Onda Corta

️En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación a las artistas Shabely Estévez y Mike Batista dentro del marco de la programación de 2026 “para habitar un cuerpo”. Shabely Estévez (La Habana, 1998) es artista visual e investigadora. Actualmente reside y desarrolla su trabajo entre Tenerife y Valencia. Su práctica se mueve entre la escultura y el video desde un interés por las formas contemporáneas de la imagen y los regímenes de la mirada que las organizan. Desde perspectivas decoloniales, investiga la agencia material y la deriva de la imagen como territorio político. Ha participado en proyectos como el MMMAD Festival Urbano de Arte Digital de Madrid y en espacios como el CCCC ( Centro del Carmen de Cultura Contemporánea) de Valencia o el Espacio Cultural El Tanque de Santa Cruz de Tenerife. Como comisaria e investigadora, ha desarrollado proyectos en lugares como La Limonera, además cofundó y formó parte del programa editorial y curatorial algo.algo.editorial. Mike Batista Ríos (Ucrania, 1981) trabaja e investiga en torno a la intersección de las comunidades queer y el urbanismo, los party studies y la etnomusicología. Con un marcado carácter posdocumental y de crítica institucional, su trabajo se declina en formatos como la instalación, la fotografía, el cine expandido o la conferencia performativa. Habiéndose formado en Historia del Arte y Bellas Artes, co-gestiona la asociación cultural La Limonera. Ha presentado proyectos en Tenerife Espacio de las Artes (TEA), la bienal de fotografía Fotonoviembre, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) entre otros. ”para habitar un cuerpo” propone acercarnos al conocimiento que se genera en el museo desde sus márgenes, señalando los relatos que construyen las estructuras que habitamos y cómo estos han legitimado formas y modos de hacer que excluyen sistemáticamente las disidencias. A través de les distintes invitades de este año trataremos de explorar otras formas de habitar los cuerpos que nos rodean. ✏️Esta pieza sonora incluye fragmentos de los textos: “¡Que viva la música! Andrés Calcedo “El monte” Lydia Cabrera “Te di la vida entera” Zoé Valdés “Letras* Música*Arte en la Cultura Afrocubana VOL.4” Isabel y Jorge Castellanos “Las religiones y las lenguas en Cultura Afrocubana VOL.3” Isabel y Jorge Castellano “Arturo la estrella más brillante”, Reinaldo Arenas “Música Caribeña”, Rocío Cárdenas “Atálntico Negro” Paul Gilroy Interpretado por: Abraham Riverón, Ana Domínguez, Eduardo Hodgson, Fran Wenk, Joel Peláez, Mabel Martín, María Laura Benavente, Martu Isla, María Ballester, Miguel Martín. Miguel Rubio, Narelys Hernández, Tatiana Hernández, Víctor Alemán. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes. ⭐️Edición de sonido: Lucía Dorta Abad

En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación al artista Francesc Ruiz dentro del marco de la programación de 2026 “para habitar un cuerpo”. En la obra de Francesc Ruiz, el mundo se dibuja, se compone, se publica y se distribuye ocupando de manera crítica los espacios del capitalismo impreso. El cómic expandido, las arquitecturas informacionales de los quioscos, las pornotopías manga o la logística contemporánea son algunos de los lugares de intervención desde donde ha desarrollado su trabajo durante los últimos 20 años, realizando instalaciones y publicaciones que se insertan en contextos específicos transformando las narrativas colectivas que genera el espacio público. Su obra se ha podido ver en diferentes centros de arte y museos nacionales e internacionales: FRAC Bretagne (Rennes), EACC (Castellón), CA2M (Madrid), IVAM (Valencia), MACBA (Barcelona), Gasworks (Londres), FRAC PACA (Marsella), Weserburg Museum (Bremen) y en bienales como la de Venecia de 2015, la de Gotemburgo de 2017, la Bienal Momentum, Moss, Noruega en 2019, la Bienal de Busan, Corea del Sur, en 2020 o la Trienal de Dunkerque en 2023. Además, ha alternado la práctica artística individual con otros proyectos de carácter colectivo como el equipo de comisariado experimental CREATURES (junto con Amanda Cuesta, Maribel López y Glòria Pou), el Grupo de Dibujo Radical (con Efrén Álvarez), el fanzine feminista y queer PIPA (con Maite Garbayo, ferranElOtro y Roger Adam) o el Instituto de Estudios del Porno (con Ona Bros y Lucía Egaña). "para habitar un cuerpo" propone acercarnos al conocimiento que se genera en el museo desde sus márgenes, señalando los relatos que construyen las estructuras que habitamos y cómo éstos han legitimado formas y modos de hacer que excluyen sistemáticamente las disidencias. A través de les distintes invitades de este año trataremos de explorar otras formas de habitar los cuerpos que nos rodean. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes. ️ Edición de sonido: Oumaima Manchit Laroussi

En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación al artista Francesc Ruiz dentro del marco de la programación de 2026 “para habitar un cuerpo”. En la obra de Francesc Ruiz, el mundo se dibuja, se compone, se publica y se distribuye ocupando de manera crítica los espacios del capitalismo impreso. El cómic expandido, las arquitecturas informacionales de los quioscos, las pornotopías manga o la logística contemporánea son algunos de los lugares de intervención desde donde ha desarrollado su trabajo durante los últimos 20 años, realizando instalaciones y publicaciones que se insertan en contextos específicos transformando las narrativas colectivas que genera el espacio público. Su obra se ha podido ver en diferentes centros de arte y museos nacionales e internacionales: FRAC Bretagne (Rennes), EACC (Castellón), CA2M (Madrid), IVAM (Valencia), MACBA (Barcelona), Gasworks (Londres), FRAC PACA (Marsella), Weserburg Museum (Bremen) y en bienales como la de Venecia de 2015, la de Gotemburgo de 2017, la Bienal Momentum, Moss, Noruega en 2019, la Bienal de Busan, Corea del Sur, en 2020 o la Trienal de Dunkerque en 2023. Además, ha alternado la práctica artística individual con otros proyectos de carácter colectivo como el equipo de comisariado experimental CREATURES (junto con Amanda Cuesta, Maribel López y Glòria Pou), el Grupo de Dibujo Radical (con Efrén Álvarez), el fanzine feminista y queer PIPA (con Maite Garbayo, ferranElOtro y Roger Adam) o el Instituto de Estudios del Porno (con Ona Bros y Lucía Egaña). "para habitar un cuerpo" propone acercarnos al conocimiento que se genera en el museo desde sus márgenes, señalando los relatos que construyen las estructuras que habitamos y cómo éstos han legitimado formas y modos de hacer que excluyen sistemáticamente las disidencias. A través de les distintes invitades de este año trataremos de explorar otras formas de habitar los cuerpos que nos rodean. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes. Edición de sonido: Oumaima Manchit Laroussi

En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación Marta Sesé y Alejandro Castañeda, curadores de la exposición “Cándido Camacho. Ritos del deseo”, que se podrá visitar hasta el 14 de junio en TEA Tenerife Espacio de las Artes. “Cándido Camacho. Ritos del deseo” reúne, por primera vez desde 1995, la obra del artista (Tazacorte, 1951 - Jaén, 1992). La muestra responde a su metodología de trabajo por series y a una repetición cíclica donde los temas no se agotan, sino que se transforman empujados por el deseo. La exposición abarca desde 1969 hasta su repentina muerte. En estas dos décadas, Camacho desarrolló una producción fructífera con series como “El mito de los cuerpos” o “La Palma”, fundamentales para comprender la complejidad de su trayectoria. El artista estableció una simbiosis con su obra, buscando que su arte estuviera alineado con su verdad, el goce y el sufrimiento; una pretensión de que vida y realidad pictórica fueran una misma cosa. Existe una tensión entre tragedia y visceralidad expresada a través de una materialidad abyecta. Como explica Julia Kristeva, «lo abyecto es aquello que perturba una identidad, un sistema, un orden». Es una abyección vinculada a la inconformidad ante la rigidez de las estructuras. Guiada por este denso erotismo, la muestra ahonda en iconografías que reclaman la ruptura de los binarismos, la organicidad y el travestismo. Refiriéndose a sí mismo, Camacho afirmó ser «el pintor de un nuevo misticismo que canta a la vida, que quiere aprender a vivir y que lucha por librarse de los falsos profetas y sacerdotes que quieren imponer una vida y muerte al uso». Este podcast incluye fragmentos leídos de cartas manuscritas por Cándido Camacho a Gonzalo Díaz y a Javier de la Rosa. Voz: Moisés Hernández. Crédito de imagen: “Sin título”, Cándido Camacho,1970. LM Arte Colección, La Laguna. Edición de sonido: Lucía Dorta Abad. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

”Cuerpos escuchantes: la perceptibilidad de la imperceptibilidad sonora” Es una invitación a trabajar con el sonido como materia central y como un archivo vivo de los cuerpos que lo generan y de los espacios que lo acogen. Este audiozine es una propuesta colectiva que recorre desde el ruidismo, distintos espacios del museo. Comprendiendo el museo como un generador de cuerpos resonantes, susceptibles de ser recorridos, cuestionados y activados desde formas disidentes, cartografiamos distintas zonas según su cualidad acústica —espacios de eco, de opacidad, de silencio, de vibración— concibiendo el edificio como un cuerpo que puede y debe ser intervenido y puesto en resonancia. En este proceso, gritamos, balbuceamos, gemimos, cantamos, hablamos, y exploramos nuevas maneras de habitar los espacios a través de la resonancia sonora de nuestros propios cuerpos. . Esta pieza es una propuesta de Carlos Ruiloba, Carlota Bravo Reta, Elizabeta E. Povilaite, Gara Hernández, Gosia Juszczak, Hugo Santa Cruz, Jannai Obadiah, Lia Barbery, María Ballester, Miu Horemans Castro, Nataly Tralara, Pili Martin-Ramos, Santiago Sanago Pérez Valdivia, Sara Coleman, Sarah Macloughin, Thaís Eliana Sousa y Victor Alemán del Toro. Este audiozine recoge los procesos activados en el taller “Cuerpos escuchantes: la perceptibilidad de la imperceptibilidad sonora” impartido por Gara Hernández. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

️En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación a la artista Gara Hernández, dentro del marco de la programación de 2026 "para habitar un cuerpo". Musicóloga y artista sonora, actualmente doctoranda en musicología queer, orienta su trabajo hacia la politización del sonido mediante la incomodidad acústica y la especulación sobre el ruido, el sonido y las políticas identitarias de los cuerpos queer. Como directora de Cultural Resuena, articula investigación y práctica sonora en torno a la disidencia sexogenérica, desarrollando el concepto de Horrorismo Performativo. Ha realizado residencias como en el Festival HER (Tenerife), en el Auditorio de Tenerife o La Aceitera (Sevilla), con performances sonoras desarrolladas en diferentes ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Tenerife, etc. "para habitar un cuerpo" propone acercarnos al conocimiento que se genera en el museo desde sus márgenes, señalando los relatos que construyen las estructuras que habitamos y cómo éstos han legitimado formas y modos de hacer que excluyen sistemáticamente las disidencias. A través de les distintes invitades de este año trataremos de explorar otras formas de habitar los cuerpos que nos rodean. Esta pieza sonora incluye fragmentos de la pieza “Granulación Respiratoria” de Gara Hernández y de “Cuerpos escuchantes: la perceptibilidad de la imperceptibilidad sonora” pieza colectiva resultante del taller. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes. Edición de sonido: Lucía Dorta Abad.

