Entre Otras Cosas

“La sinfónica de Chicago es tal vez la orquesta estadounidense que ha sabido construir un sonido más particular e inconfundible entre las orquestas estadounidenses; un sonido que se basa mayormente en la potencia, en la brillantez, y en la belleza de su sección de viento metal”, según dice el periodista y cineasta español Juan Lucas Seg2 y que esta disfrutaba, con los llamados bailes de cuna; donde se mesclaban diversos estratos y grupos sociales. Inclusive en los inicios de la república cubana, se llegó a utilizar la conga como elemento de propaganda política, empleada por los candidatos en el período pre-electoral para mover a las masas tras sus ritmos y cantos, en los que se propugnaba su triunfo. ?, y se hizo más evidente su interés por los ritmos y los estilos de la música popular. aunque desde niño había tenido una fuerte contacto con la música de los bailes típicos regionales mexicanos, y después con el jazz, se dedicó entonces a fusionar la música popular mexicana y latinoamericana, con la música académica. Esta síntesis resulto perfecta. Pero si queremos hacer un viaje sobre la influencia africana en la música de América, indudablemente hay que hablar de los Lukumí. La palabra Lukumí es un termino aplicado tradicionalmente a los esclavos procedentes de la zona yoruba en Nigeria, en áfrica. Estos esclavos eran vendidos por los españoles y los portugueses, que los llamaron de esta manera. Pero más tarde la palabra Lukumí pasó a denominar una religión sincrética de Cuba. La religión lukumí tiene sus orígenes en la tribu yoruba; a través de la trata de esclavos, fue introducida en el hemisferio occidental y en algunos países se mescló con la religión católica Esta religión fue y es muy querida por los cubanos dentro y fuera de Cuba. Con sus misterios y sus hechizos, hacen revitalizar la salud, el bienestar, el desarrollo espiritual, y el desenvolvimiento de sus creyentes. Los que hablan Lukumí en Matanzas y otras partes de Cuba, lo hacen de forma muy parecida a como lo hablaría un Yoruba, y pueden comunicarse con personas que hablan yoruba nacidos en Nigeria sin ningún problema. Lo que vamos a escuchar ahora es un canto popular yoruba, que se lama “Obachule”, y rememora aparentemente la vida de un esclavo negro con gran capacidad para la musica, que según ellos, hacía curas milagrosas Seg 4 Estamos escuchando un son, que es el típico ritmo tradicional cubano, pero con un saludo a Changó; donde tambien hacen referencia a los Lukumí. En el sincretismo afro-católico de Cuba, Changó está representado por Santa Barbara. Changó quizás sea el más popular de los Orishas (divinidades Yorubas); gobierna los relámpagos, los truenos, el fuego, los tambores, y la danza. Changó es un osha, un guerrero; el rey de la regla de de osha, y como ya dijimos anteriormente, es de los mas populares de su panteón. Y esta en el grupo de los Oshas de cabecera. Orisha de la justicia, la danza la fuerza viril, y el fuego dueño de los tambores Batá (tambores doble parche, tallado en madera con forma de reloj de arena con un cono más largo que el otro).Changó fue enviado con su hermano gemelo Olodumare, para limpiar la sociedad y el pueblo siguiera nuevamente una vida limpia, y las enseñanzas de ese dios único

en este segmento la lectora Sara labarca comenta el libro Los Orishas en Cuba. este libro lo compramos en Cuba en 1993, era un periodo bastante duro para los cubanos; porque en esa epoca estaba en auge llamado "periodo especial". durante el periodo especial una de las cosas que ocurrió fue la liberación de las profesiones: una de estas profesiones fue la de Librero, y en una venta de libros usados conseguimos este libro que no tenia mucho tiempo de haberse editado. los Orishas en Cuba, es un libro de natalia Bolivar Aroztegui. el ejemplar esta editado en un papel sin mucho lujo, pero de forma muy legible y tiene un empastdo (apesar de que fue editado en ese tiempo de carencias y restricciones en cuba). dice el libro sobre su autora: "Natalia Bolivar Aroztegui se ha sumergido en el terreno siempre tentador de la santeria o regla de Osha, para surgir con un vademecum, que sirve tanto al neofito como al conocedor de los secretos poco conocidos de la religión Afrocubana, la catolización de sus deidades un vocabulario comentado, una detallada descripción de ofrendas, bailes, yerbas, ropas, trascendiendo todo una mirada al aporte africano al rico mosaico Cultural de Cuba; su mestisaje, y su idiosincracia peculiarisima . este es el primer libro de la autora, quien tiene otros trabajos ineditos al respecto. sus investigaciones estan calzadas con un persistente trabajo entre informantes babalaos, sus archivos, y una cuidadosa confrontacion de fuentes, para alcanzar el maximo de rigor en una disciplina que todavia ofrece enormes espacios desconocidos". esta edicion Cubana hecha por Ediciones unión, de la Union de escritores y artistas de Cuba. es una edición de Reynaldo Gonzalez. en la presentacion del libro Gonzalez hace algunas explicaciones que les haran comprender lo importante de Leer este libro para todas las perosnas ; porque es un tema delicado el de las religiones. toda esa controversia que hay y que ha causado guerras icluso a lo largo de toda la historia de la humanidad, porque una es considerada la verdadera y gonzales al principio del libro se centra encomo se integraron estas dos religiones la Yoruba y la catolica, y que tiene caracteristicas propias. dice Gonzalez: "en Cuba no es raro escuchar que los hijos de determinados orishas fieles tienen en su personalidad caracteristicas predeterminadas; como un fatum del que no pueden ni quieren escapar. tambien aceptan que por seguir los dictados de sus padres, no deben comer algunos alimentos o usaran ropas y prendas peculiariares que los identifiquen. y/o que llevandolas constituyen un permanente saludo a su deidad protectora. reconocerlos de esta manera, es una de las mas eficases tentaciones para asomarnos al complicado mundo de las creencias afrocubanas, y tratar de conocerlas. asi apreciaremos mas a quienes las practican".

Con este bien conocido tema, nos vamos a Venezuela. El curruchá es un joropo muy popular en Venezuela,compuesto por Juan Bautista Plaza, y letra de Vicente Emilio Sojo.luego de su estreno en el año 1928, este Joropo alcanzó una gran popularidad que todavía perdura. Su autor Juan Bautista Plaza, nació en caracas, el 19 de junio de 1898, falleció en caracas el 1 de enero de 1965. En 1916, al finalizar la educación secundaria, comenzó a estudiar teoría de la música; aunque no se dedicó inicialmente a ella, ya que primero cursó un año de la carrera de Derecho y dos de la de medicina.1 En 1920 se fue a estudiar al Instituto Superior de Música Sagrada de Roma y, en 1923, obtuvo el título de profesor de composición de música sacra. Tras su regreso a Venezuela fue nombrado Maestro de Capilla de la catedral de Caracas, cargo que ejerció hasta 1948. Enseñó historia de la música en la Escuela Superior de Música de Caracas, donde conoció al compositor Antonio Lauro y la cantante Morella Muñoz. Algunas de sus obras más relevantes son El picacho abrupto, Poema Sinfónico, Cantata de Navidad, Las campanas de Pascua, Las horas, La fuente abandonada, para soprano y orquesta, Poema lírico Vigilia, Fuga criolla y Fuga romántica, Elegía para orquesta y timbal y Elegía para corno inglés y cuarteto de arcos. Entre sus composiciones de música sacra se encuentran Misa en fa, Misa de la esperanza y Requiem a la memoria de su madre. El curruchá ha sido grabado en muchas versiones, e interpretado por muchos cantantes e instrumentistas; como el quinteto contrapunto, Jesus Sevillano, el Flautista Huascar Barradas, el grupo la arpeggiatta, y por supuesto el ensamble Bolivar Soloist. Bolívar Soloists se forma en Londres en el año 2003 y realiza su primer concierto en el ”Bolívar Hall“ de la embajada de Venezuela en Londres. El ensamble, que tiene como eje artístico la música de cámara latinoamericana, interpreta un repertorio que está lleno de ritmos exóticos y formas musicales originales que reflejan la mezcla de razas y culturas presente en Latinoamérica. Este repertorio pone en relieve la fantástica fuente de material encontrada en la música popular latinoamericana. Ahora camos a escuchar otra versión de este mismo Tema: la del tenor venezolano Jesus Sevillano. Nació en caracas, en la parroquia San José, el 8 de septiembre de 1932. ha demostrado a lo largo de su trayectoria de vida que el arte y la ciencia pueden conjugarse para acompañar y complementar la existencia de una persona, ya que estudió medicina en la universidad central de Venezuela, pero sus estudios interrumpieron por la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, culminándolos en la Universidad de Salamanca, España, donde se graduó en 1960, desempeñándose luego como Interno de Cirugía Sala de Mujeres del Hospital Central de Salamanca y después Interno de Medicina Interna del Hospital de Valladolid; al retornar a Venezuela revalidó su título de médico en la UCV en 1962, ese mismo año integra el quinteto contrapunto junto con Aída Navarro, Morella Muñoz y Otilia Rodríguez(mezzo-sopranos), , Rafael Suárez (barítono, director, arreglista e intérprete del cuatro venezolano) y Domingo Mendoza (bajo), el quinteto contrapunto, grupo en el que permaneció hasta su disolución en 1971, debido a la muerte de su fundador; Rafael Suarez

Toda esta cultura Lukumí, fue modelando la música de Cuba. Estamos escuchando un son, que es el típico ritmo tradicional cubano, pero con un saludo a Changó; donde tambien hacen referencia a los Lukumí. En el sincretismo afro-católico de Cuba, Changó está representado por Santa Barbara. Changó quizás sea el más popular de los Orishas (divinidades Yorubas); gobierna los relámpagos, los truenos, el fuego, los tambores, y la danza. Changó es un osha, un guerrero; el rey de la regla de de osha, y como ya dijimos anteriormente, es de los mas populares de su panteón. Y esta en el grupo de los Oshas de cabecera. Orisha de la justicia, la danza la fuerza viril, y el fuego dueño de los tambores Batá (tambores doble parche, tallado en madera con forma de reloj de arena con un cono más largo que el otro).Changó fue enviado con su hermano gemelo Olodumare, para limpiar la sociedad y el pueblo siguiera nuevamente una vida limpia, y las enseñanzas de ese dios único. La interpretación que estamos escuchando como ya mencione es el duo los compadres. Este duo surgió durante una presentación en Santiago de cuba en 1949 cuando Lorenzo Hierrezuelo se vio en la obligación de sustituir a María Teresa Vera y para ello buscó a Francisco Repilado, con quien había trabajado ya en el «Cuarteto Hatuey» a finales de los años treinta, y que como muchos recordaran sería conocido mas tarde como Compay Segundo; ya que hacia la segunda voz de este duo. Lorenzo Hierrezuelo obviamente era Compay Primo, y aunque las presentaciones se reforzaban con un Bongó, contrabajo, y guiro. En 1953, Compay Segundo sería sustituido por Reynaldo Hierrezuelo, conocido como Rey Caney y hermano de Lorenzo. Para todos los que nos resulta muy críptico lo que estamos escuchando, basta saber que era la descripción de un acto religioso de la religión Lukumí. Y ahora llegamos al negro más maravilloso de cuba (no solo para los cubanos, sino tambien para muchos de nosotros ), y tambien uno de los mas conocidos; conocido por su nombre artístico, “Bola De Nieve”: Ignacio Villa. Ignacio Villa fue un pianista, cantante, y compositor cubano. Nació en Guanabacoa, la habana, Cuba, el 11 de septiembre de 1911. Falleció en ciudad de México, el 2 de octubre de 1971. “Bola De “Nieve” tenia un estilo muy personal y lograba comunicar su mensaje de una manera muy ingeniosa, en la forma de los viejos cuenta cuentos. Al cantar a veces contaba antiguas historias, donde aparecían diferentes personajes que incorporaba magistralmente para lo cual se preparaba como un actor. La improvisación para él no existía; estudiaba y ensayaba diariamente. Tuvo 12 hermanos, aunque en las condiciones económicas en las que vivía su familia no fueron las más favorables, si participaba en el ambiente festivo criollo de de la villa, lo cual marcó la personalidad creadora, la bohemia y la alegría del artista. Se matriculó en el Conservatorio Mateu a los ocho años y en 1923 comenzó a estudiar solfeo y teoría musical. En realidad Su aspiración era ser doctor en Pedagogía y en Filosofía y Letras, pero cuando se inscribió en 1927 en la Academia Normal para Maestros, la crisis que provoco la dictadura de Gerardo Machado lo hizo dedicarse a la música para sobrevivir. El guitarrista español Andrés dijo: “escuchar a Bola es asistir al nacimiento del conjunto de la palabra y la música. A bola de nieve, mas que impresionar le interesó expresar, tocar la sensibilidad del que escucha, y en eso quizás se encierra el misterio de su arte, y su magisterio artístico”. Ahora vamos a escuchar un canto de cuna:

Y dejamos Chicago y su orquesta sinfónica, para viajar por nuestra América latina y la herencia africana en su música. Se ha comentado mucho sobre la herencia europea en los instrumentos musicales y en las diferentes formas dentro del sincretismo musical latinoamericano. Sin embargo dentro de ese sincretismo musical latinoamericano, hay que hablar de algo importante: se trata de la cultura negra, la cultura Africana. Para comenzar este segmento comenzamos con una pieza académica, pero que parte de la música negra; es una conga : la conga del fuego Nuevo de Arturo Márquez (Alamos,Sonora, Mexico, 1950) . El origen de la conga se remonta a las festividades que realizaban los esclavos negros, en el periodo de la dominación colonial española; sobre todo en Cuba. Estas fiestas se realizaban en aquellas ocasiones en las que las autoridades permitían ciertas distracciones a los esclavos: en general en las festividades en la festividad del Hábeas, los domingos y principalmente el Día de Reyes. Esto era un suceso musical y social, que llenaba de alegría las ciudades, subordinándose a los cantos, lo toques de tambor, y las fabulosas coreografías, en un jolgorio que contrastaba con los bailes de salón de la burguesía, y que esta disfrutaba, con los llamados bailes de cuna; donde se mesclaban diversos estratos y grupos sociales. Inclusive en los inicios de la república cubana, se llegó a utilizar la conga como elemento de propaganda política, empleada por los candidatos en el período pre-electoral para mover a las masas tras sus ritmos y cantos, en los que se propugnaba su triunfo. La conga del fuego Nuevo, es una obra de gran alegría y llena de ritmo, compuesta en 1999 para celebrar el cambio de milenio. Arturo Márquez (su autor),comenzó su trayectoria como compositor de obras enmarcadas en los conceptos vanguardistas del siglo 20. Y siempre recibió muchos elogios por su talento originalidad de su música. Sin embargo conforme se iba transformando su lenguaje musical hacia¿ estilos menos radicales?, y se hizo más evidente su interés por los ritmos y los estilos de la música popular. aunque desde niño había tenido una fuerte contacto con la música de los bailes típicos regionales mexicanos, y después con el jazz, se dedicó entonces a fusionar la música popular mexicana y latinoamericana, con la música académica. Esta síntesis resulto perfecta. Pero si queremos hacer un viaje sobre la influencia africana en la música de América, indudablemente hay que hablar de los Lukumí. La palabra Lukumí es un termino aplicado tradicionalmente a los esclavos procedentes de la zona yoruba en Nigeria, en áfrica. Estos esclavos eran vendidos por los españoles y los portugueses, que los llamaron de esta manera. Pero más tarde la palabra Lukumí pasó a denominar una religión sincrética de Cuba. La religión lukumí tiene sus orígenes en la tribu yoruba; a través de la trata de esclavos, fue introducida en el hemisferio occidental y en algunos países se mescló con la religión católica. Existen varias versiones sobre el origen del término; la mas aceptada es la que afirma que la palabra Lukumí proviene del saludo yoruba “olukumí “, que significa “mi amigo”, y que los esclavos usaban con frecuencia entre ellos. La religión lukumí, esta llena de misterios, y aunque hay muchos que han estudiado profundamente esta religión durante muchos años, solo algunos llegaron a dominalar por completo. En el caso de Cuba, esta religión apareció en la época donde eran trasladados los negros que vivian en Haití, Nigeria, y africa, a la isla de cuba, para trabajos forzados en los cañaverales, y fuerza bruta en los llamados “trapiches”, asi tambien como en el campo. Esta religión fue y es muy querida por los cubanos dentro y fuera de Cuba. Con sus misterios y sus hechizos, hacen revitalizar la salud, el bienestar, el desarrollo espiritual, y el desenvolvimiento de sus creyentes. Los que hablan Lukumí en Matanzas y otras partes de Cuba, lo hacen de forma muy parecida a como lo hablaría un Yoruba, y pueden comunicarse con personas que hablan yoruba nacidos en Nigeria sin ningún problema. Lo que vamos a escuchar ahora es un canto popular yoruba, que se lama “Obachule”, y rememora aparentemente la vida de un esclavo negro con gran capacidad para la musica, que según ellos, hacía curas milagrosas

