Acercándonos a escuchar UACh-Sede Puerto Montt

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En el contexto del We Tripantu, el Año Nuevo Mapuche, celebración que coincide con el solsticio de invierno en el hemisferio sur y que marca el inicio de un nuevo ciclo de la naturaleza. Días donde las comunidades mapuche celebran el regreso gradual de la luz, la renovación de la vida y el fortalecimiento de los vínculos con la tierra, el agua, los antepasados y la comunidad, nos acercaremos al rock mapuche, una expresión musical que surge con fuerza durante la década de 1990 en el sur de Chile como una forma de resistencia cultural, reivindicación identitaria y revitalización lingüística. A través de la fusión entre el rock y el metal con elementos propios de la cultura mapuche, como el uso de instrumentos tradicionales —entre ellos el kultrún y la trutruca—, la incorporación del mapudungún y referencias a la cosmovisión ancestral, diversas agrupaciones han construido un lenguaje artístico que dialoga entre la tradición y la contemporaneidad. Desde esta perspectiva, el rock mapuche puede entenderse también como una manifestación de renovación cultural: una música que, al igual que el We Tripantu, reafirma la continuidad de un pueblo, su lengua y sus saberes, adaptándose a nuevos contextos sin perder la conexión con sus raíces. A continuación, les invitamos a escuchar Meli Witxan, de uno de los grupos pioneros en este género Mawisa. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 16 de junio de 1940 falleció en el exilio, en Francia y a la temprana edad de veinticinco años, Vítězslava Kaprálová (1915–1940). Esta destacada música, que se encontraba en los inicios de lo que prometía ser una brillante carrera internacional como compositora y directora de orquesta, logró crear durante su corta vida más de cincuenta obras, muchas de ellas publicadas. Además, dirigió orquestas en Praga, Londres y París, recibió elogios de la crítica especializada en toda Europa y fue galardonada con el Premio Smetana de la Fundación Bedřich Smetana. En vísperas de la invasión nazi de Checoslovaquia, Kaprálová abandonó su país natal para continuar sus estudios en París junto al compositor checo Bohuslav Martinů. Durante aquellos años desarrolló una intensa actividad creativa, explorando diversos lenguajes compositivos que iban desde el nacionalismo de inspiración folclórica hasta el neoclasicismo influido por Igor Stravinsky. Al mismo tiempo, cultivó un lenguaje moderno cercano a las búsquedas estéticas de su maestro. Poco antes de la ocupación nazi de Francia, Kaprálová enfermó gravemente. Su esposo, Jiří Mucha, con quien llevaba casada apenas unos meses, la trasladó desde París a Montpellier con la esperanza de que pudiera recuperarse. Sin embargo, cuando las tropas alemanas avanzaban sobre Francia y París caía bajo el dominio nazi, Vítězslava Kaprálová falleció, dejando tras de sí una obra breve pero extraordinariamente significativa para la música del siglo XX. A continuación escucharemos el Minuetto, perteneciente a su Suite Miniatura. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Las fusiones culturales han sido una constante en la historia de la música. Desde el encuentro entre tradiciones populares y académicas hasta la incorporación de nuevas tecnologías y sonoridades globales, la creación musical ha encontrado en el diálogo entre culturas una fuente inagotable de renovación. Estas fusiones no solo permiten preservar herencias musicales, sino también resignificarlas y proyectarlas hacia nuevas generaciones y audiencias. Un interesante ejemplo de este fenómeno es SOME≡LINEZ , un innovador trío japonés que ha logrado acercar la música tradicional de su país a públicos contemporáneos mediante una propuesta artística dinámica y original. El grupo combina el sonido ancestral del shamisen —instrumento de cuerda fundamental en diversas tradiciones musicales japonesas— con recursos modernos como el beatbox, bases rítmicas actuales y una puesta en escena cargada de energía. La propuesta de SOME≡LINEZ demuestra cómo las tradiciones pueden mantenerse vivas mediante la transformación creativa. La obra que escucharemos a continuación, Karasu —palabra que en japonés significa “cuervo”—, refleja esta búsqueda artística, combinando elementos de la música tradicional japonesa con lenguajes musicales contemporáneos en una interpretación vibrante y llena de fuerza expresiva. A continuación, los invitamos a escuchar Karasu, interpretada por SOME≡LINEZ Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 8 de junio de 1924 nació Leni Alexander, compositora y escritora de origen polaco, nacionalizada chilena. Considerada una de las figuras más importantes de la composición en Chile durante el siglo XX, debió huir del régimen nazi en 1939 obteniendo la nacionalidad chilena en 1951. Sus primeras obras datan de fines de la década de 1940 e incluyen canciones y música de cámara. Fue alumna de Fre Focke y se integró a las vanguardias musicales de los años cincuenta, desarrollando posteriormente una prolífica producción que abarca música sinfónica, obras de cámara; cantatas; lieder; y música incidental para teatro, ballet, cine y espectáculos de mimo. A ello se suman sus innovadoras creaciones radiofónicas, en las que amplió las posibilidades expresivas del medio y desarrolló una serie de obras que denominó teatro para escuchar o hörspiel. En ellas cuestionó y transformó profundamente el formato tradicional del radioteatro. Entre estas obras destaca Par quoi? À quoi? Pour quoi? (1971), para mezzosoprano, voces habladas de niños, ensamble instrumental y soporte electrónico, estrenada ese mismo año en la Bienal de Zagreb y considerada el punto de partida de esta línea creativa. A continuación escucharemos dos fragmentos de Ciudades Fantasmas, obra perteneciente a esta serie de teatro para escuchar. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy dedicamos este episodio a la figura de Carlos Alberto Solari, más conocido como el Indio Solari, músico, cantante y poeta argentino, reconocido como una de las voces más influyentes del rock latinoamericano y quien falleció el pasado viernes 05 de junio. Nacido en 1949 y criado en la ciudad de La Plata, Solari fundó junto al guitarrista Skay Beilinson la emblemática banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Con discos como Oktubre, Un baión para el ojo idiota y Luzbelito, el grupo marcó a generaciones de oyentes y construyó un repertorio que hoy forma parte de la memoria colectiva de Argentina y América Latina. Sus canciones trascendieron por la fuerza de sus letras, cargadas de crítica social, poesía y reflexión, dejando frases que aún resuenan en la cultura popular. Tras la disolución de la banda en 2001, Solari continuó su carrera junto a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, con quienes publicó cinco álbumes y protagonizó multitudinarios conciertos. En sus últimos años, la enfermedad de Parkinson lo llevó a reflexionar con frecuencia sobre el paso del tiempo, la fragilidad y la muerte, temas que también encontraron espacio en su obra. A continuación, escucharemos una de sus canciones más emblemáticas: La Bestia Pop. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 2 de junio de 1909, nacía el compositor escocés Robin Orr, destacado músico, organista, docente y gestor cultural. Formado en el Royal College of Music y en la Universidad de Cambridge, desarrolló una extensa trayectoria académica en dicha universidad y en la de Glasgow, además de desempeñar un importante papel en el desarrollo de la ópera en Escocia como fundador de la Scottish Opera. La música de Robin Orr se caracteriza por combinar la energía rítmica y la claridad formal inspiradas en compositores como Stravinsky y Bartók, con un lenguaje personal y expresivo. Su catálogo incluye tres sinfonías, música coral, obras sacras, composiciones vocales y tres óperas que destacan por su fuerza dramática y refinada escritura musical. Reconocido por su sensibilidad hacia la literatura y por su meticuloso trabajo compositivo, Robin Orr dejó una valiosa contribución a la música británica del siglo XX. Falleció en Cambridge el año 2006. A continuación, escucharemos su Obertura Italiana. