Prohibido contar ovejas

Frente al bochorno estival, un repaso por enclaves ficticios y reales como Winden o Cicely que ofrecen temperaturas de hasta cinco grados. En esta sección de esRadio, se aborda con tono distendido el tema de las altas temperaturas y las olas de calor recientes, introduciendo el concepto de domo de calor. A raíz de esto, se realiza un recorrido por diversas localizaciones de series de televisión conocidas por sus climas fríos, planteándolas como destinos ideales para escapar de las temperaturas extremas de lugares como Madrid o Murcia. La primera parada es Winden, el pueblo ficticio de la conocida serie Dark. Situado en Alemania, en el estado de Brandeburgo, este lugar destaca por sus temperaturas frescas de alrededor de trece grados a la una de la madrugada, un contraste notable frente a los treinta grados de la capital española a esa misma hora. Además, se destaca su ambiente nublado y húmedo, ideal para quienes prefieren evitar el sol. Posteriormente, el programa se traslada a la atmósfera de Twin Peaks, en el estado de Washington, cerca de la frontera con Canadá. Con una temperatura estimada de once grados, los colaboradores debaten sobre la comodidad de este clima para conciliar el sueño. Durante la conversación, se comparte un truco particular para combatir el calor en hogares sin aire acondicionado: una bombilla con ventilador integrado adquirida a través de la plataforma TikTok, lo que desata comentarios sobre las preferencias de compra en redes sociales. El recorrido continúa hacia Cicely, el escenario de la clásica serie Doctor en Alaska, grabado en la localidad de Roslyn. Con temperaturas que rondan los ocho grados, se destaca como un destino idóneo para los amantes del frío extremo en pleno julio. Para ilustrar el ambiente, se reproduce un fragmento de audio de la serie en el que se aprecia la desesperación de uno de los personajes por escapar de las discusiones sobre el clima local. Finalmente, se analizan las condiciones de Bemidji, la ciudad de Minnesota asociada a la serie Fargo, donde el termómetro marca unos gélidos cinco grados. Se bromea sobre la humedad de las zonas con lagos y se contrasta la tolerancia de cada colaborador al calor. El espacio concluye con una mención a Invernalia, de la célebre serie Juego de Tronos, donde se especula con temperaturas de hasta veinticinco grados bajo cero, ideales para quienes sufren el rigor del verano.

Un recorrido sonoro por el panorama emergente e independiente nacional e internacional a través de artistas que merecen mayor difusión. En esta nueva entrega del programa, se presenta una cuidada selección musical enfocada en el tranchetismo ilustrado, un concepto que rinde homenaje a propuestas sonoras alternativas y de calidad, muchas veces alejadas de los circuitos comerciales tradicionales. Los presentadores introducen un conjunto de bandas y artistas que tienen un denominador común: cuentan con menos de 5.000 oyentes mensuales en Spotify y han publicado trabajos recientemente, entre los años 2022 y 2024. A través de este criterio, el espacio busca reivindicar el talento emergente y dar visibilidad a proyectos que merecen un mayor reconocimiento por parte del público. La andadura musical comienza con Las Robertas, una banda originaria de Costa Rica. Se presenta su tema Everythin I Want to Be, perteneciente a su último disco All We Need Is Now. Los presentadores destacan la calidad de la producción y cómo el grupo ha experimentado un ligero incremento de oyentes debido a su actividad reciente, rozando casi el límite fijado para la sección, lo que demuestra que su propuesta empieza a consolidarse. A continuación, es el turno de Joaquín Pascual, un nombre con gran trayectoria en la escena independiente española, conocido por haber formado parte de grupos emblemáticos como Surfin' Bichos y Mercromina. Se pincha su sencillo titulado No Puedo Olvidar, publicado el pasado 19 de junio. El tema destaca por su característico tono de voz rasgado y sus matices sonoros, consolidando la faceta en solitario de este veterano músico. La selección continúa con Fundación Francisco Frankenstein y su enérgico tema Rey Mierda, una divertida e irreverente reinterpretación que da una vuelta de tuerca al mito del rey Midas. Esta banda mallorquina, en activo desde 2020, sobresale por su estilo fresco e irreverente, logrando conectar rápidamente con el oyente gracias a su particular sentido del humor y su sonido directo. El programa también rescata a los madrileños Sex Museum, una formación mítica del garage rock nacional que, a juicio de los locutores, cuenta con una cifra de oyentes injustamente baja en las plataformas digitales para la relevancia de su trayectoria. Se presenta su versión del clásico de Neil Young, Rockin' in the Free World, un tema potente que evidencia la solidez de su propuesta musical y que sirve como antesala a sus próximas actuaciones en directo. El siguiente proyecto en sonar es Pájaro, liderado por el guitarrista sevillano Andrés Herrera. Con su canción Colegios Abandonados, en la que colabora Chencho Fernández, la banda ofrece una atmósfera que mezcla el rock de carretera con toques procesionales y de espagueti western. Los presentadores alaban la tremenda personalidad de la banda, lamentando que no cuente con un respaldo de audiencia mucho mayor en la actualidad. Desde Zaragoza llega la propuesta de Los Bengala con el tema Yo Grito, una enérgica versión del clásico de Los Sírex. Esta pieza de garage rock destaca por su crudeza y ritmo frenético. Asimismo, se introduce a la banda británica Grame y su tema de post-punk Chiki Chiki, una propuesta rítmica y bailable que aporta un toque internacional a la sección. La recta final del espacio musical presenta a Construimos Escalas con su tema Fuerte, un proyecto procedente de Málaga que ha visto crecer su audiencia gracias a la buena acogida de sus recientes trabajos en medios especializados. También se da paso a las madrileñas Las Odios y su tema Autoexplotación, una propuesta de garage pop con actitud combativa, y al proyecto de influencia pop coreana Korean Boyfriend con Not About Space, que destaca por su atmósfera synth-pop y new wave. Finalmente, el programa cierra con dos propuestas muy especiales: la banda Gamada y su potente tema Tú y Yo, que cuenta con la colaboración de Joaquín Pascual a la guitarra, y los gallegos Clara Plath con Una Nueva Idea, un grupo con más de una década de trayectoria que destaca por su solvencia y elegancia pop. El broche de oro lo pone Leopardo con su tema No Tengo un Puto Duro y la banda vallisoletana Fellows con su blues sucio y lo-fi I Can Hold You Tight, un dúo que derrocha actitud y autenticidad en cada nota.

Desde tributos LGTBI hasta punk garajero y rap, esRadio repasa los proyectos nacionales e internacionales que rompen moldes con su identidad. En esta sección de esRadio se repasa una lista de grupos musicales con nombres curiosos o "cachondos", comenzando con los Barbarians of California de Aaron Bruno y Eric Stenman, conocidos por un sonido hardcore con influencias del skate. El siguiente grupo es de Springfield, Missouri: Someone Still Loves You Boris Yeltsin, con una producción artesanal de pop indie y un nombre dedicado al político ruso. Se presenta también a GayC/DC, una banda tributo a AC/DC que adapta temas del grupo con temática glam y LGTBI. Otro grupo español en la lista es Afónica Naranjo, con su versión de "Amores", autopresentados como "hardcore-orquesta de pueblo". Desde Buenos Aires llega Fran Psiquiatra, una banda que hace una mezcla de punk rock, funk y blues. La banda malagueña Loncha Velasco, activa desde 2017, fusiona rap y punk. A través de Instagram se descubre a Aliento a Metadona, que comparte temas con la banda Fractura de Escafoides. Por otro lado, la banda uruguaya Bolsa de Nylon en la Rama de un Árbol combina rock alternativo, jazz experimental, música electrónica y ritmos tradicionales. El grupo español de tecno-fiesta rock Langostino Smith, autodefinido como "boyband de tres feroces crustáceos", presenta su tema "Mi novia es la fea del pueblo". En el disco "Los tacones de papá" del año 2013 se encuentra el tema "Crispis con Zetas" del grupo ecléctico Pandemoldium. Finalmente, los mallorquines Fundación Francisco Frankenstein muestran un sonido punk garajero con influencia de los Ramones en su tema "Sobremesa". La sección cierra con el trío barcelonés Tetas Frías, también conocidas como "Frigotetas", quienes interpretan punk irreverente y macarra con letras cotidianas.

Un recorrido desde el fenómeno de Lamine Yamal hasta el 'tranchetismo ilustrado', pasando por el mítico directo de Johnny Cash en prisión. En este episodio de Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo junto a Alma Espinosa, se abordan temas variados que van desde la actualidad futbolística, pasando por la tecnología y la música, hasta propuestas para combatir las olas de calor. El programa se inicia comentando las repercusiones de la reciente victoria de la selección de España en la Eurocopa, donde se destaca la figura del joven futbolista Lamine Yamal como una de las revelaciones del torneo. Se genera un debate sobre la calidad del juego y las expectativas de cara a los próximos partidos. Posteriormente, Alma introduce un concepto meteorológico de actualidad para explicar las intensas temperaturas: el domo de calor. Se detalla cómo este fenómeno atrapa las altas temperaturas en la atmósfera como si fuera una tapadera, y se ofrecen recomendaciones para conciliar el sueño, proponiendo irónicamente "viajar" a localidades ficticias o muy frías como Winden (de la serie Dark), Twin Peaks, Sísely (Alaska) o Fargo, donde las temperaturas en esta época son extremadamente bajas. En el plano musical, el programa rinde un homenaje al legendario artista Johnny Cash y su histórico concierto en la prisión de Folsom en 1968, destacando su legado imperecedero y su conexión con el público más desfavorecido. Finalmente, se da paso a la sección de tranchetismo ilustrado, una selección de recomendaciones musicales con bandas y artistas que tienen pocos oyentes mensuales en la plataforma Spotify, pero que destacan por su calidad y propuestas irreverentes, tales como Las Robertas de Costa Rica, Joaquín Pascual, Pájaro, Los Bengala, Clara Plath, Tetas Frías y Afónica Naranjo.

El espacio radiofónico explora desde el dream pop contemporáneo y el metal industrial portugués hasta clásicos eternos de Michael Jackson. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, con la conducción de Felipe Couselo y la asistencia técnica de Dani Palacios, se aborda una variada selección musical que abarca desde los sonidos más recientes del rock alternativo hasta interesantes propuestas experimentales y de post-punk. El programa inicia con la música de Muse y su tema "Compliance", el cual forma parte de su álbum Will of the People, un disco caracterizado por indagar en las profundidades de los conflictos personales y colectivos. Los colaboradores coinciden en que los directos de la banda son espectaculares, capaces de cautivar a cualquier audiencia con su potente instrumentación. Posteriormente, se introduce el nuevo trabajo de Queens of the Stone Age, extraído de su presentación grabada en las catacumbas de París dentro de su Catacombs Tour, en colaboración con la conocida emisora de Seattle KEXP. Esta versión en vivo, enriquecida con secciones de cuerda y metales, aporta una atmósfera mística y sombría que ha sido muy elogiada por el equipo del programa. En la sección de recomendaciones novedosas, se presenta a Mister Fantasy con su tema "Mr. Fantasy", un proyecto que destaca por su aproximación al dream pop contemporáneo mediante el uso de sintetizadores analógicos. Existe el fuerte rumor en la industria de que detrás de este pseudónimo se esconde el actor neozelandés KJ Apa, conocido por su papel en la serie Riverdale. La fuerza del hardcore punk llega de la mano de Death Pioneers y su potente tema "No Kings", extraído de su álbum Wagon Burner. Este grupo de Colorado, liderado por el nativo americano Greg Deal, centra sus letras en la denuncia del colonialismo y la opresión histórica sufrida por los pueblos indígenas en los Estados Unidos, presentándose como una propuesta de gran carga política y social. El repaso musical continúa con la banda portuguesa MÁQUINA., un trío que fusiona de manera contundente el metal industrial con ritmos propios de la música techno, utilizando baterías y guitarras analógicas con distorsiones y pedales de efectos, prescindiendo por completo de sintetizadores tradicionales. El toque bailable y retro de la noche lo pone la versión de "Please Don't Go" realizada por Double You, un clásico de la música eurodance de principios de los noventa que originalmente pertenecía a KC and the Sunshine Band. A esta propuesta le sigue la versión realizada por el productor TET, que le da un enfoque dream pop sumamente fresco y veraniego. En el apartado cinematográfico, se analiza la película Robin Hood de Miguel Sarnoki, protagonizada por Hugh Jackman en un papel inusualmente oscuro y sádico, alejado de la clásica imagen del héroe bondadoso. Asimismo, se comenta el estreno de Normal, una interesante producción de acción y humor negro protagonizada por Bob Odenkirk, que traslada la esencia del thriller violento a un nevado pueblo de Minnesota. Para finalizar, se repasa la película española Nueve Lunas, protagonizada por Sara Sálamo, que aborda con sensibilidad y un equilibrio entre comedia y drama la historia de una transición de género y un embarazo inesperado, destacando también las actuaciones de Jorge Sanz. El cierre musical del programa rinde homenaje a dos grandes figuras: el rey del pop, Michael Jackson, con sus icónicos temas "Bad" y "The Way You Make Me Feel", y la cantautora Tracy Chapman con su inolvidable "Fast Car", un broche de oro melancólico para despedir la semana.

Desde los Beatles hasta el punk, analizamos por qué los temas cortos conquistan las listas y cómo el 'streaming' acelera esta tendencia. En esta sección de esRadio, el presentador y su colaborador debaten sobre la duración ideal de las canciones de éxito, señalando que tradicionalmente se considera que esta debe ser de unos tres minutos para su correcta difusión en radio. Se pone de manifiesto que muchas discográficas exigen versiones más cortas de temas largos para facilitar su comercialización. El colaborador presenta una selección de canciones famosas que duran menos de dos minutos. Entre los ejemplos citados se encuentra el clásico From Me to You de los Beatles, con una duración de un minuto y cincuenta y siete segundos. También se menciona el género punk, donde los temas cortos son habituales, destacando a los Clash con su tema White Riot, de un minuto y cincuenta y seis segundos. El debate se traslada a otros géneros, mencionando que en el pop de los noventa surgieron canciones breves muy exitosas, como Song 2 de Blur, que dura exactamente dos minutos, o Breaking Glass de David Bowie. Incluso se resalta que la canción más corta en llegar al número uno en la lista Billboard estadounidense fue Stay de Maurice Williams and the Zodiacs, con solo un minuto y treinta y seis segundos. Hacia el final, se analiza cómo las nuevas plataformas de música y la autoproducción de jóvenes artistas han impulsado la creación de temas muy cortos de manera intencionada, ya que los oyentes deciden rápidamente si continúan escuchando o pasan a otra pista en los primeros segundos. Asimismo, se destaca que en la música electrónica el uso de software de sincronización ha reducido la necesidad de canciones de larga duración para realizar mezclas.

Desde Detroit hasta España, repasamos sorprendentes versiones orgánicas de temas míticos de la pista de baile y el pop sintético. En esta ocasión, el programa presenta una interesante propuesta musical: repasar versiones acústicas o de rock de canciones que originalmente fueron concebidas dentro de la música electrónica o el pop sintético. Para romper una lanza a favor de la música electrónica y demostrar el respeto mutuo entre géneros, se analizan varias adaptaciones sorprendentes que demuestran cómo la estructura de un tema electrónico puede brillar con instrumentación clásica. El recorrido comienza con una versión de "Shari Vari", un tema de 1981 del grupo de Detroit A Number of Names, considerado por muchos como uno de los primeros exponentes del techno. La reinterpretación corre a cargo de The Dirtbombs en 1992, quienes sustituyen las cajas de ritmos por una potente base de dos bajos y dos baterías acústicas, dándole un aire krautrock muy particular. A continuación, el programa viaja de Detroit a Valladolid con el grupo Arizona Baby, quienes realizan una notable versión folk de "Das Model", el clásico de 1978 de los alemanes Kraftwerk. En esta adaptación, titulada en inglés "The Model", el grupo consigue trasladar la frialdad sintética original a un plano cálido y orgánico gracias a las guitarras acústicas y a un juego de voces muy sugerente. El repaso continúa con los años ochenta. Se destaca la famosísima versión de "Tainted Love" realizada por Soft Cell en 1981, que a su vez es versionada por Imelda May con un marcado estilo rockabilly que se convirtió en un gran éxito internacional. También se escucha la versión de "Smalltown Boy", original de Bronski Beat, adaptada por la banda londinense Heavyball con ritmos de herencia jamaicana y estilo two-tone/ska. No podía faltar en esta selección la figura de Marilyn Manson, conocido por llevar al terreno del metal industrial varios clásicos del pop. En esta ocasión se destaca su potente versión de "Sweet Dreams", original del dúo de techno-pop Eurythmics. Por otro lado, se presenta el proyecto de Thomas Raggi, guitarrista de Måneskin, que junto a Alex Kapranos de Franz Ferdinand realiza una enérgica versión rock de "You Spin Me Round (Like a Record)", el gran éxito de Dead or Alive. En el tramo final, se rescata una curiosa versión que el mismísimo David Bowie grabó de "Love Missile F1-11", el tema cyberpunk y sin guitarras de los irreverentes Sigue Sigue Sputnik. Asimismo, se analiza la adaptación que los neoyorquinos Nada Surf hicieron del himno de Depeche Mode, "Enjoy the Silence", logrando desarmar y reconstruir la canción bajo sus propios parámetros de indie-rock. Para cerrar, se da paso al sonido de los daneses Who Made Who y su particular aproximación a "Satisfaction" de Benny Benassi, y a la banda Soulwax versionando "Teachers" de Daft Punk. El broche de oro lo pone una sorprendente adaptación en clave de perreo post-punk del éxito "Bichota" de Karol G, realizada por la banda chilena Frio Lento, demostrando que la hibridación de géneros no tiene límites.

El estreno del thriller 'Obsession' abre el debate sobre los vínculos más insanos y obsesivos retratados en la historia del séptimo arte. En este bloque del programa, los colaboradores abordan el tema de las relaciones de pareja tóxicas en la gran pantalla. Todo esto como consecuencia del estreno de la película de terror y suspense Obsession, que está teniendo una gran recepción entre el público. La cinta de la que todo el mundo habla cuenta con una sugerente e inquietante banda sonora de estilo chill out. También se comenta otra película dirigida por Roman Polanski que aborda estas relaciones enfermizas: Lunas de Hiel, protagonizada por Peter Coyote. Es una película de 1992 que explora la noción del amor como puro interés. Otra obra mítica que trata esta temática es Mi Obsesión por Elena (cuyo título original es Boxing Helena), de 1993, dirigida por Jennifer Lynch, hija del célebre director David Lynch. Como curiosidad, esta película iba a ser protagonizada por Kim Basinger, pero finalmente rechazó el papel y fue interpretado por Sherilyn Fenn. Su argumento gira en torno a un cirujano obsesionado con una mujer a la que llega a amputar miembros de su cuerpo. Los colaboradores también recuerdan la película Durmiendo con su Enemigo, un clásico de suspense protagonizado por Julia Roberts que aborda el maltrato psicológico y físico en el matrimonio. Asimismo, en este repaso a los thrillers de suspense con relaciones tóxicas, se destaca Perdida (Gone Girl), dirigida por David Fincher en 2014. Esta aclamada adaptación de la novela de Gillian Flynn está protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike, quien ofrece una actuación magistral como una mujer fría y manipuladora. Por último, se habla del clásico de 1986 La Mosca, dirigida por David Cronenberg, una obra de horror corporal que cuenta la transformación de un científico (Jeff Goldblum) que arrastra a su pareja (Geena Davis) a un abismo de horror y obsesión. Para cerrar el bloque de relaciones tóxicas se analiza la famosa y polémica película de Bernardo Bertolucci, Último Tango en París (1972), protagonizada por Marlon Brando y Maria Schneider.

Un divertido debate sobre la brevedad en la música y el análisis de las parejas más destructivas del cine centran la noche en esRadio. El programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido por Felipe Couselo, arranca con la habitual complicidad de su equipo técnico y de colaboradores, lamentando la baja temporal de Alma Espinosa. En esta entrega, Couselo presenta de manera oficial a Dani Palacios como el primer campeón del programa, luciendo un cinturón acreditativo que desata las bromas del equipo por su parecido con el mundo del wrestling. La sintonía inicial da paso a un debate sobre la transmisión musical de padres a hijos, motivada por el descubrimiento del grupo británico The Clash por parte de las hijas del presentador gracias a la popular serie de televisión estadounidense Stranger Things. La primera sección de la noche, liderada por Dani Palacios, se centra en un deconstrucción sobre la duración perfecta de los éxitos musicales, desmontando el mito de los tres minutos mínimos con una selección de grandes canciones de menos de dos minutos. Palacios demuestra que la brevedad no está reñida con el impacto comercial ni con la calidad artística. Entre los ejemplos históricos destaca el clásico From Me to You de The Beatles, que apenas alcanza el minuto y cincuenta y siete segundos. También suenan piezas fundamentales como el himno del punk primigenio White Riot, compuesto por The Clash, que condensa toda su rabia en un minuto y cincuenta y seis segundos; y el arrollador Song 2 de la banda británica Blur, limitado a dos minutos exactos. El repaso continúa con Please, Please, Please, Let Me Get What I Want de The Smiths, cuya sutil belleza se resuelve en apenas un minuto y cincuenta y dos segundos, dando pie a comentar la tensa relación histórica entre Morrissey y Johnny Marr. Dani Palacios también pincha la enérgica Breaking Glass del camaleónico David Bowie y el recordado sencillo Fell in Love with a Girl de la banda The White Stripes, célebre por su videoclip rodado íntegramente con piezas de Lego. Para rematar la lista, se destaca Stay, de Maurice Williams & the Zodiacs, como el tema más corto de la historia en alcanzar el codiciado número uno de la lista Billboard estadounidense. Palacios desvela además sus tres canciones breves preferidas: el contundente Porno en acción de los alaveses La Polla Records, August 8th de los californianos NOFX y Rubber Lover del proyecto musical Marmaduke Duke. En el tramo dedicado al séptimo arte, Juanma González aborda la representación cinematográfica de las relaciones sentimentales tóxicas, un recurso argumental clásico que gozó de un enorme predicamento comercial durante la década de los noventa. González parte del estreno en salas de la perturbadora película Obsession para trazar una genealogía de parejas conflictivas y obsesiones enfermizas en la gran pantalla. En este recorrido destaca Perdida (Gone Girl), la aclamada intriga psicológica dirigida por el cineasta David Fincher y protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike. El colaborador también analiza otros títulos de suspense clásicos como Durmiendo con su enemigo, con Julia Roberts, y la asfixiante versión de 2020 de El hombre invisible, liderada por la actriz Elisabeth Moss. La mesa de debate de esRadio se detiene especialmente en el drama erótico Lunas de hiel, una de las obras más polémicas y cargadas de humor negro del realizador Roman Polanski, así como en la deconstrucción romántica que propone la comedia (500) días juntos, protagonizada por Zooey Deschanel y Joseph Gordon-Levitt. La conversación alcanza su punto más álgido al rememorar la icónica y controvertida producción de Bernardo Bertolucci, El último tango en París, analizando el impacto psicológico que sufrió su joven coprotagonista, Maria Schneider, durante el rodaje de las escenas más polémicas junto a la estrella de Hollywood Marlon Brando. Juanma González cierra su aportación recordando la truculenta transformación física de La mosca, dirigida por el maestro del terror corporal David Cronenberg. Finalmente, Isaac toma las riendas del programa para explorar la estimulante colisión entre el rock y la música electrónica. A través de un recorrido por imaginativas versiones acústicas y de rock de temas sintéticos, Isaac rompe una lanza a favor de la música electrónica frente a los prejuicios del purismo guitarrero. La selección se abre con el enérgico cover de Sharivari interpretado por el grupo de Detroit The Dirtbombs, seguido de la sorprendente adaptación acústica de aire folk de Das Model, el mítico tema de Kraftwerk, realizada por los vallisoletanos Arizona Baby. También se destaca la sensual relectura de Tainted Love a cargo de la cantante irlandesa Imelda May y la versión de Smalltown Boy de Bronski Beat por el proyecto Heavy Trash. Isaac complementa esta ecléctica sesión con la aplaudida versión que Marilyn Manson hizo del clásico de Eurythmics Sweet Dreams y el cover de Enjoy the Silence firmado por los neoyorquinos Nada Surf. El broche final al programa nocturno de esRadio lo pone una curiosa interpretación de corte post-punk de la canción Bichota de Karol G, ejecutada por el grupo de rock chileno Friolento, como demostración del potencial de transformación que poseen los distintos géneros musicales cuando se abordan sin prejuicios.