“Se podría decir que eran los tiempos del lejano oeste, Y las primeras épocas del Ragtime, y del incipiente Jazz,. cuando en 1891 Theodore Thomas creó un conjunto musical para la ciudad de Chicago: su orquesta sinfónica. En 1991, la orquesta celebró 100 años de existencia por todo lo alto. Con todo tipo de conciertos, obras expresamente encargadas para la orquesta, grabaciones, y también con la gira de despedida de quien había sido su director titular desde 1969, Sir Georg Solti. Una serie de conciertos que se celebraron en el Symphony Hall de chicago, y en el Carnegie Hall de Nueva York. Lo celebró también recibiendo a un nuevo director titular, que había asumido el cargo en septiembre de ese año: Daniel Bareboim, “quien a partir de entonces comenzó a escribir una nueva página en la historia del conjunto”. Estas palabras que acabó de leer, son del crítico musical José Luis Pérez de Arteaga, quien en 1992, decía esto sobre la orquesta sinfónica de Chicago. Esta orquesta ha tenido entre otros directores, a Frederyck Stock(¿), Désiré Defauw (1943-47), Artur Rodzi?ski (1947-48), Rafael Kubelík (1950-53), Fritz Reiner (1953-63) a Jean Martinon (1963-68) los ya mencionados Barenboim y Muti,Bernard Haitink, y Pierre Boulez(¿). Y toda esta serie de nombres que forman parte de la historia de esta formación orquestal, está recogida en esta serie de discos compactos. 12 cds lanzados por la propia orquesta, y por la radio de chicago; la WFMT,con el titulo “los primeros 100 años de la orquesta de chicago”, o “Una Historia Grabada de la orquesta Sinfónica de chicago” basada en interpretaciones de conciertos, con algunas incursiones en el mundo del disco. Esto es toda una colección que tiene casi 15 horas de música. Quiero finalizar con una anécdota o leyenda: Theodore Thomas, el fundador de la orquesta fue famoso, porque a veces en los ensayos sacaba una pistola para atemorizar a los los músicos que se equivocaban tocando. No se si esto es Leyenda o realidad, pero repito lo que dije al comenzar este segmento; la orquesta se fundó en 1891 y no estaban tan lejanos los tiempos del lejano oeste. Pero en cualquier caso Theodore Thomas fue un musicó inteligente y refinado, a pesar de lo que las leyendas digan de él. Introdujo la música de los grandes compositores clásicos en Chicago; sobre todo Richard Wagner, y Richard Strauss

En este programa de hoy no voy a comenzar hablándoles de un compositor ni de un solista, ni de un director; hoy voy a comenzar el programa, hablándoles de una orquesta. Una orquesta que sin duda es una de las más grandes y una de las que más tradición acumula, luego de 127 años de actividad, en los que ha sido dirigida por algunos de los más grandes directores de orquestas del siglo 20 y de lo que llevamos del 21. Estoy hablando de la Orquesta Sinfónica de Chicago: una de las llamadas “Big Five” en Estados Unidos, junto con la filarmónica de Nueva York, la sinfónica de Boston,la orquesta de Cleveland, y la de Filadelfia. “La sinfónica de Chicago es tal vez la orquesta estadounidense que ha sabido construir un sonido más particular e inconfundible entre las orquestas estadounidenses; un sonido que se basa mayormente en la potencia, en la brillantez, y en la belleza de su sección de viento metal”, según dice el periodista y cineasta español Juan Lucas. El director titular de la sinfónica de chicago en la actualidad es el italiano Riccardo Muti, quien se desempeña en este puesto desde el año 2010. Pero me quiero detener en el año 1991, ya que ese año esta orquesta cumplió100 años de su creación, por parte del musico y director de orquesta alemán, nacionalizado estadounidense, Theodore Thomas. Con ese motivo, la propia orquesta lanzó al mercado una serie de discos, en los que se repasa su historia hasta 1991,Momento en el que se produjo un cambio importante en esos 100 años de historia; ya que en ese año, el director húngaro nacionalizado británico Georg Solti que había sido su director desde 1969, cedía el testigo y la batuta al argentino Daniel Barenboim, quien sería su director titular durante los 15 años siguientes, hasta 2006.

El Bandoneón remplazaba en las iglesias pequeñas, a los instrumentos, como el órgano, el virginal,y los demás instrumentos que acompañaban musicalmente los oficio religiosos. Seg 2. En 1983, Astor Piazzolla invitó a Richard Galliano como primer solista de bandoneón en una comedia francesa inspirada en el Sueño de una noche de verano (de William Shakespeare) con música original de Piazzolla escrita sobre una puesta en escena de Jorge Lavelli s obras que les ofrezco en este primer segmento del programa, forman parte de la primera personalidad de este instrumento musical . El tango ya existía antes de la llegada del Bandoneón al rio de la plata a finales del siglo 19; pero este instrumento cambió al tango sustancialmente. Como les comentaba antes, era un instrumento nacido para facilitar la música Sacra en los oficios religiosos; pero entró en el rio de la plata por el camino menos santo. Terminó imponiéndose entre las orquestas que nacían, hasta llegar al primer plano dentro de la musica rioplatense, donde lo llevaron dos músicos: Anibal Troilo, y Astor Piazzolla. Seg 6 . Vamos a escuchar una de las partes de las 4 estaciones de Buenos Aires, que tambien son conocidas como las 4 estaciones porteñas. son un conjunto de cuatro composiciones de tango escritas por Piazzolla. Originalmente fueron concebidas y tratadas como composiciones diferentes en lugar de una suite, con el tiempo se fueron editando en diferentes álbumes. pero Piazzolla las tocaba en conjunto de vez en cuando. Las piezas fueron compuestas para su quinteto provisto de violín, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y bandoneón. Al dar el adjetivo porteño, gentilicio de Buenos Aires, es usado por Piazzolla para dar su impresión de las estaciones del año en Buenos Aires. . Es interesante saber que Entre 1996 y 1998, el compositor ruso Leonid Desyatnikov uniendo las estaciones de Vivaldi con las de Piazzolla, y dividiendo cada obra en tres partes, las arregló para violin solista, y orquesta de cuerdas. En cada pieza incluyó varias citas de la obra original de Vivaldi, pero debido a que las estaciones se invierten entre los hemisferios norte y sur, así, por ejemplo, en "Verano Porteño" había añadido elementos del "Invierno" de Vivaldi.

Bandoneón blindado (Poemas) Absténganse el erudito y su ojo de probeta de pronunciarse a favor o en contra de la rima, del empleo del verso blanco o del verso libre. No es éste un libro que pretende ajustarse a los cánones vigentes de la crítica poética. Matías Mauricio prefiere dejarse atravesar por la tradición oral de nuestros folclores -rurales y urbanos- y al mismo tiempo, invoca a sus referentes líricos, inter¬pela a los arcanos de los objetos y del tiempo. "Bandoneón blindado", procura desde su mismo rótulo demarcar la nombradía de esos acervos. Sugeridos a veces, otras veces invocados, están aquí, en estos versos, Negro y Tuñón, Mandrini y Manzi, Fijman y Yupanqui. Y está Matías, y su materia que sueña, o que quiere soñar. No hay nada más que decir. Ahora que hable el poeta... Alejandro Szwarcman El canto del bandoneón (novela) Una novela"Historia maravillosamente escrita que comienza con una postal y un criptico mensaje ""El bandoneon es mi vida"". La busqueda de Christina como una solucion al misterio del mensaje en la tarjeta postal en el armario de su madre la lleva de Berlin a Buenos Aires. Una bella historia, una lectura obligada,"--Amazon.com. Un secreto guardado durante casi un siglo desvela una saga familiar en torno a una pasión a golpe de tango. Una saga familiar ambientada en la Argentina no tan dorada de los años 20. Tras la muerte de su madre, Christina, una periodista berlinesa encuentra una vieja tarjeta postal de Buenos Aires en que aparecen cuatro músicos y una misteriosa nota: «Este bandoneón alberga toda mi vida. E.» Inevitablemente, Christina siente una gran curiosidad. ¿Acaso tiene en la mano una pista que al fin le permita averiguar algo más sobre la familia de su madre? Su búsqueda la llevará a Argentina y a la década no tan dorada de 1920, cuando su bisabuela Emma partió hacia América del Sur junto a su marido. Pero el auge y la caída de una familia giran en torno a un amor prohibido que, a golpe de tango, cambiará su destino para siempre. Hans Meyer zu Düttingdorf Mayonesa y bandoneón: novela(infantil) Mercedes Pérez Sabbi, 2009 Mayonesa y bandoneón Mercedes Pérez Sabbi Mónica Weiss Colección Veinte Escalones Edad sugerida: 12 años ISBN: 978-987-602-118-0 Formato: 20 x 13 92 pág. $33 Editorial Comunicarte, 2009 Mercedes Pérez Sabbi nació en Acassuso, provincia de Buenos Aires. Es docente y escritora de literatura infantil y juvenil, su obra fue distinguida en varias oportunidades, recibiendo el premio Accesit al mejor libro años 2001 – 2002; Destacados de ALIJA 2003 categoría Cuento; y fue finalista del “Primer concurso de cuento fantástico para docentes” organizado por la Secretaría de Educación del Gobierno de la ciudad de Buenos Aires y Ciudad de Arena en 2004. Entre sus publicaciones se cuentan: Golmito, ómo que los fantasmas no existen! ¿Quién dijo eso? Son invisibles a los ojos, de acuerdo, ¡pero hay tantas cosas que no podemos ver y sin embargo están ahí, girando alrededor nuestro! El finado Higinio Curucheta es uno de esos espantajos que vuelve a la pensión de doña Esperanza con la ilusión de ver nuevamente a María, su viejo y querido amor. Higinio tiene un propósito bien definido: terminar la letra de un tango que su muerte dejó inconclusa y descansar así, después de tantos desvelos. Luego de estornudar bien a lo guaso y salpicar el piso y los azulejos con una sustancia verde fosforescente, recuperó abruptamente la identidad y dijo: ¡Uia…!, soy un fantasma… Personajes entrañables acompañarán al lector a lo largo de esta aventura al ritmo del dos por cuatro. * Recomendado por el Ministerio de Educación de la Nación * Tercer Premio Concurso de Novela “Los Jóvenes del MERCOSUR” Ituzaingó 882 Planta Alta – 5000 – Córdoba – Argentina El tango, el bandoneón y sus intérpretes Oscar Zucchi, 1998 EN VIDRIERA El tango, el bandoneón y sus intérpretes Oscar Zucchi Diario Clarín (artículo de prensa) ________________________________________ SERGIO A. PUJOL.El libro de Oscar Zucchi, auténtico bandoneonólogo, es el primer estudio orgánico que, desde una perspectiva histórico-estilística, aborda la cuestión y logra, hasta donde la documentación lo permite, saldar la deuda historiográfica.En este primer volumen de lo que promete ser una summa del saber bandoneonístico (se planean diez tomos), Zucchi explica la invención de Heinrich Band y sus peripecias pretangueras: su ubicación en la familia de aerófonos, sus características tonales y tímbricas, su caprichoso teclado de setenta y una teclas y ciento cuarenta y dos voces (por aquello de que el fueye se abre y se cierra, con posibilidades diferentes), las circunstancias de su fabricación y, desde luego, su curiosa irrupción en el Río de la Plata a mediados del siglo pasado. Un bandoneon vivo / A Live Bandoneon (novela) Oche Califa, 2002El Loco se fue de viaje y le dejo prestado a su vecino el bandoneon. Cuando Emilio por fin se anima a apoyar e instrumento sobre sus rodillas, descubre no solo los sonidos magicos sino tambien historias olvidadas. Google Books Fecha de publicación original: 2002 Autor: Oche Califa Género: Ficción Biografía Leopoldo Federico - El inefable bandoneón del tango Autor/a: Jorge Dimov / Esther Echenbaum Jonisz Editorial: Gourmet Musical Edición: agosto de 2009 Encuadernación: Rústica Páginas: 267 Idioma: Español ISBN: 978-987-22664-5-5 Esta es de esas biografías que traen hasta la hora de nacimiento del protagonista (Federico nació el miércoles 12 de enero de 1927, a las cuatro de la tarde, en una casa de Sarmiento 2546). Además, los autores tuvieron la ventaja de poder confirmar los datos con Leopoldo, en charlas que terminaron pareciendo incontables, durante tres años. Claro que lo más jugoso del libro son esos capítulos escritos tras extensas conversaciones de las que surgieron jugosas anécdotas, confesiones y hasta temas dolorosos. El sentido cronológico con el que está inicialmente encarada la redacción da como primera confesión un recuerdo de infancia: ¨Tengo dos cosas para contar. Mi papá tocaba el bandoneón de oído, y yo iba a escondidas a meter los dedos en las teclas y mi vieja me retaba. Me regalaron una concertina para mi cumpleaños, una cosita chiquita con tres teclas, y no sé cómo lo hice, pero agarré un cuchillo de la cocina, la corté y dije: «Ahora tengo dos». Tendría 6 o 7 años. La otra anécdota es de cuando tenía 9. El cortejo fúnebre de Gardel pasó por la calle Corrientes. [...] y yo me metí detrás del coche fúnebre con toda esa gente. ________________________________________ SERGIO A. PUJOL Tampoco es del todo clara la historia de su adopción: en qué momento y de qué manera un grupo de músicos mayoritariamente orejeros o intuitivos decidió, con la aprobación de los márgenes de la sociedad rioplatense, adueñarse del hijo pródigo de la vieja concertina europea.Esa gente -de la que hoy sólo quedan, en el mejor de los casos, algunas fotos viejas y un puñado de grabaciones acústicas- aprendió a sacarlesonidos al bandoneón típico en manos de músicos -muchos de ellos hijos de inmigrantes italianos- que, tal vezsin saberlo, estaban fundando una especie musical nueva y ostensiblemente criolla, pero urbana en sus comienzos.El libro de Oscar Zucchi, auténtico bandoneonólogo, es el primer estudio orgánico que, desde una perspectiva histórico-estilística, aborda la cuestión y logra, hasta donde la documentación lo permite, saldar la deuda historiográfica.En este primer volumen de lo que promete ser una summa del saber bandoneonístico (se planean diez tomos), Zucchi explica la invención de Heinrich Band y sus peripecias pretangueras: su ubicación en la familia de aerófonos, sus características tonales y tímbricas, su caprichoso teclado de setenta y una teclas y ciento cuarenta y dos voces (por aquello de que el fueye se abre y se cierra, con posibilidades diferentes), las circunstancias de su fabricación y, desde luego, su curiosa irrupción en el Río de la Plata a mediados del siglo pasado.Respecto de la incorporación del bandoneón, Zucchi se inclina por una tesis matizada. Habrían sido varios los bandoneonistas que, más o menos por la misma época, trajeron el instrumento a Buenos Aires: José Santa Cruz, Tomás Moore y hasta un tropero de carros llamado Pascualín, que lo habría adquirido en Alemania.La segunda parte del libro explora el mundo de los primeros bandoneonistas del tango, desde Antonio Chiappe y Sebastián Ramos Mejía, los primeros tangueros con fueye en mano, hasta el mítico y revolucionario Eduardo Arolas, creador del sonido rezongón y el fraseo más fluido.Si bien un criterio de generación demasiado estricto es asunto discutible (Zucchi se refiere a las de 1865, 1880 y 1895), son interesantes las conexiones sincrónicas entre determinados músicos y las transferencias del saber instrumental en los años previos a la codificación de la orquesta típica.De este modo, el libro evita ser un mero diccionario de instrumentistas, aunque por momentos la masa documental resulta agobiante.Zucchi ajusta algunas cuentas con la bibliografía. Constata que Domingo Santa Cruz -ilustre hijo del posible introductor del bandoneón- no era negro.Que el notable Vicente Greco no inventó la orquesta típica, sino más bien su denominación.Que Arolas no murió en manos de un macró francés, sino de una no menos pendenciera tuberculosis.Pero es sin duda en el plano estrictamente musical donde el autor hace su aporte.Sin dejar de mirar la evolución del bandoneón con ojos de biógrafo múltiple, Zucchi no descuida el análisis de estilos y técnicas instrumentales. Logra esquivar así la densa trama anecdótica que ha novelizado la historia del tango.Los coleccionistas le agradecerán al investigador la inclusión, al final de cada ficha biográfica, de una discografía anotada.La misma invita a leer el libro como lo que realmente es: una historia del tango a través del Un bandoneon vivo / A Live Bandoneon Libro de Oche Califa ¿Te gustó este libro? El Loco se fue de viaje y le dejo prestado a su vecino el bandoneon. Cuando Emilio por fin se anima a apoyar e instrumento sobre sus rodillas, descubre no solo los sonidos magicos sino tambien historias olvidadas. Google Books Fecha de publicación original: 2002 Autor: Oche Califa Género: Ficción instrumento que le dio una voz propia, a la vez única y diversa

Hay otros instrumentos que entraron por en América por vías totalmente contrapuestas: uno de ellos es el Violin. El Violin esta presente en la música popular de todos los países de América latina; desde las orquestas cubanas como la famosa orquesta Aragón, con un estilo denominado Charanga Francesa, pasando por los mariachis Mexicanos, hasta llegar al cono sur. Pero otra de esas vías estuvo en las misiones jesuitas, que duraron hasta la primera expulsión de los Jesuitas del imperio español en 1767. Y dejaron una profundas y duradera huellas musicales que quedó en muchos casos aisladas en las selvas del continente. Uno de los ejemplos mas brillantes, y por suerte en plena restauración, es el de El Archivo musical de Chiquitos en Bolivia. Desde 1996, las obras de este archivo se han hecho famosas por el Festival internacional de música Renacentista y barroca americana, que se celebra cada dos años en las iglesias de Misiones (las Misiones Jesuitas de Chiquitos); denominada catedrales por los pobladores de esta región Boliviana. El festival esta considerado el acontecimiento musical mas importante de Bolivia, y mas grande del mundo en su genero. En 1991, la UNESCO declaró a las iglesias misionales de Chiquitos, como Patrimonio Cultural de la Humanidad. Pero tambien el violín se fue tras las huellas del tango, incorporándose de manera definitiva con la considera primera orquesta típica de Tango, que fue la orquesta típica de Roberto Firpo; que incorporó el violín y el piano. Pero sin lugar a dudas, el gran violinista del tango fue Enrique Mario Francini: nacido en la ciudad de San Fernando provincia de Buenos aires, el 14 de febrero de 1916, falleció en la ciudad de Buenos Aires, el 27 de agosto de 1978. Entre otras actividades, Enrique Mario Francini fue integrante del octeto Buenos Aires, con la dirección de Astor Piazzolla. Francini formo parte de ese movimiento renovador del tango que encabezaron Argentino Galván Horacio Salgán, Anibal Troilo, y Astor Piazzolla. Numero 1 entre los cultores del virtuosismo violinistico en el tango, Francini Perteneció a la generación del 40. Era maestro de armonía y composición, y de forma paralela su actividad como musico de tango, integró desde 1958 hasta su fallecimieto, la orquesta Filarmónica de Buenos Aires, como primer violin.

