Cine para leer

Diego Salgado comenta la película 'Black Mass', dirigida por Scott Cooper, en Magis Radio: "Solo en unos tiempos como los presentes, en los que todo ha pasado a ser única y exclusivamente marca, carente de otros objetivos inmediatos que no sean la resonancia primaria en el consumidor –también de cine–, puede ocurrir que se estrene en numerosos países del mundo una película como la que nos ocupa con su título original, 'Black Mass' –acompañado en algunos casos de coletillas más o menos pertinentes–, sin que nadie tenga interés, empezando por su distribuidora, en hallar una traducción precisa que arroje luz sobre lo que, de otra manera, no deja de parecer un mero ejercicio de estilo a mayor gloria de su protagonista, Johnny Depp". Crítica completa: http://buff.ly/1kEdpMx

José Luis Sánchez Noriega presenta en Magis Radio la película 'Taxi Teherán', del cineasta iraní Jafar Panahi, autor de títulos como 'El globo blanco' (1995), 'El espejo' (1997) o 'Esto no es una película' (2011).

Francisco María Benavent comenta 'El coro', de François Girard, en Radio ECCA: "El coro se añade por lo tanto a un subgénero muy transitado, el de las lecciones inolvidables sobre el arte y de paso sobre la vida. El principal reproche cae por su propio peso, un guión previsible y bastante sentimental, escrito por Ben Ripley, autor del interesante thriller de ciencia-ficción 'Código fuente' (2011), y por otra parte pianista, conocimientos musicales que se dejan notar. El reproche es cierto al 90%, con momentos que ponen la guinda como el de la "prima donna" que tiene un accidente que sirve para que el aspirante ocupe su puesto sobre el escenario. O un final como para tirar tomates. Pero como decía Hitchcock, lo que importa no es el "qué" sino el "cómo". Crítica completa: http://buff.ly/1Oy6guo

Pedro Miguel Lamet comenta en Radio ECCA 'Lejos de los hombres', de David Oelhoffen: "En medio de la nada, una escuela. Este plano, primero y último, definen la película, imagen desoladora de una bella historia que se desarrolla en una zona desértica del Atlas argelino durante 1954, fecha en que comienza la guerra con Francia por la descolonización de Argel, que duraría ocho años, con toda suerte de atrocidades. El gran humanista y premio Nobel francés Albert Camus, hijo de argelina y colono galo, refleja este sinsentido en un hermoso relato corto titulado “El huésped”, que adapta libremente el cineasta David Oelhoffen en 'Lejos de los hombres' (2014), su segunda película, realizada siete años después de 'Reencuentro' (2007), con actores de renombre como el versátil e incalificable Viggo Mortensen y Reda Kateb o Nick Cave. Oelhoffen estira el cuento de Camus, ampliando su argumento a un viaje con cierta estructura de western, manteniendo el contenido pacifista y el humanismo liberador del relato original que sobrenada todo el film, pieza tan sencilla como arriesgada y minimalista". Crítica completa: http://buff.ly/1WKr68W

Pedro Miguel Lamet presenta 'Phoenix', de Christian Petzold, en Radio ECCA: "más que una metáfora de la reconstrucción de la Alemania postbélica, Phoenix es una reflexión sobre la verdad y la apariencia, un tema de rabiosa actualidad también para un mundo como el nuestro donde la sociedad se ve dominada por el continuo uso de caretas y la utilización manipuladora de la imagen en función del éxito y el lucro". Crítica completa: http://buff.ly/1IT3I4l

Sergio Fernández-Pinilla nos presenta 'La lección', de Kristina Grozeva y Petar Valchanov en 'Magis Radio': "Como si de una película del maestro iraní Abbas Kiarostami se tratase (pienso en '¿Dónde está la casa de mi amigo?' y en esos cuadernos circulando de mano en mano), la opera prima de Kristina Grozeva y Petar Valchanov empieza en el cole, con una profesora de secundaria frente a la pizarra intentando averiguar quién de entre sus alumnos ha sustraído el dinero del desayuno de una compañera. La búsqueda del culpable será obsesiva y recurrente a lo largo del filmepor parte de Nade, la maestra -excepcional Margita Gosheva –'Three days in Sarajevo'-, una suerte de Marian Álvarez eslava-, mas el conflicto moral se desarrollará en el interior de este personaje, una vez que le es comunicado el embargo y la posterior subasta de la casa en la que vive con su pequeña hija y un marido insolvente y ex alcohólico". Crítica completa: http://buff.ly/1SnrJF7

Ángel A. Pérez Gómez nos presenta 'Güeros', película mexicana de Alonso Ruizpalacios: "Al principio del film, se nos explica que güero es un mejicanismo que viene de huero y que significa huevo no fecundado, persona de piel pálida o pelo rubio o aspecto enfermizo. La primera acepción es la que conviene aplicar a los protagonistas, porque todo parece líquido, fluido, evanescente en este film sobre una generación desorientada, que padece una vacuidad de referentes sólidos, descreída y desilusionada, que naufraga más que navega, que transita pero no se queda, que no siembra y que por lo tanto tendrá las manos vacías el día de la cosecha. Todo esto nos los transmite Alonso Ruiz Palacios de una manera sensorial, emocional, casi surrealista a veces, con una mezcla de humor que relativiza la tragedia y un patetismo que acongoja. Realmente este debutante en la dirección logra lo que muchos maestros alcanzan a edad provecta y larga carrera: comunicar sentimientos y temores con una simplicidad pasmosa, con unas imágenes que parecen al alcance de cualquiera que –con una videocámara– se echara a la calle con la ilusa pretensión de filmar la vida tal cual es". Crítica completa: http://buff.ly/1Pyv866

José Luis Sánchez Noriega comenta 'Tiempo sin aire', de Samuel Martín Herreros, en Radio ECCA: "En 'Tiempo sin aire' hay un guión con oficio que maneja con eficiencia recursos del cine clásico, particularmente la intriga mantenida gracias a la información dosificada mediante la alternancia entre el relato en tiempo presente (en Tenerife) y el del tiempo pasado, en la selva colombiana con la agresión sufrida por toda la familia de María y por su hija en particular; a esa intriga se suma el giro narrativo que proporciona la relación de María con Gonzalo. Y la sorpresa final. La carne dramática -y el dilema ético implícito- tiene interés, pues María no posee la certeza absoluta de la culpabilidad de Iván; su personaje tiene fuerza y viene compuesto por una actriz adecuada para el rol, aunque quizá falta de matices. También hay que hacer notar el valor de tramas secundarias, como la actuación del psicólogo para ayudar al niño a superar el horrible pánico en que se cierra o la crítica al trato que reciben los inmigrantes en nuestro país, frecuentemente presidido por la desconfianza y la prepotencia". Crítica completa: http://buff.ly/1cD9wDq