Felipe Couselo repasa en esRadio grandes éxitos de Alaska, Bowie o Elton John que usan la música como metáfora de la vida y las despedidas. En esta nueva edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa musical de esRadio conducido por Felipe Couselo, se presenta una cuidada selección de canciones que giran en torno al concepto del último baile. A lo largo del espacio, se realiza un recorrido por diferentes épocas, estilos y latitudes, analizando cómo el baile no solo funciona como un acto festivo y de evasión, sino también como una poderosa metáfora de la vida, las despedidas y los cambios emocionales. La andadura musical comienza recordando el clásico "Last Dance" de Donna Summer para dar paso inmediato a "Save the Last Dance for Me" de la mítica formación norteamericana The Drifters. Couselo desgranó la trayectoria de esta banda de Nueva York, estrechamente vinculada al sello discográfico Atlantic Records, destacando la figura de Ben E. King antes de emprender su exitosa carrera en solitario. Este tema personifica a la perfección esa petición sentimental de reservar el baile definitivo para la pareja amada en medio de la distracción social. El programa continúa con sabor nacional de la mano de "Bailando", el arrollador éxito de 1982 de Alaska y los Pegamoides. El locutor reivindicó el inmenso talento de sus compositores, Carlos Berlanga y Nacho Canut, quienes a menudo no han recibido todo el reconocimiento que merecen por definir el pop español. Con un ritmo marcadamente disco y desenfadado, la canción supuso un hito de modernidad postindustrial frente al rock ortodoxo de la época, convirtiéndose en un himno de la movida madrileña. Siguiendo en la escena española, se analiza la otra cara del hedonismo pop con "Bailando Salsa" de Mecano, perteneciente a su último álbum de estudio, Aidalai (1991). Couselo destacó la maestría de la banda para narrar historias lineales y costumbristas, en este caso la de Carmela, una bailarina excepcional que acaba abandonando al protagonista para irse con el cineasta Pedro Almodóvar. Este tema ejemplifica cómo el baile puede transformarse en un catalizador de rupturas sentimentales. Dando el salto al plano internacional, se introduce la mística de T. Rex con su icónica balada "Cosmic Dancer", incluida en el aclamado disco Electric Warrior de 1971. El locutor ensalzó las figuras de Marc Bolan y Mickey Finn como estandartes del glam rock británico antes de su prematura pérdida. Además, se recordó el fuerte vínculo cinematográfico de esta pieza, que sirve como tema de apertura en la célebre película Billy Elliot, retratando la pasión innata de un niño que nace para expresarse bailando. El viaje a través del glam y el cine fantástico continúa con "Magic Dance", la emblemática interpretación de David Bowie para la banda sonora de la película de culto Dentro del Laberinto (1986). Bajo la dirección de Jim Henson, esta obra marcó a toda una generación y permitió a Bowie desplegar su carisma teatral a través de una melodía sumamente pegadiza que, hoy en día, sigue fascinando a niños y adultos por igual como un clásico atemporal. Ya adentrados en el siglo XXI, el programa recupera la energía de la banda sueca Mando Diao y su arrollador "Dance with Somebody", extraído del álbum Give Me Fire de 2009. A este dinamismo contemporáneo se suma "Let's Dance to Joy Division" de la banda británica The Wombats, una composición que juega de manera brillante con la ironía de bailar alegremente mientras se evoca a una formación caracterizada por su profunda melancolía oscura. También se hace un hueco para los primeros pasos de Arctic Monkeys con "I Bet You Look Good on the Dancefloor", donde un jovencísimo Alex Turner retrataba con lucidez las noches de fiesta de la juventud británica. Hacia el tramo final del espacio musical de esRadio, se rinde tributo a figuras legendarias como Thin Lizzy y su deliciosa versión de "Dancing in the Moonlight", o al inolvidable Tom Petty con "Mary Jane's Last Dance". La velada concluye con la delicadeza de "Tiny Dancer" de Elton John, el romanticismo de "Careless Whisper" de Wham! y el gran himno coral "Under Pressure" de Queen junto a Bowie, cerrando de manera magistral una noche dedicada a la fuerza liberadora del baile.

Desde el himno generacional de Nirvana hasta el alegato de The Cranberries, Felipe Couselo analiza los grandes hitos de la era alternativa. En esta entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio presentado por Felipe Couselo, se realiza un recorrido por la trayectoria del reputado director de videoclips Samuel Bayer. El realizador estadounidense ha sido el artífice de algunos de los acompañamientos visuales más icónicos de la historia de la música contemporánea, definiendo la estética de bandas fundamentales de las décadas de los noventa y los dos mil. Couselo arranca el espacio destacando el impacto de estas producciones que marcaron a toda una generación de espectadores de la televisión musical. El primer gran bloque del programa se detiene en la banda Green Day y su tema Wake Me Up When September Ends, perteneciente al exitoso álbum American Idiot. El videoclip de esta canción se aleja del significado original de pérdida personal del vocalista Billie Joe Armstrong para transformarse en un minidrama pacifista. Protagonizado por los actores Jamie Bell y Evan Rachel Wood, narra la historia de una joven pareja truncada cuando el muchacho decide alistarse en los Marines para combatir en la guerra de Irak, reflejando de forma desgarradora la cruda realidad de la juventud frente a los conflictos armados. La conversación retrocede después hasta el año 1991 para analizar el que probablemente sea el videoclip más influyente de la era alternativa: Smells Like Teen Spirit de la banda Nirvana. Samuel Bayer asumió la dirección de este proyecto –que apenas constituía su segundo trabajo profesional– con el encargo de dotarlo de una atmósfera sucia, punk y casi improvisada. A pesar de los iniciales conflictos de edición con la banda, el resultado final en el gimnasio de un instituto lleno de animadoras anarquistas y público descontrolado se convirtió en un hito absoluto de la cultura popular. El programa repasa también colaboraciones de Bayer con leyendas del punk como The Ramones en el tema Poison Heart –del disco Mondo Bizarro–, un videoclip grabado en un cementerio con composiciones oscuras inspiradas en el imaginario gótico. Asimismo, se destaca su trabajo con la banda escocesa The Jesus and Mary Chain en canciones como Far Gone and Out y Almost Gold, donde el realizador experimentó con técnicas de sobreexposición y juegos de luces que posteriormente influirían en la estética visual del britpop de finales de los noventa. Otra parada obligatoria es el tierno y recordado vídeo de No Rain de la formación Blind Melon, protagonizado por la célebre niña vestida de abeja que finalmente encuentra su lugar ideal en un prado soleado. Couselo continúa con el arrollador videoclip de Zombie de The Cranberries, un alegato político contra el conflicto de Irlanda del Norte en el que Dolores O'Riordan aparece pintada de dorado rodeada de niños plateados ante una gran cruz. El repaso de mediados de los noventa se completa con Gotta Get Away de The Offspring, cuya angustiosa narración visual sobre un adolescente atrapado en un pogo refleja fielmente la ansiedad de la época. La cumbre de la madurez de Samuel Bayer llega con Bullet with Butterfly Wings de la banda de rock alternativo The Smashing Pumpkins, donde el director retrata a la banda liderada por Billy Corgan tocando en una fosa de lodo como metáfora de la sociedad de consumo. El programa concluye rememorando sus colaboraciones con genios de la talla de David Bowie en Strangers When We Meet, la banda de rock alternativo Garbage en Only Happy When It Rains, los legendarios The Rolling Stones y, ya en el nuevo siglo, con The Strokes en su claustrofóbico videoclip para You Only Live Once.

Felipe Couselo y sus colaboradores debaten sobre el bajo volumen en los conciertos de rock y la última hora de los estrenos en la cartelera. El programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo, arranca con una animada charla entre sus colaboradores habituales: Daniel Palacios, Juanma González e Isaac Caíno. Durante este primer bloque, los locutores bromean sobre la selección musical de la noche y la presión de no repetir temas anteriores. Entre risas, surgen referencias a la cultura pop, como el universo televisivo de Joss Whedon, la serie Buffy la Cazavampiros y el personaje de Cíborg, marcando el tono divertido y distendido que caracteriza a este espacio radiofónico de Libertad Digital. El debate sube de tono cuando los colaboradores comentan el reciente concierto de la banda Linkin Park en Rivas-Vaciamadrid. La principal queja de los asistentes, compartida por el equipo de esRadio, fue el bajo volumen del concierto, algo que consideran imperdonable en un evento de rock. Según los tertulianos, la esencia de este tipo de espectáculos radica en salir medio sordo, sudoroso y cubierto de cerveza, criticando la tendencia actual de moderar los decibelios en los directos para no molestar a los vecinos de las zonas residenciales colindantes. Posteriormente, el programa se adentra en anécdotas urbanas cotidianas. Los tertulianos recuerdan sus experiencias en la línea circular de autobús de Madrid, debatiendo si alguno de ellos se ha quedado dormido hasta completar la vuelta entera. Isaac confiesa que solía hacerlo a propósito durante su etapa universitaria para evitar asistir a clase. Al hilo de los transportes, comentan las dimensiones del metro de Tokio, que cuenta con más de 150 líneas y donde es habitual la figura de los empujadores profesionales para optimizar el espacio en los vagones. Uno de los momentos más hilarantes de la noche llega con las andanzas de Asier Rivera. Se relata una anécdota ocurrida en Jerusalén, donde Asier, vestido con una larga gabardina negra y botas, tuvo que subir a una sinagoga para apagar una ruidosa alarma que molestaba a los vecinos durante el shabbat, ya que las leyes religiosas impedían a los fieles locales pulsar cualquier botón eléctrico. Felipe Couselo también aprovecha para rememorar las ocasiones en las que ha sido reconocido por los oyentes, como en un concierto de Crowded House en Caravaca o en una tienda Fnac. En el plano musical, el programa presenta el tema Imbula de la banda Badhole Surfers, perteneciente a su disco After the Astronaut. Felipe explica que este trabajo contiene material inédito de los años noventa que finalmente verá la luz en 2026. Acto seguido, suena Spirit Power and Soul, el último adelanto del exguitarrista de The Smiths, Johnny Marr. Los locutores elogián la trayectoria en solitario de Marr y sus múltiples colaboraciones con artistas de renombre, incluyendo su trabajo junto a Hans Zimmer en bandas sonoras cinematográficas. La música continúa con un divertido reto lanzado a la audiencia de esRadio. Amparo Espinosa desvela que la banda chilena Tahir apenas cuenta con unos doscientos oyentes mensuales en Spotify, lo que empuja a Felipe a proponer una apuesta de torreznos para conseguir que el grupo alcance los 500 oyentes antes del 15 de julio. Como broche de oro al bloque musical, suena una versión reeditada de Nancy Boy de Placebo, sirviendo de excusa para recordar cuando el grupo dejó plantados a sus fans en un festival en Cartagena alegando que hacía demasiado calor para actuar. El cine toma el relevo con el análisis de los próximos estrenos en cartelera. Juanma González analiza la futura película Supergirl: Woman of Tomorrow, que será dirigida por Craig Gillespie y protagonizada por Milly Alcock. El crítico detalla que el film adaptará la exitosa novela gráfica de Tom King, presentando a una superheroína traumatizada por la destrucción de su planeta de origen, alejada de la visión clásica del personaje y con una estética que promete beber del cine de aventuras espaciales. A continuación, el equipo analiza Obsession, un largometraje de terror psicológico de muy bajo presupuesto dirigido por el popular youtuber Curry Barker. A pesar de contar con escasos recursos, la cinta ha logrado un sorprendente éxito en taquilla. Los colaboradores alaban el ambiente opresivo y la magnífica interpretación de la actriz protagonista, Inde Navarrete, quien encarna a una joven que se vuelve peligrosamente obsesiva tras un aparente hechizo de amor, combinando el humor incómodo con el horror más puro. Otra de las recomendaciones cinematográficas de la noche es Los últimos días de María Antonieta (Le Déluge), una coproducción francoitaliana protagonizada por Mélanie Laurent y Guillaume Canet. Juanma González describe la película como un drama crepuscular impecable que narra el confinamiento de Luis XVI y su familia en la Torre del Temple tras el estallido de la Revolución Francesa, destacando la evolución física de Canet y la atmósfera de decadencia que envuelve a los personajes antes de su trágico final. Para cerrar el programa, Amparo Espinosa recomienda encarecidamente la representación de la obra teatral Las troyanas en el Teatro La Latina de Madrid. Esta adaptación, realizada por Isabel Ordaz y dirigida por Carme Portaceli, cuenta con un prestigioso elenco que incluye a Cristóbal Suárez y María Vázquez. Amparo define la obra como una magnífica propuesta cultural ideal para disfrutar durante las calurosas noches de verano de la capital, invitando a los oyentes de esRadio a no perderse este clásico imperecedero.

Lo estabais pidiendo, vale no, pero lo deseabais con ganas, era inevitable pero inesperado. Llegó el CONCURSO más esprado de la radiodifusión española

Analizamos la trayectoria del gran maestro del terror analógico, desde sus inicios con bajo presupuesto hasta sus grandes hitos. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo junto a sus colaboradores habituales Juanma González, Daniel Palacios y Gonzalo Contreras, dedica su edición número 372 a analizar en profundidad la filmografía de uno de los directores más icónicos del cine fantástico y de terror: John Carpenter. A lo largo del programa, los integrantes debaten sobre los inicios de su carrera, su particular estilo visual y sonoro, y cómo logró revolucionar el cine de bajo presupuesto en la década de los setenta y ochenta. La conversación arranca recordando su primer largometraje, Dark Star (Estrella Oscura), estrenada en 1974, un proyecto que originalmente comenzó como un trabajo escolar en la universidad de California y que acabó expandiéndose para su estreno comercial en salas de cine. Los tertulianos analizan los escasos recursos con los que se rodó Dark Star, apenas 60.000 dólares de la época, y cómo la participación de figuras clave como Dan O'Bannon en los efectos especiales y el guion, y de Nick Castle interpretando al simpático alienígena —que se asemejaba a una pelota de playa—, sentaron las bases de futuros éxitos de la ciencia ficción como Alien. A pesar de sus costuras y de ser un trabajo primerizo que a ratos se hace lento debido a la necesidad de estirar el metraje, los colaboradores coinciden en que la película ya mostraba el talento y la personalidad de un director capaz de hacer grandes cosas con muy poco presupuesto, introduciendo además ese tono de parodia y homenaje a clásicos de la ciencia ficción como 2001: Una Odisea del Espacio de Stanley Kubrick. A continuación, el programa se centra en Asalto a la Comisaría del Distrito 13, estrenada en 1976, calificada por los críticos como la primera gran película de John Carpenter. En ella, el realizador neoyorquino rinde un claro homenaje al cine del oeste, en especial a Río Bravo de Howard Hawks, trasladando la estructura del asedio clásico a un entorno urbano degradado de Los Ángeles. Los colaboradores destacan el concepto del asedio claustrofóbico, una constante en toda la filmografía de Carpenter, y la aparición de uno de sus primeros grandes antihéroes, Napoleon Wilson, interpretado de forma brillante por Darwin Joston, un personaje rudo pero carismático que prefiere actuar a hablar. Durante el debate, se destaca la crudeza de la famosa escena del asesinato de la niña en la cabina de teléfonos al inicio de la película, que supuso graves problemas de censura en Estados Unidos por la crudeza de la violencia mostrada. Los colaboradores comparan esta violencia directa y 'sucia' con el cine de directores como Sam Peckinpah, resaltando cómo Carpenter utiliza el formato panorámico y la música sintética compuesta por él mismo para dilatar el tiempo y generar una tensión insoportable en el espectador antes del estallido violento. También se hace mención al posterior remake protagonizado por Ethan Hawke y Laurence Fishburne, que, aunque apreciado por algunos tertulianos, modificaba la intriga original para centrarla en la corrupción policial en lugar de mantener el misterio de los pandilleros deshumanizados. El gran hito de la noche llega con el análisis de Halloween (La Noche de Halloween), estrenada en 1978, la película que de alguna manera definió las reglas del género slasher y se convirtió durante décadas en la producción independiente más rentable de la historia. El equipo de Prohibido Contar Ovejas examina la figura de Michael Myers como la representación pura y deshumanizada del mal, un monstruo sobrenatural que escapa a las explicaciones lógicas. Se resalta la decisiva aportación de Debra Hill en la producción y coescritura del guion, dando voz y carácter a los personajes femeninos, especialmente al de la protagonista, Laurie Strode, interpretada por una de las actrices más icónicas de su tiempo, Jamie Lee Curtis, quien se convertiría en la indiscutible reina del grito. Los tertulianos elogian la emblemática banda sonora compuesta por Carpenter, cuyo tema principal se ha convertido en una pieza fundamental de la historia del cine de terror. Además, debaten sobre la atmósfera opresiva de la película, el uso magistral de la cámara subjetiva en la secuencia inicial —donde el espectador se mete en la piel del asesino cuando aún es un niño— y el minimalismo visual ideado por el director de fotografía Dean Cundey. El bloque concluye analizando la saga de secuelas y reinicios de la franquicia, desde el aplaudido remake de Rob Zombie hasta la reciente trilogía dirigida por David Gordon Green, pasando por la entrega de culto Halloween H20, que redefinió el trauma de la protagonista frente a su implacable perseguidor. Para cerrar el programa, se aborda el largometraje La Niebla (1980), película de atmósfera profundamente deudora de los relatos clásicos de fantasmas. Los colaboradores recuerdan el espeluznante prólogo narrado por John Houseman y analizan cómo surgió la idea del filme tras un viaje de Carpenter y Debra Hill a Stonehenge. El largometraje destaca por su coralidad, contando con interpretaciones de Adrienne Barbeau, Jamie Lee Curtis, Janet Leigh y Tom Atkins, y por su capacidad para generar terror de día, a plena luz, un logro difícil en el cine de género. Los integrantes de Prohibido Contar Ovejas coinciden en que, a pesar de sus problemas de rodaje y la necesidad de volver a rodar escenas para aumentar el suspense, La Niebla permanece como una obra imprescindible que consolidó el estilo visual analógico y la maestría artesanal de John Carpenter.

Analizamos en esRadio la etapa psicodélica y las cintas del grupo británico, de 'Magical Mystery Tour' a 'Let It Be'. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio arranca con la participación de Alicia Parente para continuar analizando las producciones cinematográficas de la icónica banda británica The Beatles. En esta ocasión, los presentadores Felipe Couselo y Juanma González guían una conversación que retoma el repaso de la trayectoria audiovisual del grupo, enfocándose en una etapa de enorme experimentación psicodélica y de transformaciones internas en el seno de la banda. Los contertulios bromean sobre la ausencia de Dani Palacios antes de adentrarse de lleno en el análisis de una de las obras más singulares y controvertidas del cuarteto de Liverpool: la película para televisión Magical Mystery Tour. Lanzada a finales de 1967, la película surgió como una idea de Paul McCartney tras la muerte del mánager del grupo, Brian Epstein. La cinta, concebida para la televisión, sigue un caótico viaje en autobús donde se suceden situaciones absurdas sin una narrativa convencional definida. Los integrantes del programa analizan el marcado costumbrismo británico mezclado con elementos lisérgicos que caracteriza a la obra, destacando que, a pesar de que la producción cinematográfica recibió duras críticas en su estreno —en parte por haber sido emitida originalmente en blanco y negro en la BBC—, su banda sonora contiene algunas de las composiciones más brillantes y duraderas de la historia del pop. Entre los temas analizados destaca especialmente la relevancia de Strawberry Fields Forever, composición de John Lennon que Couselo resalta como una de sus piezas favoritas de toda la discografía del grupo. Este tema, que formó parte de un histórico sencillo de doble cara A junto con Penny Lane, representa el punto de inflexión creativo de Lennon hacia una etapa mucho más introspectiva. La contraparte, firmada por McCartney, es un nostálgico y luminoso retrato de Liverpool que demuestra la capacidad del bajista para facturar melodías perfectas, sirviendo ambas canciones como el reflejo de un universo creativo complementario. El repaso continúa con la película de animación Yellow Submarine de 1968. Pese a que el grupo inicialmente mostró un escaso interés por el proyecto debido a su agotamiento y a los plazos de entrega que exigía la productora, la película acabó convirtiéndose en un hito de la animación pop. Los presentadores destacan la labor de los dibujantes y cómo la estética de la cinta ha trascendido generaciones. Además, comentan la inclusión de temas formidables como Hey Bulldog, una enérgica composición liderada por Lennon donde destaca la espectacular y dinámica línea de bajo interpretada por McCartney. Finalmente, el programa aborda el tormentoso proceso que rodeó al proyecto Let It Be en 1969. Concebido inicialmente como una vuelta a las raíces en directo de la banda, derivó en una serie de tensiones internas que acabarían por certificar la disolución del grupo. Los contertulios contrastan el tono catastrófico del documental original de 1970 con la reciente revisión llevada a cabo por Peter Jackson en la serie documental Get Back, la cual ofrece una perspectiva mucho más equilibrada, rescatando la profunda complicidad y amistad que aún unía a los cuatro músicos durante aquellas históricas sesiones de grabación en la azotea de Savile Row.

