MOVIN'UP - storie di mobilità artistica

Delfina Stella è danzatrice e ricercatrice. La sua formazione si è sviluppata tra l’Italia e l’estero, con esperienze accademiche e artistiche che hanno progressivamente intrecciato movimento, antropologia e pratiche comunitarie. Negli ultimi anni è stata più volte in Bolivia, dove ha realizzato il progetto Corpi e paesaggi Guaranì, nato dall’incontro con la comunità indigena di Santa Rosa de Cuevo, nell’area del Gran Chaco. Qui ha lavorato casa per casa, costruendo relazioni di fiducia con gli abitanti e trasformando i gesti quotidiani in materia coreografica. Le diverse fasi del progetto nel 2025 hanno dato vita a residenze e performance site-specific, oltre a un capitolo del docufilm Santa Rosa è qui, nella mia mano. Accanto a lei c’è oggi Francesca Madiai, che partecipa al progetto nella fase di post-produzione, contribuendo alla rielaborazione del materiale video dell’ultimo viaggio in Bolivia. Insieme portano avanti un percorso che unisce danza e videoarte, con al centro la creazione di narrazioni condivise tra artisti e comunità.

Lo spettacolo Miss Sbarbie nasce seguendo lo studio del corpo, punto di riferimento e centro intorno a cui gira tutto il resto. Morgana Morandi, autrice e interprete, unisce alla sua attività circense gli studi fatti in psicologia e psicosomatica, e attraverso le 100 barbie presenti sul palco vive le esperienze e i ricordi che le persone hanno condiviso con lei su quest’oggetto, in un gioco che si sposta tra immaginazione e possibilità. Dopo varie esperienze europee, lo spettacolo nel 2025 si è chiuso a Barcellona, ospite de La Central del Circ e dell’Antic Teatre, dove Morgana ha presentato il lavoro in forma di anteprima con la collaborazione di Simone Di Biagio e Vittorio Catelli Lasagni. Uno spettacolo riassunto nel sottotitolo: a punk collective history about our messy bodies, un lavoro sul corpo, sul gioco e sul potere che mette al centro la riappropriazione del simbolo della Barbie, e che porta in scena il grande contrasto tra restrizione e possibilità nello stesso oggetto.

Piero Ramella arriva alla danza e al teatro attraverso un percorso eterogeneo: dopo gli studi in filosofia e le prime esperienze come artista visivo, inizia a collaborare con realtà di teatro sperimentale e frequenta un postmaster in ricerca artistica a Bruxelles. Si avvicina poi in maniera più diretta alla coreografia, frequentando un corso di ricerca coreografica al Forum Dense di Lisbona. Qui conosce gli artisti con cui nel 2022 fonda il collettivo Um cavalo disse mamãe, una realtà indipendente e multidisciplinare che unisce danza, teatro e letteratura. A giugno 2025 con loro ha preso parte a Cantar, spettacolo co-prodotto dal Festival internazionale Alkantara e sviluppato in residenza a Lisbona. Il lavoro prende ispirazione dall’album Cantar di Gal Costa, un disco composto durante una dittatura e firmato da un’icona della musica brasiliana. Cantar gioca sul contrasto tra la l’allegria della musica e un forte messaggio politico nascosto, la stessa ambivalenza che Piero e il suo collettivo hanno riproposto nello spettacolo omonimo. Un viaggio corale che riflette, in forma poetica e simbolica, le tensioni del presente e le sue catastrofi.

Plein air è un invito a entrare in uno stato epidermico, allucinatorio, magico. Marina Donatone, coreografa e ideatrice di questo spettacolo, ha preso ispirazione dallo spazio che si crea lavorando con bambini e bambine, dove tutto è nuovo e non comprende limiti. È una danza delle rovine, un continuo ricucire quelle materie sottili che vibrano dopo una separazione, in un racconto che oscilla tra aderenza e scollamento, eco e metamorfosi, alla ricerca di un contatto implicato che superi la spaziatura tra visione e tocco. Nella residenza presso il Centre National de la Danse di Pantin a giugno 2025, Marina, insieme a tre performer, ha concluso una ricerca che si muove tra l’immediatezza dell’esperienza tattile concreta e la persistenza del ricordo della sensazione, tra l’esattezza del ricevere e l’incoerenza del coagulare.

In greco, la parola “Thalassa” si riferisce a tutte le superfici di acqua salata che occupano il globo. Si potrebbe dire che da qui parte lo spettacolo di Maristella Tesio, artista che un giorno, durante un Erasmus, scopre la via circense, ed è subito sintonia, cammino per la vita. A Torino frequenta la Flic, dove indaga e si specializza nel cerchio aereo; gira poi l’Europa per un anno, viaggiando e creandosi una propria visione del circo moderno, fino ad atterrare a Toulouse, in Occitania, dove trascorre tre anni di formazione presso Le Lido - Centre Des Arts Du Cirque. Da lì partono collaborazioni con diverse realtà, con una vita che si divide tra Francia e Italia. L’ultima compagnia fondata, Phonophobia, genera lo spettacolo Fast food emotion, con cui tra il 2024 e il 2025 ottiene una residenza a Barcellona; una performance dove ci si interroga sul mare come habitat, metafora, luogo di contaminazione, di identità, come trasforma sé stesso e i corpi che lo abitano.