Sergio Fernández-Pinilla nos presenta 'Regreso a Ítaca' en Radio ECCA: "Homenajea la película a la generación perdida de los nacidos en la isla entre 1955 y 1960, aquellos que vieron comprometidos sus ideales revolucionarios con el desmoronamiento de la URSS y la proclama del “periodo especial” por parte de Fidel Castro en 1992, lo que condujo a Cuba a una de las etapas más críticas y oscuras de su reciente historia, con la escasez y la censura causando estragos entre una población que se veía abocada al exilio o a la corrupción cuando los lazos de solidaridad no eran suficientes. Y lo hace del crepúsculo al amanecer, en unidad de espacio y de tiempo, desde un escenario natural con vistas al malecón habanero y al mar, pero también abierto al resto de la ciudad: La Habana, Cuba, solo se puede entender desde un plano cenital que desvele su disposición geográfica y su entramado urbanístico y humano". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1694-regreso-a-itaca

José Luis Sánchez Noriega comenta 'La dama de oro', de Simon Curtis: "Simon Curtis resuelve con oficio –y con resultados notables desde parámetros comercial-espectaculares- la tarea de llevar a la pantalla una historia basada en hechos reales. Se trata de la lucha de María Altmann, una judía vienesa que hubo de huir del nazismo y se instaló en California, por recuperar los cuadros de Gustav Klimt (1862-1918), propiedad de su familia y confiscados por las autoridades durante la ocupación nazi de Austria, entre ellos el Retrato de Adele Bloch-Bauer (1907), lo que consiguió a final del siglo XX". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1690-la-dama-de-oro

Ángel Antonio Pérez Gómez comenta 'El francotirador', de Clint Eastwood: "En los márgenes de lo tangible, de la representación de la violencia y de la manipulación del espacio-tiempo, Eastwood no falla. Domina el oficio y saca provecho de la experiencia de su gente de confianza, sobre todo Tom Stern y Joel Cox, artesanos respectivos de la fotografía y el montaje. La secuencia que abre esta crítica es un buen ejemplo de lo dicho por su eficacia en la administración del ritmo y el juego con la tensión del espectador. Pero luego está todo lo demás. Y no es poco. Para empezar, el director concibe su película como un homenaje a Chris Kyle, quien ostentó el "honor" de ser el francotirador más letal de la historia militar estadounidense con al menos 160 muertos en su curriculum". Crítica completa de Miguel Ángel Huerta: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1672-el-francotirador

Manuel Alcalá comenta 'La conspiración del silencio', de Giulio Ricciarelli: "Cerca ya el 70º aniversario de la liberación del campo más atroz del exterminio nazi. Auschwitz-Birkenau (Polonia), el cine alemán estrena esta película de un director compatriota de origen italiano. Su título original no es el de la distribución española, sino En el laberinto del silencio que no sólo es más adecuado, por ser el de su autor, sino por la índole misma del filme y de su historia. Si para muchos sectores alemanes, la ignorancia real o ficticia de los campos de exterminio fue conspiración de silencio, para las inmensas mayorías era un intrincado laberinto mudo y de suspense. Tal es también su género cinematográfico. De otra parte, es cierto que la existencia de los campos no pasó a toda la opinión pública. Los conocedores de ellos fueron obligados en ocasiones por la autoridad nazi a firmar un documento secreto, cuya revelación era penada por el ingreso en el campo revelado. Eso fue, para algunos, coartada de silencio. Para la mayoría, no pasó de laberinto histórico". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1654-la-conspiracion-del-silencio

José Luis Sánchez Noriega nos recomienda estos títulos para disfrutar del buen cine en esta Semana Santa: 'La historia de Marie Heurtin', 'Citizenfour', 'Calvary', 'Selma', 'Pride', 'Timbuktú' y 'Perdiendo el norte'.

Pedro Miguel Lamet comenta 'Siempre Alice' en Magis Radio: "Film lineal, sencillo en su factura –casi podría ser un tvmovie- está centrado en la vida cotidiana de Alice, encarnada admirablemente por una Julianne Moore repleta de matices, que va reflejando el minucioso proceso de su enfermedad desde los primeros olvidos a las dramáticas ausencias. Hasta tal punto que se puede decir que 'Siempre Alice' es el rostro de Julianne Moore que colma la pantalla, desborda un guion más propio de la televisión, y se come a los demás intérpretes. No en vano, entre otros premios y nominaciones, ha sido galardonada con el globo de oro a la mejor interpretación y es la firme candidata para al óscar de este año". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1644-siempre-alice

Ángel Antonio Pérez Gómez comenta 'Leviatán', de Andrey Zvyagintsev, en Magis Radio: "Las pretensiones de Zvyagintsev no son únicamente denunciar la corrupción en Rusia sino hacer más universal su alegato. Los protagonistas de esta historia son víctimas a su vez los unos de los otros. La desmedida afición al vodka, la infidelidad conyugal, la cólera de Kolya, el compadreo de quien quiere que le arreglen el coche sin pagar o se aprovecha del policía amigo, la violencia desatada durante la celebración del picnic (incluyendo el fusilamiento en imagen de los líderes soviéticos y rusos del pasado siglo), la displicente prepotencia del letrado capitalino que se piensa que con tener los hechos y la razón de su lado va a lograr veredictos y resoluciones justas… son signos que nos indican que la infección es general y que las relaciones humanas y sociales están enfermas, a pequeña escala, del mismo virus que corroe a las autoridades". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1641-leviatan

Julio Vallejo Herán comenta 'Kaplan', de Álvaro Brechner, en Magis Radio: "La cinta no oculta sus deudas literarias con Don Quijote de la Mancha, la obra capital de Miguel de Cervantes. Alonso Quijano, el hidalgo castellano que pretende emular a los protagonistas de las novelas de caballería, es sustituido por Jacobo Kaplan, un anciano judío que huyó del exterminio nazi en su tierna infancia y que pretende pasar a la posteridad capturando a presunto genocida oculto en Uruguay. Su peculiar Sancho Panza es un viejo policía, retirado del cuerpo por su implicación en un caso de corrupción y que ha sido abandonado por su familia. Los dos se embarcan en una aventura tan absurda como la de los dos protagonistas de la mítica obra maestra de la literatura universal. Todo ello para huir de una realidad gris, en el caso de 'Kaplan', o directamente terrible, como la de su particular escudero, el exagente Wilson Contreras. Al igual que en 'Mal día para pescar', Brechner dibuja a unos personajes al filo del patetismo que, sin embargo, trata con una ternura y comprensión nada posmoderna". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1638-kaplan

