La Buhardilla Del Bohemio

Hay conciertos que parecen capturar el espíritu de un artista en un momento muy concreto de su vida, y el Majikat Earth Tour de 1976 es uno de esos instantes esenciales en la trayectoria de Cat Stevens. Este directo, grabado en el William & Mary College, muestra a un músico en plena transición, con un repertorio que combina la introspección de sus primeros años con la madurez espiritual que empezaba a asomar en su obra. La calidez de su voz, siempre cercana y emotiva, se mezcla con arreglos que dan nueva vida a canciones que ya eran himnos para toda una generación. En este concierto, Stevens despliega su habilidad para convertir cada tema en un pequeño viaje personal. Las guitarras acústicas marcan el pulso, el piano aporta profundidad y la banda que lo acompaña crea un ambiente envolvente, casi mágico. Hay una energía especial en la interpretación, una mezcla de serenidad y fuerza que refleja el momento vital del artista, justo antes de emprender un camino más introspectivo que lo llevaría a replantearse su carrera. El público, atento y entregado, acompaña cada canción como si formara parte del mismo relato. Esa conexión íntima es uno de los elementos que hacen de este directo una pieza tan valiosa. En este programa, la Buhardilla del Bohemio se convierte en ese espacio cálido donde las canciones de Cat Stevens pueden escucharse con calma, dejando que cada palabra y cada acorde encuentren su lugar. Es una invitación a detenerse un momento y dejarse envolver por la sensibilidad de un artista único. La escucha de estos programas, va en formato ''Playlist'', sin comentarios y sin cortes, solo música para que podais disfrutar de una audición que os sumergirá en grandes momentos con canciones que seguramente marcaron vuestra vida. La relación de canciones, va detallada en la Descripción junto al programa en Ivoox. “Cat Stevens - Majikat Earth Tour 1976 (Live At William & Mary College, Williamsburg, Virgina – (22-02-1976)” 01 - Wild World 02 - The Wind 03 – Moonshadow 04 - Where Do The Children Play? 05 - Another Saturday Night 06 - Hard Headed Woman 07 - King Of Trees 08 - C79 09 - Lady D'Arbanville 10 - Banapple Gas 11 - Majik Of Majiks 12 - Tuesday's Dead 13 - Oh Very Young 14 - How Can I Tell You 15 - The Hurt 16 - Sad Lisa 17 - Two Fine People 18 - Fill My Eyes 19 - Father & Son 20 - Peace Train

Hay conciertos que no solo capturan una actuación, sino un momento irrepetible en la vida de un artista. El directo de Gordon Lightfoot en el Montreux Jazz Festival de 1976 es uno de esos instantes donde la música parece respirar con una naturalidad absoluta. Lightfoot llegó a Montreux en plena madurez creativa, con una colección de canciones que ya formaban parte del paisaje emocional de miles de oyentes. Su estilo, a medio camino entre el folk más íntimo y la narrativa pausada del cantautor clásico, encontró en aquel escenario europeo un espacio perfecto para desplegarse sin artificios. Lo que se escucha en este concierto es la esencia de Lightfoot: una voz cálida, ligeramente áspera, que cuenta historias con la serenidad de quien ha vivido lo suficiente para entender los matices. Las guitarras acústicas marcan el pulso, los arreglos son sobrios y cada canción fluye como un relato que se abre paso con calma. No hay prisas, no hay excesos, solo la honestidad de un músico que sabe que la fuerza está en la melodía y en la palabra. Montreux, con su tradición de acoger actuaciones únicas, añade un aura especial a este directo. El público escucha con respeto, casi en silencio, permitiendo que cada acorde se expanda. Este programa invita a entrar en esa atmósfera: un espacio íntimo, casi bohemio, donde la música se convierte en compañía y las canciones de Lightfoot nos recuerdan que la sencillez puede ser profundamente emocionante. La escucha de estos programas, va en formato ''Playlist'', sin comentarios y sin cortes, solo música para que podais disfrutar de una audición que os sumergirá en grandes momentos con canciones que seguramente marcaron vuestra vida. La relación de canciones, va detallada en la Descripción junto al programa en Ivoox. 01 - Gordon Lightfoot - Race Among The Ruins 02 - Gordon Lightfoot - The Wreck Of The Edmund Fitzgerald 03 - Gordon Lightfoot - Summertime Dream 04 - Gordon Lightfoot - I'd Do It Again 05 - Gordon Lightfoot - Never Too Close 06 - Gordon Lightfoot - Last Time I Saw Her 07 - Gordon Lightfoot - If You Could Read My Mind 08 - Gordon Lightfoot - Don Quixote 09 - Gordon Lightfoot - High And Dry 10 - Gordon Lightfoot – Sundown 11 - Gordon Lightfoot - The Auctioneer 12 - Gordon Lightfoot - All The Lovely Ladies 13 - Gordon Lightfoot - Christian Island 14 - Gordon Lightfoot - Old Dan's Records 15 - Gordon Lightfoot - I'm Not Supposed To Care 16 - Gordon Lightfoot - Canadian Railroad Trilogy 17 - Gordon Lightfoot – Beautiful 18 - Gordon Lightfoot - Early Morning Rain 19 - Gordon Lightfoot - Spanish Moss

En esta nueva edición de Historias del Rock En Vivo empren-demos un recorrido amplio y diverso por distintas formas de entender la música sobre un escenario. Comenzamos con Guns N' Roses, una banda que convirtió la energía del rock en un espectáculo arrollador, capaz de transformar cada concierto en una descarga de intensidad y actitud. Continuamos con Jethro Tull, cuyo inconfundible estilo mezcla folk, rock y tea-tralidad, creando actuaciones llenas de matices y personali-dad. El viaje sigue con Asia, supergrupo que llevó el rock melódico a un terreno épico y sofisticado, y con Arthur Lee, figura esencial del rock psicodélico cuya sensibilidad única si-gue brillando en cada interpretación. Después llega el incon-fundible sonido de The Doobie Brothers, maestros en combinar armonías, ritmo y un espíritu festivo que en directo se multiplica. La complicidad musical toma protagonismo con Dave Matthews y Tim Reynolds, un dúo que convierte cada actuación en un diálogo íntimo entre guitarras y emociones. Avanzamos hacia la solidez narrativa de Tom Petty & The Heartbreakers, artesanos del rock americano más auténtico. Y cerramos con la elegancia y profundidad de Marvin Gaye, cu-ya voz en vivo es sinónimo de alma y verdad. Ocho artistas, ocho universos, un mismo latido: la música que cobra vida frente al público. Os animo a compartir este viaje sonoro emo-cionante, donde disfrutaremos y recordaremos esta maravillo-sa música. 01 - Guns N' Roses - Sweet Child O Mine - Live At The Ritz, NY 1988 publicado en 1988 02 - Jethro Tull - Locomotive Breath - Bursting Out publicado en 1978 03 - Asia – Starless - Live In Moscow publicado en 1990 04 - Arthur Lee - Alone Again Or - Forever Changes - The Concert publicado en 2007 05 - The Doobie Brothers - Long Train Runnin' - Live At The Greek Theatre 1982 publicado en 1982 06 - Dave Matthews & Tim Reynolds – Crush - Live At Radio City Music Hall, NY 22-04-2007 publicado en 2007 07 - Tom Petty & The Heartbreakers - It's Good To Be King - Live At The Fillmore, 1997 publicado en 2022 08 - Marvin Gaye - Let's Get It On - Marvin Gaye Live In Miami - publicado en 2015

En 1976, The Alan Parsons Project debutaba con un álbum que cambiaría para siempre la forma de entender el rock conceptual. “Tales of Mystery and Imagination Edgar Allan Poe”, publicado el 1 de mayo de 1976 y recién cumplido su 50 aniversario, es una obra que une música, literatura y atmósfera con una precisión casi cinematográfica. Alan Parsons, ingeniero de sonido con una trayectoria impresionante, y Eric Woolfson, compositor y arquitecto creativo del proyecto, decidieron rendir homenaje a los relatos de Edgar Allan Poe transformándolos en paisajes sonoros llenos de misterio, dramatismo y elegancia. El resultado es un disco que respira oscuridad, emoción y belleza, donde cada pieza interpreta un cuento o poema desde una perspectiva musical distinta. Voces invitadas, arreglos orquestales, guitarras envolventes y una producción minuciosa construyen un universo propio, inquietante y fascinante. Es un viaje por la obsesión, el miedo, la locura y lo sobrenatural, pero también por la sensibilidad y la imaginación desbordante del escritor estadounidense. En este programa vamos a recorrer cada una de sus composiciones, incluyendo el monumental bloque de The Fall of the House of Usher, que abordaremos como una sola unidad para darle la profundidad y el peso que merece dentro de esta obra maestra. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subid el volumen y prepararos para un espectáculo de Rock Progresivo en estado puro! con “The Alan Parsons Project - Tales Of Mystery And Imagination Edgar Alan Poe”. 01 - A Dream Within A Dream 02 - The Raven 03 - The Tell-Tale Heart 04 - The Cask Of Amontillado 05 - (The System Of) Doctor Tarr And Professor Fether 06 - The Fall Of The House Of Usher – Prelude / Arrival / Intermezzo / Pavane / Fall. 07 - To One In Paradise 08 - The Raven (Live)

En esta nueva edición de Historias del Rock En Vivo empren-demos un viaje que atraviesa distintas sensibilidades del rock, desde la elegancia melódica hasta la experimentación más au-daz. Abrimos con Peter Frampton, un músico que convirtió el directo en su territorio natural, capaz de transformar cada es-cenario en un espacio de cercanía y virtuosismo. Continuamos con la unión de Paul Rodgers y Jeff Beck, dos figuras esencia-les del rock británico que, cuando comparten escenario, elevan cada nota a un diálogo entre fuerza vocal y guitarra magistral. El recorrido nos lleva después a David Bromberg y su emotiva interpretación de Mr. Bojangles, una pieza que en vivo ad-quiere un carácter íntimo y profundamente humano. Desde ahí damos un giro inesperado hacia Vainica Doble, un dúo único dentro de la música española, cuya sensibilidad poética y espíritu libre encuentran en el directo un espacio de autenti-cidad absoluta. La intensidad sube con King Crimson, maes-tros de la experimentación y del riesgo, capaces de convertir cada concierto en una experiencia irrepetible. Sumamos la energía psicodélica de Quicksilver Messenger Service y ce-rramos con la suavidad inconfundible de J.J. Cale, un artista que hizo del minimalismo un estilo propio. Siete artistas, siete miradas, un mismo latido: el rock vivido en primera persona. Os animo a compartir este viaje sonoro emocionante, donde disfrutaremos y recordaremos esta maravillosa música. Co-menzamos: 01 - Peter Frampton - Jumpin' Jack Flash (FCA! 35 Tour - An Evening With Peter Frampton) 02 - Paul Rodgers & Jeff Beck - I Just Want To Make Love To You (Muddy Water Blues - A Tribute To Muddy Waters) 03 - David Bromberg - Mr. Bojangles (The Player: A Retros-pective) 04 - Vainica Doble - Habanera Del Primer Amor (Vainica Do-ble 1970) 05 - King Crimson - I Talk To The Wind (In The Court Of The Crimson King) 06 - Quicksilver Messenger Service - Who Do You Love? (Live At The Summer Of Love) 07 - J.J. Cale – Cocaine (Movin' On)

