Podcast El Autobús Azul

Hay que ser todo un campeón para llevar una camisa de faralaes decorada con lunares y evitar la tentación de tocar los Gipsy Kings. Y Buddy no sólo lleva a veces esa camisa, la guitarra de sus últimos años ya ha tomado esa decoración como marca de la casa. Pero Buddy no puede tocar otra cosa, quizá incluso por responsabilidad histórica. Estamos ante el que es, tras la muerte de J. L . Hooker, el rey indiscutible del sonido Chicago. Ahí es nada. Inspirador para todos los que continúan el Blues en los terrenos del Rock, su sonido bllusero ha coqueteado sin problemas con el Boogie y el rock, siendo por ello inspiración musical para tipos como Rolling o Hendrix. Y eso a pesar de tener un sonido que, quitando unos años y por cuestiones de explorar otros caminos, siempre se ha definido por una pureza bestial. Sus punteos son cortos y precisos, quizá no tan de hielo como los de Albert Collins, pero propios de un genio de la guitarra.

Deep Purple es una banda de hard rock británica, uno de los máximos exponentes del género junto a sus contemporáneos Led Zeppelin y Black Sabbath. Asimismo, fue pionera del movimiento de rock progresivo de finales de los 60, y experimentó con ritmos como el funk y el soul con en su tercera alineación. cimentando las pautas más clásicas del heavy metal surgido en los años 70. CAMBIARON DE ALINEACION MÁS QUE EL EQUIPO DE FÚTBOL DE UN GERIÁTRCO.

Judas Priest es un influyente grupo británico de heavy metal. Si bien el estilo predominante de Judas Priest durante toda su carrera ha sido el heavy metal clásico, a lo largo de su historia la banda ha adaptado e influido en diversos estilos; así, el del grupo varía desde el rock progresivo en sus comienzos, concretamente en su álbum debut, Rocka Rolla, del 1974, para luego desarrollar en algunos de sus temas lo que más tarde se conocería como speed metal; pasando por el hard rock en el año 1981 e incluso por el glam rock y el glam metal con el disco Turbo de 1986, para luego regresar al speed metal, ya completamente desarrollado, a comienzos de la década de 1990; acabando el siglo con canciones influidas por el sonido metalero más moderno y contemporáneo. Los miembros de la banda reciben su inspiración de los grandes grupos de hard rock, de rock psicodélico, y también de los precursores del heavy metal, como Queen, Cream, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Wishbone Ash, Deep Purple o Black Sabbath (estos últimos nombrados asimismo entre los más grandes e influyentes desarrolladores del heavy metal).

Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans el 4 de agosto de 1901. Los límites simbólicos de este barrio eran una cárcel, una iglesia, una escuela para pobres y un salón de baile. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong (trabajador de una fábrica), los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad. Su madre, Mary «Mayann» Albert (sirvienta) dejaba a Louis y a su hermana menor Beatrice Armstrong Collins bajo el cuidado de su abuela, Josephine Armstrong y a veces, de su tío Isaac, pero nadie se preocupaba especialmente por él. No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad. Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos como la corneta. En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él. El pequeño Louis, de pantalones cortos, pasaba casualmente con su corneta en la mano cuando Kid estaba tocando en una de las marchas a través de la ciudad. Alguien le preguntó a quién pensaba llevarle el instrumento; Louis contestó: "A nadie. Es mía." Nadie quería creerlo. Y Louis empezó a tocar.

Programa especial para celebrar los 100 programas emitidos por El Autobús Azul, donde hacemos lo de siempre pero a LO GRANDE!! Repasamos todos y cada uno de los monográficos que hemos hecho en una grabación continua en una misma noche los 3 integrantes del programa solos con 3 botellas de alcohol. Decadencia, sordidez, alcoholismo, gilipolleces, pero como siempre con buena música. ALL RIGHT!!!

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Corte número 4 en el que el alcohol empieza hacer su efecto y se nota, sobre todo por cómo sube el nivel de nuestros comentarios tanto a nivel sonoro y sordidez. Empezamos recordando los hobbys que acabó teniendo Chuck Berry al final de su vida, de nuestras preferencias con Los Beatles, de los primeros programas de la 2ª temporada, y por último pero no menos importante, del fetichismo de alguno de los componentes por Raphael, del que ponemos uno de sus mejores y menos conocidas canciones para acabar. Todo una maravillosa rareza que os recomendamos escuchar encarecidamente.

Corte número de 3 de los 8 que os tenemos preparados para que nos acabéis odiando finalmente ya todos. En este corte hablamos del Theremín (Sí, Michel tiene razón Jimmy Page es un maestro con él), del supuesto suicidio de Kurt Cobain (sí, otra vez...), de la supuesta conspiración de la CIA para acabar con lo hippies (Bienvenidos al autobús del misterio), rememoramos el cachondeo que se trajeron Michel y Pablo en la primera temporada con el pobre Cuenka respecto a su puta manía de decir el nombre verdadero de los artistas y de otras cuantas cosas más que no os vamos a descubrir... todo esto y buena música, como siempre.

En este corte número 2 hablamos sobre nuestra opinión de la música que se hace actualmente y durante la media hora final os ponemos un ejemplo de lo que consideramos qué es buena música. ALL RIGHT!!!

Pues eso, la cabecera que creamos con las mejores frases que se soltaron en el especial programa 100. Sí, exacto, si esas son las mejores frases ya os podéis imaginar como es el resto... ALL RIGHT!!

Ya está aquí! Por fin llegó! Lo prometido es deuda... El Especial 100 Programas de El Autobús Azul!!! ALL RIGHT!! Más de 9 horas de emisión continúa que os traemos aquí condensadas en algo más de 6 horas... JeJeJe. Iremos colgando diferentes cortes de cerca de 1 hora de duración para no saturaros, pero ya os descubrimos que lo mejor viene al final. En este primer corte hablamos de nuestros inicios, de cómo surgió la idea, de nuestra primera aparición en la radio y algo de la primera temporada.

Pink Floyd ha sido una de las bandas más serias y profundas de la música rock por su increíble capacidad de abstracción y evolución musical. Su paso de la psicodelia al rock progresivo no fue solo una transición para el grupo, lo fue para una generación de jóvenes que experimentó el vacío ideológico de mediados de los 70 y la represión de la llamada “revolución conservadora” de los años ochenta. Grupos como Genesis, Yes o Nine Inch Nails reconocen la influencia que tuvo la música de Pink Floyd en ellos y confirman como la visión de mundo del grupo es probablemente una de las más penetrantes en la historia del rock. Pero su carácter visionario no los convirtió en sectarios y por eso han vendido más de 200 millones de discos en todo el mundo. De la misma manera sus espectáculos eran algo fuera de este mundo para la época y siempre implicaban un salto adelante en relación con lo que se puede hacer en el escenario. Sin embargo, el aura casi extraterrestre de la banda chocó con la realidad durante los años ochenta cuando los problemas internos del grupo en torno al liderazgo y la propiedad del nombre del grupo se puso en disputa entre sus miembros, pero esto ya lo comentaremos más adelante.

Si deseas dominar un instrumento, espera a que se haga de noche y busca un polvoriento cruce de caminos. El hombre vestido de negro acudirá sin demasiada demora. Tú solo entrégale tu guitarra (o tu banjo, o tu violín, eso da igual, pues el Diablo adora toda la música excepto la que sale por las puertas de las iglesias). Cuando te la devuelva, tus manos se moverán por el mástil con la misma agilidad que una araña en su tela. Según los datos más fiables nació en la población de Hazlehurst, estado de Mississippi, el 8 de mayo de 1911, en pleno corazón del Black Belt (cinturón negro), donde se concentraba desde la creación del país la mayor población esclava de EE UU. La madre de Robert Johnson era Julia Ann Majors, cuyos padres habían nacido bajo la esclavitud. En 1889, se casó con Charles Dodds, un carpintero y constructor de muebles que también era hijo de ex-esclavos. Eran propietarios de su tierra y de su casa y les iba, en comparación, bastante bien. Pero, luego de escapar por poco de ser atrapado en Hazelhurst por lastimar en una pelea a un hombre influyente, Charles se cambió el apellido por Spencer y se mudó a Memphis. Durante los siguientes dos años, Julia envió a sus diez hijos, uno por uno, exceptuando a sus dos hijas, para que se quedaran con su padre en Memphis. Mientras Charlie estuvo allí, tuvo dos hijos con otra mujer. Mientras tanto, Julia vivía con Noah Johnson, un aparcero itinerante con el que concibió a Robert (llevó el apellido de Spencer hasta que su madre le dijo quien era su padre). Durante los primeros años de vida, Robert Johnson vivió con su madre mudándose de plantación en plantación. En 1914, Julia llevó su familia a Memphis donde ella, sus diez hijos, Charles Dodds, su mujer y sus dos hijos, se llevaron, aparentemente, bastante bien juntos. Sin embargo, Julia desapareció poco tiempo después de haber llegado a Memphis, volviendo dos años después para pedir permiso a Charles para casarse nuevamente. Así que cuando Robert Johnson tenia 4 o 5 años, se fue a vivir con su madre y su segundo esposo, Willie "Dusty" Willis, en Robinsonville, Mississippi. Robert no mostraba ningún interés en la granja, prefiriendo tocar música e intercambiar canciones con sus amigos. Desde pequeño Johnson mostró interés por la música, primero por el arpa y luego por la armónica. Fue enviado al colegio pero no demostró demasiado interés por el estudio, abandonándolo bajo la excusa de un problema en la vista en1927.Y es en este año cuando consiguió su primer guitarra.