Ángel A. Pérez Gómez comenta 'Mr. Turner', de Mike Leigh, en Magis Radio: "¿Cómo se conciliaban en una misma persona tantos elementos sórdidos con la belleza suprema de sus obras? ¿Cómo convivían la condición libidinosa de quien elegía una cabeza de cerdo en la carnicería para comérsela asada en el horno con el sublime colorido de sus acuarelas y óleos? ¿No es un misterio que ese maridaje de belleza y tosquedad cristalizara en semejante artista? Tenía razón Sófocles y la tiene Mike Leigh al presentarnos la naturaleza humana como una inacabable caja de sorpresas. El retrato en claroscuro de J.M.W. Turner que nos pinta éste último bien podría ser suscrito por su antecesor griego. Este Sr. Turner, como le llaman, que trata de usted a todos –como se usaba antaño–, es capaz de pasar de lo más excelso a lo más prosaico en un santiamén. Esa dualidad de ángel y demonio es la que muestra Leigh de manera implacable, precisa y preciosa, en una película en la que Jekyll y Hyde se funden sin solución de continuidad en un personaje que trata de conservar la dignidad aun cuando actúa indecorosamente". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1635-mr-turner

Ignacio Lasierra comenta 'El hobbit: La batalla de los cinco ejércitos', de Peter Jackson, en Magis Radio: "Esta tercera entrega tiene cierto regusto a 'El señor de los anillos'. Pero bien es sabido, que no es lo mismo comerse una fresa, que un chicle con sabor a fresa. Y el chicle que conforma esta trilogía, a pesar de que recuerda en muchos aspectos a su antecesora, no deja de ser una sombra. A pesar de contener varias secuencias donde Jackson sigue demostrando que tiene un conocimiento absoluto del universo tolkiano y de la Tierra Media, tanto esta película, como su antecesora, buscan la épica de forma mucho menos natural y de forma más monótona que en cualquiera de las películas de la trilogía del anillo". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1634-el-hobbit-la-batalla-de-los-cinco-ejercitos-

José Luis Sánchez Noriega comenta 'Camino a la escuela', de Pascal Plisson, en Magis Radio: "En algunas ocasiones realmente felices, el cine sirve para mostrar la realidad humana más viva y cultivar nuestra sensibilización hacia situaciones de sufrimiento, desamparo o injusticia. Es lo que hace 'Camino a la escuela', un pequeño documental sobre niños que han de recorrer diariamente decenas de kilómetros para conseguir el pan de la educación, esto es, la posibilidad de una vida digna en que se realicen sus sueños. Se estrena con el patrocinio de la Unicef y de varias fundaciones; y lo hace acompañado de la publicación de un libro y de una muestra fotográfica, además de contar con una distribución importante para un documental que incluye proyecciones en centros educativos, lo que constituye un acierto, pues el destinatario natural de la película son los escolares de países ricos como el nuestro. Viene precedido de un recorrido más que notable, con más de un millón de entradas en Francia" Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1647-camino-a-la-escuela

Ángel Pérez Gómez comenta 'Loreak' (Flores), de Jon Garaño y Jose Mari Goenaga: "La realización de este tándem, Garaño y Goenaga, es de una rara, rica y –en apariencia, sólo en apariencia­– modesta delicadeza. Se conjugan una gran variedad de recursos estilísticos, desde cadenciosos trávelins hasta fundidos encadenados (con una propiedad que casi no se ve hoy), desde encuadres rotundos hasta planos enfáticos. Utilizan símbolos sencillos (flores, oveja…) a los que se carga, a la vez, de significado y misterio, como debe ser. También el tiempo narrativo está cuidado con tino. La música de Pascal Gaigne, extraordinaria, contribuye decisivamente a crear esa atmósfera, al mismo tiempo, fatalista y mágica, que ayuda a comprender el drama del amor no correspondido y del desamor que lo corroe todo, de la felicidad quebradiza o nunca encontrada, del fúnebre montón de cenizas en que acaba todo" Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1606-loreak-flores

Sergio Fernández-Pinilla comenta 'Magical Girl', de Carlos Vermut en Radio ECCA: "El cine de autor español sigue viviendo en estado de gracia: los programadores y los jurados de los festivales priorizan la apuesta de riesgo sobre el clasicismo, la crítica afín va conquistando los últimos bastiones que le quedaban, e internet continúa facilitando el acceso a los más chicos además. Pero el público todavía se resiste y seguramente apostará por 'La isla mínima' antes que pagar sus nueve euros por 'Magical Girl', que si el boca-oreja no lo remedia, correrá la misma suerte en salas que 'La herida' el pasado año, otra Concha de Oro celebrada y notable, pero con escasa repercusión en taquilla. Cuestión de género, porque la película de Alberto Rodríguez basa su previsible éxito en ajustarse canónicamente al thriller (incluso emulando o anticipándose a las formas de hits norteamericanos recientes), mientras que 'Magical girl' es una rara avis que parece primero un melodrama o un cuento fantástico mutilado para convertirse después en ese thriller seco cual parto de gallina que es". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1595-magical-girl

José luis Sánchez Noriega comenta 'Lasa y Zabala', dirigida por Pablo Malo: "Como se sabe, en 1983 los militantes etarras José Antonio Lasa Aróstegui y José Ignacio Zabala Artano fueron secuestrados por los GAL en Bayona, sometidos a torturas, asesinados y enterrados en cal viva en un pueblo de Alicante. Es el primer crimen de la guerra sucia de los aparatos policiales del Estado contra ETA. Casi veinte años después, la Audiencia Nacional condenó por estos hechos a dos altos mandos de la Guardia Civil, al gobernador civil de Guipúzcoa y a los policías ejecutores; esa sentencia fue revisada e incrementada por el Tribunal Supremo y refrendada por el Constitucional y el Tribunal de Europeo de Derechos Humanos. Aunque los culpables han pasado poco tiempo en la cárcel y nunca se probó si alguien del Gobierno estaba detrás de esa guerra sucia, a nadie se le escapa que no es habitual en ninguna democracia consolidada un proceso similar que muestra la fortaleza del Estado de Derecho. En el rótulo inicial, Pablo Malo explica que cuenta los hechos probados en la sentencia; y, efectivamente, el grueso del relato es una narración verosímil de esos hechos. Desde el punto de vista cinematográfico tiene no poco de TV movie «basada en hechos reales» –casi de docudrama en algunas secuencias– lo que equivale a decir una narración previsible, didáctica y bastante plana. Algunos diálogos y la interpretación dejan bastante que desear, pues el espectador no se sumerge en la ficción, sino que ve a los personajes recitando lo que el guion establece. Claramente, le falta empaque en la construcción de los personajes, sentido de la elipsis y contención en la voluntad divulgadora de explicarle al espectador la conducta criminal de los policías mostrando imágenes y sonidos de las torturas. Que la película cuenta una historia de buenos y malos nadie lo duda. Ese maniqueísmo omite, sin embargo, cualquier referencia a ETA y a su actividad terrorista. Lasa y Zabala aparecen en el film como meros simpatizantes nacionalistas". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1594-lasa-y-zabala

