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The Miseducation Of Lauryn Hill (La mala educación de Lauryn Hill) es el primer álbum en solitario de la artista estadounidense Lauryn Hill, lanzado el 25 de agosto de 1998 por Ruffhouse Records y Columbia Records. Las sesiones de grabación para el álbum tuvieron lugar desde finales de 1997 a junio de 1998, y se llevaron a cabo principalmente en los estudios Tuff Gong de Jamaica. Las letras del álbum giran en torno al embarazo de Hill en ese momento, las turbulencias de su antiguo grupo The Fugees, temas de amor, y Dios. Es un álbum de neo soul, con influencias del R&B, hip hop, soul y reggae. El título del álbum tuvo inspiración en la película y la novela autobiográfica The Education of Sonny Carson, y en The Mis-Education of the Negro publicada por Carter G. Woodson. Tras su lanzamiento, el álbum recibió críticas muy favorables por parte de los críticos de música y debutó en el número uno en la lista Billboard 200, vendiendo 422.624 copias en su primera semana. Se llegó a vender más de 19 millones de copias en todo el mundo. El álbum produjo tres sencillos éxitosos, "Doo Wop (That Thing)", "Ex-Factor" y "Everything Is Everything", y su excelente versión de "Can't Take My Eyes Off You", original de Frankie Valli, lo que le valió una nominación al Premio Grammy a la mejor interpretación femenina vocal de pop. Además en la edición del año 1999 de los Premios Grammy, el álbum ganó en sus cinco categorías, incluyendo el premio al álbum del año. 1.«Intro» 0:47 2.«Lost Ones» 5:33 3.«Ex-Factor» 5:26 4.«To Zion» (con Carlos Santana) 6:08 5.«Doo Wop (That Thing)» 5:19 6.«Superstar» 4:56 7.«Final Hour» 4:15 8.«When It Hurts So Bad» 5:42 9.«I Used to Love Him» (con Mary J. Blige) 5:39 10.«Forgive Them Father» 5:15 11.«Every Ghetto, Every City» 5:14 12.«Nothing Even Matters» (con D'Angelo) 5:49 13.«Everything Is Everything» 4:58 14.«The Miseducation of Lauryn Hill» 4:17

MTV Unplugged in New York es un álbum en vivo de la banda estadounidense de la banda de grunge Nirvana, lanzado en noviembre de 1994. El álbum muestra el concierto acústico que la banda hizo en los estudios Sony Music en Nueva York el 18 de noviembre de 1993. El álbum ganó un premio Grammy por Mejor Álbum de Música Alternativa en 1996. Una versión en DVD fue lanzada en 2007. MTV Unplugged in New York fue aclamado por los críticos como prueba de que la banda podía trascender del sonido grunge a los que estaban comúnmente asociados, y también hizo una "radiografía" del diverso gusto de la banda en música, con covers de The Vaselines, David Bowie, los Meat Puppets (que estuvieron acompañándolos en los 3 covers que hicieron de ellos) y Leadbelly. Los críticos resaltaron especialmente en los "íntimos" y "menos ruidosos" arreglos, como el acompañamiento de cuerdas en varias canciones así como la batería de Dave Grohl más suave en comparación con su usual forma de tocar, que permitieron que las excelentes habilidades para escribir canciones de Kurt brillaran en todo el concierto. El álbum abrió su primera semana en el número 1 del Billboard 200, Las ventas superan a su tercer álbum de estudio "In Utero". "About a Girl" — 3:37 "Come As You Are" — 4:13 "Jesus Doesn't Want Me For A Sunbeam" (Eugene Kelly/Frances McKee) - 4:37 "The Man Who Sold the World" (David Bowie) - 4:20 "Pennyroyal Tea" — 3:40 "Dumb" — 2:52 "Polly" — 3:16 "On a Plain" — 3:44 "Something in the Way" — 4:01 "Plateau" (Kirkwood; Meat Puppets) — 3:38 "Oh, Me" (Kirkwood; Meat Puppets) — 3:26 "Lake Of Fire" (Kirkwood; Meat Puppets) — 2:55 "All Apologies" — 4:23 "Where Did You Sleep Last Night?" — 5:08 Miembros Kurt Cobain - Guitarra, voz principal Krist Novoselic - Bajo, bandoneón, guitarra Dave Grohl - Batería, coros, bajo Pat Smear - Guitarra Rítmica Participaciones Lori Goldston - Violonchelo Curt Kirkwood Guitarra Cris Kirkwood - Bajo

Jane's Addiction es una banda estadounidense de rock alternativo formada en Los Ángeles, California en 1985. La banda está compuesta por Perry Farrell (voz), Dave Navarro (guitarra), Eric Avery (bajo) y Stephen Perkins (batería). Después de separarse en 1991, una breve gira de Jane's Addiction en 1997, con una reunión en 2001 y luego se separaron en 2004. Jane's Addiction desde entonces se han reunido de nuevo en 2008, con el miembro fundador Eric Avery tocando el bajo. El estilo musical de la banda es una variedad de géneros incluyendo funk rock y heavy metal. Jane's Addiction fue una de las primeras bandas en surgir del movimiento de rock alternativo de los 90 que llamaron la atención de los medios de comunicación y consiguiendo éxito comercial en los Estados Unidos. Su gira de despedida inicial puso en marcha el festival Lollapalooza, un escaparate de rock alternativo. Como resultado, Jane's Addiction se convirtieron en iconos de lo que Farrell llamó la "Alternative Nation". La banda esta en el puesto 35 en "VH1's 100 Greatest Artists of Hard Rock". Jane's Addiction es el primer álbum de la banda homónima Jane's Addiction. Las canciones «Jane Says» y «Pigs in Zen» fueron relanzados luego en el primer álbum de estudio de la banda, Nothing's Shocking. El álbum incluía dos versiones: «Rock & Roll» de The Velvet Underground, y «Sympathy for the Devil» de The Rolling Stones, aunque fue renombrada como «Sympathy» en el álbum. Trip Away - 3:34 Whores - 4:04 Pigs in Zen - 4:54 1% - 3:31 I Would for You - 3:52 My Time - 3:32 Jane Says - 4:20 Rock & Roll - 4:03 Sympathy - 5:25 Chip Away - 2:43

Blood Sugar Sex Magik es el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense de funk rock Red Hot Chili Peppers, lanzado el 24 de septiembre de 1991. Producido por Rick Rubin, fue la primera grabación de la banda lanzada por Warner Bros. Records. Los estilos musicales de Blood Sugar Sex Magik difieren notablemente de las técnicas empleadas en el álbum anterior de los Chili Peppers, Mother's Milk, y contiene un pequeño uso de riffs de guitarra de heavy metal. El disco incorporó insinuaciones sexuales, referencias a las drogas y a la muerte, y temas como la lujuria y la exuberancia. Blood Sugar Sex Magik vendió más de siete millones de copias sólo en los Estados Unidos e introdujo a los Chili Peppers a la popularidad mainstream y la aclamación crítica. Blood Sugar Sex Magik produjo varios sencillos de la banda, entre los cuales se incluyen «Give It Away», «Under the Bridge», «Suck My Kiss», «Breaking the Girl» y «If You Have to Ask». La grabación también marcó la salida del guitarrista John Frusciante en 1992, durante el tour de la banda, hasta su regreso en 1998. Blood Sugar Sex Magik fue elogiado como el fundador del rock alternativo en los años 1990, y Steve Huey de Allmusic comentó que la grabación fue «...probablemente el mejor álbum que los Chili Peppers podrán hacer». El álbum fue dedicado al californiano Mike Watt, cantante, compositor y bajista de punk. Fue multiplatino en múltiples ocasiones, estuvo en las listas Billboard durante 14 meses y a partir de 1999 pasó a ser el segundo más vendido de la banda tras Californication 1«The Power of Equality» 4:04 2«If You Have to Ask» 3:37 3«Breaking the Girl» 4:55 4«Funky Monks» 5:23 5«Suck My Kiss» 3:37 6«I Could Have Lied» 4:04 7«Mellowship Slinky in B Major» 4:00 8«The Righteous & the Wicked» 4:08 9«Give It Away» 4:43 10«Blood Sugar Sex Magik» 4:31 11«Under the Bridge» 4:27 12«Naked in the Rain» 4:26 13«Apache Rose Peacock» 4:42 14«The Greeting Song» 3:14 15«My Lovely Man» 4:39 16«Sir Psycho Sexy» 8:17 17«They're Red Hot» 1:11 18«Little Miss Lover» 2:38 19«Castles Made of Sand» 3:18 Músicos Voz Anthony Kiedis John Frusciante Guitarra y coros John Frusciante Bajo y coros Michael «Flea» Balzary Batería y percusión Chad Smith Teclado y melotrón Brendan O'Briennota Arpa judía Peter Weissnota Ingeniería de sonido principal Brendan O'Briel Howie Weinberg Productor Rick Rubin Fotografía Gus Van Sant Dirección artística Henk Schiffmacher Mezclado Chris Holmes

Willy and the Poor Boys (Willy y Los Chicos Pobres) es el cuarto álbum de estudio de la banda estadounidense de rock Creedence Clearwater Revival. En 2003, fue ubicado en el puesto 382 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la revista musical Rolling Stone. En 2008, Willy and the Poor Boys fue remasterizado y reeditado con motivo del 40º aniversario de la formación del grupo. "Down on the Corner" – 2:45 "It Came Out of the Sky" – 2:57 "Cotton Fields" (Leadbelly) – 3:00 "Poorboy Shuffle" – 2:30 "Feelin' Blue" – 5:07 "Fortunate Son" – 2:22 "Don't Look Now" – 2:13 "The Midnight Special" (Traditional) - 4:11 "Side o' the Road" – 3:27 "Effigy" – 6:32 "Fortunate Son" (Live in Manchester, 9/1/71) - 2:15 "It Came Out of the Sky" (Live in Berlin, 9/16/71) - 3:27 "Down on the Corner" (Jam with Booker T. at Fantasy Studios 1970) - 2:48 Personal Creedence Clearwater Revival Doug Clifford: batería Stu Cook: bajo John Fogerty: guitarra, harmónica y voz Tom Fogerty: guitarra rítmica y coros Producción John Fogerty: producción Russ Gary: ingeniero y mezclas Tamaki Beck: supervisor de masterización Kevin Gray, Steve Hoffman: masterización Roberta Ballard: mánager de producción Marcia McGovern: pre-producción Basul Parik: diseño de portada Basul Parik: fotografía

Songs for Swingin' Lovers! fue el décimo álbum de estudio grabado por el cantante estadounidense Frank Sinatra y su cuarto de Capitol Records. Se dispuso por Nelson Riddle y lanzado en marzo de 1956. Fue el primer álbum al principio de la lista de álbumes del Reino Unido. "You Make Me Feel So Young" (Mack Gordon, Josef Myrow) - 2:57 "It Happened in Monterey" (Billy Rose, Mabel Wayne) - 2:36 "You're Getting to Be a Habit with Me" (Al Dubin, Harry Warren) - 2:19 "You Brought a New Kind of Love to Me" (Irving Kahal) - 2:48 "Too Marvelous for Words" (Johnny Mercer, Richard A. Whiting) - 2:29 "Old Devil Moon" (E.Y. Harburg, Burton Lane) - 3:56 "Pennies from Heaven" (Arthur Johnston, Johnny Burke) - 2:44 "Love Is Here to Stay" (George Gershwin, Ira Gershwin) - 2:42 "I've Got You Under My Skin" (Cole Porter) - 3:43 "I Thought About You" (Mercer, Jimmy Van Heusen) - 2:30 "We'll Be Together Again" (Frankie Laine, Carl T. Fischer) - 4:26 "Makin' Whoopee" (Gus Kahn, Walter Donaldson), - 3:06 "Swingin' Down the Lane" (Kahn, Isham Jones) - 2:54 "Anything Goes" (Porter) - 2:43 "How About You?" (Ralph Freed, Lane) - 2:45 Frank Sinatra – vocals Nelson Riddle – arranger, conductor John Palladino – Audio engineer

John Wesley Harding es el octavo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por la compañía discográfica Columbia Records en diciembre de 1967. Fue el primer trabajo de Dylan después de sufrir un accidente de tráfico con una motocicleta en julio de 1966 y se caracterizó por un marcado cambio estilístico con respecto a sus tres anteriores trabajos —Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde—, dominados por una mezcla de rock y blues. Con un estilo cercano al folk y al country, John Wesley Harding también se contrapuso al creciente dominio de la psicodelia en la música popular a raíz del éxito del álbum de The Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Con Bob Johnston como productor, John Wesley Harding fue grabado en apenas nueve horas de trabajo divididas en tres sesiones y con el apoyo de solo tres músicos: el bajista Charlie McCoy, el batería Kenny Buttrey y el guitarrista Peter Drake. La temática del álbum también se caracterizó por un mayor uso de las parábolas y una notable influencia de la Biblia en el trabajo del músico, consolidada a finales de la década de 1970 con discos como Slow Train Coming tras su conversión al cristianismo. A pesar de haber sido publicado con una mínima promoción, el interés cultural que Dylan había suscitado antes favoreció que John Wesley Harding alcanzara el segundo puesto en la lista estadounidense Billboard 200 y llegara a lo más alto de la lista de discos más vendidos del Reino Unido. Tres meses después de su lanzamiento, fue certificado disco de oro por la RIAA al superar el medio millón de copias vendidas. En 2001, el álbum fue catalogado como disco de platino al superar el millón de ventas. A pesar del distanciamiento estilístico respecto a sus trabajos más exitosos, John Wesley Harding recibió buenas críticas de la prensa musical. El biógrafo Clinton Heylin escribió: «John Wesley Harding sigue siendo uno de los álbumes más perdurables de Dylan. Sin caer en la tentación de incorporar visiones de sótano como "Going to Acapulco" y "Clothesline Saga", Dylan logró en menos de seis semanas construir su más perfectamente ejecutada colección oficial». Además, ha sido considerado por varios biógrafos y críticos musicales como uno de sus discos más destacados. La revista Rolling Stone situó al álbum en el puesto 301 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, mientras que la versión de «All Along the Watchtower» realizada por Jimi Hendrix se situó en la posición 47 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la misma revista «John Wesley Harding» 2:58 «As I Went Out One Morning» 2:49 «I Dreamed I Saw St. Augustine» 3:53 «All Along the Watchtower» 2:31 «The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest» 5:35 «Drifter's Escape» 2:52 «Dear Landlord» 3:16 «I Am a Lonesome Hobo» 3:19 «I Pity the Poor Immigrant» 4:12 «The Wicked Messenger» 2:02 «Down Along the Cove» 2:23 «I'll Be Your Baby Tonight» 2:34 Personal Músicos Bob Dylan: voz, guitarra acústica, armónica, piano y teclados. Pete Drake: pedal steel guitar Charlie McCoy: bajo Kenneth Buttrey: batería Equipo de sonido Bob Johnston: productor Charlie Bragg: ingeniero de sonido John Berg: fotografía