Tres son las patas para un taburete. Tres son los reyes magos. Tres suman las pelotas y el rabo. Tres son las personas necesarias para mantener una pareja unida –y no me refiero al hijo…- Pero ante todo… tres son los tres grandes reyes del Blues. De BB. Sólo se puede decir que es el Rey de Reyes, lo máximo. De Freddy que semejante ritmo es una fuerza de la naturaleza. De Albert… ouhhh, de Albert sólo se puede decir que es puro blues eléctrico, el guardián de las esencias que de vez en cuando tiende la mano a lo nuevo y te planta una innovación para el género. Su sonido es delicado, pero al tiempo de una potencia sin igual. Quizá eso le valió para ser llamado “la excavadora de terciopelo”, además de su altura de más de 1.90 metros y sus 118 kilos de peso. Cada punteo es más afilado que el anterior, pero al tiempo hay un regusto metálico, seco y muy potente. Hay una contundencia que no regaña con tocar cada nota en cada momento, sabiendo sobretodo que en la música tan importante es manejar los sonidos como el silencio. De una influencia bestial, con muchos clásicos del género a sus espaldas y su autoría, ha sido una piedra básica para esa chavalada hippiola de los ’60 y ’70 Nacido como Albert Nelson –ese nombre no vende la verdad- el 25 de Abril de 1923 en una humilde familia de Indianola, Mississippi. En 1931 se mudó junto a sus padres y sus 12 hermanos a una plantación de algodón en Arkansas. Aprendió a tocar la guitarra cuando era un niño. Construyó su primera guitarra con una caja de puros. Su primer contacto con la música fue en un coro góspel donde cantaba junto a alguno de sus hermanos y escuchar a su padre Will Nelson tocar la guitarra. Después ya vinieron otras influencias más profesionales de los pocos discos que se podían permitir la familia Nelsosn, pero de gran gusto. El joven Albert se pasaba la horas intentando imitar los sonidos de Blind Lemon Jefferson y Lonnie Johnson en su guitarra de caja de cigarrillos. King obtuvo su primera guitarra de verdad en 1942. Digamos que Albert King sirvió de puente entre las primeras viejas glorias de blues y las nuevas generaciones de guitarristas de rock.

Ningún otro artista ha arrastrado por aguas fecales su talento como él. El arquetipo de compositor brillante que pudo serlo todo pero decidió enterrar su ingenio en mierda. La historia de una farra eterna, de un don destruido. Harry Nilsson es el cielo y el infierno. Ningún otro artista ha sentido el cálido abrazo del éxito para luego ser arrastrado por el frío suelo tan rápido como él, y estamos incluyendo a Keith Moon en esta concreta apuesta de auto-sabotaje vital. Nilsson es el modelo de compositor mega-talentoso que lo fue todo, y en lugar de contentarse con eso decidió coger algunas de las melopeas más bestiales del rock para estrangular con fuerza a su duende, fusilar a sus musas y acabar con todo. Sólo les diremos que la turza más gorda que se agarró John Lennon, lo que aun hoy se define como sus “días sin huella” ¿Saben quién estaba con él? El mismo, sí señor: ronda tras ronda, destrozo tras destrozo, resaca tras resaca. Harry Edward Nilsson III (15 junio 1941 - 15 enero 1994) cantante estadounidense que logró su máximo reconocimiento a mediados de los años 70 y por el que los mismísimos The Beatles llegaron a expresar su admiración. Fue uno de los pocos artistas de su época que logro el éxito comercial sin tener que realizar grandes conciertos públicos o la realización de giras regulares. Fue galardonado con premios Grammy por dos de sus grabaciones: la mejor voz masculina contemporánea en 1969 por "Everybody's Talkin', tema musical que también ganó un Oscar como mejor tema musical en la película Cowboy de medianoche, y Mejor Album Vocal Pop masculino en 1972 por "Without You".

En la actualidad PEARL JAM es considerada como una de las bandas de rock más carismáticas de los 90. La forman Eddie Vedder, Mike McCready y Stone Gossard (guitarras), Jeff Ament (bajo) y Matt Cameron (batería), aunque éste puesto no ha parado de cambiar desde su formación. Pero para llegar hasta aquí, la banda ha pasado por momentos muy intensos, difíciles, emotivos e inolvidables desde su gestación... allá por mediados los 80'.

Treinta años después de que Loquillo grabara su primer disco, poco queda en él de aquel jovencito espigado que posaba en las fotos con aspecto de arrogante y peligroso rocker. Si acaso el tupé. Pero incluso éste ha cambiado y ahora luce un atractivo gris. Además, su propietario, que gusta vestir con cuidada elegancia y mima los detalles, ya no es ninguna promesa por hacer, es una de las leyendas mayores del rock español, una de las más sólidas y rotundas. En el viaje que le ha llevado hasta aquí, hemos visto a Loquillo, al Loco, crecer como persona y como artista a cada paso que daba. Inquieto y ajeno a los estados acomodaticios se ha reinventado en diversas ocasiones, ha peleado duro por defender su lugar en los tiempos más difíciles y no ha bajado ni por un momento el listón de la calidad en su extensa obra.

Iron Maiden es una banda británica de heavy metal fundada en 1975 por el bajista y único miembro original Steve Harris. Tras varias audiciones y varios cambios en su formación, ésta se asentó con el vocalista Paul Di'Anno, los guitarristas Dave Murray y Dennis Stratton y el batería Clive Burr. Publicaron su álbum debut homónimo en 1980, convirtiéndose rápidamente en uno de los grupos más representativos de la nueva ola del heavy metal británico. Más tarde ese mismo año, Stratton fue reemplazado por el guitarrista Adrian Smith, con el que publicaron el exitoso y consistente Killers (1981), el cantante Bruce Dickinson reemplazaba a Di'Anno, marcando el inicio de una serie de lanzamientos de impacto, entrando en lo más alto (el Top 10) de las listas de los más vendidos

Después de quedar confinado a una silla de ruedas tras un accidente en auto a los 18 años, debió lidiar contra cuadros depresivos, ataques de ansiedad y el alcoholismo, además de una seria adicción a las drogas. Sin embargo, eso no le impidió mantener una prolífica carrera como solista, editando más de una docena de álbumes

Frederick Christian King (3 de septiembre de 1934 - 28 de diciembre de 1976), también conocido como Freddie King, Freddy King y “The Texas Cannonball" (La bola de cañón de Texas), fue un influyente guitarrista y cantante afro-estadounidense de blues. Su madre y tío comenzaron a enseñarle a tocar la guitarra a los seis años de edad. En 1950, su familia y él emigraron de Texas al lado sur de Chicago. En 1952 se casó con Jessie Burnett. Freddie perfeccionó su propio estilo de tocar la guitarra basado en las influencias del blues de Texas y Chicago y fue el primer músico de blues en tener una banda multirracial. Aunque fue muy conocido por grabaciones como "Have You Ever Loved A Woman" (1960) y su éxito ubicado en los Top 40 , "Hide Away" (1961), el cual primero fue grabado con Will Aiken. También se le conoce por álbumse como, Let's Hide Away and Dance Away with Freddy King (1961) y Burglar (1974). Cuando era un adolescente de 16 años visitó clubes locales en donde escuchaba música blues ejecutada por Muddy Waters, Howlin' Wolf, T-Bone Walker, Elmore James, y Sonny Boy Williamson. King tocó con Muddy Waters, Eddie Taylor, Jimmy Rogers, Robert Lockwood, Jr. y Little Walter. King tuvo veinte años de carrera de grabación y llegó a ser un influyente guitarrista. Inspiró a muchos músicos británicos de los 60 que revitalizaron el blues, como Eric Clapton, Chicken Shack y Peter Green y a músicos estadounidenses como Stevie Ray Vaughan, Jimmie Vaughan, Bill Freeman y Denny Campbell.

Oasis fue una banda británica de rock formada en Mánchester en 1991. Inicialmente conocida como The Rain, la banda estaba formada por el cantante Liam Gallagher, el guitarrista Paul Arthurs, el bajista Paul McGuigan y el baterista Tony McCarroll, a los que más tarde se uniría como compositor y guitarrista principal el hermano mayor de Liam, Noel Gallagher. Debido a las 11 millones de copias vendidas de su álbum debut Definitely Maybe, a las 26 millones de copias vendidas de su segundo álbum (What's the Story) Morning Glory?, y al hecho de que su tercer álbum Be Here Now se convirtiera en el disco que más rápido se vendiera en la historia del Reino Unido con 420.000 copias vendidas sólo en el día de su salida, Oasis es considerado uno de los más grandes conjuntos musicales de su país, habiendo entrado varias veces en el Libro Guinness de los récords (actualmente siguen conservando uno de ellos). También llevaron publicados 33 sencillos, de los cuales 9 de ellos alcanzaron el puesto n.º 1 de las listas británicas, y 2 de ellos el puesto n.º 1 de las listas estadounidenses. Los hermanos Gallagher fueron los líderes y compositores de la banda, han vendido más de 80 millones de copias a nivel mundial, y hasta antes de la separación de la banda fueron los únicos miembros originales. Fueron reconocidos también por sus constantes peleas entre sí y con otras bandas y artistas, como Blur y Robbie Williams, las cuales les generaron múltiples apariciones en la prensa sensacionalista. Tras la partida de Paul Arthurs, Paul McGuigan y más tarde la de Alan White, la alineación final se completaría con el guitarrista Gem Archer, el bajista Andy Bell y el baterista Chris Sharrock. El 28 de agosto de 2009, tras una discusión entre los hermanos Gallagher, Noel decidió abandonar la banda poniendo fin a una era

Soundgarden es una banda de rock estadounidense formada en Seattle, Washington en 1984 por Chris Cornell, al que posteriormente se le unirían Kim Thayil y Matt Cameron. Soundgarden es una de las bandas pioneras del grunge, género musical derivado del rock que también englobaba a bandas importantes, como Nirvana, Pearl Jam o Alice in Chains. El disco Superunknown fue su mayor éxito y el que les dio fama mundial en el año 1994 al contener los sencillos "Black Hole Sun" y "Spoonman", ambos ganadores de un premio Grammy. El grupo se separó en 1997 debido a diferencias internas acerca del sentido que debía tomar la música de la banda. En el año 2010 se anunció su reagrupación.

