Live Jazz

Live Jazz con Octavio Exhávarri Dos gigantes del jazz-rock nos dejaron recientemente, pero su música permanece como testimonio de una época en la que el jazz rompió fronteras y encontró nuevos caminos dentro del rock.En esta emisión de Live Jazz, Octavio Echávarri rinde homenaje a Walter Parazaider, fundador de Chicago y visionario que convirtió la sección de metales en parte esencial del sonido de una banda de rock, y a David Clayton-Thomas, la inconfundible voz de Blood, Sweat & Tears, responsable de algunos de los himnos más importantes del jazz-rock de finales de los años sesenta.A través de una selección de temas emblemáticos de ambas agrupaciones, recorremos la historia de dos artistas que transformaron la música popular mezclando la fuerza del rock con la libertad del jazz.Escucha Live Jazz en Spreaker y acompáñanosmañana miércoles a las 7:00 p.m. en la retransmisión por Radioactiva TX.🎙️ Radioactiva TX – La radio alternativa.🌐 www.radioactivatx.org

Live Jazzcon Octavio Echávarri Lore Aquino presenta “Nacimahí”:Este fin de semana la Ciudad de México recibirá una propuesta donde la canción latinoamericana, el jazz y el folklore se encuentran en un mismo escenario.Escuchemos la recomendación de Octavio para Conexión Dispersa.Esta semana en Live Jazz nos acercamos a una propuesta donde las fronteras entre géneros simplemente desaparecen.La cantautora chiapaneca Lore Aquino presenta Nacimahí, un espectáculo que reúne canción latinoamericana, jazz, folklore y poesía en una experiencia íntima y profundamente emotiva. Una noche donde la música se convierte en un espacio de encuentro con la memoria, la identidad y las emociones que nos acompañan a lo largo de la vida.El concierto contará con la participación especial de Los Macorinos, legendario dueto que ha acompañado a algunas de las voces más importantes de la música mexicana y latinoamericana, compartiendo escenario con Lore Aquino en un momento que promete ser uno de los puntos más sensibles de la velada.También participará el dueto de compositores NiñoVan, mientras que la dirección musical, los arreglos y la guitarra estarán a cargo de Saukey Liy, acompañado por Manu Merchand en el bajo y Jesús Bernal en la batería, músicos que aportan una sonoridad contemporánea donde el jazz dialoga naturalmente con la canción de raíz latinoamericana.La cita es el próximo domingo 28 de junio a las seis de la tarde en el Teatro Benito Juárez de la Ciudad de México.Boletos disponibles en ticketmaster:  https://www.ticketmaster.com.mx/nacimahi-un-viaje-musical-con-lore-mexico-28-06-2026/event/3D00649489021DF2  y en la taquilla del Teatro. Horarios de taquilla: Martes a viernes de 15:00 a 19:00 horas, sábados de 11:00 a 14:00 y de 16:00 a 19:00, domingos de 11:00 a 14:00 y de 15:00 a 18:00 horas.Live Jazz martes 9pm podcast conexión dispersa spreaker Repetición lunes 3pm www.radioactivatx.org 

Live Jazz Cantantes Ft Ed Lorenz y Octavio Echávarri martes 9 pm  repetición lunes 3pm  www.radioactivatx.org

LIVE JAZZ PODCASTMartes 9:00 PMRepetición: Lunes 3:00 PMwww.radioactivatx.orgEsta semana en Live Jazz Podcast rendimos homenaje a uno de los gigantes absolutos de la historia del jazz: Sonny Rollins.Durante más de medio siglo, Rollins redefinió el papel del saxofón tenor con una mezcla única de virtuosismo, riesgo e imaginación. Dueño de una capacidad de improvisación extraordinaria, fue una figura fundamental del bebop y el hard bop, compartiendo época con nombres como Charlie Parker, Thelonious Monk, Max Roach, Miles Davis y John Coltrane.A través de clásicos como St. Thomas, Oleo, Doxy y Tenor Madness, recorreremos la trayectoria de un músico que nunca dejó de reinventarse y cuya influencia sigue viva en generaciones enteras de jazzistas alrededor del mundo.Escucharemos algunas de sus grabaciones más emblemáticas, hablaremos de sus innovaciones musicales, de sus célebres periodos de retiro voluntario, de su trabajo en el cine con Alfie y de colaboraciones inesperadas como su participación en Tattoo You de los Rolling Stones.Sonny Rollins fue mucho más que un saxofonista excepcional: fue un explorador sonoro que convirtió la improvisación en una forma de pensamiento.Live Jazz Podcast.Martes 9:00 PM.Repetición lunes 3:00 PM.Por Radioactiva TX.

LIVE JAZZ PODCASTLUIS GASCAHomenaje en vida a una leyenda del jazz latino El jazz latino, la contracultura de San Francisco y la historia musical de América Latina convergen en una sola figura: Luis Gasca.Trompetista, compositor y arreglista de raíces mexicanas, Gasca se convirtió en un puente sonoro entre el jazz, el rock psicodélico, la música afrocubana y el movimiento chicano de los años sesenta y setenta. Su trayectoria lo llevó a compartir escenario y estudio con nombres fundamentales como Carlos Santana, Janis Joplin, Mongo Santamaría, Tito Puente, Count Basie y Grateful Dead, consolidando un sonido que rompió fronteras culturales y musicales. Como solista dejó discos fundamentales como For Those Who Chant y Luis Gasca (1972), rodeado de músicos históricos como Joe Henderson, Stanley Clarke y Lenny White. Hoy, después de más de seis décadas de trayectoria, Luis Gasca sigue activo en México participando en proyectos culturales, festivales y actividades que defienden la música como herramienta de inclusión, memoria y transformación social. El próximo 30 de mayo, el histórico Salón Los Ángeles abrirá sus puertas para un homenaje en vida dedicado a Luis Gasca y al virtuoso pianista cubano Gabriel Hernández.Una noche donde la síncopa, el jazz latino y la amistad serán protagonistas junto a invitados como Los Kcomixtles, Leo Acosta, Dannah Garay, Alex Mercado y la ONJMX. Más que un concierto, será una celebración viva de la música, la memoria y la resistencia cultural.Martes 9 PM por Conexión Dispersa Podcast Channel en Spreaker.Repetición lunes 3 PM por Radioactiva TX. www.radioactivatx.org

LIVE JAZZ con Octavio Echávarri NOTA DOMINANTEEn este episodio de Live Jazz Podcast hablamos de Nota Dominante, una serie independiente que en 2014 decidió retratar la escena del jazz mexicano desde una mirada distinta: joven, cinematográfica y alejada de los filtros comerciales.Producida por Polytropos AC ( https://www.polytroposac.com/ ),dirigida por Luis Felipe Ferra y conducida por Valeria Estefan, la serie reunió a músicos, artistas visuales, gestores culturales y protagonistas de una escena que sigue construyéndose desde la resistencia, la creatividad y la pasión.Más que entrevistas, Nota Dominante funciona como un documento sobre el ecosistema del jazz en México y las múltiples realidades que lo rodean.Escucha este nuevo episodio de Live Jazz Podcast con Octavio Echávarri.Disponible en podcast por Conexión Dispersa en Spreaker.Martes 9 PM.Retransmisión por Radioactiva TXLunes 3 PM.Escúchanos en: www.radioactivatx.orgBúscanos en redes como Radioactiva TX y Conexión Dispersa.

Live Jazzcon Octavio Echávarri Ed Lorenz https://www.edlorenz.com/ Live Jazz, Octavio Echávarri nos presenta All of Me, el más reciente álbum de Ed Lorenz, una producción que reúne clásicos del American Songbook junto a una alineación extraordinaria encabezada por el legendario contrabajista Eddie Gómez, figura histórica del jazz que ha colaborado con nombres como Bill Evans, Miles Davis, Charles Mingus y Chick Corea.Acompañado por Daniel Wong en el piano, Rodrigo Villanueva en la batería y Juan José López en la guitarra, Ed Lorenz construye un recorrido elegante y emotivo por temas como Blue Moon, Misty, A Nightingale Sang In Berkeley Square y All of Me.Además, Octavio repasa la trayectoria de uno de los grandes vocalistas de jazz en México: desde sus estudios en Berklee College of Music hasta sus distintos proyectos discográficos y homenajes a figuras como Frank Sinatra y Elvis Presley.Con All of Me, Ed Lorenz  reafirma su lugar como una de las voces más importantes del jazz en México.🎙️ Live Jazz con Octavio Echávarri 📍 Estreno martes 9 PM en Conexión Dispersa Podcast Channel por Spreaker📻 Repetición lunes 3 PM por www.radioactivatx.org#LiveJazz #EdLorenz #AllOfMe #Jazz #JazzMexicano #EddieGomez #OctavioEchavarri #ConexionDispersa #RadioactivaTX

LIVE JAZZcon Octavio Echávarri Pedro Dabdoub celebra los 10 años de Jazzpango con un concierto especial en el Auditorio Roberto Cantoral, dentro del marco del Día Internacional del Jazz. Dabdoub es compositor, arreglista y productor mexicano con una trayectoria amplia dentro de la música nacional. Con más de 3000 piezas compuestas y más de 100 producciones discográficas, su trabajo se ha desarrollado entre distintos géneros, siempre con una línea clara hacia la exploración sonora. Jazzpango, su proyecto más representativo, ha recorrido distintos escenarios y festivales en México, proponiendo una fusión entre el huapango, el jazz y el pop. Un trabajo que no busca quedarse en la tradición, sino reinterpretarla desde un lenguaje actual. Este concierto marca una década del proyecto y presenta un recorrido por esa evolución musical. Como parte del programa, participará la Big Band Jazz Kids de la Orquesta Nacional de Jazz de México, con una versión especial de Mundo de Caramelo, con arreglos creados específicamente para este concierto.La presentación será el 8 de mayo a las 20:00 horas en el Auditorio Roberto Cantoral.martes 9 pm repeticion lunes 3pm www.radioactivatx.org 

LiveJazzHIROMI: SONICWONDER EN MÉXICO La pianista y compositora japonesa Hiromi Uehara regresa a México con uno de los proyectos más vibrantes del jazz contemporáneo: Hiromi’s Sonicwonder. Una propuesta que desborda energía, técnica y libertad creativa, acompañada por músicos de alto calibre como Adam O’Farrill, Gene Coye y Hadrien Feraud. En este episodio de Live Jazz, nos acercamos a la fuerza musical de Hiromi, una artista que ha redefinido los límites del piano en el jazz, fusionando elementos de rock, funk, pop y sonidos electrónicos con una naturalidad sorprendente. Desde sus inicios —cuando fue impulsada por figuras como Chick Corea— hasta su consolidación como una de las intérpretes más influyentes de su generación, su trayectoria ha sido un constante ejercicio de exploración. Sonicwonder no es solo un ensamble, es un laboratorio sonoro en movimiento. Aquí, el piano se convierte en el eje de una conversación musical donde la improvisación, los grooves eléctricos y la interacción colectiva construyen paisajes que cambian en tiempo real. Una experiencia que, como ha señalado la crítica, captura la exuberancia y el espíritu inquieto que definen a Hiromi sobre el escenario. A propósito de su regreso al Lunario del Auditorio Nacional este 29 y 30 de abril, en el marco del Día Internacional del Jazz, dedicamos esta sesión a recorrer su universo sonoro y entender por qué su música sigue marcando el pulso de la escena global. No es solo virtuosismo.Es riesgo, diálogo y evolución constante.Escúchanos en www.radioactivatx.orgBúscanos en redes como Radioactiva TX

