www.youtube.com/watch?v=8HUgiPah4zo En 1965, Wayne Fontana and The Mindbenders grabaron su propia versión de Road Runner. Esta versión tiene una atmósfera británica marcada por el estilo de la época, con un enfoque más melódico que las versiones anteriores, pero manteniendo la energía imparable de la original. Su interpretación de Road Runner refleja el auge de la invasión británica y tiene un toque más suave y pegajoso, que logró un gran éxito en el Reino Unido. CONCLUSIONES Road Runner es una de esas canciones que encapsulan la esencia del rock and roll, aportando velocidad, energía y un ritmo imparable. Bo Diddley dejó un legado imborrable y esta canción sigue corriendo sin frenos por la historia de la música. Así que, la próxima vez que escuches Road Runner, recuerda que no solo es el correcaminos, ¡es todo un legado de rock and roll que sigue corriendo a la velocidad de la luz!

En esta octogésima segunda entrega de entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Pedro A. Luis nos hablará de la canción «Little Wing», un tema de «Jimi Hendrix». THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - LITTLE WING: https://www.youtube.com/watch?v=35luFxHO5E0 SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=4dOnxRMq388 STING: https://www.youtube.com/watch?v=JcdNcLYH47c PAPPO BLUES - PEQUEÑA ALA: https://www.youtube.com/watch?v=WvxQFm-ZHVY CASANDRA LANGE: https://www.youtube.com/watch?v=z4KqJQbY_1s RAIMUNDO AMADOR: https://www.youtube.com/watch?v=OIjbnXkkgoc

Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a descubrir la historia de una canción que cruzó fronteras, escenarios y estilos… y que, en realidad, nació de algo tan pequeño como un papel de fumar. Sí, hoy nos adentramos en la canción Bolleré, de Raimundo Amador… o mejor dicho, con Bolloré, de Cathy Claret, su autora original CATHY CLARET - BOLLORÉ (VERSIÓN ORIGINAL) https://youtu.be/zrLYESYGr54?feature=shared Cathy Claret y el papel Bolloré Todo el mundo cree que Bolleré es de Raimundo Amador, pero la historia empieza con la música francesa Cathy Claret. En mayo de 1991 publica su segundo LP, Soleil y locura, y en este disco aparece un tema curioso, cantado en español pero con acento francés y aires de flamenco fusionado con Bossa nova: Bolloré. La canción está dedicada a un papel de fumar muy especial: OCB Bolloré. Si lo mirabas al trasluz, se podía leer esa palabra, Bolloré, y Cathy, que viajaba a menudo de Francia a Sevilla, lo traía para sus amigos de las 3.000 viviendas, porque en España no se conseguía. Para ellos era casi un tesoro. Raimundo, por aquel entonces, la acompañaba en sus actuaciones. Así que conocía la canción desde dentro, antes de que se convirtiera en un himno. ARRAJATABLA: https://youtu.be/naMNwUm25ww?feature=shared Un año después, Raimundo Amador deja Pata Negra y forma Arrajatabla junto a Juan Reina en la voz, Luis Cobo Manglis en la guitarra y Diego Amador en los teclados. Publican en 1992 su único disco: Sevilla Blues. En este álbum aparece Bolleré, ya adaptado al acento sevillano de Raimundo. Es la primera vez que el tema se graba con un sonido más cercano al flamenco-blues, alejándose del aire juguetón y minimalista de la versión original de Cathy. CATHY CLARET (SUSSURANDO): https://youtu.be/WOgreNbyGwI?feature=shared En 2003, Cathy Claret la regrabó en su disco Sussurando, acercándose más al estilo que popularizó Raimundo, pero conservando su frescura. RAIMUNDO (GERUNDINA): https://youtu.be/5ik_0_KnTYs?feature=shared En 1995, Raimundo da un paso decisivo: lanza su primer disco en solitario, Gerundina, llamada así por una de sus guitarras. En Bolleré, cuenta con un invitado de lujo: nada menos que BB King. Aquí la canción gana cuerpo, sobre todo con ese diálogo eléctrico entre el blues de BB King y el compás de Raimundo. Una fusión tan natural que parece que hubieran tocado juntos toda la vida. RAIMUNDO Y BB KING (NOCHES DE FLAMENCO Y BLUES): https://www.youtube.com/watch?v=rzr6KZ23NwU Si la versión de estudio ya era espectacular, la del directo de 1998, en el disco Noche de flamenco y blues, es pura magia. Raimundo y BB King sobre el escenario, mirándose, retándose y disfrutando. Es el momento en que Bolleré se convierte definitivamente en un clásico. CONCLUSIONES Bolleré es más que una canción: es un puente entre culturas, un guiño privado convertido en himno, y un ejemplo de cómo una idea aparentemente pequeña puede crecer y recorrer el mundo. Gracias a Cathy Claret, a Raimundo Amador y a todos los que la han hecho suya, hoy podemos seguir escuchando ese estribillo que, entre compases de flamenco y blues, nos recuerda que la música no tiene fronteras…

1.- GLORIA JONES - TAINTED LOVE 2.- SOFT CELL En los clubes underground de Leeds, dos jóvenes experimentaban con máquinas de ritmo y sintetizadores. Marc Almond, con su voz intensa y dramática, y David Ball, maestro de los teclados, dieron forma a una versión que nadie esperaba. El resultado fue un tema que desde el primer segundo atrapaba con su inconfundible pulso electrónico, un latido que parecía marcar el inicio de una nueva era musical. 3.- LA UNIÓN - FALSO AMOR La Unión convirtió Tainted Love en Falso Amor, una versión en español que llevó el tema a la escena del pop-rock ibérico de los 80, con un aire oscuro y urbano que conectó con toda una generación. 4.- BLUEKILLA Cuando la banda alemana Bluekilla se apropió de Tainted Love, lo hizo con un espíritu completamente distinto: ska, trompetas vibrantes y un ritmo que invita a bailar sin parar. Su versión rompe con la melancolía de Soft Cell y el dramatismo de La Unión, para transformarla en una fiesta sonora. 5.- DEPECHE MODE Depeche Mode interpretA Tainted Love desde su universo sonoro cargado de melancolía y oscuridad. Su versión no busca la fiesta ni el desencanto urbano, sino sumergirnos en un estado emocional profundo, casi confesional. 6.- SOCIAL DISTORSION En 1982, la banda californiana Social Distortion, pionera del punk rock estadounidense, lanzó su propia versión de Tainted Love. A diferencia de las atmósferas electrónicas de Soft Cell o la melancolía de Depeche Mode, ellos la convirtieron en un grito punk crudo y directo, con guitarras distorsionadas y una actitud desafiante. 7.- ANALÓGICOS - FALSO AMOR En el universo de las reinterpretaciones de Tainted Love, Los Analógicos se atrevieron a darle un giro propio: un sonido que combina la energía del rock español con la accesibilidad del pop. Su versión, titulada Falso Amor, mantiene la esencia del desengaño amoroso, pero la viste con guitarras más presentes y un ritmo más cálido que el de Soft Cell o La Unión. 8.- SCORPIONS The Scorpions, ya convertidos en leyendas del hard rock, deciden rendir homenaje a algunos clásicos de la música. Entre ellos, eligen Tainted Love. Pero en sus manos, la canción deja atrás los sintetizadores fríos y las atmósferas urbanas para convertirse en un torbellino de guitarras eléctricas y la voz inconfundible de Klaus Meine. 9.- MILKY CHANCE Tainted Love de Milky Chance es prueba de que un buen cover nunca se copia. Se reinterpreta.Se siente de nuevo. 10.- MARILYN MANSON Y finalmente, llegamos a la versión favorita de Agartha: Marilyn Manson. Su interpretación de Tainted Love, lanzada en 2001 para la película Not Another Teen Movie, es un espectáculo en sí misma.

SHOW ME THE WAY En la septuagésima novena entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Pedro A. Luís nos hablará de la canción «Show me the way», un tema del británico «Peter Frampton» y el periplo de su guitarra Les Paul Custom de 1954 que desapareció en un trágico accidente aéreo en 1980 y que finalmente pudo ser recuperada en 2011. PETER FRAMPTON - SHOW ME THE WAY: https://www.youtube.com/watch?v=Qh4zqMMaRlA CHESTER MILLER: https://www.youtube.com/watch?v=5W0rwOrnd68 ALVARO ESCARAMELLI: https://www.youtube.com/watch?v=YPVGx_fscWM PETER FRAMPTON (LIVE): https://www.youtube.com/watch?v=fljCxY1jtik PETER FRAMPTON (SINGLE): https://www.youtube.com/watch?v=tv3sH9sXZbY

A finales de la década de los 80, y con el cansino run run de la jodida movida madrileña zumbando día sí y día también en nuestros oídos haciendo gala de un heliocentrismo capitalino bastante jartible, en el norte de España se estaba acabando una década gloriosa para el rock, con grupos como Cicatriz, La Polla Records, Eskorbuto, Barricada o M.C.D por ejemplo. Estos salvajes del rock y del punk eran el contrapeso a esos pijazos madrileños que con el altavoz mediático se creían ser el ombligo del mundo. En ese contexto histórico empezaba a fermentar un grupo de músicos que marcarían el camino del rock nacional de los próximos años. Juantxo e Iñaki Uoho tenían una banda llamada Ke, humo en Euskera que grabó solo una maqueta para después disolverse pero fue el germen de lo que vino luego. Tardaron poco en formar otra banda junto a Jesús García, Maguila, Juantxo que era el bajo del grupo invitó a un ensayo a un vecino suyo que decía tocar la guitarra y es así como el resto del grupo conoció a Adolfo Cabrales Mato…mas conocido como Fito Cabrales a groso modo así nació Platero y tu. PLATERO Y TU - HAY POCO ROCK AND ROLL: https://www.youtube.com/watch?v=FFQdttqbhGA Platero y tu estuvieron en activo desde 1989 hasta 2002 aunque Fito que para entonces era el frontman de la banda además de cantante y guitarrista, ya tenía andando y en paralelo su siguiente proyecto musical… Fito y Fittipaldis. Este nuevo proyecto era sin duda más personal y daba cabida a otras inquietudes de Fito en la música como el rockabilly, swing, jazz…. Desde su primer disco “A Puerta Cerrada”, de 1998, Fito decidió incluir una versión en cada trabajo que publicara como Fito y Fitipaldis y eso sirve de banderín de enganche para hacer este Explorando Versiones. Soy Sergio Serrato y esto es un especial Explorando Versiones de Fito y Fitipaldis. LOS SECRETOS - QUIERO BEBER HASTA PERDER EL CONTROL: https://www.youtube.com/watch?v=39a1V8IIMog Esta es la canción elegida para ese disco debut de 1998, la canción “quiero beber hasta perder el control” de Los Secretos. FITO Y FITIPALDIS - QUIERO BEBER HASTA PERDER EL CONTROL: https://www.youtube.com/watch?v=p1n1aXFUVy8 La versión de Fito es más rápida y bebe, nunca mejor dicho en cierto rock sureño. FITO Y FITIPALDIS - PARA TODA LA VIDA: https://www.youtube.com/watch?v=Gtrt3HvSD-s Y del rock sureño a la musica norteña, para su disco Los sueños locos de 2001 Fito y los suyos versionaban así la canción del acordeonista tejano Flaco Jimenez pero más alejado del regusto Tex Mex del Flaco. FLACO JIMENEZ - PARA TODA LA VIDA: https://www.youtube.com/watch?v=K9KgpoFkJFU Esta es la canción original de uno de los mayores representantes del estilo corrido norteño pero nacido al otro lado de la frontera. LOS REBELDES - QUIERO SER UNA ESTRELLA: https://www.youtube.com/watch?v=_-ZaB2lN568 El tercer disco de Fito y Fitipaldis puede ser el de su consagracion, corría el 2003 y en el disco “Lo más lejos a tu lado” versionaban esta canción de Los Rebeldes “Quiero una estrella”. FITO & FITIPALDIS - QUIERO SER UNA ESTRELLA: https://www.youtube.com/watch?v=vI0mQEjBwMI Esta vez no se alejan del estilo Rockabilly pero eso sí añaden un piano al estilo de de Jerry lee Lewis. EXTREMODURO - DELTOYA: https://www.youtube.com/watch?v=u-kP22JG9Yw La sinergia entre esos dos grupos ha sido permanente y Deltoya de Extremoduro sería la canción elegida para ser versionada en el cuarto disco de la banda “Por la boca vive el pez”. FITO & FITIPALDIS - DELTOYA: https://www.youtube.com/watch?v=SN5ruGzWrz8 Fito es reconocido amigo, admirador incluso vecino del líder de Extremoduro Robe Iniesta. Para esta versión/homenaje Fito elige darle ritmo a la canción incluyendo un solo de saxo muy swing. FITO & FITIPALDIS - TODO A 100: https://www.youtube.com/watch?v=6O3Tra2FvY8 En 2009 ve la luz el siguiente trabajo titulado “Ante de que cuente 10” y por supuesto dentro del mismo estaba esta versión de "Todo a Cien" de "La Cabra Mecánica", aparentemente más formal que la original se podria decir. LA CABRA MECÁNICA - TODO A 100: https://www.youtube.com/watch?v=11kBFa5m-xE La Banda de Lichi ideó esta canción con un estilo más mestizo y con cambios de ritmos inclasificables. FITO & FITIPALDIS - NOS OCUPAMOS DEL MAR: https://www.youtube.com/watch?v=tAJbzkk6cRI Para el sexto álbum de la banda “Huyendo conmigo de mí” de 2014 Fito versiona a modo de …no sé, una especie de balada este tema de un cantautor que se que le va a gustar a mi amigo Ayllón, Javier Krahe la canción “Nos ocupamos del mar”. JAVIER KRAHE - NOS OCUPAMOS DEL MAR: https://www.youtube.com/watch?v=UbVZPwmhd9E Porque los genios muchas veces no saben que lo son…. o quizás sí, pero con Krahe es difícil saber qué es y qué no es, o dónde empieza y dónde acaba. PLATERO Y TU - ENTRE DOS MARES: https://www.youtube.com/watch?v=FEq4sk0a2-Y En 2017 Fito rizo el rizo, aunque el ejemplo capilar cueste encajarlo en el pequeño rockero Bilbaíno pero es que en el disco Fitografía incluye una versión de Platero y tu: Entre dos mares. FITO & FITIPALDIS - ENTRE DOS MARES: https://www.youtube.com/watch?v=1xvP2AXbDXQ Fito y fitipaldis versionando a Los Plateros. En esta ocasión con un sonido muy parecido pero quizás con un tema más limpio y contundente si cabe. JORGE DREXLER - TRANSPORTE: https://www.youtube.com/watch?v=hSLQltgD6II El último disco hasta la fecha de grabación de este podcast de Fito y Fitipaldis es “Cada vez cadáver” y en este último disco se encuentra una versión de Transporte una especie de bossa nova carnavalera del cantautor Jorge Drexler . FITO & FITIPALDIS - TRANSPORTE: https://www.youtube.com/watch?v=Fof0JFxFzZw Fito hace esta versión con un tono más de canción de carretera y ciertos toques melancólicos y ese ritmo de percusión que agradecen todos los baterías porque no acaban sudando como un culpable. CONCLUSIONES: Aquí tenéis un claro ejemplo de como hacer propias canciones que son de artistas que admiras y sin duda Fito Cabrales lo hace pero que muy bien porque no hace covers ni simplemente tributos de esos artistas sino que logra darles estilo propio y un sonido muy característico, haciéndolas propias. Espero que os haya gustado y más espero aún veros pronto por este nuestro podcast favorito Explorando Versiones, así que gracias por haber llegado hasta aquí y ya sabes…. nos vemos en los Bares.

Hola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro capítulo de Explorando Versiones. THE REBEL ROUSERS - AS I LOOK: https://www.youtube.com/watch?v=LW_PoK_ORqY Hoy viajaremos a la Inglaterra de finales de los 60, para rescatar una canción escondida en la cara B de un single de los británicos The Rebel Rousers. Una joya vio la luz en 1968, justo después de la marcha de Cliff Bennett, su cantante principal, y que representa tanto la fidelidad al R&B británico como el principio del fin para la banda. The Rebel Rousers eran conocidos por acompañar a Cliff Bennett, uno de los grandes nombres del soul británico. Pero en 1968, Bennett deja el grupo y ellos publican un single en Mercury Records: Should I? en la cara A, y en la cara B, la canción que hoy nos ocupa hoy, As I Look. En este disco, la voz la pone Roy Young, un cantante y teclista con un registro enérgico y con experiencia en la escena beat de Liverpool. Ya para aquel año, la música en Inglaterra estaba virando hacia la psicodelia y el rock progresivo. Pero As I Look se mantuvo fiel a las raíces del R&B y el soul británico, casi como una declaración de principios. Fue, además, uno de los últimos pasos de la banda, que acabaría disolviéndose en 1969. THE BLUE STAR SISTERS: https://www.youtube.com/watch?v=QbW_iYUGrnM De la Inglaterra de 1968 nos trasladamos ahora al Hong Kong de 1969, para escuchar la versión del grupo femenino The Blue Star Sisters, un grupo prácticamente desconocido fuera de su ciudad natal. Lo que distingue a esta interpretación es, sobre todo, sus voces femeninas, ya que todos sus componentes son mujeres. Este detalle le da al tema un aire fresco y luminoso, manteniendo el sonido y ritmo cercano al original. LES BUISSONS: https://www.youtube.com/watch?v=tuCCwAicXyc Ahora nos trasladamos al sur de Francia, a Perpiñán. A finales de los ochenta y principios de los noventa, floreció allí una escena underground marcada por el garage y el freakbeat —ese estilo británico de mediados de los 60 que servía de puente entre el R&B mod y la psicodelia, con guitarras más crudas y ritmos más explosivos—, cuyo testimonio quedó recogido en la recopilación “Back from the Canigó: Garage Punks vs Freakbeat Mods 1989‑1999”. En este álbum encontramos la versión de As I Look firmada por Les Buissons. Su interpretación se aleja del soul británico original para llevar la canción a un terreno gamberro y garajero. Suena más cruda y más directa. No hay pulcritud ni nostalgia: lo que hay es electricidad, vitalidad y un guiño a las raíces del género, reinterpretado desde la Francia de los noventa. THE BAR-KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=6phRvkLSaQM Para cerrar este recorrido por las versiones de As I Look, hablamos del grupo sevillano The Bar-Kings. Formado por músicos de sobrada solvencia, su sonido se sostiene sobre un ritmo marcado por el R&B y el soul, con una precisa y afilada guitarra, una armónica desquiciada y llena de fuerza, y una base rítmica ajustada al milímetro que impulsa una voz tajante y cargada de actitud. Su versión de As I Look mantiene la esencia del tema original, pero con un aire directo, potente y lleno de energía, como si la canción hubiera sido hecha para sonar en vivo por estos tíos. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Ha sido un recorrido breve pero intenso, desde la Inglaterra de 1968 pasando por Hong Kong y Francia, hasta llegar a Sevilla, descubriendo cómo una cara B olvidada puede viajar en el tiempo y los estilos, y seguir encontrando nuevas vidas en las manos de quienes la interpretan.