Duane Allman fue uno de esos músicos irrepetibles cuya luz brilló con una intensidad tan grande como breve. En apenas veinticuatro años dejó una huella que muchos artistas no alcanzan en toda una vida. Fundador y alma sonora de The Allman Brothers Band, Duane redefinió el lenguaje de la guitarra eléctrica, convirtiéndose en un referente absoluto del Southern Rock y en uno de los mejores guitarristas de la historia. Su dominio de la slide guitar fue revolucionario: un sonido líquido, expresivo, casi vocal, capaz de transmitir emoción pura en cada nota. Además de su trabajo con la banda, Duane fue un solicitado músico de sesión, dejando su sello en grabaciones de Aretha Franklin, Wilson Pickett, Boz Scaggs o Eric Clapton, con quien firmó momentos inmortales como su diálogo guitarrístico en “Layla”. Su carrera quedó truncada por un trágico accidente en 1971, pero su legado continúa creciendo, inspirando a generaciones de guitarristas y amantes del rock. Hoy, en este programa, recorreremos una pequeña parte de esa obra inmensa, celebrando la magia, la sensibilidad y la fuerza de un artista que transformó para siempre la música americana. 01 - The Allman Brothers Band - Statesboro Blues (The 1971 Fillmore East Recordings CD 01: March 12, 1971-First Show (Previously Unreleased) 02 - The Allman Brothers Band - Done Somebody Wrong (The 1971 Fillmore East Recordings CD 01: March 12, 1971-First Show (Previously Unreleased) 03 - The Allman Brothers Band - Trouble No More (The 1971 Fillmore East Recordings CD 02: March 12, 1971-Second Show) 04 - The Allman Brothers Band - One Way Out (The 1971 Fillmore East Recordings CD 06: June 27, 1971-Fillmore East Closing Show) 05 - The Allman Brothers Band - Stand Back (Eat A Peach) 06 - The Allman Brothers Band - Little Martha (Eat A Peach) 07 - Wilson Pickett & Duane Allman - Hey Jude (Skydog: The Duane Allman Retrospective CD 02) 08 - King Curtis & Duane Allman - The Weight (Skydog: The Duane Allman Retrospective CD 02) 09 - The Allman Brothers Band – Dreams (Skydog: The Duane Allman Retrospective CD 04) 10 - Cowboy & Duane Allman - Please Be With Me (Skydog: The Duane Allman Retrospective CD 07) 11 - The Allman Brothers Band - Blue Sky (Live) (Skydog: The Duane Allman Retrospective CD 07)

En 1970, cuando el pop español parecía avanzar por caminos previsibles, Los Brincos sorprendieron al país con un giro inesperado. “Mundo, Demonio y Carne” no fue simplemente un nuevo álbum: fue una ruptura, un salto al vacío creativo, una obra que desafiaba todo lo que se esperaba de ellos. Atrás quedaban los éxitos luminosos y las melodías fáciles. En su lugar apareció un disco oscuro, simbólico, cargado de psicodelia, folk, rock progresivo incipiente y una narrativa casi teatral que exploraba la condición humana desde sus luces y sus sombras. Este trabajo marcó la madurez definitiva del grupo, pero con una visión artística más ambiciosa que nunca. “Mundo, Demonio y Carne” es un viaje interior, una reflexión sobre el hombre, sus tentaciones, sus miedos y sus deseos. Un disco que en su momento desconcertó, pero que con el tiempo ha sido reconocido como una de las obras más valientes y profundas de la música española. Hoy vamos a recorrerlo canción por canción, descubriendo su simbolismo, su sonido y su espíritu. Un álbum que no envejece, porque habla de lo que nunca cambia: el ser humano. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subid el volumen y prepararos para un espectáculo de Rock Progresivo y Sinfónico en estado puro! Con: “Los Brincos, Mundo, Demonio Y Carne”. Comenzamos: 01 - Mundo, Demonio y Carne 02 - Vive la Realidad 03 - Hermano Ismael 04 - Esa Mujer 05 - Jenny, la Genio 06 - Emancipación 07 - Carmen 08 - Butterfly 09 - Kama-Sutra 10 - Misery & Pain 11 - To Cheap, Cheap 12 - I Don't Know What To Do

En esta nueva entrega de Historias del Rock En Vivo nos adentramos en un recorrido que atraviesa distintas épocas, es-tilos y sensibilidades, siempre con el directo como territorio común. Abrimos con Traffic y su pieza Glad, un ejemplo per-fecto de cómo el rock progresivo británico supo fusionar im-provisación, jazz y energía juvenil. Desde ahí saltamos a Bad Company, una de las grandes formaciones del hard rock de los setenta, capaces de convertir cada escenario en un despliegue de fuerza y elegancia. Continuamos con America, maestros de la armonía vocal y del folk rock más luminoso, que en directo siempre han sabido mantener intacta su calidez. El viaje nos lleva después a Coldplay, representantes de una generación más reciente que ha hecho del directo un espectáculo emocio-nal y expansivo, donde cada canción se convierte en un himno compartido. La intensidad sube con Led Zeppelin y su monu-mental No Quarter, una pieza que en vivo alcanzaba dimen-siones casi rituales. Sumamos la voz eterna de Bob Dylan, cuya presencia transforma cualquier escenario en un espacio de re-flexión y cambio. Después llega la unión de Eric Clapton y Steve Winwood, dos leyendas que juntos recuperan la magia de sus primeras etapas. Cerramos con Quicksilver Messenger Service, pioneros de la psicodelia de la Costa Oeste. Ocho ar-tistas, ocho miradas, un mismo latido: el rock en su forma más viva. 01 - Traffic – Glad. Versión incluida en el álbum (The Last Great Traffic Jam) 02 - Bad Company - Bad Company. Versión incluida en el álbum (Live At Wembley Arena, London, England 11-04-2010) 03 - America - You Can Do Magic. Versión incluida en el álbum (Greatest Hits - In Concert) 04 - Coldplay – Yellow. Versión incluida en el álbum (Live In Sydney) 05 - Led Zeppelin - No Quarter. Versión incluida en el álbum (Celebration Day - Live O2 Arena, London - 10-12-2007) 06 - Bob Dylan - The Times They Are A-Changin’. Versión in-cluida en el álbum (MTV Unplugged, 17 y 18-11-1994) 07 - Eric Clapton & Steve Winwood - No Face, No Name, No Number. Versión incluida en el álbum (Live From Madison Square Garden 26-02-2008) 08 - Quicksilver Messenger Service - Mona. Versión incluida en el álbum (Happy Trails).

Genesis vivía en 1976 uno de los momentos más decisivos de su historia. La salida de Peter Gabriel había dejado al grupo en una encrucijada que muchos creyeron definitiva. Sin embargo, lejos de desmoronarse, la banda encontró en ese desafío una oportunidad para reinventarse. “A Trick of the Tail”, publicado el 13 de febrero de 1976 y recién cumplidos sus cincuenta años, es la prueba de que Genesis no solo sobrevivió al cambio, sino que abrió una nueva etapa creativa marcada por la elegancia, la imaginación y una madurez musical sorprendente. Con Phil Collins asumiendo por primera vez el papel de vocalista principal, el grupo logró un equilibrio perfecto entre la sofisticación progresiva y un enfoque más melódico que ampliaría su público sin perder identidad. Este álbum es un viaje por mundos fantásticos, personajes misteriosos y atmósferas que combinan delicadeza y fuerza, todo envuelto en arreglos precisos y una interpretación impecable. Su sonido, tan cuidado como emocional, demuestra que Genesis estaba preparado para evolucionar sin renunciar a su esencia. En este programa vamos a recorrer cada una de sus canciones, descubriendo cómo la banda convirtió una crisis en un renacimiento artístico que marcaría su futuro durante décadas. 01 - Dance On A Volcano 02 - Entangled 03 - Squonk 04 - Mad Man Moon 05 - Robbery, Assault & Battery 06 - Ripples 07 - A Trick Of The Tail 08 - Los Endos

En esta nueva edición de Historias del Rock En Vivo empren-demos un recorrido que atraviesa distintas raíces musicales, desde la poesía eléctrica del folk hasta el blues más crudo, el rock más visceral y las nuevas formas de entender el directo. Abrimos con Bob Dylan, figura esencial que transformó la música popular y que en cada concierto ha demostrado una capacidad única para reinventarse, incluso cuando el público esperaba algo distinto. Su presencia marca el tono de un viaje lleno de matices y contrastes. Continuamos con Canned Heat, maestros del boogie y del blues californiano, una banda que convirtió el escenario en su territorio natural. Desde ahí da-mos un salto hacia la energía sorprendente de One Rusty Band, un dúo que mezcla blues, rock y un componente visual casi acrobático, demostrando que la intensidad no depende del número de músicos, sino de la entrega. El camino sigue con Steve Winwood, una de las voces más reconocibles del rock británico, capaz de moverse entre el soul, el rock progresivo y el pop sin perder identidad. Sumamos la profundidad sureña de Tony Joe White, creador del swamp rock, y cerramos con Willie Crowder, una voz menos conocida pero cargada de au-tenticidad, espíritu callejero y emoción directa. Seis artistas, seis miradas, un mismo latido: la música que cobra sentido pleno cuando se vive en directo. 01 - Bob Dylan - All Along The Watchtower 02 - Canned Heat - On the Road Again (Extended Version) 03 - One Rusty Band - Boogie Woogie 04 - Steve Winwood - Them Changes 05 – Tony Joe White - Polk Salad Annie 06 - Willie Crowder - Ain’t No Mercy In A Woman’s Eyes

Peter Frampton vivió en los años setenta un momento que muy pocos artistas han logrado alcanzar: convertir una serie de conciertos en algo más que música, transformarlo en un acontecimiento cultural. Tras el éxito arrollador de sus actuaciones anteriores, este segundo tramo del recorrido por “Frampton Comes Alive” nos invita a sumergirnos en la otra mitad de un álbum que marcó a toda una generación. Aquí encontramos a un músico en plena efervescencia creativa, dueño absoluto del escenario y con una conexión casi eléctrica con el público. Cada interpretación respira espontaneidad, riesgo y una energía que solo puede nacer frente a miles de personas entregadas. Frampton no solo toca la guitarra: conversa con ella, la hace cantar, la convierte en un puente directo hacia la emoción. En estas grabaciones se aprecia la madurez de un artista que sabe cuándo desatar la potencia y cuándo detenerse para dejar que una melodía hable por sí sola. Este segundo programa nos permitirá revivir esa magia, canción a canción, descubriendo matices, momentos inesperados y la esencia de un directo que sigue siendo referencia cincuenta años después. Prepárate para volver a sentir la chispa de un músico irrepetible. 01 - Nowhere's Too Far For My Baby 02 - (I'll Give You) Money 03 - Do You Feel Like We Do 04 - Shine On 05 - White Sugar 06 - Jumping Jack Flash 07 - Days Dawning 08 - Warren Haynes - Do You Feel Like We Do