Master of Reality (Maestro de la realidad) es el tercer álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Black Sabbath. Fue editado y lanzado al mercado discográfico en agosto de 1971. Su publicación, tras el éxito de su anterior álbum (Paranoid), consolidó y definió parte de la estética de la banda. Temas como «Children of the Grave» y «Sweet Leaf» se convirtieron en canciones populares, ya que fueron interpretadas en conciertos y presentaciones, además de ser publicadas en varios álbumes recopilatorios y de grandes éxitos. El 27 de septiembre de 1971, logró la certificación con disco de oro por vender 500 000 unidades y alcanzó 2 000 000 en ventas totales, por lo cual, ganó la doble certificación con disco de platino por parte de Recording Industry Association of America (RIAA). El sonido de la música pesada y oscura de Master of Reality fue un referente para otras bandas del género grunge como Soundgarden, Nirvana y The Smashing Pumpkins. Este material está considerado un referente en la historia del heavy metal. Luego de su publicación en 1971, el material discográfico fue reeditado en cuatro ocasiones: 1973, 1976, 1996 y 2004. Master of Reality recibió críticas positivas por parte de revistas y especialistas. Stephen Thomas Erlewine de Allmusic, dijo que con este trabajo "perfeccionaron el heavy metal pesado" y Rolling Stone los consideró "la banda más grande de heavy metal en su momento" «Sweet Leaf» 5:05 «After Forever» 5:26 «Embryo» 0:28 «Children of the Grave» 5:17 «Orchid» 1:31 «Lord of This World» 5:26 «Solitude» 5:02 «Into the Void» 6:11 Integrantes Tony Iommi — Guitarra Ozzy Osbourne — Voz Geezer Butler — Bajo Bill Ward — Batería Producción Rodger Bain — Productor Tony Bain — Productor Hugh Gilmour — Diseño Ross Halfin — Fotografía Keef — Fotografía y diseño Ray Staff — Remasterización Mike Stanfod — Dirección de arte Chris Walter — Fotografía

The Basement Tapes es el decimosexto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por la compañía discográfica Columbia Records en junio de 1975. El músico grabó gran parte de las canciones con el grupo The Hawks —posteriormente The Band— en 1967, ocho años antes de su lanzamiento, en el sótano de Big Pink, una casa cerca de Woodstock. Aunque varios temas habían aparecido previamente en discos pirata como Great White Wonder, The Basement Tapes fue la primera publicación oficial de estas cintas. La grabación de The Basement Tapes coincidió con un periodo de convalecencia en el que Dylan estuvo apartado del público, tras resultar herido en un accidente de motocicleta en julio de 1966. Con el respaldo de The Hawks, el músico grabó más de un centenar de canciones, incluyendo nuevas composiciones y versiones de temas tradicionales. Además, el nuevo estilo compositivo de Dylan se alejó del vanguardismo y de las extensas narraciones que caracterizaron sus dos anteriores trabajos, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde, para adoptar un estilo más personal y cercano a la música tradicional estadounidense. Cuando Columbia preparó la publicación oficial de las cintas en 1975, incluyó dieciséis temas grabados en Big Pink en 1967 y ocho registrados por The Band en años posteriores, un gesto criticado por algunos periodistas. Además, el grupo añadió varias sobregrabaciones a las canciones de ambas categorías. Aun así, The Basement Tapes fue bien recibido por la prensa musical y obtuvo un notable éxito comercial al alcanzar el séptimo puesto en la lista estadounidense Billboard 200 y la octava posición en la lista de discos más vendidos del Reino Unido. Además, tanto la RIAA como la BPI lo certificaron disco de oro en los Estados Unidos y en el Reino Unido respectivamente. 1.«Odds and Ends» 1:46 2.«Orange Juice Blues (Blues for Breakfast)» 3:37 3.«Million Dollar Bash» 2:31 4.«Yazoo Street Scandal» 3:27 5.«Goin' to Acapulco» 5:26 6.«Katie's Been Gone» 2:43 7.«Lo and Behold!» 2:45 8.«Bessie Smith» 4:17 9.«Clothesline Saga» 2:56 10.«Apple Suckling Tree» 2:48 11.«Please, Mrs. Henry» 2:31 12.«Tears of Rage» 4:11 13.«Too Much of Nothing» 3:01 14.«Yea! Heavy and a Bottle of Bread» 2:13 15.«Ain't No More Cane» 3:56 16.«Crash on the Levee (Down in the Flood)» 2:03 17.«Ruben Remus» 3:13 18.«Tiny Montgomery» 2:45 19.«You Ain't Going Nowhere» 2:42 20.«Don't Ya Tell Henry» 3:12 21.«Nothing Was Delivered» 4:22 22.«Open the Door, Homer» 2:49 23.«Long Distance Operator» 3:38 24.«This Wheel's on Fire» 3:49 Personal Músicos Bob Dylan – guitarra acústica, piano y voz. Rick Danko – bajo, mandolina y voz. Levon Helm – batería, mandolina, bajo y voz. Garth Hudson – órgano, clavinet, acordeón, saxofón y piano. Richard Manuel – piano, batería, armónica y voz. Robbie Robertson – guitarra eléctrica, guitarra acústica, batería y voz. Equipo técnico Rob Fraboni, Marco Aglietti, Ed Anderson, Nat Jeffrey – mezclas. Greg Calbi, George Horn – masterización. Bob Cato – diseño de portada. Greil Marcus – notas del álbum. Reid Miles – fotografía.

Meat Is Murder es el segundo álbum de estudio de The Smiths, puesto a la venta en febrero de 1985. Es el único álbum de la banda en alcanzar el número 1 en el Reino Unido, aunque alcanzó el número 40 en Canadá, y el número 110 en Estados Unidos. En el 2003, el álbum alcanzó el puesto 295 de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone. También ha sido incluido en el libro "Los 1001 discos que hay que oír antes de morir". La portada del disco fue creada a partir de de un fotograma editado del documental In the Year of the Pig (1969), de Emile de Antonio. La leyenda en el casco del soldado decía originalmente "haz la guerra, no el amor". En los EEUU, en el formato vinilo 12" y CD, se utilizaron cuatro copias de la imagen, mientras que en las ediciones europeas en CD, aparece sólo un fotograma en las (se presume que por razones de legibilidad) (a excepción de la edición: 10" LP - Europe) 1.«The Headmaster Ritual» 4:52 2.«Rusholme Ruffians» 4:20 3.«I Want the One I Can't Have» 3:14 4.«What She Said» 2:42 5.«That Joke Isn't Funny Anymore» 4:59 6.«How Soon Is Now?» 6:46 7.«Nowhere Fast» 2:37 8.«Well I Wonder» 4:00 9.«Barbarism Begins at Home» 6:57 10.«Meat Is Murder» 6:06 Personal The Smiths Morrissey – voz Johnny Marr – guitarras, piano Andy Rourke – bajo Mike Joyce – batería Equipo técnico The Smiths – productores en todos los tracks, excepto "How Soon Is Now?" John Porter – productor ("How Soon Is Now?") Stephen Street – ingeniero de sonido en todos los tracks, excepto "How Soon Is Now?"

Talking Heads: 77 es el primer álbum de estudio de la banda estadounidense de new wave Talking Heads. Ocupa el puesto 97 en el Billboard 200 de 1978. En 1977 la banda firmaría con Sire Records, y en febrero de ese año lanzaron su primer single, «Love - Building On Fire», el que no sería incluido en su álbum debut. Cabe destacar que este fue el único álbum lanzado antes del comienzo de la relación de la banda con Brian Eno. En 2003, la revista Rolling Stone ubicó al álbum en el puesto 290 de la lista «Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos». 1. "Uh-Oh, Love Comes to Town" 2:48 2. "New Feeling" 3:09 3. "Tentative Decisions" 3:04 4. "Happy Day" 3:55 5. "Who Is It?" 1:41 6. "No Compassion" 4:47 7. "The Book I Read" 4:06 8. "Don't Worry About the Government" 3:00 9. "First Week/Last Week…Carefree" 3:19 10. "Psycho Killer" (Byrne, Chris Frantz, Tina Weymouth) 4:19 11. "Pulled Up" 4:29 12. "Love ? Building on Fire" 3:00 13. "I Wish You Wouldn't Say That" 2:39 14. "Psycho Killer (Acoustic version)" (Byrne, Frantz, Weymouth) 4:20 15. "I Feel It in My Heart" 3:15 16. "Sugar on My Tongue" 2:36 Personal David Byrne – guitar, vocals Chris Frantz – drums Jerry Harrison – guitar, keyboards, backing vocals Tina Weymouth – bass guitar Personal Grabación Tony Bongiovi, Lance Quinn and Talking Heads – producers Ed Stasium – engineer Joe Gastwirt – mastering

I'm Still In Love With You en español 'Estoy todavía enamorado de ti', es el quinto álbum de estudio del cantante estadounidense Al Green, publicado el 23 de octubre de 1972, en Hi Records. Las sesiones de grabación tuvieron lugar durante el año 1972. El álbum fue producido exclusivamente por Willie Mitchell. El álbum alcanzó el número cuatro en los EE.UU. Billboard 200 y el número uno en los álbumes de Estados Unidos Top R & B / Hip-Hop y produjo cuatro sencillos: "El amor y la felicidad", que fue calificado como el noventa y ocho por más de 500 canciones más grandes de los Rolling Stones de todos los tiempos como así como "Estoy todavía enamorado de ti" y "Mira lo que ha hecho por mí", que eran cinco principales accesos a la Tabla de Estados Unidos Pop. En 2003, el álbum fue clasificado con el número 285 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos por la revista Rolling Stone. 1. "I'm Still in Love with You" 3:12 2. "I'm Glad You're Mine" 2:57 3. "Love and Happiness" 5:07 4. "What a Wonderful Thing Love Is" 3:40 5. "Simply Beautiful" 4:11 6. "Oh, Pretty Woman" 3:23 7. "For the Good Times" 6:27 8. "Look What You Done for Me" 3:05 9. "One of These Good Old Days" 3:24 Personal Pam Brady – assistant Tom Cartwright – project director Charles Chalmers – arranger, horn arrangements, string arrangements Sandra Chalmers – background vocals Robert Gordon – liner notes Al Green – lead vocals Howard Grimes – drums, rhythm section Jack Hale – horn section, trombone Charles Hodges – drums, organ, piano Leroy Hodges – bass Mabon "Teenie" Hodges – guitar Al Jackson, Jr. – drums Ali Muhammed Jackson – drums Wayne Jackson – horn section, trumpet Ed Logan – tenor horn, tenor saxophone Andrew Love – tenor horn, tenor saxophone James Mitchell – string and horn arrangements, tenor horn, baritone saxophone Willie Mitchell – engineer, producer Eli Okun – reissue producer Bud O'Shea – reissue producer Cheryl Pawelski – assistant Donna Rhodes – background vocals Sandra Rhodes – background vocals Larry Walsh – mastering Pete Welding – assistant

Music of My Mind es un álbum de Stevie Wonder, lanzado el 3 de marzo de 1972. Fue el primero de los cinco álbumes consecutivos que conforman su llamado período clásico, junto a Talking Book, Innervisions, Fulfillingness' First Finale, y Songs in the Key of Life. Music of My Mind continúa con los experimentos con el sintetizador que el artista ya había iniciado en Where I'm Coming From (la primera de las grabaciones de Wonder en las que éste disponía de una libertad creativa casi total), siendo un disco más logrado que éste último. En el disco, Wonder se hace cargo de la práctica totalidad de los instrumentos, incluyendo sintetizadores, pianos, armónica, batería y voces, además de desempéñar las tareas de productor, compositor y arreglista. El carácter general del disco era absolutamente diferente del que el artista había mostrado en sus discos anteriores, producidos por Motown. Entre los temas más conocidos se encuentran "Superwoman (Where Were You When I Needed You)", "Happier Than The Morning Sun" o "I Love Everything About You" En 2003 el álbum fue elegido por la revista Rolling Stone como uno de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. "Love Having You Around" (Wonder, Syreeta Wright) – 7:23 "Superwoman (Where Were You When I Needed You)" (Wonder) – 8:07 "I Love Every Little Thing About You" (Wonder) – 3:55 "Sweet Little Girl" (Wonder) – 4:59 "Happier Than the Morning Sun" (Wonder) – 5:18 "Girl Blue" (Wonder, Yvonne Wright) – 3:36 "Seems So Long" (Wonder) – 4:22 "Keep on Running" (Wonder) – 6:40 "Evil" (Wonder, Y. Wright) – 3:33 Créditos Art Baron - Trombón en "Love Having You Around". Buzz Feiten - Solo de guitarra en "Superwoman". Stevie Wonder - Voces e instrumentos adicionales.

The Cars es el álbum debut de la banda estadounidense de New Wave, The Cars. Fue lanzado al mercado el 6 de junio de 1978 por el sello discográfico Elektra Records. Todas las canciones fueron escritas por Ric Ocasek, excepto "Moving In Stereo" que fue compuesta por Ric Ocasek y Greg Hawkes. "Good Times Roll" – 3:44 "My Best Friend's Girl" – 3:44 "Just What I Needed" – 3:44 "I'm In Touch With Your World" – 3:31 "Don't Cha Stop" – 3:01 "You're All I've Got Tonight" – 4:13 "Bye Bye Love" – 4:14 "Moving In Stereo" – 4:41 "All Mixed Up" – 4:14 Personal Ric Ocasek - Guitarra y voz. Elliot Easton - Guitarra y coros. Greg Hawkes - Teclados, percusión, saxo y coros. Benjamin Orr - Bajo y voz. David Robinson - Batería, percusión y coros.

Can't Get Enough es el tercer álbum del artista Barry White. El Álbum, que fue lanzado en 1974, contiene algunas de las más conocidas piezas de White, tales como Can't Get Enough of Your Love, Babe o You're the First, the Last, My Everything. El álbum apareció en el número 281 en la lista de los mejores 500 álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. "Mellow Mood" (Pt. 1) (Brock, Taylor, White) – 1:52 "You're the First, the Last, My Everything" (Radcliffe, Sepe, White) – 4:36 "I Can't Believe You Love Me" – 10:21 "Can't Get Enough of Your Love, Babe" – 4:34 "Oh Love, Well We Finally Made It" – 3:54 "I Love You More Than Anything (In This World Girl)" – 4:59 "Mellow Mood" (Pt. 2) (Brock, Taylor, White) – 1:23 Personal Paul Elmore – Ingeniero de Audio Frank Kejmar – Ingeniero de Audio Gary N. Mayo – Remasterización digital Gene Page – Arreglos Musicales Barry White – Arreglos Musicales, Producción, Ingeniero de Audio

Folk Singer es un álbum de estudio de Muddy Waters y publicado por Chess Records en enero de 1964. Fue producido por Willie Dixon y Ralph Bass y grabado en Chicago, Estados Unidos, en septiembre de 1963. Dicho álbum cuenta con Willie Dixon, Clifton James y Buddy Guy como músicos invitados. "My Home Is in the Delta" (Waters) – 3:58 "Long Distance" (Waters) – 3:30 "My Captain" (Willie Dixon) – 5:10 "Good Morning Little Schoolgirl" (Sonny Boy Williamson) – 3:12 "You Gonna Need My Help" (Waters) – 3:09 "Cold Weather Blues" (Waters) – 4:40 "Big Leg Woman" (John Temple) – 3:25 "Country Boy" (Waters) – 3:26 "Feel Like Going Home" (Waters) – 3:52 "The Same Thing" (Dixon) – 2:57 "You Can't Lose What You Never Had" (Waters) – 2:46 "The Same Thing" (Dixon) – 2:57 "You Can't Lose What You Never Had" (Waters) – 2:46 "My John the Conqueror Root" (Dixon) – 2:22 "Short Dress Woman" (John T. Brown) – 2:49 "Put Me in Your Lay Away" (L.J. Welch) – 2:56 Personal Muddy Waters: Guitarra y voces. Willie Dixon: Bajo (excepto en "Feel Like Going Home") y producción. Buddy Guy: Guitarra rítmica (excepto en "Feel Like Going Home"). Clifton James: Batería (excepto en "Feel Like Going Home"). Ralph Bass: Producción.

