Podcast de Opus Organicum

El verano se define como la totalidad de los meses de diciembre, enero y febrero en el hemisferio sur y como la totalidad de los meses de junio, julio y agosto en el hemisferio norte. En la zona intertropical a veces se emplea el vocablo «verano» para referirse a la estación seca, e «invierno» para la estación lluviosa. Durante el verano se practican actividades tales como, ir más seguido a la playa, campismo en zonas montañosas en el austral ya que cuenta con la mayor cantidad de playas y flora en el continente americano.Según las definiciones meteorológicas, todas las estaciones se fijan arbitrariamente para que comiencen al principio de un mes del calendario y terminen al final de un mes. Esta definición meteorológica del verano también se alinea con la noción comúnmente vista del verano como la estación con los días más largos (y cálidos) del año, en la que predomina la luz del día.

El invierno es la estación más fría del año, en el hemisferio Norte y sus características son inevitablemente definidas en contraste con las otras estaciones del año; ya que durante los días invernales las temperaturas son más bajas y hay menos horas de luz solar. Estas características se acentúan a medida que nos alejamos de los trópicos y nos acercamos a los círculos polares. En algunas regiones del planeta, según su latitud, altitud y determinadas condiciones meteorológicas, se puede observar la caída de nieve. En los países ecuatoriales donde solo hay dos estaciones a lo largo del año, se le conoce como la «temporada de lluvias».

El ecumenismo es la tendencia o movimiento que busca la instauración de la unidad de los cristianos, es decir, la unidad de las distintas confesiones religiosas cristianas «históricas», separadas desde los grandes cismas. Si bien el vocablo oikoumenē se utilizó desde los tiempos del Imperio romano para expresar la totalidad de las tierras conquistadas, el mundo como unidad, en la actualidad la palabra «ecumenismo» tiene una significación eminentemente religiosa, y se usa para aludir a los movimientos existentes en el seno del cristianismo cuyo propósito consiste en la unificación de las distintas denominaciones cristianas que se hallan separadas por cuestiones de doctrina, de historia, de tradición o de práctica.

En el calendario gregoriano, enero (del latín iānuārius → enero) es el primer mes del año y tiene 31 días. Toma su nombre del dios Jano, del latín Janus, representado con dos caras, el espíritu de las puertas y del principio y el final (la mirada hacia el pasado y hacia el futuro). El primer día del mes es el día de Año Nuevo. Sin embargo, enero no siempre ha sido el primer mes del año: el primitivo año de los romanos tenía diez meses (304 días en total) y comenzaba con Martius, dedicado al dios Marte, que pasó a ser marzo en español. La leyenda fija en 713 a. C., cuando el rey Numa Pompilio, sucesor de Rómulo, añadió los meses de enero y febrero para completar el año lunar (355 días).

Año Nuevo es el día en el que comienza un nuevo año calendario y el recuento de años del calendario aumenta en uno. Muchas culturas celebran el evento de alguna manera Durante la Edad Media en Europa Occidental, mientras el calendario juliano todavía estaba en uso, las autoridades cambiaron el día de Año Nuevo, según la ubicación, a otros días, como el 1 de marzo, el 25 de marzo, la Pascua, el 1 de septiembre y el 25 de diciembre. Desde entonces muchos calendarios civiles nacionales en el mundo occidental y otros lugares han cambiado para usar una fecha fija para el día de Año Nuevo, el 1 de enero; la mayoría lo hizo cuando adoptaron el calendario gregoriano.

La tregua de Navidad fue una serie de ceses al fuego no oficiales que se extendieron a lo largo del Frente Occidental en la Primera Guerra Mundial alrededor de la Navidad de 1914. En la semana previa al 25 de diciembre, soldados franceses, alemanes y británicos cruzaron las trincheras para intercambiar saludos y charlas estacionales. En algunas áreas, hombres de ambos bandos se aventuraron en la tierra de nadie durante la Nochebuena y Navidad mezclándose e intercambiando comida y souvenirs. Hubo ceremonias funerarias conjuntas e intercambio de prisioneros, mientras que muchos encuentros terminaron en cánticos de villancicos. Se disputaron partidos de fútbol entre bandos, creando una de las más memorables imágenes de la tregua.