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy recordamos a Bo Diddley, compositor, cantante y guitarrista estadounidense, considerado una de las figuras fundamentales en el nacimiento del rock and roll. Con una propuesta innovadora que unió el blues, el rhythm and blues y las raíces musicales afrodescendientes, desarrolló un lenguaje sonoro propio que transformó para siempre la música popular. Conocido como The Originator, fue creador del célebre Bo Diddley beat, un patrón rítmico inconfundible que inspiró a generaciones de artistas y que aún resuena en innumerables canciones. Su estilo de guitarra, su energía escénica y su permanente búsqueda de nuevos sonidos lo convirtieron en una referencia para músicos como Buddy Holly, Elvis Presley y The Rolling Stones. A lo largo de más de cinco décadas de trayectoria, Bo Diddley dejó una huella profunda en la historia de la música, siendo reconocido con su ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll y diversos premios a su trayectoria. Su legado nos recuerda cómo una idea musical puede trascender fronteras, conectar culturas y abrir caminos para las generaciones futuras. A continuación escucharemos de este importante músico I'm a Man. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy recordamos a la compositora escocesa-estadounidense Thea Musgrave, nacida el 27 de mayo de 1928. Formada en la Universidad de Edimburgo y posteriormente en París junto a Nadia Boulanger, Musgrave desarrolló una obra marcada por la exploración sonora, el dramatismo y la innovación escénica. Desde sus primeras composiciones inspiradas en elementos escoceses y medievales, evolucionó hacia lenguajes más contemporáneos, incorporando cromatismo, serialismo y recursos electrónicos. Su catálogo incluye óperas, ballets, conciertos y música de cámara, destacando obras donde el espacio y el movimiento forman parte de la experiencia musical, como su Concierto para Clarinete y el Concierto para Trompa. A lo largo de su carrera, también se desempeñó como directora y docente en Estados Unidos. Cuando le preguntaban sobre su experiencia como compositora, respondía: “Sí, soy mujer y soy compositora. Pero rara vez ambas cosas a la vez”. A continuación escucharemos el primer movimiento, Otoño, de su obra Las Estaciones. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. anzado el 25 de mayo de 1973, Tubular Bells es el álbum debut de Mike Oldfield y la obra que marcó el nacimiento del sello Virgin Records. Grabado cuando Oldfield tenía apenas 19 años, el disco se convirtió rápidamente en una de las producciones más innovadoras de su tiempo. Lejos de la estructura tradicional de canciones breves, Tubular Bells se despliega como una extensa travesía sonora: motivos musicales que regresan y se transforman, capas instrumentales que se superponen lentamente y una atmósfera hipnótica que invita a una escucha atenta y casi contemplativa. El álbum fusiona elementos de música clásica, folk y rock progresivo. Oldfield interpretó más de veinte instrumentos distintos, construyendo prácticamente en solitario un universo sonoro de enorme riqueza tímbrica. La historia del disco cambió para siempre cuando el director William Friedkin utilizó parte de la obra en la banda sonora de The Exorcist. Desde entonces, aquellas notas iniciales —delicadas y persistentes— quedaron grabadas en la memoria colectiva de generaciones enteras. Más que un álbum, Tubular Bells propone una experiencia inmersiva donde el tiempo parece expandirse y cada sonido abre nuevos paisajes imaginarios. A continuación, escucharemos el tema central de Tubular Bells en una grabación en vivo de 1979. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy nos acercamos a Big Joe Williams, un personaje muy particular, pues, a diferencia de gran parte de sus contemporáneos —quienes debían combinar la música con trabajos esporádicos, principalmente en las plantaciones de algodón—, Williams logró, casi siempre, sobrevivir únicamente gracias a la música. Conocido artísticamente como Big Joe Williams, nació el 16 de octubre de 1903 en Crawford. Desde muy joven, cuando su padrastro lo expulsó de casa, llevó una vida errante, tocando donde pudiera para ganarse unos pocos dólares. De esa manera recorrió gran parte de Estados Unidos. Durante la década de 1920 formó parte de los Rabbit Foot Minstrels, una compañía de variedades integrada por artistas afroamericanos, de la que también participaron, en distintos momentos, figuras como Ma Rainey, Bessie Smith y Brownie McGhee. En 1935 firmó un contrato con Bluebird Records y grabó sus primeras canciones, entre ellas “Providence Help the Poor People” y “Highway 49 Blues”. Las grabaciones de esas sesiones destacan por su simpleza, su intensidad y su poderosa fuerza rítmica. Ese mismo año grabó su canción más célebre, “Baby, Please Don’t Go”, de la que existen actualmente más de mil versiones registradas. Entre quienes la han reinterpretado se encuentran Van Morrison, AC/DC y Aerosmith. A lo largo de su carrera, Williams grabó junto a numerosos bluesmen, como Robert Nighthawk, Peetie Wheatstraw y Sonny Boy Williamson I. La colaboración con este último, en particular, fue extensa y especialmente fructífera. Hoy escucharemos de este interesante músico “Baby, Please Don’t Go”. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Un 10 de mayo de 1888 nacía Max Steiner, compositor austriaco de música para cine que desarrolló gran parte de su carrera en Hollywood. Considerado uno de los padres del sinfonismo clásico hollywoodense, Steiner fue un prolífico creador que revolucionó el cine sonoro mediante el uso del leitmotiv y de una escritura orquestal profundamente expresiva en películas icónicas como King Kong y Lo que el viento se llevó. Su trabajo en King Kong (1933) marcó un antes y un después en la historia del cine. Hasta entonces, la música en las películas era utilizada de manera limitada y, en gran parte, de forma diegética; es decir, vinculada únicamente a fuentes visibles dentro de la escena, como radios, orquestas o bandas en pantalla. Existía la creencia de que incorporar música sin una fuente visual podía confundir al público. Steiner comprendió que el futuro del lenguaje cinematográfico dependía de una integración profunda entre imagen y sonido. Con King Kong abrió definitivamente las puertas a una nueva concepción de la música incidental: una música capaz de intensificar la emoción, construir atmósferas y otorgar profundidad psicológica a los personajes y a la narrativa. Su banda sonora aportó aventura, misterio, romanticismo y un terror primigenio que transformó para siempre la experiencia cinematográfica. También fueron fundamentales sus aportes técnicos al proceso de grabación y sincronización musical. Steiner desarrolló métodos innovadores que permitieron coordinar con gran precisión la música con las escenas y los diálogos, sentando las bases de muchas de las técnicas de sincronización utilizadas posteriormente en la industria cinematográfica. A continuación escucharemos Theme from A Summer Place, en la interpretación, arreglo y grabación de Percy Faith. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En este episodio conoceremos la historia de Elizabeth Cotten, una de las figuras más singulares de la música folk norteamericana. Nacida en Carolina del Norte, Cotten comenzó a relacionarse con la música desde muy pequeña y de manera completamente autodidacta. Aunque en su entorno se consideraba que la música era un espacio reservado para los hombres, ella aprendió a tocar guitarra y banjo en secreto, desarrollando una técnica propia que más tarde sería conocida como el “estilo Cotten”: tocar las cuerdas graves con los dedos y las agudas con el pulgar. A lo largo de su vida enfrentó múltiples obstáculos: la pobreza, las responsabilidades familiares y las presiones sociales y religiosas que intentaban alejarla de la música popular. Sin embargo, nunca dejó de componer canciones inspiradas en la tradición oral afroamericana y en las experiencias cotidianas de su comunidad. El rumbo de su vida cambió inesperadamente cuando conoció a la familia Seeger, ligada profundamente al estudio y difusión del folclore estadounidense. Gracias a ellos, su música comenzó a ser escuchada y valorada por investigadores y músicos. Ya en la madurez, a los 62 años, grabó su primer disco, convirtiéndose en una figura influyente dentro del renacimiento del folk en Estados Unidos. Con el paso de los años recibió importantes reconocimientos, entre ellos un Grammy y el nombramiento de “Tesoro vivo” por el Instituto Smithsoniano. Su legado continuó creciendo a través de artistas como Bob Dylan, Odetta y muchos otros que interpretaron sus canciones y reconocieron la profundidad de su obra. A continuación escucharemos I’m Going Away, interpretada por Elizabeth Cotten. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 5 de mayo de 1883 nacía el compositor, director de ópera y pedagogo serbio Petar Konjović. Konjović estudió en el Conservatorio de Praga con Vítězslav Novák y Josef Bohuslav Foerster. Fue director de la Ópera de Zagreb y de los teatros nacionales de Osijek, Split y Novi Sad. También se desempeñó como profesor en la Academia de Música de Belgrado, institución de la que fue rector en dos ocasiones. Konjović es considerado uno de los representantes más significativos del nacionalismo moderno serbio en la música. Sus obras más conocidas corresponden al género operístico. El lenguaje musical de Petar Konjović se sitúa en el período del romanticismo tardío; sin embargo, incorpora elementos del impresionismo y el expresionismo característicos de muchos compositores de las décadas de 1920 y 1930. Sus orientaciones hacia un expresionismo de raíz folclórica lo acercan también a figuras como Leoš Janáček, Béla Bartók e Ígor Stravinski. En sus óperas, se centró en textos vinculados a acontecimientos históricos y personajes relevantes, mientras que su escritura vocal estuvo profundamente influenciada por la inflexión natural de su lengua materna. Los elementos folclóricos también ocupan un lugar fundamental en sus partituras. A continuación escucharemos el Cuarteto de cuerdas n.º 2 de Petar Konjović. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy nos sumamos a una celebración que trasciende generaciones, pantallas y galaxias: el “May the Force be with you”, una frase que, desde el universo de Star Wars, ha logrado instalarse en nuestra vida cotidiana como un deseo de equilibrio, coraje y conexión profunda con aquello que nos rodea. Pero, ¿qué escuchamos cuando pensamos en la Fuerza? Más allá de las imágenes, hay un paisaje sonoro que ha sido fundamental para dar vida a este universo. La música, compuesta por John Williams, no solo acompaña la narrativa: la sostiene, la expande y la vuelve inolvidable. Sus temas —heroicos, íntimos, oscuros o luminosos— nos permiten reconocer a los personajes incluso antes de que aparezcan en escena. En este episodio, los invitamos a explorar cómo la música puede construir mundos, transmitir valores y activar nuestra imaginación. Porque la Fuerza, tal vez, también habita en la escucha: en esa capacidad de percibir lo invisible, de conectar con lo esencial y de dejarnos transformar por el sonido. A continuación escucharemos uno de los temas más emblemáticos: la Marcha Imperial. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo. Que la música los acompañe… y que la Fuerza también esté con ustedes.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 27 de abril de 1991 fallecía la pianista y compositora estadounidense Elinor Remick Warren. Iniciada en la música académica por su madre —alumna de un discípulo de Franz Liszt—, Warren adoptó a lo largo de su carrera un estilo predominantemente neorromántico. Reconocida por su talento como pianista y compositora, fue solista de la Filarmónica de Los Ángeles y colaboró extensamente con diversos cantantes. En la década de 1930 comenzó a crear obras de mayor envergadura, como The Harp Weaver y la pieza sinfónica The Legend of King Arthur. Tras el éxito de King Arthur en 1940, decidió centrarse exclusivamente en la composición, explorando temas de la naturaleza y el misticismo, a menudo inspirados en el Oeste americano. A pesar de la creencia generalizada de que Nueva York era el centro de la música estadounidense en aquel entonces, la decisión de Warren de desarrollar su carrera en Los Ángeles no impidió la amplia difusión de sus obras durante su vida. A continuación, escucharemos Ballet del cielo de verano, de su Suite para orquesta. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 26 de abril de 1886, nació Ma Rainey, conocida como la Madre del Blues. Durante las primeras décadas del siglo XX, su música alcanzó gran popularidad y contribuyó decisivamente a consolidar la tradición del blues en Estados Unidos. Su influencia trascendió lo musical: inspiró a poetas afroamericanos como Langston Hughes y Sterling Brown, quien le rindió homenaje en su poema Ma Rainey (1932). Más adelante, la escritora Alice Walker reconoció su legado como un modelo cultural de feminidad afroamericana en su novela The Color Purple, ganadora del Premio Pulitzer. La investigadora Daphane Harrison la describió como la primera gran cantante de blues, destacando en su voz una poderosa afirmación de vida, coraje y comunidad. Ma Rainey fue, además, pionera en llevar el blues auténtico a los escenarios teatrales, consolidando su lugar en la historia musical. A continuación, escucharemos South Bound Blues. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 19 de abril de 1986 fallecía el compositor sueco Dag Wirén. Wirén nació en 1905 y creció en una familia musical en la región de Bergslagen. En 1926 se trasladó a Estocolmo para estudiar composición en la Academia Estatal de Música. Más tarde, como muchos artistas escandinavos de su generación, continuó sus estudios en París, donde vivió años particularmente fructíferos durante el período de entreguerras. Allí recibió la influencia del neoclasicismo, del grupo Les Six y de Igor Stravinsky. Al escuchar su música, también es posible reconocer la huella de la tradición nórdica, especialmente de Carl Nielsen y Jean Sibelius. Entre sus obras más destacadas de este período se encuentran la Sinfonietta (1934), el Concierto para violoncello (1936) y la Serenata para cuerdas (1937). El estilo ligero, ingenioso y elegante que caracteriza sus primeras obras evolucionó hacia un lenguaje más profundo y reflexivo. Un rasgo distintivo de este desarrollo es el uso de la técnica de la metamorfosis: Wirén permite que un motivo pequeño, aparentemente insignificante, se transforme y recorra toda la obra, expandiéndose a través de sus distintos movimientos. Además, compuso música para teatro y cine, ampliando así su lenguaje hacia otros formatos escénicos. A continuación, escucharemos la marcha de su Serenata para cuerdas, Op. 11, interpretada por la Helsingborgs Symfoniorkester. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un día como hoy, 20 de abril de 1968, la banda británica Deep Purple ofrecía su primer concierto en Tastrup, Dinamarca. Inicialmente concebida bajo el nombre de Roundabout, la agrupación debutó en vivo poco antes de grabar su primer álbum, Shades of Deep Purple. Con el tiempo, se convertiría en una de las bandas pioneras del hard rock y el heavy metal, destacando por su particular fusión de blues, rock progresivo y elementos de la música clásica. Durante su época dorada en la década de 1970, produjeron álbumes icónicos como Machine Head, que incluye uno de sus temas más reconocidos: “Smoke on the Water”. Junto a Led Zeppelin y Black Sabbath, Deep Purple conformó la llamada “trinidad impía” del hard rock británico. Un dato curioso: en 1972, la banda fue reconocida por el Guinness World Records como la más ruidosa del mundo, tras un concierto en el Rainbow Theatre de Londres. Se cuenta que el volumen fue tal, que algunos asistentes perdieron el conocimiento. A lo largo de su trayectoria, Deep Purple ha vendido más de 100 millones de discos, aunque ni siquiera sus propios integrantes coinciden en la cifra exacta. El teclista Don Airey ha señalado que podría rondar los 150 millones, mientras que el baterista Ian Paice estima una cifra difícil de precisar, pero igualmente impresionante. Cabe destacar que Ian Paice es el único miembro que ha participado en todos los lanzamientos de la banda. A continuación, escuchamos uno de sus primeros grandes éxitos: Hush. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 15 de abril de 1936 nació el compositor y director de orquesta mexicano Héctor Quintanar, una figura clave de la música contemporánea de su país. Aunque su lenguaje creativo se proyectó hacia la experimentación, la música electroacústica y las búsquedas de vanguardia, su obra también puede situarse en la continuidad de una tradición latinoamericana interesada en pensar la identidad, el color local y la proyección de lo americano en la creación musical. En 1960 ingresó al Conservatorio Nacional de Música, donde fue alumno de Rodolfo Halffter y Carlos Jiménez Mabarak. Allí estudió en el Taller de Composición fundado por Carlos Chávez, quien lo nombró su asistente en 1963. Más tarde, Quintanar dirigió ese taller entre 1965 y 1977, tras la jubilación de Chávez. En 1964 fue becado por la Secretaría de Educación Pública para realizar estudios de música electrónica en Nueva York, y en 1967 viajó a París para profundizar en la música concreta. Su catálogo incluye obras electroacústicas, música para banda, conjuntos instrumentales, piezas solistas y diversas formaciones de cámara. Héctor Quintanar fue además creador de la Escuela de Música Contemporánea de la Sociedad de Autores y Compositores de Música. También fue director titular de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, de la Orquesta Sinfónica de Michoacán , y de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato. Fue miembro fundador del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte y de la Academia Guanajuatense de Arte y Cultura. Recibió una beca Guggenheim y, en 2002 y 2003, fue nombrado miembro del Sistema Nacional de Creadores. A continuación, escucharemos su poema sinfónico Fiesta, interpretado por la Orquesta Sinfónica de Guanajuato bajo la dirección del propio compositor. Esta obra nos invita a reconocer cómo, desde distintas estéticas y épocas, la música latinoamericana ha buscado expresar la vitalidad de sus territorios, la fuerza de sus imaginarios colectivos y la riqueza de sus múltiples identidades. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 13 de abril de 1964, The Temptations, grupo vocal estadounidense, lanza su álbum debut Meet the Temptations bajo el sello Motown. Reconocidos por sus coreografías precisas, armonías distintivas y un estilo escénico elegante, el grupo fue clave en la evolución del R&B y el soul. A lo largo de su trayectoria, se convirtieron en uno de los conjuntos más influyentes y exitosos de la música popular del siglo XX. Su impacto se refleja en cifras y reconocimientos: cuatro sencillos número uno en el Billboard Hot 100, catorce en las listas de R&B y tres premios Grammy. En 1969 obtuvieron el primero por “Cloud Nine”, y en 2013 recibieron el Grammy a la trayectoria artística. En 1989, seis de sus integrantes fueron incorporados al Salón de la Fama del Rock and Roll, consolidando su lugar en la historia de la música. Canciones como “My Girl”, “Just My Imagination (Running Away with Me)” y “Papa Was a Rollin’ Stone” forman parte del repertorio que definió el sonido de una época. A continuación, escucharemos “Paradise”. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un día como hoy, 9 de abril de 1763, nacía el contrabajista y compositor italiano Domenico Dragonetti, figura fundamental en la historia de su instrumento. Dragonetti inició su formación musical desde muy temprana edad, explorando la guitarra y el violín, antes de dedicarse al contrabajo, instrumento que llevaría a un nivel de desarrollo técnico y expresivo sin precedentes. A los 13 años comenzó sus estudios con Michele Berini, y rápidamente destacó: al año siguiente ya se desempeñaba como primer contrabajista en la ópera bufa de Venecia. Su talento lo llevó a ocupar importantes cargos musicales en ciudades como Vicenza y Venecia, donde incluso llegó a suceder a su propio maestro en la prestigiosa capilla de San Marcos. En este contexto, desarrolló también una intensa actividad creativa y experimental, especialmente junto al violinista Nicola Mestrino, explorando las posibilidades acústicas y expresivas de sus instrumentos. En 1794 se trasladó a Londres, ciudad en la que residió durante cerca de cincuenta años y donde consolidó su carrera internacional tras su debut en el King’s Theatre. Su impacto fue tal que transformó la percepción del contrabajo, elevándolo desde un rol principalmente acompañante a uno de carácter solista y virtuoso. Considerado uno de los más grandes virtuosos del contrabajo en Europa, Dragonetti no solo destacó como intérprete, sino también como compositor, ampliando el repertorio y las posibilidades técnicas del instrumento. A continuación, escucharemos su Concierto en La mayor, primer movimiento: Allegro moderato, interpretado por Massimo Giorgi en el contrabajo, junto a la orquesta I Solisti Aquilani.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 8 de abril de 2003, la banda estadounidense Rise Against lanzaba su segundo álbum de estudio, Revolutions per Minute, una obra que consolidó su identidad dentro del punk melódico con un fuerte contenido político y social. Formada en Chicago en 1999, e integrada por Tim McIlrath (voz y guitarra) y Brandon Barnes (batería), entre otros, la banda se caracteriza por una postura crítica frente a problemáticas como la desigualdad social, la violencia estructural, el consumismo, los derechos de los animales y las políticas gubernamentales. Más que una banda de punk rock, Rise Against se posiciona como una voz de resistencia dentro de la cultura popular. Sus letras no solo denuncian, sino que también interpelan al oyente, invitándolo a reflexionar sobre su propio rol en la sociedad. En ese sentido, su música se inscribe en una tradición donde el arte no es solo expresión, sino también acción y conciencia. En Revolutions per Minute, esta postura se hace especialmente evidente: las canciones combinan energía, urgencia y una lírica directa que cuestiona el orden establecido, proponiendo una mirada crítica frente al poder y sus mecanismos. Hoy escucharemos Heaven Knows, una canción que refleja esa tensión entre frustración y esperanza, tan característica de la banda. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy nos encontramos con el intérprete de viola de gamba y compositor francés Jean-Baptiste Forqueray. Hijo del célebre violagambista Antoine Forqueray, Jean-Baptiste creció bajo la sombra de un padre tan brillante como temido. Mientras algunos contemporáneos describían a Antoine como alguien que tocaba “como un diablo”, en contraste con el “ángel” Marin Marais, su genio musical convivía con un carácter duro y violento. Desde muy joven, Jean-Baptiste alcanzó un nivel técnico excepcional, siendo reconocido como el único capaz de interpretar con verdadera fidelidad la compleja música de su padre. Sin embargo, ese talento no fue suficiente para ganarse su afecto. A los veinte años fue encarcelado por orden de Antoine, y más tarde incluso desterrado de Francia por su influencia. A pesar de ello, Jean-Baptiste logró regresar, reconstruir su vida y, finalmente, ocupar el mismo prestigioso cargo que había tenido su padre en la corte. Paradójicamente, también se encargó de preservar y publicar su música, junto con la propia, en un gesto que mezcla herencia, reconciliación y ambigüedad. La historia de los Forqueray nos confronta con una idea incómoda: la excelencia técnica, incluso en el arte, no siempre va de la mano con la humanidad. El virtuosismo puede deslumbrar, pero no necesariamente transforma el carácter ni garantiza vínculos más justos o amorosos. Quizás por eso, al escuchar esta música, no solo atendemos a su complejidad o belleza, sino también a las tensiones humanas que la atraviesan. A continuación, escucharemos de sus tres piezas para viola de gamba la Courante. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, cerrando nuestro ciclo dedicado a mujeres músicas, nos encontramos con la pianista y cantante estadounidense Dorothy Donegan, una figura deslumbrante del jazz y el blues, reconocida por su virtuosismo, su energía escénica y su extraordinaria capacidad de fusionar estilos como el stride, el boogie-woogie, el swing e incluso referencias a la música clásica. Donegan comenzó sus estudios de piano a los ocho años, recibiendo una sólida formación clásica. En 1943, con apenas 18 años, marcó un hito al convertirse en una de las primeras pianistas afroamericanas en presentarse en el Symphony Center de Chicago, sede de la Orquesta Sinfónica de Chicago. A lo largo de más de seis décadas de trayectoria, su estilo se caracterizó por una técnica brillante, cambios repentinos de registro, humor musical y una notable libertad interpretativa. Durante la década de 1950 consolidó una voz artística propia, en la que lo académico y lo popular dialogan constantemente, desdibujando fronteras entre géneros y tradiciones. Y no es casual que hoy la escuchemos a ella: este episodio recordamos también la conmemoración del Día Mundial del Piano, una fecha que celebra no solo al instrumento, sino también las múltiples formas en que este ha sido interpretado, transformado y resignificado a lo largo de la historia. En Dorothy Donegan, el piano se convierte en un espacio lúdico de libertad y afirmación: un territorio donde la tradición clásica, la improvisación jazzística y una expresividad profundamente personal logran convivir. Su música nos recuerda que el piano no es solo un instrumento, sino también una voz capaz de narrar historias, tensar límites y abrir nuevas formas de escucha. A continuación, escucharemos I Just Want To Sing, una interpretación donde confluyen su vitalidad rítmica, su sensibilidad expresiva y su inconfundible estilo pianístico Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, continuando con nuestro ciclo dedicado a mujeres músicas, nos acercamos a la japonesa Miho Hazama, una