Julio Vallejo comenta en Magis Radio 'Black Coal', de Yi'nan Diao: "La particular obsesión del director por retratar la tristeza y la soledad prosigue en 'Black coal', aunque en esta ocasión el drama deje paso a las formas del denominado cine negro. La película, ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín 2014, nos traslada a la China de 1999. Las diferentes partes de un cadáver aparecen desperdigadas en diversas minas de carbón. Un detective de la policía recién divorciado investiga el suceso, pero unos terribles hechos provocarán que el caso quede sin resolver. Cinco años después, el mismo hombre, alcoholizado y apartado del cuerpo, indagará por su cuenta acerca de una serie de crímenes que tienen como nexo de unión la relación de las víctimas con la viuda del hombre que fue asesinado un lustro atrás". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1589-black-coal

José Antonio Planes Pedreño comenta 'La isla mínima', de Alberto Rodríguez, en Magis Radio: "Ambientada en un recóndito pueblo andaluz que está rodeado, a su vez, por las inquietantes marismas del río Guadalquivir, esta espléndida película corre el riesgo de ser interpretada solo como una vibrante inmersión en la mejor tradición del thriller norteamericano, lo cual es cierto porque, entre otras razones que comentaremos más adelante, está sujetada por un apasionante duelo de rostros, el que protagonizan Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez al encarnar a una pareja de policías que intenta resolver un doble homicidio. De la colisión de ambos personajes emergen fuertes descargas eléctricas a pesar de que no apreciamos grandes contrastes físicos entre uno y otro más allá de la diferencia edad: ambos son individuos retraídos, antipáticos, de gesto serio y reconcentrado, y que apenas revelan datos personales. Y, sin embargo, un abismo generacional e ideológico media entre ambos, como iremos descubriendo progresivamente. Ubicado el film en 1980, con la Transición Española avanzando hacia sus estertores, Pedro parece pertenecer a una estirpe de agentes de la ley identificada con esos nuevos avatares democráticos; todo lo contrario que Juan, cuya afinidad con el extinto régimen no nos pasa desapercibido a tenor de los métodos violentos que utiliza para obtener información". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1585-la-isla-minima

Julio Vallejo presenta la película 'Las dos caras de enero', de Hossein Amini, en Magis Radio: "Hossein Amini nos traslada a la Grecia de los primeros años sesenta del siglo XX donde nos encontramos con una pareja norteamericana, formada por un maduro agente de bolsa y su joven esposa, que visitan el Acrópolis ateniense. Ambos entablaran una relación con un norteamericano que se gana la vida como guía turístico. La noche previa a su marcha de la ciudad, un detective privado amenaza al maduro esposo con asesinarle si no devuelve el dinero a unos inversores a los que estafó. Tras una refriega entre ambos, el marido mata al investigador. A partir de ese momento, comenzará una huida por Grecia donde dependerán de la ayuda de ese compatriota que han conocido en el país europeo. La trama se convierte en un mero MacGuffin con el que hacer progresar la acción. Lo que interesa al director es desarrollar la historia del hombre maduro que asiste a cómo el mundo que había construido se derrumba y del joven que aspira a tener lo que posee su oponente masculino, en el que cree ver a su figura paterna. Son, como alude el título del filme, las dos caras de la misma moneda. Ambos son dos timadores que se ocultan tras una máscara y ansían el mismo trofeo: la mujer que completa su particular trío y el dinero oculto en una maleta que estafó el corredor de bolsa". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1527-las-dos-caras-de-enero

José Luis Sánchez Noriega comenta 'Hermosa juventud', de Jaime Rosales: "Con una autoconciencia que no siempre está al alcance de los artistas, Jaime Rosales indicaba en la presentación de este su quinto largometraje: “Quiero salir de la deriva que llevaba mi carrera hacia el cine de museos". Y, en efecto, aunque el director apueste por un cine con voluntad experimental y, por ello, minoritario, no puede limitarse a los poco más de seis mil espectadores de 'Tiro en la cabeza' (2008), cifra que se ha reducido a la mitad en 'Sueño y silencio' (2012), su anterior y cuasi inédito estreno. Este viraje nos permite aplaudir sin reservas el trabajo del cineasta de 'La soledad' (2007) -hasta ahora su filme más logrado que, no obstante su estilo innovador, obtuvo el favor del público y de los Goya- un renovador del cine español que cultiva la mirada y los tiempos con una delicadeza que agradece el espectador más inquieto". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1521-hermosa-juventud

Sergio Fernández-Pinilla comenta 'Post Tenebras Lux', de Carlos Reygadas, en Magis Radio: "Como el propio Carlos Reygadas explica, 'Post Tenebras Lux' no es una película que se aborde a través de la narración, en cuanto consigna diferentes percepciones de la existencia, entre las que se encuentran “el presente, el inconsciente y la conciencia de lo que nos rodea, los sueños, los recuerdos, e incluso las imágenes del futuro”. Estas diversas percepciones de lo real son la esencia de la cinta, lo cual no exime al relato de acontecimientos narrativos tales como una autodecapitación (en México “llueve sangre”), el encuentro swinger en una sauna, o ese asesinato nuclear desde el que quizás se vislumbra el resto. Rodada en su propia casa de campo tepozteca, y protagonizada por sus pequeños vástagos Rut y Eleazar–con Nathalia Acevedo y Adolfo Jiménez haciendo de padres-, 'Post Tenebras Lux' es la más personal, radical, y quizás también la más hermosa película de Reygadas hasta la fecha, y eso es decir mucho viniendo de alguien cuya filmografía incluye títulos como 'Japón', 'Batalla en el cielo', o 'Luz silenciosa'." Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1523-post-tenebras-lux

Pedro Miguel Lamet comenta 'Viva la libertà', de Roberto Andò: "Si en algún mundo reina sin cortapisas la falsedad y el engaño, la corrupción y la imagen manipulada, es en el de los partidos políticos y las esferas del poder, como se pone de manifiesto en los informativos de cada día. Roberto Andò, de formación literaria, amigo de Leonardo Sciascia, su mentor, y luego ayudante de dirección de algunos grandes, como Francesco Rosi, Giacomo Battiato, Federico Fellini (E la nave va), Michael Cimino (Il Siciliano), Francis Ford Coppola (Il Padrino III), ha tenido varias incursiones en la novela y el teatro. Entre sus filmes, El manuscrito del Principe (1999), La stanza, Anniversario di Harold Pinter (2001) y Sotto falso nome (2002), con Daniel Auteuil. El film nos sitúa en el actual descalabro político italiano, donde Enrico Oliveri, secretario general del principal partido de la oposición, saturado y cercado por sus colaboradores ante los repetidos fracasos, decide quitarse de en medio y ocultarse en París en casa de una actriz francesa, su antigua amante, ahora casada. Su desesperado asistente, Valerio Mastandrea, para salir del apuro y el caos que amenaza al partido, decide sustituirlo por Giovanni Ermani su gemelo, un filósofo bipolar, excéntrico y humanista, recién salido del psiquiátrico y que hace veinte años que no se relaciona con su hermano. Mientras Enrico intenta recuperar la serenidad y el gusto por la vida en la cotidiana existencia parisina, Giovanni cosecha éxitos con sus genialidades rupturistas en mítines y declaraciones. De modo que la locura del filósofo sonriente, y hasta un poco idiota, resulta más eficaz que los métodos manidos y carentes de credibilidad del político real". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1516-viva-la-liberta