Peter Frampton es uno de esos músicos que lograron capturar un momento irrepetible en la historia del rock. A mediados de los años setenta, cuando la música en vivo estaba alcanzando una dimensión casi mística, Frampton se subió a los escenarios con una energía desbordante, una técnica impecable y un carisma que conectaba de inmediato con el público. Lo que ocurrió en aquellas noches quedó grabado para siempre en un doble álbum que no solo definió su carrera, sino que se convirtió en un fenómeno cultural. “Frampton Comes Alive” publicados el 06-01-1976 en EE.UU. y el 13-02-1976 en R.U. y grabados de una selección de interpretaciones realizadas en cuatro diferentes escenarios de Estados Unidos. Estas actuaciones en vivo mostraron a un artista en plena madurez creativa, capaz de transformar cada canción en una experiencia emocional y eléctrica. Su dominio de la guitarra, su voz cálida y su cercanía con la audiencia hicieron que miles de personas sintieran que estaban viviendo algo único. Hoy, en este primer programa, vamos a recorrer la primera parte de ese viaje sonoro, reviviendo la magia de un músico que supo convertir el escenario en su hogar natural y que dejó una huella imborrable en la historia del rock. 01 - Introduction _ Somethin's Happening 02 - Doobie Wah 03 - Lines On My Face 04 - Show Me The Way 05 - It's A Plain Shame 06 - Wind Of Change 07 - Just The Time Of Year 08 - Penny For Your Thoughts 09 - All I Want To Be (Is By Your Side) 10 - Baby, I Love Your Way 11 - I Wanna Go To The Sun

En esta nueva entrega de Historias del Rock En Vivo empren-demos un recorrido por distintas formas de entender el esce-nario, desde la espiritualidad del soul hasta la electricidad del rock más crudo. Ocho artistas, ocho miradas, un mismo im-pulso: la música que cobra vida frente al público. Abrimos con la grandeza vocal de Aretha Franklin, capaz de transformar cualquier auditorio en un lugar sagrado, y seguimos con la sensibilidad elegante de Carly Simon, siempre íntima y ca-rismática. El viaje continúa con la potencia incendiaria de Humble Pie, una banda que convirtió el directo en su territo-rio natural, y con la precisión sonora de Alan Parsons, arqui-tecto de atmósferas que en vivo adquieren una dimensión casi cinematográfica. No podía faltar la energía inagotable de The Rolling Stones, eternos dueños del escenario, ni la intensidad melódica de Bryan Adams, directo y emocional en cada inter-pretación. Completan el mapa la alianza mágica de Jon An-derson y Rick Wakeman, dos figuras esenciales del rock pro-gresivo, y el blues libre y pantanoso de Canned Heat, guardia-nes del boogie más auténtico. Ocho nombres que nos recuer-dan que el rock, en su forma más pura, se escribe sobre un es-cenario. 01 - Aretha Franklin - Make It With You 02 - Carly Simon - You're So Vain (Demo) 03 - Humble Pie - 30 Days In The Hole 04 - Alan Parsons - The Raven 05 - The Rolling Stones - (I Can't Get No) Satisfaction 06 - Bryan Adams - (Everything I Do) I Do It For You 07 - Jon Anderson & Rick Wakeman - 23-24-11 08 - Canned Heat - Euro Boogie

Hablar de Joan Báez es hablar de una de las voces más influyentes y comprometidas de la música popular del siglo XX. Cantante, activista y figura esencial del movimiento folk, Báez convirtió el escenario en un espacio de conciencia, belleza y resistencia. En 1976 publicó “From Every Stage”, una selección de interpretaciones realizadas en seis diferentes escenarios de Estados Unidos. Un álbum en directo que resume como pocos la esencia de su arte: la pureza de su voz, la fuerza de su mensaje y la capacidad de transformar cada canción en un acto de verdad. Grabado durante su gira de 1975, el disco muestra a una Joan Báez madura, segura, capaz de alternar himnos de protesta, baladas tradicionales y composiciones contemporáneas sin perder coherencia ni intensidad. En este programa recorreremos doce canciones que representan lo mejor de aquel doble álbum. Temas que hablan de justicia, de amor, de dignidad y de esperanza; canciones que han acompañado a generaciones enteras y que siguen resonando con la misma vigencia. “From Every Stage” no es solo un concierto: es un testimonio vivo de una artista que entendió la música como un puente entre las personas y como una herramienta para cambiar el mundo. Hoy, volvemos a ese escenario para escucharla de nuevo, con la emoción intacta. 01 - Suzanne 02 - I Shall Be Released 03 - Blowin' In The Wind 04 - Joe Hill 05 - Love Is Just A Four-Letter Word 06 - Forever Young 07 - Diamonds And Rust 08 - Swing Low, Sweet Chariot 09 - Oh, Happy Day 10 - Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts 11 - The Night They Drove Old Dixie Down 12 - Amazing Grace

Bienvenid@s a una nueva entrega de Historias del Rock en Vi-vo, un viaje sonoro donde los escenarios se iluminan, los am-plificadores rugen y la música cobra vida en su forma más pu-ra: el directo. Hoy nos adentramos en un recorrido que atra-viesa décadas, estilos y geografías, pero que comparte un mis-mo pulso: la energía irrepetible del rock sobre un escenario. Abriremos con la virtuosidad desbordante de Focus, maestros del rock progresivo europeo, capaces de convertir cada actua-ción en una experiencia casi hipnótica. Continuaremos con Kingfish, una de esas bandas nacidas del corazón del rock americano, donde la improvisación y la carretera se funden en un mismo lenguaje. El viaje nos llevará también al ingenio melódico de 10cc, arquitectos de un pop-rock sofisticado que en directo revela matices sorprendentes. Y por supuesto, no puede faltar Sting, un artista que ha sabido transformar cada concierto en una mezcla de elegancia, compromiso y experi-mentación. Seguiremos con la unión magistral entre PFM y Ian Anderson, un encuentro entre el progresivo italiano y la magia del líder de Jethro Tull. Después, encenderemos los mo-tores sinfónicos de la Electric Light Orchestra, donde el rock se mezcla con cuerdas y luces para crear un espectáculo único. La ruta continúa con la intensidad sureña de The Allman Brothers Band, pioneros del jam rock y dueños de actuaciones legendarias. Y cerraremos con Dead & Company, herederos del espíritu de los Grateful Dead, donde cada concierto es un universo propio, irrepetible y profundamente vivo. Prepara-ros, porque hoy el rock no solo se escucha… se siente. 01 - 1972 - Focus - Sylvia_Hocus Pocus Reprise 02 - 1976 - Kingfish - Mystery Train_Mule Skinner Blues 03 - 1977 - 10cc - I'm Not In Love 04 - 2004 - Sting - Message In A Bottle 05 - 2012 - PFM & Ian Anderson - Impressioni Di Settembre 06 - 2013 - Electric Light Orchestra - Livin' Thing 07 - 2012 - The Allman Brothers Band - You Don't Love Me 08 - 2018 - Dead & Company - Peggy O

Hablar de Poco es hablar de una de las bandas más influyentes y, al mismo tiempo, más injustamente subestimadas del country rock . Surgidos a finales de los sesenta como una especie de puente entre la tradición acústica y la energía del rock californiano, Poco desarrolló un sonido propio: luminoso, melódico, lleno de armonías vocales y con una instrumentación que combinaba la delicadeza del pedal steel con la fuerza eléctrica de una banda en plena forma. Entre 1971 y 1976 vivieron una etapa especialmente inspirada, marcada por cambios internos, nuevas direcciones musicales y una creatividad que parecía inagotable. En este programa vamos a recorrer algunas de las canciones más vibrantes y representativas de ese periodo. Temas que muestran la esencia del grupo: su capacidad para emocionar sin caer en lo obvio, su habilidad para mezclar géneros con naturalidad y su talento para construir melodías que se quedan grabadas desde la primera escucha. Poco fue, y sigue siendo, una banda que supo capturar el espíritu de una época sin perder su identidad, dejando un legado que influiría en generaciones posteriores. Poco se movió siempre en un territorio único, a medio camino entre el country rock de sus raíces y un soft rock luminoso y melódico, creando un sonido propio que ningún otro grupo logró reproducir. 01 - 1971 - Bad Weather 02 - 1972 - A Good Feelin' To Know 03 - 1973 - Magnolia 04 - 1973 - Crazy Eyes 05 - 1974 - Faith In The Families 06 - 1974 - Another Time Around 07 - 1975 - Keep On Tryin' 08 - 1976 - Rose Of Cimarron 09 - 1976 - Too Many Nights Too Long

El cuarto y último programa de American Roots Southern Rock nos lleva por un recorrido que une a figuras legendarias con proyectos que ampliaron los límites del sonido sureño. Abrimos con Bob Dylan, un artista que, sin pertenecer direc-tamente al southern rock, influyó decisivamente en su espíritu narrativo. Su forma de contar historias, su crudeza lírica y su conexión con la música tradicional americana marcaron a ge-neraciones enteras de músicos del sur. Gov't Mule representa la vertiente más poderosa y expansiva del género. Nacidos co-mo un proyecto paralelo dentro del universo Allman, se con-virtieron en una banda esencial gracias a su mezcla de rock sureño, blues pesado y largas improvisaciones que beben del espíritu jam band. La Nitty Gritty Dirt Band aporta la co-nexión con el country rock más clásico, con un sonido cálido y acústico que ayudó a tender puentes entre la tradición rural y el rock contemporáneo. Su influencia en la música americana es profunda y duradera. Old & In The Way nos lleva al terre-no del bluegrass, demostrando cómo las raíces del sur también se expresan en la velocidad, la técnica y la alegría de la música tradicional. Y cerramos con The Allman Brothers Band, pie-dra angular del southern rock. Su combinación de guitarras en armonía, improvisación y emoción pura sigue siendo la re-ferencia absoluta del género. 01 - Bob Dylan - It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) 02 - Bob Dylan - My Back Pages 03 - Gov't Mule - Railroad Boy 04 - Gov't Mule - Dreams & Songs 05 - Nitty Gritty Dirt Band - Girl From The North Country 06 - Nitty Gritty Dirt Band - Will The Circle Be Unbroken 07 - Old & In The Way - Wild Horses 08 - Old & In The Way - Midnight Moonlight 09 - The Allman Brothers Band - Southbound

El tercer programa de American Roots Southern Rock reúne a cuatro nombres esenciales que muestran cómo el género ha evolucionado desde los años sesenta hasta la actualidad. ZZ Top aporta la vertiente más cruda y eléctrica del sur, con su mezcla inconfundible de blues texano, boogie y rock de carre-tera. Su sonido, marcado por riffs densos y un groove inagota-ble, se convirtió en una de las señas de identidad del rock su-reño más popular. Creedence Clearwater Revival, aunque ori-ginarios de California, capturaron como pocos el espíritu del sur profundo: historias de pantanos, carreteras polvorientas y personajes marcados por la vida rural. Su swamp rock influyó decisivamente en generaciones posteriores y abrió el camino para que el sonido sureño se expandiera más allá de sus fron-teras geográficas. Outlaws representan la cara más melódica y guitarrera del southern rock de los setenta, con armonías do-bles, largos desarrollos instrumentales y un estilo que combi-naba country rock y energía eléctrica a partes iguales. Cerra-mos con Tedeschi Trucks Band, una de las formaciones más respetadas del southern rock contemporáneo, nacida de la unión de las bandas de Susan Tedeschi y Derek Trucks. Su mezcla de blues, soul, rock y jam band demuestra que el géne-ro sigue vivo y en constante evolución. Comenzamos: ‘Ameri-can Roots Southern Rock’ Tercera Parte 01 - ZZ Top - La Grange (Live from Dallas) 02 - ZZ Top - Tush (Live from Chicago) 03 - Creedence Clearwater Revival - Proud Mary 04 - Creedence Clearwater Revival - Keep On Chooglin' 05 - Outlaws - There Goes Another Love Song 06 - Outlaws - Ghost Riders In The Sky 07 - Tedeschi Trucks Band - Idle Wind 08 - Tedeschi Trucks Band & TA - Keep On Growing