Live Jazz Bravo Brubeck | Pablo PrietoEn esta emisión de Live Jazz, Octavio Echávarri nos lleva a un recorrido dedicado a la música de Dave Brubeck, una de las figuras clave del jazz moderno, a través del proyecto “Bravo Brubeck!”, liderado por el baterista mexicano Pablo Prieto. Más que un tributo, este proyecto es una reinterpretación viva del legado de Brubeck: composiciones icónicas y piezas menos exploradas que revelan la riqueza de su lenguaje musical, profundamente influenciado por sonidos de distintas partes del mundo, desde Japón hasta Latinoamérica. Pablo Prieto, quien tuvo un vínculo directo con Brubeck desde los años 80, retoma esa conexión para acercar esta música a nuevas generaciones, manteniendo su complejidad, pero también su sensibilidad y espíritu explorador. Un episodio que no solo celebra a una leyenda, sino que muestra cómo su obra sigue resonando y transformándose en manos de músicos contemporáneos. Escucha Live Jazz con Octavio EchávarriDisponible en Conexión Dispersa en SpreakerEstreno martes 9 PMRepetición lunes 3 PM por www.radioactivatx.org #LiveJazz #DaveBrubeck #JazzMexicano #PabloPrieto #RadioactivaTX

LIVE JAZZ con Octavio Echávari HERBIE HANCOCK – 86 AÑOS Esta sesión está dedicada a Herbie Hancock, una de las figuras más influyentes, inquietas y provocadoras en la historia del jazz. A sus 86 años, su legado no se define por la permanencia, sino por el movimiento constante. Discípulo y colaborador de Miles Davis, Hancock construyó un camino propio: sinuoso, arriesgado, siempre en transformación. Su música ha transitado con naturalidad entre el jazz acústico, la experimentación electrónica y el R&B, desafiando etiquetas y cuestionando a los puristas. Su lenguaje pianístico, nutrido por influencias como Bill Evans, el blues, el funk y la música clásica moderna, se distingue por una armonía sofisticada y una complejidad rítmica que sigue marcando a generaciones de músicos. Pero más allá de la técnica, su esencia está en la búsqueda. Apasionado por la tecnología, fue pionero en la incorporación de instrumentos electrónicos como el Rhodes, el clavinet y los sintetizadores, expandiendo los límites del jazz sin abandonar nunca la profundidad del piano de cola. Su obra es una conversación entre tradición y futuro. Además de su impacto musical, Hancock ha impulsado una visión humanista del arte. Como embajador de la UNESCO, promovió la creación del Día Internacional del Jazz, celebrado cada 30 de abril como un símbolo de diálogo, paz y entendimiento entre culturas. Más que una celebración, este episodio es un recorrido por una mente que nunca dejó de explorar.Escúchalo en www.radioactivatx.orgDisponible en podcast a través de Conexión Dispersa en Spreaker

Live Jazz con Octavio Echávarri Esto no es jazz… En el volumen 3 de la serie Esto no es jazz: los 60s, nos reencontramos con canciones que marcaron a toda una generación, temas que llegaron a lo más alto de las listas… pero reinterpretados desde otro lugar, con la libertad que solo el jazz puede dar. Aquí, lo popular cambia de forma.Las melodías que hemos escuchado una y otra vez adquieren nueva vida: más abiertas, más intensas, más profundas.No es nostalgia.Es reimaginación.Un recorrido donde los grandes temas de los años 60 renacen a través de la improvisación y la sensibilidad de distintos jazzistas, dejando su propia huella en estos clásicos.🎧 Podcast disponible martes 9 PM en Conexión Dispersa (Spreaker)📻 Repetición lunes 3 PM en www.radioactivatx.org

Live Jazz con Octavio Echávarri Esto no es jazz… En este volumen 2: Los 70s, volvemos a esas canciones que marcaron a toda una generación. Temas que dominaron las listas de popularidad… pero ahora reinterpretados desde el lenguaje del jazz. Aquí, lo popular se transforma.Las melodías que todos conocemos toman otra forma: más libres, más abiertas, más profundas. No es nostalgia.Es reinterpretación. Un recorrido donde los grandes temas de los años 70 renacen a través de la improvisación y la sensibilidad de distintos jazzistas. 🎧 Podcast disponible en Conexión Dispersa a través de Spreaker📻 Repetición lunes 3 PM en www.radioactivatx.org#####

LIVE JAZZ Con Octavio Echávarri Esto no es jazz… Volumen 1, Los 80s,En este volumen 1 escucharemos canciones que marcaron a toda una generación...Canciones que marcaron a toda una generación, hits que llegaron al número uno… pero reinterpretados desde el lenguaje del jazz. Aquí, lo popular se transforma.Las melodías que todos conocemos toman otra forma: más libres, más abiertas, más profundas. No es nostalgia.Es reinterpretación. Un recorrido donde los grandes temas de los años 80 renacen a través de la improvisación y la sensibilidad de distintos jazzistas.🎧 Escúchalo en www.radioactivatx.org | lunes 3 pm📻 Live Jazz Podcast | Conexión Dispersa en Spreaker | martes 9 pm#LiveJazz #RadioactivaTX #RTX #JazzCovers #ConexionDispersaRadio

Live Jazz con Octavio Echávarri GASÚ SIQUEIROS UN INTRUSO EN LIVEJAZZEn este episodio de Live Jazz, Octavio Echávarri conversa con Gasú Siqueiros, músico, compositor, productor y guitarrista fundamental en la historia del rock mexicano. Fundador de Los Amantes de Lola, Gasú ha sido pieza clave en una de las bandas que definieron el sonido de toda una generación dentro del movimiento Rock en tu idioma. A lo largo de la charla, exploramos su trayectoria, sus procesos creativos y la evolución de una escena que sigue resonando en nuevas generaciones. Una conversación que cruza décadas de música, identidad y transformación artística. Además, nos comparte detalles sobre la presentación especial de Los Amantes de Lola este próximo 21 de marzo en el Marakita Piano Bar, en un formato íntimo que promete un recorrido cercano por sus canciones más representativas.https://www.instagram.com/lamarakita.mx/ https://www.instagram.com/losamantesdelola/ Escúchanos en www.radioactivatx.orgPodcast disponible en plataformas digitales 

Live Jazzcon Octavio Echávarri DANNAH GARAYDannah Garay se prepara para llevar la magia de su más reciente álbum "Our Little Nothings" al Lunario del Auditorio Nacional el próximo 12 de marzo, en una atmósfera en la que invita al público a creer en el amor y en los pequeños instantes que lo cambian todo. Durante su presentación, la compositora estará acompañada por algunos de los mejores músicos del país, cuya solidez, sensibilidad y musicalidad aportan una base poderosa y sofisticada a su proyecto; además de un cuarteto de cuerdas que añadirá una sonoridad acústica envolvente, intensa y emotiva, lo que elevará cada interpretación a un espacio donde la energía y la sensibilidad conviven en perfecta armonía. Por si fuera poco, Garay contará con dos grandes invitados: Horacio Franco y Argentina Durán.  “Our Little Nothings” es un proyecto íntimo y luminoso compuesto por obras originales que hablan de la vida, del amor y de los pequeños momentos, aparentemente simples que, sin saberlo, se quedan en el corazón. En este material Dannah narra cómo dos seres pueden llegar a encontrarse y enamorarse incluso a la distancia, construyendo una historia cargada de esperanza, sensibilidad y verdad.  Live Jazz lunes 3 pm www.radioactivatx.org 

Live Jazz con Octavio Echávarri THE LATAM PINK FLOYD SHOW   Pink Floyd es una de las bandas de rock más predominantes y celebradas de todos los tiempos, leyendas del rock progresivo y espacial, conocida por su superlativa musicalidad.THE LATAM PINK FLOYD SHOW, considerado como el tributo número uno de Latinoamérica llegará a la capital para reencontrarse con un público que ha hecho del rock progresivo un territorio emocional propio, dispuesto a sumergirse nuevamente en el universo sonoro y visual de Pink Floyd. La cita será el 5 de marzo de 2026 en La Maraka a partir de las nueve de la noche.    Reconocido como uno de los tributos más sólidos de Latinoamérica, THE LATAM PINK FLOYD SHOW ha cimentado su prestigio en la precisión sonora y en una interpretación respetuosa, casi reverencial, del material original de la banda inglesa. Los arreglos, las atmósferas y las transiciones han sido trabajados con minuciosidad para preservar la profundidad emocional de una obra que marcó generaciones y redefinió los límites entre el rock, el arte y la experimentación. Su producción acompaña cada pasaje musical con proyecciones, láser, juegos de luces y efectos sincronizados. El show no busca imitar de forma superficial, sino evocar el carácter monumental de los conciertos de Pink Floyd. Para los seguidores de Pink Floyd, esta presentación representa la posibilidad de reencontrarse con una obra que sigue dialogando con el presente. Para quienes se acercan por primera vez a su legado, THE LATAM PINK FLOYD SHOW se erige como una puerta de entrada privilegiada a un universo sonoro que no ha perdido vigencia ni profundidad. El 5 de marzo de 2026, a partir de las 9 pm, la música volverá a trascender el tiempo en una noche concebida para escucharse, verse y sentirse. Boletos a la venta en taquillas del inmueble y en el Sistema Arema en Arema.mx live jazz lunes 3 pm www.radioactivatx.org martes Conexión Dispersa @spreaker playlistTHE GREAT GIG IN THE SKY/SAM YAHEL, ARI HOENIG, SEAMUS BLAKE, MIKE MORENOWISH YOU WERE HERE/THE PINK FLOYDS/IF IT WAS MADE IN 1950US AND THEM/B.D. LENZBRAIN DAMAGE/THE SURKSIKSMONEY/ALEX SKOLNICK TRIOSHINE ON YOU CRAZY DIAMOND/PINK FLOYD REIMAGINEDHEY YOU/PINK FLOYD SMOOTH JAZZ TRIBUTECOMFORTABLY NUMB/THE BAD PLUSANOTHER BRICK ON THE WALL/THINK FLOYD-PIGS (THREE DIFFERENT ONES)/AL DiMEOLA, JAMES LaBRIE, PATRICK MORAZ, BILLY COBHAM, JOE BOUCHARD, BILLY SHERWOOD  

Live Jazz con Octavio Echávarri martes podcast 9pm conexión dispersa en spreaker repetición lunes 3 pm https://www.radioactivatx.org/ GASÚ SIQUEIROS UN INTRUSO EN LIVEJAZZ   Gasú Siqueiros es un destacado músico, compositor, productor y guitarrista mexicano, reconocido principalmente por ser miembro fundador, en 1987, del grupo Los Amantes de Lola . Con una amplia trayectoria, ha colaborado con diversos artistas y ha incursionado en proyectos como Los Necios.    Los Amantes de Lola es una legendaria banda de la escena contemporánea del rock en latinoamérica. Fueron ganadores del concurso Rock en tu idioma y sin duda alguna, ha desarrollado una gran carrera de la que ahora toman ejemplo las nuevas generaciones de músicos. La Banda ha lanzado tres discos de estudio: Los amantes de Lola (1990), La era del terror (1991) y 3 (2004) más uno en vivo, Historias de Cabaret (2006).   Encabezados por Kazz y Gasú, Los Amantes de Lola se presentará el próximo sábado 21 de marzo en el Marakita Piano Bar Live Music (Mitla 410, Col. Narvarte) en la Ciudad de México, en punto de las 9 de la noche, con un espectáculo en formato íntimo en el que recorrerán sus grandes éxitos. Los boletos ya se encuentran disponibles a través de Arema.mx . Las reservaciones pueden realizarse directamente a los números telefónicos 55 56 82 06 36 y 55 88 32 00 19.  