Fue miembro fundador y vocalista de The Animals, banda originalmente formada en Newcastle en los primeros años sesenta. Burdon cantó muchos clásicos de los Animals como The House of the Rising Sun, Good Times, Don't Let Me Be Misunderstood, Bring It On Home to Me y We Gotta Get Out of this Place. El teclista Alan Price y el baterista John Steel, miembros originales de Animals, abandonaron la banda, y fueron reemplazados por Dave Rowberry y Barry Jenkins, respectivamente. En 1966, los miembros restantes Chas Chandler e Hilton Valentine se fueron del grupo, excepto Barry Jenkins y Burdon, y la banda cambió su nombre por el de Eric Burdon and the Animals. A este grupo se le unieron el futuro miembro de Family John Weider y el futuro guitarrista de The Police Andy Summers. Esta nueva formación tuvo éxitos con canciones como When I Was Young, Sky Pilot y Monterey. Esta unión duró hasta 1969, tuvo grandes cambios en la formación y cambió su nombre Eric Burdon and the Animals por el de Eric Burdon and the New Animals. Cuando los New Animals se fueron, Burdon unió fuerzas con el grupo funky de Los Ángeles War. El álbum Eric Burdon Declares War creó clásicos como Spill The Wine y Tobacco Road. En 1971 Burdon empezó su carrera en solitario. Burdon se volvió a unir con los otros Animals originales en 1976 y 1983, pero esta unión acabó pronto. Aun así, en la reunión de 1983 se publicó el single The Night, que había sido ignorado en las listas de ventas. Burdon dirigió aunos cuantos grupos llamados Eric Burdon Band o alguna variación parecida, con constantes cambios en la formación. Su popularidad se hizo más fuerte en la Europa continental que en el Reino Unido o en los Estados Unidos. Hoy en día continúa grabando y dando conciertos, en solitario o al frente de otra versión de Eric Burdon and the Animals. En 1990, un nuevo Eric Burdon and the Animals grabó una versión del single Sixteen Tons, de Merle Travis, para la película Joe contra el volcán, en cuyos créditos iniciales apareció.

Chet Baker, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz. Se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia: imagen, biografía, leyenda y cualidades artísticas conformaron un artista sumamente atractivo para el gran público, desbordando los habituales círculos restringidos del jazz. Su música, exponente del estilo cool (el west coast jazz de los años cincuenta), es sumamente accesible y delicada, y casi siempre está vinculada a la balada intimista, lírica y delicada, tanto en su vertiente instrumental como vocal. La trompeta de Chet Baker suena con una suavidad y tranquilidad similar a la de su voz.

Burlamos la censura del siglo XIX en LA ZARZUELA MÁS VERDE (escuchamos y hablamos de zarzuelas con letras muy muy cachondas). Teatro Lírico Español es un programa dedicado íntegramente al mundo del teatro lírico español: la zarzuela, la revista y la opereta; dirigido y presentado por Félix Portales, historiador de nuestro teatro musical desde hace más de 30 años. El tío que más sabe de zarzuela del mundo, y el que más discos tiene. Casi seguro. Félix Portales es además colaborador de una página web dedicada al mundo de la zarzuela, donde se pueden encontrar efemérides, biografías, argumentos y cantables, un foro de zarzuela, etc. Una pasada de página vamos: http://lazarzuela.webcindario.com/ Su programa todos los viernes de 19.00 a 20.00, justo antes de El Autobús Azul.

Canned Heat es una banda de blues-rock/boogie formada en Los Ángeles en 1965. La importancia de este grupo no sólo reside en su música basada en el blues, sino también en sus esfuerzos para reintroducir y revivir las carreras de algunos grandes bluesmen, así como sus habilidades para la improvisación. El grupo lo lideraban Alan "Blind Owl" Wilson -"Búho Ciego"- (guitarra, armónica y voces) y Bob Hite ("The Bear" -El Oso-) (voces y armónica). Henry Vestine (alias "Sunflower" -Girasol-), ex miembro de The Mothers of Invention, de Frank Zappa, se encargaba de la guitarra. Larry Taylor ("The Mole"-El Topo-) (mejor conocido hasta entonces como el bajista de The Monkees), era su bajo de estudio hasta que acabó uniéndose al grupo por completo durante los setenta junto con el batería Frank Cook, posteriormente se incorporo definitivamente al grupo el baterista mexicano Adolfo "Fito" de la Parra. Canned Heat cogió su nombre de "Canned Heat Blues". Esta canción de Tommy Johnson, creada en 1928, habla de un alcohólico que ha empezado a beber desesperadamente Sterno.

Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, cuyo líder Ian Anderson es de origen escocés, que comenzó en 1968 y que ha trabajado de forma ininterrumpida siendo, tras los Rolling Stones el segundo grupo de rock más antiguo en actividad. Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 80 millones de copias de sus más de 30 álbumes, siendo uno de los grupos con mayores ventas de la historia del rock.1 Siempre ha sido liderado por el flautista escocés Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda, desde el primer disco, y sólo el guitarrista Martin Lancelot Barre se le acerca, estando desde el segundo disco. La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes históricos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Degenerado y mujeriego Con cierto aire de faquir, Anda arrastrando su esqueleto Por las entrañas de Madrid. Aunque andaluz de fin de siglo Universal, quiero decir, No sé qué tiene de rabino Cuando lo miro de perfil. Amigo de causas perdidas Desde aquel mayo de París, No tiene más filosofía Que el “vive a tope hasta morir”. Medio profeta, medio quinqui, El lumpen es su pedigrí Un tinto y una buena titi Le bastan para resistir. Tirando a zurdo en sus ideas Por donde escora Bakunín Dice que abajo las banderas Y arriba la lluvia de abril. El perdedor es su universo Aunque pretende ser feliz. Y aún hay quien dice que está cuerdo. Pongamos que hablo de Joaquín. (Luis Eduardo Aute) Las letras de Sabina poseen un amplio abanico de influencias que van desde los cancioneros del rock anglosajón (con autores como Bob Dylan, Leonard Cohen o The Rolling Stones), el folklore latinoamericano (Atahualpa Yupanqui, Chavela Vargas o José Alfredo Jiménez), el tango, la canción melódica francesa hasta poetas vanguardistas hispanoamericanos como César Vallejo, pero también Pablo Neruda, Raúl González Tuñón y Rafael Alberti o a los autores que forman parte de sus primeras lecturas en su juventud, que incluyen a Fray Luis de León y Jorge Manrique así como el resto de la tradición española. Por encima de todos estos autores destaca la influencia de Francisco de Quevedo, aunque Sabina insiste en que su máxima influencia entre la poesía española contemporánea es la de Jaime Gil de Biedma. El sarcasmo, la ironía y la mordacidad son determinantes en la obra de Joaquín Sabina, al igual que en la de Quevedo. Las características formales básicas del Barroco se hacen patentes asimismo en sus letras: léxico de uso corriente entrelazado con cultismos, equívocos, retruécanos, contrastes y antítesis, así como construcciones anafóricas y enumeraciones asindéticas, estos últimos, las dos principales figuras retóricas de la poética sabiniana.

Neil Percival Young (Toronto, Ontario, Canadá, 12 de noviembre de 1945) es un músico, compositor y director canadiense. El trabajo de Young está caracterizado por una profundidad lírica en sus canciones y por un trabajo distintivo a la guitarra, alternando el uso de la guitarra acústica con el característico sonido distorsionado de su Gibson Les Paul (muy modificada), apodada Old Black, con la que ha grabado la mayoría de sus canciones. Aunque ha experimentado ampliamente con diferentes estilos musicales, incluyendo el swing, el jazz, el blues y la música electrónica, su trabajo más reconocido está basado en el rock acústico con tendencias del folk rock en canciones como "Heart of Gold" y "Old Man", y en el hard rock con una amplia carga eléctrica en canciones como "Cinnamon Girl", "Rockin' in the Free World" y "Hey Hey, My My (Into the Black)". En años posteriores, Young adoptó elementos de otros estilos musicales como la música industrial, el country y el grunge. Su influencia en bandas de grunge como Nirvana o Pearl Jam le valió el sobrenombre de "El Padrino del Grunge". Asimismo, Young ha dirigido varios largometrajes usando el seudónimo de Bernard Shakey, entre los que se incluye Journey Through the Past (1973), Rust Never Sleeps (1979), Human Highway (1982), Greendale (2003) y CSNY Déjà Vu (2008). Recientemente, ha trabajado en un documental sobre tecnología para coches eléctricos, titulado provisionalmente como Linc/Volt. El proyecto incluye la conversión a tecnología híbrida de un Lincoln Continental de 1959, con el que Young condujo hasta Washington, DC. Young es también un destacado defensor de causas ambientales y de los pequeños granjeros, llegando a fundar en 1985 el concierto benéfico Farm Aid y colaborando en la fundación de The Bridge School y en el desarrollo de conciertos anuales para beneficio de la escuela.