Julio Vallejo Herán presenta '10.000 KM' en Magis Radio: "10.000 km, la ópera prima en el largometraje de ficción de Carlos Marques-Marcet se abre un coito entre los dos miembros de la pareja protagonista formada por Alex, una fotógrafa de origen británico, y Sergi, un profesor español. Los dos se encuentran en el momento de su mayor cercanía física y emocional. A lo largo del filme, seremos testigos de la distancia espacial y sentimental que surgirá entre ambos. El cineasta catalán, director y montador formado en la prestigiosa universidad norteamericana de UCLA, ofrece un muy interesante retrato del amor en los tiempos de internet y movilidad laboral característicos de las primeras décadas del siglo XXI. Una fotografía que no obvia los cambios que se han producido en una sociedad occidental donde la mujer ha ido conquistando mayor independencia y las relaciones románticas heterosexuales están cada vez más regidas por la igualdad entre géneros. A diferencia de lo que podía ocurrir en filmes de otras épocas, es la protagonista femenina la que se marcha al extranjero en busca de una beca que le permita hacer realidad sus sueños, mientra el varón se queda guardando el hogar. Como muy bien ha señalado el director Carlos Marques-Marcet, su película ha subvertido en cierta manera los roles de los personajes de La Odisea. Alex asume el papel masculino de un Ulises en busca de una Ítaca llamada Los Ángeles, mientras que es Sergi el que hace lo propio con el papel de Penélope, que se queda en el hogar. A la vez, la película pone de manifiesto que el amor no es lo único importante en las relaciones sentimentales actuales. En muchos casos, los logros individuales se imponen a la vida en común. Un rasgo en el que algunos han querido ver cierto egoísmo de gran parte de una generación, la nacida entre mediados de los setenta y los primeros ochenta, llena de individuos que se niegan a renunciar a sus sueños personales y parecen vivir en una adolescencia donde los compromisos sentimentales no son muy duraderos. Por otra parte, el filme juega muy bien sus cartas a la hora de plasmar el cada vez mayor espacio físico y emocional de los dos protagonistas. La relación sexual inicial da paso a un larguísimo y bello plano secuencia donde somos testigos del comienzo de la separación. Los planes de la pareja de ser padres tras una relación de siete años saltan por los aires después de conocer que ella ha logrado una beca en Estados Unidos". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1513

Rafael Arias Carrión analiza 'Rompenieves', de Bong Joon-ho, en Magis Radio: "En un futuro cercano, estamos en 2031, los únicos supervivientes de la raza humana viven a bordo de un tren. Llevan ya diecisiete años en una ruta cuyo paisaje es una continua cordillera de nieve que hace inviable la vida humana. Como sucedía en 'The Host', son los científicos los que generaron los males; ahora un experimento científico para luchar contra el cambio climático resulta contraproducente. El enfriamiento del planeta produce que solo sea un tren perpetuo el que contenga los vestigios de la raza humana, desde los que pagaron billete hasta los que entraron de incógnito. Los años pasan y alguna revuelta se ha producido, pero el orden establecido se mantiene bajo los designios del creador del tren Wilford. Se produce un levantamiento mayor, abanderado por el joven intrépido Curtis, quien poco a poco recorrerá los vagones para saber quién dirige el tren y poder cambiar las reglas de poder. El detonante del levantamiento es el rapto de dos niños a manos de las fuerzas del orden que los necesitan sin que sepamos hasta más adelante para qué. Esa lumbre incita a la revuelta ayudados por pequeños detalles, como el hecho de que pasados tantos años las balas escasean y los fusiles que apuntan en esos vagones de cola son inservibles. Pero esos detalles, muy numerosos a lo largo del metraje, son los que hacen avanzar la narración y el significado metafórico de la misma. Evidentemente, no hablamos de un tren cualquiera sino de un tren bigger than life. Como el arca de Noé contiene a un conjunto de seres humanos de razas y procedencias diferentes y, como el Titanic, presenta marcadas diferencias sociales. Un tren creado por un científico, que es quien maneja tan desmesurada estructura, perfectamente estudiada, en perpetuo movimiento que da una vuelta planetaria anual y que genera un ecosistema interno perfectamente estudiado. No es solo que en la cola vayan los desheredados, asfixiados que malviven comiendo una especie de tabletas gelatinosas sino que sirven en muchos casos de simiente a los vagones de cabeza donde el ocio es un factor diferenciador. Ese ecosistema tiene que estar controlado por un buen número de soldados dirigidos por la histérica e histriónica Mason –interpretada por una Tilda Swinton, que recrea poses del Peter Sellers de 'Teléfono rojo, ¿volamos hacia Moscú?'– que tiene una de las secuencias más sádicas de la película, cuando castiga a un hombre por lanzarle un zapato a su cabeza haciéndole sacar el brazo al exterior durante unos minutos. Ese microcosmos humano que habita en un tren de 650 metros de largo, con más de un centenar de vagones, se construyó en el estudio Barrandov de la república Checa, el set más largo de Europa. Justo es reconocer que se le ha sacado mucho partido". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1511

José Luis Sánchez Noriega nos presenta la película 'Carmina y amén', de Paco León, en Magis Radio: "La sorpresa de 'Carmina o revienta' tenía que ver con su condición de crónica familiar y su estatuto de (semi)documental; era una suerte de retrato de la madre del cineasta hecha con tanta valentía como desparpajo que el espectador tendía a recibir como real, a pesar de los excesos y las hipérboles. Pero el atractivo básico no estaba en el formato de la película, sino en la figura de la protagonista que, como escribimos entonces, era “un tipo muy español, pobre pero hidalgo, en la tradición de la picaresca, superviviente de muchas cornadas, desprejuiciado a la hora de urdir engaños y fraudes, tragicómico que hace chiste en la mayor desgracia, bronco en las formas pero tierno en el fondo, solidario con los suyos…” Ahora, Paco León completa y cierra aquel retrato –más que escribir una segunda parte, pues no hay continuidad narrativa- en lo que aparece más decididamente como ficción, probablemente porque los espectadores ya estamos sobre aviso. 'Carmina y amén' es una obra más depurada y madura, bien medida, inteligente, creativa a la hora de conseguir el frágil equilibrio entre comedia y drama trágico, entre ficción y representación, entre juego y realidad. A pesar de no figurar en la nómina de los “autores” y/o “cineastas de culto” me atrevo a decir que Paco León está a su misma altura, pues demuestra ser poseedor de una mirada genuina y de manejar con eficiencia, creatividad y ausencia de afectación el lenguaje audiovisual, como se aprecia ostensiblemente en la secuencia inicial y en la del entierro de Antonio, con un contrapunto visual y, sobre todo, sonoro que plasma esa dialéctica entre ficción o imaginación poética de lo experimentado y la más prosaica realidad. Además, Paco León tiene un valor que han perdido gran parte de los guionistas del cine español y que hay que explicar un poco" Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1497