De Ritchie Valens a la elegancia pop de ABBA, esRadio analiza los grandes himnos rítmicos que transformaron las pistas de todo el planeta. Felipe Couselo regresa a los micrófonos de esRadio con una nueva y vibrante entrega de Prohibido Contar Ovejas, dedicada en esta ocasión a la segunda parte de su especial sobre canciones que invitan a bailar. Bajo el título de 'Let\'s Dance Again', el programa realiza un recorrido histórico por aquellos ritmos que han revolucionado las pistas de baile de todo el mundo. El viaje musical arranca en los albores del rock and roll con la mítica 'Rock Around the Clock' de Bill Haley & His Comets, grabada en 1954. Couselo explica cómo este género nació en la marginalidad y cómo los propios ejecutivos de la discográfica Decca no sabían muy bien cómo promocionar este nuevo sonido, llegando a catalogarlo de manera confusa como un 'nuevo foxtrot mezclado con algo', inaugurando así una época dorada de música y movimiento. La andadura continúa con la arrolladora versión que Wilson Pickett realizó de 'Land of a Thousand Dances', registrada en los míticos FAME Studios de Muscle Shoals, en Alabama. Este tema destaca por ser un auténtico catálogo de los bailes de la época, mencionando desde el mashed potato hasta el twist o el pony. A renglón seguido, el programa rinde homenaje a 'La Bamba' de Ritchie Valens, lanzada en 1958. Valens, que adaptó este son tradicional mexicano al lenguaje del rock and roll, tuvo una carrera fulminante que se truncó trágicamente a los 17 años en el accidente aéreo de 1959, conocido como 'el día que murió la música'. Su figura y este pilar del primer rock and roll volverían a brillar con fuerza décadas después gracias al biopic protagonizado por Lou Diamond Phillips y la interpretación de Los Lobos. El legendario sonido de la escudería Motown se hace presente a través de 'Do You Love Me' de The Contours. Escrita por el mismísimo Berry Gordy, la pieza estaba destinada en un principio a The Temptations, pero un retraso de estos permitió que The Contours la grabaran, convirtiéndola en un himno multimillonario en ventas que recuperaría toda su fuerza gracias a la película Dirty Dancing. Inmediatamente después, Couselo pincha la inmortal 'Twist and Shout' en la versión de The Beatles de 1963. El locutor relata las dificultades de aquella mítica sesión de grabación en la que un exhausto John Lennon forzó su voz al límite para dejar grabada una toma histórica, antes de recordar la célebre e irreverente frase que el propio Lennon lanzó ante la realeza británica en el Royal Variety Performance de aquel mismo año. El programa también abre las puertas al funk y al soul de la mano de Sly and the Family Stone y su revolucionario 'Dance to the Music' de 1968. Couselo describe la grabación como una explosión de frescura y caos organizada, donde los miembros de esta banda multirracial se presentan uno a uno junto a sus instrumentos. El viaje avanza hacia el año 2000 con la versión que el grupo británico Toploader hizo de 'Dancing in the Moonlight', un tema original de los setenta que la banda de la mano de Joseph Washbourn logró revitalizar para ofrecer un mensaje de armonía y buen rollo a una nueva generación de oyentes. La música disco se convierte en la gran protagonista de la segunda mitad del espacio. Couselo analiza el enorme impacto comercial de la música disco a través de éxitos como 'Shake Your Booty' de KC and the Sunshine Band, un tema de 1976 que conquistó las listas de ventas de todo el planeta. Asimismo, se destaca la trascendencia de 'The Hustle' de Van McCoy, un corte instrumental inspirado en los bailes de las discotecas del Bronx neoyorquino que se transformó en un verdadero fenómeno de masas antes del prematuro fallecimiento de McCoy en 1979. El broche de oro del especial lo ponen ABBA con 'Dancing Queen', considerada la obra cumbre del pop europeo, el hard rock de Aerosmith con 'Shut Up and Dance', y la elegancia de Donna Summer con 'Last Dance', demostrando que el ritmo y el baile son un lenguaje universal.

El programa de Felipe Couselo aborda la vuelta de Cancer Bats, el proyecto de Ed O’Brien y el inclusivo Festival Visibles de artes escénicas. En esta nueva edición de Prohibido contar ovejas, el magacín nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, el equipo comienza con una distendida charla sobre tecnología y ergonomía móvil. Pronto, la conversación se desvía hacia la creciente presencia de la inteligencia artificial en las llamadas comerciales, analizando con humor cómo estas tecnologías automatizadas intentan gestionar portabilidades de suministros básicos sin que el usuario se percate de que habla con una máquina. En el plano musical, se analiza el proyecto en solitario de Ed O’Brien, guitarrista de la mítica banda Radiohead, quien presenta su disco Bloom Morfo. El equipo describe el estilo como una sugerente mezcla de electrónica lírica y optimismo melancólico, alejándose de los senderos más sombríos de su banda principal para ofrecer una propuesta luminosa y esperanzadora. El programa continúa con el repaso a la actualidad de la banda canadiense Cancer Bats, que regresa con fuerza gracias al tema Stay Stuck, un adelanto de su próximo trabajo de estudio, Give Me Dirt. Dani Palacios destaca la energía desbordante de este grupo de metal y punk, liderado por Liam Cormier, y anuncia las fechas de su inminente gira por España, que recalará en ciudades como Barcelona, Castellón y San Feliu de Guíxols. La veteranía llega de la mano de los incombustibles Deep Purple, quienes preparan el lanzamiento de su vigésimo cuarto álbum de estudio, titulado provisionalmente Splat. Con la incorporación del virtuoso Simon McBride a la guitarra y la producción del legendario Bob Ezrin, el grupo demuestra que quien tuvo, retuvo, manteniendo una calidad de producción excelsa que entusiasmará a los amantes del hard rock clásico. Dani Palacios también presenta a Gang, una misteriosa formación de punk-rock alternativo cuyos integrantes ocultan su rostro bajo pasamontaños verdes y que acaban de lanzar el sencillo Super Saiyan. A continuación, el debate gira hacia el hip-hop nacional con Galería, una colaboración entre Elio Toffana, Dano y el canario Bejo, perteneciente al aclamado álbum Grávitas, donde se resalta la particular estética y el provocativo diseño gráfico que caracteriza la iconografía de Bejo. Cerramos el bloque de novedades musicales con la polifacética Nathy Peluso y su reciente lanzamiento Grasa. En esta ocasión, el programa destaca la remezcla electrónica realizada por el prestigioso productor británico Mura Masa en el recopilatorio Club Grasa, una propuesta de ritmos rotos y electrónica tribal muy bailable que no deja indiferente al oyente. En la sección de artes escénicas, se pone en valor la inauguración del Festival Visibles en Madrid, un evento dedicado por entero a promover la inclusión real de las personas con discapacidad en el teatro, la danza y la música. Con obras como Espasity, El Placer También o Si no dos, el certamen aboga por normalizar la diversidad funcional sobre las tablas, un loable esfuerzo que busca la accesibilidad universal en el ámbito cultural. En el apartado cinematográfico, Juanma González analiza el esperado regreso de la saga galáctica a la gran pantalla con la película The Mandalorian & Grogu, dirigida por Jon Favreau. En un certero análisis que sintoniza con la crítica a la deriva ideológica de las grandes corporaciones, se describe cómo el universo de Star Wars sufre actualmente una profunda división interna debido a los bandazos creativos de Disney y su obsesión por imponer agendas políticamente correctas en detrimento de la aventura clásica. Frente a este panorama desalentador, el equipo destaca la figura de Dave Filoni como el verdadero guardián de las esencias de la franquicia gracias a sus sobresalientes trabajos de animación en Clone Wars y Rebels. El análisis recalca la necesidad de recuperar el espíritu del western espacial y la mística original de George Lucas para salvar a la saga de un declive comercial irreversible. La sección de efemérides conmemora el aniversario de dos hitos fundamentales de la historia de la música popular: la publicación del trascendental álbum What's Going On de Marvin Gaye en 1971 y la grabación de la mítica Maybellene por Chuck Berry en 1955. Asimismo, se celebra el 67º cumpleaños del icónico Morrissey, rememorando su etapa al frente de The Smiths con himnos imperecederos como There Is a Light That Never Goes Out y This Charming Man. Finalmente, el programa echa el cierre recordando el éxito de Paul McCartney con su banda Wings y la imperecedera Silly Love Songs, que alcanzó el número uno en las listas estadounidenses hace exactamente cincuenta años. El programa despide la emisión reflexionando sobre el poder curativo de las canciones de amor y el legado optimista de la música pop frente a los cinismos de la época contemporánea.

Repasamos cinco series musicales que combinan elementos reales con la ficción, analizando su impacto y la recepción por parte de los seguidores. En esta entretenida sección de radio, los colaboradores abordan el indiscutible auge de los biopics y de las producciones que giran en torno a la industria de la música, motivados por los recientes éxitos de taquilla y el interés continuo del público en las vidas de sus artistas favoritos. La presentadora, Alma, junto a sus compañeros Juanma y Felipe, dedican estos minutos a repasar cinco series musicales destacadas que combinan elementos reales con la ficción, analizando su impacto y la recepción por parte de los seguidores más fieles. La primera producción analizada es Luis Miguel: La serie, disponible en la plataforma Netflix. Esta serie de tres temporadas, estrenada en 2018, supuso un auténtico fenómeno de masas al destapar la turbulenta vida del famoso cantante mexicano. Los locutores comentan cómo la telerrealidad supera a la ficción en este caso, mostrando aspectos tan dramáticos como su infancia explotada, la misteriosa desaparición de su madre, la implacable presión ejercida por su padre y sus sonados romances. Destacan también el minucioso trabajo de interpretación y caracterización del actor Diego Boneta, quien pasó años preparándose para asumir el papel del icónico artista y logró recrear de forma fidedigna tanto su voz como sus ademanes físicos. La segunda recomendación es Daisy Jones & The Six, que se puede disfrutar en el catálogo de Prime Video. La historia narra el ascenso y la estrepitosa caída de una banda de rock en los años setenta, un argumento profundamente inspirado en las dinámicas internas del grupo de rock real Fleetwood Mac, especialmente en la relación entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham durante la accidentada grabación de su álbum de culto Rumours. Los colaboradores bromean sobre la presencia constante de drogas, alcohol, tensiones amorosas y disputas de ego entre los integrantes de la banda de ficción, elementos que también marcaron de forma trágica a las leyendas del rock en la vida real. A continuación, el programa pone el foco sobre Pistols, una serie emitida en Disney+ bajo la notable dirección del cineasta Danny Boyle. Esta serie retrata los inicios del movimiento punk a través de la controvertida historia de los Sex Pistols, relatada desde la particular perspectiva de su guitarrista, Steve Jones. Alma señala que, a diferencia de otras producciones que han recibido duras críticas por parte de los seguidores del grupo, esta entrega fue bien acogida a pesar de plasmar de forma explícita el caos, la rebeldía, el consumo desenfrenado de sustancias y las provocaciones constantes que caracterizaban a la mítica banda londinense. En cuarto lugar, se menciona Mozart in the Jungle, protagonizada por el actor mexicano Gael García Bernal en el papel de un excéntrico director de orquesta. Esta aclamada comedia dramática de Prime Video sumerge al espectador en el competitivo e intrigante universo de la música clásica en Nueva York, tomando como punto de partida las memorias escritas por la oboísta Blair Tindall. La serie fue objeto de opiniones encontradas: mientras algunos miembros del ámbito académico y musical elogiaron el retrato de las rivalidades y pasiones internas, otros criticaron ciertas exageraciones argumentales del guion. Por último, los presentadores cierran la lista con la serie dramática Empire, centrada en un imperio discográfico especializado en música hip-hop. La trama, protagonizada por Terrence Howard en el papel de Lucious Lyon, explora las feroces disputas familiares por el control de la compañía, así como las luchas de egos de los artistas del género. A lo largo de sus temporadas, la producción contó con numerosos cameos de estrellas reales de la industria musical y destacó por su vibrante banda sonora, ofreciendo un reflejo de las complejas dinámicas de poder que mueven los hilos del negocio de la música a nivel internacional.

De 'Lost in Translation' a 'Huevos de oro', Dani Palacios analiza las escenas musicales más icónicas de la gran pantalla. El equipo del programa radiofónico de Onda Cero comienza la conversación de manera muy distendida, bromeando sobre la higiene personal, las fragancias corporales y patrocinadores ficticios como la crema depilatoria Donallo. Tras este preámbulo humorístico, el colaborador Daniel da paso a su sección dedicada a la historia del karaoke en el cine. Daniel explica que, lejos de ser un mero entretenimiento de fondo, cantar frente a una pantalla con la letra de una canción ha funcionado a menudo como un recurso narrativo clave en la gran pantalla. A través de este recurso, los directores logran retratar la vulnerabilidad, la locura o el romanticismo de sus personajes de una manera directa y sumamente eficaz para el espectador. El repaso comienza con la película Duets, dirigida por Bruce Paltrow, un largometraje que se sumerge por completo en el mundo competitivo del karaoke a través de varias tramas cruzadas. En esta cinta destaca la interpretación que realizan Gwyneth Paltrow y Huey Lewis del clásico de Smokey Robinson, Cruisin', una de las canciones más icónicas de la banda sonora de la película, que también incluye versiones de temas célebres como Bette Davis Eyes. Asimismo, el presentador alude de pasada a la comedia Balls Up, en la que Mark Wahlberg y Paul Walter Hauser sorprenden al público con una interpretación musical inesperada de la conocida canción de Gotye, Somebody That I Used to Know, permitiendo a los tertulianos bromear sobre el pasado como rapero de Wahlberg y su actual obsesión por la vida sana y el ejercicio físico. La siguiente parada del recorrido se detiene en The Cable Guy, conocida en España como Un loco a domicilio. Dirigida por Ben Stiller, la película ofrece un momento inolvidable gracias a la desbocada energía de Jim Carrey interpretando un clásico del rock psicodélico: Somebody to Love de la mítica formación Jefferson Airplane. Los colaboradores aprovechan este punto para repasar detalles históricos de la banda, como los trágicos incidentes del concierto de Altamont, añadiendo contexto histórico musical a la charla. Seguidamente, se analiza una de las escenas de karaoke más famosas de la comedia romántica en My Best Friend's Wedding (La boda de mi mejor amigo). En ella, el personaje de Julia Roberts orquesta una humillación fallida contra su rival amorosa, interpretada por Cameron Diaz, obligándola a cantar I Just Don't Know What to Do with Myself; sin embargo, la honestidad y falta de talento de esta última terminan por ganarse el cariño de todos los presentes. El análisis prosigue con Lost in Translation, la aclamada película de Sofia Coppola, donde Bill Murray regala al cine contemporáneo una de sus escenas más íntimas y delicadas al cantar la melancólica More Than This de Roxy Music frente a Scarlett Johansson. Este momento sirve de catalizador para que una de las tertulianas recuerde su propia experiencia cantando en locales de Tokio y reflexione sobre el choque cultural que supone el karaoke en Japón, donde las salas acristaladas que dan a la calle convierten el canto aficionado en un espectáculo público cargado de euforia. Con un tono igualmente romántico pero de corte más indie, Daniel destaca también 500 Days of Summer (500 días juntos), donde Joseph Gordon-Levitt utiliza el tema Here Comes Your Man de The Pixies para canalizar el enamoramiento de su personaje. La sección da un giro sorprendente al vincular la música con el género de terror y suspense en la película I Know What You Did Last Summer (Aún sé lo que hicisteis el último verano). En ella, el personaje de Jennifer Love Hewitt interpreta la famosa canción de Gloria Gaynor, I Will Survive, ignorando que el asesino ha hackeado el apuntador de la pantalla para dejarle un mensaje amenazante en tiempo real. En el extremo opuesto de la escala emocional, los colaboradores alaban la enorme carga emocional de una escena de la película espacial Proxima (mencionada de forma errónea en el programa como Proyecto Salvación), en la que la actriz francesa Eva Green canta Sign of the Times de Harry Styles en una íntima fiesta de despedida antes de partir en una arriesgada misión hacia el espacio exterior. Finalmente, el programa rinde homenaje al cine español rescatando la película de Bigas Luna Huevos de oro, protagonizada por un magnético Javier Bardem. Ataviado con un bañador y una americana con estampado de leopardo, el personaje de Bardem canta al oído de Maribel Verdú y Maria de Medeiros el emblemático tema de Julio Iglesias Por el amor de una mujer, en un derroche de testosterona característico de la filmografía de su director. Los locutores concluyen la sección entre risas, planteando futuras temáticas que exploren otros arquetipos clásicos de la música en la pantalla, como los personajes que cantan en la ducha, las serenatas de balcón o las actuaciones de las mujeres fatales del cine negro.

De 'Critters 2' a 'Spider-Man 2', Juanama González desgrana los aciertos de aquellas secuelas que lograron eclipsar a las películas iniciales. En este fragmento de audio, los colaboradores de un programa de radio, entre los que se encuentran Juanma, Felipe e Isaac, abren un interesante debate sobre aquellas secuelas cinematográficas que han logrado superar a sus obras originales. El punto de partida de la conversación es Critters 2, una película de bajo presupuesto que, a juicio de los tertulianos, supo potenciar el humor y el gamberrismo de la primera entrega de Critters. Durante la charla, recuerdan con nostalgia la época de los videoclubes y destacan la dirección de Mick Garris, un realizador muy querido dentro del cine de terror en los Estados Unidos, célebre por sus adaptaciones de las novelas de Stephen King, a pesar de que algunas de ellas resultaron fallidas. El diálogo avanza hacia una de las producciones más exitosas de los últimos años: Top Gun: Maverick. Todos los participantes coinciden de manera unánime en que esta continuación supera con creces a la Top Gun original de Tony Scott. Los colaboradores explican que el gran acierto de la película radica en que no sitúa el romance como el motor principal de la historia, sino que se centra en una búsqueda personal de redención del protagonista. Entre risas, bromean sobre la fuerte tensión homoerótica que caracterizaba a la cinta de los años ochenta y debaten con pasión sobre cuál de las dos películas tiene la escena deportiva playera más icónica, si el partido de voleibol clásico o el nuevo juego de fútbol americano al ritmo de la canción Playing with the Boys. Posteriormente, el grupo analiza Bad Boys II, conocida en España como Dos policías rebeldes 2. Los locutores coinciden en que este filme de Michael Bay es una secuela absolutamente desatada y políticamente incorrecta, que rompe con cualquier tipo de decoro cinematográfico. Con un colosal presupuesto de 140 millones de dólares, la película representa el exceso más puro de Hollywood, algo que los tertulianos celebran. Destacan la genial interpretación del actor español Jordi Mollà en el papel de un mafioso cubano, el excelente doblaje al castellano de Martin Lawrence y Will Smith, y las espectaculares y absurdas secuencias de acción, en especial la persecución en la autopista y los tiroteos que bordean el absurdo. La siguiente parada en el análisis de las grandes secuelas es Evil Dead II, titulada en España como Terroríficamente muertos y dirigida por Sam Raimi. Los tertulianos califican esta obra como una genialidad que explota de forma magistral los recursos visuales y sonoros del cine. Resaltan la soberbia actuación física de Bruce Campbell, a quien comparan con mitos de la comedia como Charlie Chaplin debido a su capacidad para gesticular y realizar acrobacias slapstick, como en la célebre escena donde lucha contra su propia mano poseída. Asimismo, debaten sobre la naturaleza de la película, que funciona simultáneamente como secuela y como un sofisticado remake cómico de la cinta original, Posesión infernal, consagrándose como una de las cumbres de la comedia de terror. El cine de acción y espionaje tiene su espacio con la disección de The Bourne Supremacy, conocida en el mercado hispanohablante como El mito de Bourne, la secuela de The Bourne Identity (El caso Bourne). Los analistas examinan cómo el director Paul Greengrass revolucionó la industria de Hollywood al implementar una estética de cámara en mano y un montaje frenético heredado del cine documental, conocido popularmente como shaky-cam. Esta decisión técnica, sumada a la excelente dirección de segunda unidad de Dan Bradley, redefinió por completo el cine de acción de la era posterior al 11 de septiembre, influyendo en innumerables películas posteriores a través de secuencias tan memorables como la persecución automovilística por las calles de Moscú. Para cerrar la sección, los locutores dedican un análisis pormenorizado a Spider-Man 2 (2004), también de Sam Raimi. Destacan la profundidad psicológica con la que se aborda la crisis de identidad de Peter Parker, quien llega a perder temporalmente sus poderes debido al estrés emocional y existencial que sufre. Los colaboradores elogian la imponente interpretación de Alfred Molina como el Doctor Octopus y la espectacularidad de la icónica escena del tren. En contraste, lamentan la deriva que tomó la franquicia en Spider-Man 3 por la excesiva interferencia de los productores y la acumulación innecesaria de villanos, lo que resalta aún más la perfección de la segunda entrega dentro del cine de superhéroes.