Muzio Clementi nació en Roma en 1752. Fue el primero de siete hijos de Nicolò Clementi, un platero altamente respetado y romano por herencia, y de Magdalena Kaiser de nacionalidad suiza. Su talento musical empezó a manifestarse a temprana edad. A los siete años comenzó su instrucción musical y sus progresos fueron tan notables que a los trece años ganó un lugar como organista de la iglesia. En 1770 Clementi se presentó por primera vez en público como pianista. La audiencia quedó impresionada con su ejecución y supuso el comienzo de una de las carreras como concertista de piano más exitosas en la historia.

La Sinfonía concertante para violín, viola y orquesta en mi bemol mayor, K. 364, fue escrita en 1779 por Wolfgang Amadeus Mozart. En el momento de su composición, Mozart estaba realizando un viaje por Europa que incluía Mannheim y París. Las complejas dinámicas orquestales de la composición reflejan la cada vez mayor competencia técnica de la orquesta europea en ese momento y estaba fuertemente influido por la visita de Mozart a la orquesta de la corte de Mannheim durante su viaje europeo. Mozart había estado experimentando con el género de la sinfonía concertante y esta obra puede considerarse como el ejemplar más exitoso de este género a medio camino entre la sinfonía y el concierto.

El término «música galante» se refiere a un estilo de carácter doméstico y burgués que tiene su origen en las galanteries (refinamientos) de los clavecinistas franceses de principios del siglo XVIII y alcanzó su máxima proyección durante el tercer cuarto de siglo. El estilo galante fue el equivalente del Rococó en la historia de la música, situado entre la música barroca y la música clásica. El estilo galante se opone tanto a la complejidad de la música sacra como al virtuosismo de los estilos tardíos aún vinculados con la práctica del bajo continuo. Es por ello más sencilla tanto desde el punto de vista instrumental como musical, y exige menos virtuosismo que su antecesora barroca.

El término «cantata» casi no fue utilizado por Bach; parece que fue utilizado brevemente para sus cantatas seculares. Los manuscritos de las partituras de Bach tienen casi siempre solo la fecha litúrgica como cabezal, si la pieza sí posee designación, «concierto» parece ser la más común. El término «cantata» para referirse a estas piezas se popularizó después de la publicación del Bach Gesellschaft. Bach habría compuesto ciclos de cinco años de cantatas sacras y cantatas de iglesia adicionales, por ejemplo, para bodas y funerales. Aproximadamente, se conservan 200 de estas obras sacras. Se estima que dos tercios del número total de cantatas de iglesias que compuso.

El postromanticismo va en busca de la belleza. Estos románticos tardíos tratan de retener una vida que se escapa y buscan todavía el mundo de la belleza, de lo exótico. Los artistas no se dan cuenta de cuan dura es la vida alrededor, sino que continúan el sueño romántico. La cadena de estos artistas no se interrumpe sino que sigue con Oscar Wilde y Rilke, así como en la pintura y en la música. Podría decirse que en el postromanticismo los viejos ideales perduran, aunque con tonalidades distintas, como en el caso del joven Debussy y en autores como Richard Strauss, Gustav Mahler o Max Reger. El romanticismo tardío anhela la continuidad de los valores románticos en una sociedad que cultural, política y socialmente nada tiene ya que ver con la sociedad en la vivieron por Chopin, Mendelssohn o Berlioz.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina, 3 de febrero de 1525-Roma, 2 de febrero de 1594) fue un compositor italiano renacentista de música sacra y el representante más conocido de la Escuela romana de composición musical del siglo XVI. Tuvo una influencia duradera en el desarrollo de la música eclesiástica y secular en Europa, especialmente en el desarrollo del contrapunto, y su obra se considera la culminación de la polifonía renacentista. Palestrina es visto como el autor más representativo de obras polifónicas ajustadas a las nuevas exigencias de la Contrarreforma. Sus obras de esos años destacan por la claridad lograda, dejando la melodía en manos de la voz superior y ajustando con precisión el ritmo del discurso.

Adalbert Gyrowetz, (20 de febrero de 1763 - 19 de marzo de 1850) fue un compositor y director de orquesta checo. Nació en Ceské Budejovice (alemán: Budweis). Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, que era organista. Estudió filosofía y derecho en Praga, pero se dedicó completamente a la música. Trabajó en muchos centros de la vida musical y también como director en varias casas nobles. Entre 1804 y 1831, trabajó como compositor y director de orquesta en el Teatro de la Corte de Viena. Murió en Viena. Como compositor, estuvo influenciado especialmente por Joseph Haydn. Entre sus obras tiene alrededor de 60 sinfonías; también escribió conciertos, serenatas, suites, óperas y canciones. Su música de cámara es muy rica, en especial sus cuartetos de cuerda. Una fuente de información muy importante es su propia autobiografía.