Hola soy Roberto del podcast Wantuki Connection y también de Onda Wantuki que estoy en todos lados y ahora encantado en volver a participar en … Explorando Versiones, ya tenía ganas y como digo siempre voy a empezar con una canción que me gusta mucho, que es The Passenguer de Iggy Pop. Esta canción fue escrita por Iggy Pop, uno de los pioneros del punk, junto al guitarrista escocés Ricky Gardiner y grabada en los estudios Hansa de Berlín. En aquella época, Iggy vivía en Alemania junto a su amigo y colaborador David Bowie, intentando dejar atrás su etapa más autodestructiva. Entre paseos nocturnos por Berlín y viajes en el coche de Bowie, surgió la idea: un pasajero que observa el mundo sin intervenir. El riff repetitivo de Gardiner refleja esa sensación de movimiento constante, casi hipnótico. Lo curioso es que al principio fue una cara B, pero con los años se transformó en una de las canciones más queridas de Iggy, un himno sobre la libertad y la observación y no he dicho que la editó en 1977. 1987 – SIOUXSIE AND THE BANSHEES – The Passenger Diez años después, The Passenger reaparece en manos de Siouxsie and the Banshees, una de las bandas más influyentes del post-punk británico. Formada por Siouxsie Sioux y el bajista Steven Severin, el grupo marcó los 80 con su estética oscura y su sonido innovador. En 1987 lanzan su disco de versiones Through the Looking Glass, donde reinterpretan el clásico de Iggy con una poderosa sección de metales y la voz hipnótica de Siouxsie. La canción se vuelve más luminosa, casi de película, sin perder su energía punk. Iggy Pop llegó a decir: “Ella la canta mejor que yo.” Fue single, llegó al número 41 en las listas británicas y sigue siendo una de las versiones más aplaudidas del tema, que yo de hecho fue esta canción que escuché por primera vez The Passenguer, luego es cuando me enteré que era de Iggy Pop y vamos a escuchar otras versiones: 1998 – ESTRA – Sei così semplice En 1998, el grupo italiano Estra —formado en Prato, Toscana—, lleva The Passenger a su idioma con “Sei così semplice” . Estra era una banda de rock alternativo con letras poéticas y un tono social muy marcado, liderada por Giulio Casale. Su versión no traduce la letra literalmente, sino que adapta el espíritu: el pasajero se convierte en alguien introspectivo, melancólico, que reflexiona sobre la vida moderna. El sonido combina guitarras italianas de los 90 con un aire poético y mediterráneo. Una reinterpretación elegante que demuestra cómo una canción puede viajar de Berlín a Italia y conservar su alma. 2008 – FOLK GRINDER – The Passenger Ahora nos vamos a los muelles de Londres. Folk Grinder es el proyecto del músico Kieran Noël, que mezcla punk británico con folk marinero. Su versión de The Passenger, grabada en 2008, suena como una canción tabernera: con acordeones, violines y el aroma del puerto. Aquí el pasajero no viaja en coche, sino en un barco oxidado, cantando bajo la lluvia. La voz ronca de Noël da una sensación de historia vivida, de viajero cansado que ha visto el mundo entero. Es una versión poco conocida, pero con una atmósfera única: el Passenger convertido en marinero errante. 2010 – THE JOLLY BOYS – The Passenger En 2010, desde Port Antonio, Jamaica, llegan The Jolly Boys, un grupo con más de sesenta años de historia. Fundados en los años 40, son los grandes embajadores del mento, el estilo tradicional jamaicano que inspiró al reggae. En su disco Great Expectation, versionan clásicos del rock con su sonido isleño y The Passenger es una de las joyas del álbum. La voz de Albert Minott aporta calidez y humor, mientras el ritmo se vuelve ligero, casi festivo. El pasajero de Iggy se transforma aquí en un viajero tropical: sonríe, canta y se deja llevar por la brisa del Caribe, hombre así cualquiera. 2018 – CIRILO – El Pasajero Y ahora nos movemos a Madrid con Cirilo, un cantautor español con raíces en el rock y la poesía urbana. Ha trabajado con músicos de primer nivel como Candy Caramelo, José Bruno y Julián Kanevsky, y su versión de El Pasajero fue producida por Nigel Walker, productor de Sabina y Fito & Fitipaldis. Cirilo adapta la letra al castellano, situando al pasajero frente al edificio Dakota, en Nueva York. El resultado es una versión elegante, más íntima, con una mirada de película. Aquí el pasajero no solo observa: también recuerda, siente y canta en nuestro idioma. Un puente entre el rock clásico y la sensibilidad española. 2020 – ALISON MOSSHART – The Passenger En 2020, la norteamericana Alison Mosshart, vocalista de The Kills y The Dead Weather, grabó su propia versión. Mosshart es conocida por su voz rasgada y su estilo entre el blues y el rock alternativo y lo experimental. Su Passenger es una reinterpretación minimalista: apenas hay guitarras y una voz cargada de atmósfera. Parece una escena de carretera nocturna, bajo la lluvia, con faros en la distancia. Es una versión introspectiva, sensual, que convierte el viaje exterior en una travesía interior. El pasajero de Alison no grita: susurra… pero cada palabra pesa. 2021 – DAVID HASSELHOFF – The Passenger Y ahora para terminar vamos a acabar con una versión más inesperada que a mí me resultó curiosa cuando la encontré que es la versión que hizo en 2021el actor y cantante David Hasselhoff, que lo conoceréis por su famoso Coche fantástico y Los vigilantes de la playa y claro aparcó el coche, dejó la playa y lanzó su disco de versiones “Party Your Hasselhoff”. Y bueno que vamos a contar de David si no fuera por su KITT, bueno el caso que tiene una larga carrera musical, sobre todo en Alemania, donde es una especie de icono pop. Su Passenger mezcla pop electrónico, sintetizadores y ese toque kitsch que lo hace irresistible. El propio Hasselhoff dijo que quería “alegrar el mundo con música optimista”. Y lo consigue: esta versión suena como si el pasajero de Iggy se hubiera subido a un coche descapotable para recorrer la autopista… ¡bailando! Una forma divertida de cerrar este viaje musical, aquí con los recuerdos de David y el Kitt y todo, bueno y así que para cerrar este Explorando Versiones que espero que os haya gustado y que versión os ha gustado mas? A mí siempre me quedará la que conocí por primera vez que la bailé y todo la de Siouxsie and the Banshees pero esta de David Hasselhof pues también me ha hecho mucha gracia. Bueno pues esto ha sido todo y os esperamos en el siguiente Explorando Versiones.

Tema de Batalla (B.S.O.): https://www.youtube.com/watch?v=bkE1GxgKtNs Escuchas esto y sabes que viene la acción. Le das un mordisco a tu bocata de Nocilla, de mantequilla con azúcar o lo que fuese que merendases, y se te erizan los vellos de todo el cuerpo. Es la hora de que el super robot manejado por Koji Kabuto ponga en su sitio a las bestias mecánicas del Doctor Infierno. Por eso te levantas y subes el volumen a tu tele marrón, culona y sin mando a distancia. Unos lo vivieron en los 70, cuando se estrenó la serie. Otros lo hicimos en reposiciones de los 80, en vídeos comunitarios y televisiones locales. Daba igual. Mi amigo Juan Martín y yo no nos perdíamos un solo episodio de esos personajes tan raros como el Barón Ashler (o Asura), medio hombre medio mujer; el Conde Broken, que llevaba su cabeza cortada entre los brazos; o el Duque Gorgón, que de cintura para abajo era un tigre. Una serie extraña, pero que enganchó a toda una generación. El robot de las estrellas. El pionero del género mecha que nos vino de Japón… ¡Hola, hola! Soy Raúlillo, y hoy vamos a explorar las versiones del opening de Mazinger Z. ICHIRŌ MIZUKI (1972): https://youtu.be/JpFW21BA7Lk?si=k0o6jfjF_Ah0ZU-i Vamos con la versión original, estrenada al mismo tiempo que la serie en Japón, en 1972, e interpretada por Ichirō Mizuki, cuyo verdadero nombre es Toshio Hayakawa (total, patatas…). Ichirō Mizuki fue un famoso y prolífico cantante, letrista, compositor y actor japonés, más conocido por su trabajo en canciones para anime y tokusatsu. En Japón lo llamaban onii-san (“hermano mayor”) del anison, palabra japonesa que se refiere al género musical proveniente del anime. ICHIRŌ MIZUKI (2018): https://www.youtube.com/watch?v=vkDkk9brWGw Lanzó cinco discos de música popular sin lograr un éxito comercial. En ese momento decidió retirarse de los escenarios hasta que le surgió la oportunidad de interpretar temas musicales para el naciente género de la animación. Así lanzó canciones de gran reconocimiento hasta el día de hoy, como los temas de apertura de Mazinger Z, Great Mazinger, Capitán Harlock, Voltron y muchos más. Mazinger Z daría origen al género de los superrobots del anime, llamado mecha, que dominaría la televisión japonesa desde los años 70. Tal fue la importancia de Ichirō Mizuki en este género que, cuando en 2018 se estrenó la película Mazinger Z Infinity, el intérprete del opening no pudo ser otro que el onii-san de Japón. Con Mazinger Z Infinity, el intérprete original volvió a brillar. ALFREDO GARRIDO GARCÍA (1978): https://www.youtube.com/watch?v=m0atBDZuKaU En 1978 fue cuando todos los niños españoles escucharon la voz de Alfredo Garrido dando paso a la que fue su serie favorita. Pero solo durante 32 episodios de los 92 que tiene la serie original. La emisión en TVE se interrumpió debido a la censura por su contenido violento, siendo sustituida por la serie del puto Orzowei. La cara de decepción de los niños de la época os la podéis imaginar. Posteriormente, Telecinco emitió la serie completa con un doblaje latino para los 92 episodios. El bilbaíno, nacido en 1933, fue cantante y productor musical. Estuvo a cargo de la creación, traducción y producción artística de temas infantiles como Marco, Vickie el vikingo, La abeja Maya, Tarzán o Mazinger Z. Pero para Mazinger tuvo los huevos de decir: “¡Esta la canto yo!” Y por su forma de interpretarla, en España corrió un bulo que yo mismo me tragué hasta mi edad adulta: se decía que la canción estaba interpretada por el mismísimo Raphael… La confusión es plausible. Escuchad vosotros mismos y opinad. GIGATRÓN (2005): https://www.youtube.com/watch?v=m8hINYVcXco Vamos con más versiones en español. En 2005, Gigatrón, con su disco Hitthrashhit (el disco fantasma), nos regaló una versión… digamos, con letra libre. En esta versión, Mazinger no solo es un robot de metal, sino el robot rockero del metal, diseñado para no dejar vivo a ni un solo moñas y enseñar a los niños a hacer caso de la fuerza bruta. ¿Qué queréis que os diga? Son Gigatrón. LOS PETERSELLERS (1996): https://www.youtube.com/watch?v=_aZBTmhrFkA Los Petersellers, grupo de música español fundado en Madrid en 1993 y aún en activo, cultivan principalmente el rock con una vertiente humorística y ligeramente punk (a la que denominan guateque-punk). En 1996 lanzaron su álbum debut Vayamos por partes, donde incluyeron esta joya de versión del opening de Mazinger Z. Sí, una joya: usando como base la canción Paranoid de Black Sabbath, empastando perfectamente la melodía y añadiendo improvisaciones a mitad del tema que son una delicia. Aquí la letra no es libre, como la versión anterior. Y todo esto hace que esta sea mi favorita. Así que, damas y señoritas, oigamos un poco de Los Petersellers. ANIMETAL (1997): https://www.youtube.com/watch?v=XtIg7DYpHR4 Fue una banda japonesa de heavy metal que hacía versiones de canciones de anime al estilo metal. En 1997 el grupo debutó con Sony Music. En su formación estaban She-Ja (guitarra), TAKE-SHIT (bajo), KATSUJI (batería) y Eizo Sakamoto (voz). Su primer álbum, publicado en 1997, incluía esta versión del opening de Mazinger Z, y se tituló Animetal Marathon I, un álbum sin cortes entre canciones, un detalle que conservaron en todos sus discos. Hasta 2007 habían publicado un total de siete discos con el nombre Marathon, cambiando solo el número final (I, II, III, IV…). Para qué comerse la cabeza, ¿verdad? ANIMETAL U.S.A.: https://www.youtube.com/watch?v=GhkLoD83CtE Ahora vamos con algo que creo que nunca ha pasado en Explorando Versiones: un grupo tributo que versiona a otro grupo que hace versiones. Eso sí que es no comerse la cabeza. Así es: estos que escuchamos son Animetal U.S.A., una banda estadounidense de heavy metal con sede en Japón, formada como tributo a la banda Animetal que acabamos de oír. Los miembros originales fueron: Michael Vescera (vocalista principal, ex de Yngwie Malmsteen) Chris Impellitteri (guitarra) Rudy Sarzo (bajo, ex de Quiet Riot, Ozzy Osbourne y Whitesnake) Scott Travis (batería, que dejó la banda para salir de gira con Judas Priest y fue reemplazado por Jon Dette, exbatería de Slayer y Testament). La versión que estáis oyendo apareció en su disco debut homónimo Animetal U.S.A. de 2011. Me explota la cabeza pensar que músicos con este bagaje formen un grupo tributo de una banda tan friki como la original japonesa. Algo tiene Japón y su cultura que engancha. ICHIRŌ MIZUKI (2006): https://youtu.be/NiFVXPJn0ss?si=T0bPlk3-ayCd3TuK Empezamos con el onii-san Ichirō, y terminamos con él. Hasta su fallecimiento en 2022, no dejó de interpretar y regrabar versiones de canciones de series de anime. Esta versión de 2006 apareció en el EP Mazinger Z 21st Century del maestro del género anison. ¿Que qué es el anison? Poneos el podcast desde el principio, que ya lo dije. En fin, tal como se ha hecho en incontables ocasiones en Japón, se lanzó la versión Siglo XXI (algo que ya vimos en el Explorando Versiones de Saint Seiya). Y aunque Ichirō Mizuki ya no esté entre nosotros, su canción sigue rugiendo en los televisores antiguos, en los discos rayados, en la memoria de generaciones de japoneses. Y, al igual que pasa para nosotros con Alfredo Garrido, cada vez que suena este himno inmortal volvemos a ser aquellos niños que soñaban con héroes de acero, con justicia, con esperanza. En el eco de su canción aún resuena la infancia, el asombro y la promesa de que, mientras alguien tararee su melodía, Mazinger seguirá emergiendo de la piscina del Laboratorio de Investigaciones Fotónicas, a los pies del monte Fuji. Por eso, hoy más que nunca: ¡Pon el oído y sube el volumen, so friki! ¡Puños fuera!

Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en una de las canciones más emblemáticas del rock de los 80: “Livin’ on a Prayer” de Bon Jovi. BON JOVI - LIVIN’ ON A PRAYER: https://www.youtube.com/watch?v=CuUefy9bT9U Lanzada en 1986 como parte del álbum Slippery When Wet, esta canción se convirtió rápidamente en el himno que catapultó a la banda de New Jersey al estrellato internacional. El tema, escrito por Jon Bon Jovi, Richie Sambora y Desmond Child, nos cuenta la historia de Tommy y Gina, una joven pareja que, pese a las dificultades económicas, lucha por salir adelante con la fuerza de su amor y su esperanza. Con su poderoso coro y el inconfundible uso del talk box en la guitarra de Sambora, “Livin’ on a Prayer” alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 y sigue siendo una de las canciones más coreadas en estadios y conciertos de todo el mundo. ¿Pero qué es eso del talk box? Básicamente es un pedal de efectos que se conecta a la guitarra. El sonido viaja por un tubo de plástico hasta la boca del músico, y ahí ocurre la magia: al mover la boca como si hablara, el guitarrista modula el sonido, transformándolo. Después, un micrófono recoge ese resultado y lo mezcla con la música. El efecto es tan peculiar que la guitarra parece literalmente hablar, y gracias a eso, hace que esta canción sea un tema inolvidable. BON JOVI (VERSIÓN ACÚSTICA): https://www.youtube.com/watch?v=balf-7kM8Ao Empezamos con la versión que ha interpretado el propio Jon Bon Jovi en sus diferentes giras, donde lleva la canción a un formato acústico, más íntimo y emotivo. Aquí la intensidad del tema original se sustituye por la cercanía de la voz y la guitarra acústica, lo que pone en primer plano la historia de Tommy y Gina, reforzando el lado más humano de la canción. GLEE - START ME UP / LIVIN’ ON A PRAYER: https://www.youtube.com/watch?v=l0z8LuLMgSk En el capítulo 6 de la segunda temporada de la famosa serie de televisión GLEE, publicado el 9 de Noviembre de 2010 por la cadena FOX, los protagonistas mezclaron “Start Me Up”, el tema de The Rolling Stones, con “Livin’ on a Prayer” de Bon Jovi. El resultado fue una interpretación juvenil, con mucha teatralidad y energía, que consiguió acercar el clásico de Bon Jovi a una nueva generación de espectadores. 2CELLOS: https://www.youtube.com/watch?v=VvqImsjpfPo En 2021, el dúo croata de violonchelistas 2CELLOS, conocido por transformar grandes clásicos del rock en piezas de aire casi sinfónico, publicó su propia interpretación de este tema. Todo comienza con una introducción misteriosa, suave, casi como un susurro, y poco a poco la música va creciendo hasta estallar con la misma fuerza épica de la versión original. Pero aquí no hay voces: son únicamente los violonchelos los que transmiten esa energía, consiguiendo que sus instrumentos canten la melodía. THE HOLOPHONICS (COVER SKA): https://www.youtube.com/watch?v=VobthXh1lu4 Ahora damos un giro radical con la versión ska que hace The Holophonics, una banda de Texas muy conocida por llenar sus discos de versiones con un estilo más festivo y callejero. Esta interpretación apareció el 28 de julio de 2017 dentro del álbum MaSKArades Vol. 11. Aquí el rock se sustituye por trombones, ritmos saltarines y una energía contagiosa que transforma el clásico en algo fresco, ligero y totalmente inesperado. SCARY POCKETS CON ASTYN TURR (COVER FUNK): https://www.youtube.com/watch?v=9hqEUxiL-PE Seguimos con esta versión a cargo de Scary Pockets, una banda conocida por reinterpretar clásicos con ritmo funky, acompañados en esta ocasión por la cantante Astyn Turr en la voz principal. La versión se publicó en su canal de YouTube el 6 de diciembre de 2021 y destaca por ser suave, elegante y muy rítmica. La interpretación vocal de Astyn Turr aporta una enorme sensibilidad, mientras que la base rítmica consigue que el tema fluya con un aire relajado pero tremendamente contagioso. POSTMODERN JUKEBOX Y MICHE BRADEN (COVER JAZZ): https://www.youtube.com/watch?v=RMeN0CFNWmk Ahora nos sumergimos en esta versión del 29 de julio de 2014, que te hace sentir como si estuvieras en un club de jazz de los años 40. El grupo estadounidense Postmodern Jukebox ha transformado el tema en una pieza de jazz vintage. Acompañados por la voz potente de Miche Braden, que aporta un toque soul, te atrapa desde el primer acorde. Aunque nos transporta a otra época, la canción mantiene la esencia que caracteriza al original. ALEX MELTON (COVER POP PUNK): https://www.youtube.com/watch?v=DpskXe9gZmY A continuación vamos con un giro totalmente distinto con esta versión de Alex Melton, publicada en abril de 2023. Este músico y creador de contenido se ha hecho muy conocido por transformar canciones populares en himnos de pop punk, ese estilo que mezcla la energía del punk con la melodía del pop. En su versión, Melton reimagina el clásico de Bon Jovi incorporando influencias de bandas como Green Day y Offspring. La canción cobra nueva vida, con aires más frescos y juveniles, pero siempre respetando el espíritu de la original. APEROL ROCKIN’1000: https://www.youtube.com/watch?v=CKsCJAqMbQY El 7 de junio de 2023 se celebró en Roma el concierto Aperol Rockin’1000, conocido como la “banda de rock más grande del mundo”. El nombre viene de su patrocinador principal, Aperol, la famosa bebida alcohólica italiana de color naranja que suele servirse en el cóctel muy popular en Italia y en medio mundo. Cientos de músicos de todo el planeta tocaron juntos en el Estadio de los Mármoles y, entre los grandes éxitos, sonó esta versión. La banda estaba formada por 350 guitarristas, 250 cantantes, 250 bateristas y 150 bajistas, creando una interpretación colosal que demuestra el poder de la música cuando se comparte en comunidad. SOUL JOVI (COVER SOUL): https://www.youtube.com/watch?v=G8VxRfTh6AA Mucho más reciente es esta versión publicada el 27 de agosto de 2025, en el canal Fake Music, conocido por subir versiones y reinterpretaciones creativas de canciones populares, se publicó esta versión que reimagina el tema con arreglos vocales y estilísticos propios del soul, aportando un aire más suave, elegante y emotivo. LEO MORACCHIOLI: https://www.youtube.com/watch?v=Iqh-8FgTIkk Esta versión que os pongo a continuación es más metalera. Llega de la mano del productor y músico noruego Leo Moracchioli, conocido por sus potentes versiones de canciones conocidas. Con más de 4 millones de seguidores en YouTube, Moracchioli transforma Livin’ on a Prayer en un tema intenso y cargado de energía pero sin perder su esencia. GISELE ABRAMOFF: https://www.youtube.com/watch?v=opnp5LSmJWc El grupo brasileño Dalimas se hizo conocido por reinterpretar clásicos del pop y del rock en un estilo dance, pensado para sonar en las discotecas de los años 2000. En 2005 publicaron esta versión reversionada con bases electrónicas, sintetizadores y un estilo muy cercano al eurodance, muy en la onda de la época. ALESSANDRA: https://www.youtube.com/watch?v=ytAMW5toG50 Con esta versión techno cerramos el repaso de hoy. Este tema está interpretado por Alessandra Rosaldo, conocida simplemente como Alessandra, vocalista del dúo mexicano Sentidos Opuestos. En el año 2016 lanzó un single en el que aparecía este tema, junto con Breathless de la banda irlandesa The Corrs. Y sí, ya sé, estas dos últimas son perversiones y podrían considerarse claramente como una agresión a un himno del rock… pero, oye, ¡al menos han elegido una gran canción! CONCLUSIÓN Como conclusión, diremos que “Livin’ on a Prayer” no es solo un clásico del rock de los 80, sino un auténtico himno de resistencia y esperanza. Sus múltiples versiones, desde lo más íntimo hasta lo más heavy, demuestra que la canción sigue viva y en constante transformación. Quizá tú, fiel “oyenta” que me escuchas, y eres seguidora de Bon Jovi desde sus inicios, nunca imaginaste que hubiera tantas versiones —unas sorprendentes y otras bastante raras— de esa canción mítica que marcó tu infancia. Gracias por acompañarme y nos vemos en el próximo capítulo.