De 'Top Gun: Maverick' a Javier Bardem en 'Huevos de oro': el equipo de Felipe Couselo llena de cine y humor la noche radiofónica de esRadio. El programa nocturno de esRadio, Prohibido contar ovejas, conducido por Felipe Couselo, ofrece una velada llena de humor, complicidad y debate cultural. En esta edición, Couselo está acompañado por sus habituales colaboradores: Juanma González, Dani Palacios y Alma Espinosa. La noche comienza con las habituales bromas y reproches amistosos sobre los horarios de entrada y las prolongaciones de los programas precedentes, estableciendo el tono desenfadado y dinámico que caracteriza a este espacio radiofónico, donde la complicidad entre los presentadores es evidente desde el primer minuto. El primer bloque temático de la noche corre a cargo de Dani Palacios, quien presenta una divertida sección titulada "Karaoke y Cine". Palacios propone un viaje nostálgico y humorístico a través de diez escenas memorables de la historia del cine donde el karaoke es el protagonista absoluto. Comienza analizando la película Duets, donde podemos escuchar a Gwyneth Paltrow y Huey Lewis interpretando el clásico Cruisin' de Smokie Robinson. A continuación, rescata una escena de Balls Up en la que Mark Wahlberg y Paul Walter Hauser cantan a dúo Somebody That I Used to Know, desatando las risas en el estudio. No se olvida de la mítica interpretación de Jim Carrey en The Cable Guy (Un loco a domicilio), dirigida por Ben Stiller, donde el actor canadiense borda el tema Somebody to Love de Jefferson Airplane. La lista de Palacios continúa con My Best Friend's Wedding (La boda de mi mejor amigo), detallando la incómoda pero entrañable escena en la que Cameron Diaz es obligada por Julia Roberts a cantar a pesar de su pésimo oído musical. Otro momento cumbre es el de Bill Murray en Lost in Translation cantando More Than This de Roxy Music ante la atenta mirada de Scarlett Johansson. La selección se completa con títulos como 500 Days of Summer (500 días juntos), la película de terror I Know What You Did Last Summer (Aún sé lo que hicisteis el último verano), la aclamada Project Salvation (Misión de salvación) y la española Golden Eggs (Huevos de oro), en la que Javier Bardem ofrece una desternillante actuación musical vestido con un bañador y una chaqueta de animal print. El broche de oro lo pone Mike Tyson en The Hangover (Resacón en Las Vegas) cantando In the Air Tonight de Phil Collins. Por su parte, Alma Espinosa toma el testigo con su sección dedicada a las series musicales basadas en la vida de artistas reales o ficticios. Espinosa destaca el auge de los biopics musicales en la televisión actual, comenzando por Luis Miguel: La serie, una producción de Netflix que cautivó al público al revelar los detalles más oscuros y polémicos de la vida del artista, como la misteriosa desaparición de su madre o la tiránica relación con su progenitor. La interpretación de Diego Boneta es alabada por su exigente transformación física y vocal. Espinosa continúa su repaso con Daisy Jones & The Six (Todos quieren a Daisy Jones), disponible en Prime Video, una ficción fuertemente inspirada en la tumultuosa historia de la banda Fleetwood Mac y la relación entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham. También analiza la serie de Disney+ Pistols, dirigida por Danny Boyle, centrada en la legendaria banda de punk Sex Pistols desde la perspectiva de su guitarrista Steve Jones. El recorrido finaliza con la aclamada comedia dramática Mozart in the Jungle, protagonizada por el mexicano Gael García Bernal en el papel de un excéntrico director de orquesta en Nueva York, y Empire, un drama familiar centrado en el imperio de una discográfica de hip-hop. Finalmente, Juanma González asume el control del tramo final del programa para presentar una selección de secuelas cinematográficas que, a su juicio, superan a las películas originales. El debate se inicia con Critters 2, una cinta de terror de serie B dirigida por Mick Garris que, según González, supera en diversión y presupuesto a su predecesora. A continuación, el colaborador defiende apasionadamente Top Gun: Maverick frente a la mítica obra de Tony Scott, argumentando que la versión protagonizada por Tom Cruise en 2022 ofrece una narrativa más sólida, un desarrollo de personajes superior y unas escenas de acción aérea verdaderamente revolucionarias para el cine contemporáneo. González también destaca Evil Dead 2 (Terroríficamente muertos) de Sam Raimi, valorando su transición del terror puro de la primera entrega hacia una comedia física y de estilo gore magistralmente interpretada por Bruce Campbell. La lista se completa con The Bourne Supremacy (El mito de Bourne), donde el director Paul Greengrass redefinió el cine de acción moderno con su uso de la cámara en mano, y Spider-Man 2, también de Raimi, considerada unánimemente como una de las mejores películas de superhéroes de la historia. El programa cierra con la adrenalina de Michael Bay en Bad Boys II (Dos policías rebeldes II), poniendo fin a una hora de radio caracterizada por la pasión por el cine y el entretenimiento de calidad.

De Billy Joel a Nirvana, las canciones de la producción de Vought parodian con saña la telebasura y la corrección política actual. En una nueva entrega de Prohibido contar ovejas en Es Radio, el presentador Felipe Couselo nos sumerge en el universo musical y narrativo de la aclamada serie de televisión The Boys, centrándose especialmente en su tercera temporada. La producción destaca por su ácida crítica hacia la hipocresía corporativa y el mercantilismo de la cultura "woke" que promueve la multinacional Vought International. Couselo analiza cómo la música sirve de contraste perfecto para desenmascarar las mentiras del relato oficialista de los superhéroes, quienes en realidad actúan como un oligopolio corrupto y desalmado protegido por las élites mediáticas y políticas. La temporada arranca con el clásico Uptown Girl de Billy Joel, que ilustra la aparente felicidad de la pareja formada por Hughie Campbell y Annie January, conocida como Starlight. Sin embargo, bajo esta fachada de optimismo y colores pastel, se esconde la siniestra realidad de una clase política manipuladora y totalitaria personificada en la congresista Victoria Neuman, una aparente defensora de los derechos ciudadanos que oculta oscuros secretos. Este contraste musical ejemplifica a la perfección cómo la serie ridiculiza las narrativas buenistas diseñadas para adormecer a la población frente al abuso de poder estatal y corporativo. Uno de los momentos más singulares de esta temporada está protagonizado por Kimiko, quien experimenta una fantasía musical al ritmo de Dream a Little Dream of Me, interpretada tanto por la propia actriz Karen Fukuhara como en su versión larga de Anne Reburn. Couselo destaca la genialidad de esta escena, donde la crudeza de la violencia y el escapismo mental de un personaje que anhela la normalidad se fusionan con la música clásica norteamericana, demostrando el extraordinario abanico de recursos narrativos con el que cuenta la serie para dotar de alma a sus personajes en medio de la barbarie. El programa continúa repasando la banda sonora con el tema original Rock My Kiss, interpretado por el personaje Supersonic y su antigua banda juvenil de la corporación Vought. A través de este tema y del concurso televisivo diseñado para elegir a los nuevos integrantes de Los Siete, la serie lanza una brutal parodia de la telebasura y los "reality shows" modernos, donde el talento es lo de menos y todo se decide bajo estrictos criterios de mercadotecnia, cuotas de diversidad y manipulación de la opinión pública, una práctica habitual en los medios de comunicación progresistas de nuestros días. Por otro lado, la lucha individualista por la justicia se encarna en la figura de Billy Butcher, interpretado magistralmente por Karl Urban. Desesperado por destruir al tiránico Homelander, Butcher recurre a una sustancia experimental llamada V24 que le otorga superpoderes temporales a un altísimo coste para su salud. Al ritmo de You Really Got Me de The Kinks, la serie subraya la decisión moral extrema de combatir al monstruo convirtiéndose en uno de ellos, una metáfora de cómo los principios individuales a menudo se quiebran cuando el ciudadano se enfrenta a un Estado omnipotente e impune. La búsqueda de un arma definitiva lleva al grupo a descubrir el turbio pasado de los superhéroes de los años ochenta, el grupo Payback, liderado por el legendario Soldier Boy. Couselo nos presenta temas hilarantes de esta subtrama como Chimps Don't Cry, interpretado por la Condesa Carmesí, una parodia descacharrante del activismo ecológico impostado y desconectado de la realidad. Asimismo, el presentador analiza la aparición de Soldier Boy, encarnado por Jensen Ackles, un remedo reaccionario del Capitán América que representa los vicios y virtudes de una masculinidad tradicional hoy perseguida por el discurso oficial de la corrección política. No se puede obviar la magistral parodia del vídeo viral que las celebridades grabaron durante la pandemia de COVID-19 cantando Imagine de John Lennon. En la serie, es el personaje de The Deep quien impulsa esta iniciativa hipócrita con el fin de limpiar su imagen pública. Couselo elogia esta burla sin paliativos hacia el falso altruismo de las celebridades de Hollywood, quienes desde sus mansiones pretenden dar lecciones de moralidad y empatía a los ciudadanos de a pie, demostrando una total desconexión con los problemas reales de la sociedad. El clímax de acción tiene su acompañamiento musical con la versión de Maniac de Michael Sembello, que sirve de fondo para una de las escenas de combate más violentas y coreografiadas de Kimiko. Para finalizar el análisis de la temporada, el programa rescata clásicos ineludibles como Heart-Shaped Box de Nirvana, Goodbye Yellow Brick Road de Elton John y Never Tear Us Apart de INXS. Couselo despide el espacio invitando a los oyentes a reflexionar sobre cómo esta obra maestra televisiva utiliza la música no solo para entretener, sino para desarmar los mitos del pensamiento colectivista y ensalzar la rebelión del individuo frente a la tiranía organizada.

Desde Cinema Paradiso hasta el terror de Demons, Felipe Couselo repasa cintas que rompen la cuarta pared y convierten el visionado en un rito único. Felipe Couselo arranca una nueva semana en Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio dedicado a la cultura y el séptimo arte. En esta ocasión, el espacio se sumerge en una profunda reflexión sobre la sala de cine como espacio protagónico, analizando aquellas películas que no solo cuentan historias, sino que rinden homenaje al lugar físico donde se proyectan y a la liturgia que rodea la experiencia del espectador desde tiempos de la infancia. Junto a sus colaboradores Dani Palacios y Juanma González, Couselo explora la nostalgia de los cines de antaño, recordando las colas interminables, el olor de las palomitas y el ritual de apagar el teléfono móvil. La conversación se inicia con la banda sonora de The Rocky Horror Picture Show y su emblemático tema Science Fiction/Double Feature, que evoca las sesiones dobles de cine de barrio centradas en monstruos, alienígenas y terrores atómicos. Uno de los puntos clave del análisis es Cinema Paradiso, la obra maestra de Giuseppe Tornatore. Los tertulianos destacan cómo la película conecta con la sensibilidad española a través de su carácter mediterráneo y latino. Rememoran escenas icónicas como la de Alfredo proyectando la película sobre la fachada de un edificio para aquellos que no podían entrar en la sala, un homenaje a la magia del cine que trasciende las paredes del local y se convierte en un evento comunitario, especialmente en los cines de verano de los pueblos. El repaso continúa con La invención de Hugo, de Martin Scorsese, una cinta que reivindica los orígenes del cine y la figura de Georges Méliès. Los colaboradores señalan el poder de la imagen pura frente al diálogo, subrayando que el cine mudo posee una fuerza visual que a menudo se pierde en las producciones actuales. Se menciona la capacidad de directores como Murnau o Fritz Lang para narrar historias complejas utilizando exclusivamente el lenguaje visual y trucos artesanales que sentaron las bases de los efectos especiales modernos. La figura de William Castle y su influencia en el cine de terror ocupa un lugar destacado mediante la película Matinee, dirigida por Joe Dante. En ella, John Goodman interpreta a un productor que utiliza artimañas para aterrorizar al público en la sala, como los asientos vibratorios o la contratación de enfermeras en la entrada para atender supuestos infartos. Esta interacción física con el espectador buscaba convertir la proyección en una experiencia inmersiva única, algo que los tertulianos comparan con la pasión casi evangélica por el espectáculo. En un tono más oscuro, el programa analiza Demons (Dèmoni), producida por Dario Argento. Esta película juega con el concepto del cine dentro del cine, donde la trama de la pantalla se traslada a la realidad de la sala. Con una banda sonora cargada de heavy metal y temas de artistas como Billy Idol o Mötley Crüe, Demons es recordada como una de las experiencias más inmersivas y brutales del cine de terror de los años ochenta, donde el espectador se siente atrapado junto a los personajes. También se dedica un espacio a la cinematografía española con Angustia, de Bigas Luna. Esta cinta es calificada como una joya por descubrir que utiliza la hipnosis colectiva y un complejo juego de espejos visuales. Los colaboradores explican el efecto túnel de salas dentro de salas, creando una atmósfera de inseguridad donde el espectador llega a dudar de si él mismo está siendo observado desde la penumbra de su propia butaca. Finalmente, el programa cierra con El último gran héroe (Last Action Hero), protagonizada por Arnold Schwarzenegger. A pesar de su fría acogida inicial en 1993, se reivindica como una de las mejores parodias del género de acción, rompiendo la cuarta pared de forma magistral. Con música de AC/DC y su tema Big Gun, Couselo y sus invitados concluyen que, sea mediante la comedia o el terror, ir al cine sigue siendo un acto mágico que ninguna plataforma digital puede replicar con la misma intensidad emocional.

Tras su paso por Colombia, el conjunto post-punk ultima su próximo trabajo discográfico y analiza el apoyo de la comunidad musical independiente. Los integrantes del grupo Alcalá Norte han visitado los estudios de esRadio para compartir los detalles de su meteórico ascenso y la preparación de su próximo trabajo discográfico. Carlos y Álvaro, miembros de la formación, comentaron cómo están viviendo este momento de éxito tras regresar de actuar en Colombia y pasar por el festival Estaciones Sonoras de Cascante. En la charla, destacaron la importancia de mantener una conexión directa con el público a través de una propuesta que mezcla la crudeza del post-punk con una identidad muy marcada por sus raíces madrileñas. Durante la entrevista, explicaron que se encuentran sumergidos en el proceso creativo de su segundo álbum, el cual estiman que está completado en un 65 por ciento. Los músicos compartieron cómo ha sido el trabajo en el estudio durante esta última semana, logrando desbloquear composiciones que llevaban meses estancadas. Según explicaron, el proceso de composición a veces surge de forma natural y otras requiere de un esfuerzo consciente de improvisación hasta que las piezas encajan, buscando siempre un sonido que les defina sin caer en los clichés del mercado actual. Uno de los puntos clave de la conversación fue la reivindicación de su origen en el barrio de Ciudad Lineal. El nombre de la banda, que proviene del conocido centro comercial del distrito, no es casualidad, sino una declaración de intenciones sobre la autenticidad vecinal que desean proyectar. Los artistas señalaron que, aunque el éxito les ha llevado a escenarios internacionales, su esencia sigue ligada a las calles de Madrid y a la cotidianidad de los barrios, algo que consideran fundamental para que su música resulte honesta y cercana a sus seguidores. En cuanto a las etiquetas musicales, bromearon sobre cómo algunos diagramas de internet los han clasificado dentro del tontipop o el indi español. Sin embargo, ellos se sienten más cómodos en una estética post-punk que ha experimentado un repunte de popularidad tras la pandemia. Mencionaron influencias de bandas como Molchat Doma y cómo la viralidad en redes sociales como TikTok ha ayudado a que un género antes considerado de nicho llegue ahora a una audiencia mucho más joven y transversal, permitiéndoles llenar salas en toda España. El sentido del humor es otro pilar fundamental en las letras de Alcalá Norte. Los músicos defendieron que "la risa es una cosa muy seria" y que no temen mezclar referencias intelectuales a filósofos como Heidegger con situaciones jocosas o bromas internas. Esta dualidad entre lo culto y lo popular les permite no encasillarse en una imagen de banda excesivamente sobria o pretenciosa, algo que en ocasiones ha sido motivo de debate interno, pero que finalmente se ha convertido en una de sus señas de identidad más apreciadas por la crítica y el público. La agenda de la banda para los próximos meses está repleta de compromisos. Han anunciado fechas en Gijón, Ourense (en el Ourensound), Jaén (en el festival Oliosónica) y Huesca, además de su esperada participación en el Azkena Rock Festival en Vitoria. Para Alcalá Norte, actuar en este tipo de eventos es una oportunidad para conquistar nuevos fans que quizás no llegarían a ellos a través de las listas de reproducción convencionales. También destacaron su próxima cita en el Palacio de los Deportes de Madrid en febrero, lo que supondrá un hito en su carrera al enfrentarse a un recinto de tales dimensiones. Finalmente, los artistas hablaron sobre la excelente relación que mantienen con otros grupos de la escena actual, citando a Camellos, Carolina Durante o Depresión Sonora como mentores y amigos. Consideran que existe una comunidad de apoyo mutuo entre las bandas que han surgido o se han consolidado en los últimos años, lo que facilita el crecimiento del sector frente a las exigencias de las multinacionales. Antes de concluir, invitaron a los oyentes a escuchar su último adelanto, El Hombre Planeta, y a estar atentos a las novedades de su próximo álbum, que promete seguir la estela de esRadio en su apoyo a la cultura y la música nacional.

Felipe Couselo y su equipo analizan en esRadio la actualidad cultural, del indie de Michigander al teatro premiado de María Velasco. Felipe Couselo dirige una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, un espacio que combina el análisis de la cultura popular, la música alternativa y las últimas novedades cinematográficas. En esta ocasión, el equipo habitual compuesto por Juanma González, Dani Paraceos, Isaac Piscaíno y Alma Espinosa desglosa una variada oferta cultural y sonora que marca la agenda del fin de semana. La sección musical arranca con Dani Paraceos, quien presenta el proyecto Michigander, liderado por Jason Singer. Su tema Freaking Out sirve de anticipo para su próximo álbum, It Will Never Be Before You Know It, previsto para finales de julio. Paraceos destaca la capacidad del artista para crear melodías que parecen diseñadas para bandas sonoras cinematográficas, manteniendo una esencia indie muy marcada. Asimismo, se analiza el impacto de The Last Dinner Party con su sencillo Big Dog, subrayando su cuidada estética visual y potencia en directo, cualidades que las han posicionado como una de las bandas revelación del año tras recibir prestigiosos galardones en el Reino Unido. Isaac Piscaíno toma el relevo para introducir sonidos más experimentales y electrónicos. Destaca el regreso de Boards of Canada con Prophecy 1420 MHz, un corte que forma parte de su esperado trabajo Inferno. La conversación deriva hacia el uso de los productores fantasma en la industria, a raíz de la colaboración entre Idris Elba y Sio en el tema The Drum. Los colaboradores debaten con humor sobre la autoría real en la música de baile y la figura del actor británico en su faceta como DJ en Ibiza, cuestionando si su implicación en la producción es tan profunda como en su carrera interpretativa. En el ámbito de las artes escénicas, Alma Espinosa recomienda la obra Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos, escrita por María Velasco, Premio Nacional de Literatura Dramática 2024. La pieza, que se representa en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares, explora de forma cruda y humorística la búsqueda del amor después de los cuarenta. Velasco utiliza la metáfora de un encuentro alienígena para describir la complejidad de las relaciones modernas marcadas por el ghosting y las aplicaciones de citas, logrando un montaje que mezcla danza, performance y música en directo. Juanma González ofrece su habitual crítica cinematográfica con tres títulos destacados. En primer lugar, analiza Jugada maestra (How to Make a Killing), un remake de una comedia británica de la productora Ealing que, protagonizado por Glen Powell, traslada la acción al mundo corporativo de Nueva York. Aunque González valora el carisma del actor, señala que la cinta no termina de arriesgar lo suficiente en su tono de comedia negra. También revisa la nueva versión musical de El beso de la mujer araña, con Jennifer Lopez y Diego Luna, destacando el despliegue visual de los números musicales, aunque critica cierta falta de profundidad en la trama política argentina del relato original. Para cerrar el bloque de cine, González comenta Movida celestial (Good Fortune), dirigida por Aziz Ansari. A pesar de contar con Keanu Reeves interpretando a un ángel, el colaborador de Libertad Digital califica la película como un pinchazo debido a la falta de química entre sus protagonistas. Según González, la pretensión de cine indie termina lastrando una premisa que podría haber sido mucho más divertida, quedándose en un intento fallido de comedia sobrenatural. El programa culmina con una entrevista a los miembros de Alcalá Norte, Carlos y Álvaro. La banda madrileña comenta el éxito de su sencillo Los llamados pitagóricos y reflexiona sobre su rápido ascenso en la escena nacional. Discuten la etiqueta de post-punk que se les ha asignado, citando influencias de bandas como Molchat Doma y reivindicando un estilo propio que huye de las fórmulas comerciales convencionales. Los músicos adelantan detalles de su gira por localidades como Gijón, Ourense y Jaén, preparando el terreno para su gran concierto en el Movistar Arena de Madrid el próximo febrero, lo que supondrá un hito definitivo en su trayectoria profesional.