La música incidental es la que acompaña las escenas de una película para crear ambientación o reforzar la narración, y suele ser compuesta específicamente para cada película por un compositor profesional. En cuanto a la banda sonora original, es la que incluye también música preexistente, diálogos y efectos de sonido, y suele ser editada y comercializada como un producto aparte de la película. Entendiéndolo de esta manera, la música en el cine es el complemento auditivo que refuerza la historia y los diálogos de las escenas que vemos en cada cinta cinematográfica. Es por ello que ha cobrado tanta relevancia, y no sólo en las en películas, también en las series, animaciones, e incluso en la publicidad logra tener un impacto que en ocasiones puede pasar desapercibido, pero que sin ella no sería lo mismo, ni tendría la emoción que logra conseguir el poder de la música.

El romanticismo musical se manifiesta en el momento en el que se rompe la relación de dependencia del músico-lacayo sobre el príncipe. Los músicos de finales del XVIII se van independizando de la vida cortesana anterior (aunque siguen obteniendo encargos de potentados patronos) y comienzan a ganarse la vida dando recitales en una sociedad más democratizada, que accede y compra sus partituras musicales de editores como los afamados Breitkopf und Härtel. La imprenta y la demanda de música para el solaz de cada hogar burgués hacen posible el milagro de la gran expansión musical, de las cortes palaciegas a los hogares de las grandes ciudades. Frente a la obligación de componer para el mecenas que les patrocina, estos músicos comienzan a crear música para sí mismos, por el placer de hacerlo y volcando en sus pentagramas sus sentimientos de amor y desamor por el mundo y las personas que les rodean.

El romanticismo apareció por primera vez en Alemania como un fermento cultural, un tipo de sensibilidad característico de la época, encarnado por los dos grandes poetas y filósofos Johann Herder y Goethe. Entre las décadas de 1770 y 1780, el Sturm und Drang («Tormenta e impulso»), que inicialmente designa el título de un drama de Friedrich Maximilian Klinger, es la expresión más radical de la existencia. Se trata de un movimiento literario precursor de la gran carrera romántica que comenzará unos veinte años después. El arte se entiende allí como un lenguaje y se requiere que todo arte sea poético, es decir que plantee un significado simbólico. Este movimiento estaba asociado a una actitud de exaltación de la libertad y la espontaneidad, así como de rebelión contra la autoridad, las convenciones sociales y los imperativos morales.

Un ejemplo de la música litúrgica de Salieri. Es una típica bomba del siglo XVIII. (Aunque, sin mucha originalidad.) Gracias a la película de Hollywood, _Amadeus_, Salieri es ahora «famoso por asociación». Era un músico capaz, pero no Mozart. Ni siquiera un Haydn. Desafortunadamente, debido a que fue eclipsado por uno de los compositores más grandes de todos los tiempos, la obra de Salieri no recibe el tratamiento que merece. Enl Coro de Niños St. Florian, hay niños cantores que no llegan cantar bien la música y marcar las notas como se indica en la partitura. Esto es especialmente notable durante partes del «Kyrie». Sin embargo, en su conjunto, la producción está pulida y bien hecha. A pesar de que los chicos tropiezan aquí y allá, sus esfuerzos generales son aceptables y, es uno de los pocos ejemplos de la música de Salieri que se interpreta. Esto es para alguien que está interesado en el trabajo de Salieri y, por lo tanto, pasará por alto algunas imperfecciones en la grabación.

Giovanni Sgambati nació en Roma, en el seno de una familia burguesa. Pronto demostró tener aptitudes para la música llegando a ser un niño prodigio. En 1849 muere su padre y poco después su madre se vuelve a casar trasladándose a Trevi, en Umbría. Allí estudiará armonía con Natalucci, un discípulo de Zingarelli. A los trece años aprueba el examen de ingreso a la Academia de Santa Cecilia. Recordemos que en aquella época todavía no se había realizado la unificación de Italia. Roma era la capital de los Estados Pontificios, dentro de los cuales se encontraba la región de Umbría. Para ejercer profesionalmente como músico se necesitaba el título otorgado por la Academia de Santa Cecilia. Giovanni fue reconocido como pianista profesional.