Nicoletta Favari è una pianista e compositrice che, insieme al percussionista Christopher Salvito, ha fondato nel 2015 il Passepartout Duo. Il loro incontro negli Stati Uniti ha dato vita a un percorso che, da subito, ha cercato di spostare la musica contemporanea fuori dai contesti istituzionali, per farla vivere in luoghi e situazioni nuove. Negli anni hanno costruito strumenti inediti, suonandoli in festival grandi e piccoli di tutto il mondo, intrecciando acustica ed elettronica in un processo creativo sempre più libero.La loro ultima tappa tra il 2024 e il 2025 è stata Taipei, dove come artisti in residenza al Treasure Hill Artist Village hanno sviluppato il progetto From Taipei: una ricerca che unisce tradizioni musicali taiwanesi, collaborazioni con artisti locali e nuove costruzioni strumentali. Ne sono nate composizioni originali che mescolano artigianato, minimalismo e sperimentazione sonora. Un lavoro che racconta non solo la storia di un duo, ma anche quella di un modo diverso di intendere la musica: come viaggio, esplorazione e continua reinvenzione.

L'attrice e regista Giulia Odetto, la performer Lidia Luciani e il performer e video artista Daniele Giacometti portano avanti una ricerca che mette in relazione corpo, paesaggio e identità insieme al Collettivo EFFE nato nel 2020 dall’incontro di un gruppo di artisti a Torino.Da questa visione sono nate due opere sorelle: La prima è ‘Io, Montagna’, performance site-specific pensata per spazi naturali, e la seconda è ‘Il mio corpo è (come) un monte’, spettacolo teatrale che porta quelle stesse pietre e quella stessa memoria dentro la scena. Presentati in forma congiunta, i due lavori propongono al pubblico un passaggio dal fuori al dentro, invitando a ripensare la relazione con l’ambiente oltre una prospettiva antropocentrica.Questa ricerca ha segnato anche il loro primo appuntamento internazionale, con la partecipazione al Malta International Arts Festival nel 2025. Giulia ci parla di un debutto oltre confine che ha aperto nuove traiettorie al percorso del collettivo.

Lo spettacolo this could be us nasce da una rivisitazione del classico Giselle, la grande opera; una riscrittura in chiave contemporanea e femminista sulle tematiche del balletto, dove si cerca di ri-semantizzare il protagonismo della donna sulla scena. Elena Grappi e Vittoria Caneva hanno un background simile, entrambe sono insegnanti di Dance Well, entrambe hanno girato l’Italia e l’Europa durante la loro formazione, e cominciano a collaborare a questo progetto grazie alla coreografa Giorgia Lolli. Attraversando scambi di pratiche e co-creazione, l’incontro e la collaborazione di danzatrici italiane e finlandesi all’inizio del 2025 presso la Helsinki University of the Arts ha dato vita a sei restituzioni nella capitale finnica, accompagnate da una particolare attenzione alla drammaturgia della luce, i costumi e il sound design live installativo.

Bruna Di Virgilio è una pianista nata in un paesino sul lago di Como. Si è diplomata in pianoforte e violoncello al conservatorio di Milano, per poi perfezionarsi all’Accademia di Pinerolo e ha studiato pedagogia musicale a Lugano, nel Conservatorio della Svizzera Italiana. Il suo percorso si è arricchito di masterclass e collaborazioni internazionali, partendo dalla musica classica fino a sviluppare un interesse sempre più marcato per il repertorio contemporaneo.Nel 2025 ha preso parte al progetto percept.concept.percept in Slovenia, una residenza che ha riunito giovani compositori e performer da diverse parti del mondo. Dopo una fase preparatoria online, l’esperienza si è concretizzata durante L’ABECEDA Contemporary Music Week nella città di Bled.Qui i partecipanti hanno co-creato opere inedite, sperimentando pratiche multimediali, elettronica dal vivo e prospettive artistiche eterogenee. Per Bruna è stata l’occasione di sospendere il ritmo frenetico del lavoro quotidiano e immergersi in un laboratorio collettivo, denso di esplorazione, ascolto reciproco e possibilità di immaginare nuove forme sonore.

Quando le si chiede se è una danzatrice, tentenna, non crede sia una definizione giusta, completa. Elisa D’Amico si forma ad Arnhem, in Olanda, sì nella danza, ma solo come punto di partenza. Si trasferisce poi a Torino, dove trascorre diversi anni e crea un progetto mirato alla ricerca artistica in toto, dove osserva la danza da più punti di vista.Il suo spettacolo, Anatomia Imaginaria, usa la fantasia, e attraverso la costruzione di un corpo umano reinventato, indaga ciò che, al nostro interno, funziona indipendentemente dalla nostra volontà. A giugno 2025 è stata ospitata a Madrid per una residenza con Emprendo Danza, dove nelle sale del centro coreografico Canal ha lavorato al suo spettacolo, oltre a dei lavori, in due occasioni, con la comunità locale. 

Lorenzo Alberto Barcella è un musicista e compositore nato e cresciuto a Milano. Si è diplomato in chitarra jazz al Conservatorio della sua città, dove ha studiato anche composizione e arrangiamento. Negli anni ha portato avanti una doppia dimensione: da un lato il performer attivo sulla scena jazz milanese, dall’altro il compositore, un ruolo a cui si è dedicato sempre di più, fino a specializzarsi nella musica per il cinema. Le sue colonne sonore sono arrivate anche al Festival di Cannes e gli sono valse diversi premi internazionali. Ad aprile 2025, la sua composizione Mysterious Dance è stata suonata dall’Helix Collective ai Bandrika Studios di Los Angeles, in un concerto organizzato dall’American Society of Music Arrangers and Composers. In quell’occasione Lorenzo, unico autore italiano invitato, ha partecipato anche a un panel pubblico, condividendo la sua esperienza con musicisti e professionisti della scena internazionale.