Isaac sugiere joyas del dance-punk y ritmos sintéticos de Bloc Party o Wet Leg para triunfar en festejos lejos de los circuitos comerciales. En una nueva entrega musical en esRadio, el equipo del programa ha abordado una petición muy especial recibida a través del correo electrónico. Un joven oyente de veinte años, que trabaja como pinchadiscos en eventos para costearse sus estudios, solicitaba ayuda para confeccionar una selección musical destinada a una boda de cuarentañeros. El desafío radicaba en ofrecer una lista de temas de rock que fueran eminentemente bailables, alejándose de los circuitos más comerciales o convencionales para satisfacer a un público con gustos indie y modernos. La propuesta comienza con un viaje a la Nueva York de principios de los años 2.000, rescatando el tema Me And Giuliani Down By The Schoolyard de la banda !!! (pronunciado Chk Chk Chk). Este tema de 2003 es un claro ejemplo de la estética bailable que buscaba el oyente, con un ritmo marcado por el four-to-the-floor. La canción encierra una crítica velada a Rudolph Giuliani, el entonces alcalde de la ciudad, quien aplicó con rigor una antigua ley de cabarés de 1926 que limitaba severamente el baile en los locales que no contaran con una licencia específica y costosa, lo que afectó profundamente a la vida nocturna neoyorquina. Siguiendo con la estela de la Gran Manzana, el resumen destaca la influencia de la escena independiente liderada por el sello DFA Records. En este contexto, se menciona a The Rapture y su icónico House of Jealous Lovers. Esta pieza, producida por James Murphy, supuso una revolución al fusionar guitarras punzantes con bases propias de la música house. El sonido resultante, etiquetado en su momento como dance-punk, es ideal para levantar cualquier pista de baile, combinando la energía del punk con una estructura rítmica infalible. James Murphy vuelve a ser protagonista con su proyecto personal, LCD Soundsystem, y el éxito Daft Punk Is Playing At My House de 2005. La canción nace de una broma interna en su sello discográfico, imaginando a grandes bandas de la electrónica tocando en sótanos o salones de casas particulares. Con su característica base de post-punk y sintetizadores analógicos, Murphy consiguió definir el sonido de una generación en Nueva York, convirtiéndose en una figura capital de las mezclas y la producción de principios de siglo. El repaso musical también incluye a Le Tigre con su tema Deceptacon, en su versión remezclada de 2002. Esta banda, de marcado carácter punk y actitud contestataria, se autoprodujo un sonido low-fi que asentó las bases del electroclash. Es una propuesta que destaca por su fuerza rítmica y que fue fundamental para el desarrollo de la música de baile con guitarras que dominaría las salas alternativas durante los años siguientes. La selección cruza el Atlántico para recalar en el Reino Unido con Franz Ferdinand y su sencillo No You Girls, perteneciente a su tercer álbum editado en 2009. El grupo escocés, siempre hábil en la creación de himnos para la pista de baile, intensificó en este disco su faceta más festiva. Con remezclas de artistas como Vince Clarke, miembro original de Depeche Mode, la banda demostró su capacidad para adaptar el rock a los ritmos sintéticos sin perder su esencia original. Uno de los momentos más comentados de la sesión es la aparición de The Killers con Somebody Told Me. El programa no deja pasar la oportunidad de señalar, con cierta ironía, que esta formación es la preferida del presidente del Gobierno, Pedro Sánchez. El tema, que narra las dificultades de ligar en una discoteca, se ha convertido en un clásico moderno gracias a su estribillo coreable y sus potentes guitarras, factores que lo hacen indispensable en cualquier evento que busque animar a un público de cuarenta años. Continuando con el post-punk revival británico, se recomienda Banquet de Bloc Party. Este tema de 2004 destaca por su batería acelerada y el diálogo constante entre las guitarras, elementos que imprimen una velocidad vertiginosa a la composición. El cantante Kele Okereke, que posteriormente desarrollaría una carrera en la electrónica, ya mostraba aquí su inclinación por los sonidos diseñados para el movimiento constante. Desde Leeds, llegan Kaiser Chiefs con Everyday I Love You Less And Less. El programa lanza una advertencia humorística sobre este tema: si los novios se dedican esta letra en una boda, el matrimonio podría empezar con mal pie, dado que el título se traduce como "cada día te quiero menos". Pese a ello, su estructura de himno de festival y su ironía lírica la convierten en una pieza muy divertida para el momento álgido de la fiesta. Para cerrar la propuesta, se rescatan clásicos y nuevas sensaciones. Disco 2000 de Pulp aporta el toque de nostalgia del britpop de los noventa, con una historia de amistad y paso del tiempo que siempre conecta con el público. Por otro lado, se introduce a las británicas Wet Leg con Chaise Longue, un éxito reciente de 2021 que demuestra que el estilo de bajo minimalista y voces susurrantes sigue teniendo un hueco importante en la modernidad actual. Finalmente, el toque español lo pone la banda sevillana Pony Bravo con su tema Ibitza (escrito con zeta). Esta canción es una sátira de la cultura de club y la escena electrónica de la isla blanca, mezclando italiano y español sobre una base de sintetizadores y ritmos muy bailables. Es el cierre perfecto para una lista que combina calidad técnica, humor y una selección de temas que garantizan que el público no abandone la pista de baile en toda la noche.

Desde Aerosmith hasta Seal, el espacio explora cómo himnos melódicos humanizaron cintas de superhéroes y explosiones durante décadas en Hollywood. En una nueva entrega de su sección en esRadio, Juanma González y sus colaboradores analizan un fenómeno cinematográfico tan recurrente como eficaz: el uso de baladas románticas para cerrar películas de acción desenfrenada. Bajo el sugerente título de 'canciones ñoñas que terminan películas machirulas', el espacio explora cómo grandes éxitos del pop y el rock han servido de contrapunto emocional a explosiones, persecuciones y dosis masivas de testosterona en la gran pantalla. La primera parada obligatoria es el clásico de 1986 Take My Breath Away, interpretado por Berlin para la película Top Gun. Esta pieza, producida y compuesta por el legendario Giorgio Moroder, no solo se alzó con el Oscar y el Globo de Oro a la mejor canción original, sino que definió una época. Los tertulianos de esRadio recuerdan que el tema estuvo a punto de ser interpretado por el grupo Blondie y comentan cómo su éxito internacional supuso paradójicamente el inicio del fin para la banda Berlin, debido a las tensiones internas surgidas por el drástico cambio de estilo hacia el pop más comercial. El recorrido continúa con Kiss From a Rose, el éxito de Seal que formó parte de la banda sonora de Batman Forever. A pesar de que la cinta dirigida por Joel Schumacher recibió críticas mixtas por su tono colorista, la canción se convirtió en un auténtico himno. En el estudio se destaca el acierto de los ejecutivos de Warner al rescatar este tema del segundo álbum del cantante para reforzar la promoción del filme. La conversación deriva hacia el concepto de Power Ballad, un género que dominó las listas de ventas durante los años noventa y que permitía a los espectadores procesar la acción vivida minutos antes. No podía faltar en este análisis la figura de Michael Bay y su superproducción Armageddon. La canción I Don't Want to Miss a Thing, interpretada por Aerosmith, representa el cénit de este fenómeno. Los colaboradores comentan cómo la voz rasgada de Steven Tyler acompaña el sacrificio del protagonista, logrando que una película de acción pura y dura concluya con un clímax de emotividad desbordada. La estética de Bay, caracterizada por su ritmo frenético, encuentra en este tipo de baladas el equilibrio necesario para humanizar a sus héroes de acción. El repaso incluye también There is a Bridge, la colaboración entre Joe Cocker y Bekka Bramlett para la película Blown Away, titulada en España como Volar por los Aires. Protagonizada por Jeff Bridges y Tommy Lee Jones, la cinta es recordada por sus espectaculares efectos especiales en Boston. Juanma González subraya que esta canción de Cocker aporta una profundidad humanista necesaria tras dos horas de tensión y detonaciones constantes, demostrando que incluso el cine de género más explosivo busca una conexión sentimental con su público al llegar a los títulos de crédito. El toque épico y romántico llega de la mano de I Want to Spend My Lifetime Loving You, el dueto de Marc Anthony y Tina Arena para La Máscara del Zorro. Dirigida por Martin Campbell y con Steven Spielberg en la producción, la película consolidó el estrellato de Antonio Banderas. En esRadio se destaca el papel del fallecido compositor James Horner, quien tras el éxito de Titanic se convirtió en el referente absoluto para crear melodías románticas de gran calado que supieran elevar el tono de las producciones de aventuras más ambiciosas. Para cerrar la sección, los tertulianos se detienen en la música de la saga Avatar de James Cameron. Aunque se menciona el título de la futura entrega Avatar: Fire and Ash, el análisis se centra en temas como Nothing Is Lost (You Give Me Strength) de The Weeknd. A pesar de que la repercusión de estas canciones actuales parece menor que la de los clásicos de los ochenta y noventa, los colaboradores coinciden en que la industria de Hollywood sigue confiando en voces potentes y arreglos orquestales para asegurar que el espectador abandone la sala con una sensación de trascendencia emocional.

Desde el trauma infantil de los gnomos hasta el post-punk neoyorquino, Couselo y su equipo ofrecen una noche de nostalgia y cultura pop en esRadio. En una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el espacio nocturno de esRadio, Felipe Couselo y su habitual equipo de colaboradores han desplegado una propuesta cargada de nostalgia, humor y una cuidada selección musical. El programa ha comenzado con una distendida tertulia sobre el atuendo de Isaac Vizcaíno, comparado por sus compañeros con personajes tan dispares como Tony Stark, un cura vicario de la serie Friends o un historiador exiliado. Esta atmósfera de camaradería es la seña de identidad de uno de los programas más frescos de la parrilla de Libertad Digital. La primera gran sección de la noche ha corrido a cargo de Juanma González, quien ha presentado un monográfico sobre lo que él denomina canciones ñoñas que cierran películas machirulas. González ha analizado cómo grandes éxitos de acción terminan con baladas románticas que buscan suavizar la carga de adrenalina del espectador. El primer ejemplo ha sido el clásico Take My Breath Away de la banda Berlin, producida por Giorgio Moroder para Top Gun. Los colaboradores han recordado cómo esta canción, ganadora del Oscar, supuso irónicamente el fin de la banda debido a las tensiones internas que generó su éxito masivo. El repaso musical de Juanma ha continuado con Kiss from a Rose de Seal, un tema que, aunque no fue compuesto originalmente para el cine, alcanzó la fama mundial gracias a su inclusión en la banda sonora de Batman Forever. También se ha destacado I Don't Want to Miss a Thing de Aerosmith para la cinta Armageddon, señalando la paradoja de que una película de Michael Bay, conocida por sus explosiones, culminara con una de las baladas más recordadas de los años 90. Juanma ha subrayado que este tipo de temas lograban que el público saliera del cine con una sensación de emotividad tras dos horas de testosterona. La sección ha incluido también rarezas como I'll Be Waiting de Joe Cocker para Blown Away (titulada en España Volar por los aires) y el dúo de Marc Anthony con Tina Arena en I Want to Spend My Lifetime Loving You para La máscara del Zorro. Juanma ha cerrado su intervención con una apuesta muy actual: Baby When We Dream de Miley Cyrus, perteneciente a la banda sonora de Avatar: Fuego y ceniza, destacando la herencia de las grandes baladas orquestales de James Horner en la nueva etapa de la saga de James Cameron. Por su parte, Alma Espinosa ha traído a esRadio una sección dedicada a los dibujos animados que generaron traumas a la generación de los 80 y 90. El punto álgido de la conversación ha sido el final de David el Gnomo, donde los protagonistas se despiden de su zorro Swift para convertirse en árboles. Los colaboradores han coincidido en que ver morir —o transformarse— a sus héroes infantiles de una forma tan poética como cruda fue un choque emocional difícil de procesar a edades tempranas. Alma también ha analizado series de la factoría Cartoon Network como Johnny Bravo, a la que ha calificado como un reflejo de un tipo de masculinidad hoy denostada, y Vaca y Pollo, destacando lo grotesco de sus personajes y la ausencia física de los padres, de quienes sólo se veían las piernas. Otro título mencionado ha sido Agallas, el perro cobarde, una serie que rozaba el género de terror para niños con sus ambientes desolados y criaturas sobrenaturales que, según Espinosa, generaban una ansiedad persistente en los espectadores más jóvenes. Finalmente, Isaac Vizcaíno ha tomado las riendas musicales para responder a la consulta de un oyente que pedía consejo para pinchar música en una boda de cuarentones que buscan rock bailable y dance-punk. Isaac ha propuesto un viaje por la escena de Nueva York de principios de los 2000, destacando el sello DFA Records y la figura de James Murphy. Ha pinchado temas icónicos como House of Jealous Lovers de The Rapture y Daft Punk is Playing at My House de LCD Soundsystem. Para cerrar la noche, Vizcaíno ha incluido en su selección a bandas como Franz Ferdinand con No You Girls y a The Killers con su archiconocido Somebody Told Me. El broche de oro lo ha puesto el toque nacional con Pony Bravo y su tema Ibiza, una canción que utiliza la ironía para retratar la escena de los DJs y la noche, manteniendo el ritmo constante y bailable que caracteriza a las mejores sesiones de indie contemporáneo. Con esta mezcla de análisis cultural y buena música, esRadio despide otra jornada de su programa más insomne.

Jack Quaid junto a Karl Urban lideran este relato sobre corrupción de Vought, usando clásicos del rock para desenmascarar a supuestos salvadores. En esta nueva entrega de Prohibido contar ovejas en esRadio, Felipe Couselo nos sumerge en el universo sonoro y argumental de The Boys. Esta serie, disponible en Amazon Prime Video, es una adaptación del cómic homónimo de Garth Ennis y Darick Robertson, bajo la batuta del showrunner Eric Kripke. El programa propone un análisis detallado de cómo la música se entrelaza con una trama que subvierte el género de superhéroes, presentándolos como celebridades corruptas al servicio de una corporación multinacional. Couselo comienza destacando que The Boys no es la típica historia de héroes altruistas. Aquí, los seres con poderes son productos comerciales gestionados por Vought International, una empresa que prioriza el margen de beneficios y el marketing sobre la ética. Para ilustrar esta atmósfera, el presentador introduce el tema Stop de Jane's Addiction, cuya letra subraya la influencia que estas figuras ejercen sobre las masas y, especialmente, sobre los niños, funcionando como modelos de conducta tóxicos. El núcleo de la primera temporada gira en torno a Hughie Campbell, interpretado por Jack Quaid, cuya vida cambia trágicamente cuando su novia muere a manos de A-Train, el hombre más rápido del mundo. Couselo utiliza London Calling de The Clash para ambientar la entrada en escena de Billy Butcher, el carismático y oscuro líder de los muchachos, interpretado por Karl Urban. Butcher es un exmilitar británico obsesionado con desenmascarar la verdadera naturaleza de los superhéroes, a quienes considera una panda de depravados. La selección musical del programa también se detiene en Annie January, conocida como Starlight. Acompañada por el clásico Barracuda de Heart, se narra su decepción al ingresar en Los Siete, el grupo de élite de la corporación. Couselo explica cómo el tema de Heart refleja el enfado de las hermanas Wilson ante el sensacionalismo de la industria discográfica en 1977, un paralelismo perfecto con el uso mercadotécnico de la imagen femenina que sufre Annie en la serie. El análisis prosigue con el resto de integrantes de Los Siete, una parodia mordaz de la Liga de la Justicia de DC Comics. Homelander, o el Patriota, representa una versión narcisista y sociópata de Superman; Queen Maeve es una Wonder Woman desencantada y The Deep funciona como un alivio cómico patético que parodia a Aquaman. Estos personajes viven alienados en un mundo de excesos y depravación, protegidos por el inmenso poder de Vought y la ignorancia de una sociedad indulgente. Un momento curioso del programa es la mención al éxito de 1987 de Rick Astley, Never Gonna Give You Up, asociado en la ficción al personaje de Mother's Milk o Leche Materna. Este miembro de los muchachos intenta equilibrar su vida familiar con la clandestinidad, aportando un toque de humanidad y orden frente al caos de Butcher. Couselo resalta que, a pesar de la oscuridad de la trama, existen anclajes morales que evitan que la serie caiga en un nihilismo absoluto. Couselo no evita la polémica al abordar las críticas que la serie ha recibido recientemente, calificándola algunos sectores de excesivamente woke. No obstante, desde la perspectiva de esRadio, se señala que la producción reparte estopa en todas las direcciones, mofándose especialmente de la falsa cultura inclusiva y de cómo las corporaciones utilizan causas sociales únicamente para generar ingresos, una crítica mordaz a la hipocresía contemporánea. Hacia el final del audio, el programa se centra en el arranque de la segunda temporada y la incorporación de Stormfront, cuya llegada coincide con el tema Sympathy for the Devil de los Rolling Stones. También aparece el CEO de Vought, Stan Edgar, interpretado por Giancarlo Esposito, un hombre de negocios frío que representa el poder corporativo absoluto capaz de tutear incluso al temible Homelander. El programa concluye con una reflexión sobre la fe y el uso de la religión en Estados Unidos, personificado en la canción Never Truly Vanish interpretada por la propia Erin Moriarty en un funeral. Couselo cierra esta primera parte del especial con Dream On de Aerosmith, recordándonos que en un mundo de grises y traiciones, la lucha de los muchachos es una búsqueda desesperada de justicia en un sistema que la ha olvidado por completo.

Un recorrido sonoro por la carrera del director de "Ray of Light", figura clave de la cultura visual contemporánea analizada por Felipe Couselo. En una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, Felipe Couselo dedica el programa a la figura de Jonas Åkerlund, uno de los directores de videoclips más influyentes y polémicos de las últimas décadas. A lo largo de la emisión, se realiza un recorrido sonoro por las canciones que marcaron un antes y un después en la cultura visual gracias a la particular visión del realizador sueco, quien ha sabido transitar entre el metal más oscuro, el pop más brillante y la provocación absoluta. El programa comienza recordando los inicios de Åkerlund, quien antes de ponerse tras la cámara fue batería de la banda de metal Bathory. Su primera incursión en la dirección de videoclips fue con el tema Bewitched de Candlemass, una pieza que Couselo destaca como el punto de partida de una estética transgresora. A pesar de sus raíces en el metal, el director demostró una versatilidad asombrosa al colaborar extensamente con sus compatriotas Roxette, dirigiendo piezas tan coloristas y vitalistas como June Afternoon o la versión en español de Spending My Time, titulada Un día sin ti. Uno de los momentos cumbres del resumen se centra en el videoclip de Smack My Bitch Up de The Prodigy. Felipe Couselo narra cómo este trabajo supuso la consagración internacional de Åkerlund al emplear una cámara subjetiva en primera persona que sumerge al espectador en una noche de excesos. La polémica y la censura rodearon este video debido a su contenido explícito, aunque su giro final —donde se revela que el protagonista es una mujer— rompió los prejuicios de la época y se convirtió en un hito de la narrativa musical. La relación de Åkerlund con las grandes divas del pop también ocupa un lugar central. Se analiza el impacto de Ray of Light de Madonna, un video frenético que ganó el Grammy y que utilizaba técnicas de cámara rápida para mostrar el ritmo vertiginoso de la vida moderna. Esta colaboración dio pie a una sociedad creativa duradera que continuaría con temas como Music o American Life. Asimismo, se menciona el trabajo con Christina Aguilera en Beautiful, donde el director abordó temas sociales como la anorexia, el racismo y la homofobia en un año, 2002, en el que estos asuntos aún se trataban con cierta distancia en los medios comerciales. El rock y el metal regresan al programa de la mano de Metallica y su versión de Whiskey in the Jar. Couselo explica que la banda de San Francisco encontró en el sueco al aliado perfecto para capturar la energía de sus fiestas en el backstage. Otros artistas que pasaron por su lente fueron The Cardigans con My Favourite Game, rodado en el desierto de Mojave y censurado por sus violentos choques de coches, y Jamiroquai con Canned Heat, donde Jay Kay despliega su dinamismo coreográfico entre habitaciones que parecen desafiar la gravedad. Hacia el final del programa, se repasan colaboraciones con bandas legendarias como U2 en Beautiful Day, rodado en el aeropuerto Charles de Gaulle, y The Rolling Stones en Rain Fallin' Down. No obstante, el punto de mayor provocación lo marca Rammstein con Pussy, un video con tintes pornográficos que Åkerlund dirigió utilizando dobles de cuerpo para los músicos, llevando al límite el concepto de arte explícito. Finalmente, Couselo cierra la emisión con Lady Gaga y Beyoncé en Telephone, una superproducción llena de referencias cinematográficas a *Kill Bill*, y el icónico ojo en primer plano de Porcelain de Moby. El programa concluye reafirmando que Jonas Åkerlund no es solo un director, sino un arquitecto visual que ha definido la estética de la música contemporánea a través de la transgresión y la excelencia técnica.

Un recorrido por la historia del pop, la evolución artística de las Spice Girls y el cine inmersivo de James Cameron en el documental de Eilish. En esta nueva entrega de Prohibido contar ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo dirige una charla distendida junto a su habitual equipo de colaboradores, compuesto por Isaac Vizcaíno, Dani Paraceos, Juanma González, Alma Espinosa y Miriam García. La emisión comienza con un ambiente de camaradería donde se mezclan bromas internas, como las anécdotas sobre los grillos de Dani Paraceos, con la actualidad cultural más fresca, marcando el tono de un espacio que transita entre la crítica cinematográfica, las novedades musicales y las efemérides que han definido la historia del rock y el pop. Uno de los ejes centrales del programa es el repaso a las efemérides musicales. Se destaca el aniversario de Hotel California, el emblemático tema de Eagles que alcanzó el número uno en Estados Unidos en 1977. Couselo reflexiona sobre el significado profundo de la canción, describiéndola como un lugar mental donde las ilusiones y la inocencia mueren, subrayando la influencia cultural de un disco que sobrevivió a la era del punk y el post-punk. Asimismo, se conmemora el lanzamiento de Moonage Daydream de David Bowie en 1971 y el fin de una era con la publicación de Let It Be de The Beatles en 1970, el último álbum comercializado por la banda tras su traumática separación. En el apartado de novedades, el equipo analiza la trayectoria de bandas emergentes y figuras consolidadas que regresan al panorama actual. Se menciona a James and the Cold Gun, una formación de Cardiff que destaca por su rock enérgico y su actitud en el escenario, especialmente con su último sencillo Split Second. También hay espacio para la nostalgia reconvertida en modernidad con Melanie C, la antigua integrante de las Spice Girls, que presenta su noveno álbum de estudio titulado Sweat. Los colaboradores debaten sobre su evolución artística y su capacidad para mantener una propuesta bailable con ritmos de club sin perder su esencia atlética. La música electrónica y experimental también tiene su hueco con Lip Critic, una banda de Nueva York que autodefine su estilo como electro-punk. Lo más llamativo de su propuesta es su formación en directo, que incluye dos baterías acústicas y un uso intensivo de samplers, creando una experiencia sonora cruda y original. Además, se comenta el lanzamiento póstumo de Lee "Scratch" Perry en colaboración con Mouse on Mars, titulado Spatial No Problem, y el nuevo proyecto industrial de Robert Görl, miembro fundador de los míticos DAF, quien sigue explorando los sonidos duros y analógicos del EBM alemán. En cuanto a las bandas sonoras, el programa se detiene en el universo de Star Wars. Se analiza el trabajo de Ludwig Göransson para The Mandalorian and Grogu, centrándose en el remix de Boys Noize que aporta un aire más electrónico y oscuro a la franquicia. Juanma González e Isaac Vizcaíno dialogan sobre cómo compositores provenientes del pop o el rock, como Trent Reznor de Nine Inch Nails, han logrado redefinir el cine contemporáneo mediante texturas sonoras innovadoras que dialogan perfectamente con la imagen. La sección de teatro, a cargo de Alma Espinosa, trae noticias sobre la reposición de La aventura de la palabra en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez. Este montaje teatral, protagonizado por Nacho Novo y Marta Poveda, se basa en el discurso de ingreso de Fernando Fernán Gómez en la Real Academia Española (RAE). Espinosa recomienda fervientemente esta obra, que utiliza la dramaturgia del lenguaje para rendir homenaje a uno de los grandes intelectuales de España, destacando la interpretación de sus actores y la relevancia de un texto que explora la evolución del castellano en el siglo XX. El cine ocupa una parte sustancial del tiempo de emisión, con críticas encontradas sobre los estrenos de la semana. Juanma González se muestra implacable con Mortal Kombat 2, a la que califica como una película visualmente sosa y dirigida por un "piloto automático". A pesar del fichaje de Karl Urban, González considera que la cinta carece de alma y es una oportunidad perdida para expandir el universo del videojuego de manera cinematográfica, comparándola negativamente con otras adaptaciones que sí logran transmitir la pasión de sus creadores. Por el contrario, el equipo alaba unánimemente Las ovejas detectives, una producción que mezcla la intriga criminal al estilo de Agatha Christie con el carisma de animales de granja. Protagonizada por Hugh Jackman en la versión original y con la participación de Nicholas Braun, la película es destacada por sus efectos visuales discretos y su capacidad para funcionar como una comedia familiar de alta calidad. González la compara con el tono de las películas de Paddington, subrayando que es una de las sorpresas del año por su guion inteligente y su capacidad para entretener a públicos de todas las edades. Finalmente, el resumen de actualidad cinematográfica incluye dos documentales de temática musical. El primero, Los mejores años de nuestra vida, narra la historia de la banda española Hombres G, enfocándose en la amistad de sus cuatro componentes y su inesperado resurgimiento como estrellas internacionales. El segundo es el documental de Billie Eilish, Hit Me Hard and Soft, dirigido por James Cameron. Los colaboradores destacan la experiencia inmersiva del uso de cámaras 3D en este último, que transporta al espectador directamente al concierto de Manchester, demostrando que el cine documental musical está alcanzando nuevas cotas tecnológicas y narrativas.