En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación a la artista e investigadora transdisciplinar Rita Westwood, junto a Masu Fajardo y Javier Arozena, dos de las cuatro curadoras del programa de corporalidades y acción Por Asalto. La conversación toma como punto de partida la acción “ #1_post silencio pre-apocalíptico” una instalación-performance colaborativa y participativa que invita a lxs participantxs y al público a reflexionar sobre la pregunta-desafío de Audre Lorde: «¿Qué tiranías te tragas, día tras día, e intentas hacer tuyas, siempre en silencio?». Rita Westwood es una artista e investigadora transdisciplinar, exploradora del arte y la pedagogía; trabaja con objetos materiales (en autoedición, collage y paisajes visuales), con su cuerpo material en performance e investigación del movimiento somático. Más recientemente, se centra en los estudios de Género como lugar de reinvención y confirmación de sus opciones feministas, queer y no normativas. Este podcast incluye fragmentos de la lectura de "Your Silence Will Not Protect You" por Audre Lorde. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación al artista Fernando López junto a Denise Biong Buanga coordinadora de la tienda-espacio afro y Javier Arozena, una de las cuatro curadoras del programa de corporalidades y acción Por Asalto. Tras la creación en 2023 de “Flamenco Negro”, una obra sobre la historia de la esclavitud en las colonias españolas y el origen afrocubano de un cante flamenco, Fernando López prosigue su investigación en torno a la genealogía colonial de la cultura española. En esta ocasión centra su mirada en la propaganda audiovisual producida a lo largo del siglo XX en relación con la antigua colonia de Guinea Ecuatorial. Fernando López (Madrid, 1990) es bailarín, coreógrafo y filósofo. Doctor en Estética por la Universidad Paris 8-Saint Denis, compagina la creación artística con la investigación académica y la enseñanza. Se especializa en cuestiones de género, LGTBIQ+ y perspectivas decoloniales en la cultura española y particularmente en el flamenco. Denise Biong Buenga es coordinadora del espacio afrocentrado Mulema en Santa Cruz de Tenerife. Activista antirracista, decolonial y promotora de literatura de autores africanos/as y afrodescendientes. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación a la artista Laura Ramírez junto a Sabela Mendoza y Javier Arozena, dos de las cuatro curadoras del programa de corporalidades y acción Por Asalto. “Oasis of Serenity” es una colisión de visiones místicas y cinematográficas, atravesada por corrientes químicas, donde el cuerpo existe en un estado de crisis constante. No hay narrativa, solo sensaciones. Hormonas como la adrenalina y el cortisol conducen una práctica visual destinada a ser encarnada, no vista. La mirada parpadea; un cine caótico se despliega en la pupila. El cuerpo se disuelve, se reconfigura y pulsa al ritmo de las emociones. Este es un espacio umbral —místico, físico— donde el éxtasis, la práctica y la transformación coexisten. El mundo atraviesa el cuerpo en tiempo real, desbordando la comprensión. El corazón se acelera, espera —siempre al borde de la llegada. The world is a little blurry or maybe it’s my eyes. I can’t see you anymore. Bury all my things. I am on the edge of a nightmare. I get stuck here, forever. My body. My body. Laura Ramírez Ashbaugh (Madrid, 1988) es coreógrafa, bailarina, docente y DJ, con base en Madrid y Ámsterdam, y raíces en Ecuador, Norteamérica y España. Su práctica se despliega en la intersección entre el horror, la experiencia hormonal y el sonido, investigando cómo la percepción se altera —y se distorsiona— por fuerzas internas (como las hormonas) y externas. A través de la coreografía, explora estados inestables del ser, creando obras que no están pensadas para ser archivadas, sino para ser habitadas, vibradas y metabolizadas. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación al artista Thales Luz y Jesús Hernández Verano junto a Masu Fajardo, una de las cuatro curadoras del programa de corporalidades y acción Por Asalto. La conversación surge a partir de la acción “Casa del Diablo” del artista Thales Luz. Casa del Diablo es un oráculo diabólico. Lo diabólico, en esta obra, está relacionado con el trauma transgeneracional resultante de la persecución judía por parte la Inquisición portuguesa, durante los siglos de colonización del Brasil. En su desesperación por sobrevivir, judíos y nuevos cristianos exiliados en el nordeste brasileño, incorporan el no-lugar del exilio que marca la persecución como un pacto diabólico. Un pacto con la propia fractura que lo designa como trauma. Vestido con amuletos-fetiches, el artista materializa en su danza extática presagios arcaicos de sus antepasados proyectados en un presente-futuro lacerante. Esta acción se llevó a cabo en "Temblando, me llevo el sol a la boca", una exposición de Jesús Hernández Verano dentro del ciclo Filtraciones. La obra del artista parte del desarrollo material y conceptual de las formas de las emociones y las políticas en el entorno de los afectos. La fisicalidad y convivencia de materiales heterogéneos parten de un engranaje visual tanto por su existencia física como por la energía que portan. La piel se convierte en un lienzo de inscripción, donde memoria y lenguaje, imágenes y deseos, se entrelazan en un tejido en constante transformación. Su trabajo explora lo invisible a través de lo indecible, dando lugar a una cristalización través de lo sustractivo, del corte o de la incisión, de ausencias que resuena con una profundidad evocadora donde lo intangible se vuelve presente y lo efímero adquiere permanencia. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

️En este episodio de Onda Corta traemos en conversación al artista Juan Diego Calzada junto a Javier Arozena, una de los cuatros curadoras del programa de corporalidades y acción Por Asalto. La conversación surge a partir del recital “Yo soy el monstruo que os canta” de Isabel Do Diego (el alter ego de Juan Diego Calzada) que desarrolla, en su trabajo musical y escénico, un folclore austero, brutalista y sacralizado. El quejío electrónico de Isabel Do Diego abre un cuerpo a la fuga que traza una nueva perspectiva sobre el folclore andaluz. Su música es una prótesis folclórica que trasciende los espacios que la carne no puede habitar. Un ser híbrido. Un cuerpo que, en escena, camina entre lo humano, lo animal y lo espiritual. Entre la familiaridad rural y el extrañamiento futurista, Isabel Do Diego habita un universo escénico de gritos y susurros, de melodías tradicionales junto a sonoridades quebradas, de ecos rurales e industriales, de mensajes herejes y oraciones, de fantasías sexuales y emociones castas. Y muchos beats, samplers y sintetizadores. Su cante y baile son monstruosos y de electrónica sacralizada. Un trampantojo escénico que, como alegoría, no es racional ni clasificable, sino que muestra el misterio que guardamos bajo la piel en forma de ceremonia musical. “Yo soy el monstruo que os canta” no está ligado a ninguno de sus álbumes o eps, sino que propone una dramaturgia musical permeable, fluida y específica para un espacio-tiempo concreto. Su título también es un guiño deliberado hacia el discurso “Yo soy el monstruo que os habla” de Paul B Preciado. De ahí, que también este recital transite y mute según el festival, institución o edificio que lo acoja. Es aquí donde Isabel Do Diego compartirá, dentro de su repertorio, los temas más idóneos para cada recital y los hará convivir con materiales inéditos y rarezas no publicadas. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA

En este episodio de la línea de investigación “Prácticas para futuros lentos Flujo de Diálogo para Pliegue 8” traemos en una conversación a des/tiempo a Xirou Xiao y Christian Fernández Mirón quienes entienden el descanso como una necesidad política y colectiva. Sus trayectorias apuestan por una creación desde la ternura, la pausa y la baja exigencia. Su recorrido se apoyó en el proyecto TIAN MA XING KONG, un espacio de mediación cultural para familias y vecinas chinas. Este espacio simboliza la valentía de imaginar y crear desde otras reglas, con juego, deseo y comunidad. Christian escribe y acompaña desde la aternidad y la crianza. En proyectos como Cartas contra la cultura de la inmediatez o el Círculo de nanas, propone espacios de baja intensidad, donde el cuidado y la escucha desbordan la lógica del rendimiento. Su diario de crianza, “7 años de espera, 24 horas de aviso, 7 días de vida enlaza el deseo”, el decrecimiento y lo cuir, recordándonos que sostener también es crear. Xirou, desde su experiencia migrante y familiar, cuestiona por qué descansar no parece una opción dentro de la comunidad china. Entre la tienda y la casa, su día a día no deja espacio al ocio, pero el confinamiento abrió una grieta la posibilidad de otro ritmo. Ahora, tras su tesis, el colectivo Cangrejo Pro explora cómo ir más lento, sin que eso signifique rendirse. Ambas voces nos recuerdan que descansar también es resistir, y que crear desde el cansancio puede ser un acto radical. Bajo este paragua de “Prácticas para futuros lentos Flujo de Diálogo para Pliegue 8”, se presentan tres episodios que buscan poner en diálogo experiencias, vivencias y saberes colectivos vinculados a las prácticas culturales, los cuidados comunitarios y las luchas por la dignidad desde los márgenes. Este episodio incluye momentos musicales extraídos de las sesiones de Círculo de nanas de Christian Fernández-Mirón. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de Tea Tenerife Espacio de las Artes.

En este episodio de la línea de investigación “Prácticas para futuros lentos Flujo de Diálogo para Pliegue 8” traemos “Cuerpos de trabajo. Experiencias de trabajo colectivo en Ferias y Festivales de autoedición.” Un recorrido documental y testimonial por distintas experiencias de trabajo colectivo en festivales de autoedición. A través de las voces de quienes los sostienen, se exploran las dinámicas de colaboración, los afectos y los retos que implica organizar espacios como Vaia Vaia, Recreo, Pichi Fest, Tenderete, Inclasificables, Mayorzines, Skisomic y Autobán. En un contexto donde muchas de estas ferias se desarrollan sin ánimo de lucro y desde la autogestión, el podcast busca abrir una conversación sobre los modos de hacer, las formas de sostenerse y los vínculos que se tejen en estos entornos. Una conversación a la que se une La Raya, para acompañarnos una vez más en pensar y sostener las posibilidades de un festival de autoedición. Está línea de trabajo en formato podcast busca ampliar la reflexión sobre los temas centrales del encuentro. Bajo el nombre Prácticas para futuros lentos Flujo de Diálogo para Pliegue 8, se presentarán tres episodios que buscan poner en diálogo experiencias, vivencias y saberes colectivos vinculados a las prácticas culturales, los cuidados comunitarios y las luchas por la dignidad desde los márgenes. Estos podcast tendrán presencia física en la feria a través de la edición de varias publicaciones. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de Tea Tenerife Espacio de las Artes.