La música ha sido compañera del ser humano desde los albores de los tiempos. Los antropólogos han descubierto vestigios de flautas de hueso, ocarinas de cerámica, arpas y restos de antiguos instrumentos de percusión como tambores, maracas, sistros, etc. Con el correr de los siglos la música siempre ha desempeñado un papel importante en las civilizaciones humanas, ya sea desde una vertiente militar, religiosa o lúdica. Se han descubierto en lapidas de la antigua Grecia símbolos de un primitivo sistema de notación, también presente en papiros del antiguo Egipto. En las expediciones científicas, sobretodo cartográficas, también llevaban instrumentos de viento y a veces de cuerda para solazarse en las duras travesías. En los cuadernos de las expediciones de entonces hay muchas indicaciones que así lo atestiguan.

Los años 1850 fueron una década que se extendió desde el 1 de enero de 1850 hasta el 31 de diciembre de 1859. La década de 1850 fue una década muy turbulenta, con guerras como la guerra de Crimea, que cambió y sacudió la política europea, así como la expansión de la colonización hacia el Lejano Oriente, que también provocó conflictos como la segunda guerra del Opio. 1853: El ácido acetilsalicílico (conocido popularmente como aspirina) fue sintetizado por primera vez por el químico francés Charles Frédéric Gerhardt, al combinar el salicilato de sodio con cloruro de acetilo.

El posromanticismo coincide con un período de gran convulsión en todos los ámbitos culturales y artísticos europeos. Posrománticos son los compositores que siguen el estilo de Wagner y crean obras siguiendo los cánones del romanticismo en una época en la que aparecen ya muchas manifestaciones culturales y artísticas de carácter innovador, como el Impresionismo y las primeras vanguardias, como el futurismo, el expresionismo, etc.). Este movimiento musical abarca de 1890 a 1914, y se caracteriza por el empleo de grandes formas y de conjuntos vocales e instrumentales también de grandes dimensiones, así como por el desarrollo extremo del lenguaje compositivo del Romanticismo. Este desarrollo dará lugar a la obra de autores como Max Reger (1873-1916), Richard Strauss (1864-1949), Gustav Mahler (1860-1911) o Ferruccio Busoni (1866-1924) así como al desarrollo del Impresionismo, que buscará una sonoridad diferente de la que el Romanticismo había creado.

La serenata es una obra compuesta para celebrar y festejar a una persona, se interpreta en al aire libre y por la noche. La palabra serenata deriva de la palabra latina “serenus” que significa “claro, límpido, sereno”. La serenata alcanzó mucha popularidad en el siglo XVIII, eran piezas vocales o instrumentales ejecutadas al aire libre, por la noche, en honor de determinada persona que la escuchaba. La serenata guarda relación estrecha con cassation, notturno y divertimento; el término se aplica a obras más ligeras que tienen movimientos múltiples, que incluyen cuerda y viento, con frecuencia son concebidas para la ejecución de solistas, es decir, un solo ejecutante para cada parte a diferencia de la ejecución orquestal.

La música de cámara se distingue de otros estilos gracias a que está compuesta para un grupo reducido de intérpretes que oscila entre los dos y doce, en oposición a la música de orquesta. Esta intimidad permite una comunicación musical más cercana y una apreciación detallada de cada instrumento. Este tipo de música tiene una rica historia que se remonta a los tiempos de la música barroca en Europa. Surgió como una forma de entretenimiento para la nobleza en salones privados, lo que la hizo especialmente apreciada por su elegancia y sofisticación. A lo largo de los siglos, experimentó cambios significativos en su estilo y estructura, evolucionando desde las obras de Mozart y Beethoven hasta la música contemporánea de hoy en día.

La presente exposición musical recibe el nombre de ocasional porque al igual que el Oratorio de Haendel del mismo nombre, se han escogido obras de diferentes procedencias y variados autores con el fin de recrear un ambiente determinado. En el caso de Haendel de tintes patrióticos, y en el caso que nos ocupa una recreación veraniega barroca. A diferencia de la obra que ha servido de modelo, la presente sesión carece de partes vocales que han sido sustituidas por conciertos con instrumento solista. Todas las obras pertenecen al periodo barroco pleno con autores contemporáneos que se conocieron en vida menos en el caso de Haendel y Bach.

Franz Ignaz Beck (1734-1809) nació en Mannheim de una familia con antecedentes musicales y fue alumno de Johann Stamitz. A pesar de la influencia ejercida por la escuela de su ciudad natal, estuvo poco tiempo en ella. Su vida fue bastante aventurera, según los relatos de su alumno Henry Blanchard. Beck se había convertido en el favorito del príncipe elector del Palatinado. Esto ocasionó los celos de sus rivales, tanto que fue obligado a batirse en duelo, lo cual estaba prohibido por la corte. En el transcurso del mismo su oponente fingió teatralmente su muerte. Beck tuvo que abandonar Mannheim y se dirigió a Italia donde para ampliar sus estudios posiblemente estudió con Galuppi.

