Podcast Momentos recordables del cine

Escena final de esta mítica película, que mostró por primera vez a uno de los personajes bélicos más relevantes (probablemente el más popular) de la gran pantalla, a través de mensajes antisistema (cusioso no?). Una BSO magnífica, un personaje de leyenda y una actor más que a la altura dieron como origen lo que ya hoy en día es un incunable. Por otro lado, ha dado lugar a imitaciones y mofas como las del rostro torcido y el "no siento las piernas". Pese a todo el bueno de Stallone se acaba imponiendo y la historia del cine le pondrá sin duda en el lugar que merece. Para nosotros, Stallone sin la voz de Riardo Solans no sería lo mismo.

Ernest Hemingway´s The Killers, de 1.946. Dirigida por Robert Siodmak. Adaptando el relato corto de Hemingway, gracias al notable guion de Anthony Veiller, la película nos da las respuestas al suceso contad en el mismo explorando el pasado del fiambre. Con un genial juego de flashbacks, obliga al espectador a unir los puntos para hallar la respuesta al dilema: la razón por la cual un humilde empleado de una gasolinera acepta la muerte sin rechistar. Con unos actores en estado de gracia y a un gran nivel, sobre todo el trio protagonista formado por Burt Lancaster (en su debut cinematográfico), Ava Gadner y Edmon O´Brien, el tiempo la ha colocado en uno de los indiscutibles clásicos del cine negro.

The Sopranos. Third Season, chapter three, de 2.001. Dirigida por Henry J. Bronchtein. Ha muerto James Gandolfini. Muy aficionado al cine de gangsters, me llamó la atención el tráiler del primer capítulo cuando lo presentó en España Canal Plus. Y fue amor a primera vista. Esto que estaba viendo no se parecía en nada a cualquier serie de televisión que pudiera ver en ese momento. Y a partir de ahí cambió la forma de hacer televisión. Durante 8 años, al tiempo de cada temporada, era especial el día en que emitían el capítulo de turno. Y quería ver a Tony, todo era Tony. Que serie mas maravillosa, y que actor mas extraordinario. Descanse en paz Mr. Gandolfini.

Ya colgamos anteriormente el chiste de Tarantino en el cameo que hace en Desperado, pero ahora toca recordar una de las mejores canciones que ha interpretando Tito &Tarantula desde siempre, el Blues Strange Face of Love. Sin duda, en el momento en el que sale, es la mejor demostración de las habilidades de Robert Rodríguez como realizador de Videoclips. Hay quien considera esta película mala, pero a mi me parece una pasada de principio a fin, asumiendo que en en sí misma una fábula exageradísima, y que las fábulas no siempre son para niños claro. En la escena, el personaje que interpreta Tito Larriva (cantante del grupo) intenta huir del bar destrozado tras el infructuoso intento de acabar con el Mariachi (Antonio Banderas), y su fatídico desenlace.

William Shakespeare´s Julius Caesar, de 1953. Dirigida por Joseph L. Mankiewicz. Muchas han sido las adaptaciones de la obra de Shakespeare llevadas al cine y grandes autores las han firmado (Oliver, Welles, Kurosawa, Zeffierelli, etc), pero esta es de mis preferidas. Realizada por un maestro descomunal, Mr. Mankiewicz, las tramas políticas y militares con ese lenguaje tan característico te absorben a cada minuto que pasa. Todo alrededor del enfrentamiento dialéctico entre otros dos grandes, Marlo Brando como Marco Antonio y James Mason como Bruto, que desencadenará en enfrentamiento bélico. Cuando parece que la muerte de César puede dar lugar por fin a la instauración de la República, pensando los conspiradores que es lo que el pueblo necesita, resulta que a lo mejor no es lo que quiere. De ahí el famoso discurso de Marco Antonio al lado del cadáver de su aliado, alabando su gobierno y sus triunfos, que tan bien está narrado e interpretado en la película por Brando, arrancando los vítores de sus oyentes cuando justo antes daban por bueno el magnicidio. Este es el famoso discurso.

Escuchando ese pedazo de Podcast que es Apocalipsis Friki, me ha dado por recordar esta maravillosa serie de los ochenta. No se trata de cine, ya lo sé, pero el guión de los capítulos aunando misterio y comedia (entrenimiento vaya), iluminación, dirección, fotografía, etc, es tan recordable que por supuesto que cabe aquí. Además, en lo respecta a los personajes, qué decir de Cybill Shepherd doblada por Gloria Cámara (Madeline Hayes) y Bruce Willis doblado por el mítico Ramón Langa (David Addison)… le dieron otro significado al término tensión sexual. Dicen que Cybill Shepherd no supo llevar ser absorbida por Bruce Willis, pero en cualquier caso ambos nos dieron una temporadas geniales. En el diálogo aportado se produce el primer encuentro entre ambos, ella entra a la oficina como nueva dueña y él se presenta como lo que es, el embrión de walter (el personaje del mismo Willis en Cita a Ciegas) y John Mclaine. !Nadie lleva mejor que este personaje una resaca! A su vez suena al principio la voz de Amelia Jara doblando a Allyce Beasley (la secretaria Agnes Topisto) que arbitraba siempre los partidos que se marcaban estos dos. A destacar todo el diálogo entre ellos cerrado con la frase demoledora de Addison… "¿Sabe lo que es sorprendente?…que por los anuncios de la tele, los posters y los carteles que hay en la calle jamás se adivinaría lo puta y lo fría que es..." Genial

Tras una nueva entrada y encontronazo con el entrañable personaje representado por Elisha Cook Jr., el bueno de Sam Spade (Bogart - Francisco Arenzana) se reune de nuevo con Kasper Gutman (Sidney Greenstreet - Estanis González), retomando la conversación sobre el "pájaro negro". Tras el relato que comienza con los Caballeros de Rodas y sus ofrecimientos al emperador Carlos V, ubicamos al archiconocido Halcón Maltés, joya mentada por muchos, codiciada por todos y núcleo de la película, la cual nos acaba mostrando lo que verdaderamente se pretende, el ver cómo la codicia afecta a todos los personajes poseídos por ella.