My Life es el segundo álbum de estudio de la cantante de R&b Mary J. Blige, publicado el 29 de noviembre de 1994, por las compañías discográficas Uptown Records y MCA Records. La mayoría de las canciones, tratan sobre la depresión clínica que padeció la cantante mientras grababa el álbum, además de su lucha contra su adicción a las drogas y el alcohol. Al igual que su álbum anterior What's The 411?, My Life fue producido en su mayoría por Sean Combs, quien confirió un estilo hip hop soul a las composiciones. Tras su publicación, recibió comentarios favorables de parte de los críticos de música, quienes además de encomiarlo, lo han considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Al respecto, la revista Blender lo posicionó en el número 57 en su listado de los 100 mejores álbumes americanos de todos los tiempos; mientras que la revista musical Rolling Stone lo clasificó en el número 279 en su listado de los 500 álbumes más grandiosos de todos los tiempos. De forma paralela, My Life tuvo notable éxito comercial, particularmente en Estados Unidos, donde recibió triple certificación de platino de parte de la RIAA, al vender más de tres millones de unidades en el país. Lista de canciones 1. «Intro» 1:04 2. «Mary Jane (All Night Long)» 4:39 3. «You Bring Me Joy» 4:13 4. «Marvin Interlude» 0:36 5.«I'm The Only Woman» 4:30 6. «K. Murray Interlude» 0:22 7. «My Life» 4:17 8. «You Gotta Believe» 5:02 9. «I Never Wanna Live Without You» 6:17 10. «I'm Going Down (Rose Royce song)» 3:42 11. «My Life Interlude» 1:15 12. «Be With You» 4:26 13. «Mary's Joint» 5:02 14. «Don't Go» 4:59 15. «I Love You» 4:31 16. «No One Else» 4:14 17. «Be Happy» 5:49 18. «(You Make Me Feel Like) A Natural Woman» 2:56

All That You Can't Leave Behind (Todo aquello que no puedes dejar atrás) es el décimo álbum de estudio de la banda irlandesa U2, publicado el 30 de octubre de 2000. Este disco supuso un nuevo cambio de sonido en el estilo musical de U2, dejando de lado el sonido alternativo y bailable que experimentaron en la década de 1990, para optar por un rock más convencional, después de las críticas que recibió su disco anterior, Pop, de 1997. El disco fue un éxito de crítica y de ventas en todo el mundo. De hecho, llegó al puesto 1 en Canadá y en la lista de mejores álbumes en Internet y al puesto 3 en Billboard (Estados Unidos). Los singles promocionales extraídos fueron "Beautiful Day", "Stuck In A Moment You Can't Get Out Of", "Elevation" y "Walk On", todos ellos exitosos. El álbum fue ganador de siete Premios Grammy, y además, es el único álbum musical en la historia en el que más de una canción recibe el Premio Grammy a la Mejor Grabación del Año con "Beautiful Day" y "Walk On", en 2001 y 2002, respectivamente. El nombre del álbum proviene de un verso proveniente de la cuarta pista del disco, "Walk On". Lista de canciones "Beautiful Day" – 4:06 "Stuck in a Moment You Can't Get out of" – 4:32 "Elevation" – 3:46 "Walk On" – 4:55 "Kite" – 4:23 "In a Little While" – 3:37 "Wild Honey" – 3:45 "Peace on Earth" – 4:46 "When I Look at the World" – 4:15 "New York" – 5:28 "Grace" – 5:31 "The Ground Beneath Her Feet" – 3:43 (Bonus Track en Reino Unido y Japón) "Summer Rain" – 4:11 Créditos Música por U2, letras Bono y Edge. Producido por Daniel Lanois and Brian Eno. Producción Adicional: Steve Lillywhite, Mike Hedges, Julian Gallagher y Richard Stannard. Ingeniero de grabación: Richard Rainey. Ingeniero asistente de grabación: Chris Heaney. "Beautiful Day", "Stuck in a Moment You Can't Get Out Of", "Walk On", y "Elevation " fueron elegidos como sencillos promocionales. Bono - vocalista, sintetizadores, guitarra The Edge - guitarra, teclados, vocalista Adam Clayton - bajo Larry Mullen Jr. - batería Daniel Lanois - coro, guitarras adicionales, producción Brian Eno - sintetizadores, arreglos de sesión de cuerdas, coro, producción

Aladdin Sane es el sexto álbum del artista David Bowie, publicado por la discográfica RCA Records en el año 1973. Es el primer álbum que publicó tras The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, considerado como uno de los mejores de su carrera, y el primero que escribió desde un genuino estatus de estrella pop. Aunque muchos críticos opinan Aladdin Sane contiene parte de los mejores momentos de Bowie, las opiniones acerca de la calidad del disco en su conjunto han estado más divididas. De este modo, los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray señalaron que el álbum era «extrañamente insatisfactorio, considerablemente inferior a la suma de sus partes», mientras que el erudito sobre Bowie Nicholas Pegg sostiene que se trata de «una de las más apremiantes, convincentes y esenciales» de sus obras. La crítica que Ben Gerson preparó para Rolling Stone sostiene que se trata de un álbum «menos frenético que The Man Who Sold The World y menos íntimo que Hunky Dory, sin ninguno de sus ataques de falta de confianza». La tapa del disco la realizó Brian Duffy y si bien la crítica tuvo opiniones acerca de Aladdin Sane, no se puede ignorar que la iconografía del rayo azul y rojo que cubre el ojo derecho de David Bowie se volvió un auténtico referente de la cultura pop. Aladdin Sane fue una de los seis entradas de Bowie en la lista de Rolling Stone de los mejores álbumes de todos los tiempos (aparecía en la posición 277) y se situó en el puesto 77 en la lista de Pitchfork Media de los mejores cien discos de los años 70. 1. "Watch That Man" 4:30 2. "Aladdin Sane" 5:06 3. "Drive-In Saturday" 4:33 4. "Panic in Detroit" 4:25 5. "Cracked Actor" 3:01 6. "Time" 5:15 7. "The Prettiest Star" 3:31 8. "Let's Spend the Night Together" (Mick Jagger and Keith Richards) 3:10 9. "The Jean Genie" 4:07 10. "Lady Grinning Soul" 3:54

Janet Jackson's Rhythm Nation 1814 es el cuarto álbum de estudio de la cantante estadounidense Janet Jackson, lanzado el 19 de septiembre de 1989 por A&M Records. A pesar de la demanda de los ejecutivos de la compañía de material similar a su anterior álbum, Control (1986), ella insistió en la creación de un álbum conceptual frente a la injusticia social. En colaboración con sus productores Jimmy Jam y Terry Lewis, Janet coescribió 6 de las canciones del álbum. El resto de los temas fueron compuestos por Jam y Lewis, excepto "Black Cat", que es una composición integral de Jackson. Ella también coprodujo el álbum, con el ejecutivo John McClain de la compañía discográfica como productor ejecutivo. Para componer las letras del álbum, Jackson, Jam y Lewis se inspiraron en las noticias, explorando temas preocupantes como el racismo, la pobreza y el abuso de sustancias. Aunque los críticos consideraron la temática del álbum como transparente (muy generalizado como para enfrentar adecuadamente cualquiera de esas problemáticas), Jackson fue aclamada como un modelo a seguir para la juventud, debido al contenido social de sus letras. Producido durante el apogeo del género new jack swing, el álbum mezcla el rhythm & blues con música industrial y la utilización de rap, swing note, percusión sintetizada y sampling. La canción "Rhythm Nation" que da nombre al álbum encarna cada uno de estos ítems, estableciendo las bases de la música R&B durante toda la década. Debido a su producción innovadora y la exploración lírica, los críticos han considerado el álbum como el pico de su logro artístico. Se convirtió en su segundo álbum consecutivo en alcanzar el número 1 en el Billboard 200, así como también llegó al tope de las listas en Australia y fue Top 10 en Japón, Nueva Zelanda y el Reino Unido. Certificado seis veces de platino por la Recording Industry Association of America (RIAA), el álbum ha vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo. Ha sido nombrado por la revista "Rolling Stone" como uno de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, y aparece en la lista de los 1.001 discos que hay que escuchar antes de morir. Sus siete sencillos comerciales alcanzaron todos el Top 5 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en el primer y único álbum en lograr esta hazaña. Jackson recibió 9 nominaciones a los Grammy, ganando en "mejor video musical largo" por "Rhythm Nation" en 1990. Los videos musicales de los sencillos, que desplegaron una mezcla de coreografías estilo Broadway e imágenes militares, ganaron una fuerte rotación en MTV. Jackson fue reconocida con el MTV Video Vanguard Award en 1990 por su significativa contribución artística. La gira Rhythm Nation World Tour se convirtió en la gira debut más exitosa de la historia. Demostró a Janet como una artista completa en lugar de un fenómeno sólo de estudio, así como un ícono de la moda para las mujeres jóvenes. Intermedio: Pledge Rhythm Nation 5:30 Intermedio: TV State of the world 4:48 Intermedio: Race The Knowlegde 3:54 Intermedio: Let's Dance Miss you much 4:12 Intermedio: Come Back Love Will Never Do (Without You) 5:50 Livin' in a World (They Didn't Make) 4:41 Alrigth 6:26 Intermedio: Hey baby Escapade 4:44 Intermedio: No acid Black Cat 4:50 Lonely 4:59 Come Back to me 5:33 Someday is tonight 6:00 Intermedio: Livin'...In Complete Darkness Personal Herb Alpert - trompeta, trompa, latón Julie Ayer - Violín Stephen Barnett - Director Steve Barnett - Director David Barry - Electric & 12 String Guitar Lee Blaske - Arreglador Chris Brown - Bajo Carolyn Daws - Violín Hanley Daws - Violín David Eiland - Programación Rene Elizondo - coros Richard Frankel - Dirección de Arte y Diseño de Portada Johnny Gill - Percusión, Efectos Especiales, chasquidos con los dedos James Greer - coros Guzman / Rotterdam Conservatory Orquesta Típica - Fotografía Steve Hodge - coros, Ingeniero Peter Howard - Cello Janet Jackson - Arreglos, teclados, voz, coros, Productor Jimmy Jam - percusión, piano, batería, teclados, programación, Productor Jellybean Johnson - guitarra, percusión, voz, coros, Productor Jesse Johnson - Guitarra Lisa Keith - coros Kathy Kienzle - Arpa Joshua Koestenbaum – Cello Jamial Lafleur - coros Terry Lewis - Bajo, percusión, arreglos, coros, Productor Tshaye Marcas - coros John McClain - coros, Productor Tamika McDaniel - Voz Tarnika McDaniel - coros John McLain - Guitarra, coros Shante Owens - coros Amy Powell - Voz Randy Ran - coros Nicholas Raths - Guitarra, guitarra (clásica) Sonya Robinson - coros Clarice Rupert - coros Warlesha Ryan - coros Tamas Strasser - Viola John Tartaglia - Viola ReShard Taylor - coros Romuald Tecco - Conciertos Magistrales Anthony Thomas - coros Hyacinthe Tlucek - Conciertos Magistrales Steve Wilson - coros

Some Girls (Algunas Chicas) es el decimocuarto en el Reino Unido y decimosexto en los Estados Unidos álbum de estudio de la banda de rock británico The Rolling Stones, publicado en 1978. Alcanzó el puesto #1 en el Billboard 200 y se convirtió en uno de los álbumes de la banda de mayor ventas en Estados Unidos y ha sido certificado por la RIAA por tener 6 millones de copias vendidas a partir del 2000. El álbum es una combinación del rock, Rhythm and Blues y el blues clásico de los Stones con las dos nuevas tendencias de mediados de la década de los 70s: la música disco y el punk rock. Fue un gran éxito en ventas y difusión llevándolo a ser el único álbum de The Rolling Stones nominado al Grammy en la categoría de mejor álbum del año. Fue un gran éxito, con muchos críticos llamándolo un clásico y su mejor álbum desde Exile on Main St. de 1972. Este disco sale a la venta en pleno nacimiento del punk rock y con la carga de sus últimos álbumes, que, a pesar de su éxito comercial, carecían de la calidad presentada por discos anteriores como Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Fingers o Exile on Main St.. Es un momento especialmente crítico para la banda, considerada por una buena parte de la sociedad y de los nuevos músicos emergentes como un grupo de "dinosaurios". Mick Jagger se sintió vigorizado por las provocaciones y estaba decidido a responderlas líricamente. Sin embargo, mucho punks idolatraban a los Stones en la década de 1960 y fueron fuertemente influenciados por los registros rebeldes de la banda en esa época. Tal vez lo único que trajo aires nuevos a la banda fue el ingreso de Ron Wood, quien ya había demostrado su talento en The Faces y en Black and Blue a la titularidad, después de la marcha de Mick Taylor. Aunque Wood carecía del virtuosismo de Taylor lo compensaba con una gran dinámica y energía, lo que le convirtió en un compañero ideal para Richards y su pedal steel que sería uno de los sellos significativos de la banda, como se puede comprobar a lo largo del disco. Otra contribución para el álbum fue la de Jagger en la guitarra, que había aprendido a tocar durante la década pasada, y que sirvió de tercera cuerda en varias de las canciones de este disco. Esta novedad se deja ver en la canción "Respectable", que tiene el sonido de tres cuerdas que utilizaban comúnmente los grupos de punk. 1.«Miss You» 4:48 2.«When the Whip Comes Down» 4:20 3.«Just My Imagination (Running Away with Me)» 4:38 4.«Some Girls» 4:36 5.«Lies» 3:11 6.«Far Away Eyes» 4:24 7.«Respectable» 3:06 8.«Before They Make Me Run» 3:25 9.«Beast of Burden» 4:26 10.«Shattered» 3:48 The Rolling Stones Mick Jagger: Voz líder, armónica, guitarra eléctrica, coros, y piano. Keith Richards: Guitarra eléctrica y acústica, bajo en "Some Girls" y "Before They Make Me Run", voz líder en "Before They Make Me Run", piano eléctrico y coros. Charlie Watts: Batería. Ron Wood: Guitarra eléctrica, Pedal de acero, guitarra acústica, guitarra slide, coros, bajo y bombo en "Shattered". Bill Wyman: Bajo, sintetizador en "Some Girls" y marimba en "Don't Be a Stranger". Personal adicional Mel Collins: Saxofón en "Miss You". Ian McLagan: Piano eléctrico en "Miss You" y Órgano en "Just My Imagination (Running Away with Me)" Simon Kirke: Congas en "Shattered". Sugar Blue: Armónica en "Miss You", "Some Girls", "Don't Be a Stranger" y "We Had It All. Ian Stewart: Piano en "Claudine", "So Young", "Do You Think I Really Care?", "Tallahasse Lassie", "You Win Again" y "Petrol Blues". Chuck Leavell: Solo de piano en "So Young". Don Was: Bajo en "Don't Be a Stranger" y aplausos en "Tallahasse Lassie". John Fogerty: Aplausos en "Tallahasse Lassie". Matt Clifford: Percusión en "Don't Be a Stranger".