Live Jazz CHACHO GAYTÁNSIRENAS Chacho Gaytán es un talentoso pianista, tecladista, compositor, arreglista y productor musical con una amplia experiencia de más de 30 años en la industria de la música. Co-fundador, socio, productor, compositor y director musical de “MYST” y espectáculos originales nacionales e internacionales, ha realizado giras por todo México, USA, Centro y Sudamérica con proyectos pop como Sentidos Opuestos de gran fama y éxito, ha demostrado su versatilidad y creatividad en la escena del jazz, como director de orquesta y en cada uno de los proyectos que realiza. Además de su destacada labor en la músical, Chacho también ha dejado su huella los últimos 12 años en la televisión mexicana; cuenta con decenas de composiciones originales para piano y orquesta en telenovelas, películas, corporativos importantes de marcas prestigiadas en el mundo, exponiendo su arte en Londres, Washington y Ciudad de México en experiencias inmersivas. Su habilidad para componer, arreglar y dirigir sus producciones y orquestas ha sido reconocida con premios como la “Diosa de Plata” por mejor música y score original en el cine mexicano y la nominación al “Latín Grammy” como productor musical; con una formación sólida en composición, arreglo y orquestación, Chacho continúa perfeccionando su arte. Este 2026 con toda esta experiencia y carrera artística que lo respalda, cumple su sueño de realizar “SIRENAS”, una grandiosa obra musical original donde pretende ampliar y expandir su obra a otros públicos y lugares en todo México y el mundo. El sonido y mezcla de todas la corrientes artísticas que lo han influenciado como el pop y jazz clásico, crea su más fresca versión, interpretación única, arreglos sorprendentes y un repertorio musical con piezas que llenarán a la audiencia de emociones, ingrediente imperdible por el amor y la pasión que hace ser “MAESTRO”. “Sirenas se presentará el próximo 19 de febrero a las 20:30 en el Foro Total Play, ubicado en Plaza Antara. Boletos disponibles en FerverUp.com Martes Conexión Dispersa en spreaker Lunes 3pm www.radioactivatx.org 

Live Jazz con Octavio EchávarriInvitado: Enrique ToussaintMartes · 9:00 pmConexión Dispersa · SpreakerLunes · 3:00 pmwww.radioactivatx.orgEnrique Toussaint es un bajista autodidacta nacido en la Ciudad de México que tiene una carrera profesional de más de 40 años. A la fecha, ha participado en más de 140 discos y ha grabado y tocado en vivo con destacados artistas del mundo del pop, el rock y el jazz; desde hace más de 40 años es el bajista titular de la Orquesta de Paul Anka. Enrique formó parte de uno de los grupos más importantes de la música contemporánea en México: Sacbé, un proyecto musical que, a la vez que representara lo que en ese momento se hacía en el jazz contemporáneo, tuviera una identidad propia, latinoamericana, que reflejase un movimiento musical importante y fresco. Enrique llega a Underdog Custom CustomStore para realizar un conversatorio que tiene un triple motivo:1.- Para festejar los 10 años del lanzamiento de En El Camino Blanco, realizado en 2016 en memoria de sus hermanos Eugenio y Fernando Toussaint, en el que mezcla su visión personal del trabajo realizado durante décadas por Sacbé, uno de los grupos más importantes de la música contemporánea en México. El disco reaparece en una versión remezclada y remasterizada y un nuevo trabajo de arte.2.- Para festejar sus 70 años de vida, que se ha visto enriquecida con una larga e importante trayectoria profesional, en la que ha participado en más de 140 discos y ha grabado y tocado en vivo con destacados artistas del mundo del pop, el rock y el jazz. Desde hace más de 40 años es el bajista titular de la Orquesta de Paul Anka.3.- Para honrar la memoria de Eugenio Toussaint en su 15º aniversario luctuoso. Uno de los músicos más importantes de México, Eugenio incursionó lo mismo en el terreno del jazz que en el de lo clásico y lo popular, como instrumentista, arreglista, compositor y productor. También se interesó por la didáctica musical, compartió sus opiniones en los medios impresos y en los electrónicos y se desempeño, con éxito, en varias actividades más. Esta actividad tendrá lugar el próximo jueves 12 de febrero a las 17:00 en las instalaciones de Underdog CustomStore.Mayores informes en [email protected]

LIVE JAZZ RADIO | ESPECIAL KANSASEsta noche en Live Jazz exploramos el legado de Kansas, una banda que no solo marcó el rock progresivo de los 70, sino que redefinió la manera en que la emoción, la técnica y la carretera podían convivir en una misma canción.Desde Dust in the Wind hasta Carry On Wayward Son, Kansas se convirtió en una institución sonora capaz de cruzar generaciones, estilos y formatos, inspirando reinterpretaciones desde el jazz, el soul, el funk y la música instrumental contemporánea. Un recorrido musical que conecta pasado y presente, justo en el contexto de su gira mundial por los 50 años, con un regreso histórico a México tras más de una década de ausencia. 🕘 Podcast: 9:00 PM🎧 Disponible en Conexión Dispersa vía Spreaker🔁 Repetición: Lunes 3:00 PM🌐 En vivo y streaming: www.radioactivatx.orgBúscanos como radioactivatx en todos lados y escucha Live Jazz Radio.KANSAS   1.-DUST IN THE WIND/MALE RNB   Kansas no es solo una banda, es una institución musical. Formados en 1970 en la ciudad de Topeka, Kansas, lograron unir la destreza instrumental del rock progresivo con el alma del rock estadounidense de la carretera. El grupo alcanzó la fama en la década de los años 70 con una mezcla de la complejidad del rock progresivo, riffs de hard rock y ganchos pop. Su estilo —donde el violín se convierte en voz, el órgano Hammond en espíritu y la guitarra en lenguaje universal— transformó para siempre la noción de lo que podía ser una banda de rock. Con más de 30 millones de discos vendidos, múltiples giras mundiales y un repertorio que figura en las listas de las mejores canciones del siglo XX, Kansas se mantiene como sinónimo de autenticidad y talento sin concesiones.   2.-POINT OF KNOW RETURN/JOE BENNETT3.-CARRY ON WAYWARD SON/SPOOFY   Fusionando la complejidad del rock progresivo británico con un sonido característico del corazón de Estados Unidos, Kansas, con ventas multiplatino, se encuentra entre las bandas más populares de finales de los 70. Sus sencillos de la época —"Dust in the Wind", "Carry on Wayward Son" y su versión de "Bringing It Back" de J.J. Cale— se convirtieron en clásicos de la radio AOR y aún se escuchan en las radios de rock clásico. Durante los 70, la banda vendió decenas de millones de discos, y el éxito comercial de Leftoverture (1976), Point of Know Return (1977) y Monolith (1979) los catapultó a la fama de superestrellas y a conciertos con entradas agotadas por Estados Unidos, Europa, Sudamérica y Asia. Si bien su popularidad disminuyó en los 90, continuaron grabando y girando.   4.-SONG FOR AMERICA/MARK WOOD ORCHESTRA 5.-PORTRAIT/FUKI MAKAI   La gira “Another Fork in The Road”, que celebra 50 años de la ilustre historia musical de la banda con conciertos que incluyen dos horas completas de éxitos memorables, favoritos de los fanáticos y temas que rara vez se tocan en vivo. La gira, que inició en 2023, se ha caracterizado por actuaciones enérgicas y fascinantes. “La forma en que el público recibió la gira del 50º aniversario ha sido espectacular”, comenta el baterista y miembro original de Kansas, Phil Ehart. “Tenía sentido extender la gira hasta 2026. Esperamos que los fanáticos en más lugares puedan ver los conciertos. La formación actual de la banda incluye a Ehart, al bajista y vocalista Billy Greer, el vocalista principal y tecladista Ronnie Platt, el tecladista y vocalista Tom Brislin, el violinista y guitarrista Joe Deninzon y el guitarrista original Richard Williams. Además, Eric Holmquist toca la batería durante la primera parte de cada concierto, porque Phil Ehart está recuperándose de una lesión en el brazo.    6.-THE DEVIL GAME/INTERNATIONAL COLLABORATION JEROME MAZZA 7.-NO ONE TOGETHER/M. DO   Su gira de 50 aniversario ha sido descrita por la crítica internacional como una experiencia trascendental: una mezcla entre ceremonia y celebración, donde el público se convierte en coro y los músicos en narradores del tiempo. Con una producción escénica de primer nivel, pantallas, luces y un repertorio que abarca sus obras más emblemáticas, el concierto en el Velódromo Olímpico de la CDMX promete ser un encuentro entre pasado, presente y futuro del rock. En un momento en que el mundo del espectáculo busca reconectar con las emociones genuinas, Kansas ofrece una oportunidad irrepetible para reencontrarse con la esencia misma de la música. Su regreso no solo revive los años dorados del rock progresivo, sino que confirma que los grandes himnos jamás mueren: solo esperan el instante preciso para volver a sonar.   8.-CARRY ON WAYWARD SON/SOUL FUNK 9.-DUST IN THE WIND/FRANK VIGNOLA & VINNY RANIOLO   Después de dieciséis años de silencio en los escenarios mexicanos, Kansas, una de las bandas más emblemáticas del rock progresivo y clásico, regresa a la Ciudad de México con una cita destinada a quedar grabada en la memoria colectiva. El próximo 7 de febrero a las 21:00, el Velódromo Olímpico será testigo de un viaje sonoro por cinco décadas de historia, virtuosismo y emoción pura, en un concierto que forma parte de su gira mundial por el 50º aniversario, en lo que será una celebración majestuosa. Phil Ehart, baterista y miembro fundador de la agrupación, encabezará esta celebración que promete reunir a generaciones enteras bajo un mismo latido. Desde los acordes que marcaron una época hasta las melodías que hicieron soñar al mundo, la banda volverá a encender la llama del rock con clásicos inmortales como “Carry On Wayward Son” y “Dust in the Wind”, himnos que siguen sonando a través del tiempo con la misma fuerza con la que fueron concebidos. Boletos disponibles en funticket.com   10.-THE PINNACLE/MELANIE MAU & MARTIN SCHNELLA