Con la intención de calentar motores antes de la edición del próximo Balas sobre Endor, continuamos con la que para mí es la mejor representación de lo que es el cine negro en particular y, ¿por qué no?, del cine en general. Se trata de la presentación de Sam Spade (Bogart - Francisco Arenzana) a Kasper Gutman (Sidney Greenstreet - Estanis González) El diálogo se produce en los aposentos de "El gordo", uno de los personajes que ansía la preciada estatuilla. Es uno de los momentos claves de la película, en la que se reunen por un lado algunas de las ingeniosas frases del señor Gutman ("desconfío de los hombre callados, porque..." "desconfío del hombre que dice basta cuando le sirven un trago, porque...") junto con la hábil estrategia de Spade, callando mucho y diciendo lo justo, aparte de por no saber más, para sonsacar lo que puede a su rival. Como marca esa estrategia que tantas veces será imitada en la historia del cine, en el momento en el que puede que descubran sus cartas, monta en cólera y se marcha. Órdago que le saldrá bien al recibir una nueva invitación a volver a hablar, en otro diálogo antológico que subiremos posteriormente, en el que se demuestra por fin la causa del interés que todos parecen tener por el "pájaro negro". A sus pies, señores Hammett y John Huston.

Stagecoach, de 1939. Dirigida por John Ford. Este corte supone la entrada al cine con mayúsculas de El Duque, John Wayne. Venido de producciones de serie B de la época, hace su aparición en Monument Valley y el resto es historia. Sí, esta es su primera intervención en la película y al cine con mayúsculas, acercándose a la diligencia que le encumbrará y supondrá la sociedad Wayne-Ford que tantas obras maestras dará. La escena no es que suponga un hito en cuanto a diálogos se refiere, pero su valor arqueológico es total ya que a partir de esta escena Wayne se convierte en un auténtico icono cultural. Y qué decir de la película, auténtica revolución del western y clásico imperecedero. Con unos personajes tan variopintos como carismáticos, cada uno con sus virtudes e imperfecciones, su interacción la convierten en una película con tantas lecturas que van más allá del western típico: diferencias sociales, lealtad, codicia, amores platónicos, enemigo común, etc. Hay de todo.

Para muchos la película más grande que se ha hecho de cine negro (para mí sin duda en la cima, pero no mi preferida). Bogart, Hawks, Chandler, Faulkner, Bacall, Dorothy Malone, etc,etc,etc,etc. Drogas, sexo, juego, sobornos, chantajes, asesinatos, todo rodado a base de secuencias realmente brillantes con diálogos llenos de material recordable. Eso sí, que no se tenga en cuenta como una película basada en una trama coherente, sino más bien una maraña de mini-cortos que sólo a los varios revisionados cogen sentido en su conjunto. En cambio, sólo con verla una vez no se olvida ni un sólo fotograma. El diálogo es el que tienen Marlowe y Sternwood en su presentación, tan buen ejemplo como cualquier otro de lo que es la película en sí, con el encargo del trabajo que determinan todos los sucesos del resto de la película (11 mujeres, 8 asesinatos, gansters, matones, un fiscal y algún que otro inocente…o no). Al doblaje Jose Luis San Salvador como Bogart (Detective Marlowe) y Luis Posada Mendoza como el General Sterwood. Que sirva de calentamiento para el Balas sobre Endor 02!!!!!

Rocky II, de 1979. Dirigida por Sylvester Stallone. No llega al nivel de su predecesora pero la película tiene sus momentos. Al menos se sigue volcando en la evolución del personaje, hecho que no ocurre en sus continuaciones, salvo la última, Rocky Balboa (2006), digno epílogo a la saga. La película comienza justo donde termina Rocky (1976), con el protagonista y su rival convalecientes a causa de las lesiones producidas en su combate. Ya después regresaremos a sus relaciones con Adrian, Paulie y Mickey hasta la famosa revancha, la cual tendrá lugar con un final nada imprevisto. A mi entender el desenlace del combate no es tan épico tanto musical como cinematográficamente que su antecesora, pero tiene su aquel.

El Sr Gekko me ha recordado otra mítica escena de esta película. Se trata del momento de relax que se marcan Aubrey y Maturin (Russell Crowe el capitán Aubrey y Paul Bettany el doctor Maturin) cogen el violín y el violoncelo e interpretan “La musica notturna delle strade di Madrid”, de Luigi Boccherini. Crowe siempre ha dicho que lo más difícil que ha hecho como actor es aprender a tocar el violín para hacer esta escena. Les queda de lujo la verdad.