Tracy Chapman es el nombre del álbum debut de la cantante y compositora estadounidense Tracy Chapman. Fue lanzado al mercado por Elektra Records el 5 de abril de 1988, es la producción más exitosa de su carrera por lo cual recibió 3 premios Grammy, ha vendido más de 19.5 millones de unidades en el mundo. El álbum fue muy bien calificado por la crítica, y causó un gran impacto mundial ya que dio inicio a que un movimiento de cantautoras femeninas incursionaran en la escena musical, entre las cuales se destacan Sarah McLachlan y también, Tori Amos. Aunque la canción "Fast Car" fue un gran éxito a nivel global, Chapman jamás volvería a repetirlo. Tracy fue galardonada en 1989 con el premio Grammy al "Mejor álbum de Folk Contemporaneo" y a la "Mejor Interpretación de Pop Femenino" por "Fast Car". En 1989, la distinguida revista Rolling Stone, clasificó el álbum en el puesto #10 en la lista de "Los 100 álbumes más exitosos de los años 80s". En 2003, ocupo el puesto #261 en la lista de "Los 500 álbumes más exitosos de la historia". También Tracy Chapman es el álbum número #74 más exitoso del planeta. "Talkin' Bout a Revolution" – 2:42 "Fast Car" – 4:58 "Across the Lines" – 3:27 "Behind the Wall" – 1:53 "Baby Can I Hold You" – 3:16 "Mountains o' Things" – 4:42 "She's Got Her Ticket" – 3:58 "Why?" – 2:08 "For My Lover" – 3:15 "If Not Now..." – 3:04 "For You" – 3:13

American Beauty es un álbum de estudio de la banda estadounidense Grateful Dead, lanzado en noviembre de 1970 por el sello Warner Bros. Records. El disco continúa con el folk rock y la música country de su antecesor, Workingman's Dead, el cual fue lanzado ese mismo año. El sonido muestra algunas influencias de Bob Dylan y Crosby, Stills, Nash & Young. American Beauty entró en la lista Billboard 200 alcanzando la posición Nro. 30. En 1974 fue certificado como disco de oro por la RIAA. "Box of Rain" – 5:18 "Friend of the Devil" – 3:24 "Sugar Magnolia" – 3:19 "Operator" – 2:25 "Candyman" – 6:14 "Ripple" – 4:09 "Brokedown Palace" – 4:09 "Till the Morning Comes" – 3:08 "Attics of My Life" – 5:12 "Truckin'" – 5:03 Personal Grateful Dead Jerry Garcia – guitarra, voz Phil Lesh – bajo, guitarra Bob Weir – guitarra, voz Ron "Pigpen" McKernan – armónica, voz Mickey Hart – percusión Bill Kreutzmann – batería

Crosby, Stills & Nash es el primer álbum de estudio del grupo estadounidense Crosby, Stills & Nash, publicado por la compañía discográfica Atlantic Records en mayo de 1969. El álbum produjo dos sencillos, «Marrakesh Express» y «Suite: Judy Blue Eyes», que alcanzaron los puestos 28 y 21 respectivamente en la lista Billboard Hot 100. El álbum llegó al puesto 6 de la lista Billboard 200. El álbum fue un debut fuerte para el grupo que los llevó al instante al estrellato. Junto con los álbumes de The Byrds Sweetheart of the Rodeo y de The Band Music from Big Pink, Crosby, Stills & Nash ayudó a iniciar un cambio radical en la música popular, lejos de la estética de las bandas a finales de la década de 1960 basadas en la música rock con guitarras fuertes. Crosby, Stills & Nash presentó una nueva construcción sobre las raíces del rock, utilizando el folk, el blues y el jazz sin específicamente sonar como un mero duplicado. No solamente a través de sus voces, los tres engranaron sus puntos fuertes: Crosby mediante comentarios sociales, Stills con sus diversas habilidades musicales y por unir elementos del folk y el country en complejas estructuras de rock, y Nash por sus melodías pop, con el fin de crear una amalgama de gran atractivo. El álbum resultó muy influyente en muchos niveles de la escena musical de Norteamérica durante la década de 1970. El éxito del álbum generó gravitas para el grupo dentro de la industria, y promovió el interés por contratarles en diferentes actos, muchos de los cuales quedaron bajo la administración del equipo formado por Elliot Roberts y David Geffen. Las fuertes ventas, combinadas con el énfasis del grupo en confesiones personales de sus composiciones, allanaron el camino para el éxito del movimiento cantautor de los años 70. El uso de acontecimientos personales en su material sin recurrir a subterfugios, su talento con las armonías vocales, el cultivo de la meticulosidad en el estudio, así como el carácter distintivo de Laurel Canyon que rodeaba al grupo y a sos asociados, establecieron una estética para una serie de actos que definieron el sonido "californiano" de la década siguiente, incluyendo The Eagles, Jackson Browne y la Fleetwood Mac posterior a 1974, entre otros. El álbum ha sido publicado en disco compacto en tres ocasiones: masterizado por Barry Diament en los Atlantic Studios a mediados de la década de 1980, remasterizado por Joe Gastwirt en los Ocean View Digital y reeditado en agosto de 1994, y reeditado nuevamente por Rhino Records usando el proceso HDCD en enero de 2006. Una edición en disco compacto de oro fue publicada en diciembre de 2011, remasterizada por Steve Hoffmann y con la canción "Guinnevere" cambiada a "Guinevere". «Suite: Judy Blue Eyes» 7:25 «Marrakesh Express» 2:39 «Guinnevere» 4:40 «You Don't Have to Cry» 2:45 «Pre-Road Downs» 3:01 «Wooden Ships» 5:29 «Lady of the Island» 2:39 «Helplessly Hoping» 2:41 «Long Time Gone» 4:17 «49 Bye-Byes» 5:16 Bonus tracks (reedición de 2006) «Do for the Others» 2:49 «Song with No Words (Tree with No Leaves)» 3:18 «Everybody's Talkin'» 3:14 «Teach Your Children» 3:14 Personal Músicos David Crosby: voz y guitarra rítmica Stephen Stills: voz, guitarras, bajo, teclados y percusión Graham Nash: voz y guitarra rítmica Dallas Taylor: batería Jim Gordon: batería en "Marrakesh Express" Cass Elliot: coros en "Pre-Road Downs" Equipo técnico Crosby, Stills & Nash: productor musical Bill Halverson: ingeniero de sonido Gary Burden: dirección artística Henry Diltz: fotografía David Geffen: dirección Barry Diament: masterización Joe Gastwirt: masterización (reedición de 2004) Raymond Foye: notas (reedición de 2006)

The Velvet Rope es el sexto álbum de estudio de la cantante estadounidense Janet Jackson, publicado en octubre de 1997 por la compañía discográfica Virgin Records. Antes del lanzamiento del álbum, Jackson renovó su contrato discográfico con Virgin Records en enero de 1996, recibiendo un sueldo de $80 millones de dólares, convirtiéndose en la artista mejor pagada de la industria musical contemporánea. The Velvet Rope fue producido y co-escrito por Janet Jackson, sus colaboradores de siempre Jimmy Jam y Terry Lewis, y su entonces marido René Elizondo, quien se desempeñó como productor ejecutivo. Durante los dos años previos al lanzamiento de The Velvet Rope, Janet Jackson luchó contra un trastorno depresivo, que padecía desde hace mucho tiempo. Por esta razón, ella a menudo se tomaba tiempo libre durante la grabación del álbum, o a veces salía abruptamente del estudio de grabación. El contenido lírico principalmente está basado en la depresión de Jackson, y en su desilusión con su condición de celebridad. Si bien Jackson había experimentado temas eróticos y sexuales en su álbum anterior janet.; en The Velvet Rope el contenido sexual es más explícito, ya que se tratan otros conceptos como el sadomasoquismo y las relaciones homosexuales. The Velvet Rope fue reconocido como uno de los Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone; y hasta le fecha se estima que se han vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo. "Interlude: Twisted Elegance" – 0:41 "Velvet Rope" – 4:55 "You" – 4:42 "Got 'Til It's Gone" – 4:01 "Interlude: Speaker Phone" – 0:54 "My Need" – 3:44 "Interlude: Fasten Your Seatbelts" – 0:19 "Go Deep" – 4:42 "Free Xone" – 4:57 "Interlude: Memory" – 0:04 "Together Again" – 5:01 "Interlude: Online" – 0:19 "Empty" – 4:32 "Interlude: Full" – 0:12 "What About" – 4:24 "Every Time (Janet Jackson song) – 4:17 "Tonight's the Night (Gonna Be Alright)" – 5:07 "I Get Lonely" – 5:17 "Rope Burn" – 4:15 "Anything" – 4:54 "Interlude: Sad" – 0:10 "Special"/"Can't Be Stopped" – 7:55

Whitney Houston es el álbum debut de la cantante pop estadounidense Whitney Houston, publicado el 14 de febrero de 1985. El álbum tuvo un comienzo lento, pero explosionó durante 1986 con la ayuda de tres sencillos #1 en el Billboard Hot 100. Es el álbum de estudio más exitoso de Whitney Houston, vendiendo 30 millones de copias. 1."You Give Good Love" (LaLa) 4:36 2."Thinking About You" (Kashif y LaLa) 5:28 3."Someone For Me" (Fred Washington y Raymond C. Jones) 5:01 4."Saving All My Love For You" (Michael Masser y Gerry Goffin) 4:01 5."Nobody Loves Me Like You Do" (Pamela Phillips) con Jermaine Jackson 3:48 6."How Will I Know" (Shannon Rubicam y Narada Michael Walden) 4:31 7."All At Once" (Michael Masser y Jeffrey Osborne) 4:29 8."Take Good Care Of My Heart" con Jermaine Jackson (Steve Dorff) 4:21 9."Greatest Love Of All" (Michael Masser y Linda Creed) 4:58 10."Hold Me" con Teddy Pendergrass (Michael Masser y Linda Creed) 6:03 Personal Whitney Houston - voz, coros Linden Aaron - batería Simmons Walter Afanasieff - múltiples instrumentos Roy Ayers - vibráfono Kitty Beethoven - coros Michael Boddicker - sintetizador Robbie Buchanan - piano, Fender Rhodes Paulinho Da Costa - percusión Nathan East - bajo Sammy Figueroa - percusión Kenny G - saxofón tenor Mike Gibbs - conductor Jim Gilstrap - coros Preston Glass - múltiples instrumentos, Roland TR-808 Greg "Gigi" Gonaway Jennifer Hall - coros Niki Haris - coros Vincent Henry - saxofón Cissy Houston - cantante invitada Dann Huff - guitarra Paul Jackson Jr. - guitarra Randy Jackson - múltiples instrumentos Bashiri Johnson - percusión Kashif - synthesizer, teclados, coros Randy Kerber - piano Paul Leim - batería Cory Lerios - sintetizador, Oberheim expander Frank Martin - múltiples instrumentos Marcus Miller - bajo Paul Pesco - guitarra Claytoven Richardson - coros John "J.R." Robinson - batería Marc Russo - trompeta Corrado Rustici - guitarra sintetizador Ira Siegel - guitarra Premik Russell Tubbs - trompeta Narada Michael Walden - drums Jack Waldman - sintetizador Wayne Wallace - trompeta Fred Zarr - sintetizador

Trans Europa Express, también denominado en inglés como Trans-Europe Express (traducido al español como Expreso trans-europeo), es el sexto álbum de estudio del grupo de música electrónica de origen alemán Kraftwerk. Se grabó a mediados de 1976 en el estudio discográfico Kling Klang, situado en la ciudad de Düsseldorf, Alemania, presentándose al público en mayo de 1977. Al igual que los anteriores álbumes de Kraftwerk, y los que le sucedieron, Trans Europa Express es un álbum conceptual, en este caso, basado en el sistema ferroviario europeo Trans Europ Express, del que toma el título. Trans Europa Express estuvo situado en la posición número 119 del listado Billboard Top LPs & Tapes, además de lograr introducirse en el Billboard Hot 100 en el año 1977, alcanzando la posición número 67. Asimismo, en 2003, este álbum fue situado el puesto 253 de los 500 mejores discos de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. De Trans Europa Express se extrajeron dos sencillos: «Trans-Europe Express» y «Showroom Dummies». Desde su publicación, este álbum se relanzó y reeditó en numerosos formatos, y sigue recibiendo valoraciones positivas por parte de críticos musicales modernos, que lo consideran como uno de los principales y más influyentes álbumes de su década. «Europe Endless» 9:41 «The Hall of Mirrors» 7:56 «Showroom Dummies» 6:15 «Trans-Europe Express» 6:37 «Metal on Metal» 2:12 «Abzug» 4:54 «Franz Schubert» 4:26 «Endless Endless» 0:55 Personal Ralf Hütter – voz, sintetizador, orchestron, synthanorma-secuenciador, electrónica, productor. Florian Schneider – voz, vocoder, votrax, sintetizador, electrónica, productor. Karl Bartos – percusión electrónica Wolfgang Flür – percusión electrónica Personal técnico Peter Bollig – ingeniero de audio Bill Haverson – ingeniero de audio (The Record Plant, Hollywood) Thomas Kuckuck – ingeniero de audio (Rüssl Studio, Hamburgo) Personal artístico Maurice Seymour – fotografía J. Stara – fotografía Günther Fröhling – fotografía (remasterización de 2009) Ink Studios – tipografía Johann Zambryski – reconstrucción artística (remasterización de 2009)

Metallica (también conocido como The Black Album por su portada), es el quinto álbum de estudio de la banda de Thrash Metal Metallica. Fue el primer álbum de Metallica producido por Bob Rock. Recibió elogios de la crítica y se convirtió en el álbum más vendido de la banda. El disco tiene éxitos como "Enter Sandman", "Sad But True", "The Unforgiven", "Wherever I May Roam" y "Nothing Else Matters". Vendió más de 500.000 copias en su primera semana en EE. UU., siendo por tanto uno de los más vendidos de todo el metal en general. En este álbum se adoptaron diversas innovaciones en las técnicas de la grabación de los instrumentos, especialmente en la batería, para aportar al sonido de las canciones una ambientación cercana al directo, con la perfección que aporta el estudio. Posteriormente este disco supondría la referencia sonora de muchas de las expectativas de nuevas bandas a la hora de intentar explicar el sonido que deseaban para sus grabaciones propias. En este álbum Kirk Hammett usó una guitarra Jackson Randy Rhoads, en memoria al fallecido guitarrista de Quiet Riot y Ozzy Osbourne. A diferencia del disco ...And Justice for All, en este álbum hay una notoria mejora de sonido en el bajo, el cual puede distinguirse perfectamente, principalmente por la importancia que Bob Rock dio a este instrumento. Su portada hace un homenaje al álbum de The Beatles conocido como The White Album. Hasta el 3 de mayo de 2014 Metallica había vendido más de 16 millones de copias en Estados Unidos, siendo el álbum más vendido en el país, desde que Nielsen SoundScan comenzó a contabilizar las ventas en el año 1991. El corte "My Friend Of Misery" debutó en vivo en la gira Europea del 20 aniversario del Black Album. «Enter Sandman» 5:29 «Sad but True» 5:24 «Holier Than Thou» 3:47 «The Unforgiven» 6:26 «Wherever I May Roam» 6:42 «Don't Tread on Me» 3:59 «Through the Never» 4:01 «Nothing Else Matters» 6:29 «Of Wolf and Man» 4:16 «The God That Failed» 5:05 «My Friend of Misery» 6:47 «The Struggle Within» 3:51 Metallica James Hetfield - voz, guitarra rítmica. Kirk Hammett - guitarra líder. Jason Newsted - bajo. Lars Ulrich - batería. Músicos adicionales Michael Kamen - arreglo orquestal en Nothing Else Matters.