Pantera fue una agrupación musical estadounidense de groove metal fundada en 1981 por los hermanos Abbott —Darrell y Vinnie Paul en Arlington, Dallas, Texas, Estados Unidos. El bajista Rex Brown se uniría a finales de 1981 con el vocalista Terry Glaze. En 1987 Phil Anselmo se convertiría en el vocalista principal del grupo. Permaneció activa entre 1981 hasta su disolución en 2003. Infancia de los hermanos Abbott Vinnie Paul y Dimebag Darrell nacieron en Dallas, Texas, Estados Unidos, en 1964 y 1966 respectivamente, hijos de Jerry Abbott, un músico de country que poseía un estudio de grabación en Pantego, Texas, por lo que ambos hermanos se acostumbraron rápidamente al mundo musical. En un principio, Vincent, apodado Vinnie Paul se interesó por la batería, por lo que sus padres le compraron una. Su hermano Darrell se sintió atraído a su vez por la batería de su hermano, pero luego, al ver a numerosos guitarristas de country y blues desfilando por los estudios de su padre, prefirió la guitarra eléctrica. Ambos hermanos, amantes de la música de rock de los '70 y del naciente heavy metal, con grupos como Kiss o Black Sabbath, decidieron formar un grupo musical que recogiese estas influencias, unidas al dominio que los hermanos Abbott iban tomando en sus respectivos instrumentos; este sueño se haría realidad en 1981, junto a los músicos que nombramos anteriormente. Formación: los años del glam metal (1981 - 1990) Pantera fue formada en Arlington, Texas, en 1981 y empezaron tocando covers de Kiss y Van Halen, así como material propio encuadrado dentro del glam metal y el hair metal, en clubes nocturnos de Texas. Pantera se convirtió en una de las bandas favoritas del underground, aunque sus tours regionales nunca los llevaron más allá de Texas, Oklahoma y Luisiana. La banda empezó a telonear otros actos de glam metal, como los de bandas como Stryper, Dokken, y Quiet Riot, quienes en cambio promovieron el debut de Pantera, Metal Magic. Este álbum fue lanzado por el sello propio de la banda, con el mismo nombre, en 1983, y fue producido por el padre de los hermanos Abbott, Jerry Abbott, en los estudios Pantego. Luego, Pantera lanzó otros dos también desapercibidos álbumes: Projects In The Jungle y I Am The Night, en los que seguía dominando el glam metal en sus composiciones, aunque se fueron separando progresivamente de las de su disco antecesor. Este último disco, I Am the Night, vendió únicamente 25.000 copias, por lo que es en la actualidad una pieza de coleccionista. La influencia de dos discos capitales dentro del desarrollo del thrash metal (Reign in Blood de Slayer y Master of Puppets de Metallica) habían marcado la carrera de la banda hacia dicho estilo, en el que no cuadraba Glaze, por lo que fue despedido. Phil Anselmo, proveniente de New Orleans, fue su reemplazo como vocalista. Con él lanzaron el álbum Power Metal (1988). El estilo de dicho trabajo se orientó más hacia una mezcla del hard rock de los años '80 y el naciente thrash metal, añadiendo además el estilo vocal de Anselmo, más áspero y rudo que el de Glaze. El posterior cambio estilístico de la banda hizo de estos discos, casi piezas de coleccionista, llegando a ser relegados al ostracismo por la propia banda, ya que no aparecen en la discografía presente en su página oficial. Cambio de estilo: thrash metal y groove metal (1990 - 2003) Cowboys from Hell (1990 - 1992) Después de buscar durante un largo período un sello que acompañase a Pantera en la grabación del siguiente disco de la banda, Mark Ross, que trabajaba para Atco Records, vio un concierto de la banda en un local de Texas y convenció a su empresa para que fichase al grupo. Atco aceptó, y la banda remató el año 1989 grabando su siguiente material en los estudios Pantego. Cowboys From Hell (1990) marcó un cambio drástico en la música de Pantera, que se decantó por un sonido más aguerrido y poderoso dejando atrás el glam, condicionado por la voz aguardentosa de Anselmo y los gruesos riffs de guitarra de Dimebag Darrell. Editado el 24 de junio de 1990, sus canciones más destacadas son Domination, Cowboys From Hell, Cemetery Gates, Psycho Holiday y Primal Concrete Sledge. Muchos fans, e incluso los miembros mismos de la banda, consideraron este trabajo como su debut oficial. Dimebag Darrell hizo sus riffs y solos más complejos, y Anselmo adoptó un estilo vocal aún más abrasivo que en Power Metal. Para presentar adecuadamente el trabajo, Pantera giró durante un tiempo con Exodus y Suicidal Tendencies, antes de abrir para artistas de la talla de Metallica, AC/DC o Judas Priest, tocando ante una multitud de más de 500.000 personas en Moscú para celebrar uno de los primeros conciertos de música occidental desde la caída de la Unión Soviética.

Los Pekenikes, cuyo nombre derivaba de la juventud de sus componentes (andaban alrededor los 16-18 años), nacen en marzo de 1959 en el instituto Ramiro de Maeztu de la capital española. Es uno de los grupos indispensables para conocer el origen del rock en España, y uno de los fundamentales de la música de los 60. A lo largo de los años, sus canciones han aparecido en películas, series, anuncios y programas de televisión, multitud de recopilatorios y se les menciona en libros y artículos sobre la época habitualmente, formando parte del imaginario popular, aun incluso de aquellas personas que desconocen a los autores de esas canciones.

Chester Arthur Burnett (White Station,10 de junio de 1910 - Hines, 10 de enero de 1976), conocido como Howlin' Wolf (Lobo Aullador) fue un músico afroamericano, cantante de blues, guitarrista y armonicista. Con una voz y una presencia física características, Burnett se colocó entre los principales artistas del blues eléctrico; el músico y crítico musical Cub Koda declaró, "nadie puede igualar a Howlin 'Wolf en su singular capacidad para el rock."1 Con sus 1,98 m de estatura y cerca de 136 kg de peso, fue una figura imponente con una de las voces más memorables entre todos los cantantes de blues "clásicos" en el Chicago de los años 50. Su voz ha sido comparada con "el sonido de las máquinas pesadas que operan en un camino de grava". Junto con su contemporáneo y rival profesional Muddy Waters, formaron los dos pilares del Chicago blues. Comienzos Hijo de plantadores de algodón, Howlin' Wolf trabajó de granjero en la década de los 30, siendo uno de los pioneros entre los negros que emigraron en los años 40 a Chicago, aunque siempre mantuvo sus raíces. Sirvió durante la Segunda Guerra Mundial en el ejército norteamericano. Carrera En 1948 formó una banda que incluía guitarristas como Willie Johnson y M. T. Murphy, el armonicista Junior Parker, un pianista llamado Destruction y el batería Willie Steele, y en 1951 comenzó a actuar en radio en West Memphis, Arkansas. Su álbum de 1962 Rockin' Chair Album es uno de los más famosos discos de blues, conocido por la ilustración de su cubierta con una mecedora. Este álbum contenía "Wang Dang Doodle," "Goin' Down Slow," "Spoonful" y "The Red Rooster", canciones que sirvieron de base a los repertorios de las bandas inglesas y americanas enamoradas de los blues de Chicago. En 1965 apareció en el show televisivo Shindig junto con los Rolling Stones. Wolf dio varios conciertos en Chicago en 1972, grabados por la discográfica Chess en su álbum Live and Cookin' y en 1973 produjo su último álbum The Back Door Wolf. Tuvo especial resonancia su álbum London Sessions, grabado en Londres junto a una super-banda de estrellas británicas (Eric Clapton, Stevie Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman) y su inseparable Hubert Sumlin. El inimitable estilo abrasivo de Howlin' Wolf ha imposibilitado cualquier imitación. Dotado de una técnica musical rudimentaria (tanto en la armónica como en la guitarra slide), su peculiar sentido del tempo y sus aullidos (como en la célebre "Smokestack Lightning") confirieron siempre a sus interpretaciones un vigor inigualable. El rock psicodélico de los sesenta tuvo en Howlin' Wolf a uno de sus máximos inspiradores. Jimi Hendrix comenzó su actuación en el festival de Monterrey, en 1967, (su primera aparición al nivel de las grandes estrellas) con una frenética versión de un clásico de Howlin' Wolf, "Killing floor". Los Cream convirtieron en éxito otra de las grandes piezas de Howlin' Wolf (aunque compuesta por Willie Dixon), la febril "Spoonful", y también los californianos Grateful Dead legaron una recordada recreación de "Sittin' on the top of the world". Los Doors versionaron "Back door Man" y los Rolling Stones tuvieron unos de sus hits más tempranos con la inefable "Little red rooster". El estilo vocal de John Fogerty, cantante de Creedence Clearwater Revival, debe también mucho a Howlin' Wolf, lo que se hace patente en canciones del grupo como "The Graveyard Train" entre otras. Howlin' Wolf murió de cáncer en el Hospital de Veteranos de Hines, Illinois, el 10 de enero de 1976.

John Lee Hooker (Clarksdale, Misisipi, 22 de agosto de 19171 - San Francisco, 21 de junio de 2001) fue un influyente cantante y guitarrista de blues estadounidense. Infancia y juventud Nació en una granja cerca de Clarksdale (Mississippi) del matrimonio formado por William Hooker y Minnie Ramsey. Su padre era aparcero y pastor de la iglesia bautista. Tuvo seis hermanos y cuatro hermanas. Siendo niño, su familia se trasladó a otra granja en una plantación bananera cercana, donde conoció a los bluesman Snooky Pryor y Jimmy Rogers. En 1928 sus padres se separaron y John fue el único hermano que quedó al cuidado de su madre. Su madre se volvió a casar, esta vez con el músico local de blues William Moore, que enseñó a John a tocar la guitarra cuando tenía trece años. Hooker relató posteriormente que gracias a él conoció, de pequeño, a leyendas como Blind Lemon Jefferson o Charlie Patton, que iban de visita a su casa. En 1931 decide emigrar hacia el norte industrial, al igual que hacían muchos otros negros del sur en aquella época. Primero recaló en Memphis, donde vivió en casa de una tía, trabajó en cines locales y tocó con Robert Lockwood. En 1935 se trasladó a Cincinnati, donde alternaba trabajos de limpiabotas o de acomodador en teatros con actuaciones en grupos de gospel. Después de un período en el ejército, se instaló en Detroit durante la II Guerra Mundial, en 1943, donde consigue un empleo en la industria del automóvil, cuyo sueldo consigue completar cantando en bares de suburbios. Allí se casó dos veces. Con su segunda mujer, Maude Mathis, tuvo seis hijos. Carrera musical La carrera musical de Hooker empezó en 1948 cuando consiguió el éxito con el single "Boogie Chillum", cantado en un estilo medio hablado que se convertiría en característico. Rítmicamente, su música era muy libre, característica que ha sido común entre los primeros músicos acústicos de blues del Delta. Su fraseado no estaba tan atado a los estándares de la mayoría de los cantantes de blues. Este estilo informal e incoherente se fue diluyendo con la aparición de las bandas de blues eléctrico de Chicago pero, incluso cuando no tocaba solo, Hooker mantuvo su propio sonido. En 1955 acabó su contrato con Modern Records y fichó por la compañia Vee Jay, de Chicago, que publicó los clásicos Dimples y Boom boom. Mantuvo, sin embargo, una carrera en solitario, siendo siempre popular entre los aficionados al blues y los fans de la música folk de principios de los años 1960, saltando de este modo a la audiencia blanca. Discos como Black snake (1959), Wednesday evening blues (1960) o Birmingham blues (1963) afirmaron su prestigio a ambos lados del Atlántico. En 1970 se acercó de nuevo a las corrientes de moda al grabar el álbum Hooker ‘n’ Heat con Canned Heat En el año 1977 John Lee hizo un concierto como invitado con Foghat y Paul Butterfield. En 1980 salio en la pelicula Blues Brothers, interpretando el tema BOOM BOOM en un suburbio Otro éxito, de muchos en su carrera, llegó en 1989 cuando, junto a varias estrellas invitadas, incluyendo a Carlos Santana y su banda, Bonnie Raitt, Los Lobos, entre otros, grabó The Healer, que ganó un Premio Grammy. Hooker grabó más de 100 discos y vivió los últimos años de su vida en San Francisco, donde tenía un club llamado el "Boom Boom Room", por uno de sus éxitos.