Master and Commander: The Far Side of the World, de 2003. Dirigida por Peter Weir. Con una filmografía no excesivamente larga, pero con grandes títulos, Peter Weir nos trasladó a un navío inglés en plena contienda contra Francia a principios del siglo XIX con un realismo superior. Con una labor de producción espectacular pudimos comprobar el día a día de la tripulación y su jerarquía. El detalle está cuidado al máximo, desde la cocina hasta la capitanía. Las bromas de los más jóvenes, la profesionalidad de los médicos, la responsabilidad de los superiores, las inclemencias meteorológicas y el sufrimiento de la guerra. Y por supuesto la crudeza de las batallas en alta mar, con un sonido insuperable. Realismo en todos los sentidos. Aquí se preparan todos los miembros de la tripulación con el Capitán Jack Aubrey (Russell Crowe) a la cabeza para el asalto final al buque francés. El capitán intenta inspirar a su gente y desde luego lo consigue. Ya veremos el resultado.

Desde aquí nuestro pequeño pero sincero homenaje a este lider geek que es Bruce Campbell, dirigido por el no menos admirado Sam Raimi (todo desde el punto de vista más ochentero posible). Gracias a LODE he podido volver a recordar esta original trilogía, sólo apta para aficionados al mundillo fanta-terror. Este corte pertenece a la tercera parte de la trilogía Evil Dead, considerada por muchos como la pelicula más mala pero entretenida de la historia. Es en sí misma un giro de tuerca inesperado tras ver una primera parte (Posesión Infernal en España) en la que se descubre el talento de un director apoyado por un ínfimo presupuesto y una segunda parte (Terroríficamente Muertos) que no se sabe si es reboot o continuación, con algo más de apoyo pero no desbordante. Esta tercera parte es un cambio de registro hacia las aventuras fantásticas con grandes dosis de humor. Advertencia: sirva de ejemplo este corte, no es posible tomar en serio esta película, y de ahí su encanto. Antonio Lara al doblaje de Bruce Campbell como el mítico "Ash"

Dead Man Walking, de 1995. Dirigida por Tim Robbins. Película denuncia sobre la pena de muerte, llama la atención, a diferencia de muchas otras sobre este tema, que al menos el condenado sí es culpable, contrastando el dolor de las familias de las víctimas con el propio sufrimiento del personaje que interpreta Sean Penn, Poncelet. Y como denominador común en ambos lados tenemos a la hermana Helen (Susan Sarandon), la personificación del desahogo espiritual de todos los encartados. Traemos la despedida de Poncelet y su confesión. Escena triste, sí, pero muy contundente. Muestra lo que realmente pretende la película, claramente contraria a esta clase de pena penal. Si ésta realmente no es otra cosa que lo que castiga, la muerte de uno por la mano del otro.

Me quedo con un comentario bastante popular sobre esta película. La BSO es un personaje más. Este corte es el tema Just Dropped In, de Kenny Rogers, y completa la escena de uno de los sueños oníricos del nota, volando a través de las pistas de bolos y bajo las piernas de las bailarinas, bailando con el personaje de Julianne Moore cual doma de valkyria, y una sucesión de escenas sólo aplicables a la propia película.

The Private Life of Sherlock Holmes, de 1970. Dirigida por Billy Wilder. Más Wilder. Tras numerosas adaptaciones del personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle, tuvo que llegar el genial director y guionista para introducirnos en la persona en vez de en el detective. Y un proyecto de este calibre debe ser llevado a cabo por un Grande, si no, puede descarrilar. De forma rotunda vemos a Holmes sufrir, dudar, pero sin obviar su lado excéntrico y sarcástico. Y enamorarse, ya a lo largo de la película se comprobará si es pasajero o definitivo, pero se le ve inseguro con el sentimiento. Un Holmes tridimensional. The Ultimate Sherlock Holmes. Es posible que los más fieles seguidores del personaje no se lo esperaran pero siempre ha sido muy valorada esta versión. Aunque para muchos es considerada una película redonda, quizá el último tercio no la convierte en tal, al menos en mi opinión, y es posible que tengan que ver los cambios y cortes exigidos por lo estudios a un Wilder en sus últimos años que tenía proyectada una película de más duración. Aún así tiene unas secuencias y diálogos brillantes, pero sobre todo un personaje tratado con el mayor de los respetos. Este corte es una de mis escenas favoritas, cuando a Holmes le solicitan un servicio más allá de lo profesional, jugando con ese aspecto del detective mas enigmático, al menos desde fuera, como es su “especial” relación con Watson. La secuencia es sublime, impagable. Y sus consecuencias, justo a continuación, en la escena del baile, que hay que ver ya que aquí no se puede reproducir, sólo suena la música...

Touch of Evil. De 1958. Dirigida por Orson Welles. Mas allá del brillante plano secuencia de inicio, estamos en presencia de una montaña rusa de sensaciones con apenas pequeños respiros en el argumento. Todos los personajes son llevados al límite, y aunque Mike Vargas (Charlton Heston) sea el mas transparente en su discurso, su insistencia en la búsqueda de la verdad y la justicia puede arrastrar a su esposa Susan (Janet Leigh, que esta soberbia interpretando a una mujer valiente y consecuente con el código de conducta de su esposo, Vargas, alejada del arquetipo mujer débil-indefensa-víctima). Y es que su adversario Hank Quinlan (Orson Welles), es una locomotora que arrasa todo a su paso. Con una presencia descomunal y brutal, desde el primer momento de su aparición se comprueba que es el auténtico amo y señor de la situación. Sus enemigos le temen como al mismísimo diablo y sus compañeros y superiores no son mas que vasallos e instrumentos en sus tejemanejes para lograr sus objetivos. Y no olvidemos que al igual que el resto quiere lo mismo, hacer justicia, sabiendo que el sospechoso es culpable, pero sin ningún respeto a un sistema legal que no esta adaptado a las convicciones de este hombre. El fin justifica los medios. Algunos estarán de acuerdo, pero Vargas no y sera su persistencia lo que ocasione que el indomable se coloque justo en el lado de lo que mas aborrece, provocando su único y primer error, que puede ser fatal. Esta secuencia es uno de esos enfrentamientos dialécticos entre Quinlan y Vargas que provocará un punto sin retorno colocándoles frente a frente en un duelo final en el que solo puede quedar uno. El mundo es demasiado pequeño para ambos. No hay sitio para los dos.