The River (El río) es el quinto álbum de estudio del músico estadounidense Bruce Springsteen, publicado por la compañía discográfica Columbia Records en octubre de 1980. El álbum, grabado en los estudios Power Station de Nueva York entre marzo de 1979 y agosto de 1980, fue el primer mayor éxito comercial de Springsteen al alcanzar el primer puesto en la lista de discos más vendidos de varios países, entre ellos los Estados Unidos y Canadá. Desde su publicación, The River ha sido certificado como quíntuple disco de platino por la RIAA, convirtiéndose en uno de los discos más vendidos del músico detrás de Born in the U.S.A. y Born to Run. En 2003, la revista musical Rolling Stone situó al álbum en el puesto 250 de la lista de los 500 mejores discos de todos los tiempos. «The Ties That Bind» 3:35 «Sherry Darling» 4:04 «Jackson Cage» 3:05 «Two Hearts» 2:46 «Independence Day» 4:51 «Hungry Heart» 3:20 «Out in the Street» 4:20 «Crush on You» 3:12 «You Can Look (But You Better Not Touch)» 2:40 «I Wanna Marry You» 3:31 «The River» 5:02 «Point Blank» 6:07 «Cadillac Ranch» 3:04 «I'm a Rocker» 3:37 «Fade Away» 4:47 «Stolen Car» 3:55 «Ramrod» 4:06 «The Price You Pay» 5:30 «Drive All Night» 8:34 «Wreck on the Highway» 3:54 Personal Bruce Springsteen: voz, bajo, guitarra, guitarra de doce cuerdas, armónica. Roy Bittan: teclados, órgano, piano y coros Clarence Clemons: saxofón, percusión y coros. Danny Federici: órgano y coros. Garry Tallent: bajo Steve Van Zandt: guitarra Max Weinberg: batería Flo & Eddie Howard Kaylan: coros en «Hungry Heart». Equipo técnico Joel Bernstein: fotografía Bob Clearmountain: ingeniero de sonido y mezclas. Neil Dorfsman: ingeniero de sonido. James Farber: ingeniero asistente. Amanda Flick: fotografía David Gahr: fotografía Barry Goldenberg: fotografía Jeff Hendrickson: ingeniero asistente. Jimmy Iovine: ingeniero de sonido. Jon Landau: productor musical. Ken Perry: masterización Chuck Plotkin: mezclas Garry Rindfuss: ingeniero asistente. Toby Scott: mezclas Frank Stefanko: fotografía de portada. Jimmy Wachtel: diseño de portada.

Low es el undécimo álbum del músico y compositor británico David Bowie. Coproducido por Bowie junto a Tony Visconti, Low fue el álbum que inició la Trilogía de Berlín, una serie de colaboraciones con Brian Eno (aunque el álbum se grabó en su gran mayoría en Francia y solo fue mezclado en Berlín Oriental). En Low el sintetizador juega un papel vital, y se desarrolla el krautrock anteriormente explorado en Station to Station, así como también otros géneros como avant-garde o ambient; sonidos que seguirían siendo usados en sus álbumes posteriores "Heroes" y Lodger, los cuales también pertenecieron a la llamada «Trilogía». La portada de este álbum así como su mismo título, Low («Bajo»), se refieren a que Bowie en ese tiempo intentaba mantener un «perfil bajo». Aunque lo críticos tuvieron en un principio una recepción mixta, Low es hoy en día mucho más apreciado. Ampliamente reconocido como uno de sus álbumes más influyentes; de hecho, Bowie considera a este álbum como uno de sus picos creativos, sin embargo, no lo fue tan así comercialmente. En un principio, el álbum iba a ser llamado New Music Night and Day. "Speed of Life" – 2:46 "Breaking Glass" (Bowie, Dennis Davis, George Murray) – 1:52 "What in the World" – 2:23 "Sound and Vision" – 3:05 "Always Crashing in the Same Car" – 3:33 "Be My Wife" – 2:58 "A New Career in a New Town" – 2:53 "Warszawa" (Bowie, Brian Eno) – 6:23 "Art Decade" – 3:46 "Weeping Wall" – 3:28 "Subterraneans" – 5:39 Personal David Bowie – voz, guitarra, bajo, saxofón, xilófono, vibráfono, armónica Brian Eno – voz, minimoog, ARP, tratamientos de guitarra, piano, teclados. Carlos Alomar – guitarra rítmica Dennis Davis – percusión George Murray – bajo Ricky Gardiner – guitarra Roy Young – piano, farfisa. Personal adicional Peter Himmelman – piano, sintetizador ARP. Mary Visconti – coros Iggy Pop – coros en "What in the World". Eduard Meyer – violonchelo

Black Sabbath es el primer álbum de la banda británica de heavy metal Black Sabbath. Fue publicado el 13 de febrero de 1970. Llegó a los top ten británicos, donde permaneció por tres meses. Pese a que fue grabado en solo dos días y con un presupuesto de apenas 600 libras, sumado a las fuertes críticas por su enfoque que fue calificado como "satanista", logró llegar a la 8ª posición del chart británico, gozando de bastante popularidad entre el público más joven. Como anécdota cabe citar que la misteriosa mujer que aparece en la portada del disco, según miembros de la banda apareció misteriosamente en la fotografía tomada a la casa que aparece de fondo. No obstante, seguramente se trata de un fotomontaje. También se puede ver vagamente, en la portada del vinilo original, la figura de un ángel y un demonio junto a uno de los árboles. Este primer trabajo de la banda nos da la bienvenida con el ambiente tormentoso y las campanadas fúnebres del tema "Black Sabbath", uno de los clásicos de la banda que fundamentó el que fuese conocida como un grupo satánico, pues muchos vieron en la siniestra letra de esta canción una muestra irrefutable del compromiso de los músicos con estas corrientes ocultistas. Curiosamente, Geezer Butler (autor de la letra) declararía que más que una oda al satanismo el tema era una advertencia ante el peligro de este tipo de prácticas, habiendo sido por tanto totalmente malinterpretado. La siguiente canción es "The Wizard". Las letras fueron inspiradas en Gandalf, el mago de "El Señor de los Anillos" de J. R. R. Tolkien1 y musicalmente destaca la armónica de Ozzy Osbourne. Le sigue "Behind the Wall of Sleep". La siguiente canción es "N.I.B.". La letra nos habla en este caso de las tentaciones demoníacas, aunque también podría interpretarse como una canción de amor. Es de destacar el solo de bajo que introduce a la canción. La siguiente pieza, titulada "Evil Woman", es un cover de Crow. Le siguen "Sleeping Village" y "Warning", este último es un cover de The Aynsley Dunbar Retaliation. 1.«Black Sabbath» 6:22 2.« The Wizard» 4:25 3.«Behind The Wall of Sleep» 3:37 4.«N.I.B.» 6:07 5.«Evil Woman» 3:27 6.«Sleeping Village» 3:46 7.«Warning» 10:33 8.«Wicked World» 4:47 Integrantes Tony Iommi - Guitarra Ozzy Osbourne - Voz y armónica en "The Wizard" Geezer Butler - Bajo Bill Ward - Batería

Like a Prayer (Como una plegaria) es el cuarto álbum de estudio de la cantante estadounidense Madonna, publicado el 21 de marzo de 1989 por Sire Records. Madonna trabajó con Stephen Bray, Patrick Leonard y su compañero Prince en el álbum mientras coescribió y coprodujo todas las canciones. Considerado como el lanzamiento más introspectivo de Madonna en aquel tiempo, Like a Prayer ha sido descrito como un disco confesional. Describió al álbum como una colección de canciones «acerca de mi madre, mi padre y mi unión con mi familia». El álbum fue dedicado a su madre, quien murió cuando Madonna era niña. El álbum utiliza instrumentación en vivo e incorpora elementos de dance, funk, góspel y soul en un estilo pop más general. Madonna extrajo de su educación católica, como se ve en la canción que da título al álbum y primer sencillo «Like a Prayer». Las letras tratan de temas de la niñez y adolescencia de Madonna, como la muerte de su madre en «Promise to Try», la importancia de la familia en «Keep It Together» y su relación con su padre en «Oh Father». Madonna también predica empoderamiento femenino en «Express Yourself». Tras su lanzamiento, Like a Prayer fue mayoritariamente elogiado por los críticos de música. Rolling Stone lo aclamó como "...lo más cerca que la música pop puede estar del arte." Comercialmente, Like a Prayer se convirtió en un éxito internacional como sus predecesores, llegando a la cima de las listas musicales en múltiples territorios. Fue certificado 'cuádruple platino' en los Estados Unidos por la Recording Industry Association of America, por distribuir cuatro millones de copias vendidas en ese país. Seis sencillos fueron lanzados del álbum: «Like a Prayer», «Express Yourself», «Cherish», «Oh Father», «Dear Jessie» y «Keep It Together». «Like a Prayer» se convirtió en el séptimo número uno de Madonna en el Billboard Hot 100, mientras que «Express Yourself» y «Cherish» alcanzaron el número dos. A nivel mundial, el álbum ha vendido más de 15 millones de copias. Con los videos musicales que acompañan los sencillos, Madonna amplió su creatividad y se hizo conocida como una figura destacada en el formato. El video musical de «Like a Prayer» fue un pararrayos de controversia religiosa, utilizando la iconografía católica como estigmas, cruces en llamas y un sueño sobre hacer el amor a un Santo, llevando al Vaticano a la condena del video y causando que Pepsi cancelara el contrato de patrocinio de Madonna. «Express Yourself» fue el video musical más caro hecho en ese momento. El álbum precedió a la gira innovadora de Madonna, Blond Ambition World Tour. A finales de la década de 1980, tras la publicación de Like a Prayer, Madonna fue nombrada como la "artista de la década" por medios como la revista Billboard, MTV y Musician. 1.«Like a Prayer» 5:39 2.«Express Yourself» 4:39 3.«Love Song» (con Prince) 4:52 4.«Till Death Do Us Part» 5:16 5.«Promise to Try» 3:36 6.«Cherish» 5:03 7.«Dear Jessie» 4:20 8.«Oh Father» 4:57 9.«Keep It Together» 5:03 10.«Spanish Eyes» 5:15 11.«Act of Contrition» 2:19 Créditos Músicos Madonna - sintetizador, voz, voces de apoyo Nadirah Ali - voces de apoyo Rose Banks - voces de apoyo Reverend Dave Boruff - metales Stephen Bray - sintetizador Luis Conte - percusión Larry Corbett - violoncello Andraé Crouch - coros Sandra Crouch - pandereta Paulinho Da Costa - percusión Donna Delory - voces de apoyo Lynne Fiddmont - voces de apoyo Chuck Findley - metales Bruce Gairsch - guitarra Nikki Harris - voces de apoyo Dann Huff - guitarra Dick Hyde - metales Randy "The Emperor" Jackson - guitarra bajo Chester Kamen - guitarra Geary Lanier - clavinet Patrick Leonard - sintetizador, piano, órgano Hammond, clavinet Marcos Loya - guitarra, voces de apoyo Steve Madaio - metales Marilyn Martin - voces de apoyo Joseph Mayer - corno inglés Jonathan Muffett - batería Jeff Porcaro - batería, marimba Guy Pratt - bajo John Roninson - batería Richard Todd - corno inglés David Williams - guitarra Jai Winding - sintetizador Equipo de producción Productores: Madonna, Stephen Bray, Patrick Leonard, Prince Arreglos: Chuck Findley, Bill Meyers

Mr. Tambourine Man es el álbum debut de la banda de folk rock estadounidense The Byrds y fue lanzado en junio de 1965 por Columbia Records.El álbum, junto con el single del mismo nombre, creó la banda como un acto de rock de éxito internacional y fue también influyente en el origen del estilo musical conocido como el folk rock.El término "folk rock" fue, de hecho, acuñado por la prensa musical EE.UU. para describir el sonido de la banda a mediados de 1965 , en torno al mismo tiempo que el "Mr. Tambourine Man" solo alcanzó la cima de la lista Billboard.El single y el álbum también representó el primer desafío de América eficaz a la dominación de los Beatles y la invasión británica a mediados de los De 1960. El álbum alcanzó el puesto # 6 en la lista Billboard Top LPs y alcanzó el puesto # 7 en el Reino Unido. Bob Dylan escribió "Mr. Tambourine Man" single fue lanzado antes del álbum en abril de 1965, alcanzando el puesto # Un tanto en el Billboard Hot 100 y el UK Singles Chart.Un segundo single del álbum, "All I Really Want to Do", también una cubierta de Dylan, fue un éxito moderado en los EE.UU., pero fue mejor en el Reino Unido, donde alcanzó el Top 10. Antes de formar The Byrds, la mayoría de los miembros de la banda había llegado de un pueblo y de fondo la música de raíces, más que uno de rock and roll.El guitarrista Jim McGuinn había sido un cantante popular en varias de Nueva York y Los Angeles clubes populares durante la década de 1960 y también había servido como acompañante con el "colegiado popular" Los grupos de Limeliters y el Chad Mitchell Trio.Además, había pasado tiempo como compositor profesional en el Brill Building en el marco del tutela de Bobby Darin.Gene Clark también había trabajado como cantante de folk en solitario y como parte de los juglares New Christy, mientras que David Crosby había pasado tiempo en Greenwich Village de Nueva York como cantante de folk y también había sido miembro de Les baladistas de Baxter.de fondo Chris Hillman fue más orientado hacia la música "bluegrass" de gente, después de haber sido miembro de la Barkers Scottsville ardilla, los muchachos de Golden State (que más tarde se denominó La Hillmen), y al mismo tiempo que su contratación en The Byrds, The Green Grass Grupo. pedigrí musical baterista Michael Clarke fue menos auspicioso, con congas jugó en calidad de semi-profesional en y alrededor de San Francisco y Los Ángeles desde que salió de su casa en Spokane, Washington a la edad de 16 años. McGuinn y Clark inicialmente se reunieron en el club Troubadour de Los Angeles y pronto formó un dúo Pedro y Gordon estilo, tocando Beatles cubre, entregas Beatlesco de las canciones populares tradicionales, y algunos auto-material escrito. El dúo pronto agregó Crosby a el line-up y se nombraron The Jet Set, a mediados de 1964.Crosby introdujo McGuinn y Clark a su socio Jim Dickson, quien tuvo acceso al Mundial de Estudios del Pacífico. Dickson estaba suficientemente impresionado por el trío de asumir la gestión funciones para el grupo, utilizando Mundial del Pacífico como un estudio de ensayo y grabación de la banda, ya que perfeccionó su arte y perfeccionó su mezcla de pop y folk.En los próximos meses Hillman y Clarke fueron reclutados para la Jet Set en guitarra bajo y batería, respectivamente.Durante este período, Dickson logró adquirir un disco de acetato de "Mr. Tambourine Man", una canción escrita por Bob Dylan que no habían sido puestos en libertad en ese momento.La The Byrds no se mostraron impresionados al principio con la canción, pero finalmente se calentó a ella y comenzó a ensayar y grabar demos de él en el Mundial del Pacífico. "Mr. Tambourine Man" (Bob Dylan) – 2:29 "I'll Feel a Whole Lot Better" (Gene Clark) – 2:32 "Spanish Harlem Incident" (Bob Dylan) – 1:57 "You Won't Have to Cry" (Gene Clark, Jim McGuinn) – 2:08 "Here Without You" (Gene Clark) – 2:36 "The Bells of Rhymney" (Idris Davies, Pete Seeger) – 3:30 "All I Really Want to Do" (Bob Dylan) – 2:04 "I Knew I'd Want You" (Gene Clark) – 2:14 "It's No Use" (Gene Clark, Jim McGuinn) – 2:23 "Don't Doubt Yourself, Babe" (Jackie DeShannon) – 2:54 "Chimes of Freedom" (Bob Dylan) – 3:51 "We'll Meet Again" (Ross Parker, Hughie Charles) – 2:07 "She Has a Way" (Gene Clark) – 2:25 "I'll Feel a Whole Lot Better" [Alternate Version] (Gene Clark) – 2:28 "It's No Use" [Alternate Version] (Gene Clark, Jim McGuinn) – 2:24 "You Won't Have to Cry" [Alternate Version] (Gene Clark, Jim McGuinn) – 2:07 "All I Really Want to Do" [Single Version] (Bob Dylan) – 2:02 "You and Me" [Instrumental] (David Crosby, Gene Clark, Jim McGuinn) – 2:11 Personal The Byrds Jim McGuinn - guitarra líder,Voz Gene Clark - guitarra,Pandereta ,Voz David Crosby - guitarra,Voz Chris Hillman - Bajo Michael Clarke - Batería Personal adicional Bill Pittman, Jerry Cole - guitarra (tracks 1, 8) Larry Knechtel - Bajo (tracks 1, 8) Leon Russell - Piano(tracks 1, 8) Hal Blaine - Batería(tracks 1, 8)