Bienvenidos a Explorando Versiones, un espacio donde las canciones viajan, se transforman, y nos transforman con ellas. Hoy, nos detenemos en un himno del alma: “Sólo se trata de vivir”, una de las joyas más queridas de Litto Nebbia. A través del tiempo, esta canción ha encontrado nuevas voces, nuevos ritmos, nuevas maneras de decir lo mismo: que en el fondo, la vida no es tan complicada. Varias voces amigas se suman a este viaje sonoro para recordarnos, cada una a su manera, por qué esta canción sigue latiendo fuerte en tantos corazones. Sólo se trata de vivir es una canción compuesta e interpretada por el músico argentino Litto Nebbia. Es la primera canción perteneciente a su álbum de estudio "Creer", editado en México en 1980. El tema fue conocido en la Argentina a través de un LP editado bajo el sello Melopea en el año 1982, titulado como la canción. Es una de las canciones más conocidas de Nebbia. La canción "Solo Se Trata de Vivir" de Litto Nebbia explora el tema de encontrar propósito y significado en la vida a pesar de los desafíos y desengaños que uno experimenta. Las letras sugieren que viajar y embarcarse en nuevos caminos pueden ayudar a fortalecer el corazón y permitir olvidar las penas pasadas. En los versos, Nebbia reflexiona sobre la idea de que al viajar y explorar nuevos horizontes, uno puede dejar atrás su dolor anterior y encontrar consuelo. La mención de una paloma herida simboliza la vulnerabilidad y fragilidad del amor, pero también la capacidad de sanar y encontrar nuevas esperanzas. Las letras transmiten el mensaje de que incluso frente a un desamor, uno aún puede encontrar la fuerza para crear nuevos comienzos y vivir la vida al máximo. El coro repite la idea de que nadie tiene las respuestas ni puede señalar qué puerta abrir en la vida. A pesar de la melancolía, el dolor y las heridas que uno puede llevar, la esencia de vivir radica en abrazar la vida misma. La canción anima a los oyentes a creer que, en última instancia, la vida se trata de experimentar y abrazar el viaje, sin importar las incertidumbres y dificultades encontradas en el camino. La repetición de los versos y el coro a lo largo de la canción enfatiza el mensaje de que, a pesar del dolor y la incertidumbre, la vida se trata de un crecimiento continuo, encontrar nuevas inspiraciones y crear nuevas esperanzas y oportunidades para uno mismo. Sugiere que incluso en momentos de anhelo o pérdida, es importante seguir adelante y perseverar, enfocándose en el acto de vivir. En general, "Solo Se Trata de Vivir" sirve como un recordatorio de que el significado de la vida no siempre es claro o fácilmente definido, pero radica en tomar cada momento tal como viene, aprender del pasado y abrazar las posibilidades del futuro. Versión de Tomás Mandel & Fede Gómez, junto a Hitalo Coello y Facundo Villanueva (#DuosEnLaTerraza – San Telmo, Buenos Aires, 2018) A veces, una canción encuentra su hogar en una terraza. En esta versión, Tomás Mandel y Fede Gómez le dan nueva vida al tema junto a un piano y un cello que lo abrazan con delicadeza. Es como si la ciudad se detuviera a escuchar. Desde San Telmo, entre adoquines y cielo abierto… así suena “Sólo se trata de vivir”. Versión de Malena Di Bello (Julio 2017) https://youtu.be/a6HbfYL9exg?si=N7_XNdtOGRBhkm2y Malena Di Bello la canta con una simpleza que conmueve. No hay adornos: sólo su voz, una guitarra, y esa frase que nos atraviesa a todos. Porque a veces, lo más honesto es lo más fuerte. Escuchemos esta interpretación íntima, grabada en 2017. Versión en vivo de Mercedes Sosa con Walter Ríos (Teatro Gran Rex, 2006) https://youtu.be/m7HE_Vw4NHw?si=hjX18URvhQn9bhj9 Cuando Mercedes Sosa canta, no canta una canción: canta una historia. En el Gran Rex, en 2006, junto al bandoneón de Walter Ríos, “Sólo se trata de vivir” se volvió casi una plegaria. No hay certezas, no hay respuestas… sólo la fuerza de seguir. Una interpretación que toca el alma, con la profundidad única de Mercedes. Versión de Juan Carlos Baglietto y Silvina Garré (Mercado de Pulgas, 2014) https://youtu.be/5lY1XRBbb8o?si=wkcO62IkCe6choYg Hay canciones que se reencuentran con sus voces hermanas. Silvina Garré y Juan Carlos Baglietto la han cantado desde siempre, y en esta ocasión, en el Mercado de Pulgas, la devuelven al pueblo, al aire libre, al corazón compartido. Una versión que es abrazo, memoria y calle. Versión de Rubén Rada (Septiembre 2016) https://youtu.be/O1LlD31bFJo?si=4QikIXbRwFxarJjV Rubén Rada la hace suya, y la lleva a su mundo sonoro: rítmico, luminoso, vital. Es otra piel para la misma emoción. Porque vivir también es moverse, fluir, dejarse llevar por la música. Escuchemos cómo suena esta canción cuando pasa por el alma de Rada. Versión de Mercedes Sosa y Litto Nebbia (Badía y Cía, 1986) https://youtu.be/nrDYgyzvUg0?si=I9qoKImwgfvr5xjl Y como si el tiempo nos regalara un momento irrepetible… Mercedes Sosa y Litto Nebbia, juntos. 1986, en el mítico programa Badía y Cía. Dos voces que no cantan: confiesan. Una joya para cerrar el recorrido con quien la escribió, y con quien la llevó al corazón de todos. Vivir no es sencillo. Pero como dice la canción, si uno hiciera lo que siente y no lo que debe... Gracias por acompañarnos en este viaje de versiones, de voces, de caminos. Porque, al fin y al cabo… sólo se trata de vivir. Litto Nebbia: https://youtu.be/xjSqGms0b9c?si=d_pHq0POxCPhfwao

En la septuagésima primera entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo “El Marcha” nos presentará la canción «Louie Louie», compuesta por Richard Berry en 1955 y llevada a la fama por The Kingsmen en 1963. Grabada en una sola toma y con una pronunciación casi ininteligible, se convirtió en todo un himno juvenil. Tanto fue el revuelo que hasta el FBI abrió una investigación, convencidos de que escondía mensajes obscenos en su letra… aunque, al final, no encontraron nada. RICHARD BERRY: https://www.youtube.com/watch?v=z-2CKsaq5r8 THE KINGSMEN: https://www.youtube.com/watch?v=xKt75jUuKJY PAUL REVERE & THE RAIDERS: https://www.youtube.com/watch?v=vK2bR5Ft7X4 THE STOOGES: https://www.youtube.com/watch?v=wkiiven4ptg THE SONICS: https://www.youtube.com/watch?v=vFzeG7e4CT8 BLACK FLAG: https://www.youtube.com/watch?v=yHMaBGf7A2s DEAD KENNEDYS: https://www.youtube.com/watch?v=53ZSXEhsD_A THE SANDPIPERS: https://www.youtube.com/watch?v=seVqkB3ObJk GEORGE DUKE & STANLEY CLARKE: https://www.youtube.com/watch?v=Ri4u3_pTYzA BARRY WHITE: https://www.youtube.com/watch?v=3VwgoDBFZKs FRANK ZAPPA: https://www.youtube.com/watch?v=FDfNZZPuYzE MOTÖRHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=hratZ2MZoIc THE CLASH https://www.youtube.com/watch?v=b9cjnqzUoE4

Hola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro capítulo más de Explorando Versiones. ROBERT JOHNSON - SWEET HOME CHICAGO: https://www.youtube.com/watch?v=O8hqGu-leFc Hoy nos adentramos en el corazón del blues para descubrir una canción que ya es toda una leyenda: Sweet Home Chicago. Fue compuesta por el mítico Robert Johnson —miembro involuntario del famoso club de los 27— y grabada por primera vez el 23 de noviembre de 1936, en una modesta habitación del Hotel Gunter, en San Antonio, Texas. Desde entonces, el tema se ha convertido en uno de los himnos más emblemáticos del género. Aunque a primera vista parece un homenaje a la ciudad de Chicago —epicentro del blues eléctrico y destino soñado para miles de músicos afroamericanos—, la letra parece hablar de Chicago, pero en realidad menciona otros lugares como California o Iowa, y eso ha confundido desde siempre a mucha gente. Más que una descripción exacta de ciudades, la canción habla de la esperanza de encontrar un lugar mejor y del que escapar de la pobreza y las dificultades. SCRAPPER BLACKWELL - KOKOMO BLUES: https://youtu.be/PoorsXxkwZU?si=3B4J21QpGiofsDRE Pero Robert Johnson no creó “Sweet Home Chicago” desde cero. Se basó en una canción anterior llamada “Kokomo Blues”, de Scrapper Blackwell, grabada en 1928. Esta canción apareció originalmente en el álbum recopilatorio de Scrapper Blackwell, que reúne sus mejores temas de la época. En esta versión de “Kokomo Blues” ya encontramos la estructura clásica de 12 compases y el tema de querer regresar a una ciudad prometida, en este caso Kokomo, Indiana. Aunque la canción tiene un tono más suave y melódico, ya transmite ese sentimiento de búsqueda de un lugar mejor, algo que Robert Johnson tomó para su propia versión. JAMES ARNOLD - OLD ORIGINAL KOKOMO BLUES: https://youtu.be/3lZv52l0C94?si=kwBBHho3ocfmR6Aq Años después, en 1934, James Arnold —más conocido como Kokomo Arnold— recuperó ese tema bajo el título Old Original Kokomo Blues. Su versión aporta una interpretación más enérgica, con slides de guitarra y letras cargadas de doble sentido. Scrapper Blackwell, con su tono sereno y melódico, y James Arnold, con un estilo vocal áspero y agresivo, sentaron las bases sobre las que Johnson construiría algo nuevo. La genialidad de Robert Johnson estuvo en no limitarse a copiar lo que otros ya hicieron, sino en transformarlo, renombrarlo y convertirlo en leyenda. Ya no era Kokomo, sino Chicago. Y con ese pequeño cambio nació una canción eterna. THE BLUES BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=euJ22UqLD5Y Antes de que su enérgica versión de "Sweet Home Chicago" los convirtiera en referentes del blues para toda una generación, The Blues Brothers eran un dúo cómico-musical creado por los actores Dan Aykroyd y John Belushi, estrellas del programa Saturday Night Live en los años 70. Lo que comenzó como un sketch humorístico en televisión pronto se convirtió en una auténtica banda de rhythm & blues con músicos de primer nivel. Aykroyd, gran amante del blues, quiso que la banda no fuera solo un gag, sino un verdadero homenaje a la música afroamericana que tanto admiraban. Y así fue como en 1980, el proyecto dio el salto al cine con la película "The Blues Brothers", dirigida por John Landis. Un film delirante, musical y lleno de acción, donde la música era tan protagonista como los propios personajes. Una de las escenas más recordadas es la interpretación de "Sweet Home Chicago", donde Jake y Elwood suben al escenario y encienden al público con esta versión potente, festiva y contagiosa. Una escena clave que ayudó a revitalizar el interés por el blues entre nuevas generaciones y especialmente entre públicos blancos y europeos. LES MAILERS (VERSIÓN REGGAE): https://youtu.be/iKBy585iU8A Y como suele ser habitual en este podcast, siempre buscamos versiones que se salgan del molde. Una de las más insólitas —y sorprendentemente pegajosas— es la de Les Mailers, una banda francesa que reimagina "Sweet Home Chicago" como si hubiera nacido en Kingston en lugar de Mississippi. Con ritmos jamaicanos, bajo sincopado y un tempo relajado, esta versión nos traslada del frío viento de Chicago al calor del Caribe. Es una lectura creativa que mantiene la melodía original pero la baña en ska y en reggae, logrando que la canción suene a playa y palmeras sin perder su esencia. STATUS QUO: https://youtu.be/asH9yDw2jlo?si=8w9Ctfw3Ax7e2kuy En el año 2000, la banda británica Status Quo publica el disco "Famous in the Last Century", donde rinden tributo a grandes clásicos que han influido en su carrera. El grupo aporta al tema su característico sonido boogie rock, con guitarras afiladas y un ritmo enérgico que transforma este clásico del blues en un himno rockero. BEAUTIFUL DAY LIVE BAND (SWING VERSION): https://youtu.be/q3gLrO7SMm4?si=OhnfX-lry2Fk3o6C La canción también ha inspirado interpretaciones en estilos como el swing. Beautiful Day Live Band ofrece una versión vibrante y elegante que transforma el clásico en un tema propio de una big band, demostrando la versatilidad melódica de la composición original. TXUS BLUES & JOSÉ BLUEFINGERS - POLACOS: https://youtu.be/NWzgbtYEC04?si=ZAfQEhy1yDiIqdPJ Desde Barcelona, dos veteranos del blues en clave de humor como son Txus Blues & José Bluefingers, tomaron la estructura y melodía de "Sweet Home Chicago" y la convirtieron en "Polacos", una versión cantada en castellano con una letra irónica que juega con el estereotipo de llamar "polacos" a los catalanes. Esta adaptación, publicada en 2012 dentro del álbum "Pactando con el Diablo. Tributo a Robert Johnson", usa la melodía original para contar una historia local con un toque humorístico. Esta versión demuestra que el legado de "Sweet Home Chicago" no solo inspira respeto y reverencia, sino también parodia y reinterpretación local. CROSSROADS 2007 (ERIC CLAPTON): https://youtu.be/SQ1ZZwNBVgk?si=q1Y71ki37Q1ucWZL Pero "Sweet Home Chicago" no solo ha viajado por el cine o la televisión. También ha sido celebrada en los tiempos modernos del blues, como el Crossroads Guitar Festival. Este festival benéfico fue creado por Eric Clapton en 2004 con un doble propósito: rendir homenaje a la guitarra como instrumento central del blues y el rock, y recaudar fondos para el Crossroads Centre, una clínica de rehabilitación que el propio Clapton fundó. Desde entonces, el festival ha reunido a lo mejor del panorama guitarrístico: B.B. King, Buddy Guy, Jeff Beck, Carlos Santana, John Mayer, Gary Clark Jr., entre muchos otros. En la edición de 2007, ocurrió algo especial como colofón del festival. Sobre el escenario, Eric Clapton, junto a Buddy Guy, Robert Cray, John Mayer y Johnny Winter, entre otros, se lanzaron a una versión de "Sweet Home Chicago" que es pura energía colectiva. Un diálogo a base de solos, riffs y miradas entre músicos que no necesitan palabras para entenderse. CONCLUSIONES “Sweet Home Chicago” no es solo una canción; es un símbolo vivo del blues, un puente entre el pasado y el presente. Desde aquel cuarto en San Antonio donde Robert Johnson la grabó, pasando por clubes y festivales de guitarra, hasta las películas de Hollywood que la convirtieron en un himno universal.

Hola orgullosos inzurrectos, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito Explorando Versiones, en esta ocasión os voy a hablar de Redemption Song. BOB MARLEY AND THE WAILERS: https://youtu.be/yv5xonFSC4c?si=ZfWEY5OlRbH9CnMM Redemption Song es una canción del último disco que grabó Bob Marley antes de su muerte, cuando compuso el tema ya había sido diagnosticado de cáncer y el tema refleja el profundo estado de tristeza y depresión envolvía al artista Jamaicano en ese momento. A diferencia de muchos temas de Bob Marley, este Redemption Song es una grabación en acústico y en solitario donde músico caribeño canta y toca la guitarra sin más maquillaje musical ni acompañamiento. Si la parte musical del tema en origen es muy minimalista, la letra es todo lo contrario y expresa ideales que están en las entrañas del movimiento rastafari del que Bob Marley era fiel seguidor. Esta letra nos habla de liberación de la gente, de abrir el espíritu y las ideas a las nuestras propias imposiciones mentales. El tema es el último corte de la Cara B del disco Uprising de 1980 y esa colocación dentro del mismo sugiere que es una carta de despedida del autor que murió poco menos de un año después de la publicación del mismo. Rápidamente la canción se convirtió en un clásico y fue reinterpretada, versionada y adaptada por muchos artistas de muchos estilos, aquí os voy a hablar de algunas versiones y no lo voy a hacer en orden alguno, simplemente como me parece…… JOE STRUMMER AND THE MEZCALEROS: https://www.youtube.com/watch?v=F10tP5HIpaA Para mi la más destacada es la protagonizada por mi admirado Joe Strummer, músico fundador de The Clash del que ya hice un Explorando Versiones anteriormente. Joe dejó grabada dos versiones, una con su banda The Mezcaleros que es esta. JHONNY CASH Y JOE STRUMMER: https://www.youtube.com/watch?v=lZBaklS79Wc No conforme con esto el inquieto musico británico también grabo una versión acompañado de la voz del rey de la música Country Jhonny Cash, esta versión desprende sensibilidad, humo de tabaco y Bourbon. BEYONCÉ Y EDDIE VEDDER: https://www.youtube.com/watch?v=TIuX_etKbJg Eddie Vedder, fundador de Peal Jam entre otras bandas también se atrevió a dejarnos esta versión muy particular y en directo nada más y nada menos con una de las divas de la música negra norteamericana Beyoncé. STHEPHEN MARLEY MUCHOS MÚSICOS: https://www.youtube.com/watch?v=55s3T7VRQSc El propio hijo de Bob Marley Sthephen Marley reunió a múltiples músicos de todo el mundo, culturas y estilos musicales para versionar en grupo la canción de su padre que fue publicada el día de su cumpleaños. CHRIS CORMELL (SOUNDGARDEN) SHOW JIMMI: https://www.youtube.com/watch?v=Dz45L5vglhw En el Show de Jimmy Fallon, en 2015 se interpretó esta versión en directo en la voz y la guitarra del malogrado musico Chris Cornell cantante y guitarrista de Soundgarden. TILMANN OTTO (GENTELMAN) CON MANY MARLEY MTV UMPLAGED https://www.youtube.com/watch?v=_vsz9WiakzE Tilman Otto es el nombre real de Gentleman, un músico de Reggae alemán que también nos regaló esta versión en un unplugged de la MTV junto a Many Marley también hijo del autor del tema. U2: https://www.youtube.com/watch?v=Bl_fsEjxN3w El grupo irlandés liderado por Bono suele interpretar en directo esta canción en muchos de sus conciertos y aunque la calidad del sonido no es la mejor se aprecia la admiración de U2 por el genio jamaicano…. CONCLUSIONES: La letra empieza hablando de la esclavitud, de como los nativos africanos eran sometidos a la fuerza para ser utilizados casi como animales de carga y de como a través de la fe podían salir adelante lanzando un mensaje de esperanza, de libertad ganada, nos habla de liberarnos de nuestras cadenas mentales además de las físicas y anima a las nuevas generaciones a ser optimistas, libres y dueños de su destino.

En la sexagésima novena entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Daniel, de la radio Galdakaoko Albistegia, nos presenta la canción Ama, ama, ama y ensancha el alma, un poema de "Manuel Chinato" y que musicalizó el grupo "Extremoduro". EXTREMODURO (DEL DISCO: GRANDES EXITOS Y FRACASOS) https://www.youtube.com/watch?v=qS-zKDX_rTc CORO CEIP LA LATINA (MADRID) https://www.youtube.com/watch?v=_Xt1vh_ckGA CEIP NUESTRA SEÑORA DE CORTES (MURCIA) https://www.youtube.com/watch?v=6dCvIjWnrg8 CARMEN Y QUIQUE (TIERRA DE TALENTO) https://www.youtube.com/watch?v=uo_BcrZ0qA0 FRAN PEREA (TU CARA ME SUENA) https://www.youtube.com/watch?v=urbUk6XeD6E ALBERT PLA,MUCHACHITO Y CANIJO DE JEREZ https://www.youtube.com/watch?v=Oe99LfX4y3k EXTREMODURO (DEL DISCO: DELTOYA) https://www.youtube.com/watch?v=gGE4CYp9nxU