Rondò Veneziano es una orquesta de cámara italiana, especializada en música barroca, tocando instrumentos originales, con la incorporación de una sección rítmica estilo rock de sintetizadores, guitarra bajo y batería, dirigido por el Maestro Gian Piero Reverberi, quien también es el compositor principal de todas las piezas originales de Rondo Veneziano. La adición inusual de instrumentos modernos, más adecuados para el jazz, combinados con arreglos de Reverberi y composiciones originales, han dado lugar a nuevas versiones de obras clásicas en los últimos años. Por regla general, en sus giras de conciertos, los músicos, mayormente mujeres, se suman al efecto barroco en general con el uso de atuendos y peinados de la época barroca.

Al llegar a la segunda mitad del siglo XIX, muchos de los cambios sociales, políticos y económicos que se iniciaron en la era post-napoleónica, se afirmaron. El telégrafo y las vías ferroviarias unieron a Europa mucho más. En los anteriores cincuenta años, muchas innovaciones en la instrumentación, incluyendo el piano de acción de doble escape, los instrumentos de viento con válvulas, y la barbada de los violines y violas, pasaron de ser algo novedoso a estándar. El incremento de la educación musical sirvió para crear un público más amplio para la música para piano y los conciertos de música más sofisticados. Con la fundación de conservatorios y universidades se abrió la posibilidad a los músicos de hacer carreras estables como profesores, en vez de ser empresarios que dependían de sus propios recursos. La suma de estos cambios puede verse en la titánica ola de sinfonías, conciertos y poemas sinfónicos que fueron creados, y la expansión de las temporadas de óperas de muchas ciudades y países, como París, Londres o Italia.

Jean-Georges Noverre (París, 29 de abril de 1727 - Saint-Germain-en-Laye, 19 de octubre de 1810) fue un bailarín francés y profesor de ballet. Es considerado el creador del ballet moderno. El día de su nacimiento (29 de abril) se celebra el día Internacional de la Danza. El ballet romántico abandonó progresivamente los mitos de la Grecia antigua, para basarse en la Mitología nórdica poblada de elfos, ondinas y troles. Es el reinado de la bailarina, pálida y etérea, encarnando la nostalgia y la melancolía, vestida con vaporosas muselinas y coronada de flores del campo. El bailarín queda en Francia reducido a su cometido de partenaire (pareja de baile) poniendo de relieve la gracia y la delicadeza de su pareja. El período del ballet romántico duró unos treinta años; de 1815 a 1845-1850. Eminentes ejemplos del mismo son La sílfide, Giselle, Coppélia, etc. Al terminar su época de auge, surgió la del gran ballet ruso.

La música es una manifestación artística que sólo puede explicarse desde el contexto en que se produce, no es, por tanto, un fenómeno aislado del resto de sucesos y condiciones históricas que le rodean. Cada época de la historia ha producido su propia música de acuerdo con los principios estéticos vigentes, con las condiciones sociales, con el desarrollo cultural, las relaciones políticas, el auge o deterioro económico, e incluso con las ideas filosóficas predominantes. Por ejemplo, no podríamos explicar de ninguna manera la música de la antigua Grecia sin recurrir a la doctrina del ethos, o al desarrollo y unificación del llamado “canto gregoriano” sin entender las relaciones políticas entre la Iglesia y los reyes francos a partir de la segunda mitad del siglo VIII. El género orquestal más relevante en el periodo de transición del clasicismo al romanticismo fue la sinfonía, obra en tres o cuatro movimientos en las que no había ya una distinción entre orquesta e instrumentos solistas. Se calcula que entre 1740 y 1810 se produjeron al menos unas 10 mil sinfonías, consagrándose, así, como el género instrumental por excelencia.

La madre de Beethoven murió el 17 de julio de 1787. Tras este hecho, su padre entró en una depresión y su alcoholismo se agravó, llegando a ser detenido y encarcelado por este hecho. Después de esto, el joven Ludwig tuvo que responsabilizarse de sus jóvenes hermanos y se vio obligado a mantenerlos, tocando el violín en una orquesta y dando clases de piano durante cinco años, mientras que su padre seguía preso. Su padre falleció finalmente el 18 de diciembre de 1792. En 1792 el príncipe elector de Bonn volvió a financiar a Beethoven un viaje a Viena, ciudad en la que permaneció el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Allí, Beethoven recibió clases de composición con Joseph Haydn, de contrapunto con Johann Georg Albrechtsberger y Johann Baptist Schenk y de lírica con Antonio Salieri.