Bookends es un álbum de Simon & Garfunkel, publicado el 3 de abril de 1968, producido por Paul Simon, Art Garfunkel, y Roy Halee, quien también ayudó a la grabación de algunos álbumes anteriores. La compañía discográfica es Columbia Records. Bookends significa sujetalibros. Bookends vendió más de un millón de copias y se colocó en la primera posición de las listas de la revista Billboard, llegando a lo más alto en norteamérica y Reino Unido durante siete semanas consecutivas. Los cuatro temas del álbum que consiguieron colocarse en las listas son "A Hazy Shade Of Winter", "At the Zoo", "Fakin' It" y "Mrs. Robinson", colocándose en las posiciones 13, 16, 23 y 1, respectivamente. En el año 2003 Bookends fue reconocido como el 93 mejor álbum de la historia según el canal TV network. Aquel mismo año, la prestigiosa revista Rolling Stone lo calificó como el 233 mejor en la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. "Bookends Theme" (0:32) "Save the Life of My Child" (2:48) "America" (3:35) "Overs" (2:18) "Voices of the Old People" (2:07) "Old Friends" (2:35) "Bookends Theme" (1:23) "Fakin' It" (3:19) "Punky's Dilemma" (2:17) "Mrs. Robinson" (4:05) "A Hazy Shade of Winter" (2:17) "At the Zoo" (2:22) Créditos Paul Simon: voz, guitarra, productor Art Garfunkel: voz, productor John Simon: productor Roy Halee: productor, ingeniero de sonido Bob Johnston: productor Jimmie Haskell: arreglos Jim Marshall: fotografía

A Night at the Opera —en español: Una noche en la Ópera— es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock Queen, publicado originalmente en 1975. Coproducido por Roy Thomas Baker y Queen, A Night at the Opera fue, en el tiempo de su lanzamiento, la producción más cara realizada. Un éxito comercial, el álbum fue votado por el público y citado por publicaciones musicales como uno de los mejores trabajos de Queen y de la historia del rock. El álbum toma el nombre de la película Una noche en la ópera de los hermanos Marx, que la banda vio una noche en el complejo de estudios durante la grabación. El álbum es famoso por tener los éxitos «Bohemian Rhapsody» y «You're My Best Friend», además de canciones conocidas del grupo como. «Love of My Life», «Death on Two Legs», «Prophet's Song», «I'm in Love With My Car» y la versión de May y Taylor del himno británico. Después de terminar su álbum anterior, Sheer Heart Attack, los componentes de Queen hicieron una pequeña gira local y luego se tomaron unas cortas vacaciones, que incluyeron la boda de John Deacon y la ida de Brian May a Tenerife haciendo estudios sobre astronomía. Después de ello se fueron a Estados Unidos, luego a unas vacaciones en Hawaii y luego a su primer visita a Japón, de la cual volvieron en mayo, se tomaron un tiempo para su vida personal y a inicios de agosto se fueron a los estudios Elstree en Hertfordshire a ensayar. Un aspecto importante es que cambiaron de representante, al terminar su relación con Trident y firmar con EMI; su nuevo encargado, John Reid, convenció a la discográfica que les dieran enormes cantidades de dinero para poder grabar "el mejor álbum posible", sabiendo bien que era un riesgo, pero afortunadamente para la banda, valió la pena correr con el mismo, ya que gracias a la inversión de EMI pudieron alquilar numerosos estudios de la más alta calidad. Las sesiones propiamente dichas comenzaron el 24 de agosto en los estudios Rockfield al sur de Gales, durante las cuales grabaron las pistas de fondo de los temas (piano, bajo y batería, más que todo). Después se fueron a Londres y alquilaron simultáneamente los estudios Olympic, Sarm, Scorpio y Lansdowne así como la sala de conciertos Roundhouse. La razón por la que alquilaron varios estudios es que uno o varios de los integrantes de la banda podía estar trabajando en un tema, y los demás en otro, al mismo tiempo, sin necesidad de sentarse a esperar que cada uno termine. También había una cuestión de cercanía ya que todos los estudios estaban a 20 minutos o menos (en automóvil) de la casa de cada uno de los integrantes (que de por sí vivían muy cerca). Y también está que algunos estudios tenían mejor sonido para una cosa pero no para otra: a Queen nunca le gustó como quedaban las voces en Rockfield (en Gales), así que cuando se trataba de cantar grababan en Londres; el eje central de éste álbum fueron los estudios Sarm (después bautizados Sarm East), que contaban con una excelente acústica debido a que fueron diseñados por un pianista profesional y se habían usado entre otras cosas para el famoso musical Rocky Horror Picture Show unos años antes. Todo el álbum fue mezclado ahí, y se realizaron numerosas grabaciones, incluyendo partes de "Prophet's Song" y "Death on Two Legs". «Death on Two Legs» 3:44 «Lazing On A Sunday Afternoon» 1:10 «I'm In Love With My Car» 3:05 «You're My Best Friend» 2:50 «'39» 3:31 «Sweet Lady» 4:04 «Seaside Rendezvous» 2:15 «The Prophet's Song» 8:21 «Love of My Life» 3:34 «Good Company» 3:24 «Bohemian Rhapsody» 6:01 «God Save the Queen» 1:12 Créditos y personal Freddie Mercury: piano, compositor, voz, orquestación6 Brian May: Banjo y Ukelele, guitarra, koto, voces adicionales, voz principal en «'39» y «Good Company» John Deacon: bajo, piano eléctrico, contrabajo. Roger Taylor: percusión, batería, voz principal en «I'm in Love with My Car», voz de trompeta en «Seaside Rendezvous» Roy Thomas Baker: productor Mike Stone: Ingeniero de sonido

Toys in the attic (Juguetes en el Ático) es el tercer álbum de la banda hard rock estadounidense Aerosmith, lanzado en abril, 1975 por Columbia Records. El álbum de lanzamiento de primer single, "Sweet Emotion", fue lanzado un mes después, el 19 de mayo y "Walk This Way" fue lanzado más tarde el 28 de agosto en el mismo año. El álbum es su segundo -la mayoría de estudio de éxito comercial del álbum, con ocho millones de copias vendidas en los Estados Unidos, según la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos. Steven Tyler afirma que su idea original para la portada del álbum fue un oso de peluche sentado en el ático, con su corte la muñeca y el relleno extendido sobre el suelo. Se decidió, al final, para poner todos los animales en su lugar. El álbum ocupó el puesto # 228 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores álbumes de todos los tiempos. También la canción "Toys in the Attic" es parte del Rock and Roll Hall de 500 Fama de canciones que formaron la rock and lista Roll. En el año 2003, el álbum alcanzó la posición 228 en la lista de los 500 mejores álbumes de rock de todos los tiempos, lista hecha por la revista Rolling Stone. También En 2007, la National Association of Recording Merchandisers y el Salón de la Fama del Rock lo colocaron en el puesto número #54 en su lista de "Los 200 álbumes definitivos que todo amante de la música debería tener" Lista de canciones "Toys In The Attic" (Perry, Steven Tyler) – 3:05 "Uncle Salty" (Tom Hamilton, Tyler) – 4:10 "Adam's Apple"(Tyler) – 4:34 "Walk This Way" (Perry, Tyler) – 3:40 "Big Ten Inch Record" (Fred Weismantel - Originalmente por Bull Moose Jackson) – 2:16 "Sweet Emotion" (Hamilton, Tyler) – 4:34 "No More No More" (Perry, Tyler) – 4:34 "Round And Round" (Tyler, Brad Whitford) – 5:03 "You See Me Crying" (Darren Solomon, Tyler) – 5:12 Personal Tom Hamilton – bajo, guitarra rítmica en "Uncle Salty" Joey Kramer – percusión, batería, voz Joe Perry – Guitarra líder, Guitarra acústica, bajo, percusión, Guitarra rítmica, voz, Voz secundaria, Slides Steven Tyler – Voz líder, bajo, armónica, percusión, Piano Brad Whitford – Guitarra, Guitarra Rítmica Personal adicional Scott Cushnie – piano en "Big Ten Inch Record" y en "No More No More" Michael Mainieri – conductor Jay Messina – percusión, marimba en Sweet Emotion Personal de producción Productor: Jack Douglas en "The Record Plant" Ingeniero: Jay Messina Asistentes de Ingenieros: Rod O'Brien, Corky Stasiak, David Thoener Arreglos: Aerosmith, Jack Douglas, Steven Tyler Arreglos de Orquesta: Michael Mainieri Masterización: Doug Sax en The Mastering Lab, Los Angeles

Nebraska es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Bruce Springsteen, publicado por la compañía discográfica Columbia Records en septiembre de 1982. Grabado en un Portaestudio de baja calidad, las canciones de Nebraska fueron originalmente registradas como demos para grabar posteriormente con la E Street Band. Sin embargo, Springsteen decidió publicar los demos, caracterizados en su conjunto por letras que incluyen personajes que se enfrentan a retos o a puntos de inflexión en sus vidas, así como criminales y forasteros sin esperanzas en el futuro o sin futuro alguno. A diferencia de trabajos previos como Darkness on the Edge of Town y The River, Nebraska incluye un sonido inflexible y un estado de ánimo combinado con letras oscuras, lo cual le llevó a ser definido como «uno de los discos más desafiantes publicados por una estrella musical en un sello discográfico grande» «Nebraska» 4:30 «Atlantic City» 4:01 «Mansion on the Hill» 4:10 «Johnny 99» 3:44 «Highway Patrolman» 5:41 «State Trooper» 3:20 «Used Cars» 3:11 «Open All Night» 3:00 «My Father's House» 5:10 «Reason to Believe» 4:10 Personal Músicos Bruce Springsteen: voz, guitarra, armónica, mandolina, glockenspiel, pandereta, órgano y sintetizador Equipo técnico Mike Batlin: ingeniero de sonido David Michael Kennedy: fotografía Dennis King: masterización Andrea Klein: diseño

American Idiot, es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense de pop punk Green Day. El álbum fue producido por Rob Cavallo y fue lanzado al mercado el 21 de septiembre de 2004 por el sello Reprise Records. A mediados de 2003, la banda comenzó la grabación y producción de lo que iba a ser su séptimo álbum titulado Cigarettes and Valentines. Sin embargo las pistas fueron robadas y la banda decidió volver a empezar de cero, en vez de volver a grabar Cigarettes and Valentines. Más tarde decidieron crear una ópera rock, inspirada principalmente en las obras de The Who y numerosos musicales. La historia del álbum cuenta la vida de «Jesus of Suburbia», una especie de anti héroe creado por Billie Joe Armstrong. Gran parte de las canciones del álbum tratan sobre la oposición a la administración Bush, y también de la sociedad estadounidense contemporánea. Tras la grabación temprana en Oakland, California Studio 880, la banda terminó el álbum en Los Ángeles. El álbum de gran éxito en todo el mundo, también logró entrar en las listas de veintiséis países, siendo diez de ellos número uno, incluyendo las del Reino Unido y Estados Unidos. Desde su lanzamiento, American Idiot ha vendido más de 15 000 000 de copias en todo el mundo, en enero de 2012 ya había vendido más de 6 000 000 copias sólo en los Estados Unidos. incluyendo 267 000 en su semana de apertura. El álbum ganó numerosos premios incluyendo un Grammy al mejor álbum de rock, y recibió elogios de la mayor parte de la crítica «American Idiot» 2:54 «Jesus of Suburbia» 9:08 «Holiday» 3:52 «Boulevard of Broken Dreams» 4:20 «Are We the Waiting» 2:42 «St. Jimmy» 2:56 «Give me Novacaine» 3:25 «She's A Rebel» 2:00 «Extraordinary Girl» 3:33 «Letterbomb» 4:05 «Wake Me Up When September Ends» 4:45 «Homecoming» 9:18 «Whatsername» 4:14

War es el tercer disco de la banda irlandesa U2. Editado en 1983, es el disco que les lanzó a la fama mundial, aunque todavía sin gran reconocimiento de la crítica. Éste se daría con su quinto trabajo, The Joshua Tree. Musicalmente es un disco espeso, el más oscuro de su catálogo, lleno de baterías y riffs poderosos que marcan la tónica del álbum. War incluye los temas Sunday Bloody Sunday, el cual fue publicado como single en Alemania y Holanda en marzo de 1983, New Year's Day, el primer single de U2 en llegar al Top 10 en el Reino Unido y "40", basado en el salmo 40. A su vez, el álbum llegó al puesto 12 en la lista de Billboard en Estados Unidos. "Sunday Bloody Sunday" – 4:40 "Seconds" – 3:10 "New Year's Day" – 5:35 "Like a Song..." – 4:46 "Drowning Man" – 4:14 "The Refugee" – 3:40 producida por Bill Whelan "Two Hearts Beat as One" – 4:03 "Red Light" – 3:46 "Surrender" – 5:34 "40" – 2:35 Personal Bono: Voces y guitarra. The Edge: Guitarras, piano, lap steel, voz líder (en "Seconds") y coro. Adam Clayton: Bajo. Larry Mullen Jr: Batería y percusión. Steve Wickham: Violín eléctrico (en "Sunday Bloody Sunday" y "Drowning Man"). Kenny Fradley: Trompeta. Cheryl Poirier: Coro (en "Surrender" y "Red Light"). Adriana Kaegi: Coro (en "Surrender" y "Red Light"). Taryn Hagey: Coro (en "Surrender" y "Red Light"). Jessica Felton: Coro (en "Surrender" y "Red Light"). Steve Lillywhite: Producción (excepto en "The Refugee"). Bill Whelan: Producción (en "The Refugee"). Paul Thomas: Ingeniero de grabación. Kevin Killen: Ingeniero asistente de grabación.