¡Hola, amigos! Soy Francisco, y hoy, en Explorando Versiones, tenemos un episodio algo diferente. En lugar de hablar de una sola canción y sus versiones, vamos a hacer un repaso por los distintos tipos de reinterpretaciones musicales que existen. Porque no todo lo que parece una versión… finalmente lo es. A lo largo de la historia de la música, ha sido habitual que los creadores recurran a obras ya existentes para reinterpretarlas, transformarlas o integrarlas en nuevas composiciones. Algunos cambian la letra de la canción o su ritmo, otros cambian hasta el idioma, o simplemente se apropian de un fragmento y lo reinventan o lo reciclan para otras canciones. En este episodio hablaremos de versiones, parodias, samplers, covers… ¡y hasta de perversiones! Este episodio no es una clase de teoría musical, ni falta que hace. Simplemente vamos a repasar algunos de los tipos más habituales de versiones que nos hemos encontrado en este podcast. Así que tomadlo como lo que es: una guía informal para entender mejor este universo de versiones, parodias, covers y demás zarandajas. Si os pica la curiosidad, ya sabéis… ¡hay todo un mundo musical por explorar! Dicho esto, vamos allá. COVER Llamamos Cover cuando se hace una nueva interpretación de una canción previamente grabada por otro artista. Se mantiene la estructura, la letra y la melodía original de la canción, aunque el intérprete puede darle su toque personal. GLORIA JONES - TAINTED LOVE: https://www.youtube.com/watch?v=9obvlVPJBEg Un ejemplo clarísimo de un cover es el de “Tainted Love”. La versión original, compuesta por Ed Cobb en clave de soul, fue grabada por Gloria Jones en 1964, aunque no apareció en ningún álbum oficial de estudio en ese momento. Fue lanzada como cara B del single My Bad Boy's Comin' Home, publicado por el sello Champion Records. Por desgracia la canción pasó desapercibida en aquel momento. SOFT CELL - TAINTED LOVE: https://www.youtube.com/watch?v=TgyqZlFHokQ Algunos años después, en 1981, el dúo británico Soft Cell la recuperó y la transformó en un hit mundial, con sintetizadores, una atmósfera más oscura y un tempo más lento. Fue número 1 en al menos 17 países, y se convirtió en uno de los singles más vendidos del año. Eso sí, la letra y la estructura se mantuvieron intactas. Es decir, un cover de manual. Y tan bien hecho que hoy mucha gente cree que la versión de Soft Cell es la original. LA UNIÓN - FALSO AMOR: https://www.youtube.com/watch?v=-9Ygp5UjkBY Como curiosidad, en el año 2000, el grupo La Unión también grabó el tema, esta vez bajo el título “Falso Amor”. Sin embargo esta canción ya no es un cover, sino una versión o adaptación libre, como veremos a continuación, ya que en los créditos, en lugar de mencionar a Ed Cobb como único autor, La Unión figura como coautora, lo que no es habitual en un cover estrictamente legal. VERSIÓN Pero… ¿Qué demonios es una versión, entonces? Una versión es una reinterpretación de una canción donde suele haber cambios importantes respecto al original. Puede modificarse la estructura, la instrumentación, el tempo… incluso partes de la letra, permitiéndose mucha más libertad que en un simple cover. OTIS REDDING - RESPECT: https://www.youtube.com/watch?v=rEgKSj1VHZ0 Como ejemplo os traigo la canción “Respect”, que fue compuesta y grabada por Otis Redding en 1965. En su versión original, el hombre le suplica respeto a su pareja al volver del trabajo, en un tono bastante más crudo y masculino. ARETHA FRANKLIN - RESPECT: https://www.youtube.com/watch?v=9iayJ8u4Qew Pero al año siguiente, en 1967, Aretha Franklin le dio la vuelta por completo. Grabó su propia versión y cambió fragmentos de la letra, reorganizó la estructura y añadió elementos clave como los coros femeninos o ese mítico “R-E-S-P-E-C-T” deletreado con orgullo. El resultado fue tan potente que eclipsó al original. Pasó de ser una súplica a convertirse en un grito de empoderamiento femenino y afroamericano. En 2004 y nuevamente en 2021, la revista Rolling Stone la colocó en el número 1 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Esto ya no es un cover. Es una versión en toda regla. CONTRAFACTUM Pero no todo son covers y versiones. Existen otros conceptos curiosos, como el contrafactum. ¿Y ahora estaréis pensando… eso qué coño es? Pues contrafactum significa literalmente “hecho en lugar de otro”, y la palabra se remonta a la Edad Media. Su uso musical se documenta por primera vez entre los siglos XII y XIII en Europa. Básicamente, consiste en mantener intacta la melodía de una canción, pero cambiando la letra por completo. SOLOMON LINDA & THE EVENING - MBUBE: https://www.youtube.com/watch?v=mrrQT4WkbNE Como muestra, hablaremos de Mbube. La historia empieza en Sudáfrica, en los años 30. Solomon Linda y su grupo publican “Mbube” en 1939. Una canción cantada en zulú, con una melodía vocal muy característica y un estilo cercano al canto tradicional africano. THE TOKENS - THE LION SLEEPS TONIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=OQlByoPdG6c Años más tarde, en 1961, el grupo estadounidense The Tokens lanzó su propia versión bajo el título “The Lion Sleeps Tonight”. Aquí estamos ante un claro contrafactum: La melodía de Mbube se mantiene como base, pero se le añade una nueva letra en inglés, algunos arreglos y un enfoque pop mucho más occidental. El resultado: un éxito internacional... Aunque la historia que hay detrás de esta versión no es tan inocente como parece, pero eso te lo contaremos en otro episodio. SAMPLEO O SAMPLING Otra técnica muy común, sobre todo en la música urbana, es el sampleo. ¿En qué consiste? Muy sencillo: se toma un fragmento grabado de una canción ya existente —puede ser un ritmo, una línea de bajo, una voz— y se reutiliza tal cual en una canción nueva. No es una inspiración ni una versión: es la misma grabación original que se incrusta en otro tema. RICK JAMES - SUPER FREAK: https://www.youtube.com/watch?v=Rwj8gdoTls8 En 1981, Rick James lanza este tema titulado “Superfreak” con un bajo espectacular y absolutamente reconocible. Una canción pegajosa, bailable y con mucho ritmo. MC HAMMER - U CAN'T TOUCH THIS: https://www.youtube.com/watch?v=bwEwh7sm26w Nueve años después, en 1990, MC Hammer toma esa misma línea de bajo y la usa como base de su canción. Esto es sampleo puro, ya que coge una parte de la canción ya grabada, y la reutiliza directamente en esta otra. En muchos casos, como este, también puede verse como un homenaje. Fue la primera canción de rap nominada al Premio Grammy a la Grabación del Año, aunque no ganó en esa categoría, sí se llevó dos Grammy: A la Mejor Interpretación Solista de Rap Al Mejor Video Musical de Formato Corto PARODIA En una parodia se cambia la letra y muchas veces hasta el estilo de la canción original, pero con la intención de hacer humor o crítica. Parecido al contrafactum, la parodia nace con una intención humorística muy clara, a veces incluso con un tono crítico o burlesco. Podríamos decir que es una versión con la intención de hacer humor, crítica o sátira de una canción existente. ZZ TOP - LA GRANGE: https://www.youtube.com/watch?v=Vppbdf-qtGU Pondremos como ejemplo La Grange. La canción original, de ZZ Top, es un clásico del rock sureño, y se caracteriza por tener un ritmo pegadizo y una letra que habla de un burdel famoso en Texas. MOJINOS ESCOZÍOS - EL CORRAL: https://www.youtube.com/watch?v=87LWtBOsv5I En 1996, el grupo Mojinos Escozíos tomó la melodía de “La Grange” y la transformó en “El Corral”, convirtiéndola en una parodia con tintes rurales. La nueva letra narra las aventuras de un granjero y sus animales, en un tono claramente humorístico y exagerado, muy característico del estilo de Mojinos. Esta adaptación encaja perfectamente en la propuesta irreverente de la banda, conocida por mezclar rock duro y letras absurdas, costumbristas y explícitamente cómicas. En “El Corral”, sustituyen el erotismo sugerido de la canción original por escenas grotescas y surrealistas de la vida en el campo, incluyendo referencias escatológicas de doble sentido. El resultado no solo parodia la canción de ZZ Top, sino también el propio estereotipo del rockero duro, llevándolo al extremo del humor hispano más gamberro. Como muchas de sus canciones, esta versión combina homenaje musical con burla consciente, en un equilibrio muy propio del universo Mojinos. INTERPOLACIÓN ¿Y qué pasa cuando alguien recrea una parte de una canción, pero sin usar la grabación original? Eso es lo que se llama interpolación. Es como hacer un cover, pero solo de una parte concreta —una melodía o un estribillo— y tocarla o cantarla de nuevo, adaptándola a otra canción. CHIC - GOOD TIMES: https://www.youtube.com/watch?v=iGKQapswGaY En 1979, la banda estadounidense Chic, considerada como una la banda más representativa de la historia de la música disco, publicó el tema “Good Times”, alcanzando el número 1 de la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Este tema de Nile Rodgers y Bernard Edwards, posee una de la línea de bajo más elegante y reconocible de la historia. Pero además de ser un éxito por sí solo, su riff marcaría un antes y un después en la historia del hip-hop... aunque ellos no lo sabían aún. THE SUGARHILL GANG - RAPPER'S DELIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=IOD0DQ7AN5Q Ese mismo año, trío de hip hop estadounidense The Sugarhill Gang lograron la fama por el sencillo Rapper's Delight publicado también en 1979. Aunque no fue la primera canción de hip hop grabada de la historia, ayudó a la popularización del mismo en los Estados Unidos y el resto del mundo. En este tema, el grupo toma como base la línea de bajo de Good Times y lo convierte en uno de los temas de rap más famosos de la historia. LAS KETCHUP - ASEREJÉ: https://www.youtube.com/watch?v=seGNuXruSJM Años después, en 2002, el grupo femenino Las Ketchup lanzó la canción Aserejé. Su compositor, Manuel Ruiz Queco, se insp

¡Hola, hola! ¿Qué tal? Buenos días, tardes o noches, dependiendo de... ya sabéis qué. Yo soy Raulillo, y me tenía que pasar sí o sí por Explorando Versiones. Tenía que volver, sobre todo tras la triste noticia del pasado 22 de julio, cuando se nos congeló el alma al enterarnos del fallecimiento del Rey del Heavy Metal: Ozzy Osbourne. Cuando me enteré de la muerte de Ozzy, me vi con la obligación moral de homenajearle, por la parte que me toca. Digo “por la parte que me toca” porque el tema del que os voy a hablar es, ni más ni menos, que la sintonía del podcast que dirijo: La Taberna de Crowley. Y hoy os traigo un homenaje con el formato clásico de Explorando Versiones: analizando la canción Mr. Crowley y algunas de sus versiones. Hay canciones que parecen estar escritas en las paredes del tiempo. Y hay voces que no mueren, aunque su cuerpo ya haya callado. Hace unos días, la Luz de Ozzy Osbourne se apagó. El Príncipe de las Tinieblas nos deja… pero su sombra —esa sombra tan suya— sigue proyectándose en cada nota, en cada alarido, en cada silencio cargado de distorsión. Así que decidme, exploradores… ¿Estáis listos para descender por la escalera espiral del heavy metal hasta una canción que susurra lo prohibido, que murmura lo oculto y que invoca lo enigmático? Pues alzad los cuernos al cielo. Porque empieza… Mr. Crowley. Una oda oscura a un hombre maldito. La elegía perfecta de un artista que supo mirar al abismo… y hacerlo cantar. MR. CROWLEY (OZZY OSBOURNE, 1980): https://www.youtube.com/watch?v=o0RE230PlX4 Todo viaje comienza por su origen. Y aquí, el origen se llama John Michael Osbourne, nacido el 3 de diciembre de 1948, Marston Green, Reino Unido. Conocido por todos como Ozzy Osbourne… El príncipe de las tinieblas. En 1979 fué expulsado de ese paraíso oscuro llamado Black Sabbath, la banda decana del Heavy metal. Sí, él, junto a Tony Iommi y compañía, crearon el Heavy Metal… os pongáis como os pongáis. Y aunque lo despidieron acusado de exceso y caos por su abuso de las drogas y bla, bla, bla…Todos sabemos cómo era Ozzy, este podcast no va a ir por ahí. Hoy no toca. Hoy toca homenajearle y hablar de las cualidades y bondades del artista. Bondades como dejar que los músicos que le acompañaban tomaran parte activa de su proyecto en solitario, opinando y componiendo. Ozzy, como toda criatura de la noche, renació en solitario, con su propia banda en 1980. Y en ese año nacía el disco “Blizzard of Ozz”, y con él, Mr. Crowley. Una canción que parecía susurrada desde una catedral profana, que abría sus puertas con los acordes lúgubres de un órgano electrónico: Don Airey fue el arquitecto de ese umbral. Un portal sonoro que nos transporta a la ceremonia. Y luego… el “solo”. No un “solo” cualquiera: según la revista Guitar World, el vigesimoctavo mejor solo de la historia del rock. Compuesto e interpretado por Randy Rhoads, un genio fugaz, caído en un accidente aéreo tan solo dos años después. Un mártir del metal, que es como un ángel con seis cuerdas de acero. La canción es un retrato deformado, una máscara de Aleister Crowley: mago, embaucador, devoto del caos. Una figura donde se funden el esoterismo y el exceso. El mismo reflejo oscuro con el que Ozzy jugaría toda su vida. El álbum, sostenido por el himno Crazy Train, alcanzó el puesto 21 en Billboard 200, y en 2017, Rolling Stone lo consagró como uno de los diez mejores discos de metal de la historia. Mr. Crowley trascendió al mundo de los videojuegos. Entró en Brütal Legend. Y también se convirtió en una pista jugable en Guitar Hero World Tour, al que un servidor le ha metido un montón de horas y debo confesar que me hacía ese solo con los ojos cerrados. JOE LYNN TURNER: https://www.youtube.com/watch?v=vq6bBvRmW8c Hoy recorremos una senda marcada por homenajes y hay paradas obligatorias. Y ésta, sin duda, es una de ellas. Corría el año 1987 cuando el eco de una guitarra truncada por la tragedia volvió a la vida… Un disco rendía tributo al talento inmortal de Randy Rhoads. Y entre sus pistas emergía una versión poderosa de Mr. Crowley, que corrió a cargo de Joe Lynn Turner. ¿Que quién es? Pues no es un cualquiera. Veréis: Joe Lynn Turner ganó notoriedad como guitarrista y vocalista con la banda de New Jersey, Fandango y su trabajo llamó la atención al otro lado del charco de Ritchie Blackmore, el mago de las seis cuerdas en Deep Purple, que estaba en la búsqueda de un cantante para sustituir a Roniie James Dio en su banda Rainbow. Así que Joe Lynn llegó a grabar tres álbumes con la icónica banda del arcoíris, incluyendo Difficult to Cure. CRADLE OF FILTH: https://www.youtube.com/watch?v=pfQCIBeNCZI Algunos os preguntaréis: ¿Quién cojones es ese Mr. Crowley del que habla la canción? Edward Alexander Crowley, más conocido como Aleister Crowley —o Frater Perdurabo, o “La Gran Bestia 666”— fue un ocultista, místico y mago ceremonial cuya influencia aún se extiende en las sombras del rock y el metal. Fundador de la filosofía religiosa llamada Thelema, su credo se basaba en máximas que retumbaron como un eco en la contracultura. "Haz tu voluntad: será toda la ley." "El amor es la ley, el amor bajo la voluntad." Un hombre que bajo el pretexto de alcanzar la omnisciencia buscaba entregarse a sus pasiones con libertad absoluta: drogas, placeres y secretos prohibidos. No es extraño que su sombra se proyecte en las leyendas del rock, desde The Beatles hasta Ghost, y especialmente en la mitología musical de Led Zeppelin. Otros candidatos a bajar al infierno… si es que no se han comprado ya su escalera al cielo. Y con el sonido del mismísimo infierno, sube esta versión del álbum Nymphetamine, el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de metal extremo Cradle of Filth, grabado en 2004. El título es una combinación de "ninfa" y "anfetamina", que alude a una adicción venenosa a una mujer vampírica que te devora y consume con la misma voracidad que las drogas. Este álbum está profundamente influenciado por Crowley, y está teñido con ecos literarios de Edgar Allan Poe y la ficción cósmica de H.P. Lovecraft, en particular los Mitos de Cthulhu... En fin, que si quieres un viaje turbio, inquietante, donde la magia negra se mezcla con la música para invocar aquello que no debe ser nombrado. El disco Nynphetamine y esta versión de Mr Crowley, son las indicadas para ti. GEORGE LYNCH: https://www.youtube.com/watch?v=qh-3fGZs0m8 Ahora vamos con el asombroso caso de George Lynch, el guitarrista que pudo ser, que fué y que al mismo tiempo, nunca fue. Miembro de la banda de Ozzy Osbourne… Lynch es una leyenda entre los guitarristas, y hay quienes afirman que fue pionero en el famoso estilo tapping con ambas manos en el mástil, incluso antes que el mismísimo Eddie Van Halen lo hiciera. Lynch audicionó para la banda de Ozzy en dos ocasiones: la primera en 1979, donde perdió frente al imponente Randy Rhoads. Y la segunda, en 1982, momento en el que, según cuenta el propio Lynch, fue contratado por tres días… antes de que Ozzy cambiara de parecer y eligiera a Jake E. Lee como su guitarrista definitivo. Sin embargo, Lee tiene otra versión: asegura que Lynch tuvo el trabajo, pero apenas por dos semanas, y que en realidad nunca llegó a tocar con Ozzy. Cuando George Lynch mira hacia atrás con serenidad y buen humor. Cuando se le pregunta sobre aquella etapa dice con humildad: “Gané el premio de consolación”. Tan buena es su energía que en 2001 decidió versionar Mr. Crowley en su disco titulado “Will Play for Food” —“Tocaré por comida”— regalándonos así un solo de guitarra que nos transporta a un universo paralelo, un escenario alternativo donde Ozzy no habría cambiado de opinión. Escuchar esa interpretación es imaginar lo que pudo haber sido, y entender que la música siempre encuentra su camino, incluso en los caminos nunca recorridos. MOONSPELL: https://www.youtube.com/watch?v=EmZAM7OCaZQ Parece que, sin importar quién tome la guitarra, esos solos de Randy Rhoads se clavan en el alma. ¿Será acaso obra de magia negra, invocando el espíritu de la Gran Bestia Aleister Crowley para esa canción? ¿O será algo más mágico como la combinación única de la genialidad de Ozzy y Randy, capaces de componer y transmitir algo más allá de lo humano? Sea cual sea la razón, estos solos son como fragmentos de esperanza que emergen desde la oscuridad más profunda. Como testimonio de ese poder, os traigo a Moonspell, la banda portuguesa de metal gótico, que en 2001 lanzó un álbum de versiones titulado “Darkness and Hope” (Oscuridad y Esperanza). Ahí llega el solo… ¿Veis a lo que me refería? Jack Black: https://www.youtube.com/watch?v=hm-M8GvgYws Fueron las palabras de Ozzy en la rueda de prensa previa a aquel magno evento: “Back to the Beginning”. ¿Qué es esto? ¿En qué mundo vives tú si no conoces esta historia? “Back to the Beginning” fue el concierto de despedida, un último homenaje que Ozzy organizó para el mundo entero, transmitido en vivo por streaming. Todo lo recaudado se destinó a la lucha contra el Parkinson, esa enfermedad implacable que lo golpeó sin piedad y que, finalmente, se lo llevó, junto a sus compañeros Randy Rhoads y Lemmy Kilmister. Para ese día, Ozzy abandonó los tratamientos que apagaban su voz, entregándose con todo lo que su cuerpo y alma pudieron dar dentro de lo posible. Un adiós desde el trono oscuro, vestido de cuero negro y tachuelas, coronado por un murciélago infernal, símbolo indeleble de su leyenda. Porque todos sabemos la historia de Ozzy y los murciélagos, ¿verdad? En aquel evento colosal se reunieron los titanes del rock y el metal: Metallica, Slayer, Pantera, Gojira, Halestorm, Tool, Lamb of God, Anthrax, Mastodon, Guns N’ Roses, Steven Tyler… una constelación de leyendas. A la guitarra principal, Zakk Wylde, fiel compañero de batalla durante años en la banda de Ozzy. La presentación estuvo a cargo de Jason Momoa, y por última vez se reunieron los miembros originales de Black Sabbath, en una emotiva reunión fi

Hoy presentado por por José Luis Flores de Onda 100 Extremadura, el tema seleccionado es Superstition de Stevie Wonder. Stevie Wonder: https://www.youtube.com/watch?v=7_tmeHCO1IM Jeff Beck - Superstition: https://www.youtube.com/watch?v=PoJ1lhoRBSg Stevie Ray Vaughan & Double Trouble: https://www.youtube.com/watch?v=JL9eO4-aDMs Jackson 5: https://www.youtube.com/watch?v=DMsnXF8hiH4 Beck, Bogert & Appice: https://www.youtube.com/watch?v=k2U7V_Mjil8