Nasce per caso, tra le righe di lettere scritte a un fratello, lo spettacolo del collettivo C.A.R.P.A. Tra i vari progetti attivi della compagnia, quest’ultimo si presenta attraverso i volti di 5 giovani attrici: Ragusa Veronica, Caselli Francesca, Pellegrino Gaia, Provenzano Giulia e Lepizzera Flavia. Insieme, leggono e studiano le lettere che Vincent Van Gogh spedì a Theo, e qui emergono cinque figure femminili che lo hanno incrociato, accompagnato, conosciuto, e che aiutano a trasformare l’artista in persona, amico. Nell’estate 2025 lo spettacolo Still Life | natura morta nella testa di un genio è stato ospitato da Fabrica Athens, in Grecia, dove si è approfondito l’aspetto multidisciplinare del lavoro grazie all’esperienza che i membri della compagnia hanno maturato nel campo della scenografia digitale. Uno spettacolo work-in-progress che vuole indagare il ruolo dell'artista nella società odierna, prendendo spunto dalla vita e dalle opere di Van Gogh.

Adriano Bolognino è un coreografo di Napoli che, dopo gli inizi come danzatore, ha scelto presto di dedicarsi alla creazione autoriale. Nel suo percorso ha trovato una compagna artistica e di vita in Rosaria Di Maro, danzatrice che lo accompagna stabilmente nelle sue ricerche e che con lui condivide un linguaggio costruito negli anni di lavoro fianco a fianco.Accanto a loro, le interpreti Laura Dell’Agnese e Cristina Roggerini, che insieme completano il nucleo chiamato a dare forma alla performance Organi, secondo capitolo del progetto intitolato Last movement of hope. Organi è un’indagine coreografica sulla dimensione invisibile del corpo, dove gli organi diventano custodi silenziosi di emozioni e memorie.Il lavoro, selezionato dall’International Spark Place, a giugno 2025 è stato presentato al MODAFE Dance Festival di Seoul, in una residenza che unisce spettacolo, momenti di formazione e dialogo con artisti e studenti locali. Per questo gruppo, un’occasione per espandere la propria ricerca oltre i confini europei e intrecciare nuove relazioni artistiche destinate a lasciare traccia anche nei progetti futuri.

Gaetano Palermo è un artista poliedrico con una propria visione specifica, genuina. Dopo una formazione in filosofia a Bologna, decide di specializzarsi in teatro e arti performative a Venezia, dove parallelamente inizia la sua carriera come performer. Da qualche anno ha avviato un suo percorso autoriale, di cui questo spettacolo, Swan, rappresenta l’ultimo tassello aggiunto. Ispirato al celebre assolo La morte del cigno, la performance agisce nello spazio pubblico, una coreografia dell’inciampo e della caduta, capace di riflettere le contraddizioni dell’odierna società che nell’estate 2025 ha circuitato in Spagna presso luoghi non convenzionali su invito della Red Acieloabierto.

Les Biologistes Marins è il duo formato da Beatrice Miniaci e Anton Gabriel Sconosciuto, due musicisti con percorsi diversi ma complementari: lei flautista classica, formata ad Amsterdam, lui batterista jazz, formato tra L’Italia e l’Olanda. Si sono incontrati nell’improvvisazione, trasformando un bisogno personale di calma e ascolto in un vero e proprio linguaggio condiviso. Da lì è nata una pratica musicale legata all’acqua. Beatrice e Anton usano flauto e percussioni, che uniti al field recording subacqueo creano paesaggi sonori fatti di immagini e memoria dei luoghi. Un’esperienza che ha trovato nuova linfa nella collaborazione con l’artista greco Georgios Kechagias, antropologo e performer legato al butō giapponese, con cui hanno sviluppato il progetto Les Biologistes Anthropologique. Dopo una prima fase di ricerca in Italia, a giugno 2025 il progetto approda in Grecia, tra Atene, Creta e Salonicco, come gesto artistico e politico che porta in scena le narrazioni sommerse degli ecosistemi acquatici e dei corpi che li abitano.

Il teatro come contenitore di varie esperienze artistiche, luogo d’incontro, comunione d’intenti. Così si sono conosciute Ilaria Weiss e Ilaria Salvagno, due ragazze con background artistici differenti, ma che si sono trovate in sintonia, con l’obiettivo comune di trasformare l’arte in un atto politico e sociale. Il loro spettacolo, ELLA, composto da teatro di danza e teatro fisico, è stato ospite di una residenza a Barcellona nell’estate 2025. Il progetto si articola in due momenti: da una parte il lavoro di ricerca artistica delle due performer nell’esplorazione del corpo femminile come strumento di liberazione e autodeterminazione, dall’altra il lavoro laboratoriale assieme ad un gruppo di donne non professioniste, dove il linguaggio del teatro, della danza e della scrittura creativa vanno ad esplorare le tematiche di genere, le loro esperienze e i loro pensieri.