R.E.M. fue una banda de rock estadounidense, formada en Athens, Georgia en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas populares de rock alternativo, R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, "Radio Free Europe", en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, Chronic Town, con la discográfica I.R.S. Records. Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. Monster, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros. A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock. R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

Leonard Norman Cohen (nacido el 21 de septiembre de 1934 en Montreal) es un poeta, novelista y cantante canadiense. Es conocido especialmente por la última de estas facetas, la de cantautor. Las letras de Cohen son muy emotivas y líricamente complejas, aunque sus tres ejes temáticos son el amor, la religión y las relaciones de pareja. Deben más a los juegos de palabras y metáforas de la poesía que a las convenciones de la música folk. Cohen canta con una voz peculiarmente grave. Su música ha influido a muchos otros autores y sus canciones han sido interpretadas por muchos otros artistas. Ha vivido en Montreal, Londres, Grecia, Nueva York y actualmente reside en Los Ángeles. Los temas recurrentes en la obra de Cohen incluyen varios como el amor y el sexo, la religión, la depresión psicológica, y la música en sí. Aunque también ha abordado ciertos asuntos políticos, lo ha hecho a veces de modo ambiguo. El amor y el sexo son temas habituales en la música popular; La experiencia de Cohen como novelista y poeta le dota de una sensibilidad especial para tratarlos. "Suzanne," probablemente la primera canción de Cohen que atrajo la atención de públicos amplios, mezcla cierto tipo de amor con la meditación religiosa, mestura que igualmente se produce en "Joan of Arc." "Famous Blue Raincoat" ofrece el punto de vista de un hombre cuyo matrimonio se ha roto debido a la infidelidad de su esposa con un amigo de él. La canción está escrita con la forma de una carta a ese amigo al que escribe "Supongo que te echo de menos, supongo que te perdono. Debes saber que tu enemigo está dormido y que su mujer es libre" ("I guess that I miss you/ I guess I forgive you … Know your enemy is sleeping/ And his woman is free"), mientras que "Everybody Knows" trata la cruda realidad del SIDA. "Sisters of Mercy" evoca el amor auténtico (agape más que eros) que encuentra en una habitación de hotel con dos mujeres de Edmonton y "Chelsea Hotel #2" describe su aventura con Janis Joplin de un modo bastante poco sentimental.

Stevland Hardaway Judkins, conocido como Stevie Wonder (nacido el 13 de mayo de 1950), es un cantante, compositor, productor discográfico, músico activista social estadounidense. Wonder ha grabado más de 30 éxitos de ventas, ha recibido 24 premios Grammy (un récord para un artista vivo), entre ellos uno por logros en su vida, y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos. Ciego desde la infancia, Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas en la compañía discográfica Motown, con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos discos y sencillos que fueron aclamados por la crítica; también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y el teclado. Los críticos refieren que la alta calidad y versatilidad de su trabajo indica todo el genio musical de Stevie. Colaboró en una campaña contra la alcoholemia en la conducción, con la Dirección General de Tráfico (DGT) de España.

Uno de los principales guitarristas de todos los tiempos, y una figura innovadora y fundamental en el papel de la guitarra en el rock, la primera canción considerada blues-rock es suya. Ha influido a grandes guitarristas como Eric Clapton, Duane Allman, Jimi Hendrix, Jeff Beck o a Stevie Ray Vaughan, que sentía verdadera adoración por él. Siempre acompañado de su inseparable Gibson Flying V es un artista a reivindicar hoy y siempre a pesar de su carrera llena de altibajos.

Nació en Macclesfield (Manchester), Inglaterra el 29 de Noviembre de 1933. Su padre era guitarrista y un entusiasta de la música jazz. Desde muy temprana edad se sintió atraído por el blues: Leadbelly , Albert Ammons , Pinetop Smith y Eddie Lang , y aprendió a tocar el piano, guitarra y armónica. A los 17 años John termina sus estudios de arte en la Junior School of Manchester. Trabaja limpiando ventanas y en un almacén y cuando puede toca. Después es llamado a filas y pasa 3 años en Korea con la Armada inglesa. Entonces es cuando se compra su primera guitarra eléctrica, en Tokio. Más tarde hará la innovación de ponerle 9 cuerdas. Al licenciarse trabaja como tipógrafo e ilustrador y en su tiempo libre tocaba en diversos locales. En 1955 fundó su primer grupo, The Powerhouse Four. Más tarde, en 1962, formó The Blues Syndicate. En esta época Mayall es miembro del sindicato de blues, donde conoce a Alexis Korner, otro nombre clave en el nacimiento del blues británico. Gracias a sus consejos Mayall decide ir Londres y dedicarse por completo a la música. Nació en Macclesfield (Manchester), Inglaterra el 29 de Noviembre de 1933. Su padre era guitarrista y un entusiasta de la música jazz. Desde muy temprana edad se sintió atraído por el blues: Leadbelly , Albert Ammons , Pinetop Smith y Eddie Lang , y aprendió a tocar el piano, guitarra y armónica. A los 17 años John termina sus estudios de arte en la Junior School of Manchester. Trabaja limpiando ventanas y en un almacén y cuando puede toca. Después es llamado a filas y pasa 3 años en Korea con la Armada inglesa. Entonces es cuando se compra su primera guitarra eléctrica, en Tokio. Más tarde hará la innovación de ponerle 9 cuerdas. Al licenciarse trabaja como tipógrafo e ilustrador y en su tiempo libre tocaba en diversos locales. En 1955 fundó su primer grupo, The Powerhouse Four. Más tarde, en 1962, formó The Blues Syndicate. En esta época Mayall es miembro del sindicato de blues, donde conoce a Alexis Korner, otro nombre clave en el nacimiento del blues británico. Gracias a sus consejos Mayall decide ir Londres y dedicarse por completo a la música. A finales de 1963 Mayall y su banda, llamada Bluesbreakers comienza a tocar en el mítico Marquee Club. “John Mayall plays John Mayall” (1965), fenomenal disco en vivo grabado en el Klooks Kleek y editado en la Decca a través del cual se podía apreciar su habilidad en sonsacar clásicos sonidos blues y R&B derivados de sus ascendientes negros. Entre sus composiciones destaca la que abría el disco, “Crawling up a hill”.A finales de 1963 Mayall y su banda, llamada Bluesbreakers comienza a tocar en el mítico Marquee Club. “John Mayall plays John Mayall” (1965), fenomenal disco en vivo grabado en el Klooks Kleek y editado en la Decca a través del cual se podía apreciar su habilidad en sonsacar clásicos sonidos blues y R&B derivados de sus ascendientes negros. Entre sus composiciones destaca la que abría el disco, “Crawling up a hill”. En abril de 1965 el ex Yardbirs Eric Clapton reemplaza a Roger Dean y la carrera de Mayall entra en su momento decisivo. Su segundo álbum y uno de los mejores de su discografía es “Bluesbreakers with Eric Clapton” (1966), producido por Mike Vernon. Alcanzó el número 6 en las listas de LPs del Reino Unido. El nivel mostrado es altísimo tanto en las composiciones propias (todas escritas por Mayall a excepción de "Double Crossing Time", obra del dúo Mayall/Clapton) como en las adaptaciones de piezas clásicas de Otis Rush, Freddie King, Ray Charles, Little Walter o el mentado Robert Johnson. Magistral álbum, cita obligada para los amantes de los sonidos blues y rhythm'n'blues más puros y excitantes.