Hola a todo el mundo de nuevo, me alegro un montón de estar aquí nuevamente en un episodio más de Explorando Versiones de "Locos por Incordiar". Soy Agartha de Radio Apis Music. LOS RONALDOS - NO PUEDO VIVIR SIN TI: https://www.youtube.com/watch?v=TD06xGZ1bpw Y hoy vengo con un nuevo tema por explorar. "No puedo vivir sin ti" de Coque Malla. "No puedo vivir sin ti" es una canción con muchas vidas. Hay canciones que no necesitan fuego artificiales para llegar al corazón. No hacen falta palabras complejas y arreglos grandilocuentes. A veces lo más simple es lo más demoledor. Hoy hablamos de una de esas canciones que con solo una guitarra, una voz quebrada y una frase repetida logró convertirse en un himno emocional. Hablamos de él "No puedo vivir sin ti" de Coque Malla. CAMPAÑA PUBLICITARIA DE IKEA: https://www.youtube.com/watch?v=fEU7nfBrqHc Escrita originalmente en 2007. Esta canción formaba parte del álbum "La Hora de los Gigantes", pero su verdadera explosión llegó un par de años después, en 2009, cuando fue elegida para una campaña publicitaria de IKEA. Y es curioso como la vida de una canción puede cambiar por completo con un solo empujón mediático. Esta frase sencilla "No puedo vivir sin ti, no hay manera", se coló en casas, se coló en coches, se coló en los teléfonos y en los corazones. COQUE MALLA: https://www.youtube.com/watch?v=JbL8taSowkk Y como toda canción poderosa "No puedo vivir sin ti" ha tenido varias vidas y varias voces, vamos a repasarlas brevemente. La versión original salió en el 2007 a través de Coque Malla, cruda, honesta, íntima... voz y guitarra, sin florituras, es la más emocional, como si Coque la hubiera grabado mirando los ojos a alguien que está a punto de marcharse. Con lágrimas de los ojos, le pide que por lo mejor no se vaya, que la necesita para toda su vida, aunque se queje de que la tenga allí en casa colonizando todo su hogar. El estribillo repetido, no es un recurso, o es un grito desesperado. COQUE MALLA CON ANNI B SWEET: https://www.youtube.com/watch?v=l6G2U-1LlNs Por aquí sonando viene una de las versiones más conocidas de esta canción, que es con Anni B Sweet, en el 2011 en los conciertos de radio. Una reinterpretación a dos voces, Anni B Sweet aporta a dulzura y un contrapunto femenino que transforma la canción en un diálogo. La atención emocional crece y el resultado es más delicado, pero igual de desgarrador e igual de íntimo. EL CANTO DEL LOCO: https://www.youtube.com/watch?v=vIMAcOJx3tc La siguiente versión es del Canto del Loco que fue lanzada el 2009 y es una versión energética y juvenil que revitalizó el tema para una nueva generación, acercándolo al pop rock de los años 2000. AITANA Y CEPEDA (OT 2017) https://www.youtube.com/watch?v=kqJw9wdZ_ng En el año 2017, en el famoso concurso de "Operación Triunfo", Aitana y Cepeda hacen una interpretación romántica a dúo que aporto frescura y emoción al clásico "No puedo vivir sin ti", destacando sus voces complementarias. Fue tan emotiva y fue tan vivida que la gente creía que se estaban enamorando de verdad. BELY BASARTE: https://www.youtube.com/watch?v=-D89rI0tlD8 En YouTube podemos encontrar otra de las versiones de esta enigmática, íntima y emocional canción, "No puedo vivir sin ti", a través de la voz de Bely Basarte. Una versión íntima y delicada que resalta la sensibilidad de la canción mostrando la versatilidad de la artista. Yo les invito a que las cuchen entera. DAVID VAN BYLEN: https://www.youtube.com/watch?v=vNTBRu0GhQE Esta versión que viene por aquí es de David Van Bylen, que ofrece una reinterpretación electrónica y enérgica del clásico de los Ronaldos, publicada como sencillo en septiembre de 2020. Esta versión destaca por si fue que moderno y su capacidad para conectar con audiencias contemporáneas. En su adaptación, Van Bylen, fusiona elementos del pop y la música electrónica, creando una atmósfera vibrante que aporta una nueva dimensión al tema original. La producción cuidadosa y los arreglos innovadores permiten que la canción mantenga su esencia emocional, mientras se presenta en un formato más actual y bailable. Esta versión ha sido bien recibida en plataformas de streaming, alcanzando posiciones destacadas en lista como la de ITunes en 2022 y en la radio en 2024. Su éxito refleja la habilidad de Van Bylen para reinterpretar clásicos con un enfoque fresco y accesible. Agarren sus cuerpos, levanten el culo de la silla y pongan a bailar esta nueva versión de "No puedo vivir sin ti". JAZZMATIKS: https://www.youtube.com/watch?v=0a_f0BQdv2s La siguiente versión que he elegido es del grupo Jazzmatiks, que interpretan "No puedo vivir sin ti" en una adaptación fresca y sofisticada de la emblemática canción. Este grupo de Jazz de la Marina Alta, España, compuesto por Reme Giner, Santi Ferrer, Javi Justo y Alfred Rosselló, ofrece una interpretación que combina la esencia melódica original con una atmósfera íntima y elegante. La pieza forma parte de su álbum homónimo lanzado en 2019, disponible para su escucha y descarga en BandCamp. En esta versión, la voz suave de Giner se entrelaza con los arreglos jazzísticos, creando una atmósfera envolvente que aporta una nueva dimensión emocional a la canción. El acompañamiento instrumental, con la trompeta y el piano, aporta una riqueza sonora que transforma la pieza en una experiencia auditiva única. Esta interpretación destaca por su capacidad para mantener la esencia de la original mientras la reinventa dentro del lenguaje del jazz contemporáneo. Si eres amante del jazz y aprecias las reinterpretaciones de clásicos, esta versión de "No puedo vivir sin ti" por Jazzmatiks es una propuesta que invita a redescubrir una canción querida desde una perspectiva fresca y sofisticada. MIGUEL CAMPELLO: https://www.youtube.com/watch?v=bJM1SBAhMpk Y ya saben que cuando elijo una canción es por que alguna de sus versiones me ha enamorado, y esta vez he elegido esta porque hay una versión que me encanta cómo suena y es la de Miguel Campello, que es una emotiva adaptación del tema original. Esta interpretación Campello transmite la intensidad de una relación profunda y transformadora, reflejando cómo la presencia de una persona puede convertirse en esencial para la vida del cantante. La letra expresa sentimientos de dependencia emocional y la incapacidad de imaginar la vida sin esa persona amada. A través de versos como "No puedo ir sin ti y no hay manera", se enfatiza la conexión inquebrantable entre el narrador y su ser querido. Esta versión aporta una nueva dimensión a la canción original, fusionando su estilo único con la esencia del tema. Y ofreciendo a los oyentes una interpretación fresca y emotiva que resalta la universalidad del mensaje de amor y dependencia expresado en la letra. La letra de "No puedo vivir sin ti" es breve, casi mínima, pero esa es su fuerza. Un mantra moroso, una súplica, una obsesión, una canción que habla del apego, del miedo a perder, del amor que duele y de esa dependencia emocional que todos hemos sentido alguna vez y que seguimos sintiendo en algunas ocasiones. CONCLUSIONES: Coque Malla nos ha regalado muchísimas joyas en forma de canción, pero nos regaló una frase universal con esta canción, una de esas que puedes cantar borracho, susurrar a media voz, gritar al vacío, susurrar al oído de tu pareja o incluso a tu propio corazón: "No puedo vivir sin ti, no hay manera". Corazoncito mío, "No puedo vivir sin ti, no hay manera", porque sin ti la vida sería un suplicio y jamás sentiría la brisa rozando mis mejillas. Una canción sencilla pero eterna. Un besito, chao, chao, muchísimas gracias por estar ahí y hacer que todo esto sea posible.

“Es la mejor canción del Rock Español“... Y no, no lo digo yo, lo dice quizás la voz más autorizada del Rock patrio, Rosendo Mercado. Hola soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en este nuestro podcast favorito, Explorando Versiones ALARMA - FRIO: https://youtu.be/3-tZv8X1Cio?si=mschmBOyMtaDvF9C El de Carabanchel muestra en esta aseveración su rendición incondicional ante el genio de Manolo Tena y su banda Alarma. Empezaba a penas la década de los 70 cuando José Manuel Tena, hijo de inmigrantes extremeños mostraba su primer interés por el Rock and roll en el castizo barrio de Lavapiés. Con un bajo prestado tocaba en orquestas de Madrid y alrededores, influenciado por la ironía de Frank Zapa, las canciones de John Mayall y una estética muy parecida a la de Lindsey Kemp. Cómo explicaría en algunas entrevistas posteriores, era un lector empedernido de poesía siendo gran admirador de Rubén Darío y Antonio Machado, y eso se nota en la elaboración de sus letras. En 1977 funda su primer grupo, digamos en serio, Cucharada en un intento algo extravagante de fusionar Rock and roll y teatro en lo que el propio Manolo llamaría una expresión de protesta antifranquista. Aunque en lo musical a Cucharada se les podría emparentar con Led Zeppelin pero con ciertos toques underground y punk. La crítica estaba encantada y aturdida al mismo tiempo e incluso fueron teloneros de Chuck Berry en Madrid en el año 1981 y los mismísimos Siniestro Total reinterpretaron algunos de sus temas posteriormente. Pero la aventura duró sólo hasta 1981 cuando compartiendo casi al completo la formación de Cucharada y de las cenizas de esta nace Alarma que al principio se hacía llamar FBI, con aires de After Punk, la crítica los comparó con Police. El propio Tena lo definiría así: “Demasiado heavys para los modernos y demasiado moderno para los heavys“. Aunque ya se conocían de Cucharada, los Leño de mi admirado Rosendo los fichan como teloneros de sus conciertos. Frío pertenece a su segundo y último LP, “En el lado oscuro” de 1985. Seguramente sea la canción más versionada de Alarma y es sin duda una joya escondida de la discografía de una banda que aunque suene a tópico se adelantó a su tiempo. Del significado de la letra se ha especulado mucho, aunque a mí parecer es una canción de desamor y soledad…..pero otros creen entender en ese frío una clara alusión a las secuelas físicas del síndrome de abstinencia… el mono de un drogadicto vamos. TXARRENA: https://youtu.be/CHRFk9AL1L8?si=q8d74qsZ--vIAESa Enrique Villarreal “El Drogas” cantante y fundador del grupo Barricada inicia en paralelo a la banda un proyecto musical al que da el nombre de Txarrena e incluye en su primer disco de 1992 está versión con la personalidad de la voz del artista navarro. EL DROGAS: https://youtu.be/XwiMHlnQaD8?si=J11oI_sIGrU-oNn1 Pero ojo que haría doblete, en solitario también nos dejaría está joya en directo junto a Tarque, Rosendo y Fito… una auténtica maravilla. LOS SECRETOS: https://youtu.be/-RPbv98YXek?si=etOhxIK_MnXvOwwn Los hermanos Urquijo no desaprovecharon la ocasión de dar su punto de vista sobre este temazo, en 1991 crearon está versión en la inconfundible voz de Enrique. Los Secretos. MIGUEL TENA: https://youtu.be/7YboIMhz41w?si=AsQegoLc3JEQ85_f En un claro homenaje a su padre, Miguel Tena hizo esta versión acústica, añadiendo un violín y un tempo mucho más lento si cabe, la voz de Miguel recuerda levemente a la de Manolo Tena. ALFONSO XII Y LOS VASALLOS: https://youtu.be/9HpWwMIAJA8?si=QMYuMjL6ApyheVV- Alfonso XII y los Vasallos es un voluntarioso grupo de versiones que me apetecía traer a Explorando , aquí en directo versionan Frío a su manera. PLATEA: https://youtu.be/j58uXeJKOQw?si=DXguZBJSEKBpwvue Como aquí además de explorar Versiones exploramos bandas, aquí os traigo esta versión de frío a cargo de la banda zaragozana Platea, con influencias de Marea, Platero o Extremoduro DDT ROCK: https://youtu.be/cM3STtE8ZZ0?si=Rcs8sNUg9nY66ybN Desde Jerez de la frontera os traigo esta versión más épica que el grupo DDT Rock toca en directo. MANOLO TENA (EN DIRECTO): https://youtu.be/EMkm6bEwcIk?si=7MdFv6ulPL1e8LMu En Abril de 2016 nos dejaba Manolo Tena a causa de un cáncer de hígado. Se iba la voz más carrasposa de la movida madrileña… Se marchó, pero dejó una extensa carrera en bandas, en solitario y como compositor de muchos artistas de géneros tan alejados como Ricky Martín, Miguel Ríos o Ana Belén. Como no puede ser de otra manera también interpretó en directo y en solitario su canción a modo de legado musical. CONCLUSIONES: El carácter introspectivo de Manolo Tena se deja ver en muchas canciones de Alarma pero a su vez la banda muestra su lado más divertido y canalla en otros temas dejando ver lo que en el fondo eran, unos rockeros. Solo dos discos para una banda que pese a ser en directo los grandes teloneros de la época, dejaron un legado y una influencia que resuenan en el Rock Español.

Hoy en Explorando Versiones hablaremos de la canción En el Lago del grupo Triana TRIANA - EN EL LAGO: https://www.youtube.com/watch?v=CxmUcT86hw8 Triana es una banda de rock andaluz formada en 1974 y compuesto por Jesús de la Rosa Luque, Eduardo Rodríguez Rodway y Juan José Palacios “Tele”. Considerados como uno de los grupos más influyentes en la historia del rock español, son conocidos por fusionar el rock progresivo con elementos del flamenco y la música andaluza, creando un estilo único y distintivo. Su álbum debut homónimo, "Triana" (1975), es considerado un clásico del rock español y contiene una de sus canciones más recordadas. La canción "En el lago" evoca una atmósfera mística y poética con imágenes que sugieren un viaje interior y espiritual. A medida que avanza, la canción va creciendo en intensidad, con la incorporación de instrumentos eléctricos y una progresión musical que refleja un sentido de búsqueda y exploración. MEDINA AZAHARA: https://www.youtube.com/watch?v=t-YR9_Ied5E Grupos como Medina Azahara, Alameda, Cai o Mezquita han sido influenciados por el sonido y la estética de Triana. En esta versión, Medina Azahara homenajea al grupo Triana en el disco Llegó el día. CRISTIAN DE MORET Y MIGUEL ZAGUÁN: https://www.youtube.com/watch?v=4LtuTH-jIoc Cristian de Moret, músico y compositor español, conocido por su estilo ecléctico que fusiona diferentes influencias musicales y Miguel Zaguán, guitarrista flamenco y productor musical también hicieron esta versión con un ritmo y una cadencia más actual. LOS CORONAS: https://www.youtube.com/watch?v=-OIXthkS7I0 En 2013, el grupo madrileño “Los Coronas” graban un EP editado en vinilo titulado “El extraño viaje” en el que se acercan al «En el lago» de Triana acompañados por Depedro, haciendo una versión de fusión entre surf y rock fronterizo que los caracteriza. MANOLO GARCÍA: https://www.youtube.com/watch?v=3aRkDj8lxwM Manolo García suele interpretar canciones de Triana en conciertos y presentaciones en vivo, incluida una versión de "En el lago". Su estilo único y su pasión por la música española le han permitido rendir homenaje a artistas y bandas emblemáticas como Triana. PABLO LÓPEZ: https://www.youtube.com/watch?v=4TtzfxdFy5c Pablo López, otro talentoso músico español, ha realizado en ocasiones versiones de la canción "En el lago" de Triana. Pablo López es conocido por su habilidad como cantante, compositor y pianista, y ha ganado reconocimiento tanto por sus propias canciones como por sus interpretaciones de temas populares. La interpretación de Pablo López de "En el lago" seguramente llevaría su distintivo estilo vocal y su habilidad en el piano, dándole una nueva dimensión a esta icónica canción del rock andaluz. Su sensibilidad musical y su profundo conocimiento de la música española seguramente se reflejarían en su versión de esta obra maestra de Triana. CONCLUSIONES: Sin lugar a dudas, "En el lago" ha tenido una influencia significativa en la escena musical española, tanto dentro como fuera del ámbito del rock andaluz. Su fusión única del rock progresivo y del flamenco ha dejado una marca duradera en la música española.

Hola, Soy el Agui y hoy en Explorando Versiones os hablaré de la canción The Trooper. IRON MAIDEN - THE TROOPER: https://www.youtube.com/watch?v=X4bgXH3sJ2Q "The Trooper" es una de las canciones más icónicas de la banda británica de heavy metal “Iron Maiden”. Escrita por el bajista Steve Harris, fue lanzada el 20 de junio de 1983 como el segundo sencillo del álbum "Piece of Mind". La canción está inspirada en la Batalla de Balaclava, que tuvo lugar durante la Guerra de Crimea en 1854. La letra se basa en el famoso poema "The Charge of the Light Brigade" (La Carga de la Brigada Ligera) de Alfred Lord Tennyson, que describe la valentía y el sacrificio de los soldados británicos en una carga de caballería mal calculada contra fuerzas rusas bien atrincheradas. La portada del sencillo, diseñada por Derek Riggs, presenta a Eddie, la mascota de la banda, vestido como un soldado británico de la Guerra de Crimea, agitando una bandera británica y sosteniendo una espada ensangrentada, lo que se ha convertido en una imagen icónica del heavy metal. MOTORHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=xkWBPbdb6l8 En 2017, el legendario grupo británico Motörhead publicó su versión de The Trooper, incluida en el álbum Under Cöver. Este disco recopila algunas de las mejores versiones que la banda grabó a lo largo de su carrera, rindiendo homenaje a artistas que influenciaron su sonido. Cabe señalar que este álbum se lanzó dos años después de la muerte de Lemmy Kilmister, en 2015. En esta versión, Motörhead lleva The Trooper a su terreno, sustituyendo la velocidad característica de Iron Maiden por un ritmo más crudo y pesado. La voz rasposa de Lemmy le da un tono aún más agresivo, mientras que el bajo distorsionado y la batería contundente le imprimen el sello inconfundible de la banda. Más que una simple versión, esta es una reinterpretación que reimagina el tema a través del prisma del rock ‘n’ roll sucio y directo que definió a Motörhead. Toda una joya para los fans de ambas bandas. LOS COLORADOS: https://www.youtube.com/watch?v=03S9SpNajiw Si alguna vez imaginaste a Iron Maiden sonando en una fiesta de pueblo con acordeón y mucho cachondeo, aquí tienes la versión de Los Colorados. Este grupo ucraniano transforma The Trooper en una interpretación ligera y festiva, mezclando polka y folk con instrumentos tradicionales. Los Colorados se hicieron conocidos internacionalmente por sus versiones de canciones populares en clave folk, con un estilo desenfadado y humorístico que recuerda a la música tradicional de Europa del Este. Su peculiar enfoque los llevó incluso a participar en programas de televisión y festivales donde demostraron que el rock y el metal pueden sonar de muchas formas inesperadas. En esta versión, The Trooper pierde su épico dramatismo y se convierte en una celebración bailable, ideal para imaginarse en una taberna ucraniana con jarras de cerveza en alto. Una reinterpretación que, sin duda, demuestra que la música no tiene fronteras. BEYOND THE BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=PnZeQq_w2IM En 2020, la banda alemana de metal sinfónico Beyond the Black lanzó una versión acústica del clásico de Iron Maiden dentro de su EP WOA (Acoustic Clash) The Lockdown Session. Beyond the Black es conocido por fusionar elementos del metal sinfónico con toques de rock melódico, y en esta versión, logran despojar a The Trooper de su frenetismo para presentarlo desde una perspectiva más introspectiva. En lugar del frenesí de la carga de caballería, aquí parece que estamos ante el lamento de un soldado recordando la batalla. En esta adaptación, el grupo transforma la intensidad del tema original en una interpretación más suave, melódica y emotiva, donde destacan las guitarras acústicas y la voz profunda y envolvente de Jennifer Haben. STEVE’N’SEAGULL: https://www.youtube.com/watch?v=Li58voy6xXM El grupo finlandés STEVE’N’SEAGULL, especializado en adaptar clásicos del rock y el metal al estilo bluegrass y country, lanzó su peculiar versión de The Trooper en su álbum Farm Machine en 2015. En lugar de potentes guitarras eléctricas y batería atronadora, la banda usa banjo, contrabajo, acordeón y mandolina, logrando una reinterpretación única que mezcla la esencia del folk americano con la energía del heavy metal. La banda alcanzó fama mundial gracias a sus versiones de AC/DC, Metallica y Guns N’ Roses, pero con The Trooper logran algo especial: transforman un himno de batalla en un pegadizo y desenfadado tema de taberna, sin perder el espíritu épico de la canción original. Es otra prueba de que una buena canción puede brillar en cualquier género, ¡incluso en un bluegrass a la finlandesa! WAY TOO PEACEFUL https://www.youtube.com/watch?v=eFFuvLX6-DI Way Too Peaceful es una banda conocida por transformar clásicos del rock y del metal en versiones acústicas y atmosféricas. En su interpretación, la intensidad y agresividad de la versión original se diluyen en una atmósfera relajada, con armonías vocales y guitarras limpias. El resultado es un tema totalmente inesperado: en lugar de una batalla épica, esta versión nos transporta a una tarde soleada, donde los soldados cambiarían las espadas y mosquetes por flores y gafas redondas. THE HU: https://m.youtube.com/watch?v=2WrvFUZgHro La banda de Mongolia The Hu, que combina música tradicional mongola con rock y heavy metal, hicieron este tema, pero con un giro muy especial. Su versión se llama The Trooper, Hu Version, e incluye partes de su propia canción Sugaan Essena. Su sonido es muy característico, porque usan instrumentos tradicionales mongoles, como el morin khuur, el violín de cabeza de caballo, y el tovshuur, el laúd mongol, junto con el canto difónico, una técnica vocal que les da un tono muy profundo y gutural. RASKA COCOS: https://www.youtube.com/watch?v=l3ciyyctM0Q Como cualquier gran himno del rock, The Trooper también ha sido versionada en español, y la banda mexicana Raska Cocos se encargó de darle un giro completamente nuevo. Su versión la transforma en una explosiva mezcla de ska, punk y rock, con vientos y guitarras aceleradas que invita al brinco y al pogo en cualquier concierto. Lejos de la épica original inspirada en la Guerra de Crimea, esta adaptación rebosa actitud fiestera, con un estilo desenfadado y divertido. CONCLUSIONES The Trooper ha demostrado ser uno de esos temas que han inspirado numerosas versiones a lo largo de los años. Desde su lanzamiento, ha sido reinterpretada por diversas bandas y en diferentes estilos, lo que demuestra su impacto musical, consolidándose en un clásico del heavy metal. Espero que os haya gustado y nos vemos en el próximo Explorando Versiones. Un saludo.