H[T] Duo nasce dall’incontro tra Pier Paolo Dinapoli, chitarrista classico con una lunga esperienza nella musica contemporanea, e Matteo Tundo, musicista e compositore con un percorso che attraversa la chitarra jazz, l’elettronica. Dopo una prima collaborazione nel 2019, il loro dialogo artistico si è trasformato in un vero e proprio progetto condiviso, che porta sul palco la chitarra – sia classica che elettrica – in costante relazione con l’elettronica. Il nome H[T] richiama la funzione di trasferimento, usata nell’analisi dei sistemi per passare dal dominio del tempo a quello della frequenza: una metafora perfetta per il loro lavoro, che unisce il lato acustico e quello digitale come due prospettive diverse di uno stesso sistema sonoro. Con questo approccio hanno sviluppato Terre Rare, progetto discografico e performativo pubblicato da Stradivarius, e presentato in Germania al festival internazionale Out of the Ordinary.

Lo spettacolo NUNC nasce dalla volontà di sradicare delle convinzioni, offrendo a un pubblico eterogeneo una performance senza parole, dove si percepisce l’assenza di luce e una particolare interazione tra palco e spettatori. Claudia Maria Manuelli e Paolo Tosin si formano all’Accademia teatrale di Venezia, lavorano a stretto contatto su diversi progetti, fino ad entrare a far parte della compagnia BRAT, con cui, appunto, creano questa rappresentazione.Ospite del festival internazionale di teatro di figura PESTA BONEKA, a Yogyakarta in Indonesia a fine 2024, lo spettacolo è incentrato sul contrasto tra il tempo naturale e quello tecnologico, e invita il pubblico a riflettere sulle dinamiche ambientali, sociali e umane in modo accessibile, poetico e ironico.

Martina Camani è un’artista visiva e performer, originaria del Veneto. La sua ricerca nasce dall’incrocio tra arti visive, teatro e danza, e si è sviluppata nel tempo in dialogo con la performance e la musica. I suoi interessi spaziano dagli studi postumani agli Animal Studies, con un’attenzione particolare ai linguaggi delle specie animali e alle loro possibili traduzioni nel corpo e nella scena. Negli ultimi anni ha dato vita a progetti che intrecciano installazione, costume, ricamo e pratiche performative, con una componente sonora affidata spesso alla collaborazione con sound artist. Dal 2024 è cofondatrice del collettivo FALIVE, che lavora sull’improvvisazione somatica ed elettroacustica, in un processo creativo condiviso.Nel 2025 Martina ha preso parte al Postnatural Independent Program dell’Institute for Postnatural Studies di Madrid. Qui ha portato avanti una ricerca che unisce improvvisazione corporea, suono e riflessione teorica, confrontandosi con studiosi e artisti internazionali e presentando i risultati in un podcast collettivo come esito finale del percorso.

Quando inizia davvero una guerra? Questa è la domanda a cui, dal 2020, tenta di trovare una risposta la performance The Book of the New Words, del collettivo Also Know As, formato da Simone Corso e Jòvana Malinaric. Un viaggio cominciato in risposta alla solitudine forzata della pandemia, che si è poi propagato e ha continuato a crescere, anche grazie all’inserimento di varie collaborazioni con artisti e organizzazioni di vari paesi. Un percorso tra Italia, Bosnia, Siria e Croazia, alla ricerca della risposta il cui peso appare sulle bocche dei personaggi dello spettacolo; un viaggio che nel 2025 è approdato a Zagabria su invito di Yelo production, in un dialogo che comprende prosa, teatro documentaristico e un’installazione d’arte, sempre con lo scopo di indagare la guerra e i suoi lasciti.

Luca Lovisetto viene da Bologna e ha sempre intrecciato la musica con i luoghi e le comunità che lo circondano. Da bambino inizia con il pianoforte, poi scopre la chitarra, fa le sue prime esperienze con varie band, fino all’avventura di *Baseball Gregg*, il progetto che ancora oggi lo porta a suonare sui palchi di Italia e Stati Uniti. Accanto all’attività da musicista, Luca si muove anche dietro le quinte: ha lavorato in radio, come giornalista, organizzatore di eventi, e oggi anima Bottega Studio a Sasso Marconi, uno spazio che è insieme laboratorio di produzione, residenza artistica e punto di incontro per musicisti. Con questo bagaglio, nel 2025 ha partecipato al Soft Gut Song Camp in Irlanda del Nord, un songwriting camp internazionale che riunisce autori e produttori da tutto il mondo, con il sostegno della Irish Music Rights Organisation. Qui Luca ha potuto confrontarsi con culture musicali diverse, condividere processi creativi e sviluppare nuove collaborazioni, portando avanti la sua ricerca che unisce artigianato sonoro, sperimentazione e comunità.

Nata a Livorno, con base a Cagliari e un piede sempre a Roma, Giulia Cannas è una performer che danza, crea e interpreta. La sua preparazione l’ha portata a fare diverse esperienze in molte città, e proprio durante questo percorso ha cominciato a sviluppare, insieme alla collega Donatella Martina Cabras, il tema della Chiamata in tutte le sue sfumature. Uno spettacolo che vuole analizzare il rapporto tra pubblico e perfomer, uno spettacolo che crea domande e vuole far riflettere, e la cui base è stata creata proprio nella residenza di San Vincenti, in Croazia, dove le due hanno lavorato sul materiale fisico e vocale, il perfezionamento delle luci e quello della drammaturgia, condividendo una restituzione finale insieme ai 160 abitanti del piccolo paese.