La ilustración del siglo XVIII constituye, en general, una época de progreso de los conocimientos racionales y de perfeccionamiento de las técnicas de la ciencia. Fue un período de enriquecimiento que potenció a la nueva burguesía, si bien se mantuvieron los derechos tradicionales de los órdenes privilegiados dentro del sistema monárquico absolutista. Sin embargo, la historia del siglo XVIII consta de dos etapas diferenciadas: la primera supone una continuidad del Antiguo Régimen (hasta la década de 1770), y la segunda, de cambios profundos, culmina con la Revolución estadounidense, la Revolución francesa y Revolución Industrial en Inglaterra.

El clarinete es un instrumento musical de la familia de los instrumentos de viento-madera que consta de una boquilla con caña simple. Dentro de la orquesta, se encuentra en la sección del viento-madera, junto a la flauta, el oboe, el saxofón y el fagot. El clarinete fue acogido rápidamente por las orquestas y su sonido se iba amoldando y cuajando con la textura de los demás vientos de la orquesta. A Mozart le encantaba el sonido del clarinete que él consideraba como lo más cercano a la voz humana, y escribió numerosas piezas para el instrumento. Ya en los tiempos de Beethoven (c. 1800-1820), el instrumento realizaba un papel imprescindible en cualquier orquesta.

En el siglo XVII la ejecución de la sonata para violín solista estaba más limitada a una función religiosa, generalmente como acompañamiento de la comunión en las misas. Escritas por maestros de capilla u organistas éstas sonatas carecían de una verdadera técnica violinística. Después de 1680, y merced al trabajo de eminentes violinistas como Battista, Bassani, Torelli, Vitali, Ariosti y Manfredini, es cuando la sonata para violín recibe el necesario enriquecimiento técnico. En 1709, Vivaldi vuelve a publicar otra serie de doce sonatas, en este caso para violín solista y bajo, que constituyen la Opus II. Las mismas fueron dedicadas por el compositor al joven Rey de Dinamarca y Noruega, Federico IV quien se hallaba de incógnito y por propia voluntad en Venecia.

La gastronomía de la Semana Santa corresponde a todas las costumbres culinarias y todos los alimentos permitidos durante el periodo sagrado del catolicismo y suele transcurrir desde el Domingo de Ramos hasta el Domingo de Resurrección. Cada país (con alguna representación o grupo católico) suele tener algún conjunto de platos, o preparaciones, característicos de esta fecha que por regla general no suele tener contenido cárnico debido a la abstinencia observada durante este periodo. El ayuno debe ser entendido como en no hacer más que una sola comida al día y en abstenerse de ciertos manjares. Esta imposición obliga a unas reglas gastronómicas severas en cuanto a los ingredientes y a las cantidades, los pescados acompañados de todo tipo de verduras, legumbres, etc. y los dulces pasan a ser los ingredientes protagonistas de la mayoría de los platos. Suelen ser platos, por regla general con gran capacidad de saciamiento: ayudan a evitar la tentación del consumo de carne. La comida única que se hacía durante el ayuno antiguamente era a la puesta del sol, tras algún tiempo se fijó a las tres de la tarde, y posteriormente ya desde el siglo XIV se permite hacerla a mediodía. A esta comida se la denominó colación.

El Nacionalismo romántico es un movimiento que estaba en boga en toda Europa y que influenció también a Noruega. De manera posterior comenzó a afectar a los músicos clásicos y a la música clásica en el país. Desde alrededor de 1831, la música tradicional noruega comenzó a influir a la escenificación clásica. Músicos extranjeros comenzaron a establecerse en Noruega en la década de 1840, trayendo consigo los conocimientos musicales procedentes del resto de Europa. A raíz de la Revolución francesa de 1848, Noruega fue testigo del desarrollo de una fuerte conciencia nacional, así como el crecimiento económico que se produjo con el desarrollo de la música. En comparación con la mayoría de los otros países de la época, los músicos noruegos de sexo femeninos fueron, no sólo ampliamente aceptados, incluso se publicaban.