El segundo programa de “American Roots Southern Rock” reúne a cinco artistas esenciales para entender la amplitud y diversidad del sonido sureño. Tony Joe White aporta la raíz más profunda del swamp rock, un estilo pantanoso y crudo nacido en Luisiana que mezcla blues, country y rock con un carácter inconfundible. Su música, marcada por historias del sur rural, influyó en generaciones posteriores y conectó direc-tamente con la esencia más terrenal del género. The Charlie Daniels Band representa la vertiente más festiva y virtuosa del southern rock, combinando violín, guitarras y un espíritu de improvisación que marcó época en los años setenta. Su energía en directo y su mezcla de country rock y boogie se convirtieron en sello propio. The Marshall Tucker Band añadió un enfoque más melódico y expansivo, integrando flauta, country y largas improvisaciones, mientras que Molly Hatchet llevó el género hacia un sonido más duro y cercano al hard rock, consolidán-dose como una de las bandas más potentes de finales de los se-tenta. Lynyrd Skynyrd, figura imprescindible del género, y Wet Willie, con su mezcla de soul sureño y rock, completan un programa que celebra la riqueza y variedad del sur musical estadounidense. Os invito a prepararos para un viaje sonoro emocionante, donde disfrutaremos y recordaremos esta maravillosa música. Comenzamos: ‘American Roots Southern Rock’ Segunda Parte 01 - Tony Joe White - A Night In The Life Of A Swamp Fox 02 - Tony Joe White - Baby, Please Don't Go 03 - The Charlie Daniels Band - Simple Man 04 - The Charlie Daniels Band - The Devil Went Down To Ge-orgia 05 - The Marshall Tucker Band - Can't You See 06 - The Marshall Tucker Band - Take The Highway 07 - Lynyrd Skynyrd & Molly Hatchet - Gator Country 08 - Lynyrd Skynyrd & Molly Hatchet - Whiskey Man 09 - Wet Willie - One Track Mind 10 - Wet Willie - Street Corner Serenade

“American Roots Southern Rock” arranca su primer viaje ce-lebrando un sonido nacido de la mezcla más pura de raíces es-tadounidenses. El Southern Rock surgió en los años setenta como un cruce natural entre blues, country, rock y espíritu rebelde. No fue solo un estilo musical, sino una forma de en-tender la carretera, la vida en comunidad y la tradición sure-ña. En este programa reunimos a cinco pilares que ayudaron a definir y expandir ese legado: Blackfoot, Canned Heat, Dickey Betts & Great Southern, Lynyrd Skynyrd y The Allman Brot-hers Band. Cada uno aportó una identidad propia. Blackfoot llevó el género hacia un sonido más duro y eléctrico. Canned Heat, aunque asociados al blues californiano, compartieron escenario y espíritu con los grandes del sur, dejando actuacio-nes memorables en festivales históricos. Dickey Betts, uno de los fundadores de The Allman Brothers Band, consolidó con Great Southern su estilo melódico y virtuoso. Lynyrd Skynyrd se convirtió en la voz más reconocible del género, combinando crudeza, armonías de guitarra y letras directas. Y The Allman Brothers Band, pioneros absolutos, elevaron el rock sureño con improvisaciones extensas y una técnica instrumental sin precedentes. Este primer programa es un homenaje a la energ-ía del directo, donde el Southern Rock muestra su verdadera esencia. '‘American Roots Southern Rock’' Primera Parte 01 - Blackfoot - On The Run 02 - Blackfoot - Train, Train 03 - Canned Heat - On The Road Again 04 - Canned Heat - Let's Work Together 05 - Dickey Betts & Great Southern - Run Gypsy Run 06 - Dickey Betts & Great Southern - No One To Run With 07 - Lynyrd Skynyrd - Call Me The Breeze 08 - Lynyrd Skynyrd - Sweet Home Alabama 09 - The Allman Brothers Band - Midnight Rider 10 - The Allman Brothers Band - Ramblin' Man

Si en la primera parte de este especial viajamos al corazón del Pavillon de Paris para revivir la energía, la elegancia y la emoción de Supertramp en su momento más brillante, esta segunda entrega nos lleva aún más lejos. Porque lo que ocurre a partir de aquí no es solo la continuación de un concierto histórico: es el tramo más intenso, más profundo y más revelador de la banda en directo. Tras un primer bloque lleno de himnos, sensibilidad y precisión instrumental, Supertramp regresa al escenario con una seguridad absoluta, dispuestos a mostrar su cara más teatral, más introspectiva y más ambiciosa. La segunda parte del concierto es un viaje emocional que combina dramatismo, virtuosismo y una conexión total con el público parisino. Aquí encontramos piezas que crecen como pequeñas obras de arte, momentos íntimos que se vuelven inmensos y explosiones musicales que muestran a la banda en un estado de inspiración difícil de repetir. Desde la intensidad de Asylum hasta la épica final de Crime of the Century, este tramo del directo captura a Supertramp en su máxima expresión: una mezcla perfecta de emoción, técnica y una sensibilidad única. “Supertramp Live At Pavillon Paris, Tour Breakfast In America (29-11 A 02-12-1979)” Segunda Parte. 01 - Asylum 02 - Downstream 03 - Give A Little Bit 04 - Bloody Well Right 05 - Dreamer 06 - Rudy 07 - Take The Long Way Home 08 - Another Man's Woman 09 - Fool's Overture 10 - Two Of Us 11 - Crime Of The Century

Supertramp llegó a París en noviembre de 1979 convertidos en una banda de primera línea mundial, impulsados por el éxito arrollador de “Breakfast in America”, un álbum que redefinió su sonido y los situó en la cima del rock internacional. La gira los llevó al Pavillon de Paris, un recinto con un pasado insólito, antiguo matadero transformado en sala de conciertos, donde se vivieron algunas de las noches más intensas del rock europeo. Allí ofrecieron cuatro actuaciones consecutivas entre el 29 de noviembre y el 2 de diciembre, de las cuales se seleccionaron las mejores tomas para construir el álbum en directo. Paris se publicó en 1980, alcanzó el número 8 en la lista Billboard 200 y obtuvo Disco de Oro, convirtiéndose en un documento esencial para comprender la madurez del grupo en escena. El repertorio reunía éxitos recientes y piezas profundas de “Crime of the Century”, “Crisis? What Crisis?” e “Even in the Quietest Moments”, mostrando todas las facetas del universo Supertramp. Lo que ocurrió en París fue más que un concierto: fue una celebración colectiva, una conexión eléctrica entre músicos y público. Escuchar Paris hoy es regresar a una época en la que Supertramp sonaba a futuro, a ambición y a una elegancia que pocos han logrado igualar. 01 - School 02 - Ain't Nobody But Me 03 - The Logical Song 04 - Oh Darling 05 - Breakfast In America 06 - You Started Laughing (When I Held You In My Arms) 07 - Goodbye Stranger 08 - Supertramp - Hide In Your Shell 09 - From Now On 10 - Child Of Vision 11 - Even In The Quietest Moments 12 - A Soapbox Opera

El 25 de marzo de 2007, Elton John celebró su 60º cumpleaños con un concierto histórico en el Madison Square Garden de Nueva York, un escenario que ya era parte inseparable de su carrera. Aquella noche no solo conmemoraba seis décadas de vida, sino también su show número 60 en ese recinto, un récord que reafirmaba la conexión única entre el artista y su público. “Elton 60: Live at Madison Square Garden” se convirtió en un testimonio vibrante de su legado, reuniendo clásicos que han marcado generaciones y mostrando la energía intacta de un músico que nunca ha dejado de reinventarse. En este programa hemos seleccionado once canciones que reflejan la esencia de sus grandes composiciones, piezas que van desde himnos universales hasta momentos más íntimos, todos ellos interpretados con la pasión y el virtuosismo que caracterizan a Elton John. Cada tema es una ventana a su trayectoria: melodías que han encabezado listas de éxitos, letras que han acompañado historias personales y actuaciones que han quedado grabadas en la memoria colectiva. A través de este recorrido, reviviremos la magia de aquella noche en Nueva York y celebraremos la obra de uno de los artistas más influyentes de la música contemporánea. 01 - Holiday Inn 02 - Levon 03 - Daniel 04 - Rocket Man 05 - Sorry Seems To Be The Hardest Word 06 - Philadelphia Freedom 07 - Don't Let The Sun Go Down On Me 08 - The Bitch Is Back 09 - Crocodile Rock 10 - Saturday Night's Alright For Fighting 11 - Your Song

El programa de hoy está dedicado a mujeres que han marcado un antes y un después en la historia del rock contemporáneo. Cinco artistas que, desde diferentes estilos y sensibilidades, han demostrado que la fuerza del género no entiende de fronteras ni de etiquetas. Nos adentramos en un territorio sonoro donde la guitarra se convierte en arma de libertad, la voz en bandera de identidad, y cada interpretación en un manifiesto de autenticidad. Joanne Shaw Taylor nos llevará al corazón del blues moderno con su virtuosismo eléctrico y su energía arrolladora. Sia, con su voz inconfundible y su capacidad de transformar el pop en un acto de resistencia emocional, nos recordará que la vulnerabilidad también es poder. Orianthi, heredera de la tradición guitarrera más explosiva, nos mostrará que el rock sigue siendo un terreno de innovación y riesgo. Tracy Chapman, con su poesía íntima y su compromiso social, nos invitará a escuchar el mundo desde la verdad de sus canciones. Y Susan Tedeschi, con su mezcla de soul, blues y rock, nos envolverá en un viaje donde la emoción se convierte en música pura. Este programa es un homenaje a ellas, a las que han hecho del escenario un espacio de historia viva. Bienvenidos a un viaje por las entrañas del sonido. 01 - Joanne Shaw Taylor - Can't You See What You're Doing To Me 02 - Joanne Shaw Taylor - Only You Know And I Know 03 - Sía - Destiny 04 - Sía - Distractions 05 - Orianthi - According To You 06 - Orianthi - Heaven In This Hell 07 - Tracy Chapman - Baby Can I Hold You Tonight 08 - Tracy Chapman - Fast Car 09 - Susan Tedeschi - Angel From Montgomery_Sugaree 10 - Susan Tedeschi - Don't Think Twice, It's All Right