L’improvvisazione, l’avventura, l’esplorazione delle note nel momento stesso in cui lasciano gli strumenti. Francesca Naibo si rivede in questo e molto altro. Chitarrista con un percorso ricco e vario, si avvicina a questo strumento attraverso gli studi in conservatorio, stampo classico, per poi innamorarsi però della musica contemporanea, che la spinge verso la chitarra elettrica e la fa appassionare all’improvvisazione. Grazie ai suoni espansi del suo strumento, al suo potenziale sonoro ampio e creativo, esplora la musica nel momento in cui nasce, portando avanti una ricerca personale che la stimola sia a livello solista che di improvvisazioni con qualunque altro strumentista. Nella sua esperienza australiana, infatti, tra Melbourne e Sydney, alterna il lancio del suo album a delle collaborazioni con musicisti australiani, oltre ad una masterclass al Conservatorio di Melbourne.

Di certo c’è solo la morte. In queste parole troviamo il presupposto da cui è nata la performance Don’t worry, I really like it, scritta e interpretata dalla danzatrice Giorgia Lolli. Se l’unica certezza che abbiamo è la morte, cosa ci resta nel frattempo? La risposta sta nel corpo, nella materia che ci accomuna come esseri viventi: carne ed ossa, nient’altro. Giorgia ha lavorato a questo progetto durante il primo semestre del master in coreografia all’università di helsinki. L’esperienza come coreografa comincia nel 2020, ma il suo percorso di danzatrice parte molto prima, a Reggio Emilia, dov’è cominciata la sua formazione prima nella danza classica poi in quella contemporanea, che l’ha portata a studiare in Svizzera e Israele, per poi iniziare una carriera professionale come performer.Don’t worry, i really like it è stata la sua prima performance a solo. Portare in scena nient'altro che sé stessa la spaventava, ma è proprio dalla paura iniziale che è nata la riflessione sul corpo, su cosa lo muove e sul rapporto che tutti noi abbiamo con la fisicità.

Il nome del quartiere reggiano Buco del Signore deriva da un vecchio mulino rinascimentale. Lo stesso quartiere, poi, è servito da ispirazione per la Compagnia del Buco, che invece, al momento, si occupa di porte. Luca Macca e Simone Vaccari si sono incontrati nel 2015, durante un corso di circo, e da lì poi non si sono più fermati, dal debutto a 17 anni fino alla residenza dello scorso maggio in Portogallo. Il loro spettacolo di circo contemporaneo e clown, chiamato Doors, dopo aver vinto i Mirabilia Awards del 2023, è stato selezionato per partecipare alla XXIII edizione del festival internazionale di teatro di strada Imaginarius, a Santa Maria de Feira. In mezzo a 42 compagnie da tutta Europa, tavole rotonde dove presentare i propri lavori, direttori artistici e operatori culturali, Luca ci racconta di questa loro prima esperienza internazionale.

Una stanza con le pareti rosse, piena di libri e nient’altro. Una stanza per leggere, sognare e scrivere. In una stanza così, Paolo Panizza ha scritto i suoi primi spettacoli come drammaturgo ed è proprio da quel luogo che è nata l’idea per la sua compagnia teatrale, che non a caso si chiama La Camera Rossa. Paolo oltre che drammaturgo è attore e regista, con alle spalle esperienze di studio a New York, Milano e Tallinn. Ha lavorato per il teatro, per il cinema, ma anche per la pubblicità. Frequentando ambienti diversi ed esplorando l’arte performativa in molte delle sue forme, ha conosciuto le persone che ad oggi compongono La Camera Rossa. Insieme a Marica Mastromarino, Ijacopo Cenn, Giacomo Toccaceli e Simone Tudda, nel 2022 hanno portato in scena la performance intitolata Ratti - Talent show per un'apocalisse con finale spettacolare. La lavorazione di questo progetto però non è finita lì: nei mesi successivi la compagnia ha arricchito lo spettacolo integrandolo con le esperienze personali dei suoi membri, smontandolo e ricostruendolo in modo che tutti loro potessero farlo proprio. È l’approccio del devising theatre, ed è quello che La Camera Rossa ha usato durante la residenza artistica nello spazio Nau Ìvanow, a Barcellona, dove nel 2024 si è concluso lo sviluppo del loro progetto.

Nunzia Picciallo è una di quelle artiste a tutto tondo. Dopo aver approcciato la danza a Roma, a vent’anni si trasferisce a Tel-Aviv, dove rimane per sei anni, amplia e continua i suoi studi, collaborando anche con altri artisti, approfondisce il GAGA movement language, diventando insegnante certificata e inizia a curare la parte visual e sonora degli spettacoli. Con la sua performance WAMI crea uno spazio sicuro, un’anima, un’esperienza ibrida e inclusiva per rivelare una forma non stereotipata. Viene invitata a esibirsi a Taiwan e in Giappone, ospite di diverse istituzioni, dove sarà inoltre direttamente coinvolta con gli artisti della comunità locale, conducendo master class sulla danza.

Il tema del rituale torna a far dialogare due zone del Mediterraneo storicamente legate, l’Italia e la penisola ellenica. Lo spettacolo teatrale Corpora nasce ufficialmente nel 2022, anche se i semi erano ben presenti da chissà quanto. L’omonima compagnia under35 affiora dalle menti di Giulia Sangiorgio, regista, Eliana Rotella, drammaturga, e Chiara Donadoni, organizzatrice, a cui poi si sono aggiunti Andrea Centonza e Caterina Gruden. Lo spettacolo debutta a Bari nel 2022, per poi essere notato dall’attore e traduttore greco Papavasiliu. Giulia Sangiorgio ci racconta del percorso partito da qui, di cosa ha provato nel seguire una lettura del proprio spettacolo in una lingua sconosciuta, delle facce del pubblico ateniese, del taglia e cuci per adattare perfettamente ogni paragrafo alla persona destinata a leggerlo, e di come Corpora parli di rituali, di celebrazioni collettive, di quel momento dedicato al pensiero.