En este episodio de la línea de investigación “Prácticas para futuros lentos Flujo de Diálogo para Pliegue 8” traemos en conversación a Tau Luna Acosta y Juan David Galindo de Lumbres Migrantes un colectivo que, parte de sus trayectorias migrantes y del conocimiento íntimo de sus propios límites físicos y emocionales, con el objetivo de hacer una práctica colaborativa que no solo organiza el trabajo, sino que también resguarda los vínculos y nombra aquello que duele. Lumbre detiene el ritmo a través del compartir cómo se sienten subrayando que ningún proceso colectivo es sostenible si ignora los cuerpos y lo afectivo. En lugar de ver la fragilidad y el cansancio como obstáculos, los reconocen como parte esencial en la construcción de comunidad. En donde los modos de cuidado funcionan como ecosistemas vivos que revisar y negociar constantemente. Así el cuidado se convierte en la arquitectura misma del proyecto. Un tejido que se expande o se contrae según las necesidades colectivas, sin perder la memoria de quienes lo entrelazan. Bajo este paragua de “Prácticas para futuros lentos Flujo de Diálogo para Pliegue 8”, se presentan tres episodios que buscan poner en diálogo experiencias, vivencias y saberes colectivos vinculados a las prácticas culturales, los cuidados comunitarios y las luchas por la dignidad desde los márgenes. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de Tea Tenerife Espacio de las Artes.

“Archivo Corrupto: Conversación entre Vivian Deniz y Atchén Pounapal”, es un diálogo moderado por Mike Batista, que formó parte de una serie de charlas abiertas al público que tuvieron lugar el viernes 25 y sábado 26 de abril en la sede de la Sociedad Democracia de Arrecife, en colaboración con el MIAC y la Bienal de Lanzarote. Utilizando la metáfora del error digital “Archivo Corrupto” es un proyecto que reflexiona sobre la última década de espacios gestionados por artistas y las transformaciones en los modelos colaborativos en las artes visuales en Canarias. Así como un archivo dañado pierde datos, se desordena o se vuelve ilegible, muchos proyectos culturales enfrentan crisis internas, conflictos de gestión o cambios que los llevan a la disfuncionalidad. ¿Qué ocurre cuando un colectivo deja de ser compatible con su entorno? ¿Cómo se reconfigura su identidad tras la pérdida de sentido? Desde la desorganización hasta la reinvención, analizaremos cómo el “error” puede convertirse en una oportunidad para nuevas formas de creación y resistencia. Este diálogo pone en relación los proyectos artísticos centrados en la performance y la memoria a través del cuerpo. Se plantea un encuentro entre la trayectoria de la artista grancanaria Vivien Déniz y su experiencia en colectivos como Haus of Otherness con la del artista lanzaroteño Atchén Pounapal, cuya práctica se vincula a la performance y la escena musical a través de intervenciones como el personaje de Marilyn Chacón. El intercambio se enfocará en cómo las prácticas performáticas pueden (o no) traducirse en registros y cómo, desde generaciones distintas, se han abordado cuestiones comunes en torno a la memoria corporal. La conversación fue moderada por Mike Batista, investigador en la intersección de comunidades queer y espacio social, party studies y etnomusicología, además de co-gestor de la Asociación Cultural La Limonera. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

“Archivo Corrupto: Conversación entre Laura Balde y Oumaima Manchit Laroussi” es un diálogo moderado por Damián Rodrigues, que formó parte de una serie de charlas abiertas al público que tuvieron lugar el viernes 25 y sábado 26 de abril en la sede de la Sociedad Democracia de Arrecife, en colaboración con el MIAC y la Bienal de Lanzarote. Utilizando la metáfora del error digital “Archivo Corrupto” es un proyecto que reflexiona sobre la última década de espacios gestionados por artistas y las transformaciones en los modelos colaborativos en las artes visuales en Canarias. Así como un archivo dañado pierde datos, se desordena o se vuelve ilegible, muchos proyectos culturales enfrentan crisis internas, conflictos de gestión o cambios que los llevan a la disfuncionalidad. ¿Qué ocurre cuando un colectivo deja de ser compatible con su entorno? ¿Cómo se reconfigura su identidad tras la pérdida de sentido? Desde la desorganización hasta la reinvención, analizaremos cómo el “error” puede convertirse en una oportunidad para nuevas formas de creación y resistencia. En este diálogo se plantea la conexión entre la trayectoria de Oumaima Manchit Laroussi a través de Al’Akhawat, colectivo multidisciplinar de artistas pertenecientes a la diáspora Marruecos-España junto al trabajo de Laura Yasmine Balde, artista y cofundadora de la Asociación Mujeres Africanas y Afrodescendientes en Canarias. Esta asociación, formalizada en 2023, tiene como objetivo el empoderamiento de mujeres africanas y afrodescendientes, así como la promoción y visibilización de su producción cultural a través de colaboraciones con artistas, activistas y pensadoras. A través de estas jornadas, se pretende explorar estrategias para la construcción de archivos de espacios independientes y fomentar un debate sobre las dinámicas entre procesos creativos individuales y colectivos. La conversación fue moderada por Damián Rodríguez Pérez, gestor cultural, antropólogo y artista afincado en Lanzarote. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

“Archivo Corrupto: Conversación entre La Limonera y ARS Magna”, es un diálogo moderado por Néstor Delgado que formó parte de una serie de charlas abiertas al público que tuvieron lugar el viernes 25 y sábado 26 de abril en la sede de la Sociedad Democracia de Arrecife, en colaboración con el MIAC y la Bienal de Lanzarote. Utilizando la metáfora del error digital “Archivo Corrupto” es un proyecto que reflexiona sobre la última década de espacios gestionados por artistas y las transformaciones en los modelos colaborativos en las artes visuales en Canarias. Así como un archivo dañado pierde datos, se desordena o se vuelve ilegible, muchos proyectos culturales enfrentan crisis internas, conflictos de gestión o cambios que los llevan a la disfuncionalidad. ¿Qué ocurre cuando un colectivo deja de ser compatible con su entorno? ¿Cómo se reconfigura su identidad tras la pérdida de sentido? Desde la desorganización hasta la reinvención, analizaremos cómo el “error” puede convertirse en una oportunidad para nuevas formas de creación y resistencia. Esta conversación entre La Limonera (Mabel Martín, Abraham Riverón, Mike Batista) y ARS Magna (Elena Zabalza, Victor G. Moreno, Daniel L. Fleita) se articula en torno a cómo estos proyectos piensan la mediación y la producción de memoria, estableciendo marcos de actuación como fanzines, talleres y podcasts. Uno de los ejes clave se da a través de la relación que establecen con el contexto y su papel en la construcción de relatos compartidos. ¿De qué modo estos proyectos dan forma a una comunidad? ¿Qué tipo de relaciones se establecen con su contexto vecinal? ¿Cómo construyen su memoria estos espacios?

En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación a las curadoras y artistas Javier Arozena, Mari Paula, Sabela Mendoza y Masu Fajardo que conforman el equipo curatorial de la edición de Por Asalto 2025. En este espacio compartido repiensan, redimensionan y experimentan con el formato de Por Asalto, para así ahondar en cuestiones de la propia práctica curatorial. Juntas buscan ampliar la perspectiva del programa para afianzarlo como agente activo en el desarrollo cultural, social, educativo y político del territorio. Lo hacen desde la acción transformadora y el pensamiento crítico, con el objetivo de abrir espacios para la fricción, el intercambio y el encuentro. La edición 2025 de Por Asalto pone el foco en la sumergencia, las cuestiones de género, la decolonialidad y la ancestralidad, entre otras, para lo que se presentará una propuesta de acciones resignificantes, agitadoras y sensibles. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA Tenerife Espacio de las Artes.

En este nuevo episodio de Onda Corta recordamos la exposición "Este puede ser el lugar" a través de una conversación con Natalia Álvarez Simó y Javier Arozena, curadores de la exposición. Bajo un mismo espacio expositivo, "Este puede ser el lugar" integró piezas materiales e inmateriales, voces y gestos, restos de acciones, pero también piezas escénicas y fílmicas, así como los cuerpos de los intérpretes -archivos de la memoria- junto a los propios movimientos de los visitantes que activaban las obras. Una exposición que ensayaba el espacio expositivo a modo de coreografía, como una composición de piezas de diversas disciplinas artísticas, entre ellas el teatro y la danza. No reconocidas hasta hace bien poco por el museo. Piezas híbridas por su naturaleza, por el ámbito en la que se ha situado a quien las crea, por estar descontextualizadas, pero con algo siempre en común, el cuerpo y el gesto performativo como materia prima. El cuerpo interviene para transformar la materia, como el campo de acción y batalla, como obra sometida al gesto. En este sentido el objetivo no era reclamar un espacio de lo escénico dentro del museo sino el diálogo de una disciplina artística con el resto, de modo que se enriquezca una institución que pretende ser el reflejo de la sociedad y el tiempo en el que vivimos. De ahí que el título de la exposición quede como un final abierto: "Este puede ser el lugar". Este podcast incluye fragmentos sonoros de las piezas: "Recital 74 El Lago Encantado" de Les Luthiers y "Altar" del Conde de Torrefiel. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA.

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación a los artistas Lluís Garau y Abraham Riverón junto a Javier Arozena, curador del programa de corporalidades y acción Por Asalto. Una conversación que pone en diálogo las líneas de trabajo de ambos artistas en el marco de “La carn”, una creación de Lluís Garau que invita a reflexionar sobre la soledad en tiempos de máxima conectividad y en la que abre las puertas a la intimidad de un joven que le pone precio a su propio cuerpo. En este espectáculo en directo con sexo en remoto, Garau enfatiza la soledad, distorsiona lo privado e incide en la distancia actual entre los vínculos relacionales afectivos y sexuales. “La carn” es una obra de danza, teatro y sexo con dos públicos, el de teatro y el de dirtyroulette, uno en sala, otro en casa, y en ella su creador emborrona los límites entre lo público y lo privado, el directo y lo remoto, para expandir y forzar diversas formas de relaciones íntimas interpersonales. Por su parte, Abraham Riverón indaga en torno al poder y cómo este se manifiesta a través del paisaje, la historia, la memoria y la sexualidad. La transformación de los espacios bajo la influencia de los intereses de los sistemas económicos que intervienen a su vez en los sujetos; la memoria como forma de construir identidad en base a las historias pasadas y ocultas de poder y dominación; así como la imagen y el lenguaje son cuestiones que corporiza a través de la instalación, la escultura, el archivo y el ready made. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA.