El 18 de noviembre de 1993, apenas cinco meses antes de la desaparición de Kurt Cobain, Nirvana ofreció una de las actuaciones más memorables de la historia del rock: el “MTV Unplugged In New York”. En un escenario íntimo, decorado con lirios blancos y velas que parecían anticipar un funeral, la banda se despojó de la distorsión y la furia eléctrica para mostrar su lado más vulnerable y humano. Lejos de los grandes éxitos que todos esperaban, Nirvana eligió un repertorio sorprendente: versiones de The Vaselines, Meat Puppets y David Bowie, junto a piezas menos conocidas de su propio catálogo. Fue un acto de valentía artística, un gesto de honestidad que reveló la fragilidad y la sensibilidad de Cobain, y que convirtió aquel concierto en un testamento musical. Publicado el 1 de noviembre de 1994, meses después de la tragedia, el disco se transformó en un símbolo de despedida, un legado que sigue conmoviendo a generaciones. Cada acorde acústico, cada palabra quebrada, nos recuerda que la música puede ser confesión, catarsis y despedida. Hoy reviviremos esas 14 canciones, una a una, para volver a sentir la intensidad de aquella noche irrepetible en Nueva York. “Nirvana - MTV Unplugged In New York 18-11-1993 ” 01 - About A Girl 02 - Come As You Are 03 - Jesus Doesn't Want Me For A Sunbeam 04 - The Man Who Sold The World 05 - Pennyroyal Tea 06 - Dumb 07 - Polly 08 - On A Plain 09 - Something In The Way 10 - Plateau 11 - Oh Me 12 - Lake Of Fire 13 - All Apologies 14 - Where Did You Sleep Last Night

El programa de hoy, está dedicado al Blues/Rock en su forma más auténtica, con canciones históricas y artistas que marcaron una época. Nos adentramos en un territorio sonoro donde la guitarra eléctrica se convierte en confesión, el ritmo en declaración de principios, y la voz en testimonio de vida. Desde los boogies incendiarios de Canned Heat hasta la elegancia cruda de Roy Buchanan, cada interpretación que escucharemos es una pieza de historia viva. Eric Clapton, acompañado por amigos de lujo, nos mostrará su versatilidad en el cruce entre el blues británico y el soul americano. Fleetwood Mac, en su etapa más bluesera, nos llevará a los orígenes de su sonido antes del éxito comercial. Jefferson Airplane aportará su mirada psicodélica con raíces folk y blues. Johnny Rivers, con su mezcla de rockabilly y rhythm & blues, nos recordará que el sur también canta con alma. Y el trío Bloomfield, Kooper y Stills nos ofrecerá una sesión irrepetible, donde la improvisación se convierte en arte. Este programa es un homenaje a los pioneros, a los que hicieron del blues una forma de resistencia y del rock una forma de expresión. Bienvenidos a un viaje por las entrañas del sonido. 01 - Canned Heat - Go To Utah 02 - Eric Clapton & Friends - Cross Road Blues 03 - Fleetwood Mac - I Can't Hold Out 04 - Jefferson Airplane - We Can Be Together 05 - Johnny Rivers - I Got A Woman 06 - Mike Bloomfield, Al Kooper & Stephen Stills - Season Of The Witch 07 - Roy Buchanan - After Hours

¡Hola, Qué tal? Saludos de Luychy. Prepararos para una nue-va travesía sonora en La Buhardilla del Bohemio, donde esta semana nos sumergimos en las profundidades del Rock Pro-gresivo. Un estilo que no solo desafió las estructuras musicales convencionales, sino que creó universos enteros a través de la fusión de virtuosismo, narrativa y exploración sonora. Aquí, cada canción es una odisea, cada acorde una puerta a lo des-conocido. Desde los paisajes psicodélicos de Pink Floyd hasta las arquitecturas sonoras de Yes, pasando por la majestuosi-dad sinfónica de Emerson, Lake & Palmer entre otras, el pro-grama de hoy rinde homenaje a las bandas que marcaron una época y dejaron huella indeleble en la historia del rock. En HDREV, no solo escuchamos música: la vivimos en alta defi-nición emocional. Desentrañaremos las historias detrás de ca-da tema, explorando sus estructuras, sus letras, sus contextos. Porque el Rock Progresivo no se entiende con prisas: se con-templa, se siente, se descubre. Bienvenidos a un viaje donde el tiempo se dilata, la emoción se amplifica y la música se con-vierte en experiencia. Esto es La Buhardilla del Bohemio. Esto es Rock Progresivo. Os invito a prepararos para este viaje donde la música guía nuestras emociones. Esto no es solo un programa de radio; es una experiencia. Así que, subid el vo-lumen, dejad que os envuelva y disfrutad de La Buhardilla del Bohemio, donde la historia del Rock cobra vida en cada nota. 01 - David Gilmour - One Of These Days (Live At Pompeii) publicado en 2017. 02 - Pink Floyd - Cymbaline (More) (BBC Session, 12-05-1969) publicado en 2016. 03 - Greg Lake - In The Court Of The Crimson King (King Biscuit Flower Hour Presents Greg Lake In Concert) publica-do en 1981. 04 - Steve Hackett, Ian Mcdonald & John Wetton - I Talk To The Wind (The Tokyo Tapes) publicado en 1997. 05 - King Crimson - Epitaph (Meltdown (Live In Mexico, 2017) publicado en 2018. 06 - Ian Anderson & Neue Philarmonie Frankfurt Orchesta - Life Is A Long Song (Live At Rosengarten Mannheim, Ger-many 08-12-2004) publicado en 2005. 07 - Ian Anderson & Neue Philarmonie Frankfurt Orchesta - Wond'ring Aloud (Live At Rosengarten Mannheim, Germany 08-12-2004) publicado en 2005. 08 - Emerson, Lake & Palmer - Lucky Man (From The Begin-ning (Live At Mar Y Sol Festival '72) publicado en 2007. 09 - Emerson, Lake & Palmer - Take A Pebble Man (From The Beginning (Live At Mar Y Sol Festival '72) publicado en 2007. 10 - Yes - Show Me (Songs From Tsongas Yes 35th Anniversa-ry Concert) publicado en 2014. 11 - Yes - Time Is Time Me (Songs From Tsongas Yes 35th Anniversary Concert) publicado en 2014.

El 10 de agosto de 1996, Oasis protagonizó uno de los conciertos más legendarios de la historia del rock británico: “Live at Knebworth”. Ante 125.000 personas, en el mítico parque de Hertfordshire, la banda de los hermanos Gallagher alcanzó el punto más alto de su carrera y del fenómeno cultural conocido como Britpop. Fue más que un espectáculo: fue una declaración de poder, identidad y pertenencia. Dos millones y medio de personas intentaron conseguir entradas. Era el 5% de la población británica. Oasis, con apenas dos discos publicados, se había convertido en símbolo de una generación que buscaba referentes en medio de la euforia post-Thatcher. La clase trabajadora, los jóvenes sin rumbo, los soñadores urbanos: todos encontraron en Oasis una voz que hablaba su idioma. El concierto del 10 de agosto fue la consagración definitiva. Con un repertorio cargado de himnos, una actitud desafiante y una conexión visceral con el público, Oasis se convirtió en leyenda. Knebworth no fue solo música: fue historia, fue cultura, fue emoción colectiva. Este programa recorre esa noche inolvidable a través de una selección de canciones que capturan el espíritu de aquel momento. Bienvenidos a Knebworth. Bienvenidos a Oasis en estado puro. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subid el volumen y prepararos para un espectáculo de sonido crudo, actitud desafiante y estilo britpop característico con “Oasis” 01 - Oasis - Acquiesce 02 - Oasis - Supersonic 03 - Oasis - Hello 04 - Oasis - Morning Glory 05 - Oasis - Whatever 06 - Oasis - Wonderwall 07 - Oasis - The Masterplan 08 - Oasis - Don't Look Back In Anger 09 - Oasis - Live Forever 10 - Oasis - Champagne Supernova

Es Nochebuena. En el estudio, Narciso y yo hemos terminado de ajustar los últimos detalles del especial navideño. Afuera, Madrid respira bajo luces titilantes, pero dentro, el calor brota de los vinilos, las voces, los metales y los vientos de Chicago llenan el aire. “¿Recuerdas cuando sonó “Have Yourself A Merry Little Christmas” en aquel Diciembre del 76?”, le pregunto a Narciso y sonrío. “Sí, y cómo lloraba aquel oyente que llamó después. Realmente, la música toca donde las palabras no llegan. El reloj, pronto marcará las doce. En ese instante, la radio se convierte en hogar. “Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!” suena con arreglos de viento que abrazan con cercanía. En cada canción, una historia: amores que vuelven, ausencias que duelen, niños que ríen, abuelos que recuerdan. Y mientras “White Christmas” cierra el bloque, ambos nos miramos. No hay público, solo almas conectadas por ondas invisibles. La Navidad no está en los regalos, sino en compartir emociones, en regalar memoria sonora. Esta noche, Chicago no es solo una banda. Es puente, es abrazo, es Navidad. La escucha de estos programas, va en formato ''Playlist'', sin comentarios y sin cortes, solo música para que podais disfrutar de una audición que os sumergirá en grandes momentos con canciones que seguramente marcaron vuestra vida. La relación de canciones, va detallada en la Descripción junto al programa en Ivoox. 01 - Have Yourself a Merry Little Christmas 02 - Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow! 03 - Little Drummer Boy 04 - God Rest Ye Merry, Gentlemen 05 - Silent Night 06 - Feliz Navidad 07 - I'll Be Home For Christmas 08 - The Christmas Song 09 - O Come All Ye Faithful 10 - Rudolph, the Red-Nosed Reindeer 11 - It's the Most Wonderful Time of the Year 12 - Jingle Bells 13 - Santa Claus Is Coming to Town 14 - Sleigh Ride 15 - Winter Wonderland 16 - White Christmas

El 20 de febrero del año 2000, The Moody Blues ofrecieron un concierto inolvidable en el majestuoso Royal Albert Hall de Londres, acompañados por la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Larry Baird. Aquella actuación, grabada en directo y publicada el 1 de mayo del mismo año bajo el título “Hall of Fame”, se convirtió en un testimonio brillante del legado musical de la banda, que ya acumulaba más de tres décadas de trayectoria y reconocimiento mundial. Para este programa hemos seleccionado algunas de las mejores y más emblemáticas canciones de ese concierto, piezas que resumen la grandeza y la sensibilidad del grupo. Formado entonces por Justin Hayward, John Lodge, Ray Thomas y Graeme Edge, The Moody Blues, cada uno aportando la experiencia y el sello que hicieron grande al grupo, ofrecieron interpretaciones llenas de emoción, elegancia y fuerza, acompañadas por los majestuosos arreglos sinfónicos de la orquesta, que elevaron cada melodía a nuevas alturas. Temas como “Nights in White Satin”, “Question” o “Tuesday Afternoon” entre otras, suenan aquí con una intensidad renovada, demostrando que su fusión entre rock y música sinfónica sigue siendo única e irrepetible. “Hall of Fame” es mucho más que un álbum en directo: es una celebración de arte, sensibilidad y permanencia musical. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subid el volumen y prepararos para un espectáculo de de Rock Progresivo-Sinfónico en estado puro! con “The Moody Blues - Live At The Royal Albert Hall, Hall Of Fame 20-02-2000” 01 - Overture 02 - Tuesday Afternoon 03 - English Sunset 04 - The Story In Your Eyes 05 - I'm Just A Singer(In A Rock And Roll Band) 06 - Nights In White Satin 07 - Legend Of A Mind 08 - Question 09 - Ride My See-Saw