Touch of Evil, de 1958. Dirigida por Orson Welles. Mas allá del brillante plano secuencia de inicio, estamos en presencia de una montaña rusa de sensaciones con apenas pequeños respiros en el argumento. Todos los personajes son llevados al límite, y aunque Mike Vargas (Charlton Heston) sea el mas transparente en su discurso, su insistencia en la búsqueda de la verdad y la justicia puede arrastrar a su esposa Susan (Janet Leigh, que està soberbia interpretando a una mujer valiente y consecuente con el código de conducta de su esposo, Vargas, alejada del arquetipo esposa-víctima). Y es que su adversario, Hank Quinlan (Orson Welles), es una locomotora que arrasa todo a su paso. Con una presencia descomunal y brutal, desde el primer momento de su aparición se comprueba que es el auténtico amo y señor de la situación. Sus enemigos le temen como al mismísimo diablo y sus compañeros y superiores no son más que vasallos e instrumentos en sus tejemanejes para lograr sus fines. Y no olvidemos que al igual que el resto quiere lo mismo, hacer justicia, sabiendo que el sospechoso es culpable, pero sin ningún respeto a un sistema legal que no está adaptado a las convicciones de este hombre. El fin justifica los medios. Algunos estarán de acuerdo, pero Vargas no. Y será su persistencia lo que haga que el indomable Quinlan se coloque justo en el lado de lo que más aborrece, el criminal, provocando su único y primer error, que puede ser fatal. Esta secuencia es uno de esos enfrentamientos dialécticos entre Quinlan y Vargas, que provocarà un punto de no retorno entre ambos, colocàndolos frente a frente en un duelo final en el que solo puede quedar uno. El mundo es demasiado pequeño para ambos. No hay sitio para los dos.

The Godfather, de 1972. Dirigida por Francis Ford Coppola La adaptación que Coppola llevó al cine de la obra litería de Mario Puzzo superó a la misma y se convirtió en un mito cultural. Familia, poder, honor y venganza se personifican en Vito Corleone (Marlon Brando). De ahí que resulte emocionante la profunda y trasparente tristeza que siente al recibir la noticia de la muerte de su hijo magistralmente interpretada por Brando. El que le da la noticia es su hijo de adopción (más de hecho que de derecho), Tom Hagen (Robert Duvall), desplomándose ante un espectador que le ha visto frío y distante, pero con una apabullante seguridad en sí mismo, cuando es incapaz de comunicarle algo así a su padre, refugiándose de todo el mundo. Pero ahí no acaba la cosa, ya que la reacción del padre de todos tras el hecho, es la mas inesperada, ¿o no?, habida cuenta le queda otro hijo que salvar, el pequeño, un hijo que devorará todo a su paso.

Otra escena con música que "llena" la pantalla. Bien ver Al Pacino con Gabrielle Anwar o al bueno de Chuache con Tia Carrere bailando esta melodía te deja la misma sensación, con otra música no quedaría igual de bien. Sin duda el tango más popular que existe, compuesto por Carlos Gardel y letra de Afredo Le Pera (aunque no sea tan ocnocida como su música). La han incorporado en multitud de películas, pero nombro las dos del título porque son las escenas en las que más me ha gustado. Aparte, mencionemos también La Lista de Schindler (el baile de los nazis también genial), en Frida (cantada creo recordar), Todos los hombres del rey, Mr Mrs Smith (creo que homenajeando a la propia mentiras arriesgadas), y alguna más. Tan usada como elegante y por supuesto, recordable.

The Big Sleep, de 1946. Dirigida por Howard Hawks. Clásico descomunal del cine negro, El Sueño Eterno es una cita obligada a repetir con frecuencia. Tiempo hacía que servidor no la veía, pero gracias a ello su revisitación te retrotrae a la primera vez, te vuelves a meter en el universo Marlowe como principiante y de nuevo empiezas un complicado puzle con la satisfacción de terminarlo, de comprobar que las piezas van encajando hasta su resultado final. Con diálogos soberbios, ingeniosos, y una trama inteligente, absolutamente nada sobra en la película. Nada en ella es gratuito y está fuera de lugar. Incluso la secuencia que traemos, aunque no es de las más nombradas y citadas. En poco más de tres minutos de duración, en aras de su investigación, observamos como Marlowe (Bogart) se lleva al huerto a una joven librera (Dorothy Malone), ¿o es al revés?, en una conversación totalmente ingeniosa, con transformación incluida (de ahí ese “¿Hola?”), que resulta en un claro y recíproco flirteo. Claro que Marlowe ya había conocido a la señorita Vivian Rutledge (Lauren Bacall), si no, volvía corriendo a la librería.