En este episodio de Onda Corta recordamos la performance “Ecos de Deep Song” en conversación con Paula Quintana y Hara Alonso junto a Javier Arozena, curador del programa de corporalidades y acción Por Asalto. En un ejercicio de recuperación del archivo de la pieza “Deep Song”, que la bailarina Marta Graham creó en 1937, y planteando la posibilidad de crear un nuevo original, la bailarina y coreógrafa tinerfeña Paula Quintana junto a la creadora musical Hara Alonso toman como punto de partida la obra “Ensayo de Deep Song” de Lola Lasurt . Esta creación, que estuvo presente en la exposición "¿Cuánto dura un eco?" comisariada por Victoria Janeiro, traduce en obra pictórica la fisicidad de estos movimientos como acto performativo para traerlo al presente mediante una recreación que busca reflexionar sobre su sentido en la actualidad. Las imágenes plasmadas por Lasurt representan los momentos de caída física de la pieza de Graham. Veinte metros de lienzo que plasman imágenes de agonía, desconcierto y terror representados en cuerpos de mujer tensionados. Veinte metros de caídas. Es un trabajo de investigación sobre memoria histórica, colectiva y personal, que intenta luchar contra nuestra actual amnesia y reivindica los archivos visuales y orales como potencia creadora. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA

En este nuevo episodio de Onda Corta traemos en conversación al artista Jorge González y la curadora Michy Marxuach con motivo de la exposición Orocobix Recuerdo de la primera Montaña. Orocobix es compromisos, y también, es encuentro de formas, materiales, intenciones, voluntades, cosechas, cultivos y tejidos, con y entre seres. Significa algo así como ‘Recuerdo de la primera montaña', compuesto con o = “montaña”, roco = “recordar, conocer” y bi = “vida, principio, primero”. Con este nombrar recordamos nuestro camino, encendemos e intencionamos. Buscamos nutrirnos y nutrir para reactivar la memoria de mucho de lo que el sistema moderno ha distanciado. Peticionamos a nuestros ancestros de luz y estamos atentos a la escucha de la abuela. Ocama es escucha, Aracoel es abuela. Un fuego sagrado dentro. Sabemos que la radicalidad no solo funciona para fijarnos a la tierra, sino para fijar nuestra resistencia mientras se avalancha la fuerza colonizadora con sus procesos de cementación, destrucción, extracción y dominio. Entremos dentro de los latidos de la raíz definida en la multiplicación de los encuentros. Es también camino andado y por andar. Es amor cómplice para desentrañar fragmentos y construir puentes, mientras se sostiene un ejercicio continuo, hacedor de comunidad. Esta iteración expositiva del artista Jorge González compone un tejido de experiencias vividas durante los últimos 10 años. Con esta quisiéramos contarles algunos de los “Cuentos del Camino”, sabiendo que estos no llegaron solos, sino que junto a muchos otros siguen anudando para seguir caminándolas. En este podcast se incluyen aproximaciones y activaciones sonoras de los ecos y piezas que configuraron la exposición. Así como las intervención de Oumaima Manchit Laroussi cuyas manos también contribuyeron a tejer el proceso. Escucha el podcast en iVoox, Spotify o desde la página web de TEA.

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación a La Señorita Blanco y José Ramón Pujante junto a Javier Arozena curador del programa de corporalidades y acción Por Asalto. Una conversación que se da en el marco de "Crudo", el nuevo trabajo de La Señorita Blanco y que nace de la pieza escénica "Paisaje dentro de Paisaje: 2. Lo Animal". Se trata de una exploración de la forma del cuerpo humano en unión con el espacio y el tiempo, una visión del cuerpo desde la forma, la materia, el pliegue, el relieve y el paisaje. En la pieza, el cuerpo de las performers Ángela Millano y María Pizarro-Pérez se entrega a la resistencia física y a un tiempo sin ficción desde una inusitada calma que solo sucede desde la intención de habitar el espacio. El objetivo y fin último de "Crudo", así como sucede en otras piezas de La Señorita Blanco, es alcanzar lo sagrado, pero no aquello sagrado en el sentido religioso del término, sino el que capta el preciso momento en el que el cuerpo se funde con el paisaje, donde el cuerpo desaparece para aparecer lo animal, esencia que habita en nosotras, donde la carne es partícula y belleza. Pero no es lo sagrado algo que se ejecute, sino que, al activarse el ritual de manera inalterable, la visión sagrada aparece ante el espectador. La Señorita Blanco son: Olga Blanco, José Ramón Pujante, María Pizarro-Pérez, Angela Millano, Fernando Monedero, Josep María Comas.

En este episodio de la línea de investigación “Afinar el rugido, Flujo de Diálogo para Pliegue 7” traemos en conversación a Silvia Zelaya en representación del colectivo Periferia Creativa que coordina el proyecto 'Memorias Ordinarias' y Manuel Cabezudo de la Asociación Atlas de Gran Canaria que coordina el proyecto 'Schamann Documenta' para compartir sus líneas de trabajo asociativas y de mediación como otras formas de hacer ciudad alejándose del centro para ir al encuentro de otras perspectivas y leer el centro desde otro lugar. “Afinar el rugido, Flujo de Diálogo para Pliegue 7” son conversatorios que ponen en diálogo y dan voz a las personas que trabajan desde el activismo, el asociacionismo y la cultura sobre cuestiones como la migración, los archivos de barrio, el antirracismo e identidad y territorio en Canarias. Esta serie de podcast realizados antes de la séptima edición de la feria de autoedición y cultura queer Pliegue amplían la reflexión y respaldan los temas que serán el eje de este encuentro. Memorias Ordinarias (https://memoriasordinarias.org/) es un proyecto cultural y de experimentación entre la arquitectura y la etnografía. Concebido como un proyecto de investigación artística toma como objeto de estudio un repertorio amplio de elementos patrimoniales materiales e inmateriales de barrios y pueblos de Canarias. En concreto, se desarrolla a partir de encuentros y paseos con vecinas y vecinos del barrio de Juan XXIII en Santa Cruz de Tenerife (Islas Canarias) los cuales comparten un fuerte sentimiento de pertenencia y un olvido particular sobre su patrimonio vecinal. Este tipo de patrimonio (tangible e intangible) tiene que ver con lo que es importante para la vecindad, más allá de edificios o lugares que cumplen ciertos requisitos estético-históricos definidos por el saber experto. Son objetos o lugares que forman parte de su memoria como vecinas de un lugar concreto y que al final lo conforman. Atlas Gran Canaria (https://asociacionatlasgrancanaria.org/) es una asociación cultural y medioambiental fundada en 2015 que desarrolla proyectos comunitarios de intercambio cultural y voluntariado para personas en movimiento. Su investigación titulada “Schamann Documenta” hace uso de la fotografía documental participativa con el objetivo de impulsarla como una herramienta de investigación, conocimiento y divulgación de las diversas realidades que conviven en el barrio de Schamann, en Las Palmas de Gran Canaria. Este proyecto busca acercar la fotografía documental a las personas que viven y que forman parte del tejido social de Schamann, con la finalidad de generar un testimonio visual y colectivo del barrio. A través de la dinamización de talleres de fotografía participativa, se plantea un trabajo de base documental subjetivo, poniendo el foco en la perspectiva de los vecinos y vecinas como creadores activos de la narración. Desde la fase de ideación hasta la producción y toma de las fotografías, son los y las habitantes del barrio quienes muestran su diversidad, sus formas de vida, sus preocupaciones y su poder de resiliencia. Diez colectivos creando diez historias fotográficas para dibujar un mapa narrativo del barrio en primera persona y visibilizando esas historias de Schamann que merecen ser contadas.

En este episodio de la línea de investigación “Afinar el rugido, Flujo de Diálogo para Pliegue 7” traemos en conversación a Ivette Dalianna -poeta afrocubana y feminista -cofundadora de la asociación Mujeres Africanas y Afrodescendientes (en) Canarias y Loueila Mint El Mamy -abogada especializada en derechos humanos y migraciones-, para compartir desde la experiencia del asociacionismo y activismo antirracista la deshumanización y fronteras invisibles con las que se encuentran las personas migrantes y racializadas, aquellas condiciones estructurales que responden a lógicas de saqueo y de explotación histórica, la importancia de atender a la intersección entre género, raza y clase y, en definitiva, de la migración como consecuencia del colonialismo. “Afinar el rugido, Flujo de Diálogo para Pliegue 7” son conversatorios que ponen en diálogo y dan voz a las personas que trabajan desde el activismo, el asociacionismo y la cultura sobre cuestiones como la migración, los archivos de barrio, el antirracismo e identidad y territorio en Canarias. Esta serie de podcast realizados antes de la séptima edición de la feria de autoedición y cultura queer Pliegue amplían la reflexión y respaldan los temas que serán el eje de este encuentro. Ivette Dalianna (Santiago de Cuba, 1999). Poeta afrocubana residente en Gran Canaria, afrofeminista y antirracista. Co-fundadora de la Asociación Mujeres Africanas y Afrodescendientes (en) Canarias. Actualmente, se encuentra en la recta final de sus estudios de doble grado en Administración y Dirección de Empresas + Derecho. Ha publicado su primer poemario titulado “Revelaciones desde la llanura de mis privilegios” (Letrame, 2022) y forma parte de antologías como “Matria Poética. Una antología de poetas migrantes” (La Imprenta, 2023) y “Última poesía crítica. Jóvenes poetas en tiempo de colapso” (Lastura, 2023). Loueila Sid Ahmed Ndiaye (Mint El Mamy anteriormente), de nacionalidad saharaui, y residente en Canarias desde 1999. Graduada en Derecho por la Universidad de La Laguna en el año 2016, cursa posteriormente estudios de Máster de Acceso a la Abogacía en el Ilustre Colegio de Abogados/as de Santa Cruz de Tenerife hasta el año 2018. En la actualidad es Abogada en materia de extranjería y Derechos Humanos que trabaja con las personas que llegan por vía marítima a costas canarias. Es miembro de la Comisión de extranjería y Derechos Humanos del Ilustre Colegio de la Abogacía de Lanzarote y de la Asociación Profesional de Abogados/as Saharaui en España además de colaborar con diversas entidades y ONGs en Canarias asesorando a personas migrantes.