La segunda parte de nuestro recorrido por el concierto del Forum de Montreal nos sumerge aún más en el universo cambiante y teatral de Bob Dylan durante la Rolling Thunder Revue. Si la primera mitad nos mostró a un Dylan enérgico, provocador y emocionalmente conectado, esta segunda entrega revela su faceta más introspectiva, lírica y comprometida. Las canciones seleccionadas para esta parte del espectáculo alternan entre la ternura, la denuncia y la épica personal, con interpretaciones que reimaginan clásicos y presentan nuevas composiciones con una fuerza arrolladora. Acompañado por una banda excepcional y por artistas como Joan Baez, Roger McGuinn, Mick Ronson y T-Bone Burnett entre otros, Dylan convierte cada tema en una escena viva, donde la música se funde con la narrativa y el gesto. Desde la melancolía de “Sara” hasta la furia de “Hurricane”, pasando por himnos como “Knockin’ on Heaven’s Door”, esta segunda parte del concierto es una muestra de la versatilidad y profundidad artística de Dylan en uno de sus momentos más inspirados. Hoy cerramos este viaje con canciones que no solo marcaron una época, sino que siguen resonando con fuerza en el presente. 01 - It's All Over Now, Baby Blue 02 - Love Minus Zero--No Limit 03 - Tangled Up In Blue 04 - The Water Is Wide 05 - It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry 06 - Oh, Sister 07 - Hurricane 08 - One More Cup Of Coffee (Valley Below) 09 - Sara 10 - Just Like A Woman 11 - Knockin' On Heaven's Door

El programa de hoy nos transporta al corazón de una de las giras más singulares y legendarias de la historia del rock: la “Rolling Thunder Revue” de Bob Dylan, concretamente al concierto del 4 de diciembre de 1975 en el Forum de Montreal. Esta gira, concebida como una caravana itinerante de músicos, poetas y artistas, rompió con los esquemas tradicionales del espectáculo en vivo. Dylan, en plena efervescencia creativa tras grabar el álbum “Desire”, se rodeó de figuras como Joan Baez, Roger McGuinn, Mick Ronson y Ramblin’ Jack Elliott, entre otros, para ofrecer actuaciones cargadas de intensidad, teatralidad y compromiso político. El concierto que hoy exploramos forma parte del recopilatorio “Live 1975 - The Bootleg Series Vol. 5”, publicado en 2002, que recoge grabaciones de distintas fechas de la gira. La selección de canciones, muchas de ellas reimaginadas con nuevos arreglos, refleja un Dylan enérgico, provocador y profundamente conectado con su audiencia. Desde baladas introspectivas hasta himnos de denuncia, cada interpretación es una pieza viva de historia musical. En esta primera parte del especial, recorreremos los momentos más destacados de aquella noche, con comentarios que desentrañan el contexto, la emoción y la trascendencia de cada tema. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subid el volumen y prepararos para un espectáculo de Folk/Rock en estado puro! 01 - Tonight I'll Be Staying Here With You 02 - It Ain't Me Babe 03 - A Hard Rain's A-Gonna Fall 04 - The Lonesome Death Of Hattie Carroll 05 - Romance In Durango 06 - Isis 07 - Mr. Tambourine Man 08 - Simple Twist Of Fate 09 - Blowin' In The Wind 10 - Mama, You Been On My Mind 11 - I Shall Be Released

Hoy abrimos nuestro programa con uno de los momentos más memorables de la historia del folk-rock: “Simon & Garfunkel; Live In Central Park”, grabado el 19 de septiembre de 1981. Más de medio millón de personas se congregaron en el corazón de Nueva York para presenciar la reunión de este dúo legendario, once años después de su separación. El concierto, organizado como evento benéfico para la restauración del deteriorado Central Park, se convirtió en un símbolo de reconciliación, nostalgia y poder cultural. Paul Simon y Art Garfunkel ofrecieron un repertorio que recorrió sus grandes clásicos, como “The Sound of Silence”, “Mrs. Robinson” y “The Boxer” entre otras, junto con piezas de sus carreras solistas. Acompañados por una banda de músicos excepcionales, lograron una interpretación íntima y monumental a la vez, que fue transmitida por HBO y luego editada en álbum y película. Más allá del reencuentro, este concierto capturó el espíritu de una ciudad que buscaba esperanza en tiempos difíciles. Fue una celebración de la música como puente emocional, como memoria compartida, como arte que trasciende generaciones. Para este programa hemos seleccionado 12 canciones que representan lo esencial de aquella noche mágica. A partir de aquí, nos sumergimos en ese setlist inolvidable. ¡¡¡ Subid el volumen y prepararos para un espectáculo de Folk/Rock en estado puro!!! 01 - Mrs. Robinson 02 - Homeward Bound 03 - America 04 - Me And Julio Down By The Schoolyard 05 - Scarborough Fair_Canticle 06 - A Heart In New York 07 - Kodachrome_Maybellene 08 - Bridge Over Troubled Water 09 - The Boxer 10 - Old Friends 11 - The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy) 12 - The Sound Of Silence

El programa de hoy está dedicado a grandes versiones de canciones de Bob Dylan, un homenaje a la fuerza poética y musical de uno de los autores más influyentes del siglo XX. Dylan escribió con la urgencia de quien observa el mundo desde dentro y desde fuera, y sus canciones han sido reinterpretadas por artistas que supieron captar su esencia y transformarla. Hoy recorreremos diez versiones que no solo respetan el original, sino que lo expanden, lo reinventan y lo hacen eterno. Desde la voz comprometida de Joan Baez hasta la electricidad visceral de Jimi Hendrix, pasando por el folk militante de Peter, Paul & Mary y el rock incendiario de Guns N’ Roses. Escucharemos también la sensibilidad de Arlo Guthrie y Pete Seeger, la intensidad de Joe Cocker, la psicodelia de Jerry Garcia, la elegancia de The Byrds, la crudeza de los Rolling Stones y la profundidad compartida entre Neil Young y Grateful Dead. Cada versión es una mirada distinta a un mismo paisaje: el de Dylan, siempre cambiante, siempre vigente. 01 - 1963 - Arlo Guthrie & Pete Seeger - Don't Think Twice, It's All Right 02 - 1963 - Joan Baez - A Hard Rain's A Gonna Fall 03 - 1963 - Joe Cocker - Girl From The North Country 04 - 1963 - Peter, Paul & Mary - Blowin' In The Wind 05 - 1965 - The Rolling Stones - Like A Rolling Stone 06 - 1965 - Jerry Garcia - It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry 07 - 1965 - The Byrds - Mr. Tambourine Man 08 - 1967 - Jimi Hendrix - All Along The Watchtower 09 - 1973 - Guns N' Roses - Knockin' On Heaven's Door 10 - 1974 - Neil Young & Grateful Dead - Forever Young

En esta segunda entrega “El Rugido Final Con Metallica” dedicada al proyecto “S&M”, nos adentramos en el legado que dejó una de las colaboraciones más audaces en la historia del rock. Metallica y la Sinfónica de San Francisco no solo ofrecieron un espectáculo inolvidable, sino que abrieron una puerta que muchos otros artistas se atrevieron a cruzar. La fusión entre el metal y la música sinfónica dejó de ser una rareza para convertirse en una vía legítima de exploración artística. “S&M” demostró que el metal podía ser interpretado con la misma profundidad emocional que una sinfonía clásica. Bandas posteriores encontraron en esta propuesta una inspiración para expandir sus propios lenguajes musicales, y el concepto de metal sinfónico ganó fuerza y respeto en la escena internacional. Lo que comenzó como un experimento se convirtió en un referente. Este programa culmina con Nothing Else Matters, una de las interpretaciones más emotivas del concierto. En ella, la orquesta no acompaña: abraza. Es el cierre perfecto para un viaje que nos ha llevado desde la furia hasta la introspección, desde el rugido hasta el susurro. El metal, elevado a arte, encuentra aquí su momento más íntimo. “El rugido final no es solo el cierre de un concierto, es la afirmación de que el metal puede ser arte elevado. Metallica y la Sinfónica nos enseñan que la emoción no tiene género musical. 01 - Metallica – One 02 - Metallica - Until It Sleeps 03 - Metallica - For Whom The Bells Tolls 04 - Metallica – Human 05 - Metallica - Wherever I May Roam 06 - Metallica - Sad But True 07 - Metallica - Enter Sandman 08 - Metallica - Nothing Else Matters

En 1999, Metallica rompió los moldes del metal al embarcarse en una colaboración audaz con la Sinfónica de San Francisco, dirigida por el legendario compositor Michael Kamen. El proyecto “S&M” (Symphony & Metallica) no fue simplemente una fusión de estilos: fue una declaración artística que desafiaba los prejuicios entre géneros musicales. ¿Qué ocurre cuando la agresividad del thrash metal se encuentra con la elegancia de los instrumentos clásicos? Se crea una experiencia sonora que trasciende etiquetas y fronteras. La idea nació años antes, cuando Kamen trabajó con bandas como Pink Floyd y Queen, y soñaba con llevar el metal a un terreno sinfónico. Metallica, siempre dispuesta a explorar nuevos horizontes, aceptó el reto. El resultado fue un concierto histórico en el Berkeley Community Theatre, donde temas emblemáticos como “Nothing Else Matters”, “Master of Puppets” o “Enter Sandman” cobraron una nueva dimensión gracias a los arreglos orquestales. “S&M” no solo amplió los horizontes musicales de Metallica, sino que abrió una puerta para que el metal fuera reconocido como una forma de arte rica, compleja y profundamente expresiva. Este programa, “La Fuerza Sinfónica Del Metal”, es el primero de dos entregas dedicadas a esta obra monumental. La segunda parte, titulada “El Rugido Final Con Metallica”, completará el viaje por esta fusión épica entre fuerza y elegancia. “Metallica no solo electrificó el metal, lo elevó a una dimensión sinfónica. En esta primera parte, exploramos cómo la potencia de las guitarras se funde con la elegancia de los violines para crear una experiencia sonora única 01 - Metallica - The Ecstasy Of Gold 02 - Metallica - The Call Of The Ktulu 03 - Metallica - Master Of Puppets 04 - Metallica - Of Wolf And Man 05 - Metallica – Fuel 06 - Metallica - The Memory Remains 07 - Metallica - No Leaf Clover 08 - Metallica - Hero Of The Day 09 - Metallica - Devil's Dance

Prepararos para una nueva semana en la que nos adentramos en un mundo donde las historias se entrelazan con acordes memorables y la esencia del Rock se manifiesta. Cada episodio es una travesía a las profundidades de los géneros musicales más diversos, explorando su riqueza y variedad. Ofrecemos una experiencia auditiva única e inmersiva que abarca lo mejor de cada estilo. Aquí no solo escuchamos música, sino que vivimos las emociones, recordamos a las leyendas y descubrimos horizontes sonoros inexplorados. En La Buhardilla del Bohemio, no nos limitamos a escuchar; nos sumergimos en la magia de las actuaciones en vivo. Desentrañamos las historias detrás de cada canción, revelando secretos que las convierten en clásicos eternos. Os invito a prepararos para un viaje donde la música guía nuestras emociones. Esto no es solo un programa de radio; es una experiencia. Así que, subid el volumen, dejad que os envuelva y disfrutad de La Buhardilla del Bohemio, donde la historia del Rock cobra vida en cada nota. 01 - Beck, Bogert & Appice – Boogie 02 - Deep Purple - Perfect Strangers 03 - Pure Prairie League – Amie 04 - Oasis - All Around The World 05 - The Guess Who - No Time 06 - Peter Gabriel - Don't Give Up 07 - Eric Clapton & Steve Winwood - Cross Road Blues