Jaws. De 1.975. Dirigida por Steven Spielberg Convertida en un clásico moderno, un joven Spielberg consiguió que las películas de monstruos/criaturas se empezaran a tomar en serio. Terror o suspense, se ha catalogado de varias formas, pero cabe hasta como película familiar. En la peli hay de todo: vínculos familiares, responsabilidad profesional, intereses políticos, y un tiburón enorme. El malo de la película, con unas escasas apariciones que lo hicieron más siniestro y peligroso si cabe. Con una música excepcional, la criatura nos habla a través de las notas de John Williams, con una melodía que ha pasado a la historia. La secuencia es la famosa conversación nocturna de los cazadores del monstruo con alcohol de por medio, tan distintos en su personalidad como distintas sus motivaciones pero que su interacción enriquece la historia todavía más. Ya se habían cruzado con el tiburón antes y saben que les espera la cita definitiva, pero todos debemos tomarnos un respiro, cantar y contar batallitas antes de encontrarse con un destino muy incierto. Este es el momento antes de la confrontación final.

Hoy estreno una sección dentro de estos momentos que vamos acumulando. Se trata de canciones que "llenan" la pantalla. Este corte completa la escena en la que los protagonistas se tiran en parapente, con la intención de salir aunque sea brevemente de la prisión mental y física en la que se encuentran. La canción nació para un musical de Broadway en los sesenta, y ha sido versionada por artistas como George Michael o incluso Muse (ojito a su versión guitarrera sin desperdicio), pero la versión que nos ocupa es de Nina Simone, la que traslada perfectamente con las imágenes del paseo ese momento de libertad que sienten los personajes de la película. La película por cierto se trata de una de las mejores alegrías que nos trajo el 2011 en nuestras salas, un drama intenso y duro, pero tratado de una manera tan amena y positiva que no pasó desapercibido para nadie.

Para mí se trata de una gran película, de una no menos apreciable saga. ¿La mejor sátira del cine de detectives? Por el momento está claro, y sobretodo más que apta para todos los amantes del género que aquí se caricaturiza con tanto gusto y gracia. Aparte de algún que otro corte que tenemos ya subido a la audioteca de la saga, ésta es otra situación memorable, se trata de la llegada al muelle del protagonista con el capitán Ed Hocken (Pepe Mediavilla) y la posterior discusión "soborno-resoborno" ó "resoborno recíproco" que el teniente Frank Drevin (Leslie Nielsen - Jose Luis San Salvador) tiene con uno de los responsables del propio muelle, con el incidente de Nordberg de fondo. Especial mención al podcast Apocalipsis Friki, hicieron un gran trabajo sobre el bueno de Leslie Nielsen.

Ahora que está tan de moda el término "gapasta", viene que ni al pelo esta escena de Annie Hall. Mientras los protagonistas de la película (Woody Allen y Diane Keaton, doblados por Miguel Ángel Valdivieso y Rosa Guiñón) esperan en la cola del cine, soportan los comentarios supuestamente intelectuales del personaje de detrás. Lo bueno de Allen es que se permite la libertad de colar en escena al creador del que se está comentando (Marshall Mcluhan doblado por Rafael Luis Calvo) para poner al citado personaje en su sitio. ¿Que se hace cuando uno se encuentra en la cola de un cine un tipo como éste? Marshall Mcluhan: "En su boca mis ideas suenan a falacias. ¿Cómo da usted clase de algo que no entiende?"

Alien, de 1.979. Dirigida por Ridley Scott. Escena mítica la que traemos de la ciencia ficción en particular y del cine en general. La primera aparición de la criatura alienígena más especial que recuerdo. Escena de la que se recuerda el momento en que fue vista por primera vez, al menos en mi caso. Poco puedo añadir de esta obra maestra del cine que no se haya dicho y escrito ya. Pero desde este humilde rincón no podía dejar de homenajear esta película que tendré siempre presente . Equilibrio perfecto entre ciencia ficción y terror, es de destacar absolutamente todo: guion, dirección, interpretación, fotografía, dirección artística y música. Una película perfecta y maravillosa que la historia va poniendo en el sitio que merece, en lo más alto.

Snatch, de 2.000. Dirigida por Guy Ritchie. Otro corte de esta gran película. Otro ejemplo más del buen dominio del director sobre los bajos fondos londinenses y la cantidad de sujetos que lo pueblan. Impagable la conversación de el Turco (Jason Statham) y su socio con el grupo de O´Neill (Brad Pitt). Lección aprendida de cómo no hacer negocios con un tramposo.

From Dusk Till Dawn, de 1.996. Dirigida por Robert Rodriguez. Película gamberra e irreverente con sorpresón incluido, cuenta con grandes dosis de acción, humor y suspense. Eso sí, todo muy exagerado, sello personal de este director, como se puede comprobar a lo largo de su carrera. Creo que esta es su mejor película, la que destaca sobre las demás en su filmografía, si bien es de agradecerle que en todas ellas se respete el género al que esta especializado, reconociéndole cierta originalidad en algunas de ellas, como, a parte de esta, El Mariachi, Planet Terror o Machete. En esta ocasión, traemos la escena inicial de la película. La que se organiza en una gasolinera por el comentario de Richard Gecko (Quentin Tarantino) para exasperación de su hermano Seth (George Clooney). Y no somos parientes, ojo.