Manuel Alcalá comenta 'El gran cuaderno' en Magis Radio: "Janos Szász hace un cine superdramático de ribetes agresivos, donde suele reflejar complejas historias familiares. Ahora lo hace con la suya propia, de ascendencia judía. Su padre, Peter, fue ya perseguido en época dictatorial por el movimiento integrista Cruces Flechadas, de origen rumano. Más tarde, durante la ocupación nazi, fue internado en el campo de concentración de Dachau, cerca de Munich, pero sobrevivió de milagro. Su hijo Janos que también ha realizado Holocausto (2000), un documental sobre el exterminio nazi en Hungría, nació en Budapest (1956), entonces parcialmente destruida por el ejército soviético, al intentar reprimir la insurrección popular de mismo año. Finalmente, tras el sustancial cambio político y la costosa instauración democrática, el director pudo participar en los cursos de la Academia de Bellas Artes de la capital danubiana, realizando con gran esfuerzo y dificultades financieras, superadas por coproducción internacional, casi una docena de largometrajes, generalmente bien recibidos por la crítica. El estilo de nuestro director está marcado por el recuerdo de las tragedias padecidas. Por esto eligió para la película que comentamos, el primer relato de la trilogía Claus y Lucas, de su compatriota y paisana, Agota Cristof, recoge el tema en estilo mucho más maduro, centrándose en dos hermanos mellizos llevados por sus padres al campo con su abuela materna para alejarlos de los bombardeos aéreos de Budapest (1945). La anciana, viuda y alcohólica, es calificada por la gente del pueblo como "bruja", por considerarla parricida de su propio marido. Fiel a su total marginación, la mujer somete a sus nietos a un verdadero martirio cotidiano. Con todo, ellos deciden entrenarse en el dolor físico y moral, para así poder afrontar el futuro. En realidad se transforman en monstruos y homicidas de simpática apariencia y que, además, todo anotan cuidadosamente en un Gran Cuaderno". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1507

José Luis Sánchez Noriega comenta en 'Magis Radio' 'Las maestras de la república', de Pilar Pérez Solano, y 'Jimmy P.', de Arnaud Desplechin.

Manuel Alcalá comenta 'Al nacer el día', de Goran Gaskaljevic, en el programa 'Carretera', de Magis Radio: "El tema de la ocupación nazi de gran parte de Europa durante la guerra mundial es omnipresente en el cine. Su temática se centra de tal modo en los ghettos, campos de concentración y exterminio, que ha llegado a ser un “género cinematográfico”con riesgos de desgaste estilístico, por su repetición temática formal. Al nacer el día, filme del serbio Goran Paskalevic, nacido en Belgrado (1947) y formado en la Escuela de Praga, es la excepción, precisamente por abordar con acierto uno de los temas ausentes, gracias a su enfoque y desarrollo profundamente humanos. El director pertenece a la generación titoísta, surgida ye en el postestalinismo y antes de la desmembración de un estado problemático, desde múltiples perspectivas, cuando solía decirse de Yugoslavia que era un país de 7 fronteras, 6 repúblicas, 5 naciones, 4 idiomas, 3 religiones, 2 alfabetos y 1 dictador. La acción se centra hoy en dos importantes minorías locales: hebrea y gitana, en el antiguo ghetto de Semlim, en pleno cogollo de Belgrado. Nos presenta a un anciano judío profesor de música recién jubilado que recibe desde el Museo Judío una caja hallada durante unas obras municipales de alcantarillado, donde sólo hay una partitura musical inacabada. El deseo de completarla llevará al profesor a descubrir la identidad propia y de sus padres, ambas perdidas durante la ocupación nazi. Hace poco (2012) se cumplió el 70º aniversario del ghetto urbano de Semlim, hoy desconocido, pero en verdad, inicio del exterminio nazi: judío y gitano". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1470-al-nacer-el-dia

Nuestro compañero José A. Planes Pedreño conversa en Radio Magis sobre la música de Patrick Doyle con Antonio Pardo Larrosa, crítico musical de, entre otras, 'Sinfoníavirtual' y 'Latecla88'. Artículo completo: http://www.cineparaleer.com/component/flexicontent/items/item/1465

Pedro Miguel Lamet comenta en 'Radio ECCA' la película 'Alabama Monroe', de Alex Van Groeningen: "Según su director, Alex van Groeningen (Gante, 1977), se trata de una adaptación de una obra teatral de Johan Heldenbergh, el actor protagonista de 'Alabama Monroe', una historia que, asegura, nada más verla le hizo llorar. Su esquema narrativo es un entramado de tres elementos: la historia de amor y duelo en tiempo real, los continuos saltos atrás a ráfagas del pasado sobre el proceso de la relación, y la música folk inevitablemente alegre. La intención del realizador belga es producir impacto por la mezcla explosiva del cáncer de una niña, el gozo de vivir libremente, y la ruptura del sinsentido precisamente en un ambiente desinhibido como el de una pareja que disfruta de todo. La realización se mueve entre los contemplativos primeros planos psicológicos de los protagonistas, bien encarnados por Johan Heldenbergh y Veerle Baetens —ella consigue llenar de matices la pantalla—, y el culto a la música que adora con exceso, pues desequilibra el ritmo y la funcionalidad narrativa del conjunto. El montaje es eficaz y alivia la dureza del tema con un pretendido romanticismo a lo telefilm. El tema de fondo, el absurdo de la vida humana cuando irrumpe el dolor y todo lo desbarata, queda esbozado, no se plantea en profundidad, porque en realidad se trata de la historia de dos seres en apariencia superficiales que son arrebatados por dos pasiones rompedoras: un amor auténtico, que los conduce incluso a casarse, y la irrupción de la muerte del inocente, el gran enigma de todos los tiempos. El film decae y roza el melodrama, en esta segunda parte, aunque al final se apunte una especie de tímida confluencia entre las dos posturas de los protagonistas". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1462-alabama-monroe