Hola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro episodio de Explorando Versiones. Hoy vamos a hablar de una banda sonora que seguramente marcó la infancia de muchos: la canción principal de los dibujos animados del Correcaminos, la clásica serie donde el Coyote intentaba, sin éxito, atrapar a su emplumado y veloz enemigo. THE ROADRUNNER SHOW INTRO (INSTRUMENTAL): https://www.youtube.com/watch?v=v91IUywGbkU LOS ORÍGENES DEL CORRECAMINOS Y EL COYOTE Estos personajes nacieron en 1949, cuando el legendario animador Chuck Jones creó el primero de la saga: "Fast and Furry-ous". Inspirado en el humor visual y sin diálogos, estableció la fórmula clásica de la serie: persecuciones frenéticas, ingeniosos (y fallidos) intentos del Coyote por atrapar al Correcaminos y, por supuesto, un sinfín de gags memorables. FAST AND FURRY-OUS: https://www.youtube.com/watch?v=MsOKIrPuI7k A pesar de lo que nos muestran los dibujos animados, la realidad es un poco diferente. El Correcaminos americano (Geococcyx californianus) es un ave del desierto que alcanza velocidades de hasta 42 km/h, pero en la serie parece moverse a la velocidad del rayo. En cambio, su eterno rival, el Coyote (Canis latrans), puede correr entre 64 y 69 km/h y saltar hasta 4 metros, lo que en teoría le daría ventaja… si no fuera por su mala suerte y las trampas defectuosas de la marca ACME. Cada episodio sigue un patrón repetitivo: el Coyote siempre fracasa, pero nunca se rinde. Este detalle ha sido interpretado por algunos que han querido ver en esta serie una metáfora del sistema económico capitalista. Según esta teoría, el Coyote representaría al estadounidense medio y el Correcaminos, al estado de bienestar, siempre fuera de su alcance. Los fallidos inventos de ACME serían una crítica al capitalismo, que promete herramientas para triunfar, pero en realidad solo llevan al fracaso. Eso sí, Chuck Jones nunca confirmó nada de esto. Para él, solo era una parodia de las clásicas persecuciones de dibujos animados… ¡pero quién sabe! ACME, la marca ficticia más famosa del mundo. Si hay algo tan icónico como el Coyote y el Correcaminos en esta serie, es sin duda la marca ACME. Este conglomerado ficticio fabrica todo tipo de productos, desde cohetes hasta trampas imposibles, aunque con una calidad… discutible. Sus inventos, en teoría, deberían ayudar al Coyote a atrapar al Correcaminos, pero la realidad es que siempre fallan en el peor momento. Eso sí, la culpa nunca es del fabricante, sino del usuario… o al menos eso parece. Curiosamente, la palabra "ACME" proviene del griego antiguo y significa “lo mejor”, lo cual es una ironía perfecta porque sus productos suelen ser un desastre absoluto. Si algo queda claro, es que el Coyote debe ser el mejor cliente de ACME. Compra cohetes, resortes gigantes, dinamita… y aunque nada le funciona, jamás se quejó ni pidió un reembolso. Bueno… hasta 2023. Ese año, Warner Bros. tenía lista la película Coyote vs. ACME, una mezcla de animación y acción real al estilo de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. En la historia, el Coyote, cansado de los fallos constantes de ACME, decide demandar a la compañía con la ayuda de un abogado humano. Pero en el proceso, abogado y cliente acaban formando una curiosa amistad, mientras se enfrentan al implacable equipo legal de ACME. La película estaba terminada y lista para su estreno, pero en noviembre de 2023, Warner Bros. la canceló para obtener una desgravación fiscal de 30 millones de dólares. Esto generó un enorme rechazo por parte del público y la industria, lo que hizo que Warner reconsiderara la decisión y permitiera que los realizadores buscaran otros distribuidores. Sin embargo, en febrero de 2024, tras negociaciones fallidas, la compañía volvió a barajar la posibilidad de archivarla definitivamente como pérdida fiscal, dejándola en un limbo del que, hasta la fecha, no ha salido ni se cree que pueda salir. BARBARA CAMERON: https://www.youtube.com/watch?v=0z_yJsr06HM Aunque la serie nació en 1949, no fue hasta finales de los años 60 cuando su tema más emblemático se popularizó. La canción fue escrita e interpretada por Barbara Cameron, una talentosa compositora y cantante estadounidense nacida en 1926 y fallecida en 2013. Si bien no se conoce la fecha exacta de su grabación, se estima que fue compuesta en la época de mayor auge de la serie. DOUG CAMERON Y BARBARA CAMERON: https://www.youtube.com/watch?v=WI4pLeJ-BQY Décadas más tarde, en 2008, Barbara volvió a grabar el tema junto a su hijo, el violinista de jazz Doug Cameron, para su álbum "Different Hats". En esta versión, la voz de Barbara se combina con el violín de Doug, dándole un aire renovado al clásico. LOS MONOS VOLADORES DEL SR. BURNS: https://www.youtube.com/watch?v=Ko8_8hPonLo Como toda melodía icónica, la canción del Correcaminos no ha pasado desapercibida para músicos y bandas que han querido rendirle homenaje. Una de las versiones más curiosas es la de Los Monos Voladores del Señor Burns, un grupo cuyo nombre ya nos deja claro que el humor y la cultura pop van de la mano en su música. Esta banda argentina, conocida por su estilo irreverente y su amor por los dibujos animados, publicó en el año 2017 su propia interpretación del tema del Correcaminos, dándole un aire fresco sin perder el espíritu original de la canción. CARO MOLINA: https://www.youtube.com/watch?v=o0K9RQcxlVY Aunque la serie nunca especifica su ubicación exacta, el paisaje desértico sugiere que la acción transcurre en el suroeste de Estados Unidos, en lugares como Nuevo México, Arizona o Texas, zonas cercanas a la frontera con México. Quizás por eso el tema del Correcaminos ha sido adoptado por varios grupos de la región, cada uno dándole su propio estilo. En septiembre de 2024, la cantante chilena afincada en México Caro Molina, también conocida como La Rancherita, presentó su álbum titulado “Rancherízate”, que incluye su propia versión del tema con un ritmo de cumbia norteña. DURANGO NORTE: https://www.youtube.com/watch?v=yFbw78iR50k También en 2024, el grupo mexicano “Durango Norte” transformó la canción en una pieza musical norteña, con su característico acordeón y con un ritmo más acelerado, logra un sonido festivo sin perder su esencia tradicional. SON RANCHERO: https://www.youtube.com/watch?v=1CrYziXC-_w Por su parte, el grupo “Son Ranchero” apostó por una versión con un aire más ranchero y un estilo clásico dentro de la música regional mexicana, con arreglos que evocan los corridos norteños. CHICOS DE BARRIO: https://www.youtube.com/watch?v=dNf3gb5tq2k Por otro lado, "Chicos de Barrio", grupo mexicano de la ciudad de torreón y conocidos por su fusión de cumbia con géneros urbanos, hicieron una versión que suena totalmente bailable, con percusión más marcada y un ritmo pegajoso. Parece que el Correcaminos no solo corre por el desierto, ¡¡también lo hace al son del ritmo norteño y la cumbia mejicana!!. BARENAKED LADIES: https://www.youtube.com/watch?v=2y4BxGSqJaU En 2004, la banda canadiense Barenaked Ladies ofreció su propia versión de Road Runner en un concierto en Dallas, Texas. En lugar de mantenerse fiel a la melodía original, le dieron un giro country, con guitarras acústicas y su característico estilo desenfadado. Una interpretación que encaja perfectamente con los paisajes desérticos donde se desarrolla la serie. SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=KB900tsoISs Y para no perder la costumbre, en la que siempre aparece un tema de ellos, los gallegos "Siniestro Total" también se animaron a reinterpretar esta canción. En el año 2002 se publica un álbum con adaptaciones de temas infantiles interpretados por grupos de renombre, titulado "Patitos Feos" y donde se incluye su propia versión del Correcaminos. CONCLUSIONES: Y con esto llegamos al final de este recorrido por la música del Correcaminos, una melodía que ha acompañado persecuciones imposibles y ha quedado grabada en la memoria de varias generaciones. Hemos repasado su historia, explorado algunas versiones sorprendentes y descubierto que, al igual que el Coyote, la creatividad nunca se rinde. Gracias por acompañarme en este episodio de Explorando Versiones y nos vemos en el próximo capítulo. Un saludo.

Tú no puedes volver atrás porque la vida ya te empuja como un aullido interminable. Así comienza este bello poema de José Agustín Goytisolo titulado “Palabras para Julia”. VERSIÓN EN PIANO DE LA CANCIÓN DE PACO IBÁÑEZ DEL POEMA “PALABRAS PARA JULIA” DE JOSÉ AGUSTIN GOYTISOLO: https://www.youtube.com/watch?v=2C0xxEB_jY4 José Agustín Goytisolo era el hermano mayor de Luis y Juan Goytisolo también escritores y Julia era en nombre de su madre Julia murió durante los bombardeos de Barcelona a manos de la aviación fascista en Marzo de 1938. Esta pérdida de la madre marcó para siempre y de manera profunda a una saga de escritores que tuvieron durante toda su vida un marcado compromiso moral y político. José Agustín puso a su hija el mismo nombre de la madre perdida, Julia y en este poema reunió la memoria y el mensaje que querría mandar a las Dos mujeres de su vida, aunque fue creado en 1965 no fue publicado hasta 10 años después cuando en 1975 fue incluido en libro del mismo nombre “Palabras para Julia” pero antes ya fue musicalizado….. eso os lo cuento ahora. PACO IBAÑEZ: https://www.youtube.com/watch?v=Sa7T72nWa_A Paco Ibáñez es uno de los mayores referentes de la canción de autor Española y ha dedicado casi toda su carrera a la canción protesta con una fuerte carga política musicalizando poetas españoles tanto contemporáneos como clásicos y como tal puso música a este poema por primera vez en 1968 publicándolo más tarde en su disco “Paco Ibáñez 3” de 1969. MERCEDES SOSA: https://www.youtube.com/watch?v=Fa2v069uNNw Mercedes Sosa es una cantante de música folclórica argentina y fundadora de la llamada nueva canción latinoamericana. También utilizó este poema para darle el tono cálido, aterciopelado y melancólico de su voz. ROSA LEÓN: https://www.youtube.com/watch?v=BjRVzdHJjWo Esta es la inconfundible voz de una cantautora que seguramente reconocerán los niños de los 70 - 80 ya que acompañada de su guitarra y sus inconfundibles gafas nos cantó muchas canciones que marcarían nuestra infancia como la canción de “La Vacuna” o “Debajo de un botón”. Comenzó su carrera en el dúo Rosa y Krahe. Rosa León y digamos que apartó el mundo de la música como intérprete para ocupar cargos públicos como concejala del ayuntamiento de Madrid o directora del “Instituto Cervantes”, incluyó este poema musicalizado en su repertorio aportando su inconfundible sello. VENENO: https://www.youtube.com/watch?v=x9_rIQoRmbA Veneno es una banda compuesta por Rafael y Raimundo Amador junto a Kiko Veneno que fusionó como nadie el rock, el flamenco y la rumba y que fueron tan efímeros como geniales. En 1977 publican su único disco de nombre Veneno y se disuelven en 1978. Doce años después se volvieron a reunir, esta vez sin Rafael, para publicar un Maxi Single junto a Martirio y otros amigos que incluía esta revisión musical del poema. IVAN FERREIRO: https://www.youtube.com/watch?v=MuPjtsUFY9A Ivan Ferreiro es una de las voces más reconocibles del Indie Español, líder y principal compositor del grupo Los Piratas, en su disco “15 años entre canciones para el tiempo y la distancia” de 2019 incluye el poema lográndole dar un toque más melancólico si cabe. LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=bXp5viG1DdI Aquí fue donde yo personalmente conocí el poema, en la versión de Los Suaves en el disco “Víspera de todos los Santos” del año 2000, donde Yosi y su banda convierte el poema en una balada con sello propio, donde destacan los solos de guitarra y batería… Un temazo. SOLEÁ MORENTE: https://www.youtube.com/watch?v=83GUL48zJeE Hay muchas otras versiones, musicalizaciones e interpretaciones del poema, este quizás sea el más reciente a la fecha de grabación de este episodio, llevada a cabo por la cantante y actriz granadina Soleá Morente, hija del genio del Albaicín Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell. Esta versión se acomoda en la cálida voz de Soleá, cierto quejío flamenco y se apoya de metales y cuerdas muy de Jazz. Sin duda Palabras para Julia es un magistral poema que navega entre los dos amores de dos mujeres que comparten nombre, el amor a una hija y a una madre. PALABRAS PARA JULIA - KAMCHATKA: https://www.youtube.com/watch?v=4EPA3lHk7ic Como todos los grandes poemas de la época se musicalizó por los solistas de la época e incluso está incluida en la banda sonora de la película Hispano-Argentina Kamchatka protagonizada por Ricardo Darín y Cecilia Roth.

Hoy presentado por Ezequiel Campos (Director Grupo Radiocadena Spain y presentador de "El Baúl de mis recuerdos") Tema seleccionado Can't Help Falling In Love (Elvis Presley) Versiones: Jean Paul Égide Martini - Plaisir d'amour Julio Iglesias - Can't Help Falling In Love UB40 - (I Can't Help) Falling In Love With You Can't Falling In Love - Blackmore's Night Can't Help Falling In Love - Erasure Ingrid Michaelson - Can't Help Falling In Love IL DIVO - Can't Help Falling in Love w Haley Reinhart & Casey Abrams - Can't Help Falling In Love Can't Help Falling in Love - Jose Riaza Can't Help Falling in Love (spanish version) - Kevz Can't Help Falling in Love - Ella Roberts A-Teens - Can't Help Falling In Love (Lilo and Stitch Version) Elvis Presley & Mark Ronson - Can't Help Falling in Love (Remix)

Hola soy José Luis Flores, de onda 100 radio Extremadura. Para que nos ubiquen, esta radio nace en Zafra. Hoy estoy aquí para compartir con ustedes este Explorando Versiones de Locos por Incordiar, con la canción "solo pienso en tí", de Víctor Manuel. Este Explorando Versiones es una propuesta a dúo con Agartha de Radio Apis_Music. Solo pienso en ti es una canción compuesta por Víctor Manuel en 1978, aunque vería la luz un año después, en el álbum " Soy un corazón tendido al sol ", que fue grabado en Milán con la producción de Danilo Vaona. Subió a lo más alto de las listas de éxitos, y para muchos es la mejor canción del cantautor asturiano. Está basada en la historia real de una pareja de personas con discapacidad intelectual del centro que la Fundación Promi tiene en Cabra, que llevaron su amor hasta el matrimonio por encima de todas las trabas legales y sociales que encontraron en 1978. La pareja, Mari Luz y Antonio, se casó pocos años después, y tienen tres hijos, uno de ellos universitario. Víctor Manuel conoció su historia a raíz de una noticia publicada en el Diario Córdoba, que leyó estando en Montilla. En 2004 fue elegida la sexta canción más popular en español según el programa Nuestra mejor canción de TVE.En 2010 fue elegida por la revista Rolling Stone en el puesto 196 de su lista Las 200 mejores canciones del pop-rock español.Además fue número uno en la lista de éxitos de Los 40 principales en abril de 1979. Ese mismo año, la fundación Crisálida organizó una fiesta para celebrar la entrega de sus premios literarios. Ese año, la celebración fue en honor a la canción y a sus protagonistas: Víctor Manuel, que actuó en la fiesta, y Antonio y Mari Luz, quienes viajaron desde su lugar de residencia, Cabra (Córdoba), para asistir a la ceremonia. Coincidiendo con ese acto, Judith Colell realizó un documental basado en la canción, llamado también Sólo pienso en ti. Victor Manuel - Solo Pienso En Ti (Actuación TVE): https://www.youtube.com/watch?v=7D6pHsBf0Fg La versión original es de 1978. ANA TORROJA: https://www.youtube.com/watch?v=S9Jg1vl0hNI Tributo a Víctor Manuel, Nuestra mejor canción, 2004. TRIBUTO A VÍCTOR MANUEL: https://www.youtube.com/watch?v=V_Jr9Lwqr7E En el año 2022 se grabó esta versión en la que participaron Amaral, Andrés Suárez, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jorge Drexler, Rozalén, Santi Balmes (Love Of Lesbian) y Sidonie. MELENDI: https://www.youtube.com/watch?v=n3T7NdJzNo8 En el año 2009 Melendi publica el álbum “Aún Más Curiosa La Cara De Tu Padre” donde se incluye esta versión. CHAYANNE: https://www.youtube.com/watch?v=l8BVHr7aA_k En 1996 Chayanne publica el álbum “Volver a nacer” donde se incluye esta versión. MANZANITA: https://www.youtube.com/watch?v=x5OeLNeMJsE En 1995 Manzanita publica esta versión que se incluye en el álbum “Sueño de amor” MALAVERGÜENZA: https://www.youtube.com/watch?v=Azw9amcVAvo El grupo Malavergüenza publica en 2014 esta versión que fue incluida en el disco "Retazos de Rock and Roll"

Hola. Soy Aurelio Martínez de la Gramola FM la canción que traigo a explorando versiones es Lili Marleen. INTRO (waldteufel78): https://www.youtube.com/watch?v=1_E6yANtGbE He elegido esta canción por ser un ejemplo de cómo pueden pasar décadas de un simple poema se puede convertir con el paso del tiempo en un himno. Esta canción tiene varias versiones en diferentes idiomas, yo en este caso he elegido cinco versiones. POEMA LILI MARLEEN - HANS LEIP: https://www.youtube.com/watch?v=ez0Njhofink La letra fue escrita en 1915 por el soldado alemán Hans Leip quien era poeta y escritor Originalmente el poema se titulaba "La muchacha bajo la farola" y hablaba de una joven esperando a su amado soldado bajo una lámpara el nombre de Lili Marleen es una combinación de dos mujeres que conoció. Lili la hija de un comerciante, y Marleen, una enfermera, reflejaba la nostalgia y el dolor de la separación durante la guerra en 1938 el compositor Norbert Schultz puso música al poema. LALE ANDERSEN: https://www.youtube.com/watch?v=YjXC4N1HXf0 En 1939 la cantante Lale Andersen grabo la primera versión de la canción bajo el título "La chica bajo la farola". Esta grabación, auque inicialmente no tuvo mucho éxito, se convirtió en un fenómeno durante la segunda guerra mundial cuando fue transmitida por radio Belgrado una emisora militar alemana la canción resonó profundamente entre los soldados de ambos bandos, convirtiéndose en un símbolo de esperanza y nostalgia MARLENE DIETRICH: https://www.youtube.com/watch?v=7heXZPl2hik A lo largo de los años Lili Marleen ha sido interpretada por numerosos artistas, pero la versión más famosa es la de Marlene Dietrich quien la grabo en 1944 para las tropas aliadas durante la segunda guerra mundial. Dietrich, una crítica abierta al régimen nazi le dio a la canción un tono más profundo y emotivo, contribuyendo su popularidad internacional, incluso el mariscal Erwin Rommel comandante del África Corps era un admirador de la canción. OLÉ OLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=E3XIGrsx8U8 la versión de Olé olé fue adaptada al español manteniendo el tono melancólico nostálgico de la original ,habla de un soldado que reflexiona sobre su amor por Lili Marleen su honor y sus experiencias en la guerra a diferencia de la versión original que tiene un tono más clásico y militar ,la versión de ole ole incorpora un estilo pop de los años 80 con sintetizadores y un ritmo más moderno característico de la banda en esa época la canción fue un éxito en España y América latina ayudando a consolidar a Olé olé como una de las bandas más populares de la década. DERRIBOS ARIAS: https://www.youtube.com/watch?v=joLzia22Rgs La versión de Lili Marleen por derribos arias es una de las más peculiares y vanguardistas que se han hecho de esta canción la banda liderada por Poch, formó parte de la movida madrileña y es conocida por su estilo experimental ,irreverente y con influencia del postpunk su adaptación de Lili Marleen transforma el tema en una versión desestructurada y con un sonido caótico y una interpretación casi irónica alejándose completamente de la solemnidad de la original la voz de Poch con su tono característico le da un aire surrealista, lo que encaja perfectamente con la actitud transgresora se Derribos Arias. INTER TERROR: https://www.youtube.com/watch?v=3YBc-SxiDJ4 La versión de Lili Marleen de Inter terror es una adaptación punk de este clásico con un sonido crudo y directo, propio de la escena punk española de los 80 Inter terror, banda de punk valenciana transformó la melancólica canción original en un tema agresivo y contestatario con guitarras rápidas y una interpretación desgarrada su versión mantiene la esencia de la letra pero con una actitud totalmente distinta en lugar de nostalgia y romanticismo transmite rabia y energía características del punk de la época. DESPEDIDA Y bueno hasta aquí mi aportación a Explorando Versiones ha sido un placer hasta pronto.