En este episodio de la línea de investigación “Afinar el rugido, Flujo de Diálogo para Pliegue 7” traemos en conversación a Daniasa Curbelo -artista multidisciplinar e investigadora académica- y José Antonio Ramos Arteaga -investigador y profesor-, para desenterrar la historia reciente queer que rodea al entorno de TEA Tenerife Espacio de las Artes situando las transformaciones socioeconómicas e higienización de la zona con su construcción y las complejidades de trabajar cuestiones decoloniales y no normativas desde una institución cultural. “Afinar el rugido, Flujo de Diálogo para Pliegue 7” son conversatorios que ponen en diálogo y dan voz a las personas que trabajan desde el activismo, el asociacionismo y la cultura sobre cuestiones como la migración, los archivos de barrio, el antirracismo e identidad y territorio en Canarias. Esta serie de podcast realizados antes de la séptima edición de la feria de autoedición y cultura queer Pliegue amplían la reflexión y respaldan los temas que serán el eje de este encuentro. Daniasa M. Curbelo (Tenerife, 1995) es artista multidisciplinar e investigadora académica. En el año 2017 se graduó en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna y en 2021 finalizó el Máster en Estudios de Género y Políticas de Igualdad de esta misma universidad. Su trabajo artístico y teórico se vincula con cuestiones como la memoria, la canariedad y el género. En su trayectoria abundan exposiciones individuales y colectivas, performances, conferencias, participación en congresos nacionales e internacionales, publicaciones en revistas académicas, realización de documentales y otros productos audiovisuales. En el año 2020 recibió el premio Emma Goldman Snowball Awards que otorga la fundación neerlandesa Flax Foundation al compromiso internacional con la igualdad de género. También ha sido parte del equipo de Memoria Histórica LGBTI de la Dirección General de Diversidad del Gobierno de Canarias. Recientemente, en 2023, publicó su primer ensayo titulado “híbridas impostoras intrusas” con la editorial Bellaterra. José Antonio Ramos Arteaga es profesor Contratado Doctor Tipo 1 en el Departamento de Filología Española de la Facultad de Humanidades de la Universidad de La Laguna en las Islas Canarias. Se licenció en el año 1990 en Filología Española por la Universidad de La Laguna (ULL), realizó el Máster en Estudios Avanzados de Teatro por la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR) y es Doctor por la Universidad de La Laguna con una tesis sobre teatro canario desde sus orígenes hasta el siglo XIX. En la actualidad está adscrito como profesor en el Departamento de Filología Española y en el Máster de Estudios de Género y Políticas de Igualdad en el que imparte la asignatura “Sexualidades diversas, feminismos de la tercera ola y teorías queer”. Ha sido profesor invitado en la Duke University en Carolina del Norte (EEUU) y ha visitado como invitado a cursos y conferencias en universidades nacionales y extranjeras. Pertenece a distintos institutos de investigación (Instituto de Estudios Medievales y Renacentistas, IEMYR; Instituto de Estudios de la Mujer, IUEM; Instituto de Estudios Canarios, IECAN) y es el investigador principal del grupo de investigación PALINGESTOS (Fiesta y espectáculo en la cultura popular en su contexto atlántico: Literatura, Arte, Cine y Teatro). Además es miembro del grupo de investigación interdisciplinar de Estudios Decoloniales (ULL) y colaborador del grupo de investigación LAiREM (Literatura, Art i Representació a la Llarga Edat Mitjana) de la Universidad Rovira i Virgili).

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación a María Laura Benavente y Lucía Dorta Abad coordinadoras hasta 2024 de Onda Corta Laboratorio de Documentación de TEA Tenerife Espació de las Artes. Onda Corta es un programa público que surge bajo la dirección artística de Gilberto Gonzáles y su propuesta “Principio de incertidumbre” como un programa interno que mantenga comunicación con proyectos colectivos autónomos, una interlocución con un “espacio exterior”, centrada en la edición y la publicación experimental a través de una línea editorial de impresión risográfica y una plataforma radiofónica. “Muchas formas para un final” se plantea como una conversación que pone nombre y aúna la línea de pensamiento que se ha construido a través de los cinco años del programa, aterrizando la experimentación como proceso de aprendizaje: “Aterrizar las ideas sobre el papel puede convertirlas en una manera de asirlas, de hacerlas tangibles. Sostenerlas de manera física en una publicación puede hacer que nuestras reflexiones concreten aquello en lo que podemos ponernos de acuerdo y tratar así de intuir el porvenir. Pensamos el museo desde el centro y sus colecciones, las relaciones de la ciudadanía con lo que se muestra y como se muestra, tratando de ampliar las representaciones que allí se ubican. Onda Corta ha trabajado fundamentalmente atendiendo al Centro de Documentación y la Biblioteca de Arte de TEA Tenerife Espacio de las Artes prestando atención a los procesos de catalogación, inventariado, archivo o conservación. Tratando de entender la Biblioteca de Arte, nos preocupaba romper con la lógica donde las estanterías también se convierten en peanas que sostienen el conocimiento y activarla como dispositivo que esté abierto a la manipulación. En un museo el cuerpo es aséptico respondiendo de manera ritualista a desaparecer para sólo mirar las imágenes que este te presenta, con distancia. En las bibliotecas no sólo tu cuerpo no tiene que ser borrado del espacio, sino que además los libros son imagen-objeto esperando a ser activados. El uso deja las huellas del cuerpo en las bibliotecas desordenándolas y ordenándolas de otras maneras, reorganizando las jerarquías de saberes, parasitando. Como caballos de Troya, consigue ensancharlas haciéndolas cada vez más porosas a otras experiencias de vida dejando testigos en los libros de que, en algún momento de la historia, nosotras también estuvimos aquí. Se convierte así, el espacio de la biblioteca como un espacio seguro y accesible de intercambio donde se de el lugar para el diálogo y la reflexión que el resto del museo no permite”.

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación al historiador del arte e investigador especializado en estudios decoloniales y postcoloniales Pedro Luis Muñóz Valdivia junto a la doctoranda del Grupo de Investigación Arte, Moda e Identidad de la Universidad de La Laguna. “Reclamo de saberes amordazados” concentra una investigación que tiene como objetivo generar un espacio de encuentro en torno al Fondo Decolonial concebido por Gilberto González bajo la coordinación de Octavio Zaya. Un programa que se propone abrir el campo de producción de conocimiento del museo a partir de los estudios y discursos post- coloniales e interactuar e implicarse con otras formas de conocimientos originados y producidas más allá del marco del conocimiento occidental. Esta pieza sonora complementa el encuentro que se realizó el sábado 13 de abril en la Biblioteca de Arte de TEA. Aterrizando en lo sonoro y en lo experiencial una activación de los conocimientos que conforman este fondo a través de un espacio de diálogo y conversación afectiva - reflexiva con el que poder articular herramientas críticas que permitan acercarse a estos materiales desde otras perspectivas y miradas. Que permitan recuperar “todo aquello que por no estar expuesto, permanece relegado a los márgenes de toda sensibilidad e intelección”. Esta actividad se encuentra enmarcada dentro de Pececillos de Plata, un espacio de investigación formulado desde Onda Corta con el objetivo de explorar otras formas de habitar los conocimientos que operan en una biblioteca. Replantear cómo construimos estos espacios y cómo transitamos sus saberes nos permite leerlos desde la confluencia. Entendiéndolos como sustratos llenos de organismos vivos que dejan a su paso rastros e inquietudes que desbordan la celulosa que los contiene.

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación a Richard Mascherin y Sergio Martínez Vila junto a Javier Arozena curador del programa de corporalidades y acción “Por asalto”. Como cierre del ciclo 2023 del programa público de artes vivas Por Asalto, llevó adelante un taller-laboratorio abierto a la ciudadanía dirigido por el artista Richard Mascherin. El Laboratorio Acto Romántico tuvo lugar entre los días 20 a 25 de Noviembre, con una muestra pública final el día sábado 25 de noviembre a las 20h. Atravesando distintas situaciones de marcada intensidad - como una fiesta, una manifestación y un ritual mágico -, el laboratorio ‘Acto romántico’ exploró estados de euforia y violencia como si fueran las condiciones necesarias para una revelación mística, y lo hizo a través del movimiento, el texto y la fotografía. El punto de partida de esta acción fue la caída física y emocional como acto supremo de entrega y, por tanto, como romanticismo hecho cuerpo. Acto romántico, estuvo interpretada por los participantes del laboratorio. Intérpretes: Koset Quinta, Apolo Delgado, Paula Bito Mosquera, Paloma Albaladejo, Esther Martínez, Sergio Martínez Vila, Antonio Aguilera Rodríguez Coreografía y dirección: Richard Mascherin Dramaturgia y textos: Sergio Martínez Vila Fotografía y concepto escenográfico: Lúa Ribeira

Este capítulo de Onda Corta es el resultado del taller "De lo micro a lo macro: Taller para niñes cronistas" a cargo de la artista Juana Fortuny dentro del programa público Onda Corta Laboratorio de Documentación de Tea Tenerife Espacio de las Artes. "De lo micro a lo macro: Taller para niñes cronistas" propuso a les niñes que registraran las exposiciones mediante imágenes y grabaciones de audio y ahondó así en cómo el sentido de las imágenes se ve directamente relacionado con el contexto desde donde estábamos mirando. La disposición de las obras pensada para una mirada adulta interpela siempre a un cuerpo determinado. ¿Cómo se enfrentaron entonces los niños al relato propuesto por la exposición? Ampliando los modos de registro y dando cabida a otras voces, en este taller escuchó cómo veían, sentían y oían los niños, cambiando la escala ya que en el espacio del museo el aprendizaje entendemos debe ser mutuo. Esta actividad fue realizada en el contexto de las exposiciones Insolación y ACTO I: La Eterna Adolescencia. Juana Fortuny (Tenerife, 1971) licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, practica la construcción artesanal a través de telas y retales, empleando una técnica que exige dedicación y perseverancia. El soporte contribuye a construir el resultado de la obra, frágiles presencias que parecen estar a punto de desvanecerse.

Gilberto González conversa sobre su paso por la dirección artística de TEA Tenerife Espacio de las Artes durante estos últimos cinco años con la comisaria, crítica y gestora cultural Isabel Tejeda. "El principio de incertidumbre o indeterminación, como lo definió Werner Heisenberg, estipula que, a diferencia de la física tradicional, en la mecánica cuántica que se ocupa de la escala más ínfima -la subatómica- no puede conocerse con total precisión y de manera simultánea la velocidad y la posición de una partícula. Esto no ocurre sin embargo con un cuerpo de mayor tamaño, en la física tradicional ambos parámetros siempre están claros. Como metáfora nos sirve para reivindicar la posibilidad de que lo que damos como pautas generales de los Centros de Arte reconocidos como referenciales, resultan inaplicables o al menos incapaces, de explicar u operar de igual modo en lugares de distinta extensión y complejidad. Principio de Incertidumbre aspira a establecer para TEA la posibilidad de reformular el paradigma de qué y cómo podría ser la Institución Arte en Canarias tras más de un siglo de apertura del primer Museo de Bellas Artes en las Islas. El modo en que explicamos estas instituciones y sus intervalos de éxito o de fracaso, parecen estar siempre vinculados a una personalidad concreta y no a los procesos colectivos que puedan haberse dado cita en estas instituciones. Parece que como sociedad no hemos sido aún capaces de establecer y detectar los modos colectivos de hacer que superen lo nominal. Por ello, con la certeza de que esos procesos han existido y perviven aún, es fundamental entender que TEA debe ser catalizador y receptor de éstos. Pero por otro lado, ciñéndonos al significado textual de la incertidumbre, ¿no es posible abrir un campo de experimentación con la propia institución? ¿no debemos primero generar previamente un estado de cuestionamiento de la propia estructura para poder alcanzar al principal objetivo?"