The Matrix Reloaded, 2.003. Dirigida por Andy Wachowski y Lana Wachowski. El súper éxito Matrix obligó a sus realizadores a continuar la historia, pero para quien escribe esta película no estuvo a la altura, así como su continuación (Matrix Revolution) aunque afortunadamente no la devaluó. De manera independiente Matrix sigue funcionando muy bien, con un extraordinario equilibrio entre argumento y acción. No obstante, las escenas de acción y efectos especiales fueron en su momento un impacto, y aunque alargadas en exceso, son satisfactorias. A pesar de tener una trama enrevesada, que arroja más preguntas que respuestas en su historia principal, sí tiene sus momentos, que son los que nos dejó Mr. Smith (Hugo Weaving), no sólo en esta entrega sino en el resto de la saga, con esa vena irónica y puñetera sin ningún tipo de emoción. Pero también destaco la conversación de Neo (Keanu Reeves) con el Arquitecto, o Dios, depende del punto de vista (Helmut Bakaitis), quien al menos da respuesta a algún interrogante aunque cree otros por la reacción de Neo a su explicación, que en principio se deberán explicar en la última entrega. Esta es la conversación.

Si no has nacido entre 1970-1980 puedes pasar de este corte, pero si perteneces a la generación te trasladará a tu infancia. En el blog http://foro.universomarvel.com la destacan por dos cosas las cuales comparto plenamente: A) Sale Thor haciendo de mecánico de coches (aparte de ser el idolo de la niña). B)Elisabeth Sue está jovencísima, pero recordar que es la Jennifer de Regreso al futuro, Ali de karate Kid, la chica del Santo y Sera en Leaving Las Vegas (vaya evolución). En esta escena la pandilla en plena huida de los malos de turno pasa por un escenario de blues, y claro, ya se sabe, nadie se baja de allí sin cantar un blues, como les ocurrirá a los malos inmediatamente después. Valorable esfuerzo realizado por Victoria Angulo, recordemos que no es cantande y sí actriz de doblaje, jeje.

Vamos con la película más importante de los Monty Python, y en lo que a sátiras cinéfilas se refiere también de lo mejorcito que se ha rodado. Ésta es la escena del frente popular de Judea, en ella, el bueno de John Cleese (Eduardo Jover en nuestro doblaje), intenta justificar el terrorismo contra el opresor en base a lo "poco" que éste hace por ellos. Curiosa e inteligente adpatación política que hizo UPD en las elecciones catalanas de 2012, independientemente de la opinión que se tenga, me pareció inteligente (tengamos siempre por delante que sólo se ofende quien quiere).

¡Bienvenido, Míster Marshall!, 1.953. Dirigida por Luis García Berlanga Recordada película del cine español, y nueva lección de cine coral de Berlanga. Retrato de la España más rural de la época con sus logros y miserias, todos y cada uno de sus personajes respiran humanidad por los cuatro costados, ninguno es ingrato, a pesar de las rencillas que puedan existir entre ellos. Ni siquiera con la resolución final de la historia. Comprimida en poco más de una hora la vida diaria de un pueblo, su realismo provoca admiración, con unos extraordinarios diálogos que incluyen hasta episodios oníricos muy divertidos. Impagable José Isbert como un John Wayne al uso con un ininteligible, y adrede, inglés. La escena es quizá la más famosa, el anuncio del alcalde de Villar del Río (Isbert) a sus ciudadanos por la llegada de los americanos al pueblo (con motivo del Plan Marshall) y los preparativos para recibirles. Memorable.

Esta maravillosa comedia ha pasado a la historia no sólo por ser una de las mejores películas de los hermanos Marx, sino por ser en sí misma una de las mejores comedias jamás filmadas. Los más de 90 minutos que dura son un devenir constante de situaciones hilarantes, diálogos agudísimos e ingeniosas salidas de tono. En esta escena Otis (Groucho) intenta firmar el contrato con Fiorello (Chico), representante del gran tenor Lassparrri, y ante las posibles discrepancias van cortando el papel hasta que sólo queda una cláusula. Se trata en mi opinión de una clara crítica a los textos jurídicos tan enrevesados como a veces alejados de la realidad, pero también puede verse como una crítica a la relación dominante empresario-trabajador. Ya estábamos tardando en aportar más momentos de estos grandes maestros, entrañablemente doblados a nuestro idioma por Jose María Ovies y José Casín.

Casablanca, de 1.942. Dirigida por Michael Curtiz. Prosigamos con Casablanca. Nunca tan pocas palabras pero tan espléndidamente escogidas dicen tanto de dos persoanjes, en este caso Rick (Bogart) y Ugarte (Lorre). En unos pocos minutos, Rick se quita de en medio a dos pájaros que no hacen más que estorbar, claro que no sabe que lo que el segundo, Ugarte, le presenta, va a trastocar su vida totalmente, ya que será el premio gordo de todos los personajes de la historia, los famosos salvoconductos. Corta aparición de Lorre pero dando muestras de lo magníficamente que se mueve interpretando personajes grises, ruines y liantes, pero inteligentes y de cierto encanto.

Pulp Fiction, 1.994. Dirigida por Quentin Tarantino. Pocas cosas se pueden decir ya de esta impresionante película. La escena que traemos es la famosa conversación del Capitan Koons (Christopher Walken) a un joven Bucht, sobre el reloj de su padre, pequeño objeto que provocará que su vida, unos cuantos años después, se convierta en un infierno. Si es que el diablo se esconde en los detalles… Otra lección de maestría del guionista de guionistas Quentin Tarantino. Porque ya no sólo es una perfecta introducción a la historia que inicia, de la que uno no se acuerda hasta que un adulto Butch (Bruce Willis) pregunta a su despistada novia “por el reloj del cangurito”, sino que sirve para templar los ánimos después del tenso desenlace de la historia anterior, esa donde Vincent (John Travolta) se la juega con una inyección (pero eso es otra historia).