No estamos en navidad, pero es muy bonito. La versión que estamos escuchando, esta grabada en el Festival de Poznan (en Polonia) en el 2013. El bandoneón evidentemente se quedó a vivir en el rio de la plata, pero en algún momento se desplazó al norte de la república argentina; y entró a formar parte de la musica folklórica de Argentina. Sobre todo con Timoteo (Dino) Saluzzi; nació en Campo Santo, provincia de Salta (argentina), el 20 de mayo de 1935. es un músico y compositor argentino. Es hijo Es hijo del popular compositor Cayetano Saluzzi, Dino tocaba el Bandoneón desde su niñez. Además de su padre, recibió influencias de músicos salteños como Cuchi Leguizamón, y por la parte del tango le viene de la influencia de Francisco de Caro y de Agustín Bardi. Desde su juventud Dino Saluzzi vivió en Buenos aires, tocando en diferentes orquestas, y haciendo colaboraciones en ensambles de jazz (incluyendo un breve paso por el grupo del saxofonista Leandro “el gato” Barbieri), lo que le permitió desarrollar un estilo personal que hizo que hizo que fuera Bandoneonista líder de la musica folklórica argentina, y músico de vanguardia (especialmente con Astor Piazzolla). En los años 70 tocó el bandoneón en la canción de León Gieco Sólo le pido a Dios por pasajes de Buenos Aires, en los clubes de jazz como "Music Up" y en "La Trastienda" en el Palermo viejo. En 1980 Un sello discografico llamado ECM de Alemania, un sello discográfico especializado en música contemporánea, contrato a Saluzzi. Con ECM grabó discos donde acompañaba a otros artistas de esta disquera, y a otros artistas de jazz: como el contrabajista Charlie Haden, el saxofonista Charlie Mariano, Palle Danielsson, o el guitarrista Al Di Meola. En 1981 acompañó a Piero, quien regresaba de su exilio en España, en la producción de varios discos, junto a su banda musical "Prema". Entre ellos, se destacan "Recuerdos", "Canto de la Ternura", "Versiones originales" y "Soy un hombre común".En 1991, Saluzzi grabó un álbum con sus hermanos. Félix Saluzzi y Celso y su hijo José María en guitarra, comenzando un "proyecto familiar", con un tour por muchos países. En el 2004 estuvo en una gira por Brasil junto al compositor brasileño Egberto Gismonti, con el que ha compartido escenario muchas veces. En 2005 la Fundación Konex le otorgó el Diploma al Mérito de los Premios Konex como uno de los mejores instrumentistas de la década en Argentina. Lo que vamos a escuchar ahora es una Zamba Carpera. ¿Qué es esto? Una Zamba Carpera es una variante de zamba argentina, el nombre de la misma se debe a que es realizada dentro de las grandes carpas (tiendas de campaña) que se usan para resguardar a las parejas de bailarines durante el carnaval o chaya en el norte de argentina. Su Ritmo es mas ligero sus sonidos recuerdan a los de otros géneros musicales de Argentina, como la chacarera, o el chamamé.

Este tango que escuchamos aquí tambien fue grabado en su momento por Carlos Gardel en 1930, con la letra original de José González Castillo. El bandoneon siempre tuvo en las orquestas tangueras un espacio propio; pero si hay un instrumento que puede considerarse “la novia del bandoneón”, y que encaja perfectamente como en una pareja bien avenida, ese es la guitarra. Y quien fue uno de los grandes maestros de la guitarra en el Tango, fue Roberto Grela. Roberto Grela nació en Buenos Aires, el 28 de junio de 1913, y falleció en esa misma ciudad, el 6 de septiembre de 1992. Su padre y su tío formaban el dúo Los Hermanos Belpasso. Grela aprendió a tocar la mandolinaen las tertulias en casa de sus tíos, donde frecuentaba también el guitarrista español Manuel Parada, quien —cuando Grela tenía siete años de edad lo convenció para que empezara a tocar la guitarra en vez del la mandolina (que era lo que a él le gustaba). A principios de los años 50 incursionó brevemente por el folclore argentino. Incluso tuvo su propia agrupación de Jazz (que en esa época era muy popular en los bailes, junto con el tango): esta agrupación se llamaba Los American Fire. Tambien aprendió a tocar musica Brasileña. Pero en 1953 su encuentro con el Bandoneonista Anibal Troilo lo trajo de nuevo al tango para acompañar a su bandoneón en el sainete El patio de la Morocha, del poeta y compositor argentino Cátulo Castillo. “La unión con Anibal Troilo dejó para la historia del tango al Grela mas emotivo y al mejor Troilo en su perfil de bandoneonista. Pero es Grela el que conmueve a Troilo para que dé lo mejor de sí. Evidentemente la conjunción Troilo-Grela fue única e irrepetible, "El Gordo"(Troilo) también provocaba en el guitarrista un clima profundo y de gran sentimiento”.esti que acabo de leer es parte de un articulo Biográfico sobre Grela realizado por los periodistas Nestor Pinsón y Ricardo García Blaya publicado en el sitio web https://www.last.fm/es/ . Grela está considerado el guitarrista mas grande del tango; fue autodidacta, y tocó siempre de oído. Aveces se le criticaba por Se le criticaba el uso de la púa (plectro de carey) para tocar la guitarra pero Grela decía que así encontraba el sonido que a él le gustaba. El bandoneón siguió las evoluciones del tango, hasta llegar a quien tal vez sea el máximo intérprete y compositor del tango contemporáneo moderno: Astor Piazzolla. Vamos a escuchar una de las partes de las 4 estaciones de Buenos Aires, que tambien son conocidas como las 4 estaciones porteñas. son un conjunto de cuatro composiciones de tango escritas por Piazzolla. Originalmente fueron concebidas y tratadas como composiciones diferentes en lugar de una suite, con el tiempo se fueron editando en diferentes álbumes. pero Piazzolla las tocaba en conjunto de vez en cuando. Las piezas fueron compuestas para su quinteto provisto de violín, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y bandoneón. Al dar el adjetivo porteño, gentilicio de Buenos Aires, es usado por Piazzolla para dar su impresión de las estaciones del año en Buenos Aires. La primera de las 4 estaciones porteñas es el verano porteño, compuesta en 1965. El otoño porteño, fue compuesta en 1969. La primavera y el invierno porteño fuero compuestas en 1970. Verano porteño era originalmente una música incidental de una obra de teatro llamada Melenita de Oro de Alberto Rodríguez Muñoz. Es interesante saber que Entre 1996 y 1998, el compositor ruso Leonid Desyatnikov uniendo las estaciones de Vivaldi con las de Piazzolla, y dividiendo cada obra en tres partes, las arregló para violin solista, y orquesta de cuerdas. En cada pieza incluyó varias citas de la obra original de Vivaldi, pero debido a que las estaciones se invierten entre los hemisferios norte y sur, así, por ejemplo, en "Verano Porteño" había añadido elementos del "Invierno" de Vivaldi

Lo que acabamos de escuchar es una de las tantas evidencias que demuestran que Bach sigue siendo Bach en el instrumento que toquen su musica. Esta versión del aria de la suite orquestal numero 3 en re mayor del compositor alemán, es parte de un disco compacto que Richard Galliano dedicó a la música de Johann Sebastian Bach, y que salió al mercado en el año 2010; en dicha grabación, Galliano además de tocar el bandoneón, toca el acordeón, y la acordina, y esta acompañado por Jean-Marc Phillips. Sebastien Surel, violines, Jean-Marc Apap viola, Raphaël Pidoux cello, y Stephane Logerot contrabajo. Richard Galliano es un Acordeonista, bandoneonista, y compositor musical Franco-italiano nacido en Cannes, el 12 de diciembre de 1950. Richard Gallianocomenzó tocando el piano y el acordeón con su padre, Lucien Galliano, un italiano asentado en Niza. Después amplió sus estudios con el profesor Claude Noël, que lo introdujo en el mundo del jazz. Sus estudios continuaron en el conservatorio de Niza, donde asistió a clases de contrapunto, armonía, y (sorprendentemente) de Trombón. En 1983, Astor Piazzolla invitó a Richard Galliano como primer solista de bandoneón en una comedia francesa inspirada en el Sueño de una noche de verano (de William Shakespeare) con música original de Piazzolla escrita sobre una puesta en escena de Jorge Lavelli. Este fue el principio de una gran amistad entre los dos músicos, que duró hasta la muerte de Astor Piazzolla en 1992. Richard Galliano hacolaborado entre otros; con Al Foster, Juliette Gréco, Charles Aznavour, Ron Carter, Chet Baker, Enrico Rava, Jan Garbarek, Michel Petrucciani, Wynton Marsalis, o Toots Thielemans por mencionar algunos nombres. Richard Galliano tambien tiene una gran cantidad de premios que ha recibido entre otros; el primer trofeo Mundial de acordeónen 1966 (Valencia) y en 1967 (Calais), Primer Premio del presidente de la República 1968 (Charles de Gaulle). Premio Django Reinhardt otorgado por La Academia del jazz francés, al mejor musico de jazz del año 1993. Es decir, es un músico multipremiado.la interpretación de las obras que escuchábamos en el segmento anterior, y esta que escuchan de fondo, tienen el valor de la originalidad; pero en realidad donde el bandoneón mostró toda su capacidad para expresar los sentimientos y las emociones, es en el tango. El tango ya existía antes de la llegada del Bandoneón al rio de la plata a finales del siglo 19; pero este instrumento cambió al tango sustancialmente. Como les comentaba antes, era un instrumento nacido para facilitar la música Sacra en los oficios religiosos; pero entró en el rio de la plata por el camino menos santo. Terminó imponiéndose entre las orquestas que nacían, hasta llegar al primer plano dentro de la musica rioplatense, donde lo llevaron dos músicos: Anibal Troilo, y Astor Piazzolla. Estos dos músicos realizaron carreras bastante paralelas, aunque el periodo de Colaboración directa no fue demasiado largo. Piazzolla fue bandoneonista y arreglista de la orquesta de Troilo, pero sobre todas las cosas fueron grandes amigos. Es por eso que la grabación (que creo que es la única que existe donde tocan juntos sin orquesta, en un mano a mano insuperable, es el mejor ejemplo del aporte de este instrumento, y de sus maestros al tango. Vamos a escuchar a Astor Piazzolla y Anibal Troilo en una grabación del año 1970, donde interpreta un tango de Carlos Gardel y Alfredo Lepera, que seguramente ustedes conocen muy bien, porque se han hecho muchas versiones de este tango:

Hay un instrumento que entró en América por dos vías totalmente contrapuestas: por un lado fue creado para el acompañamiento de los oficios religiosos luteranos en Alemania, Y por otro llegó al rio de la plata asentándose en los prostíbulos, desde donde comenzó a construirse el tango. Ese instrumento es el bandoneón, el nombre de este instrumento es un acrónimo del apellido de su creador y primer fabricante, Heinrich Band. El Bandoneón remplazaba en las iglesias pequeñas, a los instrumentos, como el órgano, el virginal,y los demás instrumentos que acompañaban musicalmente los oficio religiosos. Las dos obras que les ofrezco en este primer segmento del programa, forman parte de la primera personalidad de este instrumento musical. La interpretación de esta obra que acabamos de escuchar, estuvo a cargo de Rodolfo Daluisio; un Bandoneonista, organista, director de coro, y profesor de musica argentino. Daluisio nació en Chacabuco (provincia de Buenos Aires ) en argentina, el 31 de enero de 1952. Desde muy pequeño comenzó a estudiar Bandoneón, teoría musical, y piano A los 16 años se traslada a la ciudad de Junín, donde se presenta en esa ciudad como solista de Bandoneon interpretando obras de Johann Sebastian Bach y obras propias. En 1973 se convierte en director del coro municipal de Chacabuco, y desde 1974, ha realizado una gran cantidad de conciertos como solista de bandoneón, y acompañado por conjuntos de cámara. En 1978 se hace miembro de la Asociación Organística Argentina, y redacta el texto y el guion para una serie de programas radales de difusión de la música, historia y estética del órgano. Ese mismo año inicia un ciclo de conciertos de órgano, presentando obras de autores universales y argentinos contemporáneos, que obtiene la aprobación máxima de la crítica especializada. Paralelamente a su actividad como interprete y compositor, desarrolla su actividad como profesor de Bandoneón, armonía, y coro en el renombrado conservatorio Argentino Manuel De Falla.

la barcarola es una pieza que puede ser tanto vocal como instrumenta, dulce y tranquila, compuesta en compás de 6/8, casi siempre en tempo moderado y cuya característica más obvia es la que representa su música: simular y evocar las canciones y los movimientos de los gondoleros venecianos. La más famosa barcarola es por supuesto la que aparece en la ópera Los Cuentos de Hoffman del compositor francés Jacques Offenbach, pero tambien Chopin tiene una, Mendelssohn tiene otra llamada Gondola veneciana, que forma parte de sus famosas Canciones Sin Palabras,o La Barcarola Junio de las Estaciones de Tchaikovski. Seg 4 arquitectura y Música en el renacimiento Brunelleschi y Landini . La catedral en sí, hacía más de un siglo que se había comenzado a construir, y prácticamente había quedado concluida, a falta de que alguien consiguiera levantar una cúpula en ese espacio enorme, que estaba formado por un cuerpo cilíndrico octogonal del crucero; para esto se hizo un concurso sobre el proyecto, y finalmente fue Filippo Brunelleschi quien lo ganó. El principal problema que suponía la construcción de esta cúpula, era el elevado costo que tendría la construcción del andamiaje y del armazón necesario para sujetar la cúpula, hasta terminar su construcción; hasta entonces era necesario ir sujetando la cúpula, hasta que se cerrara por la parte superior. Sin embargo, el modelo de Brunelleschi sorprendentemente no necesitaba de estos andamios, y del armazón. La propia cúpula, se iría sujetando a si misma, según se fuera construyendo. Brunelleschi lo demostró en una construcción a escala que realizó con ayuda de su colega y amigo Donatello, y que demostró que era posible hacerlo de este modo. T Seg5 Arturo Toscanini la orquesta de una compañía de ópera con la que realizó una gira por Sudamérica. Mientras representaban Aida en Río de Janeiro en 1886, el director de la orquesta fue abucheado por el público y obligado a abandonar el escenario. Toscanini, afortunadamente, cogió la batuta animado por el resto de músicos, comenzando así, con 19 años, su carrera como director dirigir en el Metropolitan Opera de Nueva York (1908-15). Posteriormente, regresaría a La Scala en los años 1920. Tocó en el Festival de Bayreuth (1930-31) y en el Festival de Salzburgo (1934-37). Entre 1926 y 1936 dirigió la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Radicalmente opuesto a los regímenes fascistas de Alemania e Italia, abandonó Europa para dirigirse a los Estados Unidos. Allí se fundó en 1937 la Orquesta Sinfónica de la NBC para él, y con En 1912 tuvo a su cargo la dirección de toda la temporada lírica del Teatro Colón. Regresó en 1940 con la orquesta NBC y en 1941, para dirigir una serie de conciertos con la Orquesta Estable del Teatro Colón.

l amor en los tiempos del cólera es una novela del escritor colombiano Gabriel García Márquez, publicada en 1985. Es una novela dedicada al verdadero amor. La novela se inspiró en la forma en que se desarrolló la relación de los padres de García Márquez. Para escribirla se entrevistó durante varios días con sus padres, cada uno por separado, para encontrar más detalles de cómo iba a escribir la novela

Ahora quiero hablar de Arturo Toscanini fue un músico italiano, considerado por muchos de sus contemporáneos (críticos, colegas y público en general) y por muchos críticos de la actualidad como el más grande director de orquesta de su época y del siglo XX. Era célebre por su brillante intensidad, su incansable perfeccionismo, su prodigioso oído y su memoria fotográfica, que le permitía corregir errores de los miembros de la orquesta que habían sido inadvertidos durante décadas por sus colegas. Arturo Toscanini Nacio en Parma, el 25 de marzo de 1867, falleció en nueva york, el 16 de enero de 1957. Toscanini inició su formación musical en Parma al ganar una beca para el conservatorio local, en el que estudió cello. Tras sus estudios, fue admitido en la orquesta de una compañía de ópera con la que realizó una gira por Sudamérica. Mientras representaban Aida en Río de Janeiro en 1886, el director de la orquesta fue abucheado por el público y obligado a abandonar el escenario. Toscanini, afortunadamente, cogió la batuta animado por el resto de músicos, comenzando así, con 19 años, su carrera como director. En 1898, fue nombrado director residente de La Scala de Milán, donde permaneció hasta 1908. Durante esa época estrenó obras de autores contemporáneos, entre otras, el oratorio Mosè de Lorenzo Perosi, cuya primera interpretación tuvo lugar en mayo de 1901 en el Salone Perosi de Milán. Tras este primer periodo en La Scala se fue a Estados Unidos para dirigir en el Metropolitan Opera de Nueva York (1908-15). Posteriormente, regresaría a La Scala en los años 1920. Tocó en el Festival de Bayreuth (1930-31) y en el Festival de Salzburgo (1934-37). Entre 1926 y 1936 dirigió la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Radicalmente opuesto a los regímenes fascistas de Alemania e Italia, abandonó Europa para dirigirse a los Estados Unidos. Allí se fundó en 1937 la Orquesta Sinfónica de la NBC para él, y con ella actuó con regularidad hasta 1954 en la Radio Nacional. Sus actuaciones lo convirtieron en el primer director de orquesta estrella de los modernos medios de comunicación masivos. Su actividad como director de actuaciones en directo para la radio continuó hasta su retiro. Toscanini era famoso por sus interpretaciones de Beethoven y Verdi. Realizó numerosas grabaciones, especialmente hacia el final de su carrera, la mayoría de ellas publicadas, amén de las numerosas grabaciones disponibles de sus interpretaciones para la radio.tambien hay que mencionar que A principios del siglo 20 Toscanini ya dirigía óperas en Buenos Aires. En 1912 tuvo a su cargo la dirección de toda la temporada lírica del Teatro Colón. Regresó en 1940 con la orquesta NBC y en 1941, para dirigir una serie de conciertos con la Orquesta Estable del Teatro Colón.