Mark Knopfler o Stewart Copeland demuestran cuánto talento musical trasciende géneros para elevar calidad en grandes producciones. En una nueva entrega de la sección Las Cosas de Palacio, emitida en el programa de esRadio, se analiza la fascinante transición de grandes figuras del pop y el rock hacia el mundo de las bandas sonoras cinematográficas. El punto de partida de este repaso es Pino Donaggio, un artista que personifica la dualidad de conocimiento: mientras que las generaciones de los años 60 lo recuerdan como un exitoso cantante de pop italiano, los cinéfilos lo reconocen como el compositor de cabecera de directores de la talla de Brian De Palma o Joe Dante. El programa destaca la labor de Trent Reznor y Atticus Ross, líderes de la banda industrial Nine Inch Nails, quienes han redefinido el sonido del cine moderno a través de su colaboración con David Fincher. Su trabajo en películas como The Social Network —por la que ganaron un Oscar— o la banda sonora de Soul, demuestra una capacidad asombrosa para trasladar la experimentación electrónica al lenguaje narrativo de la gran pantalla, alejándose de los cánones orquestales tradicionales. Otro nombre imprescindible en este análisis es el de Danny Elfman. Antes de convertirse en el socio inseparable de Tim Burton y crear las atmósferas góticas de filmes como Beetlejuice o Edward Scissorhands, Elfman era el carismático vocalista de la banda de new wave Oingo Boingo. Su evolución es citada como uno de los ejemplos más exitosos de cómo la energía del escenario se puede transformar en partituras icónicas para la historia del cine. La lista continúa con Mark Mothersbaugh, cofundador de la influyente banda Devo, quien ha sabido compaginar su estética visual transgresora con la composición para directores tan particulares como Wes Anderson o para superproducciones de Marvel como Thor: Ragnarok. Asimismo, se menciona a Cliff Martinez, antiguo batería de los Red Hot Chili Peppers, cuya carrera como compositor de paisajes sonoros electrónicos en cintas como Drive o The Neon Demon lo sitúa como un maestro de la atmósfera minimalista. En el ámbito del rock alternativo, Clint Mansell (vocalista de Pop Will Eat Itself) y Jonny Greenwood (guitarrista de Radiohead) han dejado una huella imborrable. Mansell es el responsable de la sobrecogedora música de Requiem for a Dream, mientras que Greenwood ha sido aclamado por su labor junto a Paul Thomas Anderson en obras maestras como There Will Be Blood. Ambos artistas han aportado un enfoque vanguardista y experimental que ha enriquecido la profundidad emocional de las imágenes que acompañan. El repaso no olvida a dúos creativos como el formado por Nick Cave y Warren Ellis, cuya melancolía característica se traslada a la perfección en bandas sonoras para películas como The Road o The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford. También se resalta la figura de Ry Cooder, cuyo virtuosismo con la guitarra slide en Paris, Texas no solo marcó un hito en el cine de Wim Wenders, sino que su tema principal se convirtió en una sintonía emblemática en la televisión española. Finalmente, se mencionan las aportaciones de Stewart Copeland, batería de The Police, en películas como Rumble Fish o Wall Street; los pioneros alemanes Tangerine Dream en Sorcerer; y el legendario Mark Knopfler, líder de Dire Straits, cuyas composiciones para Local Hero o The Princess Bride son ya parte del imaginario colectivo. El programa concluye subrayando cómo todos estos artistas han logrado que su talento trascienda los géneros populares para elevar la calidad artística del séptimo arte.

El costumbrismo narrativo se impone como vía de escape, priorizando la sencillez de los días comunes sobre los giros de guion traumáticos y épicos. Alma Espinosa analiza en esRadio la tendencia narrativa conocida como slice of life, o 'rebanada de vida', utilizando como pretexto el estreno en Movistar+ de la serie Yo Siempre a Veces. Esta producción española narra la historia de una joven que, a punto de trasladarse a Berlín por una gran oportunidad laboral, descubre que está embarazada tras una noche de fiesta en Barcelona. A partir de esta premisa, Espinosa explica cómo este género se centra en el transcurrir cotidiano de la existencia, alejándose de los grandes artificios épicos o giros de guion traumáticos que suelen inundar la ficción contemporánea. El concepto del slice of life no es nuevo, ya que tiene sus raíces en el teatro del siglo XIX, cuando los autores comenzaron a retratar la vida de la gente común frente a las epopeyas de héroes. Sin embargo, Espinosa destaca que es en Japón donde el género ha alcanzado su máximo esplendor. En una sociedad marcada por el agotamiento y jornadas laborales infinitas, los ciudadanos nipones demandan contenidos que reflejen paz y tranquilidad. Esta necesidad de desconexión ha convertido en éxitos a mangas y series que simplemente muestran el día a día de una persona sin que ocurra nada extraordinario. Durante la tertulia en Es la Mañana de Federico, se subraya la diferencia entre la interpretación oriental y la occidental de este estilo. Mientras que en Japón una obra puede ser puramente contemplativa —como el manga Koi—, en Occidente se tiende a introducir una mayor carga emocional y dramática. Según Espinosa, el público europeo y estadounidense es más reticente a consumir productos donde no hay un conflicto claro, lo que obliga a los creadores a dinamizar las historias con elementos que rompan la linealidad de lo cotidiano. Como ejemplo de esta adaptación occidental, se cita la serie Normal People, basada en la novela de Sally Rooney. Aunque la producción de la BBC y Hulu se centra en la relación de dos jóvenes y su evolución a lo largo del tiempo, contiene una intensidad dramática que la separa del purismo japonés. La colaboradora explica que, aunque retrata la vida común, la serie está cargada de momentos de gran impacto sentimental que buscan retener la atención de un espectador acostumbrado a narrativas más movidas. Otro referente analizado es La Amiga Estupenda, disponible en HBO. Esta serie, que adapta las novelas de Elena Ferrante, sigue la vida de dos amigas en una Nápoles de posguerra. A pesar de su ritmo pausado y su enfoque en el crecimiento personal, Espinosa señala que el trasfondo social y los conflictos interpersonales actúan como el motor de la trama, alejándola de la simple observación pasiva de la realidad. Es, en definitiva, un costumbrismo elevado que todavía depende de la estructura narrativa tradicional de Occidente. El debate también aborda series como This Is Us, que aunque trata temas familiares cercanos, es rechazada por los puristas del slice of life debido a su uso constante de flashbacks y su elevada carga de tragedia. En este sentido, se menciona que el género puro exige una linealidad temporal y una sencillez que a menudo chocan con las pretensiones de las grandes producciones de Hollywood. Incluso se menciona la influencia de este estilo en películas como Lost in Translation de Sofia Coppola, donde la atmósfera y los encuentros fortuitos en Tokio priman sobre la acción. Finalmente, el equipo de esRadio bromea sobre la extensión de este fenómeno en Japón, donde los reality shows que muestran a gente cocinando o paseando al perro tienen audiencias masivas. Alma Espinosa concluye su intervención reflexionando sobre cómo la explotación de lo cotidiano se ha convertido en un refugio para una audiencia saturada de estímulos. El bloque termina con una nota distendida sobre una paella cocinada por la propia Espinosa, ejemplificando con humor cómo incluso los actos más sencillos pueden generar interés si se cuentan con la perspectiva adecuada.

De Depeche Mode a Lorde, un recorrido por la reverberación que cambió la producción moderna y sigue viva en las pistas más escuchadas de hoy. En una nueva entrega musical en esRadio, Dani Palacios y su equipo analizan la evolución de uno de los sonidos más icónicos de la historia de la música moderna: la técnica de batería conocida como gated reverb. El recorrido sonoro comienza con una remezcla de Enjoy the Silence, de Depeche Mode, una pieza que sirve como preámbulo para desgranar los elementos técnicos de lo que los expertos denominan una caja húmeda y larga. Este sonido, tan característico de la década de los ochenta, se define por una percusión con mucho cuerpo y una cola de sonido que se corta de forma abrupta, proporcionando una sensación de potencia controlada pero expansiva. El origen de esta técnica, denominada en español reverberación porteada, se remonta a un accidente fortuito ocurrido en el año 1979 en los estudios Townhouse de Londres. Durante las sesiones de grabación del tercer disco de Peter Gabriel, conocido popularmente como Melt, se acopló por error el micrófono de órdenes —el que utiliza el equipo técnico para comunicarse con los músicos— con la batería mientras Phil Collins tocaba. El resultado fue un sonido comprimido y cortado que fascinó a Gabriel. La canción Intruder fue la primera en utilizar este efecto, donde la caja de la batería adquiere una dimensión espacial única que no se había escuchado hasta ese momento en la industria. Sin embargo, fue Phil Collins quien llevó este sonido a su máxima expresión comercial con el tema In the Air Tonight, publicado en 1981. Este sencillo marcó un antes y un después en la producción musical, estableciendo los pilares del sonido ochentero que dominaría las listas de éxitos durante años. En esta composición, el patrón de batería es extremadamente sencillo, lo que permite que la caja sea la protagonista absoluta. La clave técnica reside en la distancia sonora entre el bombo y la caja, permitiendo que esta última despliegue toda su cola antes de ser silenciada por una puerta de ruido, lo que genera esa atmósfera de las canciones tan reconocible del pop de sintetizadores. Otro ejemplo emblemático de la aplicación de esta técnica es Born in the U.S.A., de Bruce Springsteen. En este éxito mundial de 1984, el gated reverb se adapta perfectamente a la estética del rock de estadio, ofreciendo un sonido masivo que contrasta con la letra de protesta de la canción. La batería mantiene un ritmo constante, casi marcial, donde el bombo es apenas un acompañamiento para una caja que suena expansiva pero cortada quirúrgicamente. Este tema es una prueba de cómo la producción musical de la época buscaba la máxima sonoridad y claridad para que las canciones resonaran con fuerza en grandes recintos y estadios. La influencia de este efecto también alcanzó a bandas como Dire Straits, aunque de una manera un tanto más sutil. En Money for Nothing, grabada en 1985, la percusión utiliza el efecto de forma matizada para no restar protagonismo a la icónica guitarra de Mark Knopfler. Es un excelente ejemplo de cómo los productores de la época sabían utilizar los recursos técnicos sin saturar la composición, logrando que el tema sonara moderno pero orgánico a la vez. Esta etapa coincide además con el inicio de la transición hacia el proceso digital completo en las grabaciones de estudio, un cambio de paradigma que afectó a toda la producción artística posterior. Saltando a la actualidad, el programa de esRadio analiza cómo diversos artistas contemporáneos intentan evocar esa magia de finales del siglo XX. Grupos como CHVRCHES, con su tema The Mother We Share, o Lorde, con Team, utilizan producciones que beben directamente de estas fuentes. En el caso de Lorde, su propuesta se basa en una producción minimalista donde la caja vuelve a tener un papel preponderante. Los colaboradores destacan que, aunque las baterías actuales suelen ser más secas y comprimidas, el uso de la percusión en estos temas busca recuperar esa sensación de himno que definió la identidad cultural de los años ochenta. Un caso especial es el de The Weeknd y su éxito mundial Blinding Lights. A pesar de ser un tema que corre a una velocidad inusual para esta técnica —unos 171 ritmos por minuto—, la producción logra integrar un sonido de caja muy cargado que respira con dificultad debido al alto tempo. Es una muestra fehaciente de la ansia ochentera que impregna gran parte de la música comercial de la última década, buscando constantemente ese sonido nostálgico que conecta con diversas generaciones. Junto a él, proyectos como M83 con su canción Midnight City han perfeccionado el arte de la evocación sonora mediante sintetizadores y percusiones procesadas. Finalmente, el resumen concluye con Nightcall, de Kavinsky, el tema que alcanzó la fama mundial tras aparecer en la película Drive. Producida por Guy-Manuel de Homem-Christo, miembro de Daft Punk, la canción es considerada por muchos el epítome del revival ochentero moderno. Con una voz fuertemente procesada y una caja que marca un ritmo implacable, representa la culminación de un estilo que se niega a desaparecer de las ondas. En Libertad Digital y esRadio, valoramos cómo estos análisis técnicos permiten entender que la música es también una evolución tecnológica constante que marca el ritmo de nuestra historia cultural.

De la percusión de los ochenta a las narrativas cotidianas, Felipe Couselo coordina un repaso por la trayectoria de grandes compositores de Hollywood. En una nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, Felipe Couselo y su equipo de colaboradores exploraron diversos ángulos de la cultura popular, desde el nacimiento de nuevas estrellas radiofónicas hasta el análisis técnico de sonidos icónicos de los años ochenta. La noche comenzó con la presentación de una peana porta-discos que ambienta el estudio, subrayando la importancia de lo físico en un entorno digital, mientras se introducía al equipo habitual formado por Juanma Rodríguez, Dani Palacios e Isaac Vizcaíno. Uno de los puntos centrales de la charla fue el reciente estreno de AutoReverse, el nuevo espacio nocturno liderado por Isaac Vizcaíno. Sus compañeros destacaron, entre bromas y elogios, el estilo intimista del programa, que ha sido comparado por algunos colaboradores con una voz de 'caramelo derretido'. Vizcaíno explicó que este tono no es premeditado, sino fruto de la soledad en el estudio de esRadio, donde realiza el programa en régimen de autocontrol técnico, manejando personalmente la mesa de mezclas y los ordenadores. La sección musical profundizó en el concepto técnico del gated reverb, un efecto de reverberación que definió el sonido de la batería en la década de los ochenta. Se explicó cómo este fenómeno nació de un accidente fortuito en los estudios de Londres durante la grabación del tema Intruder de Peter Gabriel. El uso de un micrófono de talkback, que habitualmente sólo servía para la comunicación entre la cabina y el músico, reveló un sonido de percusión potente y seco que fascinó a los productores de la época. Este sonido alcanzó su máxima expresión comercial con Phil Collins y su legendario tema In the Air Tonight. El equipo de Prohibido Contar Ovejas analizó cómo Collins estableció los pilares de este efecto, que posteriormente sería adoptado por artistas de la talla de Bruce Springsteen en Born in the U.S.A. o Dire Straits en Money for Nothing. Se destacó que, aunque hoy en día la producción musical tiende a sonidos más minimalistas y procesados digitalmente, la nostalgia ochentera sigue viva en artistas contemporáneos como The Weeknd, quien emula estas técnicas en éxitos como Blinding Lights. Por otro lado, Alma Espinosa introdujo el concepto de slice of life o 'rebanada de vida'. Este género narrativo, que evita los grandes giros dramáticos para centrarse en la cotidianidad, tiene sus raíces en el teatro del siglo XIX y ha encontrado en Japón su máximo exponente cultural. A través de series como Yo siempre a veces, de Movistar, o la aclamada Normal People, se analizó cómo el espectador moderno busca refugio en historias que simplemente retratan el paso del tiempo y las relaciones humanas de forma lineal y sincera. El programa también dedicó un espacio extenso a los músicos de rock que dieron el salto a la composición de bandas sonoras. Se mencionaron casos paradigmáticos como el de Pino Donaggio, que pasó del pop italiano a colaborar con Brian De Palma en Carrie, o Trent Reznor y Atticus Ross, quienes ganaron el Óscar por la música de La red social. El debate puso de manifiesto la capacidad camaleónica de estos artistas para adaptar su talento a las necesidades atmosféricas del cine. Entre los nombres destacados figuraron Danny Elfman, antiguo líder de Oingo Boingo, y Mark Mothersbaugh de Devo, ambos fundamentales en la estética sonora de directores como Tim Burton o Wes Anderson. También se recordó el pasado de Cliff Martinez como batería de Red Hot Chili Peppers antes de crear los paisajes sintéticos de Drive, y la influencia de Nick Cave y Warren Ellis en películas como La carretera. La sesión concluyó subrayando la huella imborrable de Mark Knopfler en el cine con su tema Going Home de la película Un tipo genial, cerrando una madrugada de alta divulgación musical en esRadio.

¿Son realmente malvados? González y Couselo recorren la historia del cine para rescatar la dimensión trágica y existencial de grandes antagonistas. En una nueva entrega del programa Prohibido contar ovejas de esRadio, Felipe Couselo y Juanma González se adentran en un análisis cinematográfico profundo sobre la figura de los villanos de película que, tras una observación detallada, no resultan ser tan malvados como el guion pretende hacernos creer. A través de un recorrido por diversos clásicos del séptimo arte, los tertulianos debaten sobre la ambigüedad moral y las motivaciones legítimas que esconden estos personajes icónicos. El primer ejemplo analizado es el de Roy Batty, el líder de los replicantes en Blade Runner. González subraya que Batty no es un asesino por naturaleza, sino un esclavo moderno con una fecha de caducidad programada que busca desesperadamente a su creador para exigirle más vida. Su lucha es una rebelión existencial contra la obsolescencia impuesta, lo que le otorga una dimensión trágica que culmina en su famoso monólogo final, donde demuestra poseer más humanidad que los propios humanos que lo persiguen. Posteriormente, el programa aborda la figura de Tyler Durden en El club de la lucha. Lejos de ser un simple anarquista, Durden representa una proyección psicológica del protagonista para escapar de la alienación y el consumismo vacío de finales de los noventa. Se le describe como un mal necesario para despertar la conciencia de un hombre atrapado en la rutina de los muebles de diseño y el trabajo corporativo, convirtiéndose en un símbolo de la rebelión individual contra el sistema. En el ámbito del cine histórico y biográfico, la charla se detiene en Salieri, el antagonista de Amadeus. Para los presentadores, Salieri es el santo patrón de los mediocres, un hombre que ha dedicado su vida al Ejército de la música divina solo para ver cómo Dios concede el genio absoluto a un Mozart infantil y grosero. Su enemistad no nace de la maldad pura, sino de un profundo sentimiento de injusticia divina que cualquier espectador puede llegar a compartir. La acción de los noventa tiene su espacio con Vic Deakins, el personaje de John Travolta en Broken Arrow. Bajo la dirección de John Woo, este villano se presenta con una profesionalidad amoral que resulta magnética. Couselo y González destacan cómo el cine de esa época permitía que el antagonista fuera más carismático que el héroe, basando sus acciones en un pragmatismo cínico y una ejecución impecable que lo aleja del estereotipo del villano que desea la destrucción del mundo sin motivo. Uno de los casos más polémicos discutidos es el de Terrence Fletcher en Whiplash. El debate gira en torno a si su sadismo pedagógico es realmente maldad o un método extremo para empujar a sus alumnos hacia la excelencia artística absoluta. Se plantea la pregunta de si el mundo del arte necesita a figuras como Fletcher para descubrir nuevos talentos, sugiriendo que su verdadera motivación es el compromiso con el arte por encima de cualquier convención social de respeto o empatía. El análisis continúa con el general Francis X. Hummel en La Roca. Interpretado por Ed Harris, Hummel es definido como un patriota que se rebela contra el Gobierno tras años de ver cómo el Estado olvida a los soldados caídos en operaciones encubiertas. Su amenaza con armas químicas es, en realidad, un órdago desesperado para conseguir las indemnizaciones que las familias de sus hombres merecen. Es un villano con un código ético inquebrantable que nunca tuvo la intención real de dañar a civiles. La figura de John Milton, el diablo encarnado por Al Pacino en Pactar con el diablo, ofrece una de las reflexiones más interesantes. Milton se presenta como el primer humanista, argumentando que él es el único que acepta al ser humano tal como es, con todos sus pecados y debilidades. Su crítica se dirige a un Dios que impone reglas imposibles, mientras que él se ofrece como un aliado de la naturaleza humana, lo que le permite ganar el debate moral frente al protagonista. En Collateral, el asesino Vincent interpretado por Tom Cruise es analizado desde su frialdad existencial. Su labor es puramente profesional, pero en su interacción con el taxista Max, actúa como un catalizador que le obliga a enfrentarse a sus miedos y a dejar de soñar con una vida que nunca se atreve a vivir. Vincent es un villano que, mediante el caos y la violencia, provoca un crecimiento personal en el héroe. Finalmente, el programa cierra con Darth Vader en La guerra de las galaxias. Se destaca que, a pesar de sus crímenes a escala galáctica, Vader posee el arco de redención más famoso del cine. Su transformación es el resultado de la manipulación de las instituciones políticas y el miedo a la pérdida, lo que lo convierte en un personaje trágico cuya caída al lado oscuro es una respuesta a su incapacidad de gestionar el dolor humano.