L’esperienza musicale della maggior parte di noi è fatta di un ascolto frontale, di solito in cuffia, di suoni appiattiti in modo da poter essere apprezzati senza sforzo. In questo modo perdiamo la ricchezza dell’esperienza sonora, che in realtà sperimentiamo ogni giorno, proprio nei momenti in cui crediamo di non ascoltare nulla in particolare. Il movimento del suono in ambienti diversi, il modo in cui interagisce con lo spazio, gli oggetti, e i corpi, è l’argomento della ricerca di Luca Gallio e Chiara Cecconello. Loro sono due musicisti di formazione classica. Entrambi hanno studiato al conservatorio, ma quello che li ha spinti a lavorare insieme è stato il desiderio di esplorare modi non canonici di fare musica. Così si sono interessati alle arti performative, e dopo aver concluso la loro formazione allo IUAV di Venezia, hanno iniziato la loro ricerca artistica. Il risultato di questo percorso è As Water Touches Ears, una performance che attraverso suoni emersi e sommersi invita l’ascoltatore a ricercare il confine tra udibile e inudibile.

Una storia punk collettiva dei nostri corpi incasinati, così recita il sottotitolo di Miss SBarbie, il progetto creato dall’artista circense e autrice Morgana Morandi. Bolognese, si innamora del circo senza saperlo, a uno dei pochi spettacoli di tendoni in città, un po’ casualmente. Quello che sa, invece, è che le piace usare, le piace lavorare con il proprio corpo. Dopo tredici anni di ginnastica ritmica, una laurea in psicologia e un’esperienza al teatro di danza Kataklò di Milano, approda alla Flic di Torino. Si apre un mondo, che però si richiude subito per via della pandemia. Uno spazio vuoto, lento, con le sue difficoltà, dove però Morgana raccoglie le idee e dà vita a Miss SBarbie: uno spettacolo un po’ punk, un po’ politico, molto energetico, che coinvolge tutti i corpi presenti in sala, sia quelli in carne che quelli di plastica. Nella sua residenza in Belgio, Morgana crea un universo che prende vita, evolve e mira a  cambiare chiunque lo incontri.

Valerio Leoni e Sofia Guidi hanno studiato entrambi teatro a Roma. Le loro strade poi si sono separate, salvo rincontrarsi nel 2016 per uno spettacolo al quale hanno partecipato da attori. Spinti dal desiderio di esplorare il mondo del teatro al di fuori dell’ambiente italiano, nel 2017 sono partiti insieme per il Grotowski Institute a Wrocław, in Polonia. Qui hanno studiato per diversi mesi, prima di partire per il Nordisk Teaterlaboratorium di Holstebro, in Danimarca, dove è proseguita la loro formazione. Durante questa seconda tappa si sono create le connessioni, i rapporti e le amicizie che hanno spinto Sofia e Valerio, una volta tornati a Roma, a fondare il Centro Labirion Officine Trasversali. L’idea è stata quella di un luogo di ricerca in campo teatrale, dove chi vuole formarsi ma non può viaggiare ha l’occasione di incontrare i maestri che Valerio e Sofia hanno conosciuto all’estero e di partecipare ai loro laboratori. A oggi il centro ha una sua compagnia stabile, diverse collaborazioni all’attivo con altri centri fuori dall’Italia, e ha da poco presentato il nuovo spettacolo Gassa d’Amante al Holstebro Festuge, l’evento che celebra i 750 anni dalla fondazione della città danese di Holstebro.

La danza è sempre stata presente. Questo vale sia per Josè Limón che per Elettra. Il primo, messicano che emigrò negli Stati Uniti negli anni “20, rivoluzionò il panorama della danza moderna. La seconda, un centinaio d’anni dopo, ne sta apprendendo i movimenti, anche grazie a una residenza a New York lo scorso giugno, proprio alla Limón Dance Foundation. Oltre ad aver terminato un percorso accademico in giurisprudenza, Elettra non ha mai smesso di seguire la sua passione per la danza. Dopo essersi avvicinata alla tecnica del messicano durante la pandemia, si laurea all’Accademia Nazionale di Danza, continua ad allenarsi a Roma, avvia un progetto di ricerca personale parallelamente a un lavoro come insegnante, e proprio in quest’ottica nasce l’idea di partecipare al Summer Dance Intensive 2024: cinque giornate di studio sul repertorio di Josè Limón, attraverso la collaborazione con esperti del settore, insegnanti e il direttore artistico Dante Puleio.

Le esperienze che facciamo cambiano il modo in cui vediamo il mondo. A seconda del nostro vissuto vivremo in modo diverso le passioni, le relazioni, anche il lavoro. In questo gli artisti non fanno eccezione. Non è un caso che per spiegare un’opera d’arte spesso si finisce per ricorrere alla biografia del suo autore. Nei lavori di Milena Rossignoli c’è l’esempio perfetto di tutto ciò. Milena si è avvicinata all’arte molto presto e la sua produzione si è da sempre intrecciata con gli eventi della sua vita. È così è nato Ripetere/Curvare/Coincidere, il suo ultimo lavoro di ricerca artistica. Il progetto unisce la passione di Milena per l’aikido al suo interesse per la scultura, esplorando il ruolo del corpo durante il processo scultoreo e rompendo così l’idea di scultura come pratica solitaria che può produrre solo oggetti pesanti e statici.