Live Jazz KENNY G   Ícono del crossover, el saxofonista Kenny G ha disfrutado de un éxito fenomenal en las listas de éxitos del pop, el jazz y el R&B durante más de cuatro décadas. Influenciado por músicos como Stan Getz y Grover Washington, Jr., Kenny es conocido por su estilo lírico y emotivo, un sonido que le ha ganado una fiel base de fans. Sin embargo, Kenny G es el villano de la escena musical contemporánea. Puede que sea cierto, pero retroceder a sus inicios, incluyendo la actuación en el legendario Festival de Jazz de Newport, ofrece una perspectiva interesante del hombre que los aficionados al jazz aman odiar. Hay un tipo particular de aficionado que todavía se estremece cuando se menciona el nombre de Kenny G. al que casi se le puede ver buscando su ejemplar de Kind of Blue de Miles Davis como si fuera un crucifijo. Y sin embargo, el hombre del pelo rizado permanente, el sax soprano y la respiración aparentemente interminable, vendió más discos que cualquier otro instrumentista de la historia. ¿Cómo sucedió eso? Hay que retroceder a principios de los 80, una época en la que la fusión estaba en decadencia, la radio amaba todo lo suave y el jazz intentaba encontrar su lugar en un mundo de sintetizadores y hombreras.   Kenny G —cuyo verdadero nombre es Kenneth Gorelick— creció en Seattle, practicando con los discos de Grover Washington Jr. y apareciendo en anuncios de televisión antes de terminar la escuela. Tocaba de maravilla. Esa es la parte que la gente olvida: tocó con la Love Unlimited Orchestra de Barry White, se unió a Jeff Lorber Fusion y se forjó su talento como cualquier músico en activo: de gira, en el estudio, aprendiendo el oficio. Pero en algún momento se dio cuenta de algo que la mayoría de los jazzistas pasan por alto: si envolvías un fraseo complejo en algo que sonara natural y dulce, podías llegar a un público mucho más amplio que el circuito de clubes. A mediados de los 80, Kenny G firmó con Arista Records y aunque sus primeros álbumes se vendieron modestamente, en 1986 llegó Duotones y Songbird, el tema que lo cambió todo. No fue un éxito por un solo deslumbrante, fue un éxito porque millones de personas que creían que no les gustaba el jazz, de repente se dieron cuenta de que les gustaba ese sonido. El tono era pulido, puro, casi líquido. Encajaba en la radio. Encajaba en los ascensores. Encajaba en las cenas. Era jazz sin las partes "complicadas": los solos que te perdían, las armonías que te costaban trabajo. Para 1987, fue contratado para el escenario principal del Festival de Jazz de Newport. Para los críticos, fue un sacrilegio; para todos los demás, fue un soplo de aire fresco y perfumado.   Para 1988, la radio de smooth jazz estaba en auge. Los directores de programación querían melodías que se pudieran tararear. Arista comercializó a Kenny G como una estrella del pop, no como un músico acompañante y funcionó. Se convirtió en un símbolo, según se mire, del menor compromiso comercial del jazz o de su reinvención más inteligente. Convirtió el sonido del saxo soprano en algo popular, vendió millones de álbumes y construyó una carrera con la que la mayoría de los músicos solo podían soñar. Y al hacerlo, se convirtió en el pararrayos de todo un género. Las emisoras de jazz suave lo ponían una y otra vez. Los críticos afilaron sus cuchillos, todo purista del jazz necesitaba a alguien a quien culpar por el declive del jazz auténtico y Kenny G estaba ahí, con una sonrisa y una nota circular perfecta que se prolongaba eternamente.   Hay algo fascinante en la energía que todavía se dedica en el mundo del jazz para discutir sobre Kenny G. Se burlan de su peinado, de su sonrisa, de su tono de lobby de hotel. Pero detrás de todo eso se esconde una simple verdad: él comprendió lo que quería un público enorme y lo transmitió con total sinceridad. No fingió estar a la moda ni buscó la aprobación de la crítica. Apostó por la melodía, el tono y la consistencia. En cierto modo, eso es lo que todo artista desea: tocar su sonido, a su manera y que el mundo lo escuche. Simplemente lo hizo a una escala que incomodó a todos.   Cuando escuchas Songbird en un café, piensas en "suave". De eso se trata. Ayudó a inventar una forma sónica de sofisticación para el mercado masivo, incluso si eso ponía de nervios a los fanáticos del jazz más acérrimos. Y quizás esa sea la verdadera historia del ascenso de Kenny G. No mató el jazz, tampoco lo salvó. Simplemente demostró que había un amplio espacio entre ambos: un espacio donde un saxofón podía vender diez millones de discos y al mismo tiempo seguir siendo el chiste de todos los músicos “serios”. Lo suyo es maestría técnica en busca de la perfección comercial, sinceridad confundida con sentimentalismo. Y de alguna manera, cuarenta años después, se sigue hablando de él. En una entrevista de 1996 con Paul Semel, Sonny Rollins dijo: "en realidad, lo que hace Kenny G sigue siendo jazz. Sin embargo, es solo cuestión de cuánto te adentres en su música... No estoy enojado por su éxito en absoluto, ¿por qué debería estarlo? ¡Que le vaya bien! No tiene nada que ver con lo que hago".   Kenny G regresa a México, una visita que reafirma la estrecha relación entre el músico y el público mexicano, una conexión que ha perdurado con los años. México siempre ha respondido con calidez a su propuesta: un jazz refinado, accesible, que dialoga con el pop sin perder su sofisticación, que se atreve a ser íntimo y monumental al mismo tiempo. Su regreso no es un simple reencuentro con el público, sino una ceremonia de belleza sonora, un viaje entre la técnica y el sentimiento. Kenny G llega a México como lo que es: una leyenda viva del jazz, un arquitecto del sonido que, con cada nota, parece construir una historia nueva sobre los cimientos del alma humana. Las fechas confirmadas son 2 de febrero en el Teatro Diana de Guadalajara, el 3 de febrero en el Auditorio BB de la Ciudad de México y el 4 de febrero en el Auditorio Metropolitano de Puebla.       

Live Jazz podcast The Best Of Jazz 2025  Marcus Gilmore - Cape Stride Brandee Younger - End Means Hyperglyph - Chicago Underground DuoFREEDOM JAZZ DANCE - Kassa OverallSouth Hampton - Billy Hart QuartetKamasi Washington - Together (feat. BJ The Chicago Kid)Tiptoe · NoriFrim Fram Sauce · Emma SmithTangled Woods · Joey WaronkerTerri Lyne Carrington & Christie Dashiell | Joyful Noise |Happiness · Colin Steele Quartet · Paul Buchanan

Live Jazz martes 9pm (podcast) lunes 3 pm www.radioactivatx.org JACO PASTORIUS  Nacido el 1 de diciembre de 1951, Jaco Pastorius, que estaría cumpliendo 71 años, fue un meteoro que irrumpió con fuerza en la escena en los años 70, para luego extinguirse trágicamente en los 80. Con una técnica brillante y ágil y una fértil imaginación melódica, Pastorius hizo que su bajo eléctrico sin trastes saltara de las profundidades de la sección rítmica a la primera línea con pasajes fluidos y potentes que exigían atención. Además, lucía un estilo interpretativo pavoneante, bailable y extravagante y representaba una triple amenaza como talentoso compositor, arreglista y productor. Él y Stanley Clarke fueron las influencias más destacadas de su instrumento en los años 70. El primer instrumento al que Jaco se volcó, tal vez siguiendo los pasos de su padre, fue la batería, pero una ruptura de muñeca, ocurrida a los 13 años, le hizo fijarse en el bajo eléctrico como nuevo instrumento. La primera banda en la que participó como bajista, con apenas 15 años de edad, se llamaba «Las Olas Brass». Luego vinieron otras bandas como «Soul Incorporated», «Woodchuck» y los «C.C. Riders Band». Uno de los primeros trabajos de cierta envergadura en los que participó fue el grupo «Bachelors III», liderado por el trombonista Peter Graves.   Nacido en Pensilvania, Pastorius creció en Fort Lauderdale, donde tocó con artistas visitantes de R&B y pop siendo aún adolescente y se forjó una reputación como leyenda local. Todo empezó a encajar rápidamente para él cuando empezó a tocar con otro maestro de la fusión novato, Pat Metheny, alrededor de 1974. Para 1976, fue invitado a unirse a Weather Report, donde permaneció hasta 1981, convirtiéndose gradualmente en la tercera voz principal junto a Joe Zawinul y Wayne Shorter. Fuera de Weather Report, fue constantemente solicitado como músico de sesión y productor, tocando en álbumes de Joni Mitchell, Blood Sweat and Tears, Paul Bley, Bireli Lagrene e Ira Sullivan y su primer álbum homónimo en solitario, lanzado en 1976, fue aclamado como una hazaña. De 1980 a 1984 realizó giras y grabaciones con su propia banda, la innovadora Word of Mouth, que osciló en tamaño desde un gran combo hasta una big band.   Lamentablemente, Pastorius se vio abrumado por problemas mentales, agravados por las drogas y el alcohol a mediados de los 80, lo que le llevó a varios incidentes públicos povo agradables (uno de ellos fue una violenta crisis nerviosa en el escenario del Hollywood Bowl a mitad de una actuación en el Festival de Jazz Playboy de 1984). Estos episodios lo convirtieron en un paria en la industria musical y hacia el final de su vida, se había convertido en un hombre de la calle, al que se le veía en bares del centro, infestados de drogas. Murió en 1987 a causa de una paliza recibida al intentar entrar en el Midnight Club de Fort Lauderdale. Casi totalmente olvidado al momento de su muerte, Pastorius fue canonizado inmediatamente después. Marcus Miller compuso la melodía "Mr. Pastorius" en su honor, al igual que muchos otros a lo largo de los años.     Así como Charlie Parker con el saxo alto o Jimi Hendrix con la guitarra eléctrica, la misión de Jaco Pastorius en el universo de la música fue revolucionar el rol de un instrumento durante mucho tiempo infravalorado como el bajo eléctrico. “Para mí, Jaco fue el Sid Vicious del jazz”, sentenció Stanley Clarke, virtuoso bajista estadounidense. Nada más falaz que esa definición, Sid Vicious era un pésimo bajista, al que le apagaban el equipo en vivo porque no acertaba una nota. La vida salvaje y el instinto rebelde de Jaco no tapan la génesis de un genio, de un virtuoso. En su caso, condimentan la leyenda de una figura irrepetible.    

LIVE JAZZ Episodio Especial Verónica Ituarte Martes 9 PM por Conexión Dispersa · Repetición lunes 3 PM por Radioactiva TXVerónica Ituarte, reconocida jazzista mexicana, pionera del scat en México, falleció la tarde del 23 de octubre a los 68 años. La voz de Verónica Ituarte se apagó, pero su legado continúa vibrando en cada una de sus interpretaciones, en los escenarios donde dejó huella y en la memoria de las generaciones que formó como maestra de canto y scat  en la Escuela Superior de Música del INBAL. Verónica alcanzó una madurez impactante, su voz clara y suntuosa daba a cada tema los elementos necesarios de tensión, dinámica y arte para canalizar los sentimientos que el mismo material contenía. Con el canto se permitía sacar lo que traía dentro: un déjà vu, con el cual se internaba en otras dimensiones y vislumbraba sus realidades. El suyo fue un estilo cálido y llegador extraído preponderantemente de las raíces del canto jazzístico tradicional, con influencias negras directas, llenas de color y sensaciones. En sus interpretaciones había vida, había experiencia y una voz para trasmitirlas. La cantante nacida en la Ciudad de México, había sido diagnosticada con cáncer en 2023, el cual ya había superado y por eso se dio su regreso a los escenarios el 9 mayo de 2025, con el concierto Jazz- Blues-Fusión, que se llevó a cabo en el Multiforo Alicia, donde estuvo acompañada del armonicista Lalo Méndez, quien también era su pareja.  Verónica estudió cantó clásico en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y posteriormente se matriculó en la Escuela Superior de Música del INBAL para especializarse en jazz y formó parte del Coro de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México. Su primeros pasos en el género del jazz los dio con Juan José Calatayud, con quien estuvo colaborando constantemente hasta 2003, cuando se dio el fallecimiento del músico. Como solista pisó diversos escenarios como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Manuel M. Ponce, el Auditorio Nacional, la Sala Nezahualcóyotl, el Centro Nacional de las Artes y el Zócalo, entre otros. También tuvo participación en festivales como el Cervantino, Sólo Jazz Internacional '89, Festival de Noche de Primavera de la Ciudad de México, Festival Cultural Internacional Zacatecas, 3er Festival de Jazz Real de Catorce, Festival Internacional de Jazz de Quéretaro, por mencionar algunos. Abrió conciertos de figuras internacionales como el pianista Oscar Peterson, el clarinetista Eddie Daniels, y B.B. King; también compartió escenario con importantes artistas del mundo del jazz en México entre ellos, Iraida Noriega, Vicente Garrido, Enrique Nery, Baldomero Jiménez, Patricia Carrión y Tere Estrada.   