La música de cámara es aquella compuesta para un reducido grupo de instrumentos, en contraposición a la música de orquesta. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento. A esos cuartos, no muy grandes, se les llamaba cámaras. Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzó poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene inducido por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también porque, económicamente, una agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta.

El mundo austral fue el último en ser explorado tal es así que las constelaciones de ese hemisferio reciben nombres como el sextante, la ballena, el compás, etc. En contraposición a las del hemisferio boreal referidas a la mitología griega. También se asocia al hemisferio austral las nuevas músicas porque fue durante el periodo del siglo XIX hasta bien entrado el XX que se produjeron por lo general los descubrimientos, aunque es bien sabido que hubo otros muy anteriores. Por regla general el hemisferio austral está relacionado por defecto con el llamado Nuevo Mundo, pero hay que incluir Australia y sus territorios que muchas veces pasan desapercibidos.

Del mismo modo que en el concierto de fin de año se interpretaban tradicionalmente obras del pasado como alegoría del año viejo que terminaba, del mismo modo el de Año Nuevo solían ser obras joviales por representar el joven año que comenzaba. Suele ser costumbre entre los músicos incluir obras famosas de su repertorio con la certeza de que serán aceptadas por el público. Incluso se suelen interpretar obras corales de gran sensibilidad como recuerdo de los arrullos de una madre a su recién nacido.

La Nochevieja, víspera de Año Nuevo o fin de año es la última noche del año en el calendario gregoriano; comprende aproximadamente, por tanto, desde las 20:00 del 31 de diciembre hasta las 6:00 del 1 de enero (Año Nuevo). Se suele celebrar desde que se cambió al calendario gregoriano en el año 1582, aunque ha ido cambiando pasando los años y cada año se celebra conforme a la cultura de la familia o el país. Son numerosas las tradiciones y las supersticiones que se manifiestan por todo el mundo en relación con esa noche. La música y los fuegos artificiales acompañan las fiestas y reuniones sociales, forma común de llevar a cabo la celebración. La costumbre más extendida es brindar con champán durante las doce campanadas

El origen de la Navidad no es para nada cristiano. El origen de la Navidad es pagano. Los romanos celebraban la Saturnalia romana que no era más que un festival que representaba el solsticio de invierno y honraban al dios Saturno. Durante esta fiesta, los romanos se alborotaban y por ello, los pocos cristianos que existían en aquella época, se oponían a estas celebraciones tan descontroladas. De esta manera se dice que la Navidad surgió para sustituir la celebración de Saturno, por el nacimiento del hijo de Dios. Más tarde, cuando la religión cristiana se impuso en todo el Imperio Romano, Justiniano declaró la Navidad como unas fiestas cívicas, aunque poco duró esta compostura, pues en la Edad Media las fiestas navideñas se convirtieron en días para beber y estar de juerga de la mañana a la

Como es sabido la serenata es una modalidad musical destinada a distraer. Por regla general eran instrumentales no obstante existen muchas variantes debido a que eran utilizadas de muchas maneras: Inauguraciones, final de un curso académico, cumpleaños, bodas, etc. Las serenatas teatrales no se representaban y se cantaban en las fiestas de los palacios de la nobleza civil, militar o eclesiástica. También existen serenatas navideñas que al igual que las interpretadas en los carnavales, incluían todo tipo de modalidades musicales con la diferencia de que las navideñas no eran procaces.

Gaudete es el nombre que recibe el tercer domingo de Adviento en el calendario litúrgico de diferentes denominaciones cristianas, incluyendo la Iglesia católica, la comunión anglicana, muchas iglesias luteranas y otros grupos cristianos, oscila entre el 11 y el 17 de diciembre. En latín «Gaudete» quiere decir «regocijaos», «alégrense», «estad alegres». Se define así a este día por ser «Gaudete» la primera palabra que se menciona en la celebración litúrgica. Con las adecuaciones de los oficios ya se pueden utilizar instrumentos diferentes al órgano y estilos de canto diferentes al gregoriano y eclesial.

Gaudete es el nombre que recibe el tercer domingo de Adviento en el calendario litúrgico de diferentes denominaciones cristianas, incluyendo la Iglesia católica, la comunión anglicana, muchas iglesias luteranas y otros grupos cristianos, oscila entre el 11 y el 17 de diciembre. En latín «Gaudete» quiere decir «regocijaos», «alégrense», «estad alegres». Se define así a este día por ser «Gaudete» la primera palabra que se menciona en la celebración litúrgica. Con las adecuaciones de los oficios ya se pueden utilizar instrumentos diferentes al órgano y estilos de canto diferentes al gregoriano y eclesial.