El 25 de marzo de 1436,Florencia, o lo que era la república Florentina, se engalanó porque allí tuvo lugar un acontecimiento histórico. El papa Eugenio cuarto, con todo su séquito, y con toda la pompa, procedió a la solemne consagración de lo que ya para ese entonces era el orgullo de toda Toscana: la gran cúpula que el arquitecto y escultor italiano Filippo Brunelleschi acababa de concluir, y que coronaba la catedral de Santa Maria del Fiore. Música, incienso, campanas, cantores, etcétera, para exaltar este acontecimiento. Esta música que estamos escuchando. No fue destinada para ser interpretada durante esta ceremonia de consagración de la cúpula de la catedral de Florencia, ya que el encargado de componer la música para este acto fue el compositor Belga (franco-flamenco) Guillaume Dufay. Pero Johannes Ciconia era como Dufay, un musico franco-flamenco que vivió en Italia, y su música como la de Dufay, sirvió en muchas ocasiones para solemnizar acontecimientos políticos y sociales. Pero Ciconia estuvo mas vinculado a Padua que a Florencia y fue allí donde se inauguró esa cúpula, que fue un hito de la arquitectura de todos los tiempos. El logro que consiguió Filippo Brunelleschi construyendo esta enorme cúpula, siguiendo novedosos métodos, y alzándola como símbolo de la ciudad, desafiando al mismo cielo, (según se decía en esa época), se convirtió en el orgullo de todos los ciudadanos de Florencia. La catedral en sí, hacía más de un siglo que se había comenzado a construir, y prácticamente había quedado concluida, a falta de que alguien consiguiera levantar una cúpula en ese espacio enorme, que estaba formado por un cuerpo cilíndrico octogonal del crucero; para esto se hizo un concurso sobre el proyecto, y finalmente fue Filippo Brunelleschi quien lo ganó. El principal problema que suponía la construcción de esta cúpula, era el elevado costo que tendría la construcción del andamiaje y del armazón necesario para sujetar la cúpula, hasta terminar su construcción; hasta entonces era necesario ir sujetando la cúpula, hasta que se cerrara por la parte superior. Sin embargo, el modelo de Brunelleschi sorprendentemente no necesitaba de estos andamios, y del armazón. La propia cúpula, se iría sujetando a si misma, según se fuera construyendo. Brunelleschi lo demostró en una construcción a escala que realizó con ayuda de su colega y amigo Donatello, y que demostró que era posible hacerlo de este modo. Tal vez el hecho de que Brunelleschi fuera orfebre antes que arquitecto, y perteneciera al gremio de los orfebres y tejedores de seda, le permitió tener una visión distinta, y mas amplia de su formación; además en su búsqueda para reconstruir el pasado clásico de la arquitectura, se cuenta que viajó a Roma, para estudiar de cerca las ruinas, y los edificios antiguos, como el panteón de Agripa; y allí concibió este nuevo método de construcción. Luego de presentar la maqueta y el proyecto, los comerciantes florentinos de Lana, (que eran los que financiaban la gran empresa arquitectonica ) dieron el visto bueno, y en el año 1420 comenzaron las obras. Pero Brunelleschi no fue el primero en buscar soluciones a problemas contemporáneos con ese renacimiento de lo clásico: ya en el 1300, y 1400, había comenzado con Giotto di Bondone, artista italiano que se destacó en varios campos, como la poesía, la escultura, la arquitecrura, y la pintura, a quien se le alababa comparándolo con los antiguos. Giotto di Bondone, fue el encargado de la construcción de uno de los elementos importantes adyacentes a la catedral; el campanario, que junto al baptisterio octogonal, que seria culminado con las puertas de Bronce de otro orfebre y escultor italiano llamado Lorenzo Ghiberti, que el propio Miguel Ángel Buonarotti bautizó como “las puertas del paraíso”, conforman otra de las joyas arquitectónicas del conjunto de la catedral florentina. En el taller de Giotto di Bondone trabajaba como pintor (hasta su muerte en 1349), Jacopo del Casentino; quien junto a Giotto fue fundador del gremio de pintores de Florencia. El hijo de Jacopo del Casentino, fue el músico Francesco Landini ciego desde su infancia, organista de la iglesia de San Lorenzo de Florencia, que vivió mientras allí cerca se estaba trabajando en la construcción del campanario de Giotto. Landini fue una de las figuras mas destacadas entre los intelectuales florentinos del siglo 14.

“Pues si les parece que yo toco bien, esperen a escuchar a Richter y verán”. Esta frase la dijo el pianista ruso Emil Gilels, (de quien les hable en el programa anterior), uno de los grandes pianistas del siglo 20; un intérprete que fue referente de la escuela pianística rusa, quien luego de sus éxitos tocando en Estados Unidos, dijo esto ante los medios de comunicación de ese país; que si les había gustado como tocaba él allí en Estados Unidos, ya verían entonces como disfrutarían con la presencia de Sviatoslav Richter. Y es que desde el otro lado del llamado “telón de acero, llegaban a occidente noticias y rumores acerca de un pianista prodigioso, pero solo estaban disponibles unos cuantos discos de sus interpretaciones, había algunos testimonios puntuales de gente que lo había escuchado tocar en Rusia, y también el aval de ese portento del piano que era el mismísimo Emil Gilels, amigo de Sviatoslav Richter, y tambien alumno de quien fuera Profesor de Richter, Heinrich Neuhaus. Asi que ese comentario de Gilels, ha pasado a la historia por preparar el terreno a Richter en occidente; especialmente en los Estados Unidos. Ese alago de Gilels hacia Richter, nos sirve de excusa para seguir hablando de este gran pianista, de quien ya les he hablado en el programa anterior. “cuando Richter toca mi música, tengo la impresión de escucharla por primera vez”. Eso decía el compositor Sergei Prokofiev, de Sviatoslav Richter, que colaboró en muchas ocasiones con el compositor Ruso; colaboración que se inició desde que el pianista era estudiante en el conservatorio de Moscú con el gran pedagogo Heinrich Neuhaus. En su debut oficial el 26 de noviembre de 1940, en la sala pequeña del Conservatorio de Moscú, Rihter interpretó obras de compositores rusos, incluyendo de la sexta sonata para piano de Prokofiev, (la primera interpretación hecha por un pianista que no fuera el propio compositor). Esta asociación entre Prokofiev y Richter, continuaría con la interpretación del quinto concierto para piano y orquesta, el estreno de la sonata numero 7, y con colaboraciones en presentaciones en vivo con Richter al piano y Prokofiev dirigiendo, interpretando otras obras. Como muestra de agradecimiento por el estreno de la sonata Numero 7 concretamente, Prokofiev decidió dedicarle su sonata número 9, a Richte, quien tambien interpretó la sonata numero 8, que resulto ser la preferida del pianista. Ahora lo vamos a escuchar interpretando el cuarto movimiento de esa 9na sonata que Prokofiev le dedicó al pianista. Una dedicatoria que el propio Richter dijo haberle emocionado mucho; “es una obra que me gusta, aunque no la ejecuto muy a menudo” decía el pianista.

“Mi objetivo ha sido siempre renunciar a la fama fácil, con el fin de alcanzar el éxito verdadero y duradero.” Eso que acaban de escuchar, es lo que escribía el compositor Catalán Enrique Granados en 1912, ¡y vaya si lo consiguió¡ aun hoy en día Granados es reconocido universalmente como uno de los compositores españoles más importantes. Su música polifacética y versátil, es esencialmente romántica, con algunos toques nacionalistas, característica de gran parte de la obra de este compositor. En el segmento anterior les mencionaba el nombre de Pau o pablo Casals, chelista y director de orquesta, también catalán, quien era buen amigo de Granados. Esa amistad le llevó a arreglar dos piezas para chelo y piano, que interpretaron juntos solamente dos meses antes de la muerte de Granados

Vamos a comenzar el programa de hoy, imaginándonos que estamos en Francia, y que viajamos a un pueblo llamado Annecy-Le vieux; un pueblito ubicado al este de Francia, mas concretamente en la región de Ródano-Alpes y el departamento francés de Alta Saboya; a unos 50 kilometros de Ginebra. Un lugar al que muchos artistas viajaban para inspirarse, relajarse, y crear. Uno de estos artistas, fue Gabriel Faure su casa de verano en este pueblo,lllamada Villa Dunant, estaba a orrillas del Lago Annecy, y tenia vista al monte Berrier. Aquí es donde Faure pasó los últimos veranos de su vida; desde el año 1919, a 1924. En esta casa, Faure recibía muchas visitas; entre los más asiduos visitantes se encontraban el pianista y director de orquesta suizo Alfred Cortot, el compositor también suizo Arthur Honegger, el violonchelista Catalán Pau Casals, y la bailarina estadounidense Josephine Baker. Faure fue descrito en muchas ocasiones, como el compositor mas avanzado de su generación en Francia. Faure, es quizás más conocido por sus obras vocales y para piano, aunque tambien cuenta con un interesante repertorio de música de cámara. Entre sus obras destacadas en este genero, se encuentran sus dos cuartetos con piano, sus dos quintetos, el trio para violin, violonchelo, y piano en re menor opus 120, y el cuarteto de cuerda en mi menor opus 121. El trio opus 120, fue una obra compuesta en la Villa Dunant, en agosto de 1922, cuando Faure tenia 78 años. En una carta a su esposa Marie Fremiet (que se había quedado en parís), dice: “he empezado a componer un trio para clarinete o violin, chelo, y piano. El problema es que no puedo trabajar durante mucho tiempo seguido, debido a la fatiga.” Faure finalizaría el trio, ya en Paris en Febrero de 1923; y finalmente desecharía la opción del uso del clarinete en esta obra. La cual fue estrenada el 12 de mayo de 1923, en la sociedad nacional de Música en París.

07 EOC 164 seg 7 Comentarios El término “Partita” que fue utilizado por primera vez en 1599,en un tratado de danza de Prospero Lucci, tuvo diferentes significados a lo largo del renacimiento y el barroco; por un lado, partita significaba una pieza en forma de variaciones sobre algún tema musical. Por otro lado, la partita pasó a ser casi un sinónimo de suite; es decir que era el nombre de una serie de piezas agrupadas de una forma uniforme Sarabanda y doublé de la partita 2 en varias jam sessions,? 3 Ruso Sviastoslav Richter Ruso Sviastoslav Richter .5 Piazzolla vivió gran parte de su niñez con su familia en Nueva York, donde desde muy joven entró en contacto tanto con el jazz como con la música barroca de Bach. Mientras vivió allí, aprendió a hablar fluidamente cuatro idiomas: castellano, inglés, francés e italiano. Comenzó a tocar el bandoneón en 1927 cuando su padre, nostálgico de su Argentina natal, le compró uno usado en una casa de empeños por 18 dólares

Esta vez suelto los papeles y me voy al cyber espacio para comentarles acerca de otro tipo de lectura, de otra oportunidad que nos da la tecnología para aumentar los conocimientos, pasar un buen rato leyendo, conociendo gente de una manera más profunda, seria y perdurable. Se trata de ese nuevo medio de comunicación que es el blog. Un blog es una página web en la que se publican regularmente artículos cortos con contenido actualizado y novedoso sobre temas específicos o libres. Estos artículos se conocen en inglés como "post" o publicaciones en español. Por su carácter interactivo se han hecho muy populares.Un blog es como un diario, pero de acceso público. Se le llama también bitácora, en un intento de darle un nombre en español, pero no es un sinónimo exacto y, quizás por esa razón la Academia de la Lengua española ha incluido el término “blog” en el diccionario como un anglisimo. Según lo que encontré en google el término viene de «weblog» fue acuñado por Jorn Barger el 17 de diciembre de 1997. La forma corta, «blog», fue acuñada por Peter Merholz, quien dividió la palabra weblog en la frase we blog en la barra lateral de su blog Peterme.com en abril o mayo de 1999,567 y rápidamente fue adoptado tanto como nombre y verbo (asumiendo «bloguear» como «editar el weblog de alguien o añadir un mensaje en el weblog de alguien»). En inglés blog significa;a regular record of your thoughts, opinions, or experiences that you put on the internet for other people to read: Los blogs se han convertido en una pieza clave en internet, pasando de ser únicamente diarios donde cada autor contaba su día a día a ser una herramienta de trabajo casi indispensable utilizada para generar visibilidad, promocionar productos, informar etc Un blog te permite encontrar y conectar con gente afín a tus intereses, ayudando a muchos de ellos a la vez que aprendes tú también .Los visitantes del blog pueden dejar comentarios en las entradas ya sea para aportar algún dato que crea relevante y no haya sido tratado en el artículo, también permiten insertar enlaces a otros blogs o sitios web para poder ampliar o corroborar la información que se está tratando, Un blog sirve como publicación en línea de historias con una periodicidad muy alta, que son presentadas en orden cronológico inverso Historia[ Antes de que los blogs se hicieran populares, existían comunidades digitales como listas de correo electrónico En los años 90, los programas para crear foros de internet, por posibilitaron conversaciones con hilos..Tras un comienzo lento, los blogs ganaron popularidad rápidamente; el sitio Xanga, lanzado en 1996, solo tenía 100 diarios en 1997, pero más de 50 000 000 en diciembre de 2005. El uso de blogs se difundió durante 1999 y los siguientes años En 2002, el blogging se había convertido en tal fenómeno que comenzaron a aparecer manuales, centrándose principalmente en la técnica. La importancia de la comunidad de blogs (y su relación con una sociedad más grande) cobró importancia rápidamente. Las escuelas de periodismo empezaron a investigar el fenómeno de los blogs y a establecer diferencias entre el periodismo y el blogging. 1. Un blog admite comentarios de los lectores y esto hace posible que se cree una comunidad en torno al autor. Los blogs son uno de los medios que mejor representan su esencia. Gracias a la posibilidad de recibir comentarios de los lectores, se pasa de una comunicación unilateral (medio de comunicación hacia el lector) a una comunicación bilateral, en la que el lector es también protagonista.. 2. Un blog tiene un marcado toque personal. Aunque esta característica se haya diluido quizás un poco en los últimos años con la aparición de blogs corporativos y profesionales, incluso estos blogs intentan mantener un ambiente mucho más personal Estoy recomendando este medio porque me parece más creativo,interactivo y confiable que otros supuestos medios de comunicación intergrupal tales como twitter,whatsapp y facebook y porque pienso que hay mayor estímulo a la lectura y a la escritura. Eso sí, como todo lector debe hacerlo, hay que acceder a ellos con criterio para diferenciar , la verdad de lo falso, la manipulación de la orientación. Actitudes que debemos tener siempre ante todo tipo de medio y sus mensajes. Como escritores, emisores, de un blog hay que tener responsabilidad y seriedad para que no sea mediocre, para ello algunas recomendaciones; Hay que respetar al receptor, eso significa 1. Hay que escribir de lo que se sabe. 2. Hay que ser constante. No se debe publicar de tanto en tanto ni crear la sensación de vacío y silencio entre aquellos que puedan estar esperando una respuesta. Un artículo por semana puede ser suficiente para dar a entender que la empresa está viva, pero dos o tres reflejan que está trabajando. 3. Hay que ser participativo. Esto es aplicable en dos sentidos. 4. Hay que respetar al nuestro lector siendo transparente y veraz. Podemos encontrar distintos tipos de blog, Simplemente escriban en su buscados “listado de blogs de autores de libros” o de escritores , O escriban “blogs de cocina, blogs de jardinaría, etc, Por ahora les recomiendo algunos de los que leo : tvlecturas.wordpress.com http://lecturasindispensables.blogspot.com listado de blogs de autores de libros miguelrep.blogspot.com (caricaturista) http://universidaddelafilosofia.blogspot.com.ar/ Fernado Buen Abad Omar Montilla http://www.multisignos.info.ve/ http://nangaramarx.blogspot.com/ http://nangaramarx.blogspot.com/ dapaulasa.blogspot.com/ Daniela Saidman 1. http://segundacita.blogspot.com/ Silvio Rodríguez 2. http://miguelangelperezpirela.blogspot.com/