Diego Salgado comenta 'Robocop' (José Padilha, 2014), en Magis Radio: “Remake afortunado de un clásico popular, cuyo discurso ha sabido actualizarse al siglo XXI. No era fácil la tarea encomendada a José Padilha por Columbia Pictures y Metro-Goldwyn-Mayer. Cierto que, entre las películas previas del director brasileño, se cuentan 'Tropa de elite' (2007) y su secuela, crónicas tan vibrantes como lúcidas sobre policías atrapados éticamente entre el cumplimiento de la ley y la práctica de la justicia. Pero 'Robocop' (1987) es un clásico popular, alabado además por gran parte de la crítica contemporánea. Una sátira apenas futurista sobre un agente de la ley a quien, tras ser víctima de una encerrona criminal, rescataban de una muerte segura las autoridades al precio de convertirle en una criatura mitad hombre, mitad máquina, que empezaba combatiendo implacablemente la delincuencia común y acababa rebelándose contra las directrices nada inocentes del orden establecido. La primera realización en Estados Unidos del holandés Paul Verhoeven hacía gala de una violencia gráfica brutal, que no era sino alegoría oportuna de la violencia cultural imperante durante los años ochenta del pasado siglo, época en que la especulación, lo virtual, la falta de escrúpulos, empezaban a campar por sus respetos, abriendo el camino a la desmesurada burbuja socioeconómica que ha estallado treinta años después sobre nuestras cabezas. Por ello, revisar la película de Verhoeven –inicio de una saludable franquicia que ha abarcado con el tiempo dos continuaciones, series televisivas, cómics, videojuegos y merchandising– suponía un desafío; pero también una oportunidad única para renovar los postulados implícitos en sus imágenes. Y José Padilha ha sabido aprovecharla. Aunque en su RoboCop se aprecien en demasiados momentos los esfuerzos ambivalentes, contradictorios, por ser digna de la cinta original, resultar verosímil en el siglo XXI, atraer a un público potencial mayoritariamente juvenil. Aunque se eche en falta, en definitiva, la creatividad desvergonzada, libérrima, de su predecesora, típica de una época que hasta en sus expresiones críticas no tenía miedo de nada. Hoy por hoy, las cosas son muy diferentes, y las peripecias del policía Alex Murphy, desde su conversión en cyborg hasta la recuperación de su alma, se caracterizan por una circunspección que debe tanto a la influencia de la trilogía sobre Batman concebida por Christopher Nolan como al espíritu de unos tiempos conscientes de que ya no hay lugar para bromas". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1464

José Luis Sánchez Noriega comenta 'El lobo de Wall Street', de Martin Scorsese, y 'La gran estafa americana', de David O. Russell.

Nuestro compañero Ignacio Lasierra comenta ‘Al encuentro con Mr. Banks’, de John Lee Hancock: “Emma Thompson y Tom Hanks devuelven a la vida a los creadores de la mítica ‘Mary Poppins’. En 1964 se estrenaba una de las películas más emblemáticas de la factoría Disney. La película musical de la famosa institutriz británica fue un éxito rotundo, le sirvió a Walt Disney para alcanzar trece nominaciones al Oscar -recibió cinco de ellos, incluyendo mejor actriz para Julie Andrews- y con los años se convirtió en una de las películas más queridas por diferentes generaciones de niños y adultos. […] Lo más destacable de esta producción firmada por John Lee Hancock (El álamo: la leyenda, ‘The Blind Side’) es el carismático imán interpretativo de Emma Thompson, encarnando a la meticulosa Travers, y de Tom Hanks, “descongelando” de nuevo a todo un icono cinematográfico. Ambos cargan con el peso de esta historia y logran una credibilidad que parece innata a sus personajes. Tom Hanks y Emma Thompson se conjugan a la perfección en las secuencias compartidas por ambos y, por suerte, cuentan con un reparto equilibrado y a la altura de sus interpretaciones. Destacan Colin Farrell dando vida al perturbado padre de Travers y Paul Giamiatti metiéndose en la piel del chófer de Travers en EEUU. ‘Al encuentro de Mr. Banks’ juega con la nostalgia preconcebida de todos los que en su momento disfrutaron con Mary Poppins. En ese sentido, la película contenta a su público y muestra un buen repertorio de escenas en las que se puede disfrutar de cómo se fraguaron los números musicales o de cómo Travers y el equipo de guionistas discutían hasta la última coma de la historia. Quizá sea por eso, que el conjunto está filmado con más clasicismo que estilo. Resulta tan correcta formalmente, que se echa en falta algo más de fuerza y personalidad durante su transcurso. Thomas Newman acompaña bien con su banda sonora y realza con bastante estilo algunas de las partes en las que se espera sonsacar la lagrimilla del espectador”. Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1455-al-encuentro-de-mr-banks

Comentario crítico de José A. Planes Pedreño sobre ''¿Qué hacemos con Maisie?' (2012): "¿Qué hacemos con Maisie? se embarca en una empresa estilística que la aleja de los infames territorios antes señalados, pues guión y puesta en escena funcionan al unísono para acercarnos a unas peripecias siguiendo escrupulosamente el punto de vista de Maisie, de tal forma que nunca vemos en la pantalla un abordaje explícito y directo de los rasgos del difícil escenario de la pequeña tras el desmoronamiento del matrimonio de sus padres. Magníficamente ensamblados y ordenados en una narración de extraordinario pulso, la película resulta una conjunción de lúcidas ráfagas, indicios y acontecimientos que, siempre desde el ángulo de lo que presencia la protagonista, generan un paisaje familiar ante el que el espectador no puede dejar de enfurecerse. Y no puede dejar de hacerlo no porque Maise devenga en depositaria de los excrementos verbales que los ex conyugues se arrojan recíprocamente –que también–, sino porque su vida ingresa en un tiovivo de personas que entran y salen, promesas incumplidas, largas y dolorosas esperas, y abundantes resquicios del mezquino comportamiento de sus padres. Pero, en medio de todo eso, el rostro de la protagonista, que da vida la extraordinaria Onata Aprile, no produce el más mínimo gesto de conmiseración; su mirada es, en cambio, la de una impávida observadora que atestigua la inmadurez de los adultos que la rodean". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1449

Pedro Miguel Lamet comenta 'La ladrona de libros': "A la multitudinaria filmografía de películas sobre el horror nazi y la represión judía se ha añadido recientemente la revisión de aquel trágico periodo desde la mirada inocente del niño. Baste señalar 'La vida es bella' de Roberto Begnini o 'El niño con el pijama de rayas' de Mark Herman. Como esta última, La ladrona de libros se basa en una novela original del australiano Markus Zusak, especialista en literatura infantil, aparecida en 2005 y que consiguió figurar 107 semanas entre los best sellers de este género en el New York Times". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1442-la-ladrona-de-libros

José Luis Sánchez Noriega comenta 'Agosto', de John Welles: "En la senda del mejor teatro norteamericano de la Generación Perdida y de Tennessee Williams, con su análisis social crítico, sus perdedores y su sesgo pesimista, probablemente 'Agosto' no sea una gran película, pero ya es mucho si logra –como le parece al abajo firmante- mantener en pie los valores del texto dramático original con esa familia trasunto de la sociedad contemporánea, mucho más consistente dramáticamente que la familia disfuncional protagonista de otra pieza de Letts, llevada al cine en 'Killer Joe' (William Friedkin, 2011) en clave de cine negro de talante tarantiniano. La larga secuencia de la comida recuerda al espectador la cena de la obra testamentaria de John Huston, 'Dublineses' (1987), con muy parecido talante tragicómico". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1439