Live Jazzcon Octavio Echávarri martes podcast Conexión Dispersalunes 3pm www.radioactivatx.orgANTHONY JACKSON  El pasado 19 de octubre falleció Anthony Jackson, quien ayudó a redefinir el bajo eléctrico y fue un pionero en el contrabajo de seis cuerdas; además, ayudó a enaltecer innumerables grabaciones con su inconfundible groove y tono. Jackson, que ha dejado una huella imborrable, fue una gran influencia que abarcó varios géneros, generaciones y continentes. Anthony Jackson no fue solo un bajista: fue un arquitecto del groove moderno y una de las mentes más creativas de la música, desde la inconfundible introducción que acabamos de escuchar en "For the Love of Money" de The O'Jays hasta su trabajo con grandes figuras que destacaron en diversos géneros musicales. Su forma de tocar redefinió el sonido y el mensaje del bajo. Nacido en la ciudad de Nueva York, Jackson comenzó tocando el piano y la guitarra antes de encontrar su sonido en el bajo. Nunca satisfecho con lo convencional, cuestionó por qué el instrumento se limitaba a cuatro cuerdas y diseñó y promovió el contrabajo de seis cuerdas. Esa innovación cambió el panorama para los bajistas de todo el mundo. Su tono —preciso pero cálido, firme pero imponente— lo convirtió en un favorito entre artistas del jazz, el R&B, el pop y la fusión. Escucharlo tocar era escuchar disciplina y soul profundo.   El influyente músico fue más reconocido como acompañante que como líder, Su enfoque se centró en ser un músico al servicio de la música. Como músic de sesión, Anthony trabajó con cientos de artistas y participó en más de 500 álbumes. Incluyendo notables colaboraciones con Michel Camilo, Al DiMeola, Paul Simon, Steely Dan, Chick Corea, Al Jarreau, Hiromi, Donald Fagen, Michel Petrucciani, Lee Ritenour, Steve Khan, Roberta Flack, Madonna y Chaka Khan, entre muchos otros-. Sus líneas de bajo no sólo acompañaban la canción, sino que contaban una historia propia. Su toque y tono contribuyeron a moldear el sonido de una generación. Jackson fue mucho más que un gran bajista y músico. Era una pesona culta, un escritor talentoso, de opiniones firmes, totalmente dedicado a su oficio y con poca tolerancia a los tontos. Sus principales influencias fueron el bajista de Motown, James Jamerson; Jack Casady, de Jefferson Airplane y el compositor modernista francés, Olivier Messiaen. Demostró ser un innovador incansable en la década de 1970, cuando trabajó con el luthier Carl Thompson para desarrollar lo que Jackson llamó el contrabajo de 6 cuerdas. Jackson siempre tocaba sentado, rara vez hacía solos, no hacía slap, nunca tocó el bajo sin trastes y tenía cero tolerancia a las modas pasajeras. Trascendió el virtuosismo musical al ser también un virtuoso intelectual.    

Live Jazz con Ocatvio Echávarri ANTHONY JACKSON  El pasado 19 de octubre falleció Anthony Jackson, quien ayudó a redefinir el bajo eléctrico y fue un pionero en el contrabajo de seis cuerdas; además, ayudó a enaltecer innumerables grabaciones con su inconfundible groove y tono. Jackson, que ha dejado una huella imborrable, fue una gran influencia que abarcó varios géneros, generaciones y continentes. Anthony Jackson no fue solo un bajista: fue un arquitecto del groove moderno y una de las mentes más creativas de la música, desde la inconfundible introducción que acabamos de escuchar en "For the Love of Money" de The O'Jays hasta su trabajo con grandes figuras que destacaron en diversos géneros musicales. Su forma de tocar redefinió el sonido y el mensaje del bajo. Nacido en la ciudad de Nueva York, Jackson comenzó tocando el piano y la guitarra antes de encontrar su sonido en el bajo. Nunca satisfecho con lo convencional, cuestionó por qué el instrumento se limitaba a cuatro cuerdas y diseñó y promovió el contrabajo de seis cuerdas. Esa innovación cambió el panorama para los bajistas de todo el mundo. Su tono —preciso pero cálido, firme pero imponente— lo convirtió en un favorito entre artistas del jazz, el R&B, el pop y la fusión. Escucharlo tocar era escuchar disciplina y soul profundo.   El influyente músico fue más reconocido como acompañante que como líder, Su enfoque se centró en ser un músico al servicio de la música. Como músic de sesión, Anthony trabajó con cientos de artistas y participó en más de 500 álbumes. Incluyendo notables colaboraciones con Michel Camilo, Al DiMeola, Paul Simon, Steely Dan, Chick Corea, Al Jarreau, Hiromi, Donald Fagen, Michel Petrucciani, Lee Ritenour, Steve Khan, Roberta Flack, Madonna y Chaka Khan, entre muchos otros-. Sus líneas de bajo no sólo acompañaban la canción, sino que contaban una historia propia. Su toque y tono contribuyeron a moldear el sonido de una generación. Jackson fue mucho más que un gran bajista y músico. Era una pesona culta, un escritor talentoso, de opiniones firmes, totalmente dedicado a su oficio y con poca tolerancia a los tontos. Sus principales influencias fueron el bajista de Motown, James Jamerson; Jack Casady, de Jefferson Airplane y el compositor modernista francés, Olivier Messiaen. Demostró ser un innovador incansable en la década de 1970, cuando trabajó con el luthier Carl Thompson para desarrollar lo que Jackson llamó el contrabajo de 6 cuerdas. Jackson siempre tocaba sentado, rara vez hacía solos, no hacía slap, nunca tocó el bajo sin trastes y tenía cero tolerancia a las modas pasajeras. Trascendió el virtuosismo musical al ser también un virtuoso intelectual.  martes 9 pm Conexión Dispersa @spreaker lunes 3 pm www.radioactivatx.org 

Live Jazz con Octavio Echávarri martes 9 pm Spreaker lunes 3 pm www.radioactivatx.org KLAUS DOLDINGER/PASSPORT    El tema principal del programa de televisión alemán "Tatort", compuesta por Klaus Doldinger, quien falleció el jueves 16 de octubre a los 89 años, rodeado de su familia. Doldinger reconocido como uno de los músicos de jazz más importantes de Alemania, escribió una de sus composiciones más famosas para la televisión: la melodía de "Tatort". Con su banda "Passport", Doldinger hizo historia en el jazz internacional, actuando en vivo hasta poco antes de su muerte, ofreciendo más de 5000 conciertos en más de 50 años de carrera. El álbum de Passport, "The First Fifty Years of Passport", se lanzó en 2021 para conmemorar el 50.º aniversario de la banda y repasó la evolución musical del grupo. Entre los muchos compañeros de banda de Doldinger se encontraba Udo Lindenberg, quien fue el primer baterista de Passport en 1971 y elogió a su antiguo jefe como un "maestro del jazz".   Nacido en Berlín, la carrera de Doldinger comenzó a principios de la década de 1950. Se graduó del bachillerato en 1957 y posteriormente estudió musicología e ingeniería de sonido. Mientras aún estudiaba piano y clarinete en Düsseldorf, formó parte de la banda de dixie "The Feetwarmers" y adquirió sus primeras experiencias musicales. Unos años más tarde, fundó su primera banda, "The Oskar's Trio". En 1960, Doldinger realizó su primera gira por Estados Unidos y fue galardonado con la ciudadanía honoraria Nueva Orleans, la cuna del jazz. Finalmente, la carrera del músico berlinés había despegado internacionalmente. En 1969, fundó su nueva banda, "Motherhood", a la que siguió "Passport" en 1971. La música de Doldinger se inspiró en el jazz, el rock, el blues y el soul, así como en sonidos electrónicos experimentales y ritmos latinoamericanos. Su segundo álbum, "Second Passport", fue un éxito en las listas de popularidad en 1973. En 1976 y 1981, el grupo fue elegido "Artista del Año" en la categoría Ensemble Pop National por el jurado de los Premios Discográficos Alemanes.   Por esa época, compuso también para producciones de cine y televisión. Aportó la música a éxitos populares como "La Historia Sin Fin", "El Maletero", "Sal en mi Piel" y "Querido Kreuzberg". La melodía de "Tatort" se convirtió en un clásico. Con motivo de su 85º cumpleaños en 2021, el presidente federal Frank-Walter Steinmeier lo felicitó y rindió homenaje al músico como un espíritu creativo "que constantemente aporta a la música improvisada nuevas formas de expresión independientes, un compositor y arreglista que ha trabajado con innumerables músicos de jazz de renombre internacional y un profesor y artista cuyo trabajo ha influido en la música improvisada durante décadas". Doldinger recibió la Orden Maximiliano de las Ciencias y las Artes de Baviera y la Orden del Mérito de Baviera.   El ministro-presidente bávaro, Markus Söder, rindió homenaje al saxofonista, fallecido a los 89 años, como una "verdadera leyenda de la música". "Klaus Doldinger conmovió a millones de personas con su música. El mundo se ha vuelto un lugar más pobre con su fallecimiento. Baviera llora a una verdadera leyenda de la música. Nunca lo olvidaremos ni a él ni a sus himnos» declaró Söder. Por su parte, Katrin Vernau, directora general de WDR declaró: «Casi ningún músico ha marcado la televisión alemana tanto como Klaus Doldinger». «Durante más de 55 años, su inconfundible melodía ha dado origen a la serie Tatort. El hecho de que esta melodía haya perdurado tanto tiempo en la dinámica industria televisiva habla por sí solo de la extraordinaria calidad de la composición», mientras Jörg Schönenborn, director de programación de WDR dijo: “con Doldinger, Alemania ha perdido a un gran músico y compositor cinematográfico. La música de Doldinger es el elemento aglutinante que, desde el principio, ha convertido los diversos capítulos de la serie Tatort en un todo y por lo tanto, en un evento televisivo reconocible e inconfundible».      

Live Jazzcon Octavio Echávarri y Germán Palomares Oviedo martes 21 hrs Conexión Disepersa en spreaker repetición lunes 3 pm www.radioactivatx.org TIGRAN HAMASYAN/THE BIRD OF A THOUSAND VOICES     Tigran Hamasyan es considerado uno de los pianistas/compositores de jazz-meets-rock más notables y distintivos de su generación. Un virtuoso del piano con poder groove, Hamasyan fusiona a la perfección la potente improvisación del jazz y el rock progresivo con la rica música folclórica de su Armenia natal . Ganó el Concurso Internacional de Piano de Jazz Thelonious Monk, fue galardonado con un Victoires de la Musique (el equivalente a un premio Grammy en Francia); y recibió el premio internacional Deutscher Jazzpreis en la categoría de Piano/Teclados en 2021.   Además de premios y elogios de la crítica, Hamasyan se ha ganado una fiel base de seguidores en todo el mundo, además de recibir elogios de Herbie Hancock, Brad Mehldau y el fallecido Chick Corea. «Con sorprendentes combinaciones de jazz, minimalismo, electrónica, folk y elementos de composición… Hamasyan y sus colaboradores recorren vastas extensiones musicales marcadas por ritmos potentes, voces etéreas, una interpretación de piano impecable y melodías antiguas. No escucharás nada igual». (NPR)   El nuevo álbum conceptual de Hamasyan, "El pájaro de las mil voces", se lanzó en agosto de 2024. Tigran compuso, musicalizó y arregló este esperado proyecto. El álbum está inspirado en un antiguo cuento armenio en el que un héroe viaja a reinos invisibles para encontrar y traer de vuelta a un pájaro mítico, cuyos mil cantos diferentes despertarán a la gente y traerán armonía al mundo. La obra de teatro musical transmedia "El pájaro de las mil voces", una intrigante instalación de luz inmersiva con juego de sombras, voces programadas digitalmente, música en vivo y libreto armenio-inglés, se estrenó en el Festival de Holanda en junio de 2024. La historia original del Pájaro de Fuego se ha transmitido oralmente a través de siglos y culturas. Este cuento popular requiere un enfoque multidisciplinario y multidimensional para apreciar plenamente su contexto artístico. El místico pájaro de las mil voces sirve como una hermosa metáfora de nuestros tiempos: un mundo que busca conexión y armonía, pero que se enfrenta a crisis ecológicas, psicológicas y espirituales. Tras un triple estreno mundial con entradas agotadas en el Festival de Holanda de Ámsterdam (junio de 2024), El Pájaro de las Mil Voces sigue en vuelo. En 2025, regresa a los escenarios en una gira mundial que lo traerá a México.