Astor Piazzolla nacio en mar del plata el 11 de marzo de 1921, falleció en Buenos Aires, el 4 de julio de 1992. fue un bandoneonista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del Siglo 20, y uno de los artífices de la renovación del tango, sobre todo a partir de 1955, año en que regresó a Argentina después de un período de estudios en París bajo la dirección de Nadia Boulanger, célebre pedagoga que le aconsejó no olvidar nunca la música popular, precepto que el músico tuvo siempre presente. En sus obras se encuentran lo académico y lo popular y se entremezclan sus lenguajes, técnicas y estilos, lo que les confiere un aspecto novedoso y de un considerable atractivo, pero en su época sus obras despertaron el rechazo de los tangueros mas conservadores. A Piazzolla se le debe también un valioso Concierto para bandoneón y orquesta, importante por todo lo que supone de reivindicación de este instrumento, más allá del papel de acompañamiento en conjuntos de baile, y una ópera, María de Buenos Aires. (1968), con libreto del poeta Horacio Ferrer , quien tambien es autor de la letra de otras composicionesde Piazzolla como balada para un loco, balada para mi muerte, Chiquilin del bachin entre otras. En sus últimos años de vida fue reivindicado por intelectuales, jazzistas y músicos de rock de todo el mundo, al igual que por nuevos referentes del tango, y actualmente se lo considera como uno de los músicos argentinos más importantes en la historia de su país.789 Compuso también música para cerca de 40 películas. Como decía antes, Piazzolla nació en Mar del Plata, Argentina en 1921, hijo de Vicente Piazzolla y Asunta Manetti (ambos nacidos en Mar del Plata, hijos de padres italianos). El nombre Astor no existía en ese entonces, su padre se le puso en homenaje a su amigo Astore Bolognini, corredor de moto y primer violonchelista de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Piazzolla vivió gran parte de su niñez con su familia en Nueva York, donde desde muy joven entró en contacto tanto con el jazz como con la música barroca de Bach. Mientras vivió allí, aprendió a hablar fluidamente cuatro idiomas: castellano, inglés, francés e italiano. Comenzó a tocar el bandoneón en 1927 cuando su padre, nostálgico de su Argentina natal, le compró uno usado en una casa de empeños por 18 dólares. Estudió música bajo la tutela de Bela Wilda, maestro ruso discípulo de Rachmaninov, y de él aprendió a transcribir y ejecutar a Bach y a Schumann. En Nueva York conoció a Carlos Gardel y surgió entre ambos una larga amistad que derivó incluso en la fugaz participación del músico, como actor, en la película El día que me quieras, donde interpretaba a un canillita. la carrera de Piazzolla se desarrolló a caballo entre el Nuevo y el Viejo Mundo. De vuelta a la Argentina, se radicó en Buenos Aires y actuó como bandoneonista en las orquestas de Miguel Caló y Aníbal Troilo; en ésta se encargó también de los arreglos. Perfeccionó mientras tanto su técnica con el músico clásico Alberto Ginastera. En 1944, Piazzolla se desvinculó de Troilo para dirigir la orquesta que acompañó al cantante Francisco Fiorentino. Prosiguió con su labor como arreglador para las orquestas de José Basso, Miguel Caló y Francini-Pontier. También en esta época escribió piezas de música academica, como Rapsodia porteña (1952) y Sinfonía de Buenos Aires (1953), en cuya instrumentación incluyó bandoneones. Ese año viajó a París para estudiar con la famosa pedagoga Nadia Boulanger, quien lo convenció de que persistiera en el camino del tango. A su regreso a la Argentina, Piazzolla convocó a músicos de primera línea y formó el Octeto Buenos Aires, con Enrique Mario Francini y Hugo Baralis en violines, Roberto Pansera en bandoneón, José Bragato en violonchelo, Aldo Nicolini en bajo, Horacio Malvicino en guitarra eléctrica y Atilio Stampone en piano. Varias de las versiones del Octeto influyeron de manera determinante en la futura evolución del tango, debido a sus novedades rítmicas y contrapuntísticas. Cuando en 1959 murió su padre, en su memoria, Piazzolla compone la que probablemente sea su obra mas conocida; adiós Nonino. En 1960, después de una estadía en Estados Unidos, donde su estilo se presentó como jazz-tango, formó un quinteto por cuyas sucesivas formaciones pasarían músicos tales como Elvio Bardaro, Dante Amicarelli, Antonio Agri, Horacio Malvicino, Oscar López Ruiz, Kicho Díaz, Osvaldo Manzi y Cacho Tirao.

Y de un pianista ruso como Sviastoslav Richter, pasamos ahora a un violinista Ruso: Leonid Borisovich Kogan. Este violinista que si bien no tuvo el renombre de otros violinistas rusos como David Oistrash, o Nathan Milstein, sin embargo se lo considera como uno de los violinistas mas grandes del siglo 20, y uno de los artistas mas representativos de la antigua unión soviética. Leonid Kogan Nacio en 1924, y fallecido en 1982, su procedencia es ucraniana. A la edad de 10 años fue al conservatorio de Moscú, para estudiar violin con Abraham Jampolsky , y posteriormente con el violinista Jacques Thibaud, uno de los grandes violinistas belgas. A pesar de su formación musical tanto por la parte rusa como por la parte francesa a través de Jacques Thibaud, Leonid Kogan siempre consideró que lo que a él le marco desde el punto de vista musical,fue escuchar en 1934, una serie de conciertos de otro grande del violin; Jascha Heifetz en Moscú. Koogan recordaba que fue a todos los conciertos que dio Heifetz en la capital rusa en 1934, y que podía recordar hasta la ultima nota que en cada uno de ellos había tocado; es mas decía Kogan, Jascha Heifetz había sido el único artista ideal para él. Además de tener relación con otros violinistas de su época como los ya mencionados Jampolsky, Thibaud, y Heifez, koogan tambien tuvo relación con algunos de los principales compositores sovieticos; Dimitry shostakovich llegó a tocar con Kogan acompañándolo en el piano, Aram Jachaturián, del que Leonid Kogan estrenó el concierto Rapsodia Para violin y orquesta, Misislav Baimberg que le dedico a él y a su esposa una sonata para dos violines y piano. Leonid kogan fue el continuador político de una familia de músicos rusos: Los Gilels que tenia además de la hija del pianista ruso Emil Gilels, Elena, tambien pianista, tambien estaba la hermana de Emil Gilel; la violinista Elizaveta Gilels, con quien se casó Kogan y con quien tuvo dos hijos la pianista Nina( quien se desempeñó como acompañante de su padre, y do otros músicos de camara , y su hermano mayor Pavel, quien se ha dedicado a la dirección orquestal por mas de 40 años; uno de los directores de orquesta mas activos dentro de Rusia.

Continuamos el programa, con el gran pianista Ruso Sviastoslav Richter; nacido en 1915, y fallecido en 1997.Richter Llegó a tocar 80 programas distintos en su repertorio como concertists, sin contar la música de cámara. Pero además su genialidad traía una serie de rarezas o excentricidades; como su desprecio por las leyes del mercado discográfico, o su preferencia por tocar en viudades pequeñas, evitando las grandes urbes por las que pasaban los grandes divos de la música. Él era todo lo contrario: huía de las masas, y de las entrevistas, convirtiéndose en un músico con fama de escurridizo e impenetrable. Pero todo eso son pequeñeces, comparado con su inigualable estilo de tocar el piano. Dentro del legado de Sviatoslav Richter como en el de todo artista, encontramos grabaciones excelentes, grabaciones buenas, grabaciones regulares, y grabaciones malas. Dentro de sus mejores grabaciones, están sus versiones de las sonatas de Schubert, tambien de Mozart, las sonatas y conciertos de Prokofiev, que le venían como anillo al dedo por su forma de tocar, y también sus versiones de las sonatas de Haydn para piano; de las que grabó unas cuantas: concretamente 9 sonatas en varios discos. Todas son interpretaciones de referencia. Joseph Haydn compuso una enorme cantidad de musica para piano, y entre ella alrededor de 60 sonatas para piano en las que, como en la sinfonía o el cuarteto de cuerdas, definió el futuro de esta forma musical. En sus comienzos Haydn escribió musica para clave en el estilo del divertimento, una forma de musica instrumental que estuvo de moda durante el siglo 18. En la década del 80 del siglo 18, Haydn se dejó influir por el estilo musical galante. Las sonatas de Haydn pueden interpretarse tanto en clave, como en el fortepiano (el piano de los tiempos de Haydn), o el piano actual. La sonata numero 59 en mi bemol mayor de Haydn, fue compuesta entre1789 y 1790, Fue dedicada a Maria Anna von Genzinger interprete aficionada y amiga del compositor.

De la musica de un gran compositor como lo fue Johann Sebastan Bach, pasamos ahora a otro grande en su genero musical que es el Jazz: estoy hablado del saxofonista estadounidense charles Christopher Parker, Jr; mejor conocido como Charlie “Bird” Parker. Charlie Parker nació en Kansas City, el 29 de agosto de 1920. Falleció en Nueva York, el 12 de marzo de 1955. es considerado uno de los mejores intérpretes de saxofón alto de la historia de ese género musical, siendo una de las figuras claves en su evolución y uno de sus artistas más legendarios y admirados. De igual forma según los críticos del jazz, es uno de los más importantes músicos de la historia junto a Louis Armstrong, Duke Ellington, John Coltrane y Miles Davis. Junto con Bud Powell, Dizzy Gillespie y otros, es uno de los iniciadores del bebop. Su estilo rompe con el del swing y se basa en la improvisación sobre una melodía modificando los acordes, creando así nuevas variaciones sobre la estructura de los temas. En este sentido, aparte de su obra interpretativa, Parker es autor de varios temas que se han convertido en estándares del jazz, como «Ornithology», «Anthropology», «Scrapple from the Apple», «Ko Ko», «Now's the Time» y «Parker's Mood» Hijo único de Charles y Addie Parker, desde su infancia fue un apasionado de la musica Tocó en un principio el bombardón (tuba barítono), antes de cambiarse al saxofón. Su madre se negó a la tuba, pensando que no era un instrumento adecuado para él, así que, ahorrando de todas partes, le compró un saxo alto. Aprendió de manera autodidacta fijándose en los grandes saxofonistas de la época, sobre todo en Lester Young y Buster Smith, sus primeras influencias. A los catorce años abandonó la escuela para sumergirse de lleno en el ambiente musical de su ciudad. Tras algunas experiencias frustrantes en varias jam sessions, Parker consiguió, después de trabajar mucho su técnica, ser considerado ya en 1937 (al unirse a la territory band de Jay McShann), una primera figura del jazz. Parker llegó por primera vez a Nueva York en 1939, donde trabajó como lavaplatos en un club donde podía oír todas las noches a Art Tatum. Realizó su grabación de debut con Jay McShann en 1940, creando solos destacados con un pequeño grupo de la orquesta de McShann en temas como «Oh, Lady Be Good» y «Honeysuckle Rose». Con la big band de McShann lograría en 1941 impresionar a las audiencias con sus nuevas ideas musicales. Tras tocar con Dizzy Gillespie por primera vez en 1940, tuvo una breve colaboración con la orquesta de Noble Sissle en 1942, tocó el saxo tenor con la orquesta de bop de Earl Hines en 1943 y estuvo varios meses de 1944 en la orquesta del cantante Billy Eckstine, aunque la abandonaría antes de que el grupo hiciese sus primeras grabaciones. En el año 1946 sufrió un infarto y en sus últimos años problemas físicos no le permitieron actuar de forma regular. en 1947 tras pasar una temporada hospitalizado a causa de una depresión nerviosa forma su propio conjunto con Duke Jordan, Tommy Porter, Max Roach y Miles Davis, con los que realizará algunas de las más importantes grabaciones de la historia de esta música y poco después, con la orquesta afrocubana de Machito. Su estilo tenía una gran pureza tonal, con técnicas armónicas, melódicas y rítmicas innovadoras y una habilidad natural para la improvisación

En música El término “Partita” que fue utilizado por primera vez en 1599,en un tratado de danza de Prospero Lucci, tuvo diferentes significados a lo largo del renacimiento y el barroco; por un lado, partita significaba una pieza en forma de variaciones sobre algun tema musical. Por otro lado, la partita pasó a ser casi un sinónimo de suite; es decir que era el nombre de una serie de piezas agrupadas de una forma uniforme. De esta manera es como lo utiliza Johann Sebastian Bach en sus diversas partitas; ya sea para clavicémbalo, órgano, flauta, o violin solo. Al violin dedicó tres partitas: tres obras para violin solo conformadas por diversos movimientos, basados en danzas. Además de estas tres partitas para violin solo, Bach compuso tambien tres sonatas para este mismo instrumento. El conjunto completo se publicó por primera vez en 1802; 52 años después de la muerte de su autor. Bach comenzó a componer estas obras alrededor de 1703, en Weimar, y terminó la serie completa alrededor de 1720, mientras ocupaba el puesto de maestro de capilla (Kapellmeister) en Köthen. es muy probable que Johann Sebastian Bach se haya inspirado en las Partitas para violín solo de Johann Paul von Westhoff, pues ambos trabajaron en la misma época en Weimar, y las piezas de ambos presentan similitudes estilísticas. mientras el repertorio para violín solo estaba creciendo en popularidad a la vista del número de piezas compuestas en aquel momento por compositores contemporáneos. Antes de explorar las obras para solista, Bach se había centrado principalmente en la música de cámara durante su estancia en Leipzig donde las sonatas a trío eran compuestas rápidamente y agrupadas por estilos de composición similares.

Los temas que escuchábamos en el segmento anterior fueron grabados en 1928; cuando Benny Goodman tenia 19 años de edad y ya comenzaba hacerse su lugar dentro del ambiente musical Neoyorquino, aunque para época Goodman iba y venia entre Nueva york y su ciudad natal chicago. Con esta grabación y otras que vendrían después, Benny Goodman demostró que era un clarinetista a tener en cuenta; la técnica que tenia era impecable, y un fraseo muy bien articulado. Goldman podía improvisar hasta el infinito; es decir nunca se repetía siempre se le ocurrían cosas nuevad conforme iba interpretando. 1928, fue el año en el que el trompetista Louis Amstrong reinventó el jazz, y deja sentadas las bases de lo que hay que hacer para tocar Jazz; a raíz de su grabación de Western Blues que abrió la puerta a cosas totalmente desconocidas hasta ese momento en la historia de la musica; el Musicólogo estadounidense Gunster Schuller, decía “a partir de Louis Amstrong el jazz dejo de ser una consecuencia de la musica folklórica para transformarse en un autentico arte”. Y estoy hablando de estos músicos Goodman, Miller, Jimmy McPartland , Mick Breidis entre otros; quienes conformaban la orquesta de benny goodman en esa época, que para el momento tenían 19 o 20 años, y se pasaban sus días libres yendo a los barrios de negros de chicago, para escuchar al propio Louis Amstrong, y absorber todo la musica que provenía de otros solistas negros. Los músicos blancos de jazz de chicago entre los cuales estaba Goodman, influidos por sus colegas negros, habían creado un estilo de jazz que tenia cierta personalidad; que se llamó “estilo Chicago”. Se me olvidaba decirles, que el primer tema que escuchábamos en el segmento anterior unas vacaciones de Jazz, esta arreglado por Glenn Miller; quien se destacaría como un gran arreglista a finales de los años 20, y principios de los 30, incluso siguió haciendo arreglos cuando tuvo su propia orquesta. Tambien quiero comentar algo mas sobre el ultimo tema del seglemento anterior wolverins blues, este tema es un dixieland ; si ustedes se preguntan ¿que es Dixieland? Pues es un tipo de jazz, es un subgénero del jazz proveniente del sur de estados unidos. Por esa razón el nombre Dixieland quiere decir tierra del sur.es una musica con predominio de los instrumentos de metal y de la improvisación. Este estilo de tocar jazz Se desarrolla en la década de 1910.