Hoy dedicamos nuestro espacio a “Crisálida”, la ópera prima del grupo argentino ‘Espíritu’, lanzada en marzo de 1975. Esta obra conceptual de 40 minutos y 56 segundos marcó un hito en el Rock Progresivo y Rock Sinfónico Argentino por su ambición artística y su sofisticada elaboración sonora. Grabado casi en vivo, el álbum fue trabajado tema por tema, sin silencios entre canciones, logrando una continuidad que refuerza su carácter sinfónico y narrativo. El cambio de estudio, de Odeón a Phonalex, permitió mayor libertad técnica para plasmar cada matiz. La banda estaba integrada por Fernando Bergé (voz), Osvaldo Favrot (guitarras), Gustavo Fedel (teclados), Carlos Goler (batería) y Claudio Martínez (bajo), junto al productor Jorge Álvarez, el técnico Norberto Orleac y el legendario Billy Bond. “Crisálida” no fue solo un debut: fue un manifiesto musical que inauguró una nueva forma de hacer rock en Argentina. El 18 de abril de 1975, ‘Espíritu’ realizó una presentación destacada en el Cine-Teatro Regio de Buenos Aires, considerada un momento clave en su historia. Su estilo recuerda a grupos como Yes, Génesis y ELP entre otros, por sus estructuras complejas, pasajes instrumentales extensos y el uso de teclados como eje narrativo. Sin embargo, ‘Espíritu’ supo imprimir una sensibilidad lírica y estética profundamente argentina, logrando una fusión única entre la sofisticación sinfónica y la identidad local. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subir el volumen y preparaos para un espectáculo de Rock Progresivo y Sinfónico en estado puro 01 - Espiritu - La Casa De La Mente 02 - Espiritu - Prolijas Virtudes Del Olvido 03 - Espiritu - Sueños Blancos, Ideas Negras 04 - Espiritu - Sabios De Vida 05 - Espiritu - Eterna Evidencia 06 - Espiritu - Tiempo De Ideas 07 - Espiritu - Hay Un Mundo Cerrado Dentro Tuyo 08 - Espiritu - Hay Un Mundo Luminoso

Hoy dedicamos nuestro espacio a “Crisálida”, la ópera prima del grupo argentino ‘Espíritu’, lanzada en marzo de 1975. Esta obra conceptual de 40 minutos y 56 segundos marcó un hito en el Rock Progresivo y Rock Sinfónico Argentino por su ambición artística y su sofisticada elaboración sonora. Grabado casi en vivo, el álbum fue trabajado tema por tema, sin silencios entre canciones, logrando una continuidad que refuerza su carácter sinfónico y narrativo. El cambio de estudio, de Odeón a Phonalex, permitió mayor libertad técnica para plasmar cada matiz. La banda estaba integrada por Fernando Bergé (voz), Osvaldo Favrot (guitarras), Gustavo Fedel (teclados), Carlos Goler (batería) y Claudio Martínez (bajo), junto al productor Jorge Álvarez, el técnico Norberto Orleac y el legendario Billy Bond. “Crisálida” no fue solo un debut: fue un manifiesto musical que inauguró una nueva forma de hacer rock en Argentina. El 18 de abril de 1975, ‘Espíritu’ realizó una presentación destacada en el Cine-Teatro Regio de Buenos Aires, considerada un momento clave en su historia. Su estilo recuerda a grupos como Yes, Génesis y ELP entre otros, por sus estructuras complejas, pasajes instrumentales extensos y el uso de teclados como eje narrativo. Sin embargo, ‘Espíritu’ supo imprimir una sensibilidad lírica y estética profundamente argentina, logrando una fusión única entre la sofisticación sinfónica y la identidad local. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subir el volumen y preparaos para un espectáculo de Rock Progresivo y Sinfónico en estado puro 01 - Espiritu - La Casa De La Mente 02 - Espiritu - Prolijas Virtudes Del Olvido 03 - Espiritu - Sueños Blancos, Ideas Negras 04 - Espiritu - Sabios De Vida 05 - Espiritu - Eterna Evidencia 06 - Espiritu - Tiempo De Ideas 07 - Espiritu - Hay Un Mundo Cerrado Dentro Tuyo 08 - Espiritu - Hay Un Mundo Luminoso

Prepárate para un nuevo programa en el que nos adentramos en un mundo donde las historias se entrelazan con acordes memorables y la esencia del Rock se manifiesta. Cada episodio es una travesía a las profundidades de los géneros musicales más diversos, explorando su riqueza y variedad. Ofrecemos una experiencia auditiva única e inmersiva que abarca lo mejor de cada estilo. Aquí no solo escuchamos música, sino que vivimos las emociones, recordamos a las leyendas y descubrimos horizontes sonoros inexplorados. En La Buhardilla del Bohemio, no nos limitamos a escuchar; nos sumergimos en la magia de las actuaciones en vivo. Desentrañamos las historias detrás de cada canción, revelando secretos que las convierten en clásicos eternos. 01 - Bad Company - Ready For Love 02 - Crosby, Stills & Nash - Southern Cross 03 - Morgan - Planet Earth 04 - Queen - Tie Your Mother Down 05 - The Flower Pot Men - Let's Go To San Francisco, Pts. 1 & 2 06 - Yes - The Calling 07 - Tom Petty & The Heartbreakers - I Won't Back Down 08 - The Who - Join Together

En octubre de 1975, Steve Hackett, guitarrista esencial en la etapa dorada de Genesis, decide dar un paso al frente y explorar nuevos territorios musicales con el lanzamiento de su primer trabajo en solitario: “Voyage Of The Acolyte”. Tras haber sido pieza clave en obras fundamentales como “Selling England by the Pound” y el ambicioso doble álbum “The Lamb Lies Down on Broadway”, Hackett canaliza la inspiración acumulada durante esos años para crear un disco profundamente personal, evocador y técnicamente magistral. “Voyage Of The Acolyte” no solo revela su identidad como compositor autónomo, sino que además destaca por una instrumentación rica y una atmósfera envolvente, con colaboraciones de lujo como las de Mike Rutherford y Phil Collins. El álbum no solo fue un éxito artístico, sino también el preludio del final de su etapa con Genesis, la cual concluiría en 1977 tras el álbum “Wind & Wuthering” y la gira de “Seconds Out”. Steve Hackett dejó clara su genialidad creativa desde los comienzos de su carrera. La fusión de elementos orquestales con el rock progresivo dio como resultado una obra magistral, rica en técnica y sensibilidad. “Voyage Of The Acolyte” destaca por su capacidad de entrelazar paisajes melódicos complejos y por su calidad compositiva, convirtiéndose en una pieza clave del rock progresivo de los años setenta. Refleja tanto una visión innovadora como el eco creativo de su etapa en Génesis, siendo fuente de inspiración y un hito en la evolución del género. Hoy celebramos que esta obra maestra cumple 50 años, y sigue siendo un hito del rock progresivo. 01 - Steve Hackett - Ace Of Wands 02 - Steve Hackett - Hands Of The Priestess (Pt. I) 03 - Steve Hackett - A Tower Struck Down 04 - Steve Hackett - Hands Of The Priestess (Pt. II) 05 - Steve Hackett - The Hermit 06 - Steve Hackett - Star Of Sirius 07 - Steve Hackett - The Lovers 08 - Steve Hackett - Shadow Of The Hierophant (Extended Playout Version)

Hoy con ‘Van Morrison’ y la Segunda Parte de su álbum “It’s Too Late To Stop Now”. Publicada en febrero de 1974, esta obra captura a Van Morrison en uno de los momentos más intensos y creativos de su carrera. Grabado en vivo entre Mayo y Julio de 1973 en salas como el Troubadour de Los Ángeles, el Rainbow Theatre de Londres y el Santa Monica Civic Auditorium, el álbum recoge el espíritu libre, el alma y la energía desbordante de Morrison y de su banda de entonces, The Caledonia Soul Orchestra. En un tiempo donde los álbumes en directo eran, muchas veces, resúmenes apurados de éxitos, Morrison desafió las convenciones con un trabajo cuidado, elegante, lleno de matices y virtuosismo. Con un repertorio que mezcla composiciones propias con versiones selectas, la obra refleja su conexión profunda con el Soul, el R&B, el Jazz y el Folk. No solo se considera uno de los mejores discos en directo de los años ‘70, sino una verdadera clase magistral de entrega y musicalidad. En estos programas, hemos explorado una selección representativa de esta joya discográfica que hemos dividido en dos partes memorables. 01 - Bring It On Home To Me 02 - Take Your Hands Out Of My Pocket 03 - Listen To The Lion 04 - Here Comes The Night 05 - Gloria 06 - Caravan 07 - Cyprus Avenue 08 - Brown-Eyed Girl

Hoy viene a La Buhardilla, ‘Van Morrison’ con la primera parte de su álbum “It’s Too Late To Stop Now”. Publicada en febrero de 1974, esta obra captura a Van Morrison en uno de los momentos más intensos y creativos de su carrera. Grabado en vivo entre Mayo y Julio de 1973 en salas como el Troubadour de Los Ángeles, el Rainbow Theatre de Londres y el Santa Monica Civic Auditorium, el álbum recoge el espíritu libre, el alma y la energía desbordante de Morrison y de su banda de entonces, The Caledonia Soul Orchestra. En un tiempo donde los álbumes en directo eran, muchas veces, resúmenes apurados de éxitos, Morrison desafió las convenciones con un trabajo cuidado, elegante, lleno de matices y virtuosismo. Con un repertorio que mezcla composiciones propias con versiones selectas, la obra refleja su conexión profunda con el Soul, el R&B, el Jazz y el Folk. No solo se considera uno de los mejores discos en directo de los años ‘70, sino una verdadera clase magistral de entrega y musicalidad. En estos programas, exploraremos una selección representativa de esta joya discográfica dividida en dos partes memorables. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subir el volumen y preparaos para un espectáculo de Soul, R&B, Jazz, Blues/Rock y el Folk en estado puro! 01 - Ain't Nothin' You Can Do 02 - Warm Love 03 - Into The Mystic 04 - These Dreams Of You 05 - I Believe To My Soul 06 - I've Been Working 07 - Help Me 08 - Wild Children 09 - Domino 10 - I Just Want To Make Love To You 11 - Saint Dominic's Preview

El 14 de Septiembre 1975, apenas un año después del éxito mundial de “Crime of the Century”, Supertramp publicaba “Crisis? What Crisis?”, un disco que, aunque inicialmente fue recibido con cierta frialdad por la crítica, hoy se considera una obra imprescindible del rock progresivo y melódico. Concebido en plena gira, el álbum refleja el caos y la presión que vivía el grupo, pero también su madurez artística. La portada, irónica y poderosa, ilustra a un hombre en una tumbona bajo el sol en medio de un gris paisaje industrial: una metáfora visual del título y del contenido. Musicalmente, el álbum transita entre baladas introspectivas, momentos de pop sofisticado y arreglos cuidadosamente elaborados. La voz aguda de Roger Hodgson y la más grave de Rick Davies se alternan, creando ese juego vocal tan característico del grupo. A pesar de no generar grandes éxitos inmediatos, el tiempo le ha dado su justo lugar en la historia del rock. Aprovechamos este especial de Supertramp, para enviar un saludo muy especial a Javier Perla, gran seguidor, apasionado oyente de nuestros espacios y gran amante de la buena música. Este programa va también por ti. 01 - Supertramp - Easy Does It 02 - Supertramp - Sister Moonshine 03 - Supertramp - Ain't Nobody But Me 04 - Supertramp - A Soapbox Opera 05 - Supertramp - Another Man's Woman 06 - Supertramp - Lady 07 - Supertramp - Poor Boy 08 - Supertramp - Just A Normal Day 09 - Supertramp - The Meaning 10 - Supertramp - Two Of Us