SACBÉ   Sacbé se formó en 1976, en la ciudad de México por los hermanos Eugenio, Enrique y Fernando Toussaint, junto al saxofonista Alejandro Campos.La idea original en la integración del grupo fue la creación de un proyecto musical que, a la vez que representara lo que en ese momento se hacÍa en el jazz contemporáneo, tuviera una identidad propia, latinoamericana, que reflejase un movimiento musical importante y fresco. Esto se llevó a cabo, fundamentalmente, con la presentación de un repertorio original que, sin negar sus múltiples influencias, pudiera representar de manera sólida su propuesta musical del grupo.Uno de los mayores logros del grupo fue la fundación de su propia compañÍa discográfica y consecuentemente, la realización de proyectos discográficos independientes que hacia finales de la década de 1970 no existían en México, con excepción de un par de compañías dedicadas a la difusión de música folclórica latinoamericana.A lo largo de su historia musical, Sacbé experimentó varios cambios tanto de sus miembros, como de lugares de residencia.La discografÍa del grupo Sacbé incluye los siguientes discos: Sacbé (1977), Selva Tucanera (1978), Street Corner (1982), Aztlán (1983), Dos Mundos (1986), Los Pintores (1996), Todo Sacbé (2001), Tri Neo (2007), Tri Neo Dimensiones (2021).  

SNARKY PUPPY Tras una década de giras y grabaciones incansables en un olvido casi absoluto, este cuasi colectivo, nacido en Texas y radicado en Nueva York, se vio repentinamente reconocido por la prensa y el público como una de las figuras más importantes del jazz. No es una banda de fusión y definitivamente no es una banda de jam. Probablemente sea mejor seguir el consejo de Nate Chinen, del New York Times, en una discusión en línea sobre el grupo: "hay que aceptarlos por lo que son, en lugar de juzgarlos por lo que no son". La banda fue formada por el bajista y compositor principal Michael League en 2004, comenzando discretamente como un grupo de amigos universitarios en el programa de Estudios de Jazz de la Universidad del Norte de Texas. Tres años después, una coincidencia fortuita con la comunidad gospel y R&B de Dallas transformó la música en algo más funky, directo y visceral. Fue en esta época que el grupo incorporó a músicos como Robert "Sput" Searight (batería), Shaun Martin (teclados) y Bobby Sparks (teclados), y recibió una fuerte influencia del legendario teclista Bernard Wright (Miles Davis, Chaka Khan, Marcus Miller). Cada presentación de Snarky Puppy, una fuerza revolucionaria en la escena musical actual, es una celebración de la creatividad, la improvisación y la conexión entre músicos y público. No podemos dejar pasar la oportunidad de vivir la energía y la maestría de uno de los colectivos más revolucionarios de la música contemporánea. Todo esto lo podremos comprobar y disfrutar el próximo 27 de septiembre, cuando la banda realice una presentación que promete ser una clase magistral de virtuosismo, groove y libertad sonora en el Auditorio BlackBerry, a partir de las 21:00. 🎧 Live Jazz disponible en podcast por Conexión Dispersa en Spreaker.🔁 Repetición lunes 3 PM en www.radioactivatx.org

Live Jazz Invitada: ERIKA GOEZEn esta edición del Live Jazz contamos con la presencia de Erika Goez, compositora y cantante mexicana con más de 20 años de trayectoria en la industria de la música. Desde la CDMX ha destacado por su voz, talento y perseverancia, consolidando un estilo que fusiona pop, jazz y elementos de la mexicanidad.Conversaremos sobre su más reciente producción “Ella”, dirigida por el Mtro. Marcos Milagres, en la que explora una paleta de ritmos y colores que viajan del jazz al bolero y el folklore. Además, Erika nos compartirá detalles del concierto especial que ofrecerá el domingo 21 de septiembre en la Sala de Conciertos Elisa Carrillo, dentro de las Actividades Culturales Gratuitas del Estado de México.Músicos que la acompañan:Marcos Milagres – dirección musical, arreglos, bajo y contrabajoFernando Acosta – pianoVladimir Alfonseca – guitarraErick Carrillo – bateríaLuiz Gutiérrez – violín🎧 Estreno del podcast: martes 9 PM en Conexión Dispersa por Spreaker (canal Live Jazz).🔁 Repetición: lunes 3 PM en www.radioactivatx.org (Live Jazz Radio).🔗 Sigue a Erika Goez:Instagram y Facebook: @eri_goezYouTube: youtube.com/@erikagoez685 

Live Jazzcon Octavio Echávarri Iraida Noriega, una de las intérpretes más representativas del jazz en México.Con raíces en México y Cuba, Iraida nombra su nuevo disco Ríos como metáfora de las corrientes musicales que la han formado: el bolero, el feeling, la herencia afrocubana, lo mexicanista y la libertad del jazz.Acompañada por el trío Blanco–Cupich–Nandayapa —Roberto Blanco al piano, Israel Cupich en el contrabajo y Tavo Nandayapa en la batería— Iraida presenta un proyecto que es fusión y fluir: composiciones propias que se entrelazan hasta desembocar en un mismo mar.El álbum estará disponible en plataformas digitales a partir de septiembre de 2025, bajo el sello Fonarte Latino, y también en formato físico con un micrositio interactivo.Podcast por Conexión Dispersa en Spreaker, los martes a las 9 PM. Escúchanos en www.radioactivatx.orgLunes, 3 PM (CDMX)

LIVEJAZZSe llama Jazz Rock a la fusión de instrumentos y elementos sonoros propios del jazz y la experimentación con los ritmos e instrumentos eléctricos del rock. Este movimiento comenzó a finales de los años 60 en las cabezas de músicos como Miles Davis, John MacLaughlin, Herbie Hancock y por el lado del rock se debe a grupos como Cream, Grateful Dead y Frank Zappa. En esta emisión nos vamos a enfocar en el  rock-jazz del que tocaban bandas como Chicago, Blood, Sweat & Tears, Cold Blood y otras bandas, un subgénero que tuvo un impacto importante en México, manifestado en una cantidad importante de agrupaciones de este tipo, al grado de impulsar un movimiento musical que duró varios años. lunes 3 pm www.radioactivatx.org con Octavio Echávarri 

LIVE JAZZ Con Octavio Echávarri SHEILA JORDAN  Las malas noticias para el mundo de la música siguen llegando: la cantante Sheila Jordan falleció la tarde del lunes 11 de agosto, una devota de toda la vida por el bebop y el jazz. Maestra de Jazz de la Asociación Nacional de Educación y vocalista pionera, la voz y el espíritu de Sheila contribuyeron a dar forma al sonido del jazz moderno, dejando un legado perdurable que seguirá inspirando. Jordan siempre estuvo comprometida con la música y la cultura negra, lo que siendo blanca, le ocasionó graves problemas con los prejuicios raciales en los Estados Unidos. Sheila Jordan tuvo el privilegio de ser la primera cantante de jazz en grabar un disco Blue Note, sello jazzístico de  gran importancia; el resultado fue un excepcional álbum titulado «Portrait of Sheila», que está considerado como uno de los discos de jazz vocal mas importantes de toda la historia. Jordan fue una de las intérpretes más creativas de todos los tiempos y una de las pocas que podía improvisar  letras lógicas que a menudo rimaban y fue también una magnífica cantante de scat y una emotiva intérprete de baladas. Su legado permanece vivo en sus grabaciones y en la influencia que tuvo sobre el desarrollo del jazz vocal. Sheila Jordan será recordada como una pionera que enriqueció la música del siglo XX con su voz y creatividad. “Sólo quiero mantener viva esta música inspirando a otros a amarla tanto como yo”, dijo en una de sus últimas entrevistas.Lunes 3 pm www.radioactivatx.org 

Live Jazzcon Octavio EchávarriLunes 3 pm por www.radioactivatx.org (http://www.radioactivatx.org/)Podcast disponible martes 9 pm en Spreaker Conexión DispersaNacida en la Ciudad de México y actualmente radicada en Nueva York, Magos Herrera es una de las voces más reconocidas en la escena internacional del jazz. Cantante, compositora, productora y educadora, ha sido descrita por The Latin Jazz Network como “una de las más grandes intérpretes contemporáneas de la canción”.En este episodio recorreremos su trayectoria y su vibrante estilo, justo antes de sus próximas presentaciones en México: • 21 de agosto, 7 pm – Pabellón Escénico del INBA (atrás del Auditorio Nacional) – Entrada libre • 23 de agosto, 7:30 pm – Master class y concierto en Pannela Callejón, OaxacaSintoniza y déjate llevar por la voz única de Magos Herrera.#radioactivatx #rtx #livejazz #conexiondispersa #magosherrera #jazzmexico #livejazzradio

LIVE JAZZ EDDIE PALMIERIEddie Palmieri, pianista, compositor y director de orquesta cuyas contribuciones a la música afrocaribeña ayudaron a iniciar la edad de oro de la salsa en Nueva York y cuya larga carrera lo consagró como uno de los grandes cerebros musicales del siglo XX —además de ser uno de sus más fieros intérpretes—, murió el miércoles 6 de agosto en su casa de Nueva Jersey, a los 88 años. Su hija menor, Gabriela Palmieri, confirmó el fallecimiento, que dijo que se produjo tras “una larga enfermedad”. Desde el momento en que fundó su primera banda estable en 1961, La Perfecta, Palmieri impulsó muchos de los cambios estilísticos y saltos creativos de la música latina. Esa agrupación aportó nuevos niveles de economía e influencia jazzística a la escena del mambo que empezaba a perder fuerza tras su auge de posguerra y sentó las bases de lo que luego se conocería como la salsa. A partir de ahí, nunca dejó de innovar. En la década de 1970, Palmieri mezcló la salsa con el jazz, el rock, el funk e incluso la música clásica moderna en una serie de álbumes de gran prestigio, como Vamonos Pa’l Monte y The Sun of Latin Music, así como con el grupo de fusión Harlem River Drive. También formó equipo con músicos de jazz de pura cepa, como Cal Tjader, Brian Lynch y Donald Harrison, entre otros, realizando contribuciones esenciales al subgénero del jazz latino. En una entrevista, Palmieri dijo que sus herramientas fundamentales eran los “complejos patrones rítmicos africanos que tienen siglos de antigüedad” y que están en la raíz de la música afrocubana. “Lo intrigante para mí es superponer frases de jazz y armonía a esos patrones”, dijo. Al explicar de dónde sacó su habilidad para las armonías densas y disonantes y su sentido del ritmo, tan alegre e inconformista, citó como inspiraciones a pianistas de jazz como McCoy Tyner y Thelonious Monk. Sin embargo, cuando el historiador y crítico de arte Robert Farris Thompson escribió en 1975 sobre el surgimiento de la salsa, también notó otras influencias. “Mezcla rock vanguardista, Debussy, John Cage y Chopin sin abrumar el sabor afrocubano básico”, escribió sobre Palmieri. “Podría decirse que está naciendo una nueva música del mundo”. Juan Flores, estudioso de la cultura puertorriqueña, escribió en Salsa Rising: New York Latin Music of the Sixties Generation que Palmieri había sido “el pionero y principal innovador” que impulsó el “movimiento cultural” que fue la salsa. Por su parte, a Palmieri nunca le gustó la palabra “salsa”. Describía su música en términos de sus raíces: “Afrocubana”, dijo en una entrevista de 2012 con el Proyecto de Historia Oral del Smithsonian. Afirmó que, gracias a la participación de puertorriqueños y niuyoricans como él, se había convertido primero en “afrocaribeña y luego afromundial”.  Live Jazz martes 21 horas @conexiondispersa lunes 3 pm www.radioactivatx.org 