"The Queen Is Dead" es el tercer álbum de la banda de rock alternativo The Smiths. Fue lanzado el 16 de junio de 1986 en el Reino Unido por Rough Trade Records. Sire Records lanzó el álbum en los Estados Unidos el 23 de junio de 1986. El álbum alcanzó el número dos en las listas británicas y el número 70 en el Billboard 200 y fue certificado Oro por la RIAA a finales de 1990. El guitarrista Johnny Marr escribió varias canciones que más tarde aparecería en The Queen Is Dead, mientras que The Smiths estaban de gíra en Gran Bretaña a principios de 1985, cuándo elaboraban los arreglos de las canciones con el bajista Andy Rourke y el baterista Mike Joyce, durante las pruebas de sonido. Después de lanzar el sencillo "The Boy with the Thorn in His Side" (que se incluye en The Queen Is Dead en una adaptación, un poco diferente a la versión mixta), The Smiths se volvieron a grabar su tercer álbum. Marr produjo el álbum junto al cantante Morrissey, con ayuda del ingeniero Stephen Street, que había asumido el mismo papel en el álbum anterior de la banda, "Meat Is Murder (1985). The Queen Is Dead salió finalmente con medio año de retraso, en junio de 1986, y fue previsto para el estreno del sencillo "Bigmouth Strikes Again" en mayo, en rigor de ser el único sencillo extraído del álbum. Muchos alentaron a la banda para lanzar "There Is a Light That Never Goes Out" como sencillo, pero se dice que Johnny Marr quería un abrazador sencillo, a lo largo de las líneas de The Rolling Stones "Jumpin' Jack Flash", para anunciar que The Smiths había regresado del hiato. No les fue tan bien como se esperaba, pues solo alcanzó llegar al número 26 en las lístas británicas. El álbum es popularmente considerado como el mejor álbum de The Smiths. Con su mezcla única de estilos musicales (incluyendo jangle pop, Invasión británica, music hall, rockabilly y punk rock), se convirtió rápidamente en una sensación británica y The Smiths se estableció como una de las bandas más grandes de su época. Tanto Morrissey y Marr no estában de acuerdo con esa idea, sin embargo, citaron a su sucesor de 1987 (y de forma inesperada el último LP), "Strangeways, Here We Come", como su obra cumbre. 1.«The Queen is Dead» 6:24 2.«Frankly, Mr. Shankly» 2:17 3.«I Know It's Over» 5:48 4.«Never Had No One Ever» 3:36 5.«Cemetry Gates» 2:39 6.«Bigmouth Strikes Again» 3:12 7.«The Boy with the Thorn in His Side» 3:15 8.«Vicar in a Tutu» 2:21 9.«There Is a Light That Never Goes Out» 4:02 10.«Some Girls Are Bigger Than Others» 3:14 Personal The Smiths Morrissey – voz Johnny Marr – guitarras, armonio, sintetizado de instrumentos de cuerdas y arreglos de flauta Andy Rourke – bajo Mike Joyce – batería Equipo técnico Morrissey y Marr – productores Stephen Street – ingeniero de sonido (excepto "Frankly, Mr. Shankly") John Porter – ingeniero ("Frankly, Mr. Shankly")

Tattoo You (Tatúate) es el decimosexto en el Reino Unido y decimoctavo en los Estados Unidos álbum de estudio de la banda de rock británico The Rolling Stones, publicado en 1981. Lanzado un año después de Emotional Rescue, el álbum en su mayoría está compuesto por tomas descartadas registradas durante la década de 1970 y contiene una de las canciones más conocidas de la banda, "Start Me Up", que alcanzó el segundo lugar en las listas del Billboard de Estados Unidos. El álbum resultó ser un éxito crítico y comercial tras su liberación, llegando a la cima de las listas de Billboard y vendiendo más de 4 millones de copias solamente en los Estados Unidos. Fue también el último álbum de los Rolling Stones en alcanzar la primera posición de las listas de Estados Unidos, concluyendo así la cadena de álbumes número uno de la banda, que se remonta a Sticky Fingers de 1971 «Start Me Up» 3:31 «Hang Fire» 2:20 «Slave» 4:59 «Little T&A» 3:23 «Black Limousine» 3:32 «Neighbours» 3:31 «Worried About You» 5:16 «Tops» 3:45 «Heaven» 4:21 «No Use in Crying» 3:24 «Waiting on a Friend» 4:34 Músicos The Rolling Stones Mick Jagger: voz principal, voz de fondo, guitarra eléctrica, armónica. Keith Richards: voz, voz de fondo, guitarra eléctrica, bajo. Mick Taylor: guitarra eléctrica. Charlie Watts: batería. Ron Wood: guitarra eléctrica, voz de fondo. Bill Wyman: bajo, guitarra eléctrica, sintetizador. Personal adicional Nicky Hopkins: piano, órgano. Wayne Perkins: guitarra eléctrica. Billy Preston: piano, órgano. Sonny Rollins: saxofón. Ian Stewart: piano. Pete Townshend: voz de fondo. Jeff Beck: Guitarra

Wish You Were Here (Ojalá estuvieras aquí) es el noveno álbum de estudio de la banda británica de rock Pink Floyd, lanzado en septiembre de 1975 e inspirado en el material que compusieron durante su gira europea de 1974 y que grabaron en los Abbey Road Studios de Londres. Su temática explora la ausencia, la industria musical y los problemas mentales del anterior miembro de la banda Syd Barrett. Las sesiones de grabación fueron arduas y complicadas, en parte por la idea de Roger Waters de dividir la canción "Shine On You Crazy Diamond" en dos, para después unir cada mitad con tres nuevas composiciones. "Shine On" es un tributo a Barrett, quien, irónicamente, se presentó en los estudios el 5 de junio mientras se grababa. A la banda le costó reconocerle debido a su sobrepeso y a su cambio de aspecto. Al igual que en su álbum previo, Dark Side of the Moon, la banda utilizó distintos efectos de sonido y sintetizadores. Roy Harper colaboró como vocalista en la canción "Have a Cigar". El diseño artístico del álbum, nuevamente en manos de Storm Thorgerson, contiene una funda negra y opaca que tapa la portada del mismo. Wish You Were Here se estrenó en Knebworth en julio de 1975, para después ser lanzado oficialmente en septiembre de ese mismo año. Fue un éxito inmediato; la compañía discográfica EMI ni siquiera pudo editar las suficientes copias para satisfacer la demanda. Al comienzo recibió críticas positivas y negativas, aunque está posicionado en el puesto número 209 de la lista de los 500 mejores álbumes de la historia elaborada por la revista Rolling Stone. Los miembros de la banda Richard Wright y David Gilmour coinciden en que Wish You Were Here es su álbum favorito de Pink Floyd. «Shine On You Crazy Diamond (Parts I–V)» 13:30 «Welcome to the Machine» 7:31 «Have a Cigar» 5:08 «Wish You Were Here» 5:40 «Shine On You Crazy Diamond (Parts VI–IX)» 12:31 Personal Pink Floyd David Gilmour – voz, guitarra, steel guitar, EMS Synthi AKS, teclados, guitarra acústica Roger Waters – voz, bajo, guitarra, VCS3, efectos de sonido Nick Mason – batería, percusión, efectos de sonido Richard Wright – teclados, VCS3, clavinet, coros Músicos adicionales Dick Parry – saxofón en "Shine On You Crazy Diamond" Roy Harper – voz en "Have a Cigar" Venetta Fields y Carlena Williams – coros Stéphane Grapelli - violín en "Wish You Were Here" Producción Brian Humphries – ingeniero de sonido Peter James – ingeniero Bernie Caulder - asistente de ingeniero Phil Taylor – fotografía adicional (remasterización) Hipgnosis – diseño, fotografía Peter Christopherson, Jeff Smith, Howard Bartrop y Richard Manning – asistentes de diseño George Hardie – diseño gráfico Jill Furmanovsky – fotografía adicional (remasterización) James Guthrie – productor de remasterización Doug Sax – remasterización

Ten es el álbum debut de estudio de la banda de grunge estadounidense Pearl Jam, lanzado el 27 de agosto de 1991 por la discográfica Epic Records. Después de la ruptura de la anterior banda del bajista Jeff Ament y el guitarrista Stone Gossard, Mother Love Bone, ambos reclutaron al vocalista Eddie Vedder, al guitarrista Mike McCready y al batería Dave Krusen para formar Pearl Jam en 1990. La mayoría de las canciones del grupo comenzaron como jam sessions instrumentales, a los que Vedder añadió letras sobre temas como la depresión, gente sin hogar o los abusos. Ten no fue un éxito inmediato, pero a finales de 1992 llegó al puesto número dos de la lista Billboard 200 de Estados Unidos. Se extrajeron tres sencillos del álbum: "Alive", "Even Flow" y "Jeremy". Aunque a la banda se le acusó de subirse al tren del éxito de la música grunge, Ten tuvo un papel decisivo en popularizar el rock alternativo en el mainstream. El álbum ha sido certificado platino trece veces por la RIAA en los Estados Unidos y sigue siendo el álbum más exitoso de Pearl Jam 1.«Once» 3:51 2.«Even Flow» 4:53 3.«Alive» 5:40 4.«Why Go» 3:19 5.«Black» 5:43 6.«Jeremy» 5:18 7.«Oceans» 2:41 8.«Porch» 3:30 9.«Garden» 4:58 10.«Deep» 4:18 11.«Releasen. 1 » 9:04 Personal Pearl Jam Jeff Ament – bajo, director artístico Stone Gossard – guitarra Dave Krusen – batería Mike McCready – guitarra Eddie Vedder – voz, arte adicional Músicos adicionales y producción Don Gilmore, Dave Hillis, Adrian Moore – ingeniería de sonido Walter Gray – violonchelo Bob Ludwig – masterización Lance Mercer – fotografía Tim Palmer – mezclas Rick Parashar – producción, piano, órgano, percusión Pearl Jam – producción Steve Pitstick – arte adicional Lisa Sparagano, Risa Zaitschek – diseño Posición en listas[editar]

Yusuf Islam, nacido Steven Demetre Georgiou y más conocido como Cat Stevens, su antiguo nombre artístico (Londres, 21 de julio de 1948), es un músico británico. Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota. Cuando tenía 8 años, sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Habitaban el piso superior del restaurante de su propiedad, donde todos trabajaban. Su primer instrumento musical fue el gran piano que había en la casa. No sólo por parte de padre y madre asimiló diferentes culturas en su infancia, sino que su casa estaba además abierta a diferentes amigos y familiares. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre «Cat Stevens» surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato. Logró hacer su primer disco gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music. A los 15 años descubrió que quería ser músico y poco después que, además, quería ser una estrella pop-rock. Con el nombre artístico «Cat Stevens» vendió millones de discos, especialmente entre los años 1960 y 1970. Después de una experiencia cercana a la muerte, alrededor de 1978, decidió convertirse al islam. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam. Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales. En 1989 fue muy criticado cuando supuestamente apoyó la fatwa (pronunciamiento jurídico) del ayatollah Ruhollah Jomeini contra el escritor anglo-indio Salman Rushdie (1947–), debido a la blasfemia cometida en su novela Los versos satánicos. Más tarde se descubrió que había sido cogido por sorpresa y que los medios, de una manera tendenciosa, desnaturalizaron el sentido de sus palabras. Un poco después hizo un comunicado donde dejaba muy claro que, aunque detestaba el contenido del libro, no estaba de acuerdo con la fatwa, diciendo: «Según la ley del islam, los musulmanes deben ceñirse a las leyes de los países donde tengan residencia». Una vez convertido al islam decidió dejar la música, pues consideraba que el negocio que la rodea interfería en los nuevos conocimientos que deseaba adquirir. Su amor por los niños le llevó a fundar tres escuelas, los alumnos de las cuales son reputados en todo el Reino Unido. Una de dichas escuelas fue inaugurada por el Príncipe de Gales. Gran parte de su fortuna la ha dedicado a ayudar a las víctimas de las guerras (Bosnia, Irak, Darfur, Gaza) y desastres naturales (tsunami). A sugerencia de Mijaíl Gorbachov le fue otorgado el premio «Hombre por la Paz». Sin embargo, desde que dejó el mundo de la música, Yusuf Islam no ha dejado de cantar y grabar canciones religiosas (llamadas anachid). Participó en el concierto en Sudáfrica, dado en conmemoración de la liberación de Nelson Mandela junto con otros artistas. En 2006 volvió a la música pop, pues como dice él: «Soy un espejo donde los musulmanes se miran para ver el mundo occidental y donde mis compatriotas se miran para ver el islam». En 2006 grabó An other cup, compendio de canciones pop donde se puede encontrar una visión mística de la vida. Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria. Su ideal es el de un islam abierto a toda la humanidad. Mantiene que el mensaje del islam ha sido manipulado por unos y por otros hasta el punto de convertirlo en algo irreconocible. Considera que la mejor manera de seguir a Moisés o a Jesús es seguir a Mahoma, el último mensajero que ratifica y actualiza los mensajes anteriores. El príncipe Carlos del Reino Unido nombró a Cat Stevens como su embajador personal de caridad.1 En 2011 hizo una gira de conciertos por Europa comenzando el 7 de mayo en Estocolmo y terminando en Bruselas el 2 de junio, en pro de la ayuda a los más necesitados. En febrero de 2015 se presenta en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, abriendo la última jornada festivalera, siendo promocionado y presentado como «Yusuf, Cat Stevens». 1."Where Do the Children Play?" 3:52 2."Hard Headed Woman" 3:47 3."Wild World" 3:20 4."Sad Lisa" 3:45 5."Miles from Nowhere" 3:37 6."But I Might Die Tonight" 1:53 7."Longer Boats" 3:12 8."Into White" 3:24 9."On the Road to Find Out" 5:08 10."Father and Son" 3:41 11."Tea for the Tillerman" 1:01 Personnel Cat Stevens – classical guitar, acoustic guitar, keyboards, lead vocals Alun Davies – acoustic guitar, backing vocals Harvey Burns – drums, congas, tambourine John Ryan – double bass Del Newman – string arrangements Jack Rothstein – violin

Abraxas fue el segundo álbum de la banda de rock, Santana, publicado por Columbia Records en 1970. Santana consiguió, en su segundo álbum, «un disco que iba más allá del rock, y en el que su corazón latino bombeaba sangre hasta las extremidades del jazz y la salsa». El disco se editó con una espectacular portada doble, que reproducía el cuadro Anunciación (1961), de Mati Klarwein. La revista Rolling Stone llegó a decir que «Santana hacía por la música latina lo que Chuck Berry había hecho por el blues». El álbum vendió más de un millón de copias, y llegó al nº1 del Billboard 200, en EE. UU. «Singing winds, cryin' beasts» (Carabello) 4:48 «Black magic woman/Gypsy queen» (Peter Green/Gabor Szabo) 5:24 «Oye como va» (Tito Puente) 4:19 «Incident at Neshabur» (Gianquinto/Santana) 5:02 «Se acabó» (Áreas) 2:51 «Mother's daughter» (Rolie) 4:28 «Samba pa ti» (Santana) 4:47 «Hope you're feeling better» (Rolie) 4:07 «El Nicoya» (Áreas) 1:32 Músicos David Brown: bajo. Michael Shrieve: batería. Carlos Santana: guitarra, coros. Gregg Rolie: teclados, voz. Rico Reyes: percusión, voz (pistas: A3, B5). Mike Carabello: percusión, congas. José Chepito Áreas: percusión, congas, timbales. Alberto Gianquinto: piano (pista: A4). Créditos David Brown, John Fiore: ingenieros de sonido Carlos Santana: arreglos. Carlos Santana, Fred Catero: productores Wally Heider Recording Studio (San Francisco): estudio de grabación.