Diego Salgado nos cuenta cuáles han sido las mejores películas estrenadas durante 2013: 1. To the Wonder (Terrence Malick, 2012) 2. The Lords of Salem (Rob Zombie, 2012) 3. El consejero (Ridley Scott, 2013) 4. El atlas de las nubes (Tom Tykwer, Andy y Larry Wachowski, 2012) 5. Amor (Michael Hanake, 2012) 6. Turistas (Ben Wheatley, 2012) 7. Tabu (Miguel Gomes, 2012) 8. The Act of Killing (Joshua Oppenheimer, 2012) 9. Una vida sencilla (Ann Hui, 2011) 10. Gente en sitios (Juan Cavestany, 2013)

José Luis Sánchez Noriega comenta 'La gran belleza', de Paolo Sorrentino: "Sorrentino ha escrito y filmado una película muy posmoderna, desequilibrada, desmedida a ratos, llena de citas, con una banda sonora espléndida, de una fuerza enorme. Esa banda, donde coexiste lo más hortera (“Mueve la colita” del Gato DJ o el “Far l’amore” entonado por Raffaella Carrà) con piezas de música coral sutiles como el “Dies irae” de Zbigniew Preisner, ejemplifica ese talante de contrastes y desmesuras que hoy es una apuesta estética reconocida. 'La gran belleza' no es una película redonda ni obra maestra incuestionable, pero posee un discurso ambicioso, una capacidad de sugerir y una riqueza visual, sonora, temática… en ese recorrido por la noche que para sí quisieran películas más perfectas y que la hacen de visión obligada". Fuente: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1420-la-gran-belleza

Ángel Luis Inurria comenta 'Blue Jasmine', de Woody Allen: "Blue Jasmine, esposa de un especulador y estafador financiero sin escrúpulos, engañada, señalada y arruinada, se verá obligada a trasladarse desde Nueva York a San Francisco para cobijarse en casa de su hermana/hermanastra Ginger (una estupenda Sally Hawkins, ensombrecida por el caleidoscópico registro interpretativo de la Blanchett), divorciada, con dos hijos, que comparte su modesta existencia entre su trabajo de cajera y su relación con un hombre vulgar. En este universo, Jasmine, entre Martinis y antidepresivos, intentará rehacer su vida, proyecto nada fácil, incluso cuando se cruza en su camino un posible nuevo príncipe azul, aventura que el destino/azar imposibilitará, y también las decisiones que ella toma al falsear su realidad ante su rendido pretendiente". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1404-blue-jasmine

Francisco María Benavent conversa sobre 'La huida', de Stefan Ruzowitsky: " Todos los reproches que se le pueden hacer a la película tienen fundamento, empezando por una historia que tras un comienzo prometedor se ve venir rápido, haciéndose convencional y algo desconjuntada, con el relleno que suponen las violentas correrías del criminal (el indio en su moto de nieve, la cabaña donde un padrastro martiriza a mujer e hijos) hasta llegar a un final poco satisfactorio. Pero se aleja de las fantasmadas que el género ofrece en la actualidad, siendo un producto digno que no hace arrepentirse de verlo, una de esas producciones medias (doce millones de dólares, cinco semanas de rodaje) cada vez más raras de ver en el Hollywood actual, dividido entre filmes independientes hechos con una camarita digital y las grandes superproducciones de ciencia-ficción. Tal vez por ello en muchos países ha ido directamente al DVD". Crítica completa: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1403-la-huida-deadfall

Pedro Miguel Lamet comenta 'Pacto de silencio', de Robert Redford. "“Progre”, pero no tanto, el veterano actor-realizador Robert Reford no acaba de ser nunca el enfant terrible del cine americano que le gustaría ser. Quizás porque se mueve en la resbaladiza tierra media de nadar y guardar la ropa y le ha salido un film descafeinado sobre los que fueron jóvenes antimperialistas en los años setenta. Desde su opción política de demócrata puede llegar a irritar quizás a los más inmovilistas republicanos, pero nunca alcanza las cotas de Michael Moore, Sean Penn o Tin Robbins en sus alegatos. Eso no quita que Redford haya puesto de manifiesto en su filmografía una clara tendencia a la denuncia de la conculcación de los derechos civiles, del mal funcionamiento del sistema y del deterioro del planeta. Entre sus preocupaciones más concretas hemos visto esgrimir su dedo acusador sobre heridas como la libertad de información, la corrupción política, las relaciones familiares y, en general, la búsqueda de la verdad. Basta recordar películas en las que ha participado como director y actor: 'El candidato' (Michael Ritchie, 1972), 'Todos los hombres del presidente' (Alan J. Pakula 1976), 'Leones por corderos' (Robert Redford, 2007) o 'Brubaker' (Stuart Rosenberg, 1980)". Fuente: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1395

José Luis Sánchez Noriega conversa sobre 'La vida de Adèle' en esta entrevista: Ya es excepcional que un periódico europeo de referencia dedique un editorial en portada -y una página completa en el interior- a una película: La vida de Adéle, una de las siete palmas de oro que Cannes ha otorgado a un filme francés en toda su historia, lo que tampoco resulta muy común, pues se trata de un festival que no barre para casa. Fuente: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1385

Manuel Alcalá habla sobre 'El médico alemán', de Lucía Puenzo: "Corren los años 60. Argentina país de inmigración, había sido durante la guerra mundial (1939-1945) refugio de centroeuropeos, en parte judíos que huían de la legislación racista. Acabada la contienda, también llegaron alemanes vencidos. Se sabía que entre ellos habría dirigentes nazis, a quienes el gobierno argentino germanófilo admitía sin mayores problemas. Por si fuera poco, el doctor alemán contó que ya había trabajado para la mejora genética del ganado argentino, gran recurso de su economía. Era otro factor para la cordialidad. La realidad, sin embargo, era otra. Aquel turista apacible tenía identidad falsa. En verdad era el criminal de guerra nazi, Josef Mengele". Extracto procedente de la crítica publicada en la página web de 'Cine para leer': http://www.cineparaleer.com/critica/item/1388-el-medico-aleman

Miguel Ángel Huerta nos habla de 'La herida', de Fernando Franco, una obra entre la intensidad descarnada del sufrimiento de Ana y cierta frialdad en su exposición. Conviene subrayar el enorme potencial empático con el que se maneja Marian Álvarez, un actriz en estado de gracia a la hora de pasar de unos estados de ánimo a sus antagónicos. Fuente: http://www.cineparaleer.com/critica/item/1381-la-herida