Quiero hablar ahora de Benny Goodman, clarinetista y director de orquesta estadounidense, una de las figuras claves del jazz en estados unidos, y que alcanzó la popularidad durante los años 30; época en la que se le llamó “el Rey del swing”. Mucha gente le discutió este titulo, pero el caso es que él y su orquesta impuso un estilo que copiaron las demás orquestas de la época. Benny Goodman era un clarinetista con una técnica fuera de serie; posiblemente en aquella época no existía un clarinetista con la precisión , esa velocidad, y esa capacidad de improvisar que goodman tenia al tocar el clarinete. Goodman era uno de los grandes solistas del momento, pero tambien era uno de los mas populares directores de orquesta de aquella década. La carrera de Benny Goodman se extendió hasta los años 80; Porque falleció en 1986, a los 77 años en Nueva York (nació en 1909 en Chicago). Benny Goodman era el 9no de doce hermanos e hijo de emigrantes judíos procedentes de Polonia, huyendo de los pogromos esas matanzas de judios que tuvieron lugar en rusa y en polonia a finales del siglo 19. El padre de Benny Goodman, David era un sastre procedente de Varsovia, su madre Dora Rezinski, era de Kaunas. Sus padres se conocieron en Baltimore, Maryland y se trasladaron a Chicago antes de que naciera Benny David tuvo la buena idea de que muchos de sus hijos aprendiesen musica; intuyendo que asi podían salir de aquel gueto judío que había en chicago. Benny Goodman Comenzó a tocar el clarinete a la edad de diez años en la sinagoga, tras lo cual se unió a una banda local. Hizo su debut profesional a los doce años y abandonó la escuela a los catorce para hacerse músico profesional. A los 16 años, en agosto de 1925, se unió a la banda de Ben Pollack, con la que estuvo dos años y con la que hizo sus primeras grabaciones en diciembre de 1926. En 1928 llega a Nueva York, y a partir de ahí la actividad de Goodman es imparable en los estudios de grabación, donde graba para la radio, y tambien graba discos, y participa en las orquestas de los musicales de Broadway. En esa época Benny Goodman tuvo su primera gran orquesta llamada Benny Goodman Boys. En esa orquesta estaban entre otros el hermano de Benny Harry Goodman en la tuba, Jimmy Mcpharlan en la corneta, y otro grande del jazz Glenn Miller en el trombón; con quienes el 23 de enero de 1928 en chicago grabaron el tema que escuchábamos al principio de este segmento, y el que se escuchara a continuación

Vamos a continuar el programa con música de cámar,. esa musica compuesta para un pequeño grupo de instrumentos y que ha enriquecido el catalogo de obras de muchos compositores a lo largo de la historia de la música. En concreto me quiero referir a la musica para violin y piano: Alguien que ha compuesto mucha música para estos dos instrumentos, fue el compositor Checo Antonin Dvorak: la combinación violin/piano inspiró a Antonin Dvorak a realizar un buen numero de bellas partituras que recorren casi de principio a fin su amplísimo legado en cuanto a musica de cámara. Podemos encontrar su romanza opus 11 de 1873 (transcripción del andante del cuarteto de cuerda numero 5), el nocturno opus 40 compuesto en 1875, y orquestado en 1883, el capricho opus 24 de 1878, Mazurek (mazurka opus 49 de 1879 (que fue igualmente orquestada el mismo año), la sonata opus 57 de 1880, la balada opus 15 de 1884, las piezas románticas opus 75b de 1887, y un par de danzas eslavas transcritas en 1891 para este dúo instrumental. La sonatina en sol mayor opus 100 cierra cronológicamente esta gran parte de la producción musical de Dvorak; fue compuesta entre el 19 de noviembre y el 3 de diciembre de 1893, durante su estancia en la ciudad de Nueva York, mientras dirigía el conservatorio de esta ciudad. La obra fue dedicada a sus hijos Otilka y Antonin, quienes estaban estudiando piano y violin, y estrenaron la obra. Esta sonatina fue la última obra que Dvorak compuso en estados unidos, antes de su regreso definitivo a la república Checa en 1895. La Sonatina en sol mayor se puede considerar como la obra más popular del compositor checo para la combinación violin/piano. Dvorak escribió a su editor Simrock sobre la pieza: " Está destinada a los jóvenes, pero también a los adultos, déjalos que la disfruten, también se divertirán tocándola”. Para el crítico musical español Juan Manuel Viana, “la frescura y espontaneidad melódicas, el perfecto dominio formal, y el sabio manejo de los ritmos populares dominan la escritura de esta obra de plena madures, en la que parece transparentarse una atmósfera de felicidad y bonhomía muy acorde con el temperamento de su autor”.

Continuando con el recitativo hay que decir que fue la base para la naciente ópera durante el renacimiento. Pero no solamente fue utilizado en las óperas durante el renacimiento, el barroco, y gran parte del clasicismo; sino también fue utilizado por dos grandes autores de ópera en el siglo 19, como lo fueron Verdi y Wagner. En la ópera el recitativo sirve para separar las arias. Por otro lado hay un tipo de recitativo en canto llano, que ya existía desde hace siglos en la iglesia y en el drama litúrgico. Se diferencia del canto llano por su precisión rítmica, por su armonización y por el tratamiento afectivo de las palabras. Es una forma de canto, normalmente para una sola voz, que se asemeja a palabra, donde el músico debe indicar las inflexiones de la voz. Se llama recitativo a este tipo de canto porque se aplica a la narración, al relato y se utiliza en el diálogo dramático. No se rige por un tempo ni una forma determinada. El recitativo depende mucho del carácter de la lengua: cuanto más acentuada y melodiosa sea, más perfecto será este, porque se asemejará más al lenguaje natural. La poesía griega era prácticamente recitativa porque su lengua era melodiosa. No ocurre lo mismo con otras lenguas como el francés, en el cual la parte hablada se encuentra separada de la cantada por lo que si se canta no se habla y viceversa. El recitativo no se mide al cantar, tan solo el acento dirige la lentitud o rapidez de los sonidos, así como su elevación o descenso. El compositor se encarga de marcar el compás para que corresponda el bajo continuo y el canto. El recitativo suele usar un bajo continuo, su estructura armónica a principios del siglo 17 deriva del madrigal. Toma prestado del madrigal el uso del cromatismo. La velocidad a la que se canta el recitativo depende totalmente de la expresión. Hasta las dos últimas décadas del siglo 17 hubo pocos ejemplos de recitativo acompañado por otros instrumentos de continuo. Durante el siglo 18 se utilizó como vehículo de diálogo y acción dramática y en muchos casos sirve como una unión entre arias. Al comienzo de las óperas la voz y el acompañamiento siempre terminaban juntos, como en el madrigal. En un periodo posterior se hizo costumbre retrasar los dos últimos acordes del acompañamiento hasta que el cantante haya terminado.Una de las funciones del recitativo del siglo 18 fue modular de una tonalidad a otra para preparar el aria siguiente. Mientras que la tendencia después de 1650 fue hacia una diferenciación más clara entre recitativo y aria, se buscaron nuevas formas para unir más estas dos formas. En su naturaleza, el recitativo estaba diseñado solo para cantar. El recitativo a dos partes no es infrecuente en las óperas de finales del s. XVII y principios del XVIII, pero se limitan a pasajes muy breves, en los que los dos personajes cantan las mismas palabras. El término general para el recitativo orquestral fue recitativo acompañado. El recitativo de este tipo se convirtió en una parte indispensable para la ópera seria como el aria dacapo. No solo lo encontramos en las óperas, sino también en la cantata. El acompañamiento con continuo era necesario para la representación de las óperas antiguas, esto fue interpretado a menudo por un violonchelo solo, o un violonchelo y un contrabajo, sin teclado.

A lo largo de estos 159 programas, hemos escuchado varios fragmentos de ópera; ya sean arias, duos, tercetos o cuartetos de ópera. Pero hoy quiero comenzar este programa, hablándoles de un elemento de la ópera que a quienes no son muy aficionados al genero les suele aburrir, pero es un elemento fundamental en la ópera: se trata de el Recitativo. Cuando se inventó la ópera, en Italia durante el renacimiento, lo que se quería era retomar lo que hacían los griegos en el teatro clásico. Pero tenían un problema, y es que la musica tiene un tiempo muy diferente del que tiene el teatro hablado, y el desarrollo dramático se ve ralentizado por la acción musical; entonces llegan a una solución que es lo que se llamó “el estilo recitativo”, que es un hibrido entre lo hablado y lo cantado que permite avanzar la acción. Esto crea un estilo de ópera que se va mantener durante todo el barroco y durante una gran parte del periodo del clasicismo, que es la ópera de pezzi Chiusi o piezas cerradas. ¿Qué quiere decir esto? Que las piezas musicales propiamente dichas, los concertantes, los duos, las arias, etcétera, están separadas por recitativos, que son los que narran la acción, mientras que las arias, duos tercetos o cuartetos, manifiestan los sentimientos. La evolución del recitativo fue lo que permitió la construcción de los personajes, y el transito (en términos de música y de teatro musical), de una emoción a otra; es decir, al poder establecer en términos musicales y en términos de canto la evolución que realiza un personaje de una emoción a otra desarrollando mucho lo que originalmente era el recitativo, esto nos permite ofrecer un retrato y una construcción musical y dramática de los personajes de una ópera; por lo tanto esto hace que el desarrollo de cada personaje en la ópera sea cada vez mayor. Un ejemplo de recitativo, lo podemos encontrar en Claudio Monteverdi, el padre de la ópera, y en su ópera de 1640 , el regreso de Ulises a la patria. Una opera basada en la parte final de la odisea de homero .

comentarios sobre el contenido de esta edición: la sala musical que inauguró Penderecky, sugerencia de dedicarle un segmento a las salas de concierto del mundo. debate sobre la musica o la palabra, habria que invitar a linguistas, semiologos, antropologos, sociologos historiadores, y por supuesto musicos

buscando por ahi nos encontramos con este folleto que la verdad no se sabe como llegó hasta la Biblioteca de la casa, y que se titula Las Rodriguerias de Samuel Robinson. es un folleto que estimula a la lectura de la obra de este gran educador venezolano, que fue el maestro de Simón Bolívar.

no todo el mundo estaba de acuerdo con las ideas musicales de Rousseau; por ejemplo el músico francés Jean Philip Rameau quien era un hombre de su época, decía que no bastaba con sentir la música, sino tambien era necesario hacerla inteligente e inteligible en las leyes eternas que de alguna forma rigen su construcción. Según Rameau se disfruta de la musica, porque expresa a través de la armonía el orden universal. De alguna manera estamos expresando la propia naturaleza que se rige por leyes matematicas, ya que Rameau era muy próximo a la concepción Newtoniana del mundo. Esta obertura representa la salida de los 4 elementos; el agua, el aire la tierra, y el fuego del caos. Pero en este caso no teníamos palabra, solamente teníamos musica. La pregunta de ¿Qué fue primero? Si la palabra o la musica es una pregunta difícil de contestar. Hay otros autores, como por ejemplo el filosofo ingles Herbert Spencer, que tambien era contemporáneo de Darwin, que consideraba que la musica derivaba del lenguaje hablado. Igualmente otros muchos autores sugieren que probablemente la musica surgió a la vez que el lenguaje verbal. Podemos imaginarnos por ejemplo, la revolución que supuso para el hombre primitivo la creación de herramientas; pero ¿Cómo explicar aquello que acababan de crear a sus congéneres? ¿Cómo explicar aquello que ni siquiera tenía todavía ningún nombre? Es realmente difícil poder comunicarnos, y es probable que empezaron a emitir sonido para representar estas nuevas herramientas, y estos sonidos posiblemente estaban unidos a tonalidades musicales; y es muy probable que todo pudiera surgir Mas o menos paralelamente o a la vez. En cualquier caso todos estaremos de acuerdo en que música y palabra son una forma de comunicación, y además en ambos casos podemos distinguir dos elementos que son comunes; uno es la sintaxis, y el otro es la prosodia. La sintaxis es la coordinación de las palabras para expresar ideas, y en musica es la estructura de una pieza. El otro elemento como les decía, era la prosodia que se refiere a la entonación y en musica seria el acento, el tono, o el énfasis de la interpretación. Ambos lenguajes tanto el hablado, como el musical, tienen sus propias capacidades y sus propios inconvenientes; por ejemplo, el lenguaje hablado tiene una mayor capacidad de representación, mientras que la musica tiene una mayor capacidad de despertar emociones

La musica es una forma de comunicación, y las relaciones entre musica y la palabra son numerosas. Es algo asi como preguntarse ¿Qué fue primero? ¿el huevo o la gallina? con la musica y la palabra pasa lo mismo; no hay un acuerdo sobre que fue primero, si la musica o la palabra, o viceversa. Hay opiniones para todos los gustos sobre este tema; por ejemplo el naturalista ingles Charles Darwin,afirmaba que la musica había precedido al habla. Darwin suponía que en los comienzos de la humanidad, la comunicación entre las personas se inicio con la musica, que era utilizada por ejemplo, para atraer a la pareja. Si nos ponemos a pensar, casi todos los rituales, y casi todas las celebraciones implican musica; alguien que opinaba igual que Darwin, era el escritor, pedagogo, filósofo, botánico y naturalista suizo Jean-Jacques Rousseau; quien fue una figura clave de la ilustración francesa, admas (y esto no lo saben todos), fue tambien un gran músico. Rousseau se había formado musicalmente como copista de partituras, y cuando se dedicaba a copiar las obras de otros autores comenzó a pensar e ideó una nueva forma mas simple de realizar la escritura musical, en el que se sustituía las notas y los pentagramas por un sistema cifrado. Por lo visto estas ideas de Rousseau en el terreno musical, no convencieron del todo a las personas de su época poco tiempo después de su llegada a parís; ya que intentó defender esta nueva fórmula para la notación musical ante la academia de ciencias; pero fue rechazada, entre otras cosas porque no era apta para la polifonía, para multiples ritmos. Esto desanimó a Rousseau, y ocasionó que sus primeros años en parís fueran un poco difíciles. Lo que escuchamos es la obertura de el adivino del pueblo; una ópera en un acto con música y libreto en francés de Jean-Jacques Rousseau. Se estrenó en el castillo de Fontainebleau el 18 de octubre de 1752. Esta era una ópera elogiada en su época. Aunque para Rousseau la lengua francesa no tenia musicalidad, esto no le impidió que presentara una composición en francés. Rousseau trataba de sustentar teóricamente sus gustos musicales, pero para él la musica valida solo podía concebirse como canto; la simultaneidad de sonidos que es la armonía, para Rousseau era algo muy rechazable; el decía que la armonía era una invención gótica y bárbara. Entonces solamente se podía disfrutar de la musica según él, con la melodia. Estas ideas están reflejadas en muchos escritos de Rousseau sobre musica

¿Qué es más importante? ¿la música o la palabra? A lo largo de la historia de la música este ha sido el eterno debate sobre el que han discutido infinidad de compositores y teóricos musicales, que según la época que les tocó vivir opinaban a favor o en contra de que la música fuera la protagonista en detrimento del texto dentro de una composición. Para indagar sobre esto, hay que irse hasta el siglo 18, un momento de mucho debate sobre si primaba la musica o la palabra. Hay que decir que es en esta época cuando se reforma la ópera con el compositor alemán Christoph Willibald Gluck; quien buscaba un equilibrio entre la musica y la poesía, sometiendo la musica al texto. Pero tambien en el siglo 18 al mismo tiempo tenemos a una gran figura de la ópera: a Wolfgang Amadeus Mozart; que con un estilo muy personal, proponía una musica que era la portadora del drama; una musica que por si misma explica la acción, y que apenas necesitaba del texto para eso. Hay una famosa frase italiana que resume muy bien esta idea: “prima la musica e poi le Parole”; es decir, primero la musica y después las palabras. Y como Mozart era un músico, pero también un hombre de teatro, sabia comunicar muy bien tan solo con la música. En las óperas del autor austriaco, los libretos no son tan importantes. En su produccion me quiero centrar en la ópera bufa, en concreto, quiero mencionar un titulo : Cosí Fan Tutte (asi son todas, o la escuela de los amantes), una ópera en dos actos estrenada el 26 de enero de 1790, en el Burgtheater de Viena. Una de las tres en las que Mozart contó con la colaboración del libretista Italiano Lorenzo Da Ponte. Mozart y Da Ponte tomaron como tema el "intercambio de parejas", que se remonta al siglo 13, con notables antecedentes como el Decamerón de Boccaccio y el Cimbelino de Shakespeare. También están presentes elementos de otra obra de Shakespeare, La fierecilla domada. Más aún, incorpora elementos del mito de Procris, tal y como se encuentra en las Metamorfosis, de Ovidio. El tema de la trama no ofendió las sensibilidades vienesas de la época, pero a lo largo del siglo 19 y principios del 20 fue considerada atrevida. Después de la Segunda Guerra Mundial, recuperó su lugar en el repertorio operístico estándar. Così fan tutte sigue siendo una de las óperas mas populares