Wheels of Fire es un álbum doble y el tercer lanzamiento de la banda británica Cream. El álbum llegó al puesto n.º 1 en Estados Unidos y al n.º 3 en el Reino Unido, siendo además, el primer álbum doble en llegar a disco de platino. El álbum también llegó a venderse como dos álbumes independientes: Wheels of Fire (In the Studio) y Wheels of Fire (Live at the Fillmore). "White Room" (Jack Bruce, Pete Brown) – 4:58 "Sitting on Top of the World" (Howlin' Wolf) – 4:58 "Passing the Time" (Ginger Baker, Mike Taylor) – 4:37 "As You Said" (Bruce, Brown) – 4:20 "Pressed Rat and Warthog" (Baker, Taylor) – 3:13 "Politician" (Bruce, Brown) – 4:12 "Those Were the Days" (Baker, Taylor) – 2:53 "Born Under a Bad Sign" (Booker T. Jones, William Bell) – 3:09 "Deserted Cities of the Heart" (Bruce, Brown) – 3:38 "Anyone for Tennis" (Eric Clapton, Martin Sharp) - 2:39 "Crossroads" (Robert Johnson – 4:14 "Spoonful" (Willie Dixon) – 16:48 "Traintime" (Bruce) – 6:52 "Toad" (Baker) – 16:16 Miembros Jack Bruce – voz principal, bajo, violonchelo, armónica, calliope, guitarra acústica Eric Clapton – guitarra, voces Ginger Baker – batería, percusión, voces Otros Felix Pappalardi – viola, instrumentos de viento, órgano

Modern Times es el trigésimo segundo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por el sello Columbia Records el 29 de agosto de 2006. El álbum, que produjo el propio Dylan bajo el seudónimo de Jack Frost y que grabó con la banda habitual en su gira Never Ending Tour, mantuvo la incursión en géneros musicales como el rockabilly, el blues y el americana, al igual que en su predecesor, "Love & Theft". El álbum supuso el tercer trabajo de estudio consecutivo, tras Time Out of Mind y "Love & Theft", en obtener el respaldo de la gran mayoría de la prensa musical, que lo definió como una de sus obras maestras. Sin embargo, Modern Times también creó polémica debido al uso de arreglos musicales procedentes de canciones de dominio público y a la reproducción de versos del poeta Henry Timod que Dylan no acreditó en el álbum. En el plano comercial, Modern Times se convirtió en el primer trabajo de Dylan en debutar en el primer puesto de la lista estadounidense Billboard 200 desde Desire, publicado treinta años antes, con 192 000 copias vendidas durante su primera semana. Con 65 años, Dylan se convirtió en el músico más viejo en alcanzar el primer puesto en la lista Billboard 200 hasta que fue desbancado por Tony Bennett en 2011. Además, Modern Times alcanzó el primer puesto en las listas de discos más vendidos de Australia, Canadá, Dinamarca, Irlanda, Noruega, Nueva Zelanda y Suiza, debutó en el puesto dos en Alemania, Austria y Suecia, y entró en el puesto tres en el Reino Unido y en los Países Bajos, con cuatro millones de copias vendidas a nivel mundial dos meses después de su publicación. Modern Times se convirtió en el tercer álbum consecutivo en alcanzar el primer puesto de la encuesta Pazz & Jop de Village Voice, tras "Love & Theft" y Time Out of Mind en 2001 y 1997 respectivamente. Por otra parte, la revista Rolling Stone situó al álbum en la primera posición de la lista de los cincuenta mejores álbumes de 2006 y en la octava posición en la lista de los 100 mejores álbumes de la década de 2000. Tras rrealizar los primeros ensayos entre enero y febrero de 2006 en el Bardavon 1869 Opera House de Poughkeepsie, Nueva York, Dylan grabó Modern Times en los Clinton Studios de Nueva York con su habitual banda en la gira Never Ending Tour, formada por el bajista Tony Garnier, el batería George Receli y el multiinstrumentalista Donnie Herron, quienes también participaron previamente en la grabación de Together Through Life y Tempest en 2009 y 2012 respectivamente. La grabación también contó con los guitarristas Stu Kimball y Denny Freeman en sustitución de Charlie Sexton y Larry Campbell. Aunque tras su publicación Modern Times fue considerado como el tercer álbum de una trilogía conceptual que comenzó con Time Out of Mind, el propio Dylan desechó esa idea en una entrevista en la revista Rolling Stone. Según el músico: «Podríamos pensar en "Love and Theft" como el comienzo de una trilogía, si es que va a haber una trilogía». Tras la filtración del álbum en algunos programas de BitTorrent, su publicación se adelantó en algunos países de Europa, entre ellos Alemania e Irlanda, al 25 de agosto. En el Reino Unido, Modern Times fue publicado el 28 de agosto, mientras en Estados Unidos su estreno tuvo lugar a través de XM Satellite Radio, la estación de radio vía satélite que albergó el programa de Dylan Theme Time Radio Hour. 1.«Thunder on the Mountain» 5:55 2.«Spirit on the Water» 7:42 3.«Rollin' and Tumblin'» 6:01 4.«When the Deal Goes Down» 5:04 5.«Someday Baby» 4:55 6.«Workingman's Blues #2» 6:07 7.«Beyond the Horizon» 5:36 8.«Nettie Moore» 6:52 9.«The Levee's Gonna Break» 5:43 10.«Ain't Talkin'» 8:48 Músicos Bob Dylan: voz, guitarra, armónica y piano Denny Freeman: guitarra Tony Garnie: bajo y cello Donnie Herron: steel guitar, violín, viola y mandolina Stu Kimball: guitarra George Receli: batería y percusión Equipo técnico Jack Frost: productor Greg Calbi: masterización Chris Shaw: ingeniero de sonido

Bad es el séptimo álbum de estudio del artista estadounidense Michael Jackson, publicado el 31 de agosto de 1987, con más de 30 millones de copias vendidas y 5 números uno en las listas de EE.UU. (Billboard Hot 100). Fue su reaparición en el mercado, con un álbum, cinco años después de lanzar Thriller y tras múltiples aplazamientos y rumores. A principios de agosto de 1987, las emisoras de radio de Europa y los Estados Unidos comenzaron a radiar "I Just Can't Stop Loving You", una balada a dúo con Siedah Garrett; era lo que se anunciaba como "lo nuevo de Michael Jackson". La canción fue bien acogida, si bien se comentaba que la voz de Jackson sonaba nerviosa y menos relajada que la de Garrett, se supone que por el estrés que suponía intentar superar sus éxitos anteriores. Tanto en sus planteamientos líricos como musicales, el anticipo del álbum Bad, logró crear la máxima expectativa entre los fanes de Jackson, ya que para septiembre de ese mismo año se anunciaba la puesta a la venta del álbum, a la par que Jackson partía de gira rumbo a Asia. Bad se publicó a finales de agosto de 1987. Tuvo que sufrir las inevitables y engorrosas comparaciones del álbum anterior, Thriller. Bad es un disco experimental en el que Jackson y Quincy Jones, nuevamente a la cabeza de la producción artística, intentan buscar nuevos sonidos, como el dance de la época, el R&B (soul y funk) y el hard rock. Bad fue la excusa para una gira mundial que mantuvo ocupado a Jackson desde agosto de 1987 hasta principios de 1989. Bad, nada más al publicarse, fue disco de oro en los Estados Unidos en concepto de ventas anticipadas (500.000 sólo en EE. UU.). Michael Jackson deseaba batir un nuevo récord con este disco: publicar en formato single (sencillo a 45 rpm de la época) las once canciones que formaban el álbum. Casi lo consiguió, ya que fueron 10 los sencillos publicados, tanto en single, como en single promo. A la vez fue el primer artista en lograr cinco números 1 consecutivos en el Top 40 americano, récord que mantuvo hasta 2012. A su vez, fue el primer álbum en la historia que conseguió 5 puestos número 1 en la lista Billboard Hot 100 de singles. En Europa Bad fue certificado seis veces de Platino por la IFPI, a modo de acreditación de ventas de 10 millones de copias. "Bad", la canción que da título al disco, tuvo un video musical (o short-film), un videoclip dirigido por Martin Scorsese, en él se puede ver a Michael bailando en el metro de Nueva York. Dicho corto musical, de mayor duración que el Thriller (aunque no tan famoso, ya que se comercializaba con escenas eliminadas), se hizo muy popular a finales de 1987, logrando el segundo nº1 en el Top 40. Luego le siguieron "The Way You Make Me Feel" y en la primavera de 1988 "Man in the Mirror" (escrita por Siedah Garret y Glen Ballard), ambos nº1 en los Estados Unidos. Cuando su gira recalaba en Europa, especialmente en Alemania y Reino Unido, países donde Jackson tenía y tiene muchos seguidores, se publicó "Another Part of Me", tema que aparece en un cortometraje llamado Captain EO que por aquel entonces sólo se podía ver en Disneylandia. Entrado el verano de 1988, se publica el sencillo "Dirty Diana", con Steve Stevens (guitarra de Billy Idol) a la guitarra solista y Jackson actúa por primera vez en concierto en España (Madrid, Barcelona y Marbella fueron las ciudades elegidas) En octubre de 1988 se estrena en los cines de todo el mundo el film Moonwalker, una especie de gigantesco video musical (de hora y media de duración) en el que se recogen momentos de la gira de Jackson por el mundo y el tema "Smooth Criminal", en un remix, que pronto alcanza elevados índices de popularidad, llegando a alcanzar el Top 10 en el Top 40 de EE.UU. Cierran la lista de singles los temas "Leave Me Alone" (que solo aparece en el cd de Bad, y cuyo clip alude a los rumores estrafalarios que circulaban sobre Jackson), y "Liberian Girl". En el clip de esta última canción, Michael Jackson reunía a gran número de estrellas, desde la modelo Iman (esposa de David Bowie) hasta Brigitte Nielsen. 1.«Bad» 4:07 2.«The Way You Make Me Feel» 4:58 3.«Speed Demon» 4:01 4.«Liberian Girl» 3:53 5.«Just Good Friends» (con Stevie Wonder) 4:05 6.«Another Part of Me» 3:53 7.«Man in the Mirror» 5:18 8.«I Just Can't Stop Loving You» (con Siedah Garrett) 4:13 9.«Dirty Diana» 4:41 10.«Smooth Criminal» 4:16 11.«Leave Me Alone» 4:37

Highway to Hell (Autopista al infierno), es el sexto álbum de estudio de la banda de hard rock australiana AC/DC que salió a la venta en 1979. También es el quinto álbum de estudio internacional de la banda y todas sus canciones fueron escritas por Angus Young, Malcolm Young, y Bon Scott, entre las que se destacan "Highway to Hell", "Touch Too Much", "Walk All Over You", "Shot Down in Flames", "If You Want Blood (You've Got It)" y el oscuro blues "Night Prowler". Se consideró el álbum más popular de la banda hasta el momento, y ayudó a incrementar la popularidad de ésta considerablemente, posicionándola para el éxito de su álbum Back In Black el año siguiente. Fue el último álbum grabado con el vocalista Bon Scott antes de que este muriese en febrero de 1980. Highway To Hell fue el primer álbum de AC/DC que no fue producido por Harry Vanda y George Young. En Australia, salió a la venta con una cubierta ligeramente diferente. A diferencia de la internacional, tenía llamas en la guitarra. En Alemania del Este se cambiaron los diseños de las carátulas 1.«Highway to Hell» 3:30 2.«Girls Got Rhythm» 3:26 3.«Walk All Over You» 5:12 4.«Touch Too Much» 4:26 5.«Beating Around the Bush» 4:00 6.«Shot Down in Flames» 3:25 7.«Get It Hot» 2:37 8.«If You Want Blood (You've Got It)» 4:40 9.«Love Hungry Man» 4:20 10.«Night Prowler» 6:17 Músicos Bon Scott - Vocalista Angus Young - Guitarra Lider Malcolm Young - Guitarra rítmica Cliff Williams - Bajo Phil Rudd - Batería Producción Robert John "Mutt" Lange - Productor Mark Dearnley - Ingeniero

Transformer es el segundo álbum en solitario del cantante y guitarrista estadounidense Lou Reed. Considerado como uno de sus trabajos más importantes. Tras los años de The Velvet Underground y su primer álbum en solitario, titulado simplemente Lou Reed, en Transformer Reed se aleja del rock experimental y se acerca al glam rock. De hecho, el álbum fue producido por David Bowie junto a Mick Ronson, estrellas del movimiento glam y amigos de Reed. Bowie también hizo arreglos y coros en este disco. Además, también cuenta con la participación de Klaus Voormann, bajista de John Lennon y colaborador de The Beatles. El primer single del disco, "Walk on the Wild Side", fue un éxito inmediato y se ha convertido en la canción más popular de Lou Reed. Este álbum también contiene otros de los mayores éxitos de Reed, como "Perfect Day", "Vicious" y "Satellite of Love". Todas las canciones fueron escritas por Lou Reed. "Vicious" – 2:58 "Andy's Chest" – 3:20 "Perfect Day" – 3:46 "Hangin' 'Round" – 3:35 "Walk on the Wild Side" – 4:15 "Make Up" – 3:00 "Satellite of Love" – 3:42 "Wagon Wheel" – 3:19 "New York Telephone Conversation" – 1:33 "I'm So Free" – 3:09 "Goodnight Ladies" – 4:21 Músicos Lou Reed – Guitarra rítmica, Teclados y Voz líder Herbie Flowers – Bajo eléctrico, Contrabajo, Tuba en "Goodnight Ladies" Mick Ronson – Guitarra líder, Piano, Coros y Arreglos de cuerdas. John Halsey – Batería. David Bowie - Coros. Músicos Adicionales Ronnie Ross – Saxo Barítono en "Goodnight Ladies" y "Walk on the Wild Side". The Thunder Thighs – Coros. Barry DeSouza – Batería. Ritchie Dharma – Batería. Klaus Voormann – Bajo.