Jerry Lee Lewis, “The Killer”, el asesino de Louisiana, sí que se ajusta a lo que uno espera de una estrella del Rock & Roll: juerguista, mujeriego, macarra, vacilón... Con un par de pelotas de fuego. Al principio de su carrera fue considerado una seria alternativa frente a Elvis Presley, El Rey del Rock, pero su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos. Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo junto con otros pioneros del rock y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24º de los mejores músicos del siglo. Su vida fue llevada a la gran pantalla en la película Gran bola de fuego, donde fue encarnado por el actor Dennis Quaid. Nuestro protagonista nace en Ferriday (Louisiana) el 29 de septiembre de 1935. Es el segundo hijo de Elmo y Mary Ethel. Cuando aun es muy pequeño su hermano mayor, Elmo Jr., muere atropellado por un camión, por lo que va a crecer como hijo único hasta que, años más tarde, sus padres tienen dos hijas más (Linda Gail y Frankie Jean). Los padres de Jerry eran ambos bastante religiosos y muy aficionados a la música, afición que transmitieron a sus hijos. El padre de Jerry, que tocaba el piano y la guitarra, llegó a firmar con la Sun en los cincuenta (aunque probablemente fue una maniobra de Sam Phillips, director de la compañía, para mantener a Jerry Lee en su compañía). Su madre, a la que llamaban cariñosamente Mamie, hizo los coros a Jerry en un tema Gospel. El padre de Jerry era granjero, pero no el típico granjero tranquilo y bonachón. Su carácter salvaje le llevó a la trena más de una vez. En los momentos bajos encontraba consuelo en sus discos de country. Mamie era muy aficionada al Gospel y una mujer profundamente religiosa. Estos dos estilos, Country y Gospel, fueron las influencias iniciales de Jerry Lee. Reconstruir la infancia del Killer es harto difícil porque, entre su gran imaginación y las lagunas que debe tener por toda la priba que se bebió, se inventa cantidad de historias que luego coloca a los periodistas incautos. Es por esto por lo que sus diferentes biografías están llenas de trolas gordísimas e incoherencias. Así pues, según cuenta la leyenda… Jerry Lee tocó su primera melodía al piano cuando tenía ocho años y sin aprendizaje previo. Un día que la familia del cantante había ido a visitar a una tía, el crío se subió al banco del piano y, tras teclear unos minutos al azar, acabó tocando la melodía de Silent night. Los Lewis se quedaron con la boca abierta e hipotecaron la casa familiar para comprarle un piano vertical, un Stax, que todavía conserva. A partir de los 12-13 años, Jerry empieza a frecuentar los locales de los negros de Ferriday en busca de un buen pianista (en aquella época no había prácticamente ningún grupo Country con piano), acompañado de su primo Mickey Gilley (actualmente uno de los hombres que manejan la industria Country de Nashville, compositor, cantante y hombre de negocios, dueño del Gilley’s, uno de los clubes Country más célebres de EE.UU.) y de su colega Jimmy Lee Swaggart (uno de los primeros tele-evangelistas y el más conocido del país). Se hicieron asiduos de un club llamado Haney’s Big House, regentado por su tío, donde verían tocar a algunos de los grandes del Blues de los ‘40-’50. Por aquel entonces, Jerry Lee estudiaba piano con un profesor y estaba obstinado en interpretar a los clásicos a ritmo de Boogie-Woogie. A los 13 ya tenía el dominio del piano que sigue poseyendo ahora. Lewis realiza su primera actuación pública el 29 de septiembre de 1949 (curiosamente, el día de su cumpleaños). El concesionario de la Ford de su ciudad natal había montado un espectáculo para promocionar los nuevos modelos de la marca, durante el que Jerry, acompañado por una banda local de Country, iba a interpretar un Blues famoso aquellos días: Drinkin’ wine, spoo-dee-o-dee. (Bebiendo Vino… jejeje eran otros tiempos) Al acabar el tema se pasó el sombrero para el artista, recogiendo 14 dólares. Se dice que Lewis, al ver tanta pasta, decidió dedicarse a la música. Jerry Lee Lewis, “The Killer”, el asesino de Louisiana, sí que se ajusta a lo que uno espera de una estrella del Rock & Roll: juerguista, mujeriego, macarra, vacilón... Con un par de pelotas de fuego. Al principio de su carrera fue considerado una seria alternativa frente a Elvis Presley, El Rey del Rock, pero su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos. Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo junto con otros pioneros del rock y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24º de los mejores músicos del siglo. Su vida fue llevada a la gran pantalla en la película Gran bola de fuego, donde fue encarnado por el actor Dennis Quaid. Nuestro protagonista nace en Ferriday (Louisiana) el 29 de septiembre de 1935. Es el segundo hijo de Elmo y Mary Ethel. Cuando aun es muy pequeño su hermano mayor, Elmo Jr., muere atropellado por un camión, por lo que va a crecer como hijo único hasta que, años más tarde, sus padres tienen dos hijas más (Linda Gail y Frankie Jean). Los padres de Jerry eran ambos bastante religiosos y muy aficionados a la música, afición que transmitieron a sus hijos. El padre de Jerry, que tocaba el piano y la guitarra, llegó a firmar con la Sun en los cincuenta (aunque probablemente fue una maniobra de Sam Phillips, director de la compañía, para mantener a Jerry Lee en su compañía). Su madre, a la que llamaban cariñosamente Mamie, hizo los coros a Jerry en un tema Gospel. El padre de Jerry era granjero, pero no el típico granjero tranquilo y bonachón. Su carácter salvaje le llevó a la trena más de una vez. En los momentos bajos encontraba consuelo en sus discos de country. Mamie era muy aficionada al Gospel y una mujer profundamente religiosa. Estos dos estilos, Country y Gospel, fueron las influencias iniciales de Jerry Lee. Reconstruir la infancia del Killer es harto difícil porque, entre su gran imaginación y las lagunas que debe tener por toda la priba que se bebió, se inventa cantidad de historias que luego coloca a los periodistas incautos. Es por esto por lo que sus diferentes biografías están llenas de trolas gordísimas e incoherencias. Así pues, según cuenta la leyenda… Jerry Lee tocó su primera melodía al piano cuando tenía ocho años y sin aprendizaje previo. Un día que la familia del cantante había ido a visitar a una tía, el crío se subió al banco del piano y, tras teclear unos minutos al azar, acabó tocando la melodía de Silent night. Los Lewis se quedaron con la boca abierta e hipotecaron la casa familiar para comprarle un piano vertical, un Stax, que todavía conserva. A partir de los 12-13 años, Jerry empieza a frecuentar los locales de los negros de Ferriday en busca de un buen pianista (en aquella época no había prácticamente ningún grupo Country con piano), acompañado de su primo Mickey Gilley (actualmente uno de los hombres que manejan la industria Country de Nashville, compositor, cantante y hombre de negocios, dueño del Gilley’s, uno de los clubes Country más célebres de EE.UU.) y de su colega Jimmy Lee Swaggart (uno de los primeros tele-evangelistas y el más conocido del país). Se hicieron asiduos de un club llamado Haney’s Big House, regentado por su tío, donde verían tocar a algunos de los grandes del Blues de los ‘40-’50. Por aquel entonces, Jerry Lee estudiaba piano con un profesor y estaba obstinado en interpretar a los clásicos a ritmo de Boogie-Woogie. A los 13 ya tenía el dominio del piano que sigue poseyendo ahora. Lewis realiza su primera actuación pública el 29 de septiembre de 1949 (curiosamente, el día de su cumpleaños). El concesionario de la Ford de su ciudad natal había montado un espectáculo para promocionar los nuevos modelos de la marca, durante el que Jerry, acompañado por una banda local de Country, iba a interpretar un Blues famoso aquellos días: Drinkin’ wine, spoo-dee-o-dee. (Bebiendo Vino… jejeje eran otros tiempos) Al acabar el tema se pasó el sombrero para el artista, recogiendo 14 dólares. Se dice que Lewis, al ver tanta pasta, decidió dedicarse a la música.

Patti Smith nació en Chicago, Estados Unidos, donde su madre, Beverly, fue cantante de jazz y su padre, Grant, trabajó en la planta de la multinacional Honeywell. Pasó su infancia en Deptford Township, New Jersey,4 5 criada como la hija de una testigo de Jehová. Dice haber recibido una fuerte educación religiosa y una buena educación sobre la biblia, abandonando la religión organizada en su adolescencia por encontrarla demasiado restrictiva. Al respecto, Smith escribió años después en la estrofa inicial de su versión de una canción de Them, "Gloria", que "Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos" Patti Smith nació en Chicago, Estados Unidos, donde su madre, Beverly, fue cantante de jazz y su padre, Grant, trabajó en la planta de la multinacional Honeywell. Pasó su infancia en Deptford Township, New Jersey,4 5 criada como la hija de una testigo de Jehová. Dice haber recibido una fuerte educación religiosa y una buena educación sobre la biblia, abandonando la religión organizada en su adolescencia por encontrarla demasiado restrictiva. Al respecto, Smith escribió años después en la estrofa inicial de su versión de una canción de Them, "Gloria", que "Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos," Smith se graduó en 1964 en el colegio de Deptford Township y por las dificultades económicas que atravesaba la familia, Patti comenzó a trabajar en una fábrica.7 (American Woman yeah yeah) 1967–1973: Nueva York En 1967 dejó los estudios universitarios en Glassboro State Teachers College y se mudó a la ciudad de Nueva York. Allí, mientras trabajaba en una joyería conoce al fotógrafo Robert Mapplethorpe. Las fotografías de ella hechas por Mapplethorpe se convertirían en las portadas de los álbumes de Patti Smith Group, y siguieron siendo amigos hasta la muerte del fotógrafo en 1989.