Momentazo de esta película de culto española, considerada como una de las mejores respresantaciones del surrealismo moderno (o ya no tanto). En esta escena el alcalde (Rafael Alonso) explica el resultado de las elecciones, en las que no sólo se vota al alcalde, sino al resto de personajes que todo pueblo debe de tener (cura, profesor, etc). Para mí la película es una serie de situaciones absurdas e hilarantes sin sentido, pero que te hacen no parar de reir. Probablemente lo más original que se ha hecho en nuestro país. ¿vosotros la encontrais sentido? Mención especial a Jose Luis Cuerda, el director y guionista de la película.

Chinatown, 1.974. Dirigida por Roman Polanski. Texto y audio aportados por Manuel Callejo. Chinatown, una obra maestra donde las haya. Tambien avisar que el dialogo contiene un gran spoiler. Dirigida en 1974 por Roman Polanski, llevó el género negro tradicional hasta lo sublime, transgrediéndolo. El maravilloso guión original de Robert Towne partía de hechos reales para sumergirnos en una abigarrada trama de corrupción política, económica y moral. El detective JJ Gittes (Jack Nicholsón) es zarandeado de un lado para otro en pos de una verdad que se le escapa entre los dedos en un mundo en el que nada es lo que parece. En este corte, Evelyn Mulwray (Faye Dunaway), pasa de ser la mujer fatal tradicional a una de las víctimas cinematográficas mas indefensas que recuerdo. Muchas gracias por tus aportes, Manuel. Un abrazo!!

Conquest of the Planet of the Apes, 1.972. Dirigida por J. Lee Thompson. Audio y texto aportados por Manuel Callejo. Cesar (Roddy McDowall), el hijo de los simios inteligentes venidos del futuro, se convierte en una especie de Espartaco para los suyos. En un futuro distópico de 1991 los simios están esclavizados y llevan una existencia penosa realizando los trabajos que a los seres humanos nos molesta tanto hacer (ya sabeis limpieza y cosas así). La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes 1972) no es una gran película pero está dirigida con eficacia por J. Lee Thompson. Desde los maravillosos títulos iniciales hasta el discurso final de César asistimos a una digna parte de la saga en la que es fácil ver ecos de la confiltividad social de la época en que se rodó. Para mi, el momento final en el que Cesar arenga a los simios rebelados y a unos asustados humanos describiendo lo que será el nuevo mundo en un marco apocalíptico, es impresionante.

The Godfather, Part III, 1.990. Dirigida por Francis Ford Coppola. Íntimo de su padre, aliado, guardián y protector, Don Tomassino ha sido muy importante en la vida de Michael Corleone, quien le acogió en los sucesos de la primera parte tras su huida. Ante su gratuito asesinato, Corleone está en alerta justo cuando toda la familia se reúne en esta bonita localidad. Y ante su cuerpo, amado por todos, en busca de ese perdón y redención que tanto anhela pero que no llega, Michael se sigue lamentando de su pasado, dándose cuenta que ese amor que sentían por el anciano jamás lo recibirá. Epílogo a la más grande saga familiar jamás contada, El Padrino, Parte III, pone punto y final al descenso al infierno de un hombre que luchó contra su destino pero del que no pudo escapar jamás.

Inglorious Bastards, 2.009. Dirigida por Quentin Tarantino. Historia original, homenaje, ligera adaptación, opinión para todos los gustos, pero otra película del señor Tarantino especial y genuina. Cortometrajes dentro de largometraje, giros argumentales inesperados, diálogos brillantes, personajes deliciosos, otros exagerados, todo en un carrusel de escenas que una vez terminadas tienes la necesidad imperiosa de hablar de ella, recordar que momento, que diálogo, que personaje te ha dejado con la boca abierta. Un auténtico What If muy poco frecuente en el cine. Traemos una de las escenas más recordadas, el inicio de la película que funciona como introducción, y que presenta quizá al personaje más carismático de la película, el Coronel Landa, quien se presenta con gran inteligencia y personalidad, que con una brillante y clara exposición enseña lo que mejor sabe hacer produciendo un brutal desasosiego y miedo a su interlocutor para lograr su objetivo, quien no puede evitar las lágrimas. Y aunque ingeniosa, no es menos terrorífica, dejándote, como sólo lo hace este director tan brillante, anonadado y maravillado a pesar de lo cruel y violento de la situación. Sentimiento para el espectador que se repite en toda su filmografía.

Dirty Harry, 1.971. Dirigida por Don Siegel. No podía faltar por aquí uno de los antihéroes más carismáticos de la historia del cine. El detective más duro pero a su vez más práctico y eficaz de San Francisco, y por supuesto no podía faltar su frase de presentación. Pero no podemos olvidar el grandísimo villano del film, Scorpio, un psicópata con peculiar discurso pero de gran carisma que obliga a Harry a dar lo mejor de sí mismo pero que al hacerlo precipita su caída por los métodos nada ortodoxos que aplica a sus sospechosos. Con un giro argumental en el último tercio brillante e inesperado pone a debate incluso el sistema de justicia norteamericano. Por último, significar lo bien que funcionaba la dupla Eastwood-Siegel, los cuales coincidieron en cuatro títulos más.