En este episodio de Onda Corta, se despliega el proyecto "Allende los mares" que toma la forma de un fondo bibliográfico en el que se reúnen un conjunto de materiales relacionados a los paralelos históricos entre Puerto Rico y Canarias. El fondo forma parte de un proyecto a largo plazo iniciado en el 2019 titulado La Germinal. Durante el programa de residencia "Producción 0, Una detonación invisible" en TEA, Mónica Rodríguez investiga los paralelos históricos del feminismo, anarquismo y movimiento obrero en Canarias y Puerto Rico de principios del siglo 20. ¿Qué afinidades hay entre los movimientos obreros y anarquistas en Canarias y Puerto Rico? ¿Cómo podemos crear espacios de intercambio de conocimiento que a su vez posibiliten redes de colaboración y acompañamiento? El material reunido durante el programa de residencia se utilizó para organizar un ejercicio de lectura en voz alta en donde se invitó al público a leer una selección de textos escritos por obreras y obreros anarquistas que abordan temas desde el rol de la mujer en la sociedad, la justicia social, la educación y la ecología. La Germinal es un proyecto multidisciplinario que toma la forma de una biblioteca itinerante que sirve de espacio para la experimentación con formas alternativas de crear e intercambiar conocimiento. El contenido y énfasis temático de La Germinal está impulsado por la vida y obra de la escritora anarco-feminista puertorriqueña y activista laboral Luisa Capetillo. La Germinal se compone de varios fondos bibliográficos que se van desarrollando a través de un diálogo abierto e intercambio generoso entre amigos, colegas y las distintas comunidades donde se presenta el proyecto. Más que una colección, es un espacio activo de intercambio de conocimiento. La creciente colección bibliográfica de La Germinal es utilizada como material para la organización de programas públicos que consisten de ejercicios de lectura en voz alta, talleres y conversaciones que activan procesos colectivos de transmisión, difusión y oralidad. La recreación oral de los escritos que forman parte de la colección en diferentes localidades, expresadas y encarnadas por diferentes grupos de personas, tiene como objetivo crear nuevas formas de representación y entendimiento que van desdibujando la línea entre espectador/público y actor/colaborador. Esta práctica nos ayuda a pensar y actuar nuevas formas de aprendizaje colectivo en donde el pasado histórico nos sirve como herramienta para tejer narrativas que han sido ignoradas o excluidas de la historia oficial. Participaron de esta lectura: Néstor Delgado, Inés Plasencia, Adrián Aleman, Óscar Hernández, Jara Perdomo, Martu Mojica, Miguel Rubio Tapia, Sara Párquez, Elba Diaz de Yañez, Agata Gomez, Mónica Rodríguez, Daniasa Curbelo, Farah Azcona, Aniara Rodado, Raisa Maudit, Larisa Pérez Flores, Aurembiaix Ainsa, Sara Lima, Rebeca Hernández Cruz, Lucía Dorta Abad, Jose Manuel González Reyes, Idaira Galván y María Laura Benavente.

En este episodio de Onda Corta, la curadora Imma Prieto conversa con Néstor Delgado, Conservador de Exposiciones Temporales a propósito de la exposición "Jorge Eduardo Eielson. El nudo vertical." una coproducción con Es Baluard Museo de Arte Contemporáneo de Palma que se inauguró el 30 de junio en TEA Tenerife Espacio de las Artes. De marcado carácter disidente, la figura del poeta, escritor y artista visual Jorge Eduardo Eielson (Lima, 1924-Milán, Italia, 2006) supuso la aparición de una voz rupturista en los procesos de la modernidad latinoamericana. La exposición «El nudo vertical», brinda la oportunidad de examinar su producción artística desde finales de los años cincuenta hasta sus últimos trabajos realizados. La complejidad de su trabajo, vinculado a una biografía marcada por la disidencia, hace de Eielson uno de los artistas plásticos y poetas más radicales, en el sentido íntegro de la palabra, y poliédricos, con diversos modos de cuestionar el mundo en el que vivimos a través de una síntesis de elementos gráficos y referencias culturales.

En este episodio de Onda Corta, Ariadna Maestre Gutiérrez, Mabel Martín y Julia M. Martín conversan junto a Abraham Riverón curador de Omnia: Nuevos Públicos y Ciudadanía Cultural en relación a las investigaciones y proyectos que desarrollaron para el programa de mediación de TEA en el año 2022. "Omnia es un proyecto que mira el museo como un lugar abierto al encuentro de las diferencias y busca acercar las instituciones del arte a todas las personas explotando el potencial de la cultura como un valor integrador del ser humano. Los museos pueden propiciar la integración de experiencias estéticas, intelectuales y sociales en un aprendizaje a lo largo de la vida, convirtiéndose en instituciones esenciales en la comunidad y lugares de referencia cotidiana. Entendiendo las instituciones artísticas como espacios comunitarios, debemos fomentarlas como lugares inclusivos, que trabajen para evitar las barreras todavía existentes proporcionando espacios de encuentro y comunicación sin discriminación. Se requieren la puesta en marcha de acciones orientadas a impulsar el trabajo colaborativo con organizaciones, asociaciones y colectivos que inviten a generar experiencias significativas que estimulen el diálogo, la reflexión, la imaginación, el pensamiento crítico. Tras las reflexiones sobre el acceso a la cultura por parte de personas/colectivos en situación de exclusión, riesgo y/o vulnerabilidad social propiciadas por las Jornadas Omnia Reflexionando sobre el CEA (Consumo, Equidad y Acceso a la cultura) se plantea la puesta en marcha de acciones que faciliten el acceso a la cultura desde una mirada de equidad social."

En este episodio de Onda Corta, la curadora Pilar Soler Montes conversa con Estefanía Bruna a propósito de la exposición "Histeria. La trasgresión del deseo" que se inaugurará el 23 de junio en TEA Tenerife Espacio de las Artes. Esta exposición transita el interés y la influencia del movimiento surrealista por recuperar el imaginario en torno a la histeria inventado por el doctor Charcot. Un intento de revisar desde una mirada contemporánea una historia y la naturaleza de las imágenes que actualmente continúan influenciando en la visión, representación e invención del cuerpo femenino.

En este episodio de Onda Corta, tenemos un encuentro con Trifonia Melibea Obono (Afaetom, Evineyong, Guinea Ecuatorial, 1982). Escritora, periodista, politóloga, docente e investigadora sobre temas de mujer y género en África e invitada en el marco del programa público De/tra(n)s entrevistada por Jhon Alfredo Pazmiño Huapaya. Trifonia Melibea Obono es docente en la Facultad de Letras y Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Guinea Ecuatorial de Malabo desde 2013, forma parte también del equipo del Centro de Estudios Afro-Hispánicos de la Universidad Nacional de Educación a Distancia y es doctoranda en Estudios Interdisciplinares de Género y Políticas de Igualdad en la Universidad de Salamanca. Su relato "La negra" fue incluido en la antología "Voces femeninas de Guinea Ecuatorial" (2011). "Herencia de bindendee" (2016) fue su primera novela seguida de "La bastarda" (2016), en la que da voz a un tabú como el de las lesbianas en su país. "La albina del dinero" (2017), "Las mujeres hablan mucho y mal" (2018), "Yo no quería ser madre" (2019) y "Allí debajo de las mujeres" (2019) se incluyen en su bibliografía. Además de ello, ha colaborado con varias publicaciones nacionales y extranjeras como La gaceta de Ecuatorial, Revista Bostezo, El Lector o EKOS del Golfo y ha publicado diversos relatos cortos en webs de actualidad y cultura de Guinea Ecuatorial y África. / El programa De/tra(n)s gira en torno a las teorías y activismos queer/cuir donde la reflexión y la acción no son compartimentos estancos discriminados, sino un mecanismo de continua retroalimentación de propuestas que se escapan de dinámicas academicistas o de relatos solipsistas: la polifonía de metodologías, accesos, relatos y prácticas permite acceder a unas realidades y conceptos que son más un haz de relaciones que un discurso lineal coherente y cohesionado. En esta etapa, la discusión del programa se centra en las políticas de archivo, las narrativas del transtestimonio y la posibilidad de un (contra)archivo capaz de contener las narrativas múltiples: las relaciones entre archivo y memoria personal, así como aquellas experiencias y episodios que terminan por constituir una memoria a su vez del cuerpo y de sus procesos de subjetivación.

En este episodio de Onda Corta, los curadores Néstor Delgado y Gilberto González conversan a propósito de la exposición "Lo que pesa una cabeza. Escultura desde el 73". Contamos con la intervención de Tulio Peraza que nos narra su relación con la obra del artista Jesús Soto. Su voz nos acerca la memoria colectiva sobre la experiencia del 'Penetrable' de Soto cuando estaba situado en el espacio público a través de los comentarios del grupo público de Facebook Fotos de antiguas de Tenerife. Los dos únicos encuentros de Escultura en la Calle celebrados en Tenerife en 1973 y en 1994 plantearon cuestiones distintas y sin embargo consecutivas. En el primero parecía planear la idea de la escultura como una disciplina capaz de resignificar el espacio público. Frente al que entonces era un poder asfixiante, se presentaban un rosario de elementos que convocaban y acompañaban a la ciudadanía como una eclosión colectiva e ilusionante que no celebraba victorias o derrotas, sino cuestiones aparentemente más triviales, pero centrales en el discurrir de la vida. Fue en ese sentido y tras una convocatoria masiva que un buen número de obras plantearon infinidad de variantes, lenguajes y posibilidades. El segundo encuentro, sin embargo, giró en torno a las ideas nacidas de un simposio celebrado a tal efecto, y en el que se cuestionaba si el espacio público necesitaba, ya por aquel entonces, más escultura. Artistas: David Bestué, Juan Bordes, Tony Cruz Pabón, Victoria Encinas, Petrit Halilaj, Esther Ferrer, Adelaida Arteaga Fierro, Fuentesal Arenillas, Eduardo Gregorio, Guenda Herrera, José Herrera, Lecuona y Hernández, Eva Lootz, Paula García-Masedo, Sarah Maldoror, Mónica Mays, David Medalla, Ana Mendieta, Laura Mesa, María Belén Morales, Aurelia Muñoz, Mònica Planes, Carlos Rivero, Lotty Rosenfeld, Jorge Satorre, Teresa Solar, Jesús Rafael Soto, Peter Fischli & David Weiss