Vizcaíno y Couselo defienden la esencia del pinchadiscos frente a sesiones grabadas, rescatando piezas de culto que mantienen su vigencia en la pista. En una nueva edición de Prohibido contar ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo junto a Isaac Vizcaíno presentan la segunda parte de su especial dedicado a los Youngtimers. Este espacio se centra en rescatar y analizar clásicos electrónicos recientes, temas que, aunque cuentan con un par de décadas, mantienen una vigencia absoluta en las pistas de baile y en la cultura popular contemporánea. Durante el audio, se enfatiza la importancia de los sellos discográficos y las escenas locales, especialmente la alemana y la francesa, como motores de innovación en la música de vanguardia. El recorrido musical arranca con la sofisticación de Brian Eno y su remezcla para el tema Protection de Massive Attack. Los colaboradores de esRadio reflexionan sobre el impacto del trip-hop en los años noventa y cómo este género sirvió de puente para ramificaciones electrónicas posteriores. Destacan que ciertas piezas musicales no envejecen, sino que se vuelven más sabias y transversales con el paso del tiempo, logrando emocionar tanto en una escucha íntima como en un entorno de club. Uno de los puntos más interesantes del programa es el análisis del grupo alemán Turrokocorrrot y su tema Cars. Vizcaíno explica el concepto de humanizar la electrónica, una técnica de producción que busca eliminar la perfección matemática de los secuenciadores para dotar a las máquinas de un ritmo más orgánico y vivo. Esta búsqueda de la imperfección es lo que, según los expertos, permite que la música electrónica conecte de forma más profunda con el oyente, alejándola de la frialdad industrial. La conexión entre la música y el resto de la programación de la casa también tiene su lugar. Se menciona el tema Schwindelig de Kollektiv Turmstrasse, una pieza de 2010 que fue utilizada durante mucho tiempo como cierre en La Tarde de Dieter Brandau. Este vínculo sirve para ilustrar cómo la electrónica de calidad permea diferentes espacios radiofónicos, convirtiéndose en parte de la identidad sonora de los programas de esRadio. El dúo francés Air y su icónico tema Sexy Boy, perteneciente al álbum Moon Safari, protagonizan otro de los bloques destacados. Se comenta su participación en bandas sonoras, como la de la película Las vírgenes suicidas de Sofía Coppola, y su capacidad para crear una electrónica sofisticada y pop. El uso de instrumentos clásicos, como el bajo Höfner que popularizó Paul McCartney, demuestra que la vanguardia francesa siempre ha sabido integrar la tradición melódica con las texturas más modernas. La escena de Berlín vuelve a cobrar protagonismo con Moderat, la unión de los proyectos Modeselektor y Apparat. El tema A New Error es analizado como un ejemplo de confluencia artística perfecta: mientras que una parte aporta la crudeza y el bombo del techno, la otra añade paisajes sonoros y melodías etéreas. Los locutores recalcan que esta colaboración ha definido el sonido de la electrónica alemana del siglo XXI, bajo el paraguas de sellos influyentes como BPitch Control. Hacia el final del programa, se aborda la figura de Moby y su evolución desde los ritmos de rave hasta composiciones de corte orquestal. El tema God Moving Over the Face of the Waters, asociado a la película Heat de Michael Mann, sirve para cerrar el especial. Se destaca la formación clásica de Moby, capaz de tocar casi todos los instrumentos en sus grabaciones, lo que le permite crear piezas de una épica sobrecogedora que trascienden las etiquetas habituales del género electrónico. Finalmente, el programa dedica un espacio a la filosofía del pinchadiscos, criticando las sesiones pregrabadas que carecen de alma. Para Vizcaíno y Couselo, la verdadera esencia de un deejay reside en la lectura de la pista y la capacidad de sorprender a la audiencia en tiempo real, adaptando el repertorio a la energía del momento, algo que solo se consigue con años de experiencia y una maleta llena de buena música.

Con la actriz argentina como eje, el libro de Planeta invita a salvar vidas mediante un registro mundial de donantes en plena pandemia. En una nueva entrega de los contenidos culturales de esRadio, se presenta la obra de Diego Casado Rubio, quien acude para desgranar los detalles de su reciente publicación titulada La Mujer que le Hablaba al Techo. Esta obra, editada por Planeta, se sumerge en la cruda pero esperanzadora realidad de la lucha contra la enfermedad, tomando como base la experiencia vital de la actriz y modelo argentina Celina Rucci. El autor explica que la génesis de la novela surgió de una imagen poderosa —inspirada por la estética de una película de Pedro Almodóvar— durante un viaje a Nueva York. Casado Rubio decidió contactar con Rucci para dar forma a una historia que explora los límites de la resistencia humana. La protagonista se enfrentó a una leucemia mieloide aguda a los 42 años, recibiendo un diagnóstico inicial que apenas le otorgaba un 7% de probabilidades de supervivencia. Este proceso coincidió además con el aislamiento extremo provocado por la pandemia de la COVID-19, lo que intensificó la sensación de soledad y la dureza del tratamiento. Uno de los aspectos más originales de la novela es la elección del narrador: un ángel de la guarda. Esta figura permite al autor mantener una distancia espiritual adecuada, evitando que el texto se convierta en una biografía convencional o en un manual de autoayuda. El uso del humor es fundamental en la narrativa, aportando una visión ácida y punzante que es muy característica de la idiosincrasia argentina. Diego Casado Rubio destaca cómo en Argentina existe una tendencia a no dramatizar en exceso las tragedias, contrastándolo con el carácter español, al que percibe como más propenso al agravio o al enfado cotidiano. Durante la charla en esRadio, se hace especial hincapié en la labor de concienciación social que persigue el libro. El autor subraya que la donación de médula es un tema central y necesario. Aclara que, en contra de la creencia popular, no se trata de una intervención quirúrgica invasiva ni dolorosa, sino de un proceso similar a una extracción de sangre o una muestra de saliva. La novela incluye un código QR en forma de corazón que redirige al lector al banco mundial de donantes, fomentando que las personas de entre 18 y 40 años se inscriban en este registro vital. El proceso creativo de Diego Casado Rubio incluyó una estancia en Nueva York, conviviendo con la propia Celina Rucci para captar sus matices, sus silencios y su fortaleza. El autor relata con emoción cómo escribió el primer capítulo de la novela frente al edificio Chrysler, bajo una nevada que interpretó como una señal de éxito para el proyecto. Además, se mencionan anécdotas curiosas sobre el choque cultural y la hospitalidad argentina, ejemplificadas en un encuentro fortuito con la madre de un periodista español, donde la extroversión del autor rompió las barreras habituales de la privacidad en Madrid. Finalmente, se informa de que La Mujer que le Hablaba al Techo ya se puede adquirir en España en formato digital a través de plataformas como el Corte Inglés, Fnac, Casa del Libro o Amazon. La sección cierra con los acordes de Like a Prayer de Madonna, una canción que aparece en el libro y que simboliza esa mezcla de fe, lucha y redención que atraviesa toda la historia de Rucci. El autor se despide recordando que la donación de médula es, en esencia, un superpoder que permite salvar vidas de manera altruista en cualquier rincón del mundo.

Felipe Couselo y sus colaboradores repasan el retorno del rock con Bulo y el emotivo tributo a Shane MacGowan de Imelda May junto a Johnny Depp. En la última edición de Prohibido Contar Ovejas, el equipo liderado por Felipe Couselo se despide del mes de abril para dar la bienvenida a mayo, analizando la actualidad cultural y musical con su habitual tono desenfadado. Durante el programa, se ha dado especial protagonismo al estreno de un nuevo espacio en la sintonía de esRadio: Autorreverso, el primer spin-off radiofónico nacido de la colaboración de los integrantes de la mesa. Isaac Vizcaíno ha presentado los detalles de su nuevo proyecto, Autorreverso, que se emite en las madrugadas del viernes al sábado a las 03:00. El programa se concibe como una cinta de música de 60 minutos con estilos variados e historias que contar, recuperando la nostalgia del formato físico y el concepto de las cintas grabadas y los antiguos Walkman. Vizcaíno ha explicado que la intención es ofrecer una selección musical ecléctica que huya de las etiquetas rígidas, permitiendo saltos entre géneros bajo un criterio puramente personal. En el bloque musical, se ha destacado el regreso al sonido rock con la banda Bulo y su tema La piel del aire. Integrado por músicos procedentes de Robinness, el grupo actuará próximamente en la madrileña Sala Villanos. Además, el equipo ha comentado la actualidad de otras bandas como La Trinidad, con su tema La Trinidad no paga traidores, y el nuevo trabajo de Carlangas, Familia SL, que marca una evolución tras su etapa en Novedades Carminha. También ha habido espacio para los grandes clásicos, analizando el contenido de la reedición de lujo de Reload de Metallica y la importancia de la banda sonora de Diablo IV, que cuenta con la participación de Korn. Uno de los momentos más emotivos ha sido la mención al tributo a Shane MacGowan, líder de The Pogues. Se ha escuchado la versión de Haunted realizada por Imelda May y Johnny Depp, una colaboración que busca rendir homenaje a la figura del músico irlandés y a Sinead O'Connor. Felipe Couselo ha recomendado encarecidamente el documental sobre la vida de MacGowan, disponible en plataformas de streaming, para entender la complejidad y el genio del artista. La cultura pop española ha estado representada por el nuevo lanzamiento de Fangoria. Alaska y Nacho Canut han publicado La verdad o la imaginación, un LP con canciones nuevas tras un largo periodo centrados en versiones y revisiones. El equipo ha alabado la apuesta por el formato físico, destacando una edición especial en vinilo que incluye un libreto con fotografías en 3D y gafas especiales, reafirmando el compromiso del grupo con el coleccionismo y el diseño artístico. En la sección de artes escénicas, Alma Espinosa ha recomendado Zarzuela con Vermú, un montaje que se estrena en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. Bajo la dirección de Susana Gómez y Miguel Huertas, la obra pretende acercar el género chico a las nuevas generaciones mediante un formato fresco y dinámico de 75 minutos, ideal para disfrutar en horario matinal antes de la comida tradicional del domingo. El cine ha ocupado un lugar destacado con el análisis de los próximos estrenos y tendencias en plataformas. Juanma González ha comentado la llegada de El diablo viste de Prada 2, una secuela que llega casi dos décadas después de la original y que explora la transformación de los medios de comunicación tradicionales en el entorno digital. También se ha analizado Mi querida señorita, la apuesta de Netflix producida por los Javis que actualiza el clásico de Jaime de Armiñán, tratando temas de intersexualidad con una sensibilidad contemporánea. El programa ha cerrado con una entrevista profunda a Diego Casado Rubio, autor de la novela La mujer que le hablaba al techo. La obra narra la historia real de la actriz y bailarina argentina Celina Rucci, quien se enfrentó a una leucemia con un pronóstico de supervivencia de apenas el 7%. Casado Rubio ha detallado cómo el proceso de escritura fue una colaboración íntima en la que se ficcionaron las vivencias de Rucci durante su aislamiento en Nueva York en plena pandemia. La entrevista ha servido para lanzar un mensaje de concienciación sobre la importancia de la donación de médula ósea. El autor ha explicado que, a menudo, la desinformación gubernamental impide que la gente sepa lo sencillo que es el proceso de registro para salvar vidas. La novela incluye un código QR que redirige directamente a la inscripción en el registro de donantes, uniendo la literatura con un compromiso social que trasciende las páginas del libro.

La estrategia de lanzamientos masivos para retener suscriptores diluye el valor de títulos firmados por autores como Cuarón, Sorkin o Scorsese. En una nueva charla distendida en esRadio, los colaboradores analizan el fenómeno de la fugacidad del contenido en las plataformas de streaming, centrándose especialmente en Netflix. Comienzan comentando la película protagonizada por Charlize Theron, Apex, señalando que, a pesar de ser entretenida, es el tipo de producción que se olvida a los pocos días de haberla visto. Este patrón parece repetirse incluso en grandes superproducciones con presupuestos millonarios como Frankenstein, donde la enorme inversión no garantiza un impacto duradero en la memoria del espectador. El debate se traslada a títulos de mayor calado crítico como La Sociedad De La Nieve o El Irlandés. Sobre esta última, se menciona que, aunque Martin Scorsese se ha ganado el derecho a la duración que desee, el formato digital parece diluir la relevancia de la obra. Especialmente crítica es la visión sobre Roma, de Alfonso Cuarón. Los tertulianos coinciden en que fue una película diseñada para los Oscar, buscando desesperadamente situar a Netflix en el mapa de los grandes premios de la Academia, lo que para algunos le resta esa frescura o autenticidad de las obras que no nacen con pretensiones de galardón. Incluso películas bien valoradas como Los 7 De Chicago, de Aaron Sorkin, sufren de este efecto de olvido inmediato. Se describe el trabajo de Sorkin como una versión más cercana al estilo de Spielberg cuando aborda temas institucionales, resultando en una obra correcta pero que no alcanza la relevancia histórica de otros guiones del autor. En una línea similar de experimentación visual, mencionan Malcolm & Marie, protagonizada por Zendaya, destacando su estética en blanco y negro y su tono intimista de conversación entre dos personajes, aunque admiten que puede resultar una experiencia difícil para el gran público. En el ámbito de los grandes blockbusters, se analizan cintas como Alerta Roja, con Dwayne Johnson, Gal Gadot y Ryan Reynolds, y El Proyecto Adam. A pesar del carisma de sus protagonistas y de las enormes cifras de visualización que reporta la plataforma, los colaboradores las califican como productos de entretenimiento básico que imitan fórmulas de directores como Bruce Heimer o J.J. Abrams sin llegar a calar realmente. La sensación general es que la estrategia de estrenos masivos prioriza la cantidad para evitar la baja de suscriptores, provocando que el contenido nuevo sepulte al anterior constantemente. Un caso aparte es la saga Tyler Rake (Extraction), protagonizada por Chris Hemsworth. Con la tercera entrega ya en camino, la comparan con el estilo gun-fu de la saga John Wick, alabando su puesta en escena y sus elaborados planos secuencia. Sin embargo, recalcan que, a nivel de guion, son propuestas deliberadamente básicas que descansan casi exclusivamente en la acción física y en la dirección de producción de los hermanos Russo, quienes han encontrado en Netflix el ecosistema perfecto para sus proyectos tras el éxito en Marvel. El repaso incluye títulos que fueron pioneros en la apuesta por el cine de gran presupuesto en casa, como Bright, dirigida por David Ayer y protagonizada por Will Smith. Se recuerda como una mezcla curiosa de cine policial y fantasía que, aunque tuvo un éxito inicial arrollador, su prometido universo cinematográfico parece haber quedado estancado en el olvido diez años después. Por el contrario, destacan sorpresas positivas como la película de animación Las Guerreras K-Pop, que consideran una de las propuestas más entretenidas y dinámicas del catálogo reciente por su falta de pretensiones. También hay espacio para el cine de autores consagrados que ha pasado algo desapercibido, como La Balada De Buster Scruggs de los hermanos Coen. Se destaca su tono de western episódico y la capacidad de los directores para transitar hacia la negrura más absoluta y deprimente. En el género de la ciencia ficción, mencionan Aniquilación, de Alex Garland, y Triple Frontera, valorando el reparto de esta última con nombres como Ben Affleck, Oscar Isaac y Pedro Pascal, aunque lamentan que se pierda en el inmenso contenedor de la plataforma digital. Finalmente, los colaboradores de esRadio cierran la sección recomendando El Juego De Gerald, de Mike Flanagan, como una de las mejores adaptaciones de Stephen King. En el lado opuesto, sitúan a The Cloverfield Paradox como un ejemplo de película fallida y confusa que el estudio original prefirió vender a la plataforma antes que arriesgarse en cines. Terminan mencionando Emboscada Final, con Kevin Costner y Woody Harrelson, una cinta que en los años noventa habría sido un éxito de taquilla masivo pero que hoy sobrevive discretamente en el catálogo de la aplicación.

De piezas hechas con bolsas de patatas a su orquesta contra el Brexit, el artista inglés destaca por su rigor conceptual y compromiso social. En esta nueva entrega musical en esRadio, Isaac y Miriam exploran la polifacética carrera del músico británico Matthew Herbert. Conocido por su capacidad de innovación y su particular visión del arte sonoro, Herbert ha sabido transitar desde los ritmos del house más bailable hasta los experimentos más vanguardistas del sampling. Durante el programa, se destaca cómo el artista ha utilizado alias como Wishmountain o Doctor Rockit para explorar diferentes texturas sonoras, dejando una huella imborrable en la música electrónica contemporánea. Uno de los hitos comentados es su fase inicial, marcada por temas como Thinking of You, perteneciente a su época previa a 1995. En este periodo, Herbert se centraba en un house elegante y sofisticado, ideal para ambientes selectos. Sin embargo, su curiosidad le llevó pronto a investigar el muestreo de objetos cotidianos. Bajo el pseudónimo Wishmountain, sorprendió a la crítica con piezas como Crisps, donde el ritmo principal se construye íntegramente a partir del sonido de una bolsa de patatas fritas, demostrando un minimalismo percusivo que recuerda a grandes compositores como Steve Reich o Philip Glass. El resumen continúa analizando el álbum Around the House, publicado a finales de los noventa. En este trabajo, Herbert contó con la colaboración vocal de su mujer, Dani Siciliano, y llevó su técnica de muestreo a la cocina, utilizando utensilios domésticos para generar la base rítmica de canciones como Going Around. Esta capacidad para encontrar música en lo mundano se convirtió en su sello distintivo, permitiéndole crear una atmósfera que los colaboradores de esRadio califican como tribal y envolvente, a pesar de la sencillez de los elementos empleados. El rigor artístico de Herbert se formalizó en su famoso Manifiesto del Contrato Personal para la composición musical, un conjunto de reglas autoimpuestas. En este documento, el músico se prohibía el uso de cajas de ritmos y muestras pregrabadas de otros artistas. Todo sonido debía ser capturado por él mismo para asegurar que la obra pudiera ser replicada fielmente en sus actuaciones en directo. Esta ética de trabajo se refleja claramente en su álbum de 2001, Bodily Functions, donde emplea sonidos generados por el cuerpo humano, como chasquidos de dedos y palmadas, para construir temas tan emblemáticos como The Audience. Más allá de la electrónica, Herbert ha demostrado su versatilidad al frente de la Matthew Herbert Big Band. Con el álbum Turning Pages, el artista se sumergió en el mundo del jazz y el swing, colaborando con dieciséis músicos para crear un sonido rico y melódico. Su mayor éxito comercial llegó, no obstante, con el disco Scale en 2006, cuyo tema The Movers and the Shakers alcanzó puestos relevantes en las listas de éxitos de Estados Unidos. Según se comenta en el audio, Herbert no es solo un técnico del sonido, sino un músico con una profunda conciencia política. Esa faceta política se manifiesta en sus protestas contra el globalismo y su compromiso con causas sociales. Herbert ha realizado grabaciones denunciando las prácticas de grandes corporaciones y, tras la salida del Reino Unido de la Unión Europea, puso en marcha el proyecto Brexit Big Band, una orquesta itinerante que buscaba fomentar la colaboración con músicos locales de toda Europa a modo de disculpa y hermanamiento. Esta implicación ideológica es fundamental para entender su obra, que a menudo utiliza el ruido como una herramienta de crítica social frente a la industria de masas. El recorrido por su trayectoria también menciona sus colaboraciones de alto nivel, desde remezclas para artistas como Björk o REM hasta encargos institucionales de prestigio. En 2009, Herbert compuso la música de las cuarenta y dos postales de presentación del festival de Eurovisión y ha trabajado con sellos de música clásica como Deutsche Grammophon para reinterpretar la décima sinfonía de Mahler. Esta capacidad para alternar entre el arte de vanguardia y la cultura popular es lo que le define como un creador único en su generación. Finalmente, el programa analiza su trabajo más reciente, centrado en el concepto de la diastema, la separación entre los dientes. En su último sencillo, titulado Teeth, Herbert juega con el silencio y los cortes abruptos en la composición para representar físicamente ese espacio vacío entre las paletas. Aunque la propuesta pueda parecer extravagante o propia de un círculo snob, los colaboradores coinciden en que se trata de una genialidad conceptual que desafía al oyente a imaginar la música que falta en esos huecos. Es, en definitiva, una muestra más del inagotable ingenio de un artista que sigue viendo el mundo como una inmensa fuente de sonidos por descubrir.