Continuamos el programa con música de cámara para celebrar los 195 años del nacimiento del compositor y organista Belga Cesar Franck; quien nació en la ciudad de Lieja (Bélgica), el10 de diciembre de 1822. Por esta razón comenzamos este segmento con un movimiento de su Sonata para Violín y Piano, una de las grandes obras en lo que se refiere a la música de cámara. Este compositor belga de ascendencia austrogermana, nacionalizado francés, es uno de los más valiosos autores de la llamada escuela moderna, quien junto a Saint-Saëns, Laló, Fauré, Bizet y otros, funda la Sociedad Nacional de Música en el año 1871. Se puede considerar a Cesar Franck como uno de los grandes resurgidores de la música instrumental francesa, cuyo arte innovador y personal inunda páginas tan célebres como las del Quinteto con piano, Sinfonía en Re menor, Cuarteto de cuerda, Variaciones sinfónicas para piano y orquesta, preludio coral y fuga para piano solo. Pese al ambicioso plan trazado por su padre para convertirle en un virtuoso concertista, el espíritu sosegado y tranquilo de Franck, prevalece ante tales expectativas, llegando a ser en 1872, profesor de órgano del Conservatorio de París, entregándose con autenticidad a su doble profesión de organista y compositor. Esta última faceta creadora aparece en él de manera tardía (a los 50 años de edad), pero contundente. Sus enseñanzas fueron pronto bien recibidas y retomadas por un ramillete destacadísimo de seguidores entre los que podemos citar a Vicent D’Indy, su más fiel discípulo, Ernesto Chausson, Alberic Magnard, Guillaume LeKeu, Guy Ropaz, Albert Roussel y Henry Duparc. El 26 de septiembre de 1886, se casa en Bruselas el violinista belga Eugene Ysaye con Luisa Vordeaux de cutreux, por tal motivo Cesar Franck le dedicó esta sonata para violin y piano. En palabras del compositor, “esta sonata describe las diferentes etapas en una relación de pareja”. La obra se preestrenó durante la celebración del matrimonio del violinista belga. La sonata se estrenó oficialmente, el 16 de diciembre de 1886, en el museo moderno de pintura de Bruselas, con Ysaye al violin y el pianista Leontine Bortaigne

Comenzamos el programa de hoy conociendo un auditorio con una acústica execpcional. Para llegar hasta este sitio, por supuesto tenemos que utilizar nuestra imaginación. Imagínense que están en la ciudad polaca de Cracovia, en el sur de polonia, en un pequeño pueblo llamado Luslawice; mas conocido desde que el compositor Kristof Penderecki estableciera allí su lugar de residencia en los años 70, e inaugurase el centro europeo de la Musica que lleva su nombre, el 21 de mayo de 2013; con un concierto protagonizado por la violinista alemana Anne Sophie Mutter, y el Apollon Musagéte Quartet; un cuarteto de cuerdas polaco fundado en 2006. Este centro es como dice el propio Penderecki; “un campus que alberga salas para conferencias, salas de ensayo, estudios de grabación, habitaciones para estudiantes y profesores, una biblioteca, una terraza donde se pueden ofrecer conciertos al aire libre, y en medio del edificio el auditorio; en el que nos adentramos. Esta sala multifuncional y apta para todo tipo de representaciones, fue diseñada cuidando hasta el ultimo detalle. Es una sala en forma de caja de Zapatos recubierta de madera de pino y roble, y siguiendo la forma rigurosa de las demandas de los estándares internacionales en materia de acústica. No es habitual encontrarnos con auditorios tan cuidados en cuanto acústica, y tambien en cuanto a construcción; pero este es una excepción que hace que sea considerado uno de lo mejores auditorios del mundo. Divido en dos niveles este auditorio esta capacitado para 650 personas. Y aunque es bastante sobrio y falto de elementos decorativos, los paneles de madera, los techos altos, y sus sencillas líneas, nos hacen sentir realmente comodos. En este auditorio celebramos los 84 años de penderecki, cumplidos muy recientemente; el pasado 23 de noviembre. Este sexteto cuyo primer movimiento escuchan de fondo, fue compuesto por Penderecki en el año 2000. Esta obra tiene influencias de Bartok y de Shostakovich. ahora vamos escuchar otra de sus obras de cámara compuestas por penderecki; su cuarteto de cuerda numero 3: titulado” Hojas de un diario no escrito”. Una obra compuesta en el año 2008, y estrenada en Varsovia ese mismo año, por el cuarteto Shanghái ; en la celebración de los 75 años del compositor. Es una obra que su autor describe, “como un viaje sentimental”.

No se trata de simplificar ni menospreciar la obra de Bartók, sino de constatar cómo algunas de sus más grandes composiciones entre ellas la “Sonata para dos pianos y percusión, nacieron de la necesidad. La necesidad personal, la necesidad de ganarse la vida y la necesidad de que su música llegase al público en las condiciones óptimas. Bartók fue uno de los compositores europeos a los que el exilio estadounidense no solucionó la vida. Por lo pronto, su música no resultaba popular y además no era contratado como pianista con tanta frecuencia como otros colegas; rechazaba la facilidad y felicidad de la sociedad norteamericana, y su salud estaba resentida. Desde luego, los años que van desde su instalación definitiva en Estados Unidos (1940) hasta su muerte (1945) no fueron precisamente los de un exilio dorado. -Esta sonata fue estrenada en Basilea en 1938, con Bartók y su segunda esposa Ditta Pasztory en los pianos, los percusionistas Fritz Schliessser y Philip Rühlig. Bartók.En ella se utilizan mucho los aspectos percusivos de los pianos y se añaden timbales, bombo, cajas, platos suspendidos y chocados, tam-tam, triangulo y xilófono Seg 2 Estas canciones opus 38, marcaron un cambio en el desarrollo de Sibelius como autor de canciones, ya que dio un paso hacia una mayor complejidad en el lenguaje musical; al mismo tiempo Sibelius demostraba su economía de medios de expresión y en el uso de la armonía. Los títulos de este ciclo de canciones, son los siguientes; tarde de otoño, en un balcón mirando al mar, en la noche, el arpista y su hijo (estas cuatro primeras canciones son textos del escritor Sueco Viktor Rydberg, del que Sibelius musicalizo varios de sus textos); y la ultima de este ciclo; ojala estuviera en la india, (un poema del también sueco Gustaf Fröding). Seg 4 John Cage - pero en concreto quiero hablar de esa intersección entre la musica, y otras artes. CoEn este segmento, quiero hablarles del Fluxus. Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, pero también de la música, la literatura y la danza. El fluxus fue un movimiento contracultural que tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico sociológicomo las artes visuales, la performance, o la arquitectura. -no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“. El fluxus como el dadaísmo, escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Además de su trabajo como compositor y músico, ha creado varios ensamblajes, collages de caligrafía, dibujos y cuadros, muchos de los cuales han sido expuestos a nivel internacional. Seg 5 En aquel tiempo Magalov recibió clases privadas de Serguei Prokofiev, quien era amigo de la familia del joven pianista, y también tuvo la oportunidad de conocer a otros músicos, como Serguei Rachmaninov, y a Joseph Sigueti; con quien realizó sus primeras grabaciones discográficas, y de quien seria yerno al casarse con su hija Irene. Al estallar la segunda guerra mundial, Magalov se estableció en suiza Muchas de las grabaciones discográficas de este pianista, fueron realizadas a partir de recitales en vivo, especialmente en la década de los 60. Si hubo un compositor por el que Magalov se encerró en los estudios de grabación, fue Frederic Chopin; el autor que más interpretó, del que fue un especialista. En la segunda mitad de los años 70, Magalóv grabó el ciclo completo de las obras para piano solo de Chopin; convirtiéndose así en el primer pianista que hizo eso, porque además registro su obra para piano a 4 manos y la de dos pianos, en 16 Lps publicados en 1979

Ya hemos comentado la obra de este escritor venezolano, pero ahora tenemos de nuevo un motivo para traerlo al programa: recientemente le fue otorgado el Premio Nacional de cultura mención Humanidades por la FILVEN 2017, en la cual presentó sus nuevos libros: DEFENSA: UN ENFOQUE DESDE LA CÁTEDRA ECOLÓGICA “VÍAS PARA LA VIDA”, de Sara Otero Santoso, Diana Miguel Moreno y Luis Britto García. EL VERDADERO VENEZOLANO: MAPA DE LA IDENTIDAD NACIONAL y MARAÑA, libro de relatos,poemas, ensayos y otros escritos., Parece que también incluye dibujos, por cierto que en la invitación a la presentación en FILVEN decía algo muy alentador: El autor realizará un dibujo mágico en cada uno de los ejemplares adquiridos… Ojalá nos visite pronto para que nos dibuje nuestros ejemplares. El conocido escritor en un hombre multifacético Nació Caracas, Venezuela, 9 de octubre de 1940), es un escritor, historiador, ensayista y dramaturgo venezolano. Obtuvo un diploma de estudios avanzados sobre América Latina y estudió un año en la École des Hautes Études en Sciences Sociales en París por el año de 1982. Es profesor de la Facultad de Ciencias Económicas y Sociales de la Universidad Central de Venezuela desde 1966, y tiene el rango de profesor titular desde el año de 1988. ……………… Es, lo que se llama, un espíritu inquieto, desde muy joven da rienda suelta a esa inquietud con el desarrollo de numerosas actividades relacionadas con las artes y la política…y el deporte también pues practica el submarinismo. En 1955 inicia con su primo Rodolfo García Cabello, el periódico liceísta "Molécula", con dibujos y trabajos de ficción, que debía pasar por la censura de la Dirección del Liceo. Participa en ese año en manifestaciones liceístas contra la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, gobernante de Venezuela para la época. En 1957, inicia sus estudios de leyes en la Universidad Central de Venezuela y desde el 21 de noviembre de ese año participa en manifestaciones contra la dictadura de Pérez Jiménez Conjuntamente con el fotógrafo y escritor Jaime Ballestas (apodado Otrova Gomás), inicia la publicación quincenal, del periódico universitario El Torturado. Publica algunos de sus primeros relatos literarios en la revista Letras,. En el año 1962 empieza la redacción de su novela Vela de Armas y junto a su amigo, Jaime Ballestas, por invitación del escritor venezolano Miguel Otero Silva director Se graduó como abogado en la Universidad Central de Venezuela en 1962 y de Doctor en Derecho en esta universidad en 1969. Después de obtener su grado de abogado, ejerce en forma privada su profesión a la vez que incursiona en las ideas de izquierda y en el humorismo realizando artículos y caricaturas para los medios venezolanos Clarín y La Pava Macha, ambos de tendencia política de izquierda. En 1964, publica su libro Los fugitivos y otros cuentos, a consecuencia del cual los editores del texto le recomendaron dedicarse al género del ensayo. En 1970 pública su novela Rajatabla que resultó ganadora del Premio Casa de las Américas, aunque los medios impresos de la época ocultaron la noticia, "porque era un premio otorgado por Cuba", según diría más tarde el escritor. La noticia se daría a conocer en forma masiva, porque en un periódico venezolano, el escritor y humorista Aníbal Nazoa publicó una nota relacionada con el Premio y el libro. Gracias a esta estrategia, el libro tuvo gran aceptación entre los lectores. De hecho, en honor a este libro, los integrantes del grupo de teatro "El Juglar", dirigido por Carlos Giménez, adoptaron como nombre "Rajatabla" y solicitaron al autor una pieza teatral, cuyos segmentos va escribiendo éste a medida que avanzan los ensayos. Con respecto a los libros presentados en la FILVEN 2017 que acaba de finalizar, Comentó el autor que EL VERDADERO VENEZOLANO: MAPA DE LA IDENTIDAD NACIONAL se trata de una investigación sobre la manera de ser de los venezolanos. “Siempre se ha escrito de nosotros de una manera impresionista y denigrante. Todas esas atribuciones negativas se examinan y se hace el trabajo sobre el tema para obtener una nueva imagen del venezolano que resulta de investigaciones científicas y metodológicamente correctas.En cuanto a Maraña, se trata de una serie de textos que van desde la autobiografía de una miss, el relato de un psiquiatra asesino y Meyer Baldó quien acompañó al Barón Rojo en su último vuelo. “Es un libro de amplio espectro sobre la base de personajes reales”. Su incesante producción hoy en día está ampliada pues es un incansable usuario de las ventajas de las redes. Por ejemplo , debido a que COMO MUCHOS DE MIS LIBROS ESTÁN AGOTADOS, LA PÁGINA WEB http://www.desdelpatio.org/britto http://luisbrittogarcia.blogspot.com/ DONDE EL LECTOR ENCONTRARÁ LOS SIGUIENTES TÍTULOS: TODO EL MUNDO ES VENEZUELA/ LA CIENCIA, FUNDAMENTOS Y MÉTODO / CONCIENCIA DE AMÉRICA LATINA/ RAJATABLA/ AMÉRICA NUESTRA, INTEGRACIÓN Y REVOLUCIÓN, TOMOS I Y 2./DEMONIOS DEL MAR: PIRATAS Y CORSARIOS EN VENEZUELA, 1528-1727 / DICTADURA MEDIÁTICA EN VENEZUELA / LA MÁSCARA DEL PODER: DEL GENDARME NECESARIO AL DEMÓCRATA NECESARIO / LA MÁSCARA DEL PODER: DE LA CONCERTACIÓN POPULISTA A LA EXPLOSIÓN SOCIAL/ EL IMPERIO CONTRACULTURAL: DEL ROCK A LA POSTMODERNIDAD Dictadura Mediática en Venezuela: www.minci.gob.ve El Imperio Contracultural: del Rock a la Postmodernidad: http://lhblog.nuevaradio.org/b2-img/ElImperioContracultural.pdf http://www.lajiribilla.co.cu/pdf/libroimperiocont.html La invasión paramilitar: Operación Daktari: www.minci.gob.ve Socialismo del Tercer Milenio: tercer-milenio.pdf La Ciencia: Fundamentos y Método: http://editorialubv.files.wordpress.com/2013/05/libro-la- ciencia-fundamentos-y-mc3a9todo.pdf El pensamiento del Libertador: Economía y Sociedad: http://blog.chavez.org.ve/temas/libros/pensamiento-libertador/ La máscara del Poder: http://www.minci.gob.ve/wp-content/uploads/downloads/2013/01/la_mascara_del_poderbrittoco.pdf La lengua de la Demagogia: http://www.minci.gob.ve/wp-content/uploads/downloads/2013/01/la_lengua_de_la_demagogiabrit.pdf Entre sus obras literarias más conocidas, aparte de la anterior, se pueden mencionar: «Los fugitivos y otros cuentos» (1964),«Rubén«, «Racha« (1970), «Venezuela tuya» (1971), «Así es la cosa» (1971), «Vela de armas» (1972), «El tirano Aguirre o la conquista de El Dorado» (1976), «Abrapalabra» (1979), «Suena el teléfono» (1979), «La misa del esclavo» (1980), «Me río del mundo» (1981), «La orgía imaginaria» (1984), «La máscara del poder» (1989), «El poder sin la máscara» (1990), «El imperio contracultural» (1990), «Dámela con masa» (1997), ópera de salsa con música del compositor venezolano Cheo Reyes, «Pirata» (1998), y «Golpe de gracia» (2001), entre otras. Por esta extensa obra ha sido muchas veces premiado por la calidad y contenido de sus obras ha recibido muchos premios literarios, entre los cuales se encuentran: Premio Casa de las Americas, por «Rajatabla» en 1970 y por «Abrapalabra» en 1979; Premio de Teatro Juana Sujo por «Venezuela tuya» en 1971; Premio Municipal de Teatro por «El tirano Aguirre» en 1975; Premio Latinoamericano de Dramaturgia Andrés Bello por «La misa del esclavo» en 1980; Premio de Literatura Humorística Pedro León Zapata por «Me río del mundo» en 1981; Premio Municipal de Ensayo en 1999 por «Demonios del mar: corsarios y piratas en Venezuela 1528-1727»; Premio Ezequiel Martínez Estrada en 2005 por «Dictadura mediática en Venezuela: investigación de una prensa por encima de toda sospecha»; y el máximo galardón literario que se otorga en Venezuela, el Premio Nacional de Literatura, en el año 2002 por el conjunto de su obra. En la actualidad, es partidario de las políticas del ex presidente venezolano Hugo Chávez. Fue reconocido como el escritor homenajeado para la Feria Internacional del Libro de Venezuela en el año 2012. En 2013 y 2014 ha defendido al gobierno venezolano en la Comisión Interamericana de Derechos Humanos.

Ahora les quiero hablar del pianista suizo de origen ruso, Nikita Magalov. Nikita Magalov, nació el 8 de febrero de 1912, en san Petersburgo A los 6 años de edad se trasladó con su familia a Finlandia, debido a la revolución rusa en 1917 y allí permanecieron 4 años, hasta que se establecieron en parís . Nikita Magalov estudió en el Conservatorio de Paris, con Isidore Philipp. Cuando tenía 17 años ganó el primer premio que del conservatorio parisino. En aquel tiempo Magalov recibió clases privadas de Serguei Prokofiev, quien era amigo de la familia del joven pianista, y también tuvo la oportunidad de conocer a otros músicos, como Serguei Rachmaninov, y a Joseph Sigueti; con quien realizó sus primeras grabaciones discográficas, y de quien seria yerno al casarse con su hija Irene. Al estallar la segunda guerra mundial, Magalov se estableció en suiza; y desde 1949, hasta 1959 sustituyo al pianista rumano Dinu Lipatti, en las clases magistrales que ofrecía en el conservatorio de Ginebra; desde entonces, Magalov se convirtió en un respetado maestro de piano con alumnos como la pianista argentina Marta Argerich, o el pianista y director de orquesta francés Michel Dalberto. En la década de los años 60, Magalov realizo varias giras de conciertos, y distintas grabaciones, el cual fue su periodo más prolífico. Además, Magalov también ejerció labores de compositor, ya que escribió una sonatina para violín, piezas para piano, y canciones. Nikita Magalov no dejó de ofrecer conciertos prácticamente hasta su fallecimiento. Murió el 26 de diciembre de 1992, en Vevey, Suiza. Muchas de las grabaciones discográficas de este pianista, fueron realizadas a partir de recitales en vivo, especialmente en la década de los 60. Si hubo un compositor por el que Magalov se encerró en los estudios de grabación, fue Frederic Chopin; el autor que más interpretó, del que fue un especialista. En la segunda mitad de los años 70, Magalóv grabó el ciclo completo de las obras para piano solo de Chopin; convirtiéndose así en el primer pianista que hizo eso, porque además registro su obra para piano a 4 manos y la de dos pianos, en 16 Lps publicados en 1979. Además entre sus cartas de presentación como concertista, realizó 6 recitales, en los que interpretó las obras más importantes del autor polaco.