Ran, 1985. Dirigida por Akira Kurosawa. Adaptación de la obra El Rey Lear de Shakespeare trasladado al Japón medieval, posiblemente la última gran película del maestro Kurosawa y una de las más importantes de su filmografía. Aunque ya en la película anterior, Kaghemusa, se puede comprobar a todo color la grandeza de su poderosa realización en exteriores, esta la supera mostrando unas sangrientas batallas con toda su crudeza. Esos ejércitos portando los estandartes de cada clan deja sin aliento. Pero más allá de eso, aunque se recrea, una crisis familiar llevado a sus últimas consecuencias. Culpabilidad, redención, ambición y traición, quedan reflejados en las luchas intestinas entre un padre y sus tres hijos, sumado a ello la venganza de sus enemigos otrora derrotados. La escena que traemos, muestra el principio del fin, cuando la armonía familiar se rompe, y comienza el descenso al infierno de un hombre que parece merecerlo por sus actos en vida, aunque pretenda rehacer lo mal hecho.

Snatch, 2000. Dirigido por Guy Ritchie. Otra película que no envejece aunque pasen los años. Con una historia bien narrada, con unos personajes, aunque exagerados, deliciosos y con un ritmo imparable, Ritchie deja un resultado absolutamente satisfactorio. Aquí nos da un ejemplo de otro uso del cerdo aparte de su destino culinario.

Woody Allen en estado puro. Para mí una de las mejores pelícuas de él, y un gran ejercicio distópico. Corría el año 73 cuando se estrenó, y cuenta las peripecias que el protagonista Miles Monroe (Woody Allen - Miguel Ángel Valdivieso) va sufriendo tras despertarse 200 años después de una supuesta intervención de amígdalas. En la escena un científico le va enseñando artículos y personajes del siglo XX para que les ayude a interpretar lo que fueron o significan. Sin desperdicio. Por cierto, lo que dice de Nixon es hasta premoritorio, justo antes de que estallara el escándalo del water gate. Cualquier parecido al woody allen de ahora es casualidad.

Avanti!, Billy Wilder, de 1.972. Cuando se habla de las grandes películas del genio Wilder siempre se citan El apartamento, Con faldas y a lo loco, El crepúsculo de los dioses o Perdición, pero esta es mi favorita. Comedia romántica pero con el especial, exclusivo y magistral toque Wilder. Con unas estupendas interpretaciones de Jack Lemmon y Juliet Mills, es de destacar el personaje interpretado por Clive Revill, el Sr. Carluci, delicioso secundario como lo son todos en la filmografía del director. Como muestra esta escena, que si bien es larga, delata el tono de lo que va ser toda la película. Se la recomiendo a cualquier aficionado al cine. Y aunque esta película podría encajar en un Cara B en la filmografía del director por los motivos ya citados (no para el que escribe, eso sí, ya que me parece una obra maestra) es otro ejemplo más de que sin duda estamos entre los diez mejores directores, y quizá el mejor guionista, de la historia del cine. Ya traeré mas cortes del Sr. Wilder pero no podía evitar recordar esta extraordinaria película.

Superman: The Movie, Richard Donner, de 1.978. Aunque recientemente las adaptaciones cinematográficas de los comics de superhéroes son muy destacadas, con títulos que van más allá de la típica historia de acción y aventuras, está fue la primera gran película de este subgénero, con un marcado equilibrio entre fantasía y el cine más clásico. Contando con un gran reparto, sí es cierto que el único que está a la altura es Christopher Reeve quien de manera asombrosa hizo que el rostro del héroe y su alter ego, aún siendo el mismo, fuera totalmente distinto, realizando además una doble interpretación puesto que Clark Kent no es otro que un personaje creado por Kal-El. Aquí se le presenta su padre, Jor-El (Marlon Brando), quien le aclara por fin su origen y su destino, dando inicio al mito en las siguientes escenas, justo a partir de la inconfundible música del gran John Williams.

Última incorporación que hacemos por el momento de esta gran película. La razón puede ser la breve pero intensa exposición de la personalidad de Conan, en base a la descripción que realiza sobre lo que es para él lo mejor de la vida, pero también puede ser la mezcla de rudeza y comedia que le aporta la escena al film. Quedaos con lo que queráis, pero está claro que la extensa estepa al lado de aplastar enemigos y oir el lamento de sus mujeres no tiene nada que hacer...

Star Wars, Episode III: The Revenge of the Sith, 2.005. George Lucas. Aunque no este a la altura de ninguna de las que componen la trilogía, al menos en mi opinión, sí es la más destacable de las precuelas y mantiene el interés para ver el gran momento desde las revelaciones del episodio V, y ello aunque la caída del Sr. Skywalker se narra de forma muy precipitada, de la noche al día. Aquí traemos ese momento tan esperado, que visto por primera vez, fue muy emocionante para los aficionados a la saga.

Otra escenita de esas de dejarte los pelos de punta, en mi opinión el más romántico y no por ello menos épico. Valeria es la heroína perfecta para el personaje de conan, fuerte, sensual, atractiva y romántica a partes iguales. Justifica la actitud de conan en el desenlace de la película, y si me apuras en el resto de su existencia sin ella... El audio es el momento en el juramento que Valeria le hace a Conan en su resurreción. Ya no solo es la voz, en nuestro caso de Maria Luisa Solá (Sandahl Bergman), sino la banda sonora y todo lo que evoca.