All’inizio, forse, era solo un divertimento: da piccola, i balli da salone, la possibilità di esprimersi attraverso il corpo. Poi, nonostante le competizioni vinte, gli interessi cambiano, evolvono, e Miriana Nardelli si avvicina pian piano al circo. Si muove tra Bilbao, Valencia, Minorca e Barcellona, e qui frequenta una scuola circense, prima di approdare alla Flic di Torino, dove finisce anche per insegnare. Antropologa e linguista, Miriana però non si accontenta, e decide di abbandonare una vita stabile per dedicarsi in toto al circo. Direttrice artistica dell’Euforia Circus Festival di Trento, nel 2023 avvia un percorso a Buenos Aires, in collaborazione con il Proyecto Eureka, dove si concentra sulla sperimentazione, composizione, scenografia e scrittura del suo spettacolo Dama-Koke.

Raccontare il presente attraverso gli oggetti della nostra quotidianità. Unire l’impegno civico alla sperimentazione teatrale. È quello che Hombre Collettivo prova a fare nei suoi spettacoli. I sei membri del gruppo si conoscono nel 2019 a Piacenza, durante un corso sul teatro di figura chiamato Animateria. Da lì cominciano a lavorare insieme, e nel 2020 vincono il premio scenario infanzia con il loro primo spettacolo, intitolato casa nostra. Dopo l’esordio, il collettivo inizia a sviluppare una nuova performance a partire dal tema del mercato degli armamenti, che per motivi diversi tocca tutti i membri del gruppo. Nasce così Alle Armi, lo spettacolo che porta Hombre Collettivo a partecipare nel 2024 al Festival Internazionale del Teatro di Kerala, in India.

Un’esperienza fatta un po’ per caso, una di quelle dove ci si finisce buttandosi e lasciandosi andare, dove si uniscono l’istinto e un pizzico d’innocenza, che non fa mai male. Una di quest’esperienze, in particolare, è successa a Vilnius, capitala lituana, dove Francesca Fantini, sassofonista e performer dell’ambito musicale, durante un erasmus ha incontrato i due ragazzi con cui avrebbe poi formato il progetto Airkeychains, che mira a celebrare l’autenticità dell’improvvisazione musicale, catturando l’emotività del momento presente, e creando dialoghi oltre la quarta parete, dove anche il pubblico gioca il suo ruolo. Il trio, lo scorso marzo, si è esibito su e giù per l’Olanda, dove grazie alla collaborazione con il Conservatorio di Maastricht, ha avuto la possibilità d’improvvisare in studi privati, birrerie e gallerie d’arte.

Le strade di Milena, Deborah ed Eiden si incrociano a Roma, durante un corso tenuto dalla compagnia Atacama. Le tre danzatrici vengono da luoghi diversi: Milena è nata a Milano, Deborah è cresciuta nel Salento mentre Eiden viene da Nashville, nel sud-est degli Stati Uniti. Hanno in comune un background di studi in danza contemporanea, e quando si conoscono scoprono di avere una visione comune su questa disciplina. Decidono così di rimanere a Roma per una residenza artistica autogestita, negli spazi del centro La Scatola dell'Arte. Qui muovono i primi passi nel lavoro di ricerca sul tema della cura, in uno scambio che dura qualche mese e che si conclude con la nascita del collettivo Dogs Eat Wind. Il loro percorso prosegue con una residenza artistica a Nashville, organizzata da Animata Arts. Il collettivo si allarga, coinvolgendo un'altra danzatrice e due musicisti, e il lavoro di ricerca iniziato a Roma culmina nello spettacolo Help Up, Help Down: una performance che parla di cura attraverso le storie personali, le memorie e i sogni dei suoi interpreti.

Quando inizia davvero una guerra? Questa è la domanda con cui si presenta la performance The Book of the New Words del collettivo Also Know As. Un viaggio tra Italia, Bosnia, Siria e Croazia, alla ricerca della risposta il cui peso appare sulle bocche dei personaggi dello spettacolo. Simone Corso, autore e performance maker, e Jovana Malinaric, drammaturga e ricercatrice, lavorano insieme dal 2020, spesso in collaborazione con diversi altri artisti. Per questo progetto, nello specifico, si è unita a loro l’attrice Giuditta Pascucci. Durante la loro residenza in Bosnia & Herzegovina, ospitati dal Sarajevo War Theatre, ha preso piede una rievocazione del materiale a cui si ispira lo spettacolo, in un dialogo che comprende teatro di prosa, teatro documentaristico e un’installazione d’arte, in un’indagine sulla guerra e sui lasciti che ne ritroviamo.