Ahora nos vamos hasta la música contemporánea; pero en concreto quiero hablar de esa intersección entre la musica, y otras artes. Como las artes visuales, la performance, o la arquitectura. Hoy en día, buena parte de la producción artística posee tambien un fuerte componente sonoro. Y a su vez, muchos músicos amplian su trabajo acústico mediante elementos visuales basados en mayor o menor medida en las nuevas tecnologías que han surgido en los últimos 100 años (cine, video, o lo digital. En este segmento, quiero hablarles del Fluxus. Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, pero también de la música, la literatura y la danza. El fluxus fue un movimiento contracultural que tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón. Cuando el fluxus se desarrolla en Estados Unidos y Europa, bajo el estimulo del musico estadounidense John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“. El fluxus como el dadaísmo, escapa de toda tentativa de definición o de categorización. En este movimiento, además de John Cage participaron figuras como Yoko Ono, y Philip Corner; un musico estadounidense nacido en 1933. Además de compositor es rombonista, vocalista, pianista, teórico de la música, educador musical y artista visual. Trabajó como compositor y músico en el Judson Dance Theatre y más tarde con la Experimental Intermedia Foundation por invitación de Elaine Summers. En 1963 fundó el Tone Roads Chamber Orchestra junto con Malcolm Goldstein y James Tenney, así como el Out of Silent Spaces con Julie Winter en 1972 y Gamelan Son of Lion con Barbara Benary y Daniel Goode, que fue fundado en 1976 y permanece en activo. Además de su trabajo como compositor y músico, ha creado varios ensamblajes, collages de caligrafía, dibujos y cuadros, muchos de los cuales han sido expuestos a nivel internacional.

Duke Ellington es un invitado frecuente en este programa, porque es sin lugar a dudas unos de las personalidades más importantes, no solo de la historia del Jazz, sino también de la música del siglo 20 en general. Porque Ellington tiene un catalogo de más de mil composiciones, además de canciones, suites, e incluso llego a experimentar con otras formas musicales aparte del jazz; como la música sacra óperas, y ballet. Muchos melómanos consideran que nadie ha escrito tanta y tan buena música, como Ellington durante buena parte del siglo 20. La grabación que escuchamos para comenzar este segmento del programa, fue hecha en 1962; es una grabación que proviene de una serie de grabaciones que no se sabe exactamente en cual mes. en ellas se registran una serie de temas que dan la sensación de que Ellington las había hecho estas grabaciones,para que el músico Ray Nance fuese el protagonista en todos los temas que se grabaron. La que estamos escuchando es una grabación hecha en vivo, en enero o febrero de 1962. Es un tema que Ellington compuso en 1940, junto con el trombonista puertorriqueño Juan Tizol, con quien tambien había compuesto otros standars de Jazz como Caravan, o “Perdido”. El tema que estamos escuchando tiene un sabor oriental, en el intervienen Harry Carney saxo Baritono, sam Woodiar percusión, Aron Bell contrabajo, Lawrence Brown, trombón, y Ray Nance en la trompeta. Ahora vamos con otro tema de Ellington y Strayhorn, compuesto durante una gira que Ellington y su orquesta hicieron por medio oriente, un tema queBilly Strayhorn, y Duke Ellington dedicaron a la ciudad iraní de Isfahán, que se convirtió en un autentico estándar de jazz, porque lo han interpretado muchos músicos de jazz

Junto con la musica orquestal, el ámbito que más cultivó Sibelius fue la musica vocal; pero debido a la dificultad del idioma, ya sea fines ¿finés?o Sueco, no es este un repertorio que se haya dado a conocer más allá de Finlandia, o los países escandinavos. En los primeros años del siglo 20, los más productivos de la carrera de Sibelius, también compuso una gran cantidad de canciones. Les hablo del periodo comprendido entre los años 1898, y 1906; en el que el músico compuso los ciclos de canciones opus 36, 37, 38 y 50. Además de 4 canciones, que más adelante enumeraría como su opus 17. Sibelius compuso una serie de piezas para voz y piano que se quedaron sin número de opus, con la excepción del opus 50, estas canciones tienen la influencia del romanticismo musical tardío; influencia que también está presente en sus dos primeras sinfonías, y o en su concierto para violin. Además las canciones de Sibelius que más se interpretan hoy en día, están comprendidas entre esos opus; el 36, el 37, y el 38. Este último grupoEl ciclo de canciones opus 38, fuefueron compuesto entre 1903, y 1904, momento en el también compuso su concierto para violin. Estas canciones opus 38, marcaron un cambio en el desarrollo de Sibelius como autor de canciones, ya que dio un paso hacia una mayor complejidad en el lenguaje musical; al mismo tiempo Sibelius demostraba su economía de medios de expresión y en el uso de la armonía. Los títulos de este ciclo de canciones, son los siguientes; tarde de otoño, en un balcón mirando al mar, en la noche, el arpista y su hijo (estas cuatro primeras canciones son textos del escritor Sueco Viktor Rydberg, del que Sibelius musicalizo varios de sus textos); y la ultima de este ciclo; ojala estuviera en la india, (un poema del también sueco Gustaf Fröding). Tambien hay que decir que las dos primeras canciones de este ciclo opus 38, son dos de las canciones más populares de Sibelius en tierras nórdicas.

Quien no debía de tener muchos problemas con los intérpretes de sus obras era Béla Bartók, viajero y exiliado perpetuo que llevaba consigo un repertorio propio que le permitía ganarse la vida como ejecutante, a la vez que daba a conocer sus composiciones. No se trata de simplificar ni menospreciar la obra de Bartók, sino de constatar cómo algunas de sus más grandes composiciones entre ellas la “Sonata para dos pianos y percusión, nacieron de la necesidad. La necesidad personal, la necesidad de ganarse la vida y la necesidad de que su música llegase al público en las condiciones óptimas. Bartók fue uno de los compositores europeos a los que el exilio estadounidense no solucionó la vida. Por lo pronto, su música no resultaba popular y además no era contratado como pianista con tanta frecuencia como otros colegas; rechazaba la facilidad y felicidad de la sociedad norteamericana, y su salud estaba resentida. Desde luego, los años que van desde su instalación definitiva en Estados Unidos (1940) hasta su muerte (1945) no fueron precisamente los de un exilio dorado. Entre sus dos últimos cuartetos, compuestos en 1934 y 1939, Bartok concibió una de las partituras más originales de su carrera y en la historia de la música occidental, la Sonata para dos pianos y percusión en 1937. Después de haber experimentado con el piano y la percusión en tres obras orquestales, el autor decidió explorar ambas entidades dentro del formato de cámara e incorporó un segundo piano para obtener una capacidad sonora que le permitiera contrarrestar el volumen, la dinámica y la variedad de las percusiones. La sonata para dos pianos y percusión, es para muchos melómanos y Bartokianos en particular, no solamente la culminación de la música de cámara del musico húngaro; sino que, junto al cuarteto de cuerda numero 5 y la musica para cuerda, percusión, y celesta representan las tres obras maestras de Bartók. Obras que sin duda son cercanas en el tiempo y en el estilo del autor. Esta obra fue un encargo de la Sociedad internacional de música contemporánea, concretamente de la seccional de Basilea en suiza, que quería festejar su 10mo aniversario. Esta sonata fue estrenada en Basilea en 1938, con Bartók y su segunda esposa Ditta Pasztory en los pianos, los percusionistas Fritz Schliessser y Philip Rühlig. Bartók.En ella se utilizan mucho los aspectos percusivos de los pianos y se añaden timbales, bombo, cajas, platos suspendidos y chocados, tam-tam, triangulo y xilófono

como cualquier padre) a sus dos primeros hijos, esperando que le dieran trabajo en otra ciudad; dos hijos que ya componían música en un estilo moderno: Wilhelm Friedemann, y Carl Phillip Emanuel Bach Seg 2 O el mito de Orfeo; que es tal vez el más antiguo y más significativo, porque como ustedes saben, Orfeo unió el canto con el sonido de su Lira, y con esto produjo un efecto encantador y mágico ante los demás Precisamente el mito de Orfeo, ha sido tratado de forma muy frencuente a lo largo de los últimos 4 siglos; desde el primero de todos, que es el Orfeo del compositor italiano Claudio Monteverdi; una de las primeras óperas que se conservan, o mejor dicho Favola in Musica, en un prologo y 5 actos, que se estrenó en el año 1607 Seg 3 Estamos hablando de la relación entre música y placer. Se podría incluir como placenteros, esos momentos en los que por primera vez escuchamos el timbre de un instrumento musical Hace 1600 años mientras el oráculo de Delfos todavía vaticinaba el destino del hombre, Hipócrates dijo “el hombre debería saber que desde el cerebro y exclusivamente desde el cerebro, surgen todos nuestros placeres, dichas, risas, además de nuestras penas, dolores, tristezas, y lagrimas. Seg4 Clayton era un trompetista de jazz de nacionalidad estadounidense, conocido por ser uno de los principales miembros de la orquesta de Count Basie, y líder en diferentes jam sesión de los años 50. Su principal influencia la recibió de Louis Armstrong. Clayton trabajó de manera estrecha con Li Jinhui, padre de la música popular china en Shangai. Clayton,a largo plazo, con su contribución cambió la historia de la música en China, Hong Kong y Taiwan El padre de Clayton era un músico aficionado y relacionado con la iglesia local, que fue el responsable de enseñar a su hijo a tocar la trompeta con seis años de edad. Con esa edad también tocaba el piano, y más adelante Clayton aprendió trompeta con Bob Russell, miembro de la banda de George E. Lee A partir de entonces, diferentes fuentes exponen diferentes vías mediante las cuales Clayton acabó en Shangai. Según unas, Clayton fue escogido por Teddy Weatherford para trabajar en el Canódromo en la Concesión Francesa en Shangai.1 Otras afirman que escapó temporalmente de los Estados Unidos para evitar el racismo. Desde 1934 a 1935, según algunas fuentes, lideró los "Harlem Gentlemen" en Shangai. Su experiencia en el este fue única, sufriendo Clayton discriminación por parte de los marines estadounidenses estacionados en Shangai.2 Según varios informes, fue atacado por soldados, que llegaron a tirarle ladrillos. Por el contrario, fue tratado por los chinos como si fuera miembro de la elite. Seg5 El crítico inglés Stanley Dance acuñó el término "mainstream" en la década de 1950, para describir el estilo de aquellos músicos de la era del swing que se encontraban a medio camino entre el estilo clásico y el modernista. Clayton fue precisamente uno de los instrumentistas a quien más se aplicó dicha denominación Poco después de tocar en el Festival de Jazz de Nueva Orleans en 1969, Clayton se sometió a cirugía labial, y tuvo que dejar de tocar la trompeta en 1972. Pudo volver a tocar en 1977 para una gira por África patrocinada por el Departamento de Estado de los Estados Unidos, pero en 1979 hubo de dejar la trompeta de manera definitiva, aunque siguió trabajando como arreglista.strumentistas a quien más se aplicó dicha denominación. Seg 6 : “En sus textos dedicados a la música, Pablo se ha dado a la tarea de indagar incluso en la raíz de lo que podemos apreciar como belleza y entender como música. Porque, a fin de cuentas, ésta es la pregunta que late entre las notas y silencios de estos textos: ¿qué es la música? Y es que con la música pasa lo mismo que con la poesía, esa música de las palabras. Su sentido y su significado no se encuentra solamente en su significado semántico, o en el sonido de las palabras y los versos, en su concatenación y fraseo, asonancias y consonancias, sino, sobre todo, en sus márgenes: los silencios y los ecos. Se trata de vivir la música, ese misterio, hasta llegar a descubrir el milagro de que todo lo que

“A la musica no hay que entenderla, simplemente hay que gozar con el placer de escucharla.” Esta es la premisa con la que el crítico musical Mexicano Pablo Espinosa (Cordoba, Veracruz, Mexico, 1956) nos invita a escuchar música en su libro “La música, ese misterio”; publicado en 2016 por la Universidad Autónoma de Nuevo Leon (México). En este, libro por medio de relatos y reflexiones en torno a la musica, sus autores e interpretes. Espinosa nos invita a un recorrido que va desde la musica medieva,l hasta la musica contemporánea. El poeta mexicano Alberto Blanco escribió el prólogo de dicho libro en el que dice, citando a Garcia Marquez, :“hasta descubrir que todo lo que suena es musica, incluidos los platos y los cubiertos en el lavadero, siempre que cumplan la ilusión de indicarnos por donde viene la vida”. Alberto Blanco, poeta mexicano, escribe sobre este autor, lo siguiente: “En sus textos dedicados a la música, Pablo se ha dado a la tarea de indagar incluso en la raíz de lo que podemos apreciar como belleza y entender como música. Porque, a fin de cuentas, ésta es la pregunta que late entre las notas y silencios de estos textos: ¿qué es la música? Y es que con la música pasa lo mismo que con la poesía, esa música de las palabras. Su sentido y su significado no se encuentra solamente en su significado semántico, o en el sonido de las palabras y los versos, en su concatenación y fraseo, asonancias y consonancias, sino, sobre todo, en sus márgenes: los silencios y los ecos. Se trata de vivir la música, ese misterio, hasta llegar a descubrir el milagro de que todo lo que suena es – o bien puede llegar a ser – música, incluída la conversación de los platos y los cubiertos en el lavadero, las teclas de mi computadora y el suave aleteo de las hojas del libro entre sus manos.” En este libro Espinosa, reúne ensayos, reflexiones e indagaciones sobre asuntos musicales que le interesan, en un lenguaje sencillo con la intención de compartir y despertar en el lector el mismo entusiasmo que siente hacia la música.

Tras su licencia de la milicia en 1946, trabajó en arreglos para Count Basie, Benny Goodman y Harry James, y formó parte de los conciertos JATP de Norman Granz, actuando en abril junto a Young, Coleman Hawkins y Charlie Parker, y en octubre con la primera gira por los Estados Unidos de los JATP. En esa época también grabó para el sello H.R.S., y en 1947 volvió a Nueva York, trabajando en el club Café Society. Al año siguiente tocó con Jimmy Rushing, también discípulo de Basie, en el Savoy Ballroom. Clayton y Rushing volvieron a trabajar juntos ocasionalmente en la década de 1960.A partir de septiembre de 1949 Clayton permaneció nueve meses en Europa, liderando un grupo propio en Francia. Clayton grabó de manera intermitente en los siguientes años para el sello francés Vogue Records. En 1953, y de nuevo en Europa, hizo una gira con Mezzrow por Italia. El crítico inglés Stanley Dance acuñó el término "mainstream" en la década de 1950, para describir el estilo de aquellos músicos de la era del swing que se encontraban a medio camino entre el estilo clásico y el modernista. Clayton fue precisamente uno de los instrumentistas a quien más se aplicó dicha denominación. En diciembre de 1953 Clayton se embarcó en una serie de álbumes de jam session para Columbia Records, los cuales habían sido ideados por John H. Hammond, aunque George Avakian era el principal productor. Las sesiones de grabación de dichos discos duraron hasta 1956. Dos de dichos discos fueron Jumping at the Woodside y Jazz Spectacular (con Kai Winding y J. J. Johnson, y Frankie Laine como vocalista). Clayton también grabó en esa época para Vanguard Records, con producción de Hammond, y en compañía de Ruby Braff, Mel Powell y Sir Charles Thompson. En 1955 actuó en Benny Goodman Story, trabajando también con Goodman en Nueva York en el Hotel Waldorf-Astoria dos años después. En 1958 estuvo en la Exposición General de primera categoría de Bruselas (1958) para actuar en dos conciertos con Sidney Bechet, y el año siguiente viajó por Europa, y anualmente a lo largo de los años sesenta. Para la compañía Swingville (subsidiaria de Prestige Records) trabajó en dos álbumes con Buddy Tate, y dio apoyo a Pee Wee Russell. n 1964 actuó en Japón, Australia y Nueva Zelanda con Eddie Condon, con quien ya había tocado de manera ocasional a lo largo de varios años. En los primeros años sesenta fue artista invitado de la banda del trompetista británico Humphrey Lyttelton, actuando en directo y grabando varios discos. A fin de sortear las limitaciones del Sindicato de Músicos del Reino Unido, fue necesario afirmar que dichos discos se habían grabado en Suiza. Poco después de tocar en el Festival de Jazz de Nueva Orleans en 1969, Clayton se sometió a cirugía labial, y tuvo que dejar de tocar la trompeta en 1972. Pudo volver a tocar en 1977 para una gira por África patrocinada por el Departamento de Estado de los Estados Unidos, pero en 1979 hubo de dejar la trompeta de manera definitiva, aunque siguió trabajando como arreglista. Posteriormente dio clases en el Hunter College de la Universidad de la Ciudad de Nueva York entre 1975 y 1980, y de nuevo en la década de 1980.