de las figuras más relevantes de la escena del jazz orquestal contemporáneo. Nacida en Tokio en 1988 y formada en piano y composición clásica durante su infancia y adolescencia, a partir de 2013 inició un meteórico recorrido que la llevó a ser considerada, tres años después, por la revista DownBeat, como una de las 25 jóvenes promesas del futuro del jazz. Además de los cuatro discos que ha publicado, su talento como compositora y directora de orquesta la llevó a ser elegida, en 2019, como la primera mujer —y la más joven— en asumir la dirección de la Danish Radio Big Band, toda una institución de la radio estatal danesa, reconocida como uno de los conjuntos más destacados del jazz europeo. En los últimos años también ha dirigido diversas obras junto a la Metropole Orkest de los Países Bajos, un ensamble estatal que ha contado con la participación de artistas como Karlheinz Stockhausen, Dizzy Gillespie o Brian Eno. Su trayectoria incluye, además, innumerables colaboraciones como arreglista, la composición de bandas sonoras para sagas de animé como Evangelion o Berserk, y el llamado del compositor Ryuichi Sakamoto para realizar arreglos en tres piezas de los conciertos registrados en Japón para la reversión de su disco en vivo Playing the Orchestra, originalmente publicado en 1988. A continuación escucharemos I Said Cool, You Said… What?, interpretada por la Frankfurt Radio Big Band, bajo la dirección de Miho Hazama. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, continuando con nuestro ciclo dedicado a mujeres músicas, nos acercamos a la obra de Mercedes Sosa, conocida como “La Voz de América” y cariñosamente llamada “La Negra”. Nacida en San Miguel de Tucumán el 9 de julio de 1935, fue una figura clave del movimiento del Nuevo Cancionero y una voz fundamental de resistencia cultural frente a la dictadura argentina. Su compromiso artístico y social la llevó al exilio y posteriormente a alcanzar reconocimiento internacional por la profundidad humana y política de sus interpretaciones. De nombre completo Haydée Mercedes Sosa, creció en un entorno marcado por la música popular y la conciencia social, influencias que moldearon tempranamente su identidad artística. A los 15 años ganó un concurso de canto organizado por una radio local, dando inicio a una trayectoria que la convertiría en una de las intérpretes más relevantes de América Latina. Su primer disco, La Voz de la Zafra (1959), marcó el comienzo de una carrera que se extendería por más de cinco décadas. Su repertorio combinó tradición folclórica, poesía y compromiso social, dando voz a las dificultades, esperanzas y luchas de los pueblos latinoamericanos. A lo largo de su vida artística colaboró con destacados músicos y músicas de diversos géneros, desde el folclore y la canción de raíz hasta el rock y la música popular internacional. Entre ellos, Joan Baez, Sting y Andrea Bocelli, evidenciando su capacidad para trascender fronteras estilísticas y culturales. A continuación escucharemos “Como la cigarra”, canción escrita por María Elena Walsh, que fue censurada durante la dictadura argentina. Para Mercedes Sosa, esta obra tuvo un significado especialmente profundo, ya que simbolizaba la resiliencia, el regreso y la posibilidad de cantar aún en el exilio. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, continuando con nuestro ciclo dedicado a mujeres músicas, nos acercamos a la obra de la compositora surcoreana Unsuk Chin. Nacida en Seúl, estudió en Hamburgo junto a György Ligeti y actualmente reside en Berlín. Su trayectoria ha sido reconocida con importantes distinciones internacionales, entre ellas el Premio Grawemeyer en 2004 por su Concierto para violín n.º 1, el Premio Arnold Schoenberg en 2005, el Premio de Música de la Fundación Príncipe Pierre en 2010, el Premio Wihuri Sibelius en 2017 y el Premio Kravis en 2018. La producción de Chin abarca tanto partituras electrónicas como acústicas. Su lenguaje musical, moderno y refinado, se caracteriza por una intensa vitalidad rítmica, una gran riqueza tímbrica y una expresividad lírica que evita todo carácter doctrinario. Sus obras han sido interpretadas en los principales escenarios del mundo por destacadas orquestas, ensambles de música contemporánea e intérpretes de referencia, contando además con el apoyo de reconocidos directores y solistas internacionales. Parte de su discografía ha sido publicada por sellos como Deutsche Grammophon, Kairos y Analekta. A continuación escucharemos Subito con forza, interpretada por la Filarmónica de Oslo bajo la dirección de Klaus Mäkelä. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, continuando con nuestro ciclo dedicado a mujeres músicas, nos acercamos a la destacada cantautora y pintora chileno-mexicana Norma Monserrat Bustamante Laferte, mejor conocida como Mon Laferte. Nacida en Viña del Mar, Chile, el 2 de mayo de 1983, saltó a la fama en 2003 gracias a su participación en el programa chileno Rojo. Sin embargo, consolidó su carrera en México a partir de 2007, desarrollando una propuesta artística que fusiona pop, bolero, cumbia y rock. No obstante, en México en 2009 enfrenta un diagnóstico de cáncer de tiroides que le impide desenvolverse plenamente en el ámbito musical hasta 2011. Tras superar estas adversidades y el prolongado alejamiento de los escenarios, Mon Laferte reaparece en 2011 reinventada y llena de nuevos proyectos. Hasta el momento ha publicado siete álbumes: Desechable (2011), Tornasol (2013), Mon Laferte Vol. 1 (2015), La Trenza (2017), Norma (2018), SEIS (2021), 1940 Carmen (2021), Autopoiética (2023) y el reciente Femme Fatale (2025). Asimismo, se ha presentado en escenarios emblemáticos como el Auditorio Nacional de Ciudad de México, el Madison Square Garden en Nueva York, el Luna Park en Buenos Aires, el Festival de Viña del Mar, Lollapalooza y Coachella, entre otros. A continuación escucharemos Femme Fatale, una canción que reflexiona sobre la vulnerabilidad y la fortaleza femenina, reescribiendo el arquetipo de la mujer fatal para incorporar el dolor, la complejidad y la resiliencia, más allá de los estereotipos de seducción y caos. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, continuando con nuestro ciclo dedicado a mujeres músicas, nos acercamos a la figura de Chén Yí, una de las compositoras más influyentes del panorama contemporáneo. Su obra se caracteriza por una integración profundamente personal entre tradiciones musicales chinas y occidentales, construyendo un lenguaje bicultural de gran riqueza tímbrica y expresiva. Durante más de cuatro décadas ha desarrollado una prolífica trayectoria como compositora, educadora y promotora cultural. Su trabajo pedagógico ha contribuido a la formación de nuevas generaciones de creadoras y creadores reconocidos internacionalmente, mientras que su música ha sido interpretada en numerosos contextos de intercambio artístico entre Oriente y Occidente. Escucharemos a continuación el primer movimiento, Singing, de su obra Fiddle Suite para cuarteto de cuerdas y erhu, una pieza que explora el canto instrumental como espacio de encuentro entre tradición, memoria y contemporaneidad. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, en el marco del ciclo dedicado a mujeres músicas, nos acercamos a la figura de Karen Anne Carpenter, cantante y baterista estadounidense conocida por formar, junto a su hermano Richard, el dúo The Carpenters. Karen alcanzó fama mundial no solo por la calidez y profundidad de su voz sino también por su notable talento como baterista, destacando por una técnica precisa, musical y elegante. Su trabajo contribuyó a ampliar la visibilidad de las mujeres en la batería dentro de la música popular, y en 1975 fue elegida mejor baterista del año por la revista Playboy. Su vida estuvo marcada también por su lucha contra la anorexia, enfermedad que contribuyó a su muerte en 1983, a los 32 años, y que con el tiempo abrió importantes conversaciones sobre salud y presión en la industria musical. A continuación escucharemos “Dancing in the Street”, con Karen Anne Carpenter en la voz y batería. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, en el marco del ciclo dedicado a mujeres músicas, nos acercamos a la obra de la compositora mexicana Gabriela Ortiz. Nacida en Ciudad de México en una familia profundamente vinculada a la música —sus padres fueron miembros fundadores del grupo Los Folkloristas— Ortiz creció entre el sonido del charango, la guitarra y el piano clásico. Se formó con destacados compositores mexicanos y posteriormente realizó estudios en Londres, donde profundizó en composición y música electrónica. Su obra se caracteriza por una potente fusión de mundos sonoros: tradiciones mexicanas, gestos populares, exploraciones vanguardistas y recursos multimedia conviven en un lenguaje propio, vibrante y contemporáneo. En 2025, su álbum Revolución diamantina, grabado por la Los Angeles Philharmonic bajo la dirección de Gustavo Dudamel, recibió tres premios Grammy, consolidando su proyección internacional. A continuación escucharemos Kauyumari, obra orquestal encargada por la Filarmónica de Los Ángeles. “Kauyumari”, en la cosmovisión wixárika, significa “venado azul”: un guía espiritual que, tras su peregrinación, se transforma en peyote y permite el diálogo con los ancestros. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a esta nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Durante este mes dedicaremos nuestros episodios exclusivamente al trabajo de mujeres músicas: compositoras, intérpretes, creadoras que transformaron —y transforman— la historia de la música. Hoy comenzamos con Mary Lou Williams. Pianista, compositora y arreglista fundamental del jazz del siglo XX, Williams desarrolló su carrera en un contexto donde las mujeres eran consideradas una excepción dentro del género. Sin embargo, su talento y originalidad la convirtieron en una de las arquitectas del sonido de la era del swing. Trabajó y escribió arreglos para figuras como Duke Ellington, Benny Goodman y la orquesta de Andy Kirk, dejando una huella decisiva en las grandes bandas de la época. Pero su camino no se detuvo allí: fue también protagonista en los inicios del bebop, participando activamente en el ambiente creativo del Minton’s Playhouse en Nueva York. En 1944 presentó su ambiciosa Zodiac Suite, una obra de doce piezas —una por cada signo del zodiaco— donde integró influencias del jazz, la música de cámara y la improvisación. Esta suite se transformó en una de sus creaciones más perdurables y en una muestra de su espíritu visionario. A continuación escucharemos esta notable música “Free Spirits”, composición en la que Mary Lou despliega su particular lenguaje pianístico. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a a una nueva temporada de Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, transforman nuestra manera de escuchar y comprender el presente. A través de sus músicas descubrimos identidades colectivas, relatos históricos, gestos de resistencia cultural y formas sensibles de habitar nuestro tiempo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En el episodio de hoy recordamos a Willie Colón (1950–2026), trombonista, cantante, director de orquesta, compositor y productor, figura clave en la consolidación de la salsa como movimiento musical y fenómeno cultural. Criado en el sur del Bronx por su abuela puertorriqueña, quien alentó su temprana vocación musical, Colón dominó el trombón desde muy joven y comenzó su carrera profesional en plena efervescencia de la escena latina neoyorquina de los años sesenta. Su alianza con Héctor Lavoe marcó una época. Bajo la estética narrativa de “El Malo del Bronx”, construyeron un imaginario urbano que retrataba con crudeza y humor la vida en los barrios latinos de Nueva York. Más tarde, junto a Rubén Blades, dieron vida a Siembra, uno de los discos de salsa más influyentes y vendidos de todos los tiempos, ampliando el horizonte temático del género hacia una dimensión social y política más explícita. Colón también colaboró con figuras fundamentales como Celia Cruz, consolidando un legado que atraviesa generaciones. Como expresó Rubén Blades: “Su extraordinario legado continuará presente a través de personas que amen la música y el baile, aprecien la fuerza, vitalidad y el gusto en los arreglos musicales del género salsa y se identifiquen con letras de temas urbanos que detallan y documentan, de forma simple o compleja, realidades y experiencias compartidas a lo largo y ancho de nuestra América”. A continuación escucharemos de su época con Lavoe la canción Todo tiene su final cuya autoría musical y la letra se atribuyen a Willie Colón Hoy, al abrir esta nueva temporada, lo hacemos recordando que la música no solo entretiene: documenta, denuncia, celebra y construye memoria colectiva. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 24 de enero de 1915 nacía la compositora checa Vítězslava Kaprálová, una creadora de talento excepcional cuya vida fue tan intensa como breve. Fue la primera mujer en dirigir la Orquesta Filarmónica Checa y alcanzó reconocimiento internacional a muy temprana edad. Sin embargo, falleció a los 25 años de tuberculosis. Desde niña mostró una profunda vocación musical. A los quince años ingresó al Conservatorio de Brno para estudiar composición y dirección, enfrentando una doble resistencia: la de su época y la de quienes consideraban que la música no era un camino para una mujer. Más tarde, en Praga, desarrolló un lenguaje propio influido por la canción popular morava y por un fuerte sentido de identidad cultural. Su obra, atravesada por la historia, el desarraigo y la afirmación artística, es hoy leída como un gesto de memoria y resistencia. A continuación escucharemos Pasacaglia Grotesca, una obra para piano donde Kaprálová juega con la forma tradicional de la passacaglia desde una mirada moderna y expresiva. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Hoy iniciamos nuestro receso de verano y regresamos el 26 de febrero con una nueva temporada de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. El pasado 10 de diciembre de 2025 falleció, a los 63 años, Roberto Iniesta Ojea, más conocido como Robe, fundador y alma del grupo español Extremoduro. Nacido en Plasencia, Cáceres, el 16 de mayo de 1962, Robe construyó una obra que puede leerse precisamente desde ese lugar: el de la resistencia cultural. Desde los márgenes, con una poética cruda y profundamente humana, su música desafió normas estéticas, morales y sociales, combinando rebeldía, emoción, vida cotidiana y una filosofía visceral, sin miedo a quebrar las buenas maneras ni a incomodar al oyente. Gustó, y de manera masiva, sin dejar de ser incómodo. Porque su propuesta no buscaba consenso, sino verdad. Y como toda voz que resiste, tuvo luces, sombras y detractores. En 2024 recibió la Medalla de Oro a las Bellas Artes, fue declarado Hijo Predilecto de Plasencia, ciudad que incluso inauguró una avenida con su nombre. Ese mismo año, su música formó parte de la campaña del Museo del Prado, titulada El poder del arte de Robe, confirmando cómo aquello que nació desde la disidencia terminó dialogando con las grandes instituciones culturales. A continuación, escucharemos “El hombre pájaro”, una obra que condensa esa tensión permanente entre fragilidad y libertad, entre caída y vuelo. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 12 de enero de 1876 nacía el compositor italiano Ermanno Wolf-Ferrari, una figura singular del cambio de siglo. Conocido principalmente por sus óperas, su lenguaje musical combina el espíritu de la ópera bufa italiana —ligera, ágil y expresiva— con la refinada orquestación del romanticismo alemán. El resultado es una música de melodías líricas, carácter luminoso y una rica paleta armónica. Wolf-Ferrari estudió composición en Múnich con Josef Rheinberger, y en Italia llegó a desempeñarse como director del Liceo Benedetto Marcello en Venecia. Si bien sus óperas cómicas, como Il segreto di Susanna e I quattro rusteghi, le otorgaron reconocimiento en vida, también dejó un valioso repertorio instrumental y de cámara, menos difundido pero de gran fineza musical. Aunque durante décadas gran parte de su trabajo quedó relegado de los escenarios, las grabaciones y las interpretaciones recientes han contribuido a renovar el interés por su música, en especial por sus piezas instrumentales. A continuación, los invitamos a escuchar fragmentos de Il campiello: Intermezzo y Ritornello, pertenecientes a esta commedia lirica, donde el color, el gesto teatral y la sutileza orquestal dialogan con naturalidad. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. En 2025, Say You, Say Me, del cantante Lionel Richie, cumplió 40 años. Esta canción fue compuesta para la película White Nights, que narra la historia de dos bailarines —uno ruso y otro estadounidense— que, pese a sus diferencias culturales y políticas, logran construir un vínculo. En ese contexto, la canción funciona como un mensaje simple pero profundo: la posibilidad de reconocernos en el otro. Aunque escrita para la película, la canción no apareció en la banda sonora original, ya que Motown decidió incluirla en el álbum Dancing on the Ceiling (1986). Say You, Say Me alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 en diciembre de 1985 y obtuvo el Oscar a la Mejor Canción Original ese mismo año. En un mundo donde las fronteras simbólicas parecen endurecerse y la escucha atenta se vuelve escasa, esta canción nos recuerda que la música puede ser un espacio de encuentro, un lenguaje común cuando las palabras no alcanzan. A continuación, escucharemos Say You, Say Me. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En este episodio nos detenemos en Lux, la más reciente producción discográfica de Rosalía, una obra que generó intensas controversias precisamente por su audaz cruce entre el pop contemporáneo y la tradición de la música académica. Concebido en cuatro movimientos —una estructura heredada directamente de la sinfonía clásica— Lux desarrolla distintos climas sonoros y emocionales. La obra cuenta con la participación de la London Symphony Orchestra, dirigida por Daniel Bjarnason, junto al Coro de Cámara del Palau de la Música Catalana y la Escolanía de Montserrat, integrando orquesta, coro y voz solista en un formato poco habitual para el pop. Rosalía canta en latín, italiano, alemán, castellano y catalán, alternando la intensidad del canto flamenco con un fraseo más cercano al lirismo vocal. Berghain, primer single del álbum y la obra que escucharemos a continuación, constituye un ejemplo claro de esta intención: ya desde su inicio, la artista entona un fragmento en alemán con una colocación vocal que remite al canto operístico. En definitiva, Lux deja resonar ecos innegables de la ópera y de la música clásica, estableciendo un diálogo particularmente sugerente: la gramática de la ópera —la orquesta, el coro, el aria, el gesto dramático— reaparece entre algoritmos, plataformas digitales y playlists. Y eso, en sí mismo, es un gesto cultural profundamente significativo. Escuchemos entonces Berghain, interpretado por Rosalía, con la intervención de Björk e Yves Tumor. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En este primer episodio de 2026, queremos comenzar el año desde la memoria y el reconocimiento. Recordamos hoy a Jorge Martínez, músico impetuoso, salvaje y rebelde, un artista que marcó un punto de inflexión en el pop-rock español con canciones como Tiempos nuevos, tiempos salvajes o Soy un macarra. Fallecido a inicios de diciembre del año pasado, Martínez recorrió más de cuatro décadas de una carrera intensa, plagada de discos y conciertos memorables. No son muchos los músicos en España que pueden dar cuenta de un trayecto tan coherente y contundente. Al frente de Ilegales, Jorge Ilegal fue un creador prolífico de canciones descarnadas que terminaron convirtiéndose en clásicos del punk-rock español. En sus inicios cultivó deliberadamente una imagen pública provocadora: la del músico peligroso, excesivo y desafiante, un personaje que él mismo alimentó con ironía y desparpajo. En Asturias primero y luego en Madrid, su figura se asoció a un carácter macarra y pendenciero, tan temido como admirado, una máscara que reforzaba su leyenda. Sin embargo, en el documental Mi vida entre las hormigas (2017), de Chema Veiga y Juan Moya, emerge otra dimensión de Jorge Martínez: la de un hombre lúcido, profundo, de verbo afilado y, a ratos, solitario. Lejos del personaje intimidante, aparece un creador consciente de su tiempo, recluido muchas veces en su casa de Bolgues, reflexionando sobre la música, la vida y el desgaste del mito. Escuchar hoy a Jorge Martínez es también escuchar una época, una forma de resistencia estética y una voz que se negó siempre a domesticar su rabia ni su honestidad. A continuación, escucharemos Soy un macarra, de Ilegales. Gracias por acompañarnos a lo largo de este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En este último episodio del año, queremos detenernos en una canción que, desde el espíritu festivo, nos invita a la reflexión. “Happy Xmas (War Is Over)”, lanzada por John Lennon y Yoko Ono en 1971, es mucho más que un villancico: es un mensaje de protesta contra la Guerra de Vietnam y un llamado urgente a la paz. Inspirada en sus acciones pacifistas —como los bed-ins y las campañas con el lema “War Is Over (If You Want It)”—, la canción utiliza un lenguaje sencillo y un coro infantil para interpelarnos directamente con una pregunta que sigue vigente: (¿Qué has hecho tú?. Hace pocos días, el cantautor panameño Rubén Blades sorprendió a sus seguidores con el lanzamiento de una nueva versión de este clásico. El proyecto fue realizado junto a su esposa, la cantante y compositora Luba Mason, y el grupo canadiense Sultans of String, reconocido internacionalmente por su fusión de música folk, jazz y sonidos del mundo. A continuación, escucharemos esta nueva versión. Gracias por acompañarnos a lo largo de este año en este viaje sonoro. Les deseamos un muy feliz año nuevo!!!. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En este episodio nos acercamos al villancico no desde la nostalgia ni la tradición más conocida, sino desde la posibilidad de que estas músicas sigan transformándose, dialogando con otros estilos y llegando a públicos diversos. Rob Halford, vocalista de Judas Priest, es un gran aficionado a la Navidad. Es por ello que su disco Halford III: Winter Songs, un álbum solista de 2009, explora el universo navideño combinando villancicos tradicionales con su estilo característico. Hoy escucharemos su versión metalera del villancico “We Three Kings”, donde Halford retoma la leyenda judeocristiana para reinterpretarla con su potencia vocal única, otorgándole un carácter intenso y oscuro. Una lectura que nos recuerda que los villancicos también pueden ser espacios de experimentación, emoción y sorpresa, y que el espíritu navideño puede expresarse desde múltiples lenguajes musicales. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Los invitamos a escuchar con curiosidad, sin prejuicios y con los oídos abiertos a lo inesperado. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. La obra que escucharemos hoy es The Rocking Carol —El Villancico Mecedor—, un villancico en lengua inglesa de origen checo. Fue traducido por Percy Dearmer en 1928 y se basa en la melodía tradicional checa Hajej, nynej, Ježíšku, publicada en 1920. La canción alcanzó proyección internacional en la década de 1960 gracias a la interpretación de Julie Andrews, convirtiéndose desde entonces en un villancico entrañable del repertorio navideño. Su melodía inicial guarda un sutil parecido con Estrellita, ¿dónde estás?, un rasgo que probablemente contribuyó a su cercanía y amplia difusión, evocando la intimidad del arrullo y la calma propia de esta celebración. A continuación, escucharemos The Rocking Carol en un arreglo de Shawn Kirchner, interpretado por la cantante Harriet Fraser en las distintas voces. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. La obra que escucharemos hoy, “Christmas Eve / Sarajevo 12/24” de Trans-Siberian Orchestra —basada en material de Savatage— se inspira en una historia real ocurrida durante el Asedio de Sarajevo, entre 1992 y 1996, en el contexto de la Guerra de Bosnia. Su trasfondo remite a la figura del violonchelista Vedran Smajlović, quien tocaba su instrumento entre las ruinas y bajo el fuego de artillería, interpretando música en espacios devastados como un acto de dignidad, resistencia y profunda humanidad. La pieza es un popurrí instrumental que entrelaza dos melodías tradicionales: el antiguo villancico inglés “God Rest Ye Merry, Gentlemen”, posiblemente del siglo XVI y popularizado en el siglo XIX, y “Carol of the Bells”, canción de año nuevo ucraniana que fue adaptada como villancico en 1936 por el compositor Peter Wilhousky en Estados Unidos. En este cruce de tradiciones, estilos y memorias, la música se transforma en un lenguaje que sobrevive a la violencia y afirma la vida incluso en los contextos más extremos. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy queremos adentrarnos en la tradición de los villancicos, un género que, aunque suele asociarse a lo religioso, ha adoptado diversas formas y significados a lo largo de su historia. La costumbre de cantar villancicos se consolidó hace varios siglos en Inglaterra, donde los vecinos recorrían las calles felicitándose mutuamente. Las familias más privilegiadas ofrecían regalos o alimentos a quienes interpretaban estas canciones navideñas, muchas de ellas basadas en textos bíblicos y cargadas de simbolismo espiritual. Sin embargo, el registro más antiguo de un villancico se remonta al siglo IV con Jesus Refulsit Omnium, un himno latino compuesto en el año 336 d.C., considerado la primera canción navideña documentada. Esta obra, atribuida a poetas cristianos romanos, sentó las bases de la música navideña que ha acompañado las celebraciones de diciembre hasta nuestros días. A continuación, escucharemos Jesus Refulsit Omnium, interpretado por el Coro de Santo Thomás de Leipzig. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy queremos compartir un hallazgo musicológico que ha despertado entusiasmo en la comunidad musical: una nueva obra de Johann Sebastian Bach ha salido a la luz, la Chacona en re menor, BWV 1178. El manuscrito fue encontrado en la Biblioteca Real de Bélgica entre dos obras anónimas. Tras un meticuloso análisis, fue identificado como una pieza auténtica de Bach. Peter Wollny, director del Archivo Bach de Leipzig, explica que muchos rasgos de la obra son inconfundibles en el estilo del compositor. Aun así, reconocerla oficialmente fue como resolver un rompecabezas cuya última pieza apareció recién en 2025. La clave estuvo en la identificación de la caligrafía musical: el copista fue Salomon Günther John (1695–?), discípulo de Bach en órgano, quien tuvo acceso a su colección y transcribió múltiples partituras. Gracias a este descubrimiento, hoy sabemos que esta chacona corresponde a una obra temprana del propio Bach, escrita cuando tenía entre 18 y 20 años, pero ya revelando una sorprendente madurez musical. La interpretación que escucharemos a continuación estuvo a cargo de Ton Koopman —director, organista y clavecinista holandés—, uno de los referentes más destacados en la interpretación históricamente informada. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. En junio de este año se cumplió un nuevo aniversario del lanzamiento de una de las canciones más populares de los hermanos Gallagher, integrantes de la banda británica Oasis, ícono indiscutible del Britpop y responsable de más de 100 millones de copias vendidas alrededor del mundo. La canción es “Stop Crying Your Heart Out”, una pieza que se transformó en un himno global. Su letra nos recuerda que, incluso cuando todo parece difícil, es posible seguir adelante. Noel Gallagher contó que la escribió pensando en un amigo que atravesaba un momento complejo con sus hijos. Quizás por eso, porque nace desde un gesto íntimo y humano, la canción toca una fibra profunda: habla de cómo la música puede sostener, animar y, de alguna manera, salvarnos por un instante. El tema fue un éxito rotundo, alcanzando las listas de diversos países y siendo reconocida por la crítica especializada como una de las 200 mejores canciones de la historia. Pero más allá de los rankings, su permanencia se debe a algo aún más simple y poderoso: muchas personas encontraron en ella un abrazo, una compañía, un recordatorio de que no estamos solas ni solos en los momentos difíciles. A continuación, escucharemos “Stop Crying Your Heart Out”. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy, como parte de nuestras efemérides musicales, recordamos que un 25 de noviembre de 1830 falleció el compositor y violinista francés Jacques Pierre Rode, uno de los intérpretes más influyentes de la escuela francesa de violín. Discípulo de Giovanni Battista Viotti —considerado el padre del violín moderno— Rode se formó en Burdeos y más tarde en París, donde comenzó a destacar interpretando un concierto de su maestro. Su carrera lo llevó a integrar la orquesta del Théâtre Feydeau y a recorrer Holanda, Alemania e Inglaterra, donde cosechó un éxito notable. A pesar de ser profesor del Conservatorio de París y miembro de la orquesta de la Ópera, nunca abandonó su espíritu viajero. Durante su estancia en España entabló relación con Luigi Boccherini, y en 1803 viajó a Rusia junto a François-Adrien Boieldieu. Allí permaneció cinco años como violinista solista al servicio del zar Alejandro I. Luego de nuevas giras por Europa Central, fijó su residencia en Berlín, donde finalmente se retiró de la vida concertística. Rode fue uno de los violinistas más admirados de su tiempo, y Beethoven le dedicó su Romanza en Fa mayor, op. 50. A lo largo de su vida compuso 13 conciertos, fantasías, dúos, cuartetos y un influyente método de violín. En este episodio escucharemos una Polonesa para flauta y guitarra, interpretada por Sabine Dreier en la flauta y Agustín Maruri en la guitarra, una pieza que refleja la elegancia y el virtuosismo característicos de su estilo. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy nos acercamos a una canción que ha viajado por décadas, generaciones y estéticas: “Qué será, será”, pero en una versión que la transforma profundamente: la reinterpretación de Pixies. La historia de esta canción comienza en 1956, compuesta por Jay Livingston y Ray Evans para la película The Man Who Knew Too Much, de Alfred Hitchcock. En la voz de Doris Day, “Que será, será” se convirtió en un éxito inmediato: un himno amable, luminoso, casi ingenuo, que ofrecía tranquilidad en un mundo marcado por la posguerra, la Guerra Fría y la necesidad de aferrarse a certezas simples. Pero cuando llegamos a finales de los años ochenta, el paisaje cultural era otro. La música alternativa comenzaba a sacudirse el mainstream desde sus bordes, y Pixies, con su sonido crudo y dinámicas extremas, emergía como una de las bandas estadounidenses más influyentes del periodo. Su reinterpretación de “Que será, será”, incluida en Death to the Pixies y difundida en varios de sus directos, tomo esa melodía histórica y la desplazo a un territorio completamente distinto: vibrante, oscuro, inquietante. En la versión de Pixies, la frase “whatever will be, will be” ya no suena como un consuelo. La guitarra distorsionada y la voz desgarrada de Black Francis cargan esas palabras con un nuevo peso emocional. No es la serenidad frente al destino, sino la constatación de un futuro incierto y desbordante, mirado desde la energía visceral que definió a la banda y marcó a toda una generación indie y alternativa. Lo que antes era un mantra dulce se vuelve una pregunta tensa. Un espejo distorsionado donde reconocemos la forma, pero sentimos una vibración distinta. Hoy, les invito a escuchar esta versión como un puente entre épocas: desde la dulzura de los años 50 hasta la crudeza alternativa de finales de los 80. Porque cada reinterpretación no solo revisita una canción, también revisita el lugar desde donde la escuchamos. ¿Qué será, será? Tal vez la pregunta sigue abierta, pero cada generación la canta con su propia voz. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy recordamos a Pietro Alessandro Guglielmi, compositor italiano fallecido un 19 de noviembre de 1804. Figura destacada de la ópera de fines del siglo XVIII, Guglielmi fue un creador prolífico que transitó entre la ópera seria y la ópera cómica. Formado en Nápoles, trabajó en teatros de Roma y de su ciudad natal, y se le ha comparado con maestros como Domenico Cimarosa y Giovanni Paisiello. Aunque la investigación actual sobre su obra es escasa, sus óperas cómicas tuvieron una circulación internacional notable, permaneciendo en repertorio durante décadas. Además, compuso música de cámara y obras sinfónicas que hoy nos permiten reencontrarnos con su lenguaje musical. A continuación, escucharemos el Allegro de su Sinfonía en Sol mayor, interpretado por la Orquesta de Cámara de Nápoles bajo la dirección de Enzo Amato. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.

Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. Cada episodio es una invitación a emprender un viaje sonoro por universos poco transitados: obras de compositoras y compositores que, aunque muchas veces desconocidas para el gran público, nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de sus músicas descubrimos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, formas de resistencia cultural y maneras únicas de habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 19 de noviembre de 1966, el single “You Keep Me Hangin’ On”, del grupo estadounidense The Supremes, alcanzaba el número 1 en Estados Unidos. Formado en 1959 bajo el nombre The Primettes, el grupo —integrado por Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard— se convirtió en uno de los más emblemáticos y exitosos de Motown Records, con una trayectoria que se extendió hasta 1977. “You Keep Me Hangin’ On”, reconocible por su distintivo riff de guitarra, marcó una etapa de evolución hacia un sonido más maduro dentro del grupo. La canción ha sido versionada en numerosas ocasiones, entre ellas la reinterpretación psicodélica de Vanilla Fudge en 1967 y la exitosa versión pop de Kim Wilde en 1986, que también llegó al número 1 del Billboard Hot 100 en 1987. A continuación, escucharemos “You Keep Me Hangin’ On”. Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.