Hola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida al primer episodio de este nuevo podcast hermano de Explorando Versiones. Hoy arranca Explorando Cantaores, un espacio dedicado al mundo del flamenco: sus cantes, sus historias y, por supuesto, sus grandes voces. Si ya conocéis Explorando Versiones, sabréis que nos gusta mirar las canciones desde todos sus ángulos: su origen, sus compositores e intérpretes, sus versiones... Pues bien, esa misma filosofía nos la llevamos ahora al mundo del flamenco. INSTRUMENTAL: https://www.youtube.com/watch?v=ouW3CEQmsQ4 Y como estamos en feria, no se me ocurre mejor manera de empezar este viaje que con unas sevillanas que han hecho historia: “Sevillanas para conquistar”, también conocidas como “Mírala cara a cara”. Así que ponte el traje de flamenca y la flor, el traje corto, o lo que tengas más a mano… que empezamos. Para quien se acerca por primera vez al mundo de las sevillanas, conviene aclarar que cada sevillana completa no es una única pieza sino que se interpreta en serie de cuatro partes (a veces llamadas “coplas” o “palos” de manera coloquial). De este modo, al escuchar cualquier sevillana, sabrás que en realidad estás oyendo cuatro partes unidas bajo una misma melodía, repetidas sucesivamente para llenar las casetas de alegría, palmas y compás. CONTEXTO DE LA CANCIÓN REQUIEBROS: https://www.youtube.com/watch?v=OVIhFAroKx4 “Sevillanas para conquistar” es una de esas canciones que, aunque nacidas en la tradición, supieron dar el salto a la cultura popular de forma masiva. La primera edición oficial de “Sevillanas para conquistar” corresponde a 1986, grabada por el dúo Requiebros bajo el sello Hispavox. Este sencillo se publicó en formato vinilo 7″ e inmediatamente se convirtió en un éxito. La melodía pegadiza y el compás de 3/4, junto a una letra romántica, conectaron desde el primer baile con el público y desde entonces ha sido todo un himno en ferias, romerías y fiestas populares de toda Andalucía. La letra, sencilla pero efectiva, juega con el poder de seducción. Más allá del piropo andaluz, la canción tiene algo que la hace irresistible: ese ritmo marcado, esa melodía pegadiza y un aire costumbrista que conecta directamente con nuestras raíces. EL AUTOR Detrás de esta sevillana hay una figura muy singular: Manuel Melado, un sevillano que, además de poeta y compositor, fue peluquero, periodista, speaker del Betis y escritor con más de 20 libros publicados. Melado tiene registradas más de 300 letras en la SGAE y ha trabajado con artistas como Los Romeros de la Puebla, Ecos del Rocío o María del Monte. Su estilo mezcla lo popular con lo culto, y tiene un oído único para crear letras que emocionan y se quedan en la memoria. “Sevillanas para conquistar” es una prueba de eso: sencilla, pero con duende. La música corrió a cargo de José Manuel “J. M.” Moya, colaborador habitual de Melado y referente en el folclore andaluz. AMIGOS DE GINES: https://www.youtube.com/watch?v=gH5UUaBgVtw En el año 2000, “Amigos de Gines” publicaron en el sello discográfico Senador el álbum “Cantándole a las Sevillanas 30 Aniversario”, donde se incluye su versión homenaje de “Sevillanas para conquistar”. Esta interpretación mantiene la esencia romántica del original, pero con el timbre coral propio de “Amigos de Gines” FRANKY JOE TEXIER: https://www.youtube.com/watch?v=Qe2rIVu1F_k El músico francés "Franky Joe Texier" publicó en 2014 su propia versión de las “Sevillanas para conquistar”. Texier, guitarrista, compositor e intérprete, nació en la región de Occitania, en el sur de Francia. Su interpretación destaca por estar cantada en español, aunque con su característico acento francés, propio de su lengua materna. RAFFAELLA CARRÀ Y PASCUAL GONZÁLEZ: https://www.youtube.com/watch?v=Fp6XrV5LznQ En el año 1994, en el programa de televisión "Hola Raffaella", Pascual González, componente de Cantores de Híspalis, cantó un fragmento de esta sevillana a dúo con la propia Raffaella Carrà. LOS CANTORES DE HISPALIS: https://www.youtube.com/watch?v=jPaSOobW41c En 2011, "Cantores de Híspalis" quisieron rendir homenaje a figuras clave del género publicando el disco "Queridos Compañeros". En él recuperaron algunos de los grandes éxitos de las sevillanas, regrabándolos junto a los artistas que los hicieron famosos en su momento. La primera de estas sevillanas está dedicada precisamente a las “Sevillanas para conquistar”. RYUICHI IMAI: https://www.youtube.com/watch?v=MoDohy5JGd0 El intérprete japonés "Ryuichi Imai" (今井龍一) es un virtuoso contemporáneo del oud, el laúd tradicional del Cercano Oriente y del Norte de África. Este instrumento, considerado como el rey de la música árabe, es también el precursor del laúd y de la guitarra moderna. En el año 2021, Imai publicó una versión puramente instrumental de las “Sevillanas para conquistar”, dándole un toque exótico a esta interpretación. DIEGO ET SES GIPSIES: https://www.youtube.com/watch?v=7jm8urcbzjM "Diego et ses Gipsies" incluyeron su versión de las “Sevillanas para conquistar” en el álbum "Feria de Seville", lanzado en 2010. En este trabajo, el grupo rinde homenaje al clásico de Manuel Melado y José Manuel Moya, añadiendo su propio toque personal. JOSE DIAZ: https://www.youtube.com/watch?v=I1Ic-KPqWrk En el año 2021, el saxofonista José Diaz publicó una versión instrumental de “Sevillanas para conquistar” interpretada con su saxofón. Aunque no es común encontrar sevillanas en este formato, su propuesta se enmarca dentro de una corriente de músicos andaluces que exploran nuevas fusiones con flamenco, llevando el género hacia territorios más experimentales y contemporáneos. NOEMÍ CARRIÓN: https://www.youtube.com/watch?v=hpS9YeY8hzE Anuncio Cruzcampo: https://www.youtube.com/watch?v=P3KMlpcDswo En plena desescalada de la primera ola de la pandemia de Covid-19, Cruzcampo lanzó la campaña “Cara a Cara”, un spot de 30 segundos que utilizaba como banda sonora la letra de estas sevillanas, en la versión interpretada por Noemí Carrión. El anuncio ponía en primer plano “la primera” caña tras el confinamiento, apelando al reencuentro emotivo entre consumidores y bares. CONCLUSIÓN “Sevillanas para conquistar” es mucho más que una canción de feria. Es un tema que ha calado hondo y que muchos siguen cantando año tras año. Gracias por acompañarme y volveremos muy pronto con más historias del flamenco.

Hola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en el mundo de Javier Krahe y su canción “La Tormenta”. Esta pieza, es una adaptación del tema "L'orage" del mítico cantautor francés Georges Brassens y nos invita a disfrutar de una narrativa cargada de humor, sensualidad y la peculiar visión del amor que ambos artistas compartían. Pero antes de entrar en los detalles de la canción, repasaremos un poco la vida y obra de Javier Krahe, un cantautor único que dejó una huella imborrable al mezclar humor, poesía y mirada crítica, con un estilo que lo convertiría en una figura única dentro de la música española. Javier Krahe no era solo un músico; era un cronista mordaz de la sociedad, un poeta irónico y un maestro del humor inteligente. En sus inicios, formó parte del mítico grupo La Mandrágora, junto a Joaquín Sabina y Alberto Pérez. Este proyecto, cuyo álbum homónimo publicado en 1981 se convirtió en un clásico, marcó el inicio de una carrera donde la sátira y la poesía serían sus señas de identidad. Sus críticas llegaron a traspasar la música y Krahe no tenía miedo de abordar temas controvertidos, y es precisamente esta audacia la que lo llevó a explorar los límites de lo convencional, como ocurrió con su polémico corto "Sobre la cristofagia". Este vídeo, grabado en 1978, planteaba con ironía una receta ficticia para cocinar un crucifijo, llevando al extremo la expresión de "tomar el cuerpo de Cristo". Aunque el corto permaneció inédito durante décadas, en 2004 salió a la luz en el documental “Esta no es la vida privada de Javier Krahe” y fue emitido en una entrevista para el programa Lo + Plus de Canal Plus. Esto desató un revuelo mediático que, casi una década después, en 2012, lo llevó a los tribunales. Fue acusado de un "delito contra los sentimientos religiosos" por el Centro Jurídico Tomás Moro. La acusación pedía una multa desproporcionada, pero Krahe defendió su derecho a la libertad de expresión argumentando que el vídeo era una obra de humor sin intención de ofender. Finalmente, el juez lo absolvió, declarando que se trataba de una manifestación artística. Un triunfo para la libertad de expresión. Además de su música, Krahe participó como socio fundador de la discográfica 18 Chulos, junto a figuras como El Gran Wyoming, Pepín Tre, Pablo Carbonell o Santiago Segura. Este sello nació como un espacio para que los artistas con espíritu libre publicaran sus obras sin presiones comerciales. Lamentablemente, el 12 de julio de 2015, Javier Krahe falleció a los 71 años en su casa de Zahara de los Atunes. Pero su legado, sus canciones y su humor permanecen con nosotros. Y ahora que conocemos un poco más de la vida de Krahe, vamos a hablar de "La Tormenta", su brillante adaptación de "L'orage" de Georges Brassens. Krahe no sólo tradujo la canción original; lo adaptó con ese toque castizo y desvergonzado que lo caracterizaba. Si Brassens narraba un encuentro amoroso en medio de una tormenta con su humor francés, Krahe le añadió su propio ingenio, creando una pieza que, aunque fiel al espíritu del original, tiene una personalidad única. GEORGES BRASSENS - L'ORAGE: https://www.youtube.com/watch?v=BOij7jbRldU La letra de “L’orage” relata un encuentro amoroso inesperado, provocado por una tormenta que obliga al narrador a buscar refugio en la casa de una vecina. A medida que el temporal ruge fuera, los dos personajes, que inicialmente parecen mantener las distancias, terminan sucumbiendo a la atracción en un contexto lleno de tensión y encanto. La tormenta se convierte en una metáfora de la pasión y el deseo, destacando el estilo típico de Brassens de entremezclar la naturaleza y las emociones humanas. “L’orage” es una de las canciones más icónicas de Georges Brassens, el legendario cantautor francés conocido por sus letras poéticas y su ingenio irónico. Publicada en 1953 en el álbum "Le Vent", esta canción muestra la habilidad de Brassens para narrar historias con humor, sensualidad y un toque de melancolía. NANNI SVAMPA - IL TEMPORALE: https://www.youtube.com/watch?v=ptr4Xk2G4P8 Esta versión que estamos oyendo es la de Nanni Svampa, uno de los más reconocidos traductores e intérpretes de Georges Brassens al italiano. Svampa adaptó muchas de sus canciones, incluyendo "L’orage", transformándola en "Il temporale". Su versión mantiene el espíritu poético del original, pero lo adapta con maestría al contexto y la sensibilidad cultural italiana, sin perder la esencia humorística y la elegancia de Brassens. Además, Svampa logró acercar la obra del cantautor francés a un público que quizás no habría descubierto sus canciones de otra manera, dejando un legado que celebra tanto la música como la capacidad de la poesía para cruzar fronteras. ALBERTO PÉREZ - LA TORMENTA: https://youtu.be/zWMPPbyOOe8?feature=shared La Mandrágora, es el primer álbum de los cantautores españoles Joaquín Sabina, Javier Krahe y Alberto Pérez, acompañados por el guitarrista Antonio Sánchez, grabado en directo en 1981. Por aquel entonces los tres cantautores actuaban juntos en el sótano del bar madrileño del mismo nombre, situado en la Cava Baja del barrio de La Latina. Y es precisamente en este álbum es donde aparece la primera versión de "La Tormenta", adaptada al español por Javier Krahe, e interpretada por Alberto Pérez, que utiliza la adaptación de Krahe de la letra original de Georges Brassens. JOAQUÍN SABINA - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=-YlWykW2Rts “La sonrisa de Krahe” es un álbum homenaje a Javier Krahe publicado en 2019. Este disco recoge el concierto realizado el 20 de noviembre de 2016 en la sala Galileo Galilei de Madrid, en la que los amigos del cantautor interpretaron su obra junto a su banda habitual, bautizada tras su fallecimiento como Los huérfanos de Krahe. En este álbum, Joaquín Sabina se une a las voces que recuerdan a Krahe y presenta su versión de “La Tormenta”. Sabina aporta su estilo inconfundible y su voz rasgada, imprimiendo una intensidad diferente a la canción. LOS TOREROS MUERTOS - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=pHsLlxsvYKo En 2017, Los Toreros Muertos prepararon un espectáculo en directo titulado “Colegio público Javier Krahe”, un recorrido musical por la obra del maestro, al que tanto admiraban. Sin embargo, este homenaje no se publicó oficialmente hasta 2020, cuando lanzaron un álbum doble. La versión de “La Tormenta” que Los Toreros Muertos incluyen en este disco mantiene su característico estilo atrevido y teatral, fusionando su sentido del humor con la ironía inherente a las letras de Krahe. Es un tributo que celebra la obra del cantautor con un tono festivo y desenfadado, en línea con la personalidad de la banda. JAVIER KRAHE - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=fp0lKTfyWhs Para finalizar este viaje, aunque fue Alberto Pérez quien interpretó la primera versión grabada de "La Tormenta" en el disco de La Mandrágora, Javier Krahe también la llevó a su repertorio habitual, añadiendo su estilo inconfundible. Es un ejemplo perfecto de cómo Krahe no sólo tradujo la canción de Brassens, sino que la reinventó, haciéndola suya y dándole una nueva vida en español. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Hoy hemos viajado por las diferentes interpretaciones de "La Tormenta", desde su origen en francés como "L’orage", pasando por las distintas versiones de Alberto Pérez, Joaquín Sabina o Los Toreros Muertos y, por supuesto, Javier Krahe, quien la convirtió en parte de su legado. Espero que os haya gustado y nos vemos en el siguiente capítulo. Un saludo.

Sean todos y todas bienvenidos y bienvenidas a un programa más de Explorando Versiones. Quien tiene el gusto de conectar con ustedes, Pedro A Luís. Hoy hablaremos de una canción para muchos, icónica. Para otros, el himno del rock, llamada: Smoke on the Water. DEEP PURPLE: https://www.youtube.com/watch?v=Q2FzZSBD5LE La banda creadora de este increíble clásico se formó en 1968 en Inglaterra y rápidamente se consolidó como uno de los grandes nombres del rock y del hard rock. Estamos hablando de Deep Purple. Haciendo un poco de historia, el grupo, en el año 1972, se encontraba en Montreux, Suiza, con la finalidad de grabar su álbum Machine Head. Lo que nadie se podía haber imaginado es que se presenta un incendio con características catastróficas en el casino de Montreux. Unos dicen que fue generado por un fans que le dispara con una pistola de bengala a Franz Zappa durante su concierto. Otros dicen que un grupo de fanáticos encendieron fuegos artificiales dentro del escenario o dentro del concierto como tal. Esto genera un incendio, como lo dije anteriormente, con características descomunales, afortunadamente sin víctimas que lamentar, y que terminó al final con la destrucción del casino por completo. Este evento particular inspira a Ritchie Blackmore a describir uno de los riffs más reconocidos de la historia. El incendio como tal deja una espesa columna de humo que se refleja en las aguas del lago de Ginebra. Esa imagen fue la chispa que prendió la creación de Smock On The Water. La letra como tal no solo hace referencia al incendio, sino también a la frustración y a las dificultades de grabar en condiciones caóticas, improvisadas, lejos del estudio original. Sin embargo, el resultado fue una de las grandes canciones del rock. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=O_Wst_CYuo8 Habiendo escuchado la canción original, vamos ahora a presentarles nuestras versiones. Comenzaremos con Carlos Santana, dentro del álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics Of All Time". Es un álbum de estudio, el número 21, lanzado el 21 de septiembre del 2010. Es un álbum de covers y de rock clásico y cuenta con la participación de grandes artistas. Entre los que están es India Arie, Joe Cocker, Chris Connor, y para la versión de Smoke on the Water, Carlos Santana invitó a Jacoby Shaddix. Oigamos la versión, me parece espectacular. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=0YviPuYL768 Otra de las bandas invitadas para este podcast es una banda española barcelonesa conocida por su mezcla de rumba, música disco, tiene mucho ska y algo de son latino, formada en 1996. Esta banda ganó muchísima popularidad en sus actuaciones, pues son muy enérgicas, dinámicas y tienen un estilo muy distintivo. El grupo se reúne en el año 2018 y ha seguido actuando desde entonces. Azucarillo Kings realiza una versión muy humorística de la canción Smoke On the Water, de Deep Purple, titulada Humo en el Water. Esta adaptación se incluyó en el álbum de 1998. RAINBOW: https://www.youtube.com/watch?v=FzhGmtG7LGk Otro de los invitados del día de hoy es Ritchie Blackmore, quien formó Rainbow después de dejar Deed Purple en 1975. Es una banda con un sonido más orientado hacia el hard rock y al metal neoclásico. Aunque Rainbow interpretó alguno de los temas de Deep Purple en vivo, no se conoce una grabación de estudio de Smoke on the Water. Escuchemos la versión de Ritchie Blackmore y de Rainbow en el Live Nippon Budokan (Tokio Japan) de 1984, una excelente versión. Y como es de costumbre en todos mis podcasts, siempre deseo y quiero compartir con ustedes una de mis anécdotas vinculada a la música. Era el verano de 1976. Me encontraba trabajando en una tienda de ropa, como era de costumbre, en una localidad muy populosa, bulliciosa y no menos peligrosa del oeste de la ciudad capital, es decir, de Caracas. La localidad se llama Quinta Crespo. En fin, eso era un microcosmo total. Pero aquí viene lo interesante de ese verano del 76, en el que escuchaba por primera vez, Smoke on the Water. Unos chicos que me doblaban en edad, también bien enrollados en esto de la música y de la tienda de al lado, me regalaron como muestra de empatía y de cariño, un par de autovías blancas. Eso no eran líneas, eso eran autovías. Recuerdo, como si fuese ayer, quedar paralizado y petrificado del miedo. Pensaba rápidamente: Eso no va conmigo. Tan rápido como lo pensaba, lo aspiré. Me di cuenta que aunque eso no estaba hecho para mí, pero al final de cuenta, qué carajo, lo probé. Y después experimenté las hostias y los coñazos que me dieron en casa, porque a fin de cuenta mis padres se enteraron. Pero la cosa no queda ahí. Muchos años después, ya casado y con hijos, y viviendo aquí en Sevilla, tuve el privilegio de escuchar la banda en vivo, lo que me hizo rememorar y transportarme aquellos días de pubertad en la tienda de ropas, de la libertad que solo la juventud puede tener y de aquel microcosmos llamado Quinta Crespo. Deep Purple: https://www.youtube.com/watch?v=qK7j_EERgT4 Y así, entre Riffs legendarios y una historia marcada por el fuego, el rock y mis anécdotas, cerramos este episodio del día de hoy. Viajamos en el tiempo hasta Montreux, sentido el humo sobre el agua y revivido la magia de Deep Purple en su icónica canción, Smoke on the Water. Quien se despide de ustedes, Pedro A. Luís. Hasta la próxima.