John Allen Hendrix nació en Seattle el 27 de noviembre de 1942. Hijo mestizo de Al Hendrix, de raza negra y su esposa Lucille, india Cherokee. La II Guerra Mundial separó al matrimonio Hendrix de forma que Lucille las pasaba canutas para sacar adelante a su hijo, hasta que no pudo más y como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore (residente en California), en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad. Al Hendrix conoció a su hijo a la vuelta de la Guerra en 1946, al que re-bautizó como James Marshall Hendrix llevándoselo con él a Seattle. Su primer instrumento fue una armónica a los 4 años. Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Su aprendizaje fue de forma autodidacta (escuchando en los vinilos de su padre a B.B.King, Muddy Waters, Elmore James, Robert Johnson, Leadbelly o Chuck Berry y practicando continuamente). En1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica y empezó a tocar en distintos grupos de Seattle durante sus años de instituto, del cual fue expulsado en 1960 por mal estudiante. También hay quien dice que fue por tener relaciones más que amistosas con una joven blanca (todavía había muchos prejuicios raciales en aquella época). El caso es que Jimi se dedicó a tocar en la calle para sacarse unos cuartos, hasta que por su excesiva ‘afición por lo ajeno’ fue detenido por la policía y condenado, evitando la cárcel con su alistamiento en el ejército en 1961, concretamente en una unidad paracaidista. En 1962 al aterrizar tras un salto, se rompió un pie y fue directamente licenciado, con lo que se libró de participar en la Guerra de Vietnam. Su mayor logro en la época del servicio militar fue conocer a Billy Cox, otro músico negro con quien entabló amistad. Billy Cox estaba bien relacionado, y a través de él pudo trabajar durante unos años como músico de artistas de la época, como Sam Cooke, James Brown, Ike & Tina Turner, Little Richard (sustituido por un tal Albert Collins) o The Supremes, haciéndose con una gran reputación como instrumentista. Aunque muchos de estos grupos le invitaron a irse por su indisciplina, perdió autobuses en más de una ocasión, tuvo amonestaciones por pasar del vestuario del grupo, por poner el volumen del ampli más alto que el resto de la banda, por pasar de las coreografías, etc. En 1966 Hendrix decide formar su propio grupo, Jimmy James & The Blue Flames, centrada en el rythm’n’blues. Se hicieron fijos en un garito llamado “Wha?”, hasta que Chas Chandler, bajista de los Animals de Eric Burdon les echó el ojo y se llevó a Jimi a Inglaterra. Como curiosidad decir que había asistido animado por Linda Keith, la entonces novia de Keith Richards. Chas Chandler se ocupó de buscarle un grupo de acompañamiento, y reclutó a Noel Redding como bajista y a Mitch Mitchell para la batería. Así nació la Jimi Hendrix Experience, un trio de leyenda. Enseguida empezaron a tocar en el circuito londinense. Por aquella época conoció a los nombres más importantes del rock británico, que caían enamorados ante la magia de Jimi, todos sabían que iba a llegar muy alto. Atentos a los nombres: Pete Townshead, Eric Clapton (estos dos se hicieron amigos a raíz de una conversación de teléfono asustados por el potencial de Hendrix), Eric Burdon, Paul McCartney, George Harrison, Jack Bruce, Jeff Beck, Jimmy Page, John Paul Jones, Mick Jagger, etc.

Frank Vincent Zappa (21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993) fue un compositor, guitarrista, productor discográfico y director de cine estadounidense. Su pasó por el rock, jazz, electrónica y música clásica. Escribía las letras de todos sus temas, frecuentemente humorísticas. Fue crítico con lo políticamente correcto, con la religión y un gran defensor de la libertad de expresión y la abolición de la censura.Frank Vincent Zappa (21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993) fue un compositor, guitarrista, productor discográfico y director de cine estadounidense. Su pasó por el rock, jazz, electrónica y música clásica. Escribía las letras de todos sus temas, frecuentemente humorísticas. Fue crítico con lo políticamente correcto, con la religión y un gran defensor de la libertad de expresión y la abolición de la censura. Frank Zappa nació en Baltimore, Maryland, Estados Unidos, el 21 de diciembre de 1940, siendo sus padres Francis Zappa de ascendencia greco-árabe, y Rose Marie Colimore, de ascendencia italo-francesa. La familia, durante la infancia de Frank, se mudaba con frecuencia debido a que su padre, químico y matemático, trabajaba para el Gobierno de los Estados Unidos. Después de un corto espacio de tiempo en Florida, a mediados de los años 40 volvieron a Maryland, donde su padre trabajó en el Aberdeen Proving Ground, una zona de prácticas militares donde se probaban armas. Debido a la proximidad de su casa al centro de pruebas, que almacenaba gas mostaza, guardaban máscaras de gas por si hubiera algún accidente. Esto tuvo un gran impacto en el joven Zappa: referencias a gérmenes y otros aspectos de la industria de defensa aparecen en numerosas ocasiones en su obra. Durante su niñez, Zappa enfermaba con frecuencia, sufriendo asma, dolores de oído y sinusitis. Esta última le fue tratada insertándole un perdigón de radio en cada fosa nasal; poco se sabía en aquel entonces de los peligros que esta práctica conllevaba. Numerosas referencias a su nariz aparecen en las letras de sus canciones, al igual que en muchas de las portadas de álbumes. Después de otras mudanzas se asentaron definitivamente en San Diego. COMIENZO DE SU CARRERA (1955–1960) Zappa se unió a su primera banda, The Ramblers, en la escuela Mission Bay High School de San Diego como baterista.10 Por esta misma época, sus padres le compraron un fonógrafo, que le ayudó a desarrollar su interés por la música y a empezar a formar su colección de LP. Que consta de R&B, música clásica moderna como Varèse, Igor Stravinsky y Anton Webern, doo wop, y jazz moderno.

McKinley A. Morganfield nació en 1913 en el Mississippi, a pesar de que en un principio dijo que nació en 1915, para parecer algo más joven a las compañías de discos. Su madre murió poco después de su nacimiento y fue su abuela Della Jones quien le cuidó. Su abuela le comenzó a llamar “Muddy” (fangoso) por su afición a jugar en las zonas más cenagosas del río Mississippi a su paso por las cercanías de la plantación de Cottonwood en el condado de Issaquena, su lugar de nacimiento, poco antes de que decidieran partir a la de Stovall cuando él tendría unos 6 años. Lo primero que descubrió que hiciera ruido fue una lata de queroseno, continuó destrozando los nervios a la vecindad tocando un viejo acordeón, perdió el tiempo con los sonidos muy limitados que extraía de un arpa de boca y al final acabó aprendiendo a tocar una armónica que le cayó de regalo por Santa Claus. Dejó la escuela muy pronto y con 13 años ya dominaba la armónica. Su abuela se había comprado un fonógrafo y solo tenía algunos discos de canciones religiosas. Muddy, con los pocos ahorros que tenía de cargar sacos de algodón desde los 8 años y demás actividades de ayuda a los que faenaban en los campos, se fue comprando algunos discos de Blind Lemon Jefferson, Barbecue Bob, Blind Blake, el “44 Blues” de Roosevelt Sykes o el “Vicksburg Blues” de Little Brother Montgomery. En la cabeza ya le rondaban tres ideas, ser jugador de baseball, predicador o músico. Jugaba de segundo base en el equipo que tenían en Stovall aunque había jugadores mejores que él y predicar no se le daba nada bien, en consecuencia lo de dedicarse a la música se convirtió en la mejor opción. Tenía 14 años la primera vez que vió actuar a Son House, una de sus imprescindibles referencias. “Escuchar a Son House deslizar el bottleneck en su dedo sobre las cuerdas era tan bestial como un golpe en la cabeza. Mis ojos se iluminaron como un árbol de Navidad”. Tres años después compró su primera guitarra. Vendió el último caballo que tenían, le dio la mitad a su abuela y, aún sobrándole dinero, por 2,50 $ se compró una Stella de segunda mano. Cierto es que también obtenía algún extra ayudando a los contrabandistas de licor y cazando pequeños animales para vender sus pieles. La primera canción que aprendió a la guitarra fue “How Long, How Long Blues” de Leroy Carr. En 1932, cuando contrajo por primera vez matrimonio con Mabel Berry, es bien conocida la anécdota de que tocó durante la celebración y cómo, de lo salvaje del evento, se hundió el suelo de la cabaña donde se realizaba el festejo. Al año siguiente se unió a la banda de cuerda “The Son Sims Four”. Henry “Son” Sims, al violín, era un viejo asociado de Charley Patton con el que había grabado en 1930. Percy Thomas, guitarra y kazoo (constituido por una caña hueca en uno de cuyos extremos se fija un papel de fumar o un trozo de plástico que, al soplar por un agujero en la caña, modifica el sonido de la voz de una persona que sopla por efecto de la vibración de la membrana) y Lewis Ford, mandolina y cantante era el tercer miembro de esta banda formada a la que se unió Muddy primero como cantante y más adelante como armonicista y tocando guitarra. En ocasiones iban hasta Memphis a tocar en Beale Street por propinas. El peripatético y cuasi vagabundo Big Joe Williams aseguraba que fue él quien por primera vez se llevó a Muddy a recorrer un poco los caminos, sin salir de Mississippi, aunque tuvo que finalizar esa asociación por problemas con sus novias, ya que éstas se enamoraban enseguida del jovencito Morganfield el cual ya empezaba a ser conocido como “Muddy Water” sin s. “Oh, tu hijto es tan guapo y atractivo” le decían a Big Joe. El repertorio de Muddy no se componía solo de blues sino también de valses, country & western y canciones populares y de danza como “Missouri Waltz”, “Deep In The Heart Of Texas”, “Dinah” o “Chattanooga Choo-Choo”. En mayo de 1935 tenía 22 años y tuvo su primer hijo con Leola Spain, una mujer que le siguió a Chicago y fue la única amiga que conservó durante toda su vida, a pesar de casarse con otras mujeres. Transcurrieron 3 años y su reputación se había extendido por el Delta alcanzando gran éxito su interpretación del “Bluebird Blues” de Sonny Boy Williamson I. En 1940 estuvo en Saint Louis una corta temporada sabiendo que por allí se encontraba, entre otros, Walter Davis, del que tenía bastantes discos. Sin embargo no le gustó la ciudad, no habían oído hablar de él y el pensar lo que le costaría hacerse un nombre le hizo desistir y regresar a Mississippi para continuar conduciendo un tractor. El domingo 31 de agosto de 1941, en la plantación de Stovall, el joven McKinley se mostró un tanto receloso al ver llegar a dos individuos que preguntaban por él, pensando en un primer momento que lo buscaban por destilar alcohol ilegalmente. Enseguida se tranquilizó, eran Alan Lomax y John Wesley Work III que querían grabarle un par de temas. El primero, basado en el “Walking Blues” de Johnson, sería “Country Blues” según Lomax, aunque en las notas de John Work figuró como “I Feel Like Going Home”, título con que sería conocida en Chicago cuando la grabó pocos años después. La segunda toma fue “I Be’s Troubled”, “I’ve Never Been Satisfied” en las notas de Work y “I Can’t Be Satisfied” en Chicago. Por las grabaciones recibió un cheque de 28$ y una copia del disco, enviados posteriormente por Lomax.