El 12 de septiembre de 1975, Pink Floyd lanzó una de sus obras más íntimas, reflexivas y emocionalmente intensas: “Wish You Were Here”. Concebido como un homenaje al miembro fundador Syd Barrett, el álbum captura la melancolía de su ausencia, la desilusión con la industria musical y el estado emocional de una banda marcada por el éxito abrumador de “The Dark Side of the Moon”. Con tan solo cinco temas, “Wish You Were Here” se convirtió en un viaje conceptual poderoso, donde la música y la lírica se funden con una sensibilidad única. Su producción meticulosa, uso de sintetizadores analógicos, guitarras espaciales y efectos sonoros de estudio marcaron un hito en la evolución del rock progresivo. El disco alcanzó los primeros puestos en las listas de Reino Unido y Estados Unidos, y con el tiempo se ha convertido en uno de los más venerados de la historia del rock. En este programa celebramos medio siglo de un álbum eterno, con sus canciones y sus respectivas historias, atmósferas y significados. Nos adentramos en un viaje sonoro profundo, ¡así que subid el volumen y preparaos para un espectáculo de Rock Progresivo/Sinfónico en estado puro! 01 - Pink Floyd - Shine On You Crazy Diamond (Pts. 1-5) 02 - Pink Floyd - Welcome To The Machine 03 - Pink Floyd - Have A Cigar 04 - Pink Floyd - Wish You Were Here 05 - Pink Floyd - Shine On You Crazy Diamond (Pts. 6-9) 06 - Pink Floyd & Stephane Grappelli - Wish You Were Here

Hoy rendimos homenaje a ‘Jethro Tull’ en el 50 aniversario del lanzamiento de una de sus obras maestras, “Minstrel In The Gallery”, publicado el 4 de septiembre de 1975. Este álbum, el octavo de la banda, marcó un regreso a sus raíces más acústicas y progresivas, combinando la energía del rock con la sofisticación del folk y la música clásica. Liderados por ‘Ian Anderson’, ‘Jethro Tull’ ya había conquistado el mundo con discos como “Aqualung” y “Thick as a Brick”, pero con “Minstrel In The Gallery” lograron una obra introspectiva y compleja. Grabado en Montecarlo, el álbum refleja un período de cambios y tensiones dentro de la banda, lo que se traduce en una música más personal y melancólica. Canciones como “Cold Wind to Valhalla”, “Black Satin Dancer” y la monumental “Baker St. Muse” que os desarrollaré unidos los cinco pasajes, muestran la maestría de ‘Anderson’ en la composición y la interpretación. El título del álbum hace referencia a los trovadores medievales que tocaban desde las galerías de los castillos, una metáfora perfecta para la evolución artística de ‘Jethro Tull’. Con su mezcla de virtuosismo instrumental y letras profundas, “Minstrel In The Gallery” sigue siendo una joya del rock progresivo, influyendo en generaciones de músicos y manteniendo su estatus como una de las grandes obras del género. Un álbum que, medio siglo después, sigue resonando con la misma fuerza y belleza. 01 - Minstrel In The Gallery 02 - Cold Wind To Valhalla 03 - Black Satin Dancer 04 - Requiem 05 - One White Duck 0^10 = Nothing At All 06 - Baker St. Muse .- Baker St. Muse .- Pig-Me And The Whore .- Nice Little Tune .- Crash-Barrier Waltzer .- Mother England Reverie 07 - Grace 08 - Minstrel In The Gallery (Live: Bursting Out CD 02)

Pink Floyd Segunda Parte. Estamos en 1965 y nace en Londres, Pink Floyd que rápidamente se convirtió en un referente del rock psicodélico y progresivo. Su música, caracterizada por letras profundas, experimentación sonora y espectáculos visuales innovadores, los llevó a la cima del éxito. La formación original incluía a ‘Syd Barrett’, ‘Roger Waters’, ‘Richard Wright’ y ‘Nick Mason’, aunque ‘Barrett’ dejó la banda en 1968 debido a problemas de salud mental y fue reemplazado por ‘David Gilmour’. Durante los años ‘70, ‘Pink Floyd’ lanzó algunos de los álbumes más influyentes de la historia, como “The Dark Side of the Moon” en 1973, “Wish You Were Here” en 1975, “Animals en 1977” y “The Wall” en 1979. Estos discos no solo fueron éxitos comerciales, sino que también redefinieron el concepto de álbum conceptual. En los años ‘80, ‘Roger Waters’ dejó la banda, pero ‘Gilmour’, ‘Mason’ y ‘Wright’ continuaron con el legado, lanzando discos como “A Momentary Lapse of Reason” en 1987 y “The Division Bell” en 1994. Con más de 300 millones de álbumes vendidos, ‘Pink Floyd’ sigue siendo una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Su legado está marcado por una serie de ‘Grandes Temas’ que han trascendido generaciones, como "Another Brick in the Wall", "Wish You Were Here", "Comfortably Numb", "Shine On You Crazy Diamond" y "Time" entre otras muchas que han estado presentes en los dos programas que le hemos dedicado con éste. Estas canciones no solo definieron el sonido de la banda, sino que también se convirtieron en himnos del rock progresivo, dejando una huella imborrable en la historia de la música. 01 - Dogs 02 – Money 03 - Brain Damage 04 - Have A Cigar 05 - Welcome To The Machine 06 - Coming Back To Life 07 - One Of These Days 08 - Speak To Me - Breath In The Air 09 - Sheep

Estamos en 1965 y nace en Londres, Pink Floyd que rápidamente se convirtió en un referente del rock psicodélico y progresivo. Su música, caracterizada por letras profundas, experimentación sonora y espectáculos visuales innovadores, los llevó a la cima del éxito. La formación original incluía a ‘Syd Barrett’, ‘Roger Waters’, ‘Richard Wright’ y ‘Nick Mason’, aunque ‘Barrett’ dejó la banda en 1968 debido a problemas de salud mental y fue reemplazado por ‘David Gilmour’. Durante los años ‘70, ‘Pink Floyd’ lanzó algunos de los álbumes más influyentes de la historia, como “The Dark Side of the Moon” en 1973, “Wish You Were Here” en 1975, “Animals en 1977” y “The Wall” en 1979. Estos discos no solo fueron éxitos comerciales, sino que también redefinieron el concepto de álbum conceptual. En los años ‘80, ‘Roger Waters’ dejó la banda, pero ‘Gilmour’, ‘Mason’ y ‘Wright’ continuaron con el legado, lanzando discos como “A Momentary Lapse of Reason” en 1987 y “The Division Bell” en 1994. Con más de 300 millones de álbumes vendidos, ‘Pink Floyd’ sigue siendo una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Su legado está marcado por una serie de ‘Grandes Temas’ que han trascendido generaciones, como "Another Brick in the Wall", "Wish You Were Here", "Comfortably Numb", "Shine On You Crazy Diamond" y "Time" entre otras muchas que estarán presentes en los dos programas que le dedicaremos a los Floyd. Estas canciones no solo definieron el sonido de la banda, sino que también se convirtieron en himnos del rock progresivo, dejando una huella imborrable en la historia de la música. 01 - Another Brick In The Wall (Part II) 02 - Comfortably Numb 03 - Wish You Were Here 04 - Time 05 - Shine On You Crazy Diamond Part I 06 - Us And Them 07 - Learning To Fly 08 - Hey You 09 - High Hopes 10 - Pigs On The Wing II 11 - Louder Than Words

El 15 de agosto de 1975, ‘Grand Funk Railroad’ lanza “Caught In The Act”, un álbum en vivo que capturó toda la energía y el espíritu de la banda en su mejor momento. Este disco doble, grabado durante su gira de ese mismo año, es una muestra vibrante de su sonido potente y su conexión con el público. Desde los primeros acordes de “Footstompin' Music” hasta la intensidad de “Inside Looking Out”, el álbum es un recorrido por los grandes éxitos de la banda, con interpretaciones electrizantes que reflejan su esencia de hard rock. La presencia de ‘The Funkettes’, Lorraine Feather y Jana Giglio, un dúo de coristas que acompañaron a ‘Grand Funk Railroad’ en su álbum “Caught In The Act”, aportaron un toque especial, sumando aún más dinamismo a la experiencia sonora. Además, el álbum incluye versiones memorables de clásicos como “Gimme Shelter”, demostrando la versatilidad del grupo. El impacto de “Caught In The Act” fue inmediato, consolidando a ‘Grand Funk Railroad’ como una de las bandas más influyentes de los años setenta. Con su característico sonido crudo y su entrega total en el escenario, este álbum sigue siendo una referencia imprescindible para los amantes del rock en vivo. Un testimonio de la fuerza y autenticidad de una banda que dejó huella en la historia de la música. 01 - Grand Funk Railroad - Foot Stompin Music 02 - Grand Funk Railroad - Rock & Roll Soul 03 - Grand Funk Railroad - Closer To Home 04 - Grand Funk Railroad – Heartbreaker 05 - Grand Funk Railroad - Some Kind Of Wonderful 06 - Grand Funk Railroad - Shinin' On 07 - Grand Funk Railroad - The Loco-Motion 08 - Grand Funk Railroad - Black Licorice 09 - Grand Funk Railroad - The Railroad 10 - Grand Funk Railroad - We're An American Band 11 - Grand Funk Railroad - T.N.U.C. 12 - Grand Funk Railroad - Inside Looking Out 13 - Grand Funk Railroad - Gimme Shelter

En 1975, ‘Led Zeppelin’ lanzó “Physical Graffiti”, un álbum que no solo consolidó su estatus como una de las bandas más influyentes del rock, sino que también redefinió los límites del género. Este sexto trabajo de estudio, publicado bajo su propio sello Swan Song Records, es una obra maestra de doble duración que captura la esencia creativa y experimental del grupo en su punto más álgido. Desde el explosivo “Custard Pie” hasta la hipnótica “Kashmir”, “Physical Graffiti” es un viaje sonoro que abarca hard rock, blues, folk y hasta tintes progresivos. La banda grabó ocho temas nuevos en 1974 en Headley Grange, un retiro que les permitió improvisar y experimentar con su sonido. Para completar el álbum, incluyeron siete canciones inéditas de sesiones anteriores, creando una colección diversa y vibrante. El impacto de Physical Graffiti fue inmediato. Debutó en lo más alto de las listas y se convirtió en un referente absoluto del rock de los años setenta. Con más de quince millones de copias vendidas, sigue siendo una obra imprescindible para cualquier amante de la música. Un disco que encapsula la magia y la fuerza de ‘Led Zeppelin’ en su mejor momento. 01 - Custard Pie 02 - The Rover 03 - In My Time Of Dying 04 - Houses Of The Holy 05 - Trampled Under Foot 06 - Kashmir 07 - In The Light 08 - Ten Years Gone 09 - Boogie With Stu