Hola, hola. ¿Qué tal!? Buenas madrugás,Soy Raulillo. En éstas fechas quiero hablaros de una canción que forma parte de una Ópera Rock, la más famosa y mejor Ópera Rock que he oído nunca. Una obra que cuenta la parte más crítica y terrenal de los personajes protagonistas en los últimos días de Jesús de Nazareth. Nos habla de un Judas, que lejos de ser un traidor, es algo así como un héroe mártir que salva a los suyos de ser masacrados por el imperio Romano y de una María Magdalena enamorada del profeta. EPIC ORCHESTRAL COVER: https://www.youtube.com/watch?v=CAxqrhlv_90 Pero concretamente de una canción de esa obra. Hablo de Getsemaní, también conocida como la canción de la oración del huerto. Me quiero centrar en ésta canción porque creo que es la más representativa de ésta Ópera. Esta canción tiene toda la esencia de lo que aquí se quiere contar. Y ésta canción en concreto nos enseña a un Jesús humano que después de 3 años llevando a cabo la voluntad del plan de Dios, duda y no entiende por que al final debe morir.” Si he de morir, quiero saber que voy a conseguir” sentencia el Nazareno. Un ser humano más que como todos nosotros, creyentes o no, nunca entenderemos por que tenia que morir. Si, como ya habréis imaginado con éste planteamiento, la ópera Rock Jesucristo Superstar, tuvo sus dificultades y críticas inquisitoriales por parte de los cristianos más puritanos. Que le quisieron poner piedras en el camino, pero consiguieron todo lo contrario, darle publicidad y hacer de ésta obra como ya he dicho, la Ópera Rock más popular de todos los tiempos. No bromeo si os digo que casi cada Semana Santa veo la película. Puestos a ver una película Bíblica, esta es más entretenida que Ben-Hur y además la música Rock Psicodélica con toques orquestales, es de lo mejor que he oído en mi vida. Además, la blasfemia atrae a los blasfemos y para blasfemo un servidor. Comenzamos este viaje por el corazón lleno de amargura y la mente llena de dudas del Jesucristo más humano? Pues nombremos a Dios en vano y empecemos!! IAN GILLAN: https://www.youtube.com/watch?v=gOjyGy1NR4Y A finales de los años 60 un veinteañero Tim Rice (Creador de exitosos musicales como El rey león o Evita) Tuvo la idea de contar los últimos días de vida del Nazareno, desde la perspectiva más crítica de Judas Iscariote, usando un lenguaje contemporáneo y con una banda sonora en clave de rock Psicodélico. Una mezcla explosiva. Una puta genialidad que nadie quiso producir, era demasiado arriesgado y adelantado para la época. Pero el bueno de Tim encontró la solución. Unos años antes, la banda Británica The Who, sacó Tommy un álbum conceptual con bastante éxito. Así que Tim Rice decidió hacer lo mismo y empezó con un álbum conceptual que se lanzó en 1970. Fue un disco que contaba la historia completa con canciones, literalmente una ópera rock. El disco contó ni más ni menos que la voz de Jesús con la voz de Ian Gillan, el vocalista de la que por aquella época era considerada la banda más ruidosa del mundo… Deep Purple, casi nada. Me cayo y escuchamos a Ian Gillan reprochar a su Dios psicópata ese plan sangriento que le tenía preparado. TED NEELEY: https://www.youtube.com/watch?v=I3mFBh2z9sc El álbum fue un bombazo, sobre todo en EE.UU. Llegó al número 1 de Billboard en 1971. Pero también generó protestas: grupos religiosos lo acusaban de blasfemia, por presentar a un Jesús humano, dudoso, e incluso por sugerir una atracción amorosa entre él y María Magdalena. La controversia ayudó a su fama. Y con el éxito del disco, finalmente llegó la oportunidad de llevarlo al escenario, primero en Broadway (1971) y luego en Londres (1972). Y qué pasa cuando una ópera o musical se vuelve exitoso y rentable? Pues que da el siguiente paso y lo llevan al cine.En 1973, tan solo tres años tras la publicación del álbum se estrenó la película. Para el papel de la película se pensó en quien dio voz a Jesus en el disco original. Pero los productores pensaron que poner a una superestrella del rock como cara visible de la película, sería contraproducente, porque podría sacar a los espectadores de la película. Aunque al final no se contó con él, vale la pena recordar que la versión original de Ian Gillan, el cantante de Deep Purple, aún hoy se considera una de las mejores versiones vocales de esa canción. Así que para la película se contó con Ted Neeley, un cantante tejano de rock, soul y balada romántica. Y en mi opinión acertaron de pleno. No en vano es mi Jesucristo Superstar favorito. Éste tipo ya tenía experiencia en musicales hippies, ya que participó en el musical contraculturas Hair. Cuando audicionó para la película y oyeron cómo era capaz de llegar a notas altísimas, casi imposible, no se lo pensaron. Ted, sería Jesús. Dirigida por Norman Jewison, Ésta Ópera mezcla de rock psicodélico, teatro, simbolismo bíblico y contracultura setentera, se rodó en Israel. Usando escenarios naturales del desierto y ruinas antiguas. Con una estética muy hippie, tanques, y soldados romanos con metralletas y gafas de sol, la película adquiere un contraste entre lo antiguo y lo moderno que le da una lectura política y social contemporánea a este relato. La película comienza con los actores llegando en bus, montando el escenario en el desierto y después de interpretar la obra, marchándose. Todo menos Jesús, que es abandonado en el desierto clavado en la cruz. Dando a entender, que sus seguidores, solo estuvieron con él en las buenas. Ésto generó mucha controversia, siendo criticada de nuevo por grupos religiosos. Y esto también hizo que ésta obra sea una de las más influyentes entre los jóvenes de la época, quienes conectaron con su mensaje, emocional, humano y crítico. Hoy en día es una película que se reestrena en cines, se analiza en universidades para generar debates didácticos. CAMILO SESTO: https://www.youtube.com/watch?v=KSr6ozHUktk Hablemos de la versión más conocida en España. La de Camilo Sesto. Cuando la estrella española de la música vio la representación de la obra en un teatro Londinense, se empeñó en traerla a los teatros españoles para interpretar al hijo de Dios. Se hizo con los derechos, eso no le costó mucho, pero estrenarla le costó sangre, sudor, lágrimas y casi la vida. En la España de los últimos momentos de Franco,Camilo tuvo que enfrentarse a censura, presiones políticas y ataques de sectores religiosos, pero aun así tiró adelante. Esta obra chocaba de frente con el fanatismo religioso fascista del conservadurismo del régimen. Y esto llevó a que se atentara contra la vida de Camilo en el propio teatro. Una bomba ni más ni menos. Con Ángela Carrasco como Maria Magdalena y Teddy Bautista como Judas, triunfaron. Teddy Bautista además fue director musical e hizo algo nunca visto en una representación de esta ópera. El foso de músicos era pequeño para la parte musical orquestal. Así que hizo los arreglos musicales para convertir las partes orquestales a música hecha con sintetizadores. Lago que todo el mundo reconoció como una genialidad. Todo esto lo se de la serie Camilo Superstar. En la que se cuenta como Camilo trajo esta pedazo de obra a España. Una serie que cambió para bien mi opinión de Camilo Sesto. Que no era nada buena seguramente por culpa de un imitador de mi ciudad natal, que hacía tributo al maestro bajo el nombre de Camilo Manuel. Posiblemente lo podréis encontrar en YouTube participando en el rancio programa musical “Lluvia de estrellas” del también rancio presentador Bertin Osborne. Con eso lo digo todo. Os dejo disfrutar de Camilo sesto y del gran trabajo de traducción que hicieron Ignacio Artime y Jaime Azpilicueta. PARK EUN TAE: https://www.youtube.com/watch?v=oD-Kg65yhHg Jesucristo Superstar ha sido interpretada en todo el mundo. Y si tenemos en cuenta que si reunimos a todas las doctrinas cristianas del mundo y las sumamos, los cristianos no llegan a ser ni el 20% de las personas religiosas de este planeta. Y que más del 50% de la humanidad no sabe ni quién fue Jesucristo… Pues que se haya representado por todo el mundo... coño pues esto tiene mérito. una de las más impactantes fue la producción en corea del sur de 2013 y posteriores, donde Park Eun-tae quien estáis oyendo interpretó el papel de Jesús. ¿Se os hace raro oírlo en Coreano? A mi me parece tan buena interpretación, que el idioma no me importa en absoluto. COCOLOCONOCTURNO: https://www.smule.com/sing-recording/1764735353_5036397728 Durante la pandemia hubo una red social para músicos que lo petó. Smule, donde personas apasionadas por la música, pueden compartir sus interpretaciones musicales con sus colegas haciendo comunidad y pasándoselo haciéndoselo pasar de puta madre a todos y entre todos. No solo de teatros musicales y películas vive la Ópera de Tim Rice. Éste es Cocoloconocturno, bueno, ese es su perfil. Éste usuario de smule es un apasionado de los musicales como El fantasma de la ópera. He podido hablar con él personalmente y tengo que deciros que cuando grabó esta versión, de la versión de Camilo Sesto, estaba pachuchillo. Y menos mal porque el tío lo hace de lujo. Acercaos a ésta red social, os podéis llevar gratas sorpresas como la de este Cocoloconocturno y muchas más. LEO JIMENEZ: https://www.youtube.com/watch?v=n88KYi7Wx6I Ahora la versión de un metalero Español. Leo jimenez. En 2013, Leo Jiménez interpretó el papel de Jesús en una producción de Jesucristo Superstar que se representó en Madrid, pero con una propuesta muy diferente a las versiones tradicionales. En este caso, Leo, conocido por su trabajo en bandas como Stravaganzza y Saratoga, Las canciones de Jesús, especialmente "Gethsemane", adquirieron una fuerza y una intensidad brutales, con un enfoque más rockero que el de las versiones más líricas o teatrales. La versión de aquel que dijo no a Mago de Oz cuando salió José Andrea, Leo Jiménez, está publicada en forma de Bonus track en el álbum “Factoría del contraste” de 2016. Fue muy bien recibida por el público que sigue su carre

¡Bienvenidos a Explorando Versiones! Soy Ramón y hoy nos sumergimos en los mares oscuros y místicos del heavy metal para hablar de uno de sus himnos más icónicos: Holy Diver, de Dio. Esta canción, lanzada en 1983, ha dejado una huella imborrable en el mundo del metal y ha sido reinterpretada por numerosos artistas a lo largo de los años. ¡Preparaos, que hoy toca levantar los cuernos bien alto! \m/ Para aquellos que no estén familiarizados, Ronnie James Dio fue una de las voces más reverenciadas en el heavy metal. Su trayectoria abarca desde sus inicios con Rainbow, pasando por su etapa con Black Sabbath, hasta su exitoso proyecto en solitario, Dio. Con su poderosa voz y su carisma en el escenario, Dio se ha ganado un lugar en el Olimpo del metal. Holy Diver, el tema principal del álbum debut de Dio, es una obra maestra que combina riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico. En este episodio, vamos a explorar la historia detrás de esta canción, su impacto en la escena musical y cómo ha sido reinterpretada por otros artistas a lo largo del tiempo. DIO - HOLY DIVER: https://www.youtube.com/watch?v=2lvs2FzF64o Publicada en 1983 como tema principal del álbum debut en solitario de Ronnie James Dio, Holy Diver no tardó en convertirse en un clásico del heavy metal. Tras su paso por bandas legendarias como Rainbow y Black Sabbath, Dio decidió seguir su propio camino y, ¡vaya si acertó! Con riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico, Holy Diver es una especie de cuento heroico que mezcla imágenes medievales y místicas con un mensaje de resistencia y libertad. ¿Y quién podría olvidar ese riff inicial? Ese que arranca como si una tormenta eléctrica se colara por los altavoces y te dijera: "Agárrate fuerte, que vienen curvas." El videoclip también merece su mención: Dio convertido en una especie de guerrero medieval que reparte justicia al estilo de Conan el Bárbaro. KILLSWITCH ENGAGE: https://www.youtube.com/watch?v=NR7dG_m3MsI Una canción así no podía quedarse sin reinterpretaciones. Probablemente la versión más conocida y celebrada es la de Killswitch Engage. En 2006, estos reyes del metalcore la llevaron a su terreno con guitarras afiladas, una batería demoledora y un sonido más moderno, pero sin perder el espíritu épico de la original. Tanto caló que formó parte de la banda sonora del videojuego Guitar Hero y acabó siendo un clásico dentro del propio repertorio de Killswitch Engage. Guitar Hero Versión: https://www.youtube.com/watch?v=F89a2wiar3k PAT BOONE: https://www.youtube.com/watch?v=qjQV3omTRtk En 1997, Pat Boone, famoso en los años 50 por sus baladas románticas y versiones suavizadas de canciones de rock, decidió incursionar en el heavy metal con su disco In a Metal Mood: No More Mr. Nice Guy. Y ahí, sin despeinarse, se atrevió con Holy Diver, transformándola en algo así como jazz elegante con toques de swing. Imagínate a tu tío abuelo en bata cantando heavy metal... pero con orquesta y un rollo swing jazzero. Y ojo, que hasta el propio Ronnie James Dio dijo que le había gustado. Ahí queda eso. JACK BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=J3_sWF0Z4CE Actor, comediante y cantante —sí, todo a la vez—, Jack Black, el mismísimo protagonista de Escuela de Rock, no perdió la oportunidad de rendir tributo a Holy Diver durante su visita al programa Late Night with Jimmy Fallon en diciembre de 2010. En directo, con toda su energía desbordante, su vozarrón y esos gestos marca de la casa, se lanzó a cantar el tema como si estuviera encabezando un festival de metal. Más que una versión, fue un espectáculo en sí mismo. PUDDLES PITY PARTY: https://www.youtube.com/watch?v=ZsxeKx-u5NY Si no conoces a Puddles Pity Party, te lo presento: un payaso triste, vestido de blanco, de voz profunda y capaz de convertir cualquier clásico en una balada melancólica. En 2021, se atrevió con Holy Diver, dándole la vuelta por completo y llevándola al terreno del drama y la nostalgia. Olvídate de guitarras afiladas y gritos desgarradores: aquí todo es delicado, suave, como si Dio hubiera escrito la canción después de una ruptura amorosa y se la hubiera entregado a un crooner venido del circo. Inquietante, inesperado… pero fascinante. NINA HERMANS: https://www.youtube.com/watch?v=r_DgyIjfiK0 En su versión de Holy Diver, Nina Hermans rinde homenaje al clásico de Dio con un enfoque único, inspirado en la interpretación de Killswitch Engage. Su cover aporta una mezcla de melodías intensas y poderosas, con una interpretación vocal que mantiene la energía de la original, pero con una suavidad emocional que le da una nueva dimensión. La versión de Hermans toma el espíritu del metal melódico, fusionando la potencia con el lirismo de su voz, lo que la convierte en una propuesta fresca y cargada de emoción. CONCLUSIÓN Así terminamos nuestro viaje por las diferentes versiones de Holy Diver, un tema que sigue demostrando su capacidad para reinventarse a través de los años, desde los riffs más duros hasta las interpretaciones más suaves y dramáticas. Lo que está claro es que una canción como esta no tiene límites: se puede transformar, adaptar y, por supuesto, rendir homenaje de mil maneras diferentes. Así que la próxima vez que escuches Holy Diver, recuerda que, aunque Dio la hizo inmortal, hay todo un universo de versiones esperando ser descubiertas. Y como siempre, no olvides levantar esos cuernos bien alto y seguir explorando. ¡Nos vemos en el próximo episodio de Explorando Versiones!

¡Hola, hola, exploradores! ¿Qué tal? Buenos días, tardes o noches, dependiendo de… ya sabéis qué. Yo soy Raulillo, esto es Explorando versiones, y quiero robaros un poco de lo más valioso que tenéis: vuestro tiempo, para hablaros de un clásico del rock y algunas de sus versiones. ¿Os venís conmigo a explorar las versiones de Don’t Stop Believin’ de Journey? JOURNEY - DON’T STOP BELIEVIN’: https://www.youtube.com/watch?v=jidZEUOR6zs Journey es una banda de rock creada en 1972 en San Francisco, Estados Unidos. Originalmente, una banda de estilo rock progresivo que fue convirtiéndose a un estilo más melódico y comercial, sobre todo con la incorporación del vocalista Steve Perry en 1978. Don't Stop Believin' (en español: No dejes de creer) es el título de una power ballad interpretada por la banda de rock estadounidense Journey, incluida en su séptimo álbum de estudio, Escape (1981). La canción fue escrita por Jonathan Cain (teclista de la banda), y su riff de teclado es considerado como uno de los más reconocibles de la historia del rock. CBS Records la lanzó el 5 de octubre de 1981 como el segundo sencillo del álbum. A menudo considerada como su canción insignia, alcanzó un puesto entre las diez primeras canciones de la lista Billboard Hot 100. Se vendieron más de un millón de copias en vinilo. Es la canción número uno de descarga digital pagada lanzada en el siglo XX. Ha vendido más de 7 millones de unidades digitales en los EE. UU. hasta julio de 2017. La base de datos en línea All Music la describe como la “canción perfecta”, y la revista Forbes la sitúa como la canción de rock más grande de todos los tiempos. En mi opinión, es muy buena, pero aquí creo que se han venido un poco arriba. La historia que cuenta la canción podría considerarse autobiográfica. Narra la historia de un chico y una chica de mundos distintos que viajan lejos de casa para cumplir el sueño de vivir de la música. Es justo lo que hizo Jonathan Cain. El título de la canción proviene de algo que el padre del tecladista Jonathan Cain le decía con frecuencia cuando era un músico en dificultades que vivía en Sunset Boulevard, en Los Ángeles. GLEE: https://www.youtube.com/watch?v=3Dc1d46O3O8 Como todo temazo rockero que se precie, Don’t Stop Believin’ está presente en la pequeña y gran pantalla. La lista de producciones audiovisuales en las que aparece, tanto en su versión original como en versiones para la ocasión, no es corta: •La mejor de mis bodas (1998) de Adam Sandler. •La oscarizada Monster de 2003, con Charlize Theron y Christina Ricci. •Como no, en el musical Rock of Ages, que saltó de los teatros de Broadway para convertirse en una película en 2012, protagonizada, entre otros, por Tom Cruise y Alec Baldwin. He visto tanto la peli como el musical, y el argumento es literalmente el de la canción. No es “la leche”, pero para un domingo en el que San Pedro juega a los bolos en el cielo, te puede quitar el aburrimiento. •En la pequeña pantalla se puede ver en la famosa serie Los Soprano en 1999. Tras esta aparición, la canción volvió a romperlo en cuanto a ventas y relanzó la carrera de Journey. •Y, como no, también podéis oír la versión que estáis escuchando en la serie Glee de 2009. Una serie musical del típico High School yanqui, es una auténtica oda a la cultura woke. Es la máxima expresión del audiovisual inclusivo, en el que tenemos desde la típica capitana de animadoras, reina del baile, hasta el tío más chungo y malote, pasando por chicos frikis gafaplastas, chicas guays, flacas, gruesas, afroamericanas, parapléjicos, gays, lesbianas, orientales, latinos y hasta algún pelirrojo. Sí, así es, pelirrojos: el precio a pagar por el resto de mortales para que podamos disfrutar de las pelirrojas. Ahora disfrutemos de esta versión coral, bastante pastelosa aunque no mala del todo, para la serie Glee. THE HOLOPHONICS: https://www.youtube.com/watch?v=xxv-_3S0zUU ¿Qué tal un poquito de ska? Si queréis oír un huevo de versiones de temazos de todos los tiempos en clave de ska, no podéis dejar de visitar la discografía de The Holophonics. Esta versión está incluida en su disco de versiones Maskarades Vol. 11. Y que sepáis que ya van por el Vol. 17. Los tejanos que comenzaron en esto allá por el 2012 dicen ser un grupo de progressive ska. Chiquillos pretenciosos… si sabes hacer música progresiva, no haces punk ni ska. En fin, sea como sea, sus discos de versiones son muy disfrutables, kalimotxo en mano. POSTMODERN JUKEBOX: https://www.youtube.com/watch?v=UngXu2zwF9E Estáis oyendo Postmodern Jukebox. Algo así como “la gramola postmoderna”. Otra agrupación dedicada enteramente a las versiones. Pero vienen bien para que se te baje el subidón del fiestón ska que te acabas de pegar. No te voy a mencionar a sus integrantes porque son ciento y la madre. Si te van las versiones de los éxitos del rock y pop de todos los tiempos en clave de jazz suave, dos cosas te digo: 1.Este es tu grupo; no dudes en escucharlos. 2.A mí no me hables. STEEL PANTHER: https://www.youtube.com/watch?v=r2o9KAplnu4 Ahora vamos con metal de mentira o de chichinabo. Me explico: estos son Steel Panther, un cuarteto que en el 2000 comenzó a tener popularidad en el Sunset Strip hollywoodiense. Este sitio, básicamente, es el nido de serpientes andróginas travestidas que son los grupos de glam metal, de la escuela de Poison, L.A. Guns, Mötley Crüe y compañía. Estos grupos, dedicados en cuerpo y alma a llevar la vida de rockstar, sin reparar en si su música es de verdadera calidad o no. Esta versión se lanzó como single en 2009, y, como podéis oír, no se diferencia mucho de la original. Es lo que pasa cuando andas corto de talento. Ahora, en serio, y una vez que me he vaciado de bilis, quiero aclarar una cosa: es cierto que a los jovenzuelos y rockeros más maduros no nos va mucho este estilo. Pero, en realidad, todos lo hemos consumido. Por eso, amigo, si te gusta este u otro grupo de glam, no te avergüences por mucho que los critiquen. Muchos empezaron oyendo estas cosas y, tirando del hilo, han descubierto grupazos y se han convertido en verdaderos metalhead masters. Recuerda: Don’t Stop Believin’. NORTHERN KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=9uynzC4BrLE Don’t Stop Believin’ es una canción un tanto peculiar. No oiremos el estribillo hasta el final. Esta canción es como el sexo tántrico: te mantiene arriba todo el tiempo hasta 50 segundos antes de concluir, que es cuando entra por primera vez su estribillo. Por cierto, pedazo de estribillo que te eleva el alma al séptimo cielo. Pero existe un grupo que es capaz de usar esta canción para hacerte cruzar la laguna Estigia de la mano del barquero Caronte y llevarte a las capas más oscuras del reino de Hades. Son Northern Kings, un supergrupo de versiones finés con un estilo oscuro de metal sinfónico y épico, compuesto por cuatro de los más reconocidos músicos del metal nórdico: Jarkko Ahola (Teräsbetoni), Marco Hietala (Nightwish y Tarot), Tony Kakko (Sonata Arctica) y Juha-Pekka Leppäluoto (Charon). Comenzaron este proyecto en 2007 con su álbum Reborn, donde aparece esta versión de la canción de Journey, junto a otras versiones como We Don’t Need Another Hero de Tina Turner, Broken Wings de Mr. Mister o Ashes to Ashes de David Bowie, entre otros. En fin, más te vale tener el alma pura y limpia antes de oír un disco de este grupazo. FLATIRONS COMMUNITY CHURCH:: https://www.youtube.com/watch?v=XhNP7fZG2O4 Y si de verdad queréis limpiar vuestro alma, vamos a darle al rock cristiano. Flatirons Community Church. Esto no es solo un grupo, es mucho más: una escuela de base cristiana con sedes en Westminster y Genesee (Colorado). La iglesia ofrece música de adoración moderna, dirigida principalmente por líderes de adoración específicos del campus, junto a conferencias de corte cristiano durante un servicio (que es como llaman por allí a las misas) típico de fin de semana. La música no se limita a canciones de adoración, sino que incluye canciones seculares de bandas populares como Queen, Imagine Dragons, Foo Fighters, Coldplay, Twenty One Pilots, Bleachers y más. La iglesia recibe regularmente a más de 19,000 asistentes por fin de semana entre los cinco campus que atesoran. Un servidor, que se declara agnóstico aborrecedor de cultos religiosos, ministros de dioses en la tierra y demás supercherías humanas… convencido está de que si las misas católicas montasen estos bolos, me levantaría temprano todos los domingos para asistir a misa de las 10. JORN: https://www.youtube.com/watch?v=JUcW9meI73k Si alguien escuchó el Explorando versiones de Hotel California, ya sabrá quién es este señor. Es Jorn Lande, ex-Masterplan (la banda de power metal formada por Roland Grapow y Uli Kusch tras su salida de Helloween). Con su proyecto en solitario, Jorn, sacó el disco de versiones Heavy Rock Radio en 2016. Y, aún a riesgo de repetirme con este artista, lo pongo sin ninguna vergüenza, ya que si algo tiene el hacer Explorando versiones, es que se aprende un huevo y se descubren proyectos musicales que sorprenden a cualquiera. Y este descubrimiento se está convirtiendo en uno de mis artistas favoritos en el último año. Dejo que disfrutéis de Jorn Lande y su magistral control sobre sus cuerdas vocales. BAD BONES: https://www.youtube.com/watch?v=WaCI0t6b9cM Bad Bones es una banda italiana de hard rock y heavy metal formada en 2007 en Ceva, Italia. La fundaron los hermanos Steve (bajo) y Lele Balocco (batería), junto con el guitarrista y vocalista Mekk Borra. Su sonido está influenciado por bandas clásicas como AC/DC o ZZ Top. Esta versión del himno de Journey es de 2014 y está incluida en la versión Deluxe de su disco de 2012, Snakes n’ Bones. Este álbum fue el culpable de darles el empujoncito que les llevó a girar por toda Europa y Estados Unidos, llegando a tocar en sitios emblemáticos como el Whisky a Go Go de Los Ángeles, donde compartieron escenario con los anteriormente mencionados Steel Pant