Los villancicos eran originariamente canciones profanas con estribillo, de origen popular y a varias voces. Posteriormente comenzaron a cantarse en las iglesias y a asociarse específicamente con la Navidad. En el siglo XVIII se produce una transformación significativa del género por influencia de la música vocal italiana que por entonces dominaba el panorama musical europeo. Los villancicos alteran su estructura tradicional introduciendo nuevas secciones musicales a imitación de la cantata, deviniendo en una sucesión de recitativos y arias da capo según el modelo de la ópera italiana. Las obras solo musicales también evolucionaron de idéntica forma.

David Popper fue un pionero desde muchos puntos de vista. Fue el primer profesor de la Academia de Música de Budapest, y se encontró, al iniciar su carrera como docente, con una tremenda precariedad de recursos didácticos y un nivel instrumental muy bajo por parte del alumnado. Popper se puso a componer toda una serie de piezas y un amplio repertorio que contribuyeron al enriquecimiento del panorama musical de Hungría hasta convertir a los violonchelistas provenientes de esta tradición en un colectivo destacado a nivel internacional ya bien entrado el siglo XX.

La escuela napolitana de ópera fue una corriente musical desarrollada en la ciudad italiana de Nápoles entre los siglos xvii y xviii, centrada especialmente en la ópera, aunque también abordó otros géneros musicales, especialmente el oratorio y el concierto. En la segunda mitad del siglo XVII, en Nápoles se inició un estilo más purista, más clasicista, con argumentos simplificados y óperas más cultas y sofisticadas. Por entonces, Nápoles era una posesión española, y la ópera contó con el patrocinio de los virreyes españoles, especialmente el conde de Oñate.

Las cuatro partes que forman esta sesión de escorpio de 2024 son el resultado de una petición hecha el año pasado pero que llegó tarde pues como es bien sabido las sesiones se preparan con mucha antelación. El motivo no es otro que laboral. La interesada me recordó las sesiones de la radio donde un compositor famoso ejercía de padrino, por así decirlo, de otro nobel. Esa idea la retomaré para la próxima temporada pues la verdad sea dicha es así como son presentados en sociedad los compositores.

Giovanni Battista Pergolesi abre hilo musical nº 22 con una selección de su Stabat Mater. Fue un compositor que murió con 26 años (1710 – 1736) habiéndonos dejado un legado musical que auguraba un futuro prometedor. Pergolesi comenzó su carrera pública como compositor en 1731, con el estreno de su oratorio La Conversione di San Guglielmo d'Aquitania, ejecutado probablemente por sus colegas estudiantes. La obra impresionó tan gratamente al Príncipe de Stigliano que encargó a Pergolesi una ópera para el teatro de su corte. La ópera llamada La Salustia, contaba naturalmente con un intermezzo cómico. La práctica de insertar entremeses cómicos entre los actos de una obra seria parece hoy incongruente, pero era de normal expediente en el siglo XVII. Otros maestros como Soler, Bach, Albinoni y Haydn acompañan a Pergolesi.

Kurt Leimer demostró tener talento musical desde muy joven. Su tío abuelo, Karl Leimer, fue instructor del pedagogo Walter Gieseking , con quien publicó varios libros de texto de piano. Su talento fue reconocido por Gieseking, Carl Schuricht y Wilhelm Furtwängler , quienes ayudaron a lanzar su carrera como concertista de piano. A los 18 años recibió una beca para el Conservatorio de Berlín , donde estudió junto a Vladimir Horbowski y Winfried Wolf . Ese mismo año, 1938, Leimer hizo su debut como concertista en Berlín. En 1939, continuó sus estudios con Edwin Fischer.

Es una verdadera lástima que Reynaldo Hahn sea recordado principalmente como el único amante conocido de Marcel Proust y no como un creador por derecho propio. Fue el menor de doce hermanos. Su padre, Carlos Hahn, fue un rico ingeniero, inventor y hombre de negocios alemán de ascendencia judía; su madre, Elena María de Echenagucia, fue una venezolana de origen vasco español. Su relación con Proust pertenece a la década de 1890, mientras que Hahn vivió hasta 1947, luchando contra los alemanes en la Primera Guerra Mundial y escondiéndose de ellos en tanto que judío perseguido en la Segunda. Hahn escribió una ópera sobre El mercader de Venecia para París y un musical titulado Mozart.