Desde Klaxons hasta Super Skunk, el colaborador de esRadio rescata formaciones musicales que dejaron una huella imborrable pese a su breve discografía En una nueva entrega de su sección en esRadio, Dani Palacios analiza aquellos proyectos musicales que, a pesar de su innegable calidad y potencial, tuvieron una trayectoria inusualmente corta. En el programa Es la Mañana de Federico, Palacios explora esa sensación agridulce de descubrir un grupo, quedar fascinado por su propuesta y comprobar que su discografía se limita a pocos trabajos. El colaborador de Libertad Digital destaca que, en muchas ocasiones, estas rupturas prematuras se deben a conflictos de egos o mala gestión del éxito, lo que impide que bandas con un talento desbordante logren consolidarse en la industria. Uno de los primeros nombres puestos sobre la mesa es el de Klaxons, la banda británica que abanderó el movimiento conocido como new rave a mediados de la década de los 2000. Su álbum de debut, Myths of the Near Future, fue un fenómeno global que incluía éxitos masivos como Golden Scans. A pesar de su enorme proyección y de haber ganado prestigiosos premios, el grupo se disolvió en 2014 tras publicar únicamente tres discos. Palacios recuerda cómo este tipo de formaciones lograban conectar con una generación a través de sonidos electrónicos mezclados con pop alternativo, aunque la intensidad de su ascenso terminó por consumir la energía del proyecto. La sección también dedica un espacio destacado al panorama nacional con Super Skunk, una formación madrileña que surgió de las cenizas de bandas como La Vaca Azul y Mama Ladilla. Con una propuesta valiente que fusionaba rock, blues, hip-hop y ska, lograron impactar con fuerza en los festivales de finales de los 90 con temas como Luz, perteneciente a su disco Planeta Azul. Para los especialistas de esRadio, este grupo representaba una calidad musical excepcional en directo, demostrando que en España existía una escena capaz de mirar de tú a tú a las grandes producciones internacionales de la época. Otro de los ejemplos citados por el colaborador de Libertad Digital es ZOO, el proyecto personal liderado por Daniel Arias tras su paso por la mítica formación de rap 995. Con un estilo post-hardcore que recordaba a los mejores momentos de bandas como At the Drive-In, lanzaron el álbum Música de descontento. Dani Palacios destaca la fuerza de sus letras y la distorsión de sus guitarras, lamentando profundamente que la banda desapareciera tras apenas dos álbumes de estudio. Aunque de sus cenizas nació posteriormente el grupo Pasajero, se mantiene una debilidad especial por el sonido de ZOO, considerado más auténtico y visceral. En el ámbito del metal internacional, Palacios rescata la figura de One Minute Silence, un grupo británico de rap-metal que a finales de los 90 fue comparado con el sonido revolucionario de Rage Against the Machine. Su tema Fist Out Of Water es recordado como un prodigio de potencia rítmica. Según se comenta en la antena de esRadio, la banda poseía una presencia escénica espectacular, llegando a ser considerada una de las mejores bandas en vivo de su generación. Sin embargo, tras su tercer disco, el proyecto perdió fuelle y se disolvió, dejando un vacío importante en el género del metal alternativo. Dani Palacios también rescata del olvido a Porcelina, una banda sevillana que en 2011 publicó Vorágine Aborigen. Con un sonido que bebía directamente del grunge de los 90, evocaban la esencia de grupos como Alice in Chains o Stone Temple Pilots. A pesar de que en sus inicios contaron con una evidente falta de presupuesto, Palacios defiende que el ingenio de sus músicos suplía cualquier carencia técnica en la producción. La buena noticia para los oyentes de Libertad Digital es que el grupo ha vuelto recientemente a la actividad, lo que supone un soplo de aire fresco para la maltrecha industria del rock independiente español. Finalmente, el repaso concluye con bandas británicas como Pulcas y Dearly Beheaded. Los primeros, radicados en Londres, apuntaban a lo más alto con su disco Greed en 1998, pero desaparecieron de forma repentina. Los segundos, procedentes de Manchester, dejaron una huella imborrable con Temptation en 1996, un álbum que Palacios considera una obra maestra del metal de mediados de los 90. En el tramo final de la sección, entre bromas con los compañeros de programa, se acuña el alias de el Perjudicador para referirse irónicamente a quienes parecen atraer la mala suerte a las bandas, mientras se destaca la labor de esRadio al reivindicar estos tesoros musicales que el tiempo ha tratado con injusticia.

De la experimentación sonora de Matthew Herbert al impacto de Muddy Waters, esRadio repasa los hitos culturales y el cine actual en Netflix. En una nueva edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo y su equipo habitual de colaboradores se reúnen para desgranar la actualidad cultural con su característico tono distendido. La velada comienza con una inmersión en la música experimental de la mano de Isaac Vizcaíno, quien introduce la figura del británico Matthew Herbert. Este artista es reconocido por su peculiar metodología de trabajo, basada en samplear sonidos cotidianos para construir sus composiciones electrónicas. Vizcaíno destaca cómo Herbert ha utilizado desde bolsas de patatas fritas en su alias Wish Mountain hasta utensilios de cocina en el álbum Around the House, desafiando los límites de lo que consideramos instrumentación musical. El debate musical continúa analizando el compromiso político y estético de Herbert, quien en el año 2000 redactó un manifiesto personal para su composición musical, prohibiéndose el uso de cajas de ritmos o materiales pregrabados. Esta búsqueda de una pureza sonora orgánica le ha permitido transitar por géneros tan diversos como el house, el jazz con su Big Band y la experimentación pura en trabajos como Bodily Functions, donde el cuerpo humano se convierte en la fuente principal de sonido. El equipo de esRadio resalta que, a pesar de lo excéntrico que pueda parecer su método, el resultado es una obra de enorme calidad artística que ha influido en artistas de la talla de Björk o Quincy Jones. Asimismo, el programa rinde homenaje a Muddy Waters en el aniversario de su fallecimiento. Felipe Couselo subraya la importancia del bluesman como el arquitecto del rock moderno. Waters no solo fue una influencia directa para bandas como The Rolling Stones —quienes tomaron su nombre de una de sus canciones—, sino que su tema Mannish Boy representa la esencia misma de una masculinidad sonora que transformó el paradigma musical de los años 50 y 60. Su legado es recordado en Libertad Digital como un pilar fundamental para entender la evolución de la música popular contemporánea y la libertad creativa que permitió el nacimiento de nuevos géneros. Dani Palacios protagoniza uno de los segmentos más nostálgicos de la noche al rescatar bandas que tuvieron una corta pero intensa trayectoria. Bajo la premisa de grupos que apenas publicaron tres discos antes de disolverse, Palacios menciona a Klaxons, los abanderados del new rave que marcaron una época a principios de los 2000 con el álbum Myths of the Near Future. La charla deriva hacia la escena española, recordando a Super Skunk, una banda madrileña que lograba una fusión impecable de estilos como el funk, el ska y el metal, y cuya energía en directo sigue siendo recordada por los aficionados al rock nacional. En el repaso de estas bandas efímeras también aparecen nombres como One Minute Silence, un grupo de rap metal que destacó por su potencia y calidad, o los sevillanos Porcelina, cuyo sonido bebía directamente del grunge de Seattle pero adaptado con gran ingenio al castellano. El equipo reflexiona sobre cómo las luchas de egos y la mala gestión del éxito temprano suelen ser los principales causantes de que proyectos tan prometedores terminen desapareciendo del mapa musical antes de alcanzar su plena madurez artística, dejando a los seguidores con una permanente sensación de orfandad sonora. La sección cinematográfica, dirigida por Juanma González, pone el foco en el catálogo de Netflix y el fenómeno de las películas rápidamente olvidadas. González critica cómo la plataforma inunda al espectador con un volumen ingente de contenido que provoca que incluso producciones notables se pierdan en el abismo del algoritmo. Se citan ejemplos como El juicio de los 7 de Chicago, de Aaron Sorkin, o Emboscada final, protagonizada por Kevin Costner y Woody Harrelson, cintas que, a pesar de su factura impecable, parecen tener una fecha de caducidad inmediata en la memoria del público digital. El análisis se extiende a los intentos de Netflix por crear sus propios blockbusters, como Bright o Alerta roja, que son descritos como productos de entretenimiento eficaces pero carentes de alma. Juanma González salva de esta quema a la franquicia Tyler Rake (Extraction), destacando que Chris Hemsworth ha encontrado un papel a su medida en una saga de acción que apuesta por la espectacularidad técnica y los planos secuencia elaborados. No obstante, se advierte que la saturación de estrenos semanales termina por devaluar la experiencia cinematográfica, convirtiendo el séptimo arte en una suerte de fast food visual que penaliza la atención del espectador. Para concluir, se reivindican obras como El juego de Gerald, la adaptación de Stephen King realizada por Mike Flanagan, que demuestra que cuando la plataforma otorga libertad creativa total a directores con talento, el resultado puede ser perturbador y brillante. El equipo de Prohibido Contar Ovejas en esRadio despide el programa animando a la audiencia a buscar esas joyas ocultas en el catálogo, huyendo de las recomendaciones automáticas y ejerciendo su criterio personal para disfrutar de una cultura que no se agote en el simple consumo instantáneo.

Felipe Couselo, Juanma González y Dani Palacios analizan la evolución de títulos como 'Heat' o 'La mosca' bajo una mirada técnica y nostálgica. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo se rodea de sus colaboradores habituales, Dani Palacios y Juanma González, para profundizar en un fenómeno cinematográfico inagotable: los remakes cinematográficos. La conversación surge a raíz de la noticia sobre una nueva adaptación televisiva de El cabo del miedo, lo que sirve de excusa para que el equipo analice cuáles son, a su juicio, las mejores versiones que han superado o igualado a sus obras originales. El primer título puesto sobre la mesa es The Ring (La señal), la versión estadounidense de 2002 dirigida por Gore Verbinski. Dani Palacios defiende que, aunque la original japonesa de Hideo Nakata es una obra maestra del terror, Verbinski logró dotar a la historia de una atmósfera visualmente superior y más comprensible para el público occidental. Durante el análisis, destacan la interpretación de Naomi Watts, quien se convirtió en un icono del sufrimiento en pantalla, y cómo la mitología de la cinta de vídeo maldita fue perfeccionada mediante un diseño de producción mucho más ambicioso que el de la cinta nipona. Posteriormente, el debate se traslada al género musical con La pequeña tienda de los horrores de 1986. Esta cinta de Frank Oz es un remake de una película de bajo presupuesto de Roger Corman, pero basada directamente en el éxito de Broadway. Los colaboradores subrayan la maestría de los efectos prácticos de la época, mencionando que la planta Audrey II fue animada mediante técnicas de cámara lenta para lograr una fluidez imposible de replicar hoy con CGI. Además, resaltan el trabajo de Rick Moranis y la capacidad de la película para mantener un tono oscuro y cínico, propio del cine de los ochenta, a pesar de su envoltorio de comedia musical. No podía faltar en este repaso una de las cumbres del horror corporal: La mosca (1986), de David Cronenberg. El equipo coincide en que este es el ejemplo perfecto de cómo un remake puede reinterpretar totalmente un concepto clásico para convertirlo en una metáfora profunda sobre la enfermedad y la degeneración física. La química entre Jeff Goldblum y Geena Davis eleva el guion, transformando lo que podría haber sido una simple película de monstruos en una tragedia romántica desgarradora, apoyada por los efectos especiales de Chris Walas que siguen resultando perturbadores cuatro décadas después. En el ámbito del thriller policiaco, Juanma González destaca Heat (1995), dirigida por Michael Mann. Lo curioso de este caso es que se trata de un autoremake de un telefilme anterior del propio Mann titulado L.A. Takedown. La película es recordada por reunir por primera vez en una misma escena a dos leyendas vivas: Al Pacino y Robert De Niro. Los colaboradores ensalzan la precisión técnica de Mann, especialmente en la famosa escena del tiroteo en las calles de Los Ángeles, donde el sonido de las armas se grabó directamente de forma ambiental para aportar un realismo crudo que ha marcado el cine de acción contemporáneo. Hacia el final del programa, analizan La invasión de los ultracuerpos (1978), la versión de Philip Kaufman que actualiza el clásico de Don Siegel. Para el equipo de esRadio, esta versión capta mejor que ninguna la paranoia social de los años setenta, trasladando la acción de un pequeño pueblo a una gran ciudad como San Francisco. Destacan el icónico final de Donald Sutherland, un momento nihilista que ha quedado grabado en la historia del cine y que ha dado pie a infinidad de interpretaciones y homenajes en la cultura popular. Finalmente, el programa cierra con una mención especial a La momia (1999) de Stephen Sommers, un remake que supo rescatar el espíritu del cine de aventuras clásico al estilo de Indiana Jones. Entre bromas y referencias a otros títulos como Los siete magníficos o los trabajos de John Carpenter, los tertulianos concluyen que un buen remake no es aquel que copia plano por plano el original, sino el que aporta una visión autoral propia. El toque de humor lo pone un fragmento de audio de Elvis Crespo utilizado para bromear sobre La cosa, cerrando una noche dedicada a la nostalgia cinematográfica y al análisis técnico del séptimo arte.

El programa recorre los hitos de este genio visual, desde la emotiva despedida de Johnny Cash hasta el fenómeno de masas liderado por Taylor Swift. Felipe Couselo inicia la semana en esRadio con una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, un espacio que en esta ocasión se sumerge en la videografía de Mark Romanek. Couselo, acompañado por Miriam García, dedica el programa a repasar la trayectoria de este director de Chicago, responsable de algunas de las piezas visuales más icónicas y costosas de la industria musical. A lo largo de la emisión, se analiza cómo Romanek ha sabido captar la esencia de diversos artistas, desde el rock alternativo hasta el pop más comercial, dejando una huella imborrable en la cultura visual de las últimas décadas. El recorrido musical comienza en 1986 con la banda The The y su tema Sweet Bird of Truth. Este periodo marca los inicios de Romanek, quien dio sus primeros pasos en la industria de la mano de figuras como David Fincher en la productora Propaganda Films. Couselo destaca cómo la difusión de la música a través del videoclip supuso un cambio de paradigma total, con la cadena MTV como el faro luminoso que dictaba las tendencias globales. En estos años, el estilo de Romanek comenzó a forjarse bajo la influencia de una estética cinematográfica muy cuidada, heredada de su experiencia como asistente de dirección de Brian de Palma. En la década de los noventa, Romanek consolidó su estatus con trabajos profundamente conceptuales. Un ejemplo claro es el video de Constant Craving para k.d. lang, inspirado en la obra de teatro Esperando a Godot de Samuel Beckett. Esta pieza, premiada por la crítica, demuestra la capacidad del director para entrelazar la literatura y el arte dramático con la música contemporánea. El resumen del audio subraya que Romanek no se limitaba a grabar una actuación, sino que buscaba establecer paralelismos simbólicos que aportaran una nueva capa de significado a las canciones de los artistas con los que colaboraba. El programa también aborda la anécdota curiosa tras el álbum Bandwagonesque de la banda escocesa Teenage Fanclub. Romanek dirigió el video de What You Do to Me, pero la historia más llamativa reside en la portada del disco, que luce el símbolo del dólar. Couselo relata que, en Estados Unidos, el sello discográfico tuvo que utilizar una portada alternativa para evitar pagar derechos a Gene Simmons, el bajista de KISS, quien tiene registrado dicho símbolo. Este tipo de detalles revelan la complejidad de la industria musical y las peculiaridades legales que rodean a los grandes lanzamientos de la época. La figura de Lenny Kravitz aparece de forma recurrente en la charla, especialmente por el impacto visual de Are You Gonna Go My Way. En este video, Romanek utiliza un escenario circular y una iluminación de neón frenética para resaltar la imagen de Kravitz como una estrella del rock definitiva. Couselo señala que la canción y su video tienen tintes casi mesiánicos, presentando al artista como un salvador que ha llegado para culminar una misión. Esta colaboración fue solo el inicio de una relación profesional que se extendería a otros temas como Is There Any Love in Your Heart e If You Can’t Say No. Madonna, otro icono indiscutible, también forma parte de la selección con Rain. Romanek confesó en su día sentirse intimidado ante la idea de trabajar con la ambición rubia, temiendo que sus visiones creativas pudieran chocar. Finalmente, el proyecto salió adelante con la participación del músico Ryuichi Sakamoto en un cameo como director de ficción dentro del propio video. La pieza fue aclamada por su dirección de fotografía y su sofisticación técnica, estableciendo a Romanek como uno de los directores preferidos por las grandes divas del pop para sus producciones más vanguardistas. Uno de los momentos más intensos del programa llega con el análisis de Closer de Nine Inch Nails. Couselo describe la pieza como una obra de estética industrial y oscura, fuertemente influenciada por la pintura de Francis Bacon. El video, que incluía imágenes de un mono crucificado —aunque se aclara que ningún animal sufrió daños—, tuvo que enfrentarse a una severa censura en las cadenas de televisión. A pesar de los cortes, la versión íntegra se convirtió en una obra de culto que definía perfectamente la angustia y la provocación que Trent Reznor buscaba transmitir en su álbum The Downward Spiral. La cúspide del presupuesto llegó en 1995 con Scream, el dúo entre Michael y Janet Jackson. Con un coste de siete millones de dólares, se mantiene como el videoclip más caro de la historia. Romanek diseñó una nave espacial futurista con referencias a 2001: Una odisea del espacio de Kubrick. La canción reflejaba la furia de Michael Jackson ante el acoso de la prensa sensacionalista, y el director logró capturar esa energía explosiva en un entorno de ciencia ficción en blanco y negro que todavía hoy sorprende por su calidad técnica y su coreografía milimetrada. El programa continúa repasando éxitos como Novocaine for the Soul de Eels, donde Romanek utiliza cables para crear un efecto de ingravidez que complementa el tono anestésico y etéreo de la letra de Mark Oliver Everett. También se mencionan colaboraciones con Beck en el tema Devil’s Haircut, donde el artista neoyorquino recorre las calles de Nueva York con una estética que remite a la película Cowboy de medianoche. En cada uno de estos trabajos, Couselo destaca la versatilidad de Romanek para adaptarse al universo personal de cada músico sin perder su sello distintivo. Hacia el final de la emisión, se recuerda el impacto de Cochise de Audioslave. El rodaje, que consistió en una exhibición masiva de fuegos artificiales en la presa de Sepúlveda, provocó el pánico en Los Ángeles. Cientos de ciudadanos llamaron a la policía creyendo que se estaba produciendo un ataque terrorista, lo que obligó a colapsar las autopistas de salida de la ciudad. Couselo comenta que la inversión en pirotecnia fue descomunal, pero el resultado visual capturó perfectamente la fuerza del debut de la superbanda formada por Chris Cornell y los músicos de Rage Against the Machine. La despedida del programa se reserva para una de las obras más emotivas de Romanek: la versión de Hurt realizada por Johnny Cash. Rodada poco antes de la muerte del artista, la pieza es una reflexión honesta sobre el dolor y el paso del tiempo. Cash, ya debilitado, aparece rodeado de los recuerdos de su casa museo en un montaje que sobrecoge por su sinceridad. Couselo cierra el espacio mencionando el éxito más reciente del director, Shake It Off de Taylor Swift, demostrando que Romanek sigue siendo un referente absoluto en la creación de imágenes para la música popular.

Felipe Couselo y su plantel exploran la madurez del espacio entre novedades de Foo Fighters y el repaso a la trayectoria del eterno Rey del Pop. En la última entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo y su equipo habitual compuesto por Daniel Palacio, Juanma González e Isaac Vizcaíno, cierran la semana con su entrega número 338. Durante los primeros compases del programa, los colaboradores bromean sobre la evolución y madurez del espacio, destacando su compromiso con el tranchetismo y fijando la vista en el horizonte de la entrega número 400, prevista para el mes de agosto. El bloque musical comienza con un análisis del nuevo material de Foo Fighters. El grupo liderado por Dave Grohl ha presentado Full People, un adelanto que precede al lanzamiento de su duodécimo álbum de estudio. Los tertulianos comentan la incombustible capacidad creativa de la banda y recuerdan su incursión cinematográfica en Studio 666, una película de terror que refleja la idiosincrasia de la banda. También surge el debate sobre la evolución del grupo frente a otros artistas contemporáneos como Michael Kiwanuka, subrayando el peso de Grohl en el rock actual. Isaac Vizcaíno introduce a Burned as Witches, el nuevo proyecto de Rick McMurray, conocido por ser el batería de Ash. Con el tema Hold Your Nerve, la banda se aleja del pop-punk para abrazar sonidos más densos y clásicos. El equipo destaca la influencia de Black Sabbath y el género stoner, valorando positivamente que músicos consagrados se arriesguen con propuestas más oscuras y psicodélicas que escapan de las corrientes comerciales mayoritarias. La exploración musical continúa con Fast Money Music y su tema Loverboy. Este proyecto, liderado por el productor Nick Hookman, es definido como una mezcla inclasificable que combina el post-punk con la new wave de los años ochenta. Los colaboradores resaltan la atmósfera nostálgica y moderna que logra el grupo, evocando por momentos el sonido de artistas icónicos como Bryan Ferry o Roxy Music, especialmente por el uso de guitarras distorsionadas y arreglos de saxofón. Otro de los nombres destacados de la noche es el colectivo Crippled Black Phoenix, fundado por Justin Greaves. Con su álbum Scathach, el grupo profundiza en lo que ellos mismos denominan como baladas para el fin del mundo. El análisis se centra en la densidad del sonido, que transita entre el rock progresivo y el dark rock. La incorporación de voces femeninas, según comentan en el estudio, aporta una sensibilidad melancólica que refuerza la carga apocalíptica de su propuesta musical. Isaac Vizcaíno comparte su experiencia en el festival Gijón Sound, destacando la vitalidad de la escena independiente asturiana. Menciona especialmente a Los Míticos del Chimborazo, una banda que fusiona la cumbia con el surf, y a Los Ácidos, quienes apuestan por un horror surf muy particular. Estas actuaciones gratuitas en la plaza del Ayuntamiento de Gijón sirven para reivindicar el acceso a la cultura y el talento de las bandas que operan fuera de los grandes circuitos comerciales. En el terreno de la electrónica, el programa rescata la figura de Tiga y su nuevo trabajo High Rollers, tras una década sin publicar un álbum completo. El debate gira en torno al retorno del electroclash y cómo productores veteranos están recuperando la primera línea de los festivales internacionales. También se menciona el proyecto Tomora, una colaboración entre Tom Rowlands, de Chemical Brothers, y la cantante Aurora, que destaca por su frescura y luminosidad. Juanma González toma la palabra para reseñar los estrenos cinematográficos, comenzando por Michael, el biopic sobre la controvertida figura del Rey del Pop dirigido por Antoine Fuqua. A pesar de las críticas mixtas, González defiende el espectáculo visual y el tratamiento de la relación de Michael con su padre, Joseph Jackson, interpretado por Colman Domingo. La película evita profundizar en los escándalos más oscuros de su vida privada para centrarse en su impacto cultural y en su genialidad como creador de espectáculos universales. En cuanto al cine español, el equipo analiza La ahorcada, protagonizada por Amaya Salamanca y dirigida por José Manuel de la Mata. Se trata de un thriller doméstico con tintes sobrenaturales que se desmarca de las tendencias actuales del terror nacional. La trama subvierte los tópicos de género y ofrece una visión moderna y clásica a la vez, ambientada en la ciudad de Teruel. Destacan la capacidad del director para construir una historia de fantasmas que funciona también como un romance contemporáneo. Para cerrar la noche, se rinde un emotivo homenaje a Prince con motivo del décimo aniversario de su fallecimiento. El equipo de esRadio repasa su inmenso legado, deteniéndose en temas como When Doves Cry y Purple Rain. Destacan su rivalidad mediática con Michael Jackson y su incansable búsqueda de la libertad creativa, que le llevó a enfrentarse a la industria discográfica y a componer éxitos para numerosos artistas de primer nivel. El programa concluye reivindicando a Prince como un músico total que redefinió los límites del pop, el rock y el funk.