LIVE JAZZ RODOLFO “POPO” SÁNCHEZ La escena musical mexicana está de luto. El 28 de julio se confirmó el fallecimiento del saxofonista (https://oem.com.mx/diariodexalapa/cultura/jose-luis-escobar-brilla-con-su-saxofon-junto-a-la-xalli-big-band-tras-sus-inicios-en-el-jazz-24710955%20/t%20_blank), (https://oem.com.mx/diariodexalapa/cultura/jose-luis-escobar-brilla-con-su-saxofon-junto-a-la-xalli-big-band-tras-sus-inicios-en-el-jazz-24710955%20/t%20_blank) compositor, arreglista y director de orquesta Rodolfo “Popo” Sánchez Vega, uno de los pioneros del jazz en México, a los 86 años de edad. Originario de Uruapan, Michoacán, nacido el 29 de mayo de 1939 y residente desde hace décadas en Xalapa (https://oem.com.mx/diariodexalapa/cultura/jazzuv-entre-las-tres-mejores-opciones-para-estudiar-musica-en-todo-mexico-22539760%20/t%20_blank), (https://oem.com.mx/diariodexalapa/cultura/jazzuv-entre-las-tres-mejores-opciones-para-estudiar-musica-en-todo-mexico-22539760%20/t%20_blank) el maestro deja un legado que es considerado como invaluable para la música nacional. Popo formó los grupos Lucifer y Yasú, el Quinteto Polifonías y Sociedad Organizada en Sonido.  Una larga y fructífera carrera como arreglista, compositor, director, productor y saxofonista lo convirtieron en uno de los músicos más importantes de México.  Durante su  carrera, Rodolfo Sánchez Vega tuvo la oportunidad de compartir escenario con grandes personalidades de la música, como Frank Pourcel, Sammy Davis Jr., Nat King Cole, Sara Vaughn, Henry Mancini, Sergio Méndes, Carlos Lira, Tony Bennet, Barry White, Paul Desmond, DaveBrubeck, Bill Evans, Thelonius Monk y Paquito de  Rivera, entre muchos otros. A nivel nacional e internacional, la carrera de este destacado músico, contó con diversas participaciones en algunos de los eventos musicales más importantes, entre los que se puede mencionar los siguientes: asesor y director de la Orquesta del Reino de Marruecos en 1994;  participación en el “Latin Culture Week 2000” representando a la Universidad Veracruzana en el Berklee Collage of Music en Boston;  su actuación en la Gala de Jazz con Marian Petrescu, celebrada en el 2004 en el marco del 70º aniversario del Palacio de Bellas Artes; participó como director musical y arreglista del “Primer Concurso Internacional de la Música Romántica. Agustín Lara” en 2001; en2005 recibe el nombramiento de “Asesor Artístico y Colaborador en las Artes en el Estado de Veracruz”.  En 2006 es invitado por la Escuela de música de Bellas Artes del Puerto de Veracruz como asesor y creador de los planes y programas de la Lic. en Música Popular de dicha institución. En 2008 Rodolfo Sánchez recibió dos de las distinciones más importantes a las que puede aspirar un músico mexicano: el nombramiento como “Músico del Año” por parte del Consejo Mexicano del Deporte y el Espectáculo Profesional (COMEDEP) y su consecuente ingreso al “Salón de los Inmortales” así como el homenaje que  la  Asamblea Legislativa del Distrito Federal le otorgara en su recinto oficial, además de homenajes por parte de instituciones como la UNAM, la Universidad Veracruzana y la Secretaría de Cultura. En 2024, el estado de Veracruz lanzó el Concurso de Bolero “Maestro Rodolfo Sánchez Vega” en su honor.Live Jazz martes @conexión Dispersa spreaker lunes www.radioactivatx.org 3 pm  

LIVE JAZZ martes 9 pm Conexión Dispersa lunes 3 pm www.radioactivatx.org CHUCK MANGIONEChuck Mangione, célebre trompetista y compositor, dos veces ganador del Grammy (https://elpais.com/noticias/premios-grammy/%20/o%20https://elpais.com/noticias/premios-grammy/%20/t%20_self), (https://elpais.com/noticias/premios-grammy/%20/o%20https://elpais.com/noticias/premios-grammy/%20/t%20_self) ha fallecido a los 84 años. Su fama internacional surgió en 1977 con su sencillo FeelsSo Good, un tema que se convirtió en un himno del smooth jazz. Aunque la noticia se conoció hasta el jueves24, el artista murió días antes, el martes 22 de julio, mientras dormía en su hogar de Rochester, Nueva York, según confirmó su abogado. Mangione llevaba retirado de la música desde 2015. “La historia de amor de Chuckcon la música se ha caracterizado por su energía desbordante, su entusiasmo sin reservas y la alegría pura que irradiaba desde el escenario”, ha declarado su familia en un comunicado al periódico Rochester Democrat & Chronicle, donde también destaca el aprecio que el músico mostraba por el público, sentándose al borde del escenario después de sus conciertos, firmando autógrafos a los fans que se quedaban para saludar a la banda.Feels So Good, su mayor éxito, sigue siendo una pieza habitual en las emisoras de jazz contemporáneo. El tema alcanzó el cuarto puesto en la lista BillboardHot 100 y se situó en lo más alto del ranking de adulto contemporáneo de la misma publicación. La melodía fue reconocida en 1980 por la publicación CurrentBiography como “la melodía más reconocida desde Michelle de The Beatles (https://elpais.com/noticias/the-beatles/%20/o%20https://elpais.com/noticias/the-beatles/%20/t%20_self)”. (https://elpais.com/noticias/the-beatles/%20/o%20https://elpais.com/noticias/the-beatles/%20/t%20_self) Mangione ganó dos premios Grammy de un total de 14 nominaciones; el primero fue en 1977 en la categoría de mejor composición instrumental, por Bellavia, una pieza que dedicó a su madre. En 1979 obtuvo el segundo, en la categoría de mejor interpretación instrumental pop, por The Children of Sanchez. Esta última, banda sonora de la película del mismo nombre, también fue galardonada con un Globo de Oro.  En las décadas de los 70 y 80 Chuck Mangione era una celebridad mundial: su música se escuchaba en todas partes. La “fórmula” del éxito del fliscornista y trompetista consistió en hacer una música sumamente accesible, motivo por el cual fue desdeñado por muchos críticos. Pese a ello, estaba en lo más alto, donde prácticamente era intocable. Además, si sus discos se vendían por millones, ¿para qué preocuparse por la crítica? Poco se habla de Mangione como compositor en sus años previos al éxito, a pesar de que algunas de sus piezas fueron tocadas y grabadas músicos como Art Blakey, Cannonball Adderley, Jaki Byard y Woody Herman. “Componer es tan importante para mí como tocar y verdaderamente es un honor que músicos tan importantes toquen mi música”.  No creía en la existencia de etiquetas como smoothjazz y por lo tanto, no se clasificaba en esta tendencia, al respecto declaró: “prefiero que la gente se refiera a mi música como la música de Chuck Mangione porque yo compongo la mayor parte de lo que presentamos y tengo un grupo específico para tocarla. Si la música es honesta y llena de amor, la gente la escucha con la mente abierta y las etiquetas se vuelven innecesarias. Creo que los ingredientes de mi música siempre han sido: un contenido melódico fuerte con buenos fundamentos armónicos y rítmicos. Para mí, la melodía es lo que siempre ha hecho la música memorable”.

Live Jazz – Episodio Especial: Black Sabbath en JazzMartes 9 PM por Conexión Dispersa en SpreakerMientras en Estados Unidos y Europa muchos jazzistas —desde leyendas consagradas hasta jóvenes promesas— no dudan en reinterpretar temas de otros géneros como el rock y el pop, en México esta práctica sigue siendo casi inexistente. Sin embargo, la música de Black Sabbath, ícono del heavy metal, ha sido versionada por múltiples músicos de jazz alrededor del mundo. ¿Por qué? Porque Sabbath es una institución: su influencia atraviesa décadas, géneros y generaciones.El retiro oficial de Ozzy Osbourne el pasado 5 de julio provocó una ola de homenajes. El festival Back to the Beginning reunió a bandas de metal para rendir tributo al llamado Príncipe de las Tinieblas, y marcó algo aún más poderoso: la última reunión de los cuatro miembros originales de la banda.En este episodio reflexionamos sobre cómo y por qué la música de Sabbath —con sus riffs implacables, sus letras sombrías y su estética brutal— ha encontrado una segunda vida en manos de jazzistas que saben que la verdadera improvisación también nace del riesgo.He sido el rey,He sido el payaso.Ahora las alas rotas no pueden sujetarme.Soy libre de nuevo.El bufón con la corona rota.Esta vez no seré yo.Amar en vano.Digo adiós al romance,Adiós a los amigos.Adiós al pasado.Supongo que nos encontraremos al final.Hoy despedimos a Ozzy, no como el ídolo del exceso, sino como un artista que cambió para siempre el sonido del mundo.Algunos lo temieron, otros lo difamaron... pero todos lo escuchamos.Descansa en paz, Ozzy. El mundo fue más libre, más oscuro y más real contigo.#Livejazz #OzzyOsbourne #blacksabbath #JazzSabbath #RIPOzzy #conexiondispersa #radioactivatx #rtx #podcast

🎙 Live Jazz con Octavio Echávarri}MIGUEL PEÑA: UNA VIDA ENTRE CUERDAS Y SENTIMIENTOS El pasado 13 de julio, la música mexicana perdió a una de sus guitarras más sensibles y virtuosas: Miguel Peña, originario de Jalisco, quien falleció a los 77 años. Desde sus inicios en cabarets de la Ciudad de México con guitarra eléctrica, hasta tocar el piano en un pequeño pueblo sonorense para agrupaciones de música tropical, Peña supo adaptarse a todos los terrenos. Su talento lo llevó a colaborar con grandes orquestas y a formar parte de grabaciones históricas, incluyendo las del legendario Francisco Gabilondo Soler, “Cri Cri”. Gracias a su virtuosismo, RCA Víctor lo integró a múltiples producciones clave del siglo XX, acompañando a figuras como José José, Lola Beltrán, Pedro Vargas, José Alfredo Jiménez, Marco Antonio Muñiz, el Mariachi Vargas y Libertad Lamarque, entre muchos otros. Durante más de una década, fue parte esencial del grupo de José José, dejando una huella imborrable. En los años noventa, junto al contrabajista Víctor “Vitillo” Ruiz Pazos, formó el proyecto Duetto, con el objetivo de difundir la música mexicana desde un enfoque contemporáneo. En 2004, junto a Juan Carlos Allende, fundó Los Macorinos, grupo que surgió a partir de la invitación de Chavela Vargas, quien les pidió ser su base musical “para siempre”. Con Los Macorinos, Miguel Peña acompañó también a Natalia Lafourcade, Alexandra Gravas y otras grandes voces del mundo. Su carrera también brilló en agrupaciones como la Orquesta Moderna de Rosino Serrano y en colaboraciones con artistas como Eugenia León, Juan Gabriel y Emmanuel. Hoy lo recordamos no solo como un maestro de la guitarra, sino como un puente entre generaciones, géneros y emociones.🕒 Lunes 3 PM por www.radioactivatx.org🎧 Disponible martes en Spreaker vía Conexión Dispersa