En este episodio de Onda Corta, el Artista Abraham Riverón conversa con Gilberto González director artístico de Tea, Tenerife Espacio de las Artes a propósito de la exposición Concretos. En este podcast se incluyen aproximaciones sonoras mediante lo táctil de las piezas de las obras de la muestra (ASMR). Así como las intervenciones de Esther Gatón (min. 15:56), Rafa Munarriz (min. 16:53), Pérez y Requena (min. 49:16) y June Crespo (min. 54:51). Dentro del programa de TEA, la arquitectura como materialización de una imagen tiene un papel central. Al recurrir al cemento como elemento sobre el que sustentar relaciones entre obras, somos conscientes de la aparente insustancialidad discursiva. Sin embargo, al circunscribirla a un periodo concreto de la tardomodernidad se establecen una serie de conexiones vinculadas a los flujos de capital y los procesos políticos. Como material de una enorme ductilidad permitió una renovación plástica de la arquitectura a la vez que supuso una emancipación de los cánones estilísticos, por otro lado supone el acceso de capas de la población, especialmente en el ámbito urbano, a procesos de autoconstrucción con programas propios en relación a la capacidad transformadora del material. La irrupción del brutalismo y todas sus neo variantes sin embargo vienen a coincidir en Latinoamérica con el inicio del fin de los procesos democráticos que son antesala de los programas neoliberales. Paradójicamente en España vienen a suponer la plasmación procesos de apertura que sin embargo afianzan el programa de igual forma neoliberal. La exposición plantea una constelación de artistas que a través del concreto -cemento- analizan los procesos de quiebra social y reforzamiento del capital hasta desembocar en procesos neofeudalistas. Artistas en la muestra: Talles Lopes, Rafa Munarriz, Pablo Accinelli, Andreas Valentín, Josep Vilageliu, Federico Assler, Nancy Holt, Guy Tillim, June Crespo, Jane & Louise Wilson, Alexander Apóstol, Marcelo Cidade, Pérez y Requena, Esther Gatón, Adrien Missika, Clara Ianni, Céline Condorelli, Federico Herrero, Andreas Angelidakis, Abraham Riverón y Cyprien Gaillard. Esta muestra permaneció abierta desde del 07/10/2022 al 8 de enero de 2023. Esta exposición es una coproducción entre TEA y MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

Este podcast es el resultado del trabajo del taller Readme.txt, a cargo de Irma Marco, un taller dentro del programa de TEA Onda Corta, que tuvo lugar el 16 de julio de 2021. Un juego exploratorio sobre la comunicación desde dispositivos digitales y sus aplicaciones de mensajería instantánea. Con los materiales generados durante el proceso, realizamos una publicación colectiva mediante Risografía. Nos adentramos en las publicaciones expandidas y abrimos la intimidad de nuestros chats personales para explorar qué relación tenemos con los textos allí contenidos y qué ocurre cuando son extraídos de su contexto.

“La Grieta La Revelación” es una obra propuesta en cuatro estaciones escultóricas y sonoras por Raisa Maudit (La Palma, 1986. Vive en Madrid), artista con formación en arte contemporáneo, música clásica y composición, programación y robótica. Siguiendo la idea de audioguía museística, parte de la gestualidad manual de la oratoria griega, construyendo un recorrido que permite repensar el poder de construcción de conocimiento residente en la idea de una colección. Juega así con espacios temporales de hasta 5000 años, al poner en diálogo las colecciones de TEA, con archivos, referentes y colecciones en otros lugares. Un recorrido tanto de lo que es visible, como de lo que no. También de lo especulativo que como Voz Profética entiende la idea de la creencia como construcción de realidades entre lo material y lo simbólico, algo que ocurre cuando esa capa invisible se asocia a objetos y cuerpos. La instalación se significa entre las obras de la colección, dibujando cuatro pasajes: “Exordium” (min. 5:40), “Narratio” (min. 15:50), “Bendición” (min. 29:15) y “Gloria” (min. 47:23) asociados a cuatro esculturas de cerámica, resina y ceniza volcánica de la erupción de La Palma de 2021. Cada estación escultórica permite al espectador el acceso a un archivo sonoro con el que se intenta desencriptar la relación de la capa sonora con respecto al espacio que se transita en un relato que no menciona obras ni especificidades, sino lecturas sensuales alrededor de lo que puede contener esas salas y de lo que no. Se plantea el relato de guía como una voz que juega con los modos y estructuras de los textos, los discursos religiosos y los espacios históricos en un amplio espectro temporal. La capa sonora es compuesta utilizando sintetizadores de mediados del siglo pasado y juegos vocales analógicos. La Grieta La Revelación forma parte de una línea de investigación y producción que la artista desarrolla actualmente y que se irá desplegando en diferentes propuestas expositivas que enlazarán diferentes espacios e instituciones a lo largo de los próximos años. Filtraciones es un programa de curaduría de las Colecciones de TEA en el que se presentan distintas reflexiones sobre la idea de coleccionar como un afán por producir Historia. Esta serie de comisariados no busca organizar una labor de mediación sólo en torno a lo textual, si no que lo hace principalmente desde la práctica artística. El trabajo de cada uno de los artistas convocados, persigue establecer relaciones subyacentes dentro de una hipotética historia del arte. Lo que a priori puede leerse como una tarea inusual, propone activar lecturas que ayuden a entender el arte y la obra como espacio de conocimiento, reconociéndole así, un estado de autonomía en el que entender lo formal como propuesta cognitiva. El arte acaba entonces por vislumbrarse como un continuo proceso de autoreferencias cruzadas. Al igual que hizo el teórico e historiador del arte Aby Warburg a principios del siglo XX relacionando imágenes que prefiguran en cada uno de sus paneles una nueva obra, así como la existencia de una serie de metadiscursos de carácter antropológicos, procuramos que cada uno de estos acercamientos vayan más allá de la palabra revelando constelaciones de significado más complejas que los que a veces el lenguaje permite.

"Voces travestis", a cargo de Daniasa Curbelo (Tenerife, 1995), es una reflexión práctica sobre las concepciones y representaciones culturales que giran en torno a lo que denominamos “voz”, las cuales nos han permitido definir una de nuestras formas de comunicación más primigenias. Para ello ahondaremos en el fenómeno de la oratoria y su poder mediático y político, recordaremos grandes referentes de nuestra “cultura vocal” -no visual-, así como la ventriloquía y las imitaciones profesionales, para posteriormente alcanzar la relación fundamental que mantiene la voz con el género y la identidad. ¿Cómo articulan los estereotipos de “masculinidad” y “feminidad” occidentales las concepciones y representaciones que tenemos de la voz? ¿Y cómo determina la voz el género? Analizando las distintas metodologías y estrategias que existen para modular el sonido que emiten nuestras cuerdas vocales, así como todo lo anteriormente expuesto, entenderemos que “travestir” la voz es una práctica performativa mucho más común en nuestra sociedad de lo que pensamos. ¿Qué lugar tiene la expresión oral dentro del museo? ¿Cómo suenan y se representan nuestras voces en el espacio donde todos debemos estar representados? Como Laboratorio de Documentación y programa de mediación pretendemos generar y registrar conversaciones en el margen de lo acontecido en torno al museo, por ello este taller derivado en podcast de Onda Corta trata de reflexionar y hacernos conscientes acerca de la performatividad del género en nuestras voces y en el uso comunicación oral.

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación al artista José Herrera (La Laguna, 1956) y a Néstor Delgado como consecuencia de la muestra “Velar la forma”. Esta exposición, comisariada por Gilberto González, que puede visitarse hasta el 11 de septiembre de 2022, recorre su proceso de investigación a lo largo de los últimos 40 años, en la que se incluyen algunas de las obras de Museos Nacionales como Patio Herreriano y Reina Sofía. José Herrera encarna una de las trayectorias más coherentes y tenaces del panorama nacional. Su trabajo se inscribe en la generación de los 80 del pasado siglo y entre quienes propiciaron la renovación de los lenguajes plásticos en las islas, puesto que en ese momento se establece una serie de particularidades que vinculan a las islas, más a corrientes centroeuropeas y latinoamericanas, que a la formalización del resto del estado. Es fundamental entender que igualmente en él, subyacen dos principios centrales. El primero, que lo ausente es igual de importante que lo presente y el segundo, la introspección como modo de sentir el hacer. Herrera dibuja el objeto en el espacio haciendo evidente el vacío. Alineado con el pensamiento oriental, entiende que la ausencia de materia ya es espacio y debe tenerse por ello presente. Asistimos así a la representación de un todo donde acabaremos por comprender el valor de lo atmosférico más allá de la propia obra. Por ello el modo de iluminar y la colocación son cuestiones que estudia de la misma forma minuciosa en la que asume la ejecución. Quien necesite más claves tiene en la arquitectura un buen recurso. Desde la contención Herrera asume que la construcción de un artificio requiere que se entienda como una extensión de nuestro cuerpo, ni más, ni menos, tal y como hace la buena arquitectura cuando dialoga con el medio. El objeto es en sí, una visión especular de nosotros mismos. En la obra de Herrera resulta complejo definir su trabajo en torno a categorías como escultura, pintura o dibujo; de múltiples formas persigue la expansión de la línea como elemento esencial del dibujo pero procurando alcanzar la tridimensionalidad. Definido muchas veces como artista del silencio y simplicidad, acaba por encerrar en su trabajo de manera paradójica una complejidad procesual que, sin embargo, acaba por quedar oculta a ojos del espectador.

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación a Candela Capitán –performer y bailarina contemporánea– y Javier Arozena, curador del programa de corporalidades y acción “Por asalto”. Candela Capitán (Sevilla, 1996) explora en sus trabajos la activación y desactivación de los lazos sociales, poniendo el cuerpo en relación con otros cuerpos, objetos e imágenes colectivas. También están presentes en sus proyectos las nuevas tecnologías de la comunicación, las relaciones transfronterizas entre disciplinas artísticas, o el impacto intergeneracional y sus consecuencias. Estas materias le sirven para crear espacios oníricos y realidades paralelas en forma de coreografías, instalaciones o performances que invitan al espectador a participar directamente de sus tensiones, goces y delirios. Principalmente utiliza el lenguaje de la performance para estudiar los límites de la danza y la presencia del cuerpo en escena, atravesados por la sexualidad femenina y el voyeurismo. Además, cabe destacar que sus piezas se desarrollan en diferentes medios (acciones en vivo, instalaciones o en el campo audiovisual) y vehículos (a través de plataformas virtuales o en directo), con el objetivo de encontrar canales diferentes de interconexión con el público o cuestionar las disciplinas artísticas y sus posibilidades. Las acciones programadas fueron "The Death at The Club", "Dispositivo de Saturación Sexual" y "Tomorrow people". En este último proyecto, se pretendió intervenir de manera activa con los programas públicos y exposiciones del Museo, por lo que la artista dialogó con las piezas de la exposición temporal de TEA Tenerife Espacio de las Artes “Colapso. Contener el residuo, habitar la ruina ”, comisariada por Yosi Negrín Ruiz y Paula Ramos Mollá.