Il mondo asiatico le ispira, da quello digitale traggono i propri temi. Parini Secondo è un collettivo emiliano-romagnolo composto da Martina Piazzi, Sissj Bassani, Francesca Pizzagalli e Camilla Neri; quattro amiche che nel 2017 trovano la sintonia per mettersi insieme ed esprimere la propria creatività attraverso il movimento e la danza. La loro è una ricerca sulla copia, tutti i loro progetti hanno come tema portante il mondo digitale, da cui attingono fenomeni che integrano, in seguito, nelle proprie coreografie. Grazie all’incontro con la direzione artistica del Want to Dance Festival e la collaborazione con il Shinehouse Theatre di Taipei, lo scorso aprile hanno avuto l’occasione di presentare due dei loro spettacoli a Taiwan; Martina e Sissj ci raccontano questa residenza di due settimane, composta da conferenze, incontri, laboratori, processioni inaspettate e teatri surreali.

Da bambino Alessandro sognava di fare il cantante. Gli sarebbe piaciuto anche diventare un calciatore, o addirittura un archeologo, ma prima del liceo non avrebbe mai immaginato che un giorno avrebbe lavorato col teatro. Poi ha conosciuto un professore, in un corso di Storia del Teatro e del Cinema. Partecipando a un suo laboratorio ha avuto la folgorazione. Dalla provincia di Latina alla Spagna, passando per Roma e Torino, Alessandro Balestrieri si è formato partendo dalla pratica, collaborando con compagnie teatrali dove ha imparato a prendersi cura di tutti gli aspetti di uno spettacolo: costumi, scenografia, organizzazione e, ovviamente, recitazione. Tutto questo lo ha reso l’artista che è oggi, dandogli una visione ben definita di quale può essere lo scopo del teatro nel mondo contemporaneo.

Rites, di Pasquale Calò, non è più una ricerca musicale. Negli ultimi dieci anni si è trasformata infatti in uno studio antropologico che attraversa riti e culture di tutto il mondo, un percorso folle, un lavoro filologico che vede nel rituale la contestazione del presente, una custodia dei segreti dell’uomo dove improvvisazione e deriva sovrastano un territorio in cui vale tutto, uno spazio-tempo dove le leggi non esistono e l’unico limite rimane il rito stesso.

Il mondo te l’ha insegnata, così la tua bellezza divenne sua. È una frase tratta dalla poesia Marilyn, dedicata alla diva americana da Pasolini, e a cui si ispira il titolo della composizione di Giovanni Montiani, un progetto che mira a fondere diversi tipi d’arte e tecnologie, in uno spettacolo immersivo fatto di ampi spazi, sassofono, liquidi vibranti e cuffie a conduzione ossea. La performance ha continuato a crescere nella sua residenza artistica al GMEM di Marsiglia, dove dalla sinergia tra musica classica ed elettronica, nasce un’esperienza rivoluzionaria.

Dalla musica classica al jazz, dall’elettronica alla musica tradizionale, Elisa Massara – in arte ELASI – è un’artista che si definisce proprio nella varietà del suo repertorio. Per lei esplorare il mondo è la premessa necessaria per riuscire a creare nuovi microcosmi musicali in cui potersi esprimere. Con questo obiettivo, nel 2023 è stata a Shkoder, in Albania. Lì ha approfondito le sonorità del luogo, che uniscono la tradizione occidentale a quella medio-orientale, per poi arricchirle con strumenti digitali in un mix inedito da cui sono nati 4 brani originali.

Dalla provincia modenese all’esibizione di danza al Festival Italica, che ogni anno conquista il palco di Siviglia. In mezzo, Alice Leoni ha avuto esperienze formative in diverse parti del mondo, come Olanda o New York, tra audizioni, studi neoclassici, partnering e tanta pratica, in un percorso che, oltre a portarla su palchi internazionali accompagnata dai migliori coreografi, l’ha spronata a buttarsi, preparandola al transito verso una vita da ballerina.

La danza è una disciplina sfaccettata, che assorbe influenze da diversi ambiti artistici. Gregorio Dragoni ne è il perfetto esempio. Di mestiere fa il ballerino, ma i suoi interessi nel mondo dell’arte spaziano dalla musica al disegno. Sin da piccolo si è approcciato a forme espressive molto lontane tra di loro, mantenendo l’approccio istintivo che lo contraddistingue. Il suo sogno è quello di fondere insieme queste discipline e arrivare a creare, un giorno, qualcosa di bello che possa contenerle tutte.

Il percorso di Giovanni Concato nel mondo circense parte da un vecchio festival di castagne, un’esibizione nel vicentino con un amico, anni fa, molto tempo prima di arrivare, lo scorso giugno, alla fase conclusiva del Professional Circus Arts Course, in Portogallo; al centro, degli studi di scienze politiche in Canada, tanto autostop in Sud America, l’energia che si arrampica lungo la corda molle e un finale che sa d’inizio.

La storia di un artista spesso parte con un innamoramento, ci si avvicina all’arte perché se n’è attratti, a volte in modo incontrollabile. Altre volte però tutto comincia con una rottura. Giulia Romitelli ha incontrato la danza quando era ancora una ginnasta, scoprendo così una disciplina meno rigida, più fluida, che lascia spazio alla passione e al sentimento più che alla competizione sportiva. Da allora ha abbandonato la ginnastica per dedicarsi danza, arrivando quest’anno a debuttare in Francia col suo spettacolo intitolato Textere.

Ludovica e Alberto, due dei cinque componenti di Les Muostaches -una compagnia teatrale under 30 con sede in provincia di Bergamo-, hanno presentato nell’ambito del Festival d’Avignone Off il loro spettacolo: L’Ombra lunga del nano. La particolarità della storia, che rende possibile la messa in scena solo a teatro, sta nell’uso dell’ombra come se fosse un vero e proprio personaggio.