Live jazz con Octavio Echávarri Elogios del Rock: Rockeros hablando de Jazz  Pregúntale a un aficionado promedio del rock and roll sobre el jazz, ya sea mainstream, progresivo o de cualquier otro tipo y puede que recibas una mirada vacía o una referencia balbuceante a algún jazzista muy popular. Pero hazles la misma pregunta a muchos intérpretes que esos mismos aficionados al rock idolatran y obtendrás una respuesta muy diferente. De hecho, el jazz es la música predilecta de una gama inusualmente amplia de artistas de rock, pop y hip-hop, aunque su propia obra rara vez revele rastros de jazz. Y muchos de estos intérpretes aprovechan la oportunidad para elogiar a los grandes del jazz que admiran. Los comentarios que escucharemos, extraídos de entrevistas realizadas por George Varga para la revista Jazz Times, dejan claro que no es necesario tocar jazz para sentir pasión por él.  www.radioactivatx.org lunes 3 pm 

LIVE JAZZ LALO SCHIFFRIN  El músico y compositor argentino Lalo Schifrin murió el pasado jueves a los 93 años en Los Ángeles, California, según confirmó su familia. A lo largo de sus más de seis décadas de carrera, Schifrin, nacido en Buenos Aires en 1932, compuso bandas sonoras para más de 100 filmes y series de televisión. El gran público lo recuerda por la inolvidable melodía que creó en 1966 para la serie de televisión "Misión Imposible", que luego siguió siendo utilizada para la saga de películas del mismo nombre protagonizada por Tom Cruise. Suya es también la música de series míticas como Mannix o "Starsky y Hutch" y de películas como The Cincinnati Kid, Cool Hand Luke, Bullitt o "Harry el sucio". Entre otros reconocimientos, Schifrin —quien además de compositor era pianista y director de orquesta— estuvo en seis ocasiones nominado a los Oscar de la Academia de Hollywood y ganó cuatro premios Grammy. En 2018 recibió un Oscar honorífico por su trayectoria en la música para cine y televisión. Fue el tercer compositor en la historia de la Academia en recibir ese galardón. Al entregarle el premio, el actor y director Clint Eastwood alabó a Schifrin por "su estilo musical único, su integridad en la composición y sus influyentes contribuciones al arte de la composición de bandas sonoras". El músico respondió a los halagos y a la ovación del público diciendo que componer bandas sonoras para el cine había sido "una vida llena de alegría y creatividad".   De joven, viajó a estudiar a París, donde se sumergió el mundo del jazz, un género que se convertiría en una de sus grandes pasiones y que influenciaría gran parte de su obra. Como músico de jazz, compartió el escenario con artistas como Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz y Count Basie, entre otros. Con Gillespie, una leyenda del jazz, construyó una relación artística que se prolongó por varios años. Schifrin se mudó a Nueva York, formaron un quinteto y obtuvieron un gran éxito. Fue a partir de 1963, cuando ya se había construido una reputación, que empezó su camino como compositor en Hollywood. Y fue pionero en fusionar la música para cine y televisión con elementos tanto de su formación clásica como del jazz. A partir de entonces, como afirmó en otra entrevista, empezó a recibir muchas más ofertas de las que podía aceptar.   Su época dorada se ubicó entre las décadas de 1960 y 1970, periodo en el que su capacidad para fusionar géneros y estilos lo catapultó a la fama tanto en Hollywood como en el ámbito televisivo estadounidense. Las bandas sonoras de Schifrin aportaron identidad y carácter a obras que hoy son consideradas clásicas, confirmando su influencia en la industria del entretenimiento. En Estados Unidos, su nombre está grabado en una estrella del Paseo de la Fama de Hollywood, un símbolo del reconocimiento de la industria del entretenimiento estadounidense y recibió el prestigioso Premio Max Steiner, que distingue la excelencia en composición de música para cine. Su talento fue contemplado en numerosas ocasiones por la Academia del Cine de Hollywood, que lo nominó varias veces a los premios Oscar. En 2016 fue galardonado por el Ministerio de Cultura de Francia como Comandante de las Artes y las Letras y años después pasó a integrar el Comité de Honor de la Unión de Compositores de Música para Cine.   Aunque continuó escribiendo para películas y TV, Schiffrin regresó parte de su enfoque a las obras clásicas durante los años 90, cuando lanzó los primeros tres de una serie de álbumes de jazz orquestal llamados Jazz Meets Symphony. Apenas dos meses antes de su fallecimiento, estrenó una nueva obra en el Palacio Libertad, acompañado por Rod Schejtman, reconocido compositor y pianista conocido por sus fusiones de música sinfónica con bandas sonoras de películas. La sinfonía, titulada “¡Viva la Libertad!”, contó con la interpretación de la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección del maestro Emmanuel Siffert. La composición fue presentada como un homenaje al estóico espíritu de los argentinos, celebrando la perseverancia como un valor universal.  www.radioactivatx.org La Radio Alternativa

Live JazzEn sus mejores momentos, Sly Stone y Brian Wilson lograron sintonizar sus tiempos y su esencia inocente –y por lo tanto rebelde– ante guerras, racismo, represiones de sus tiempos. No usaban retórica política, pero nutrían un mensaje candorosamente revolucionario. Ahora, el debate está repleto de pragmatismo en un aparente reconocimiento de que ya se oye tonto cantar “we got to live together” en los tiempos apocalípticos que vive el mundo. O sea, se ha perdido la inocencia. Ojalá se pueda recuperar antes de que sea demasiado tarde. Hay muestras del espíritu y la música de Stone y Wilson, así como de Dylan, Lennon y  muchos otros legendarios músicos, en las magnas movilizaciones alrededor del mundo  

LiveJazz con Octavio Echávarri Urca de Lima is a musical project from Greece that blends the roots and musical traditions of cultures from around the world.https://urcadelima.bandcamp.com/album/steam-city www.radioactivatx.org 

Live Jazz Urca de Lima es un proyecto musical de Grecia que busca fusionar las raíces y tradiciones musicales de personas de todo el mundo.https://urcadelima.bandcamp.com/album/steam-city www.radioactivatx.org 

Live Jazz con Octavio Echávarri lunes 3 pm www.radioactivatx.org martes 9 pm podcast Conexión Dispersa spreaker RAFAEL BARRERA IMAGINANTE   Rafael Barrera es un pianista, improvisador y compositor enfocado en el jazz y la música original contemporánea. Egresado de Idyllwild Arts Academy, California, donde estudió bajo la tutela del bajista de Miles Davis, Marshall Hawkins y el saxofonista de Frank Zappa, Paul Carman.   Barrera fue el primer mexicano en ser admitido al programa de jazz del prestigioso conservatorio Royal Welsh College of Music and Drama, en el Reino Unido, donde fue becado para estudiar con algunos de los músicos más influyentes en la escena británica y europea del jazz como. Ha participado en diversos festivales, como Jazz In The Pines Festival (California), Reno Jazz Festival (Nevada), Amser Jazz Festival (Reino Unido). Su trabajo como pianista le ha ganado premios como el Seahawk Music Award 2016 y el AAAA High School Combo 2015 en el festival de Reno.   En 2017 presentó en México su álbum debut titulado “Amser” grabado en el Reino Unido y en 2014 lanzó Imaginante, su segundo álbum de estudio, en el que incluye 8 temas originales. En esta obra, Rafael busca explorar el vasto mundo de la imaginación al representar musicalmente diversos escenarios, desde el sueño, la ensoñación y la reflexión sobre la realidad y la ficción. Como líder de su propio trío, continúa profundizando en su obra compositiva junto a Arturo Báez y Tlacatl Mazatl, dos músicos destacados de la escena musical contemporánea mexicana.

Live jazz Al Foster, baterista reconocido por su fluidez en diferentes corrientes del jazz, falleció el 28 de mayo en la ciudad de Nueva York. Tenía 82 años. Su hija, Kierra Denise Foster Ba, anunció su muerte a través de una publicación en Facebook, aunque no reveló la causa del fallecimiento. Por mucho tiempo, fue un gran innovador en el mundo del jazz. Su contribución a la música de Miles Davis, con quien tocó durante 13 años, quedó plasmada por el propio trompetista en su autobiografía de 1989, Miles: The Autobiography, donde Davis describe la primera vez que escuchó a Foster tocar en vivo en 1972 en el Cellar Club de Manhattan: «Al me dejó atónito porque tenía un ritmo increíble y lo metía con naturalidad. Era justo lo que buscaba».  Activo en el jazz desde mediados de los 60 y en activo hasta febrero de 2025, Foster fue probablemente más conocido por su colaboración intermitente con Miles Davis en los 70 y 80. Foster fue el único músico que trabajó con Davis tanto antes como después de la jubilación del trompetista a finales de los 70, abarcando así dos estilos distintos del jazz eléctrico. Sin embargo, también fue un colaborador prolífico de Blue Mitchell, Joe Henderson, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, McCoy Tyner, Wayne Shorter, Bobby Hutcherson, John Scofield, Pat Metheny, Charlie Haden, Randy y Michael Brecker, Bill Evans, George Benson, Kenny Drew, Carmen McRae, Stan Getz, Toots Thielemans, Dexter Gordon, Sonny Rollins, Herbie Hancock y Chick Corea, entre otros. Su última presentación fue en el Smoke club de Nueva York 18 de enero de 2025, día de su 82.º cumpleaños. Además de su hija Kierra, Foster deja a Bonnie Steinberg, su esposa durante 47 años y dos hijas: Monique y Simone (ambas, al igual que Kierra, de un matrimonio anterior). Le precedió en la muerte su hijo Brandyn.martes 9pm @conexiondispersa lunes 3 pm www.radioactivatx.org 

Live Jazz 27 mayo Julio Flores Bermúdez llega con su Gira Voluntad al Valle de México en el mes de mayo 2025   Compositor, arreglista y educador, con una trayectoria profesional de 19 años, el guitarrista chiapaneco Julio Flores Bermúdez visitará en mayo de 2025 la Ciudad de México y Zona Metropolitana para presentar en vivo su disco Voluntad.   El álbum se grabó en julio del 2024 en Chiapas y ofrece un repertorio original basado en la fusión de cuatro manantiales creativos: música tradicional, música clásica, jazz y rítmica avanzada que se interpreta en formato de quinteto integrado por una instrumentación peculiar con violín, marimba y/o vibráfono, contrabajo, batería y guitarra.   A partir de febrero de este 2025 se han ido develando los sencillos “El Optimista”, “Voluntad” y “Pintores Mayas”, como preámbulo a la escucha que convoca Julio con su música y una invitación anticipada para verlo en vivo acompañado por Miguel “Chuck” Rodríguez en el bajo y Pablo Cisneros en la batería.https://linktr.ee/JulioFloresBVoluntadMayo2025 

Live Jazz con Octavio Echávarri 5º ELEMENTO – “5x5” A finales del año pasado, el grupo de jazz mexicano 5º Elemento celebró un cuarto de siglo de trayectoria musical. Con una rica historia que abarca swing, bebop, cool jazz, modal jazz, jazz latino, free jazz y jazz contemporáneo, su música ha resonado en una variedad de plataformas y escenarios, tanto en México como en el extranjero. Este aniversario se conmemora con el lanzamiento de su sexto álbum, “5×5”. 5.º Elemento se ha presentado en los principales encuentros del género sincopado en México, como el Festival EuroJazz y el Festival Internacional de Jazz de Polanco; abrió el concierto de Chick Corea en el Zócalo de Puebla y representó a México en la edición 27 del Festival Internacional de la Música Universitaria, en Francia, entre muchas otras presentaciones en diversos escenarios y salas de concierto en nuestro país.Esta agrupación ha permanecido unida desde hace varios años, integrado actualmente por Ernesto Ramos en el sax y el clarinete, Gabriel Solares Ramos en la trompeta, Juan Cristóbal Pérez Grobet en el contrabajo, Mario García en la batería y Luis Felipe Gordillo en el piano y la dirección musical.Lunes 3 pm www.radioactivatx.org martes 9 pm podcast Conexión Dispersa