En este episodio de Onda Corta traemos en conversación a Gilberto González, comisario de “Museo moderno, desandar el camino” -una exposición que tiene lugar en TEA Tenerife Espacio de las Artes del 12 de marzo de 2022 hasta el 26 de febrero de 2023- con Maï Diallo + Lucía Dorta, coordinadoras del programa “Repensar desde el borde” además de la intervención de artistas que forman parte de la muestra entre los que se encuentra Adrián Alemán (min. 00:34-02:07) sobre la pieza “Columna interminable” (1989), Céline Condorelli (min. 24:05-25:05) sobre "Props" (2021) y “Spatial Composition 13” (2021), Pilar Cotter (min. 11:13-13:05) sobre “El cuerpo deja el lugar” (2019), Laura Gherardi (min. 20:17- 21:17) sobre la serie “Nessun Dorma” (2010), Silvia Navarro (min. 33:58-35:05) sobre “Torrente de piedra quemada” (2017), Pérez y Requena (min. 37:18-39:13) sobre “Territorios Baldíos” (2010-2016), Dominique Ratton (min. 28:45-30:50) sobre “Viene de afuera, y existe adentro” (2021), Carlos Schwartz (min. 03:52-05:22) sobre “Desde arriba, hacia aquí” (2008), fragmentos de las piezas sonoras “La Caccia” (1974) de Walter Marchetti (min. 00:18- 00:54 y min. 45:34-52:57) y “Tamaran” (1974) de Juan Hidalgo (min. 42:06-43:06) y el registro sonoro de la performance, que formó parte del programa público “Por asalto” coordinado por Javier Arozena, “Works In Silence” (min. 17:10-18:17) de la coreógrafa norteamericana Lucinda Childs a cargo de la compañía de danza contemporánea Dance On Ensemble que tuvo lugar en uno de los ámbitos de la propia exposición. Con la modernidad, como proyecto ilustrado de transformación radical, parecía activarse la promesa de un futuro brillante que superase la tradición, la clase, la raza, el género... pero su motor, movido por la historia, como narración de un progreso lineal, no ha parado de griparse por la incapacidad para procesar las impurezas de la vida colectiva. El museo se presenta así, como humo, fruto de la combustión de este motor renqueante que acaba por impregnar todo de un hollín untuoso e irritante. El dispositivo museístico es una estructura que se convierte en ciencia a través de su práctica -la museología y la archivística-. Tiende así a homogeneizar las imágenes como parte de su propio proceso metabólico, sustituyendo la carga política de cada objeto por la veneración. Esto es, en parte, porque como institución buscamos un consenso universalista y difícilmente podemos mostrar el arte como expresión -individual o colectiva- de una posición política consciente. Por ello, como templo de un nuevo orden -probablemente también seamos ya de otro tiempo-, sustituimos un sistema de concepción teológico por otro en el que el autor acaba por sustituir a Dios.

En este nuevo episodio de Onda Corta Javier Arozena, curador del programa de corporalidades y acción Por asalto, charla con el artista y coreógrafo Manuel Rodríguez. Pensar el museo como un cuerpo, del artista Manuel Rodríguez (Úbeda, Jaén, 1980) indaga en la relación existente entre el museo y los cuerpos que lo habitan planteando preguntas que, en forma de acciones realizadas en el edificio, interactúan con la maquinaria que lo activa. Manuel Rodríguez desarrolla su trabajo mediante varios formatos que giran en torno a la danza y las artes visuales, lo que hace que su obra pueda surgir a través de diferentes formatos, prácticas y dinámicas, donde se presta una especial atención al proceso creativo. Su interés y reflexión en el propio acto performativo lo lleva a un continuo ejercicio de reinvención del cuerpo y del espacio. Su práctica invita a la contemplación y propone una catarsis en la mirada como herramienta imprescindible para la verdadera y profunda comprensión de las cosas.

En este nuevo episodio de Onda Corta Javier Arozena, curador del programa de corporalidades y acción Por asalto, charla con bailarín y creador escénico Antes Collado. En el proyecto Aproximación a un sol negro -fruto de una residencia llevada a cabo en este centro de arte-, Antes Collado se inserta en los espacios museísticos de TEA para explorar diferentes estrategias de reconstruir la performatividad de los bailes de salón de competición o bailes deportivos y ahondar en su reverso, en lo que sus formas y carácter ocultan. Su investigación se centra en cuestionarse cómo desactivar la lógica en la que opera esta disciplina con el objetivo de hacer emerger un cuerpo indeterminado, inacabado, y por lo tanto, vulnerado. Este cuerpo, sin renunciar a su comunicabilidad, procura desviarse continuamente de su propósito, para invocar la monstruosidad que engendran sus propias formas.

En este nuevo episodio de Onda Corta Javier Arozena, curador del programa de corporalidades y acción Por asalto, charla sobre Alterar materiales, con Mila Ercoli y Lautaro Reyes. En esta acción, fruto de la residencia llevada a cabo en TEA Tenerife Espacio de las Artes. Los artistas originarios de Chile y afincados en Barcelona ofrecen una pieza creada a partir del diálogo con la colección de TEA y el territorio. Mila Ercoli, videoperformer, artista audiovisual, bailarina y fotógrafa, junto con Lautaro Reyes, coreógrafo y performer, indagan en esta pieza sobre la percepción de tiempo y el espacio, buscando posibles maneras de alterarla a través del manejo plástico de piezas y materialidades pertenecientes a la colección permanente de TEA. El objetivo es cuestionar y replantear los modos de habitar y observar lo que se muestra ante nuestros ojos, el uso del cuerpo como órgano sensible de percepción sensorial, a través de pupila y tímpano, para crear formas que subviertan la noción lógica lineal del tiempo y sus acontecimientos.

Filtraciones es un programa de curaduría para artistas en la Colección TEA que se presenta como un espacio de reflexión sobre el acto de coleccionar y exponer. Filtraciones abre un diálogo entre la práctica artística de distintos artistas y las ideas que subyacen en las colecciones de TEA. Federico García Trujillo (Tenerife, 1988) presentó una nueva instalación dentro de Filtraciones. El artista muestra dentro de la exposición Gravedad y órbita. Colecciones TEA la obra P. as BTC: Blockchain, planos y otros materiales para la construcción de un hogar en la que el creador a través de su proyecto P. as BTC y la Colección TEA plantea una reflexión en torno a la pintura actual en redes sociales a través de la contraposición de las tesis formalistas de Clement Greenberg, la abstracción postpictórica, sus posibles ecos en la pintura canaria y la especulación financiera de criptomonedas tipo Bitcoin. En esta pieza, el artista establece conexiones entre la colección permanente, su trabajo y el de Kenneth Noland, Frank Stella,  Gerhard Richter, Álex Marco, Paulo Monteiro, Luis Palmero y José Luis Medina Mesa.

En este capítulo de Onda Corta Pilar carreño comisaría de la exposición Maud, c´est la vie! conversa sobre la misma con Gilberto Gonzalez. La exposición centrada en Maud Bonneaud (Limoges, 1921-Madrid, 1991) tiene lugar en TEA, Tenerife Espacio de las Artes del 28 de enero hasta el 27 de abril del 2022.  Maud Bonneaud. El 4 de enero de 1921 nacía en Limoges, Madeleine Annette Bonneaud, a la que, en su etapa de estudiante en la Facultad de Letras de la Universidad de Poitiers, con 18 años, se cruzó en su camino el poeta André Breton, una relación de amistad que le abriría las recónditas puertas del universo surrealista y le marcaría su posterior trayectoria intelectual. En 1940 el sueño de Maud Bonneaud era viajar a Estados Unidos para continuar allí sus estudios universitarios, pero la Segunda Guerra Mundial lo impidió; por este motivo finalizó sus estudios en Poitiers y posteriormente inició una maîtrise sobre aspectos como la psicología del miedo y métodos de terror en la novela gótica inglesa en la Universidad de Clermont-Ferrand, que no concluyó, pero que la situaba dentro de los múltiples intereses del Surrealismo. Entre las obras que se exhiben en esta exposición se encuentran piezas como Homenaje a Asur o El conquistador (1979), Broche [Pájaro azul] (1947), Homenaje a los escitas (1980), Homenaje a Man Ray (1985), Sin título (Cabeza) (c.1945), Homenaje a Braque y Matisse (1979), Brazo de Judith (1972), de Maud Bonneaud; Mesa y personaje (1944), de Óscar Domínguez; Maud en Tenerife (1954), de Eduardo Westerdahl; Dictionnaire abrégé du Surréalisme (2ª ed. 1969), de André Breton y Paul Éluard; Sin título [Téléphone 3] (c. 1944-1945), de Óscar Domínguez; Cuadro 111 (1960), de Manolo Millares; Créole (1938), de Man Ray; Cabeza de Maud (c. 1945-1947), de Apel les Fenosa; Paisaje (c. 1957), de Dora Maar; Sin título (1957), de Pablo Picasso; Aeróvoro (1974), de Martín Chirino; o la fotografía con tiraje de época Maud y Dood en Limoges (1923).

En este episodio de Onda Corta Fernando Gandasegui artista, comisario e investigador en Artes Performativas entrevista a Carlota Mantecón bailarina, coreógrafa y curadora de La Cresta a modo de cierre del programa 2020/2021. La Cresta es un programa de danza y performance en torno a los nuevos lenguajes de creación escénica contemporánea que se ha desarrollado en TEA Tenerife Espacio de las Artes. Un espacio de creación, exhibición y documentación para artistas que estuvieran investigando con los lenguajes del cuerpo y que desde sus prácticas de creación dialogarán con el centro de arte o el territorio. La Cresta se gestó pensando en la composición de un hueso, naturalmente sólida y flexible a la vez. ¿Cómo potenciar espacios maleables dentro de una estructura firme como la institución? y ¿Cómo dar soporte a las prácticas artísticas del cuerpo potenciando nociones cruzadas de conocimiento?. La Cresta es una espacio de producción de conocimiento para el territorio y la ciudadanía donde laten preguntas sobre cómo ensanchar y repensar maneras de establecer vínculos entre los artistas, sus prácticas de creación y las líneas de conocimiento que conviven dentro del centro de arte.