Aquel 2 de febrero de 1959 hacía un frío inusual en Clear Lake, en el Estado de Iowa, después de un par de días de intensas nevadas. Buddy Holly acababa de terminar un concierto en esa localidad dentro de su exitosa gira junto con la estrella adolescente Richie Valens y el nuevo compositor The Big Bopper. El autor de Peggy Sue tenía que haberse trasladado en autobús hasta la siguiente parada de su recorrido, Moorhead, en Minnesota, pero alquiló una avioneta con el fin de ganar tiempo entre actuación y actuación y ahorrarse los ajetreados viajes en ese viejo y sucio vehículo de cuatro ruedas sin calefacción y en el que se moría de frío. Fue la peor decisión de su vida y la última. En la madrugada del 3 de febrero, aquel avión no recorrió ni 10 millas cuando se estrelló por una ventisca de nieve. Conducía un piloto inexperto, que nunca había volado de noche, y que murió en el accidente que acabó también con la vida de las otras tres personas a bordo: Richie Valens, The Big Bopper y Buddy Holly. Son tres de los músicos más importantes y talentosos de Estados Unidos. También son increíblemente jóvenes: ninguno llegaba a los treinta años, Valens ni siquiera había cumplido los 18. Fue el fin del flamante talento de la primera ola del rock’n’roll y el comienzo de la primera leyenda del género, a la que se sumarían con los años y por diferentes motivos grandes músicos como Otis Redding, Jim Morrison, Jimi Hendrix y Janis Joplin. Pero sobre todo fue el epitafio de una generación, que se conoció como la clase del 55. La repentina muerte de Holly ponía fecha al final de la primera rebelión de la música popular, al golpe en el estómago que supuso la irrupción del rock’n’roll para la sociedad puritana y biempensante de EE UU, aquella que se llevaba las manos a la cabeza porque los jóvenes negros y blancos compartían los mismos gustos musicales, porque estaban deseosos de afirmarse al caduco mundo adulto de la posguerra y porque ansiaban libertad frente a los rigurosos códigos morales. La trágica muerte de Buddy Holly simbolizaba el adiós a todo ese movimiento inocente y rebosante de energía, que estaba en las calles con la música a todo trapo en las radios de los cadillacs. Se iba Holly y se iba el empollón de la clase del 55, el compositor que había conseguido los mayores avances en los arreglos de las canciones, el hombre que, a diferencia de otros compañeros de curso, que aportaban sensualidad y rebeldía, dio al rock un carácter académico. Era un genio. Su carrera fue prodigiosa y fulgurante. En poco menos de dos años en el negocio había conquistado los puestos más altos de las listas de venta de Estados Unidos y Reino Unido y se codeaba con los pioneros del rock’n’roll como Elvis Presley, Chuck Berry, Fats Domino o Little Richard. Don McLean definió ese día en su famoso tema "American Pie" como "El día en que murió la música", y así empezó a conocerse desde entonces ese fatídico día.

Uno de los grandes dúos de la música negra es el compuesto por Ike and Tina Turner. Representantes de la mejor tradición del R&B. El sonido de la banda encuentra la mejor culminación posible en el amplio registro y potente fuerza de la voz de Tina Turner; posiblemente una de las mejores voces negras, aparte de estar dotada de una inusitada capacidad de dominio de la escena junto a sus coristas. Muchas veces eclipsado por el éxito de la carrera en solitario de Tina, esta época es la más interesante desde el punto de vista musical, a la par que tampoco fue manca en cuestión de ventas y reconocimientos. Aunque versionaron numerosos clásicos del blues (Mean Old Word, Rock me baby…) y artistas como The Beatles o The Rolling Stones son muchas las bandas de los ’60 que los rindieron tributo constante. Al fin y al cabo, si Mick Jagger y los Rolling en pleno te hacen reverencia es que, seguramente, has hecho algo muy grande. Ike Turner (5 de noviembre de 1931 – 12 de diciembre de 2007) fue músico de rock y blues, considerado uno de los pioneros del Rock and Roll y el R&B. Fue esposo de la también cantante Tina Turner. Su verdadero nombre era Izear Luster Turner. Nació el 5 de noviembre de 1931 en Clarksdale, Misisipi. A los 5 años aprendió a tocar el piano y a los 11 comenzó a tocar en conciertos junto a Sonny Boy Williamson y Robert Knighthawk. Conoció a Tina Turner cuando esta tenía 17 años en un club de San Luis (Misuri). Se casó con ella en México en 1962 y formaron el grupo Ike & Tina. Tuvieron hijos en común, divorciándose en 1976 debido a las continuas agresiones de Ike, que pegaba y obligaba a Tina a cantar enferma y a sus públicas y reiteradas infidelidades con otras mujeres. Ike Turner se fue hundiendo en el alcohol y las drogas. Fue arrestado numerosas ocasiones por posesión de estupefacientes y pasó 17 meses en la cárcel. En 1993 se estrenó la película What's Love Got To Do With It, obtenida de la autobiografía de Tina y dirigida por Brian Gibson, que narraba la vida de Tina Turner y en la que el actor Laurence Fishburne encarnó a un violento Ike acusado de malos tratos. ¿y cómo la podía palmar un tipo como este? Efectivamente, los abuelos se meten coca por lo que vemos… Falleció el 12 de diciembre de 2007 a los 76 años en San Marcos (California). Informes médicos forenses confirmaron que su muerte se debió a una sobredosis de cocaína. Anne Mae Bullock (n. el 26 de noviembre de 1939; en Nutbush, Tennessee, Estados Unidos de América), más conocida como Tina Turner, es una cantante, compositora, bailarina y actriz estadounidense, cuya carrera se expande durante más de cincuenta años. Es una de los principales exponentes del rock. La artista se hizo famosa a finales de los años 1950, formando parte del dúo Ike & Tina Turner Revue, junto a su entonces marido Ike Turner.2 Ella se destacó por la acción de sus actuaciones en directo y por su carga sexual.3 Tras su separación de Ike, en los años 1970, se estableció como solista. Asimismo actuó en diversas películas, como Tommy, Mad Max Beyond Thunderdome y Last Action Hero, entre otras.

Francis Albert Sinatra (Hoboken, New Jersey, 12 de diciembre de 1915 - Los Angeles, 14 de mayo de 1998), más conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense. La popularidad de Sinatra fue prácticamente constante a lo largo de toda su vida aunque fueron los años cuarenta y cincuenta los más exitosos, siendo esta última década, con su producción discográfica para la compañía Capitol, la considerada como su etapa de mayor calidad artística como cantante. Su repertorio se basó en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses, como Cole Porter, y su estilo sintetizó, ya en sus orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música pop que empezaba a difundirse a través de la radio. Técnicamente, se caracterizó por su cuidada precisión en el fraseo y su dominio del control de la respiración. El rango de su voz estaba próximo al de barítono. Su categoría artística radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones. En Sinatra, cualquier tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resultan secundarias respecto de la que es su misión principal: contar una historia de la forma más expresiva posible. A Sinatra se le reconoce históricamente el haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz por encima del sonido de la orquesta y para aproximarla a la intimidad del oído del oyente. Como actor, Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones fueron emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral fue capital; por ejemplo fue precisamente a través de su papel en “De aquí a la eternidad” como logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, además de ganar por su interpretación el Oscar al mejor actor secundario. A lo largo de su carrera profesional, Sinatra grabó más de 1.300 canciones y participó en más de cincuenta películas. Recibió multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammys, el Premio de la Academia de Artes y la Medalla de Oro del Congreso de EE.UU.

Jack White (John Anthony Gillis, nacido el 9 de julio de 1975) es un músico multi-instrumentista, productor, y actor estadounidense conocido por ser el guitarrista y cantante de la banda de rock The White Stripes y por sus habilidades de improvisación en directo. También es miembro de las bandas de rock The Raconteurs y The Dead Weather. Durante los años 90, White participó en varias bandas under de Detroit mientras trabajaba en una tapicería. En 1997 White formó The White Stripes con su esposa Meg White (aunque a fines artísticos se presentan como hermanos). La banda, luego de su tercer álbum, White Blood Cells, creció en popularidad y fue aclamada por la critica por sus siguientes álbumes. Jack apareció en el puesto Nº 17 en la lista "Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone. La popularidad de la banda le dio a White la oportunidad de trabajar como solista con renombrados artistas como Loretta Lynn, a quien le produjo el álbum Van Lear Rose en 2004, Beck, The Rolling Stones, y Bob Dylan. En el 2005, White fue uno de los fundadores del grupo de rock The Raconteurs.

Miles Davis es, junto a Louis Armstrong, la gran figura del jazz, y no nos referimos sólo a su popularidad (es conocido incluso por aquellos que nunca han escuchado uno de sus álbumes, es un icono de la música), sino a que ambos lo hicieron avanzar. Claro que, en el caso de Davis, se puede afirmar que lo revolucionó, hasta tres veces además. De hecho, desde finales de los 40 hasta principios de los 70 (y hay quien lo alargaría hasta dos décadas más), encabezó cada innovación del jazz. Fue el creador del cool jazz, el estilo que mejor se adapta a su manera de tocar la trompeta, a finales de los 50 introdujo el jazz modal (que se basa, para la improvisación, en escalas y no en acordes) y, finalmente, en 1969, ofreció la primera fusión válida de jazz y rock, iniciando así el estilo conocido como Fusion. A partir de entonces, su carrera no fue tan brillante, aunque en los 80 siguió experimentando, influenciando a la escena electrónica y hasta siendo uno de los pioneros en la fusión de jazz y rap. Por eso existe la opinión de que el jazz ha dejado de evolucionar a partir de su muerte (1991). Cierto o no, en cualquier caso, lo que está claro es que escuchar la discografía de Davis es imprescindible para conocer la historia del jazz, es decir, la historia de la música del siglo XX.